HEITSCH GALLERY
Seit 1994 betreibt Joerg Heitsch die zeitgenössische internationale Galerie für Kunst, Kommunikation und Markt in München am Gärtnerplatz. Der Fokus liegt auf abstrakter und minimalistischer Malerei und Skulptur, konzeptioneller Kunst und digitalen Medien. Das Engagement gilt zeitgenössischen Künstlern, die moderne Inhalte vermitteln und die Kunstgeschichte neu ausloten. Mit der internationalen Präsenz auf Messen und einem breiten Netzwerk im Kunstbetrieb, der Kulturwelt sowie der Wirtschaft versteht sich die Galerie als interdisziplinärer Vermittler von Inhalten, Qualität und Nachhaltigkeit. Since 1994 Joerg Heitsch runs the contemporary international gallery for art, communication and market in Munich at the Gärtnerplatz, focused on abstract and minimalist painting and sculpture, conceptual art and digital media. The gallery is committed to contemporary artists who convey modern content and explore art history renewed. With its international presence at trade fairs and a broad network in the art world, the cultural world and the economy, the gallery operate as an interdisciplinary mediator.
HEITSCH GALLERY ReichenbachstraĂ&#x;e 14 80469 Munich Germany
office + 49 89 269 49 11 0 di-fr 10 am -7 pm, sa 12 am - 6 pm heitschgallery.com info@heitschgallery.com by appoinment cell + 49 160 727 61 54
FUTURE LAB
Die HEITSCH GALLERY verwandelt die konventionelle Galerie in eine Kommunikationsplattform für Kreative. Wir bieten Kunstliebhabern in den nächsten Monaten einen Service der ganz besonderen Art. Live-Streamings, digitale moderierte Artist-Talks und Videos geben Einblicke in die Galerie und hinter die Kulisse künstlerischen Schaffens, ergänzt von der Möglichkeit unsere Galerie in digitalen Räumen zu besuchen. Vor Ort in unseren Räumlichkeiten am Münchner Gärtnerplatz bieten wir Interessierten einen Service, den es so nicht gab. Nach Vereinbarung stellen wir für bis zu zwei Personen eine exklusive Präsentation ihres Lieblingskünstlers zusammen. Dieser Service ist nicht auf die Galerie beschränkt, denn wir bieten auch die Möglichkeit ein Kunstwerk ihrer Wahl kostenlos im Raum München (bis zu einem Meter groß) in Ihrer Wohnung oder Ihrem Betrieb Probe zu installieren. Schicken Sie uns einfach eine Mail an INFO@HEITSCHGALERIE.DE oder kontaktieren Sie uns telefonisch unter 089 269 49 110. DiedigitalenMöglichkeitenbietenRaumfürInnovationundneuePerspektivenaufdieWeltvonmorgen.
Die aufstrebenden und bereits etablierten Künstler der HEITSCH GALLERY, deren Kunst tief in der traditionellen Kunstgeschichte verwurzelt ist, präsentieren ihre Kunstwerke im Dialog zu den Alten Meistern und den großen Namen der Moderne. Durch unser neues Ausstellungskonzept werden sie zu einem innovativen Bestandteil der digitalen und realen Kunstwelt. Wir sind stolz Ihnen folgende Künstler als Teil des Projekts FUTURE LAB zu präsentieren: JIM AVIGNON, LUCAS BLOCK, MARCO CASENTINI, STEFAN FAAS, GYÖRGY GASPAR, ANGELA GLAJCAR, CHRISTIANNE GRIMM, JOERG HEITSCH, ROLAND HELMER, JESSUS HERNANDEZ, ROMAN KLONEK, EIKE KÖNIG, SLAVA SEIDEL, ZSUZSANNA KORODI, LASZLO OTTO, MARCK, ANTONIO MARRA, MEDARDUS, HERBERT MEHLER, OWUSU-ANKOMAH, JÜRGEN PAAS, DIRK SALZ, RALF SCHMERBERG, HENNING VON GIERKE, MOTO WAGANARI, MATHIAS ZIMMERMANN.
