Arquitectura, del modernísmo al pluralísmo contemporaneo by Hervis Pichardo

ARQUITECTURA

del modernismo al pluralismo contemporaneo Hervis Pichardo

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ARQUITECTURA del modernismo al pluralismo contemporaneo Editor: Investigación documental: Diseño y Diagramación: Colaboradores: La mayor parte de las obras presentadas en esta publicacion es una seleccion del material contenido en investigaciones y proyectos de tesis de los alumnos del Doctorado en proyectos arquitectonicos de la UCV Barquisimeto. Instituto Universitario Tecnologico Antonio Jose de Sucre Av. Vargas carrera 28 Edif. San Cono Barquisimeto - Venezuela Telefono: 251 - 77710082 iutajs@arquitectura.net Impresión: AJL hp indigo, CCSL ISBN: 00-000000-00000 Deposito legal: 0-00-00000

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Ruben Rodríguez Hervis Pichardo Hervis Pichardo

INTRODUCCIÓN La historia de la arquitectura refleja los paradigmas de la historia humana mejor que ninguna de las otras artes. La arquitectura, sus métodos y expresiones están siempre en constante cambio, en un proceso de transformación continuo, dando forma sus espacios a las necesidades y requerimientos de la sociedad del momento, enmarcando de esta manera las actividades que se realizan en su interior. En este artículo queremos hacer un breve recuento acerca de las tendencias y estilos predominantes en la arquitectura comenzando desde el modernismo hasta el pluralismo arquitectónico que vivimos hoy en dia. Profundamente influenciados por las corrientes de pensamiento de la Ilustración europea, los arquitectos del siglo XVIII rechazaron la religiosidad intensa de la estética anterior y la exageración decorativa del Barroco. Se busca de nuevo una síntesis en las formas, más racionalismo, y comienzan a aplicarse las nuevas tecnologías en la arquitectura. La arquitectura practicada en las últimas décadas viene caracterizada, de forma general, como una reacción a las propuestas de la arquitectura moderna: unas veces los arquitec-

tos actuales proponen nuevas concepciones estéticas, otras proponen proyectos radicalmente nuevos, despreciando los criticados dogmas del modernismo. Desde 1980 la revisión del espacio moderno evolucionó hacia su total deconstrucción, a partir de estudios influidos especialmente por corrientes filosóficas como el Deconstructivismo. En síntesis, a pesar de las tentativas de clasificar las varias corrientes de la arquitectura contemporánea, no hay de hecho un grupo pequeño de “movimientos” o “escuelas” que reúna sistemáticamente las varias opciones que han sido hechas por arquitectos alrededor de todo el mundo. Vivimos tiempos de heterodoxia, donde es difícil, cuando no imposible, poner etiquetas que definan estrictamente al producto arquitectónico actual, tan sazonado de eclecticismo; a lo sumo, puede ser resumido en cuatro o cinco grandes bloques, pero ellos no serían la reproducción fiel de la verdadera producción arquitectónica alrededor de todo el mundo.

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ÍNDICE Prologo Agradecimientos

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Capitulo I La arquitectura Moderna Los pioneros El funcionalismo Ludwig mies van der Rohe Frank Lloyd Wright Le Corbusier Pabellon de L’Esprit Nouveau La Villa Savoye Pabellon suizo Walter Gropius La Das Staatliches Bauhaus El Estilo Internacional Glass House, Philip Johnson Apartaments Lake Shore Drive La Muerte del Modernismo Capitulo II El Postmodernismo Michael Graves Edificio Portland Aldo Rossi Vertiente Tardomoderna High Tech (alta Tecnologia) Torre Sears Centro Georges Pompidou Torre Agbar Arquitectura Deconstructivista Biblioteca de Seattle Casa Danzante Glosario

9 10 12 14 26 32 35 38 41 43 44 49 52 54 55 57 59 60 62 67 69 74 77 81 84 86 88 90

PRÓLOGO La primera edición inicio al estudiante de arquitectura en la historia de esta desde un punto de vista mas tecnico y analitico de todas las obras mas resaltantes desde el comienzo de la arquitectura moderna hasta el pluralismo contemporaneo que vivimos hoy en dia en la arquitectura. Este documental aunque no muestra tods las obras hace un analisis muy profundo de aquellas obras que se creen mas representativas de cada tendencia o corriente. En esta edición cada pagina ha sido sometida a una meticulosa revision para incorporar ejemplos contemporaneos de los principios fundamentales de todo arquitecto y diseñador. Con esta formulación se intenta promover un conocimient mas evocador de la arquitectura que es viva, de la arquitectura que uno encuentra en la literatura, de la arquitectura que se imagina al diseñar. Esta fuente pródiga de prototipos arquitectonicos puede ser tambien una guia de dibujo arquitectonico.

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GRATITUDES Esta edición si bien ha requerido de esfuerzo y mucha dedicación por mi parte, no hubiese sido posible su finalización sin que estuviese Dios siempre conmigo en cada paso que doy, por fortalecer mi corazón e iluminar mi mente y por haber puesto en mi camino a aquellas personas que han sido mi soporte y compañía durante todo el periodo de edición de este libro. A mi Familia por haber esta siempre conmigo y apollarme en todas mis metas y sueños. Al porfesor Ruben Rodruíguez por sus asesorias y consejos en la parte del diseño. A mis compañeros por sus criticas constructivas y por siempre dar un buen consejo critico con respecto al diseño de esta pieza.

ARQUI TECTURA MODERNA

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La Arquitectura Moderna los Pioneros (hasta 1914)

Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos empezaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por entonces dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de los más importantes fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas simples, escasa decoración y preocupación por el papel social de la arquitectura. Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, como C. F. A. Voysey y Philip Webb, se manifestaron contra los progresos industriales reivindicando los oficios artísticos propios de la sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con el decidido apoyo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos seguidores del Art Nouveau, como el belga Victor Horta. El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Perret en Francia, con sus experimen10

taciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como integrante de la Escuela de Chicago. Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales almacenes Carson, Pirie & Scott (1899-1904). El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas vías de innovación formal con sus prairie houses (literalmente, casas de la pradera) levantadas en los alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el movimiento Arts & Crafts, las unifamiliares prairie houses, con sus proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente moderna. Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que visitó Chicago a comienzos de la década de 1890. A su regreso a Aus-

tria realizó un inflexible ataque contra la ornamentación arquitectónica, en especial contra los excesos decorativos del Art Nouveau, y proyectó varios edificios extremadamente austeros, como la asimétrica casa Steiner en Viena (1910). La arquitectura industrial tuvo su línea evolutiva particular a partir de las innovaciones de la Deutsche Werkbund, asociación de artistas, artesanos y arquitectos fundada en Munich en 1907 para colaborar con la pujante industria alemana. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus. Entre sus miembros destacaron Peter Behrens, autor de la fábrica de turbinas AEG, Hermann Muthesius, Henry van de Velde y Walter Gropius. Muthesius buscó la promoción del di-

seño industrial, extendiendo a la arquitectura los procesos de producción en serie. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses. En 1914, sin embargo, se opuso a la inclusión en la Werkbund de Colonia de los expresionistas, que promovían un estilo más artístico a la hora de proyectar, acorde con las prácticas constructivas tradicionales. Los expresionistas estuvieron apoyados por Van de Velde y Gropius, que por entonces también proyectaban obras sumamente radicales, tanto tecnológica como estilísticamente. Dentro de este mismo periodo cabe resaltar, por último, la labor de otros arquitectos que promovieron las cualidades renovadoras que con el tiempo llegaron a convertirse en señas de identidad del movimiento moderno.

La arquitectura moderna, no es entonces la arquitectura de hoy, sino la de ayer, la que inicio un cambio radical posterior al “Art Nouveau”, también llamado “Modernismo”, y que se caracterizó por la utilización de la línea ondulada y decoración a base de elementos orgánicos, principalmente vegetales. 11

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campo del “arte” los que actuaban más racional y lógica, más acorde con los presupuestos estéticos en sus grandes construcciones. Puede percibirse, que si bien se recurre a códigos modernistas de ornamentación, este recurso trabaja en virtud de la valorización del plano y del volumen.

ARQUITECTURA FUNCIONALISTA La “Arquitectura Moderna” terminó con los estilos del pasado, con el uso de la piedra y ornamentación, de las bóvedas y columnas, generándose una nueva expresión; no tenía memoria, era asimétrica y abstracta. Su nueva estética se baso en el uso racional de nuevos materiales como el concreto reforzado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes vanos. (Edificios de la Bauhaus). Surgió el concepto “Funcionalismo” y fue inseparable de la arquitectura moderna; “la forma sigue a la función” Este concepto se basa en la utilización y adecuación de los medios materiales en fines funcionales, que sin embargo puede ser considerado como medida de perfección técnica, pero no necesariamente de belleza. 12

Las teorías funcionalistas toman como principio básico la estricta adaptación de la forma a la finalidad o “la forma sigue a la función” que es la belleza básica; pero que no es incompatible con el ornamento, que debe cumplir la principal condición de justificar su existencia mediante alguna función tangible o práctica, ya que no es suficiente deleitar a la vista, sino que también debe articular la estructura, simbolizar o describir la función del edificio, o tener un propósito útil. El Art Noveau puede parecernos la antítesis de funcionalismo, debido al uso de ornamentos, pero hay que considerarlo como la primera manifestación global de la arquitectura moderna. Mientras que las técnicas avanzaban rápidamente, la arquitectura oficial se refugiaba en construcciones que imitaban los estilos históricos. Fueron los ingenieros expulsados del

Se le atribuye al Art Noveau el haber comprendido que con el hormigón y el hierro se podían crear formas nuevas, derivadas de la funcionalidad de tales materiales.

Tony Garnier fue un arquitecto y urbanista francés que nació en Lyon en 1869 y creció en el barrio de la Croix-Rousse.

Puede percibirse, que si bien se recurre a códigos modernistas de ornamentación, este recurso trabaja en virtud de la valorización del plano y del volumen. Las categorías tradicionalmente recurridas por la moderna urbanística, tienen su origen en las teorías e instrumentos de planificación desarrollados por Tony Garnier; los conceptos de territorio, zonificación, usos del suelo, vialidad, desarrollo urbano regulado, etc. representa ya la necesidad de la ciencia, de la ciudad, y la exigencia de planificar el “desorden” urbano capitalista, adecuado el espacio a las nuevas necesidades e intereses de la producción. Garnier plantea una alternativa capaz de ordenar nacionalmente la segregación socio-espacial-urbana, y en tal sentido su aporte es definitivo para las anteriores experiencias y teorías sobre la planeación física.

conoceríamos la arquitectura de hoy. La aplicación del cemento armado se desarrolló ampliamente, desde baldosas hasta todos los elementos de construcción industrial. La característica fundamental de la arquitectura moderna es que la resistencia del edificio está en los marcos estructurales, los muros no trabajan sino como simples divisiones, pudiéndose suprimir en algunos casos para formar grandes vanos abiertos o vidriados. Los pisos y techos se construyen rellenando los espacios de viga a viga con ladrillos especiales, o bien armando losas que actúan como pequeñas vigas apoyadas en sus extremos. Se utilizaron fachadas de vidrio o metal, para lo cual se tuvo que innovar construyendo pilares internos y pisos volados; esto crea una transparencia interior y exterior, que permite la fusión y la superposición de espacios, creando un ambiente funcional y abierto al plano.