JIM AVIGNON (DE) Der schnelle Wechsel zwischen Sparten, Genres, Milieus und Kontexten ist Teil der kßnstlerischen Strategie Jim Avignons. Die Regeln des Kunstmarktes haben ihn noch nie interessiert, nur wenn es galt, sie zu brechen oder ironische Spielchen mit ihnen zu treiben. All-round artist Jim Avignon is internationally renowned as a painter, musician, performance-artist and writer. His naive cartoon style is deceiving - with a touch of irony he questions our capitalistic globalised world. His fast and low priced mass production sabotages the strategies of the art market and disapproves of financial speculation. Although Avignon is long since considered an iconic figure in the Berlin art- and music scene he still manages to cross the boundaries of mainstream and underground. FREELANCER 2020, 140 x 160 cm, Acryl auf Papier / acrylic on paper THE CITY OF MEMORIES 2020, 210 x 160 cm, Acryl auf Papier / acrylic on paper DÉJEUNER 2016, 154 x 216 cm, Acryl auf Papier / acrylic on paper
LUCAS BLOK (US) Der Künstler Lucas Block führt den Betrachter in eine Welt von Farbverhältnissen, die optischen Nerven und Emotionen gleichermaßen ansprechen. Zunächst erscheinen die lebendigen Farbfelder in geometrischer Strenge angeordnet um sich dann in einem Spiel aus Form und Farbe vollends zu entfalten. Die unberührten Flächen von Bloks Gemälden vibrieren: dominante Formen scheinen zu entmaterialisieren; und bieten Betrachtern, die sich auf diese Entschleunigung einlassen, weit mehr als ein visuelles Erlebnis. Lucas Blok's paintings emanate and pulse with a quiet complexity. One first sees the vivid color fields arranged in geometric tautness, then the subtleties in color and shape begin their work. The pristine surfaces of Blok's paintings vibrate: dominant shapes seem to dematerialize; color chords register their optical strength; phantom colors migrate or surge across the picture plane. The artist ushers the viewer into a world of color relationships that play on optical nerves and emotions alike.
Untitled 2007, 137,5 x 137,5 cm, Acryl auf Leinwand /acrylic on canvas
MARCO CASENTINI (IT) Marco Casentini erkundet in seiner Arbeit räumliche Dynamiken von Farbe, Textur und Form. Seine von der Gestaltung des städtischen Raums inspirierten Werke spiegeln sein Interesse an Geometrie sowie Architektur und eröffnen dem Betrachter mit ihrer leuchtenden, hellen Farbpalette die Stimmung der lebendigen Häuseranstriche Südkaliforniens und Mexikos. Marco Casentini explores in his work spatial dynamics of color, texture and shape. He is inspired by designs of urban space and reflects geometrical and architectural questions. By decoding environments and urban structures that he perceives immediately, he deconstructs and interprets designs of architects, engineers and town planners. Casentini´s use of radiant, bright or strong colors is stimulated by southern Californian or Mexican paintings of houses and dematerializes their architectural surfaces. Audi e-tron - Art Car Ferrari - Art Car Up and down the border 2016, 170 x 170 cm, Acryl und Plexi auf Leinwand / acrylic and plexi on canvas
STEFAN FAAS (DE) Der Stahlbildhauer Stefan Faas gestaltet seine Stelen und Köpfe aus zwei Materialien mit gänzlich unterschiedlicher Oberflächenbeschaffenheit: Cortenstahl und hoch poliertem Spiegelstahl. Die hochpolierte Oberfläche des Spiegelstahls erweitert die Skulptur um eine weitere, entscheidende Dimension. Neben der Form und dem Bezug zum Raum tritt nun die Reflexion hinzu. Die gesamte Umgebung spiegelt sich ebenso wie der Betrachter in der blanken Oberfläche und wird somit zu einem Teil des Kunstwerks. Like all the works of Stefan Faas, the towering corten steel stelae, reaching monumental proportions, refer back to the human body. They are, however, extremely stylized and heavily distorted in their anthropomorphic form. The highly polished surface of the mirrored steel gives the sculpture an additional, significant dimension. In addition to the form of the piece and its relation to the space around it, now reflection comes into play. ANTHROPOMIR ORPHEUS & EURYDIKE 2017, 100cm incl. Stahlsockel, Spiegelstahl / mirror steel ANTHROPOMIR TESTA VII 2016, h. 36 cm, Spiegelstahl / mirror steel ANTHROPOMIR TESTA X 2018, h. 36 cm, Spiegelstahl / mirror steel ANTHROPOMIR TESTA L-II 2017, h. 43 cm, Spiegelstahl / mirror steel ANTHROPOMIR TESTA XII 2018, h. 36 cm, Spiegelstahl / mirror steel ANTHROPOMIR TESTA VI 2016, h. 36 cm, Spiegelstahl / mirror steel ANTHROPOMIR PYRAMUS&THISBE III 2018, h. 110 cm incl. Stahlsockel, Spiegelstahl / mirror steel