Con el funcionalismo de composición se pretendía realismo, pero para esto se necesitaba un material de construcción nuevo y adecuado: éste era el cemento armado. Sus cualidades más importantes son ser sólido y flexible, resistente y leve; lo que permite dividir y contener el espacio. Sin éste importante elemento no 13

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REPRESENTANTES FUNCIONALISTAS

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derna. En esta misma época berlinesa se adhirió al Grupo de Noviembre y construyó el monumento a K. Liebknecht y R. Luxemburg (destruido por los nazis). De 1929 data una de sus obras maestras, el pabellón alemán de la Exposición Internacional de Barcelona, estructura de ligeros montantes de acero cromado que sostenía una plancha de hormigón y constituyó un ejemplo incomparable de perfecta modulación del espacio; en su interior, escuetamente amueblado por Mies, figuraba la llamada silla Barcelona. De características parecidas es la más importante vivienda construida por él en Europa, lvvvv (1930), en Brno (Checoslovaquia).

Ludwig mies van der Rohe (1886-1969): Arquitecto

Otros ejemplos son: los rascacielos de Lake Shore (Chicago, 1950), de austera elegancia.

De los primeros años de la posguerra data su aportación verdaderamente original, reflejo de las inquietudes del Berlín de entonces. Su primer proyecto revolucionario fue una casa de pisos destinada a oficinas (1922), en hormigón armado y fachada de faja continua de ventanas, tema que apareció así por primera vez y al que tanto habría de recurrir la arquitectura mo-

El edificio Seagram (Nueva York, 1958), prisma de bronce y cristal que se eleva sobre pies derechos de dos pisos; el proyecto para la Convention Hall de Chicago (1953), concebido en la fachada como juego de triángulos metálicos y en su interior como una sala libre de pilares, con capacidad para 50.000 personas. Su arquitectura limpia y simple, donde la perfecta ordenación radical. De la estructura produce una extraordinaria flexibilidad del espacio, dilatado por una hábil disposición de los elementos planos, paredes, techos y paramentos acristalados y planteó las relaciones entre arquitectura y tecnología.

alemán, nacionalizado estadounidense. Hijo de un maestro albañil, estuvo tres años asociado al arquitecto Behrens, y la síntesis entre el industrialismo y el neoclasicismo que éste representaba tuvo enorme influencia en su formación.

La Villa Tugendhat Es una obra maestra del arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe. Según la Unesco, es «un ejemplo remarcable del estilo internacional en la arquitectura moderna tal como se desarrolló en Europa en el correr de los años veinte». Desarrolla en la villa Tugendhat

su concepción del plano libre, donde los espacios ligados a una función son definidos sin separaciones.La estructura de acero permite distribuir los diferentes espacios con gran libertad. Mies van der Rohe diseñó, como lo hacía habitualmente, todo el mobiliario. 15

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El Pabellón Alemán

Diseñado por Ludwig Mies van der Rohe, era el pabellón de representación de Alemania para la Exposición internacional celebrada en Barcelona el año 1929. El Pabellón se concibió para albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas.

que actúa como un muro horizontal deslizándose sobre los verticales.

Se levanta sobre un plano horizontal a modo de basamento de origen clásico. Este basamento además de ser el soporte del Pabellón, aleja a éste de la calle.

Estos muros guardan entre sí una relación de perpendicularidad y su disposición crea dos patios dónde el arquitecto proyecta dos láminas de agua que potencian la horizontalidad del conjunto, además de conseguir unos efectos reflectantes, que son constantes en todo el Pabellón, gracias a la textura de la superficie de los materiales utilizados, la piedra natural y los diferentes tipos de vidrio llegan a tener la misma propiedad reflectante de las láminas de agua.

Sobre el basamento, Mies proyecta una serie de muros que parecen deslizar entre ellos, con el fin de organizar el espacio buscado. En este juego de muros, también se incluye la cubierta,

La planta y los diferentes alzados guardan una misma lectura. La planta está formada por superficies y líneas al igual que los alzados, lenguaje utilizado es el mismo.

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La impresión total es la de un espacio lujoso creado mediante planos perpendiculares en las tres dimensiones.

Los muros que configuran el espacio son independientes de la trama estructural formada por los famosos pilares cruciformes diseñados por el propio Mies. La cubierta está concebida como un muro más que apoya sobre esta trama estructural. Estos planos verticales y horizontales consiguen que el espacio fluya manteniendo siempre una continuidad

que no se rompe en las transiciones del interior al exterior. Este es un edificio importante en la historia de la arquitectura moderna, ya que en él se plasman todas las ideas del entonces naciente Movimiento Moderno con más libertad que en otras obras, ya que esta construcción no tenía otra función que difundir estas nuevas ideas, así como el uso de nuevos materiales y técnicas en la construcción. 17

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Casa Farnsworth El diseño de la vivienda fue elaborado por Mies van der Rohe en 1946, a instancias de la doctora Edith Farnsworth, quien deseaba disponer de una segunda vivienda en la que pasar algunas temporadas en un ambiente relajado y solitario. La construcción se llevó a cabo en 1950 y su coste, superior al presupuesto inicial, acabó provocando un grave distanciamiento entre la clienta y el arquitecto. Dentro del terreno la casa está situada en medio de prados y arboles de gran tamaño naturales del terreno. Al sur, una gran arboleda cumple la función de proteger la casa esparciendo sus ramas a una considerable altura sobre la terraza de travertino. Muy cerca de la vivienda fluye el río Fox que en ocasiones puede desbordarse debido a importantes lluvias. Éste es uno de los motivos principales por el que la casa se construyó elevada sobre el terreno. 18

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La casa Farnsworth, un icono de la arquitectura del Movimiento Moderno, se encuentra situada en un paraje natural, muy próxima a un río, con uno de sus lados orientado hacia un bosque, que la separa de la corriente de agua y otro hacia un pequeño prado. El edificio se organiza a partir de dos plataformas rectangulares. La primera de ellas, a la que se accede a través de cuatro escalones lineales, carece de muros y cubierta y actúa como terraza, encontrándose separada del suelo por cuatro pilares de acero. Desde ella, otros cinco escalones idénticos a los anteriores facilitan el acceso a la segunda plataforma, situada a 1,5 metros del suelo y que sostiene a la vivienda propiamente dicha mediante ocho pilares de acero.

porche. Pasado éste, se accede al interior de la vivienda, en la que llaman la atención dos hechos fundamentales. Esta casa, que parece no serlo, posiblemente por su mismo afán de transparencia, es, sin embargo, un discurso arquitectónico, una meditación sobre lo menos es más o sobre el casi nada, por utilizar palabras de Mies.

Ésta consta de un primer espacio, cubierto pero abierto al exterior por tres de sus lados, que se emplea como

Un reduccionismo lingüístico y espacial que se compone como una villa palladiana, aunque no se eleva sobre

una plataforma, sino sobre el vacío, aunque no use columnas sino vigas blancas que funcionan como una pantalla que parece envolver el lugar de la transparencia, es decir, el espacio de la casa, el espacio del vacío. Se trataría, pues, de llevar a su grado máximo una idea propia de ciertas corrientes arquitectónicas: la conexión completa entre el individuo y la naturaleza, sólo interrumpida por la presencia inexcusable de los dos baños y el armario. 19

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El Crown Hall Es uno de los 20 edificios diseñados por Mies van der Rohe para el Instituto Tecnológico de Illinois (IIT) en Chicago. Esta es la pieza central de un masterplan para el campus fundado en 1940 que ocupa aproximadamente 50 hectáreas, presentando la mayor concentración de obras de Mies en el mundo. Su enfoque es sin duda innovador, pero es el arte en la ejecución que hace del campus de IIT un destino internacional para los entusiastas de la arquitectura moderna. Aquí, Mies van der Rohe ha elaborado y perfeccionado la gramática del lenguaje arquitectónico moderno, sus ideas, estructuras, proporciones y geome20

tría. El Crown Hall es uno de los 20 edificios diseñados por Mies van der Rohe para el Instituto Tecnológico de Illinois (IIT) en Chicago. Esta es la pieza central de un masterplan para el campus fundado en 1940 que ocupa aproximadamente 50 hectáreas, presentando la mayor concentración de obras de Mies en el mundo. Su enfoque es sin duda innovador, pero es el arte en la ejecución que hace del campus de IIT un destino internacional para los entusiastas de la arquitectura moderna. Aquí, Mies van der Rohe ha elaborado y perfeccionado la gramática del lenguaje arquitectónico moderno, sus ideas, estructuras, proporciones y geometría. 21

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El plan original de Mies para el campus universitario estaba centrado en dos edificios principales, un recinto para estudiantes y una biblioteca. No obstante, tuvo que adaptar sus planes a las restricciones económicas. No fue hasta la prosperidad posterior a la Segunda Guerra Mundial cuando el arquitecto pudo crear sus grandes monumentos modernistas, entre ellos el Crown Hall, un edificio para alojar la Facultad de Arquitectura. La última objeción que el arquitecto enfrentó fue por las escaleras diseñadas sin pasamanos. Al recibir la visita del inspector y comprobar que el recinto no funcionaba como almacén como había sido clasificado, indicó que por seguridad de los alumnos debían colocarlos. 22

Hoy en día, el diseño de los pasamanos destaca por su elegante minimalismo. Las cuatro caras libres del edificio permiten la entrada de luz y el aprovechamiento de las vistas. El Crown Hall está orientado de sur a norte. La entrada principal se encuentra en la fachada sur, permitiendo contemplar el taller al entrar, con el perfil de la ciudad de Chicago como vista de fondo en las ventanas de la fachada norte. El edificio también tiene esta orientación para que la iluminación natural principal sea luz norte-sur y no esteoeste, que por lo general es más intensa y difícil de controlar hasta llegar a resultar molesta en muchos casos.

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Uno de sus detalles más originales es que, en lugar de ocupar todo el solar disponible, Mies van der Rohe decidió liberar un espacio próximo al edificio que destinó a plaza

Edificio Seagram

Es una moderna torre de oficinas proyectada por el famoso arquitecto alemán Mies van der Rohe, en colaboración con Philip Johnson. Este rascacielos de oficinas edificado en Nueva York en 1958 constituye en muchos aspectos la culminación del proceso de depuración expresiva, sin ninguna concesión a lo ornamental, para edificios en altura que Mies van der Rohe había iniciado a comienzos de la década con los Apartamentos Lake Shore Drive 860- 880 y había continuado con otros ejemplos en Chicago como los departamentos del Paseo del Commonwealth y los Esplanade. Es un muestra de su mentalidad racionalista, un ejercicio de elegancia arquitectónica en el que el uso mesu-

rado de pocos elementos da como resultado una de las más bellas joyas de la arquitectura del siglo XX. Símbolo del mundo industrial contemporáneo, ilustra el lema del arquitecto “Menos es más” demostrando que un edificio sencillo puede ser igual de sorprendente que una edificación con diseños mas compuestos. El Edificio Seagram es una depurada síntesis de la arquitectura racionalista en la que Mies se había formado, del estilo internacional que comenzaba a abrirse paso en la arquitectura a partir de 1950 y de las aportaciones de la escuela de Chicago. Para poder tener acceso al área de la plaza, es necesario atravesar una escalinata entre dos grandes pilastras o basas, donde se extienden dos láminas de agua en simetría, lo que es muy característico de la Antigüedad clásica. 23