GYÖRGY GÁSPÁR (HU) György Gáspárs Werk kann mit dekonstruktiver Architektur in Verbindung gebracht werden. Fragmente von skulpturalen Formen sind erkennbar, die an ein mathematisches System erinnern. Auf eine bestimmte Weise scheint sich das organische Netz aus präzisen geometrischen Linien und Elementen im Inneren des Glases auszudehnen. Tiefe psychische Erfahrungen werden möglich. In einem komplizierten Prozess schichtet der Künstler verschieden bemalte transparente Glasscheiben aufeinander und lässt so seine Glasskulpturen entstehen. György Gáspár’s work can be associated with deconstructive architecture. Fragments of sculptural forms are recognizable, reminiscent of a mathematical system. In a certain way, the organic network of precise geometric lines and elements inside the glass seems to expand. Deep psychic experiences become possible. In a complicated process, the artist layers differently painted transparent glass panes on top of each other, thus creating his glass sculptures. WHOOSH 2019, 38 x 36 x 18 cm, geklebtes, geschliffenes, handgezogenes, poliertes Glas glued, cut, hand drawn, polished glass
ZSUZANNA KORODI (HU) “Ich denke immer in Schichten. Die Schichten rufen parallele und senkrechte Bilder hervor, die sich sowohl in Raum als auch in Zeit bewegen und durch einen sich wiederholenden Rhythmus gekennzeichnet sind. In meinen Skulpturen und Bildern entsteht das visuelle Bild, die Bewegung oder Geometrie des Lichts immer zwischen zwei solchen Schichten in einem bestimmten Abstand voneinander. Ich arbeite mit handwerklichen, industriellen und digitalen Technologien.”
„I always think in layers. The layers induce parallel and perpendicular images, which move in both space and time, and characterized by a repeating rhythm. In my sculptures and images, the visual image, movement, or geometry of light is always created between two such layers at a given distance from one other. I incorporate handcraft, as well as industrial and digital technologies in my work.“
ZIP., 2020, 35 x 60 x 4 cm geklebtes, geschnittenes, gedrucktes Glas / glued, cutted, printed glass
LASZLO OTTO (HU) In den Werken von Laszlo Otto wird die unsichtbare Welt der Geometrie sichtbar. Seine Werke strahlen Konzentration und Kontemplation aus. Systematische Strenge trifft auf ein feines, graziles Spiel mit Farben.
In Laszlo Ottos paintings the invisible world of geometry becomes visible. His works radiate concentration and contemplation. Systematic strictness is complimented by a fine, delicate play with colours.
DAYTONA ROLEX 2018. 125 x 160 x 8 cm Lindenholz, Gold, Oleoresin color / Linden wood, gold, oleoresin color
ANGELA GLAJCAR (DE) Angela Glajcar verbindet Gegensätze. Ihre Papierskulpturen schweben frei im Raum oder bilden massive Blöcke. Sie wirken vom Material her leicht und zart, zeigen aber eine starke skulpturale Präsenz. Terforation nennt Angela Glajcar die Kuben aus weißen Papieren. Ihre streng geometrische Form wird aufgebrochen durch gerissene Kanten oder verschieden große Öffnungen. Durch die Staffelung der Papiere entstehen Hohlräume von einer enormen räumlichen Tiefe. Angela Glajcar’s paper sculptures are hanging or floating in the air. Even though they seem light and delicate, they show a strong sculptural presence. Terforation is the title of Angela Glajcar’s cubic pieces. The staggered arrangement of the vertically hung series of sheets of white paper with torn edges, produces cave-like recessions. These extend into the depth of the sculpture. PAPERWALL 2018-001. PAPERWALL 2018-002 Paperwall 2018-002, 96 x 100 x 21cm, TERFORATION 2017-037 2017, 79 x 210 x 40 cm Papier 400g (hellweiß), gerissen, Halterung aus Metall und Kunststoff / Paper 400g, torn, metal mount and plastic
CHRISTIANNE GRIMM (DE) Christiane Grimm gestaltet ihre Bildobjekte meist als Räume aus verschiedenen Gläsern und Materialien, die sie so anordnet, dass die Durchbrechung des einen durch das andere eine kalkulierte und zugleich vitale Bildwelt erzeugt. Es sind poetische Gebilde und Scheinarchitekturen aus lichten, schwebenden Flächen – unbunt oder farbig. Die Anordnung der einzelnen Elemente unterwandert jeden Versuch einer eindeutigen perspektivischen Zuordnung. Christiane Grimm creates objects with different layers of glass and other materials which are arranged in such a manner, that the incoming light creates an almost holographic effect. Grimm experiments with the potential of color and with the brightening in subtle transitions. They are poetic constructs and illusionistic architectures out of clear, seemingly floating plains – achromatic and chromatic.
Gerade jetz 2019, 80 x 80 x 10 cm, Acrylglas und Mischtechnik / Plexiglas and mix media
JŒRG HEITSCH (DE) Jœrg Heitsch studierte freie Malerei am Art Institute of Chicago, sowie bei Jörg Immendorf und Helmut Sturm an der Akademie der Bildenden Künste in München. Seine künstlerische Arbeit bewegt sich zwischen Minimalismus, konkreter Kunst und Op-Art. 1993 entwickelte er während eines Aufenthalts in San Francisco das fortlaufende Projekt „Opening Worlds“, das sich an der Schnittstelle von Wissenschaft und Kunst mit der Evolutionsgeschichte der Erde auseinandersetzt. Im Jahr 1994 gründete Jörg Heitsch am Münchner Gärtnerplatz die Jörg Heitsch Galerie für internationale zeitgenössische Kunst, die heute als Heitsch Gallery fortbesteht. Jœrg Heitsch studied free painting at the Art Institute of Chicago as well as with Jörg Immendorf and Helmut Sturm at the Academy of Fine Arts in Munich. His artistic work moves between Minimalism, Concrete Art and Op-Art. In 1993, during a stay in San Francisco, he developed the ongoing project “Opening Worlds”, which deals with the history of evolution on Earth at the interface of science and art. In 1994, Jörg Heitsch founded the Joerg Heitsch Galerie für internationale zeitgenössische Kunst at Gärtnerplatz in Munich, which today continues as the Heitsch Gallery. BESINNUNG, DURCHBRUCH, IDOL UND LEIDENSCHAFT 2019, each, je 80 x 80 cm, Digitaldruck auf Leinwand / digital print on canvas OPENING WORLD 2019, H. 2,5 m, Druck auf Acrylglas / Metall print on acrylic glass, metal OPENING WORLD 2019, 70 x 102 cm, Druck auf Acrylglas / Print on acrylic glass
ROLAND HELMER (DE) Seit den 60er Jahren entwickelt Roland Helmer seine konstruktiv- konkreten Arbeiten mit größter Konsequenz. Sein abstrakt- geometrisches Frühwerk zeigt klare Formen, ruhige Flächen und beschränkt sich auf maximal 7 oder 8 leuchtende Farben. Die Formenvielfalt reduziert sich im Spätwerk auf schmale und breite Linien in einem senkrechten und waagrechten Bildaufbau. Die Farbpalette erweitert sich bei bestimmten Themen durch Abmischungen und Untermalungen mit Weiß und Schwarz. Since the 1960s, Roland Helmer develops his constructive and concrete works with the utmost consequence. His abstract-geometric early works shows clear forms, quiet areas and are limited to a maximum of 7 or 8 bright colors. The variety of shapes is reduced in later work on narrow and wide lines in a vertical and horizontal screen layout. The color palette expands on certain issues by blends and underpainting with white and black. In painting concrete and constructive, he is one of those painters who bring a personal picture as part of an imaging system. V92 - BLAU, SCHWARZ, WEISS, ROT 2019, 80 x 80 x 8 cm / Acryl auf Holz, acrylic on wood V85 - BUNT, UNBUNT, GELB-GELB-GELB 2019, 80 x 80 x 8 cm / Acryl auf Holz, acrylic on wood
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linke Seite, Vorderseite, rechte Seite left side, front side, right side
JESSUS HERNANDEZ (US) Jessus Hernandez lebt und arbeitet in Südkalifornien. Architektur und Natur konvergieren in seinen Kreationen, in denen lebendige Farbe, lineare Formen, Dimension, Licht und Raum zusammenfließen, um eine geometrische abstrakte Kunstform in einer Vielzahl von überlagerten Perspektiven zu schaffen. Immer fasziniert von der Platzierung von Formen und Linien im Stadtbild, entwickelte er eine Liebe zum architektonischen Design, das zur Grundlage seiner künstlerischen Visionen wurde. Jessus Hernandez lives and works in Southern California. He is a self-taught artist drawing inspiration from the diversity that abounds. Architecture and nature converge in his creations where he infuses vibrant color, linear form, dimension, light, and space to create geometric abstract art forms in a vast array of superimposed perspectives. Always intrigued with the placement of shapes and lines in cityscapes, he developed a love for architectural design which became the foundation for his artistic visions.