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Uno de sus detalles más originales es que, en lugar de ocupar todo el solar disponible, Mies van der Rohe decidió liberar un espacio próximo al edificio que destinó a plaza, de forma que al aproximarse al mismo se genera sensación de escala mediante el juego lleno-vacío (edificio-plaza) y mediante las proporciones del propio edificio, características difícilmente encontradas en una ciudad como New York. Preguntado el arquitecto por la razón de dicha plaza, respondió que retranqueba el rascacielos “para poder verlo. Si vas a Nueva York, realmente tienes que mirar a las marquesinas

para saber donde estás. Ni si quiera puedes ver el edificio, sólo lo ves desde lejos”. Esa plaza permite a la construcción respirar en medio de un conjunto urbano en el que la densidad edificatoria deja apabullado al espectador. Es un edificio de planta rectangular sostenido sobre pilotes •Planta La planta del Seagram es, al igual que en los Lake Shore Drive, un rectángulo de 5x3 módulos estructurales cuadrados. Pero en la elevación del edificio logra su perfección expresiva, simulando una columna con sus tres partes constitutivas clásicas. •Fachada Su tipología deja en evidencia la estructura en la fachada, cumpliendo a la vez un rol ornamental, compuesta por vigas de acero y columnas de bronce, que sin tener una función estructural enmarca perfectamente las grandes cristaleras que constituyen la epidermis más visible de la obra. Como es un edificio destinado a oficinas y no a actividades de recreación, su fachada es muy sencilla, la cual delata en el momento de observarla las características funcionales del edificio. La ornamentación de la estructura corre por cuenta de las instalaciones de vigas de acero y columnas de bronce, aunque dichas columnas iban a ser construidas de acero pero debido a las quejas de la compañía por la economía de los recursos decidieron hacerlas de bronce.

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Esta obra supuso una nueva manera de pensar y entender un museo, alejándose del edificio cerrado compuesto por muchas salas temáticas, para generar un gran espacio libre, vidriado, permeable y versátil.

conceptual y constructiva. Mies era Neue National Gallery Es la última obra del afa- inflexible en su búsqueda de esta permado arquitecto Mies van der Rohe, quien falleció poco antes de su inauguración, y la primera que realizó en Berlín, su ciudad natal.

Aquí se hacen claramente patentes y legibles los postulados y manera de trabajar del arquitecto, donde el concepto de “menos es más” cobra absoluto sentido. Junto al Pabellón alemán de Barcelona, es considerado uno de los principales ejemplos de la abstracción estructural del Estilo Internacional. Es una de las muestras más representativas y refinadas de la búsqueda de la elegancia mediante la simplicidad

fección.

Cuando el espacio infinitamente flexible entre las fachadas vidriadas resultó ser inadecuado para exhibir arte, la respuesta sin complejos del arquitecto era la siguiente: “Es un pasillo tan enorme que por supuesto significa grandes dificultades para la exhibición del arte. Soy plenamente consciente de eso. Pero tiene tal potencial que no puedo tomar en cuenta simplemente esas dificultades.”Estas características lo alejan de una estructura cerrada para generar un gran espacio libre, vidriado, permeable y versátil. 25

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Planta baja

Frank Lloyd Wright

La Casa de la Cascada o casa Kaufmann. Es la obra cumbre de Frank Lloyd Wright y una de los hitos principales de la arquitectura del siglo XX. Está situada en Bear Run, Pensilvania (Estados Unidos) y fue terminada en 1937. Frank Lloyd Wright (1876-1959) es considerado por algunos autores como el mejor arquitecto estadounidense, y a su vez, la “casa de la cas26

cada” su obra maestra. Llamada “la residencia más famosa que se haya construido”, la AIA (American Institute of Architects) la ha juzgado como “el mejor trabajo de un arquitecto estadounidense”. Diseñada entre 1934-1935 y construida durante 1936-1937 en Pennsylvania, Fallingwater fue la casa de campo para Edgar Kaufmann, su esposa Liliane y su hijo Edgar Jr., dueños de un almacén de departamentos en Pittsburgh. 27

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Planta primera

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después de sufrir los efectos de un tornado. La casa, de dos plantas, se extiende horizontalmente con prominentes voladizos y terrazas, sin embargo hay un núcleo que crece verticalmente, en el que está la chimenea.

Planta segunda

Tiene unas ventanas que se extienden verticalmente y que pasan de una planta a otra, mostrando así los forjados. Éste núcleo vertical es el “corazón” de la Casa de la Cascada. En el interior de la Casa de la Cascada encontramos habitaciones singulares por su distribución, ubicación y acabados.

Fallingwater sigue los principios de “ Arquitectura orgánica “ enfatizados por Wright en su escuela y estudio Taliesin. Básicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y el ser humano o cliente. Existen varias anécdotas sobre la construcción de Fallingwater; la localización preferida de los Kaufmann en su finca de verano estaba situada frente a la cascada formada por el riachuelo “Bear Run”. Después de un par de visitas al lugar, proponer y ser aceptada la construcción sobre la cascada, y nueve meses “sin tocar un lápiz”, Frank Lloyd Wright “germinó” el proyecto en su cabeza.Cuando Edgar Kaufmann anuncio su visita a Taliesin (septiembre de 1935), Wright se sentó y dibujo el primer boceto de la casa y 28

los planos se desarrollaron en pocas horas. Wright le comento a Kaufmann “...diseñada para la música de la cascada...para quien le gusta oírla”. Hoy en día el sonido de la cascada se percibe desde cualquier lugar de la casa. El terreno en el que se ubica la casa tiene abundancia de rocas a nivel del suelo, las cuales sirvieron de cimentación del edificio. La zona tiene un relieve ligeramente accidentado, un bosque de árboles caducifolios que se mantiene prácticamente virgen ya que solo un camino peatonal conduce a la casa, y el arroyo del Oso, en el cual está la cascada de la casa. Del terreno del lugar se extrajeron rocas que conforman mamposterías de la parte baja de las fachadas del edificio, colocadas en ese lugar para crear una progresión desde la roca natural del suelo hasta el hormigón de las partes altas. El resto de las fachadas es de

Otro elemento contrastante de la casa son las formas ortogonales que tienen los voladizos y las paredes, imponiéndose así la casa como “arquitectura”.