LAX 2017, 114 x 114 x 10 cm, Acryl auf Holz / acrylic on wood
ROMAN KLONEK (DE) Roman Klonek repräsentiert in der zeitgenössischen Kunstszene, die von der Vielfalt der digitalen Möglichkeiten stark beeinflußt ist, als einer der herausragendsten Künstler die traditionelle Drucktechnik „Holzschnitt“. Betrachtet man Kloneks Werk, erkennt man rasch seine Vorliebe für sehr reduzierte Formen und oft tierähnliche Wesen, die zuweilen an die Geburtsstunde des Comics erinnern. Roman Klonek is known to be of the leading artists in the German graphic arts scene. As a student he worked on his first wood cut and can’t get off it ever since. His humorous prints depict colourful, imaginary landscapes filled with bizarre characters. Exotic letterings all over the image arouse even more questions instead of helping us to decipher the unusual scenes. By now Klonek has created his very own fancyful cosmos of odd creatures all being inspired by the Eastern European cartoons of his childhood. Dear good riddance 2014, je / each 55 x 94,7 cm, Holzschnitt auf Papier / woodblock Print Arizona 2018, 36 x 41,5 cm, Holzschnitt auf Papier / woodblock Print Coming home 2019, 61 x 49,8 cm, Holzschnitt auf Papier / woodblock Print
EIKE KÖNIG (DE) Eike König ist ein renommierter Grafikdesigner und Gründer & Kreativdirektor des Berliner Kreativkollektivs HORT. Königs künstlerische Arbeit wird für seine konzeptionelle, emotionale, visuelle - manchmal spielerische, aber immer bewusste - Annäherung gefeiert. Er ist zudem Professor an der Hochschule der Künste, HfG Offenbach. Eike König is a world renowned graphic designer and founder & creative director of Berlin-based creative collective HORT. Königs artistic work is celebrated for it’s conceptual, emotional, visual - sometimes playful, but always deliberate approach. He is also a professor at the University of Arts, HfG Offenbach.
THE FUTURE 2019, 160 X 120 cm, Lichtinstallation / Light installation TRUST 2019, 160 X 120 cm, Lichtinstallation / Light installation HAPPY BRANDING 2019, 160 x 120 cm / KONKRETE ABSTRAKTION 2020, 160 x 120 cm. GOOD INVESTMENT 2019, 160 x 120 cm. / NO PAINTING NO CRY 2020, 160 x 120 cm. HOMERVSHOMER (RGB), 2019. je, each 140 x 100 cm, Siebdruck / Screen print
MARCK (CH) Die Videoskulpturen des Schweizer Künstlers MARCK sind mehr als eine simple Kombination von Video und Skulptur: Sie sind die logische Folge einer intensiven Auseinandersetzung MARCKs mit Filmen und Videos, multimedialen Projekten, Perfomances, Musik und skulpturalen, kinetischen Objekten. Zentraler Aspekt in MARCKs Werken ist die Auseinandersetzung mit dem Menschen und seiner Gefühlswelt – die Suche nach einer Verknüpfung zwischen äußeren Einflüssen und inneren Zuständen. The video sculptures by Swiss artist MARCK are more than a simple combination of video and sculpture: They are a logic consequence of his extensive examination with films and videos, multimedia based projects, performances, music and sculptural as well as kinetic objects. The examination of humans and their world of feelings is central to MARCK’s oeuvre. MENSCHENUHR, 2019. 77 x 140 x 15 cm Videoinstallation: LCD Bildschirm, Eisenrahmen / Videoinstallation: screen and iron frame RGB, 2016. 131 × 78 × 9 cm Videoinstallation: LCD Bildschirm, Eisenrahmen / Videoinstallation: screen and iron frame BLACK HAIR, 2018. 52 x 30 cm Videoinstallation: LCD Bildschirm, Eisenrahmen / Videoinstallation: screen and iron frame