color crema, color contrastante con el entorno verde o marrón (según la estación). El edificio guarda una relación con el entorno que llega a ser de respeto o adaptación al medio. Así, los cimientos de la casa son las rocas del lugar, y algunas de ellas sobrepasan el ancho forjado de la primera planta asomándose junto a la chimenea. Gran parte de la casa está en voladizo, situado encima del arroyo. Los ingenieros de Wright no confiaron en que esa estructura fuese a aguantar y aconsejaron a Wright que rectificara. El orgullo de este arquitecto le permitió ceder poniendo únicamente unas piezas metálicas que sostienen al voladizo, el cual aun sigue en pié

Al entrar en la casa por principal, situada en la cara norte, accedemos a una pequeña habitación con función de recibidor ubicada bajo las escaleras que conducen a la segunda planta. Pasada dicha habitación se entra en la sala de estar, el habitáculo más grande de la casa desde el que se divisan unas vistas espléndidas del bosque que rodea la vivienda.Al entrar, frente por frente está el llamado “rincón de la música”, cuya etimología se desconoce, a la derecha está la zona con sofás y detrás del “rincón de la música” está la “escalera del agua”, llamada así porque baja a una pequeña plataforma que está junto al arroyo. Para bajar por ésta es necesario abrir unas mamparas correderas de vidrio. Los escalones de la “escalera del agua” están colgados de unos cables en tracción unidos al primer forjado. 29

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Casa Freeman A principios del siglo XX, Wright inició un período de independencia profesional en donde centró su tarea en una serie de viviendas denominadas “Casas de las Praderas” entre las que se encontraba la Freeman House, así como la Winslow House (1894) y la Willitts House, ambas en Illinois (1901-1902), la Martin House en New York (1904) y la Robie House de Chicago (1906-1910), entre muchas otras. Esta primera etapa de su producción, dio a Wright un prestigio internacional que llegó hasta Europa. Está situada en un terreno en pendiente, en una colina de Los Angeles. Fue construida con un sistema experimental de bloques de hormigón inspirada en los templos mayas y aztecas. A lo largo de su carrera, Wright empleó el concepto de agrupación de diferentes motivos geométricos en los que cada uno representa la parte y el todo. Estos motivos son indiferentes 30

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a la escala y enmascaran las propiedades de los materiales. Ese principio compositivo explica el carácter de su arquitectura, en la que la metodología constructiva se corresponde con una metodología ornamental. Se trata de un sistema basado en la repetición sistemática del adorno que se supedita a la retícula inherente de los muros. Esta casa presenta una total integración al entorno natural circundante, con marcadas líneas de aventanamientos horizontales, destacados tejados salientes en los perfiles de sus fachadas y la conformación de su plantas en torno a la chimenea. Los protagonistas en esta obra son los bloques de hormigón, modelados de acuerdo a formas geométricas. Para mejorar la resistencia del sistema, Wright colocó una trama de acero en los laterales de los bloques. También sustituyó los moldes de madera por otros metálicos, consiguiendo así

piezas más regulares. Las juntas exteriores desaparecían tras una ranura semicircular que se rellenaba con mortero para sujetar el armado. El mortero era vertido después de colocar los bloques, por lo que no era necesario que un albañil especializado realizara la tarea. Se suponía que tanto los bloques como las paredes eran impermeables al agua. La única concesión de Wright respecto a la imprecisión del sistema fue el empleo de un muro doble para mejorar el aislamiento térmico mediante la cámara de aire que se generaba entre ellos.

Lo cierto es que este espacio era necesario para asegurar la precisión de las paredes en ambas caras. La casa Freeman constituye una excepción en este sistema de casas con bloques de Wright. Aquí las esquinas se acristalan eliminando allí la estructura portante. En vez de tratarse de un cubo construido con cubiertas sencillas y muros portantes, esta casa se aproxima a la idea del esqueleto estructural, pues las cámaras de aire entre los bloques están rellenas con hormigón para crear pilares y vigas homogéneas. 31

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Chales Edouard Jeanneret - Le Corbusier (1887-1965) Le Corbusier fue sin duda la figura mas ceñera del movimiento moderno; definió las cinco reglas o pautas que guiarían su actividad como arquitecto y que luego serian aplicadas hasta la saciedad por el proceso evolutivo que siguió a dicho movimiento. además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura.

L´Esprit Nouveau A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, junto con Paul Dermée, una revista de divulgación artística que obtuvo gran resonancia internacional: L’Esprit Nouveau (El Espíritu Nuevo; aunque en francés la palabra esprit suele tener también el significado de conciencia, razón, inteligencia).

Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell’Architettura) Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra. Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.

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La machine à habiter Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir también llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo la componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: La Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios. En cuanto al criterio de «máquina de habitar», Le Corbusier estaba deslumbrado por las entonces nuevas máquinas: en especial los automóviles y aviones, considerando aquellos que tenían diseños prácticos y funcionales como modelo para una arquitectura cuya belleza se basara en la practicidad y funcionalidad; el racionalismo. Los cinco puntos de una nueva arquitectura En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación con-

ceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras): Los pilotis: para que la vivienda no se hunda en el suelo, y (por el contrario) quede suspendida sobre él, de forma tal que el jardín «pase» por debajo. La terraza-jardín: que permite mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón, y convierte el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento. La planta libre: aprovechando las virtudes del hormigón, que hace innecesarios los muros portantes. De esta forma, se mejora el aprovechamiento funcional y de superficies útiles, liberando a la planta de condicionantes estructurales. La ventana longitudinal: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior. La fachada libre: complementario del punto interior, los pilares se retrasan respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural.

Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada (con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos.

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Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura.

precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas.

De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre. Tomó como escala del hombre francés medio de esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m), lo que dio el Modulor II. Los resultados de estas investigaciones fueron publicados en un libro con el mismo nombre del Modulor. Le Corbusier fue uno de los miembros fundadores del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. En 1930 adoptó la nacionalidad francesa. Unos años después realizó su primer viaje a los Estados Unidos.

Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier.

Le Corbusier se hizo famoso como uno de los líderes del llamado estilo internacional, junto a Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y otros. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de arquitectos. Hoy en día la obra y el pensamiento de Le Corbusier siguen vigentes, tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los 34

Introdujo la proporción áurea en muchas de sus obras, por ejemplo se puede apreciar en el módulo de la Capilla de Notre Dame du Haut. Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue su seguidor Mario Pani Darqui, en Brasil Oscar Niemeyer, en la Argentina, Antonio Bonet, Juan Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa. En Uruguay, el teórico urbanista Carlos Gómez Gavazzo. En España, Francisco Javier Sáenz de Oiza y en Colombia, Rogelio Salmona.

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Pabellón de L’Esprit Nouveau Era un edificio temporal, construido en 1925 dentro del marco de la Exposición Internacional de Artes Decorativas en París. Para Le Corbusier era la ocasión de mostrar de modo provocante, sus ideas sobre la arquitectura y el urbanismo que había comenzado a desarrollar con Pierre Jeanneret desde 1922. La Exposición tuvo lugar en el centro de París, bordeando ambos márgenes del río Sena hasta rodear el Gran Palaix. El pabellón representa una nueva forma del “espacio habitable”, descartando toda noción decorativa. Le Corbusier trata de mostrar que la arquitectura está siempre presente en

todo, desde el más humilde equipamiento doméstico, a la mansión, el barrio, la ciudad, etc. Se trata de hacer la demostración de las posibilidades que ofrecen el hormigón armado y el acero para la arquitectura y en particular para la vivienda en serie (en un momento donde los materiales son considerados como indignos por los maestros de la arquitectura) y de probar que la industrialización de la construcción por elementos estandarizados no es incompatible con el arte. El Pabellón de L’Esprit Noveau marca un hito en la evolución arquitectónica. El término mobiliario es reemplazado por equipamiento, implicando la clasificación de diferentes elementos necesarios para el funcionamiento del hábitat, como consecuencia de su funcionalidad. 35

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Villa Stein - de Monzie Ya reconocido mundialmente, Le Corbusier diseña amplias casas en los barrios burgueses de las afueras de Paris, aunque no llegará a construirlas todas. La más llamativa es la casa “Les Terrasses”, levantada en Garches en un terreno que en la actualidad pertenece a la comuna de Vaucresson. Estuvo destinada a Michael Stein, hermano de la escritora Gertrude Stein, y a su esposa Sara, así como a Gabrielle de Monzie, divorciada del ministro radical socialista Anatole de Monzie y fiel defensora de Le Corbusier, gracias a quien pudo llevar a cabo el pabellón de 1925. El lujo de estos espacios molestará a los críticos preocupados por la dimensión social de la arquitectura moderna. En la película “L´Architecture aujourd´hui”, que Pierre Chenal dedica al arquitecto en el año 1930, Le Corbusier se interpreta a sí mismo llegando a la casa por la alameda de grava en su coche Voisin, para 36

relacionar explícitamente de esa manera la máquina con la vivienda. Sin embargo, cuando vuelve a visitar la casa en 1959, descubre en ella una “deliciosa aparición” donde se mezclan poesía, técnica, biología y escala humana. El arquitecto en las “Cuatro composiciones” manifiesta la concepción desde la volumetría de las casas por él realizadas a modo de repertorio, de modelaje del sólido. La casa Stein, según esta reflexión, forma parte del segundo tipo del que dice:” El segundo tipo revela la comprensión de los órganos en el interior de una envoltura rígida, absolutamente pura. Problema difícil, acaso delectación del espíritu; gasto de energía espiritual en medio de las trabas que se han impuesto”.

Se trata de un edificio de volúmenes aislados y rodeado de jardín, con casa para los porteros situada junto a la cancela de acceso. Al igual que la Villa Savoye, de espacios abiertos formados por las distintas terrazas de las plantas. La sensación cúbica se rompe únicamente con volúmenes de forma ovalada, inspirados en las chimeneas de los grandes trasatlánticos. Sin embargo, se detecta aún en ambas casas un principio clásico: el sistema de proporciones de las fachadas es netamente palladiano. La disposición vertical de los espacios resulta bastante clara y lógica.

Este es un ejercicio donde la intuición de la forma exterior del edificio es anterior a su distribución espacial y funcional, en una imposición de reminiscencias clásicas, y que se resuelve según los criterios previos establecidos por el ideario del Movimiento Moderno. El crítico británico Colin Rowe comparó la retícula geométrica realizada alternativamente con tramas anchas y estrechas, con las que se diseñó la casa, con la planta de Villa Malcontenta de Palladio, y puso de relieve así una de las numerosas correspondencias ocultas que abundan en la obra de Le Corbusier. 37

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Actualmente es una “casa-museo”, dedicada a la vida y obra de Le Corbusier y mantenida por la sociedad pública Monuments de France, y recibe miles de visitas al año, principalmente de arquitectos y estudiantes.