ANTONIO MARRA (IT) Antonio Marras abstrakte Arbeiten üben durch ihren verblüffenden Wandel von Form und Farbe eine außergewöhnliche Faszination aus. Jedes seiner multi-perspektivischen Gemälde enthält stets mehrere Bilder, die sich als ein lebendiges, bewegtes Kaleidoskop mit jedem Schritt verändern. Marras Kunst wird zum überraschenden Erlebnis, indem sie uns einzigartige visuelle und räumliche Effekte erfahren lässt. Der Maler hat zu einem ganz eigenen Stil gefunden, der die Techniken von Op-Art und Orphismus reflektiert und durch neue Varianten erweitert. Antonio Marra’s abstract works are truly fascinating due to their surprising change of form and colour. Each of his multi-perspective paintings contains several other pictures which reveal themselves by circling around the canvas. Step by step the spectator is drawn into a vivid and dynamic kaleidoscope of shape and color. Marra’s art is a surprising experience of unique visual and dimensional effects. The painter has come to his very own style reflecting and redefining the techniques of Op-art and Orphism. WENN DER GOLDFASAN SINGT 2019, 140 x 160 cm, Acryl auf Leinwand / acrylic on canvas JEDER PINSELSTRICH ERZÄHLTE EINE WAHRHEIT 2014. 150 x 150 cm, Acryl auf Leinwand / acrylic on canvas WER IST HIER EIGENTLICH BLIND 2016,120 x 120 cm, Acryl auf Leinwand / acrylic on canvas
MEDARDUS (CH) Der Künstler Medardus, der mit vollem Namen Camille Medardus Hagner heißt, entwickelt seine Gemäldezyklen mittels Spurensuche in der Vergangenheit. Für seine Ölgemälde kombiniert der Künstler Motive historischer Gemälde oder Fotografien mit eigenen Bildimaginationen und Geschöpfen sowie zeitgenössischen Themenbereichen aus Technik oder Raumfahrt. Medardus erschafft ambivalente, fremdartige Bildräume in denen Mensch, Tier und Maschine zu zeitlosen Ansichten verschmelzen. Medardus developes his painting cycles by searching for clues in the past. For his oil paintings the artist combines motives of historical paintings or photographs with his own picture imaginations and creatures as well as with contemporary topics such as technology or aerospace. Medardus creates ambivalent, strange visual spaces, in which humans, animals and machines merge to timeless views. The artist lives and works in Switzerland. HADES UND ELYSIUM (SECTION VI) 2011. 155 x 130 cm. Öl auf Leinwand / Oil on canvas THE REST OF THE ROBOTS 2016. 90 x 115 cm. Öl auf Leinwand / Oil on canvas BOT 2016. 90 x 120 cm. Öl auf Leinwand / Oil on canvas
HERBERT MEHLER (DE) Herbert Mehlers amorphe Stahlskulpturen verweisen auf archaische Urformen der Natur und Geometrie. Assoziationen an Pflanzen, Blüten und Knospen werden wach. „Ich glaube, jeder trägt einen Kanon der Urformen in sich, die kulturübergreifend in der menschlichen Wahrnehmung verankert sind“, so Mehler. Der Künstler verbindet Organisches mit Tektonischem – so erinnert allein die lamellenhafte Oberfläche seiner Objekte an Baumrinde, aber auch an antike Säulen. Herbert Mehler’s steel sculptures embody archaic shapes from nature and geometry which may be associated with organic forms of plants and buds. „I am convinced that everyone of us has incorporated a set of basic patterns which affect the human perception.“ The sculptor intertwines organic and tectonic principles - the folded surfaces of his objects remind us of tree bark as well as classical Greek columns. Schloß Mochental Museum für Franken Skulpturenwiese Riedenheim
UDO NÖGER (DE) Nögers Ziel ist es, die Lumineszenz von Farbe zu zeigen. Er ist bekannt für seine monochromatischen grauen Arbeiten, die erscheinen, als würden sie selbst Licht ausstrahlen. Nöger erreicht diesen Effekt, indem er mehrere Bahnen Stoff oder Leinwand auf einen Rahmen spannt, die wiederum vorher bemalt oder beschnitten wurden. Deshalb wirken die Arbeiten an manchen Stellen lichtdurchlässiger als an anderen. Nöger ist auch dafür bekannt, die Stoffunterseite zu bemalen und Materialien unterschiedlicher Stärke und Opakheit zu verwenden. The artist is known for monochromatic gray works that give the impression of emitting light. Nöger achieves this effect by stretching multiple pieces of fabric or canvas onto one frame; he either paints on or cuts shapes into the different layers beforehand. As a result, the work appears lighter and more transparent in certain parts. Nöger has also been known to paint on the underside of the fabric, and to use materials of varying thickness and opacity.
LICHT SCHLAFEND 2000, 160 x 210 cm, Mischtechnik auf Leinwand / mixed media on canvas
JÜRGEN PAAS (DE) Jürgen Paas schafft Kreise, Rechtecke, Quadrate, Kuben und übersetzt sie in ein offenes Malereisystem, das Einzelaspekte wie Farbe, Form und Raum befragt. Hierbei verbindet er Systematik und Ordnung mit Zufall und Regellosigkeit, die sich in einer äußerst variantenreichen und sinnlichen Materialmalerei äußert. Auf die Wand gemalte, geklebte und montierte verschiedenfarbige Figurationen stehen im Dialog mit den darauf oder daneben platzierten Archivsystemen aus Halterungen, Farbtafeln oder Farbbändern. Jürgen Paas creates circles, rectangles, squares, cubes and translates them into an open painting system, which surveys individual aspects such as color, form and space. Here, he combines system and order with chance and regularity, which manifests itself in an extremely varied and sensuous material painting. Wall-painted, glued and assembled different-color figurations are in dialogue with the archive systems placed on them or on top of them, made of brackets, color plates or ribbons. JUKEBOX, Je / each, 90 x 90 cm KINO/POPPLANET 2019, 300 x 800 x 22 cm ca. 30 x MDF_Farbkreise Aluwelle, Lack auf MDF, 1-5 PVC-Farbbänder TARGET 2019, Ø 100 cm, PA, Alluwelle / PA, aluminium
DIRK SALZ (DE) Dirk Salz arbeitet an Gemälden, deren auffälligstes Merkmal ihre hochglänzenden Oberflächen sind. Diese kommen durch den Einsatz mehrschichtig aufgetragener, mit Pigmenten versehener Epoxidharze und die Versiegelung mit Polyurethanlack zustande. Die Bilder von Dirk Salz zielen immer auf die Erfahrung der Zeitlichkeit des Sehens. Sie fordern einen aktiven Betrachter, der sich die Zeit nimmt, sich vor den sich zunächst verschließenden Arbeiten hin und her, vor und zurück zu bewegen, den Blick jeweils neu zu fokussieren, um sich so langsam ihre Komplexität zu erschließen. Dirk Salz works on paintings whose most striking feature is their high-gloss surface. These are the result of the usage of multi-layered epoxy resins coated with pigments and the sealing with polyurethane varnish. The images of Dirk Salz always aim at the experience of the temporality of seeing. They demand an active viewer, who takes the time to move back and forth, in front the initially closing works, in order to open up their complexity. #2347 2018, 220 x 120 x 12 cm, Pigmente und Harz auf Multiplex / pigments and resin on multiplex #2515 2018, 100 x 90 x 8 cm, Pigmente und Harz auf Multiplex / pigments and resin on multiplex #2551 2020, 100 x 90 x 8 cm, Pigmente und Harz auf Multiplex / pigments and resin on multiplex #2554 2020, Ø 120 cm, Pigmente und Harz auf Multiplex / pigments and resin on multiplex
RALF SCHMERBERG (DE) Ralf Schmerbergs künstlerische Praxis erforscht die Grenzen der Gesellschaft, um sie kontinuierlich zu erweitern und neu zu definieren. Dabei ist Schmerberg immer nah an den Menschen und dringt mit seinen Bildern in die Schichten der Humanitas vor, um eine Tiefe zu entwickeln, die emotionale Räume schafft. Schmerberg agiert instinktiv und lehnt die Idee einer inszenierten oder sorgfältig konstruierten Komposition ab, zugunsten intuitiver Momente, denen er im Bild Form gibt. Ralf Schmerberg’s artistic practice explores the boundaries of society, continuously expanding and redefining them. Looking closely at those around him, his photographs enter the various layers of humanitas to conjure up new emotional spaces. Schmerberg acts on impulse, rejecting the idea of staged or carefully constructed compositions in favour of intuitive moments that are given form in an image COMING HOME 2009, 150 x 225 cm, ditone Print REGENBOGEN FÜR BERLIN 2010, 150 x 225 cm, ditone Print FEATHERED RESIDENTS 2020, 150 x 225 cm, ditone Print
SLAVA SEIDEL (RU) Die magischen Kompositionen der russischen Malerin Slava Seidel visualisieren eine Welt zwischen Wahrheit und Illusion. Ihre Zeichnungen in Sepiatusche zeigen surreale Szenen vor beeindruckender Architektur-Kulisse, die ein Gefühl von Schwindel, Spannung und Dynamik provozieren. Sogar in Verzerrung meistert die Künstlerin die Darstellung der komplexesten Architekturformen - trotz der anspruchsvollen Tuschetechnik, die keine späteren Korrekturen erlaubt. The magical compositions by the Russian painter Slava Seidel visualize a world shifting between truth and illusion. Her sepia-ink drawings depict surreal scenes in stupendous architectural settings which create a feeling of tension, vertigo and dynamic. The artist masters to depict even the most complex architectural structures in contortion - despite the challenging ink-technique which does not allow any later corrections. ARCHITECTURAL CAPRICCIO 1, 2019. 130 x 150 cm. Sepiatusche und Acryl auf Leinwand / sepia ink and acrylic on canvas PAVILLION 2015. 100 cm. Sepiatusche und Acryl auf Leinwand / sepia ink and acrylic on canvas HOUSE OF CARDS 2018. 130 x 150 cm. Sepiatusche und Acryl auf Leinwand / sepia ink and acrylic on
HENNING VON GIERKE (DE) Seit Jahren begeistert der Münchner Maler Henning von Gierke ein internationales Publikum mit seiner realistischen Malweise. Er hinterfragt in seinen Arbeiten unser Dasein im Kontext von Natur, Religion und Philosophie. Die klassischen Themen der Mythologie, des Christentums und der Religionen gehören ebenso zu seinem umfangreichen Oeuvre wie Portraits, Stillleben oder Interieurs. The well-renowned Munich based artist Henning von Gierke has long since caught the attention of an international audience which has been intrigued by his realistic painting. In his works von Gierke questions our existence in the context of nature, religion and philosophy. His rich oeuvre consists of classic topics deriving from Greek mythology and Christianity just like portraits, still lifes or interiors.
ATELIERBILD DÜRER - DIE ERSTEN MENSCHEN 2019, 120 x 140 cm, Öl auf Leinwand / Oil on canvas ARES AND DEIMOS 2019, 200 x 140 cm, Öl auf Leinwand / Oil on canvas AMATERASU 2019, 120 x 140 cm, Öl auf Leinwand / Oil on canvas
MOTO WAGANARI (DE) Lutz Wagner aka Moto Waganari entwirft transparente Gitternetz-Skulpturen, die sich als schwerelose Körperhüllen vor dem Auge des Betrachters abzeichnen. Inszeniert als Lichtinstallationen werden die dreidimensionalen Figuren um ein zweidimensionales Schattenbild erweitert und erhalten ein immaterielles Alter Ego. Seine Wesen visualisieren eine surreale Parallelwelt, die voller Rätsel und Überraschungen steckt. Moto Waganaris raffinierte Kunstwerke bestechen durch formale Schönheit und filigrane Leichtigkeit. Lutz Wagner aka Moto Waganari creates transparent network-sculptures which outline a delicate body frame. By illuminating his sculptures the artists multiplies his three-dimensional objects by a two-dimensional shadow revealing the immaterial alter ego of every figure. His characters seem to visualize a surreal, parallel world filled with surprise and enigma. Moto Waganari’s sculptures seduce the spectator with their appealing beauty and sophisticated weightlessness. RED THINKER L 2018, 46 x 32 x 25 cm, SLS, Polyamid / SLS, Polyamide IKARUS 2020, 30 x 60 x 10 cm, SLS, Polyamid / SLS, Polyamide THREAD PEOPLE 2016, 84 x 50 x 30 cm, SLS, Polyamid / SLS, Polyamide
MATTHIAS A. K. ZIMMERMANN (CH) Die Modellwelten des Schweizer Malers und Medienkünstlers Matthias A. K. Zimmermann reflektieren und forschen in der Kunst-, Design- und Mediengeschichte. Elemente und Objekte der Vergangenheit und Gegenwart formen komplexe Bildinhalten, die dem Mittelalter, dem asiatischen Kulturraum sowie der digitalen modernen Zeit entliehen sind. Zimmermanns Schaffensprozess fällt unter den Passus der künstlerischen Forschung (auch artistic research genannt). Seine Modellwelten destillieren den Raumaufbau mittelalterlicher Tafelgemälde, untersuchen die Entwicklung digitaler Bildsprachen und fächern die Ebenen virtueller Räume auf. The model worlds of the Swiss painter and media artist Matthias A. K. Zimmermann reflect on and research the history of art, design and media. Elements and objects of the past and present form complex images borrowed from the Middle Ages, the Asian cultural area and the digital modern age. Zimmermann’s creative process falls under the phrasing of artistic research. DER VOLUMENSPEICHER 5 2015, 50 x 140 cm. Diasec MECHANISCHES FLÄCHENLAND 6 2015, 50 x 140 cm. Diasec MECHANISCHES FLÄCHENLAND 5 2015, 50 x 140 cm. Diasec