Villa Savoye Poissy se encuentra a algo menos de una hora de viaje desde París, y es uno de los típicos suburbios de la capital francesa, con largas calles de unifamiliares con jardín. La Villa Savoye ocupa uno de estos solares, situándose más próxima a la naturaleza que a la calle y liberando 38

un gran espacio verde a su alrededor (aunque la construcción de equipamientos para la ciudad tras la guerra mermó de forma importante el espacio privado de la vivienda). La parte principal de la vivienda (salón, comedor, cocina, dormitorios y baños) se encuentra ubicada en la planta primera, mientras que la planta baja está ocupada por el hall y dependen-

cias para el servicio, y cuenta con un garaje capaz de soportar 3 automóviles de la época, algo que fue un hito para la historia de la arquitectura y un gran adelanto para su tiempo. La cubierta es plana y en ella se encuentra un pequeño jardín. La planta baja está determinada en gran medida por el movimiento de un automóvil que entre al edificio. Este movimiento también determina la estructura, basada en una malla ortogonal de pilares de hormigón distantes entre sí 4,75 metros unos de otros. Esta malla conforma una planta cuadrada de 23,5 m de lado, sobre la que se asienta la Villa. La Villa Savoye fue proyectada por Le Corbusier como paradigma de la vivienda como machine à habiter, de forma que las funciones de la vida diaria en ella se vuelven fundamenta-

les para su diseño. El movimiento de los coches para entrar al interior de la vivienda (un motivo que apasionaba a Le Corbusier desde hacía años) es el detonante para la concepción del edificio. También en este término se engloba el hecho de que la vivienda se conciba pretendidamente como objeto que se posa sobre el paisaje, siendo totalmente autónomo del mismo y pudiendo ser colocado en cualquier lugar del globo. La arquitectura sigue de este modo a aeroplanos, automóviles y paquebotes, y con el objetivo final declarado de lograr producir las viviendas en serie. La planta baja sobre pilotis también avanza en este sentido, ya que independiza la Villa de su jardín, y fue recogido como uno de los puntos fundamentales de la primera generación de la Arquitectura Internacional. 39

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Pabellón Suizo

Los materiales que se usan en la Ville Savoye son materiales prosaicos, este tipo de materiales se utilizaron durante este tiempo en la construccion de las casas de clase baja de Paris. A pesar de que la casa se diseñó pensando que la habitarían personas acomodadas, se usó yeso en las paredes y hierro en los pasamanos. 40

Es éste edificio uno de los exponentes de un momento creativo y de un modo de materialización plástica que no volvió a repetirse en el conjunto de la obra del autor. Le Corbusier ya había puesto en práctica sus ideas y madurado sus experiencias en las casas individuales construidas en la región de París durante la década del ´20, pero todavía estaba lejos de aparecer en el horizonte la manera brutalista de las obras de la segunda posguerra. En esta y otras obras tempranas de la década del ´30 hacen su aparición una serenidad y un “clasicismo” propio de la segunda fase del movi-

miento moderno. Ya no aparecen ni la rigidez irrestricta de los cinco puntos ni el cubismo programático de las obras anteriores y las obras se abren a una mayor libertad expresiva, a la introducción de nuevas texturas y materiales y a una notable madurez en el manejo de los recursos plásticos. El Pabellón Suizo de la Ciudad Universitaria es un acabado paradigma del énfasis del movimiento moderno en que las formas sean representativas de las diferentes funciones (form follows function) y a la vez, sean objeto de un tratamiento plástico tanto en su gestación como en su integración al conjunto. 41

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viendas para los docentes y el director (1925-1926). Entre sus Principios conceptuales podemos nombrar:

Walter 1969)

Está ubicado en una parcela asignada en el extremo este del recinto universitario, entre una serie de construcciones en los “estilos nacionales” de cada país, en París. La obra consta claramente de dos volúmenes diferenciados. Por un lado, el pabellón en forma de paralelepípedo que contiene los dormitorios de los estudiantes y, por el otro, la forma libre que contiene los ámbitos de reunión, el conjunto de los espacios individuales y el espacio social. El volumen de dormitorios se separa del suelo por medio de grandes columnas de hormigón. Al mismo tiempo aparecen en la producción del maestro los primeros elementos de adjetivación mural que rompen con la ortodoxia de los planos blancos del período anterior. 42

Gropius

(1883-

Walter Gropius nació en Berlín en 1883. Realizó sus estudios de arquitectura en las Escuelas Superiores Técnicas de Berlín y Munich, entre 1903 y 1907, y emprendió viajes de estudios –como era usual entonces– por varios países europeos. Al finalizar la guerra, y a propuesta de Henry van de Velde, Gropius fue nombrado director de la Groherzogliche Kunstgewerbeschule de Weimar, y de la Groherzogliche Hochschule für bildende Kunst. De estos centros de formación creo Gropius la Staatliches Bauhaus, en 1919. Cuando la institución tuvo que cambiar de lugar, Gropius proyectó otro complejo de edificios para el Bauhaus en Dessau (1925-1926). La idea básica era diseñar edificios que correspondiesen a las funciones primordiales de la escuela, y comunicarlos unos con otros. Se construyeron además vi-

• Generar la convergencia de las fuerzas de vanguardia en un movimiento unitario que sea capaz de atacar toda la producción edilicia y modificar totalmente el ambiente en el cual el hombre vive y trabaja. • Promover –para el logro de dicho objetivo– la síntesis de todas las artes y la abolición de la antinomia entre artesanía e industria, postulando a ambas como polos complementarios en la producción de dicho ambiente. • Plantear la conexión sustancial entre la forma y la función, es decir, no contraponer las exigencias funcionales a las formales dentro del viejo sistema de valores, sino ver las unas y las otras integradas bajo un nuevo punto de vista. • Generar una arquitectura que “simbolice el espíritu de los tiempos modernos”. Principios instrumentales • La composición a partir de volúmenes macizos, pero articulados libremente sobre el terreno. • La absoluta libertad en el planteo de los aventanamientos, desvinculando a las ventanas de toda relación proporcional con las fachadas y atendiendo sólo a la expresión de las funciones interiores.

La publicación más importante que se basa en Gropius y Behne se publicó en 1932 en Estados Unidos: The International Styie: Architecture since 1922 (El estilo internacional: arquitectura desde 1922), de Henry-Russell Hitchcock, Philip Jonson. Lo que Gropius evitó decir lo hicieron los historiadores norteamericanos: declararon la arquitectura moderna como estilo.

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La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal)

La Das Staatliches Bauhaus

Fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. La escuela Bauhaus tenía como propósito realizar la arquitectura del porvenir. Esta idea requería una nueva forma de enseñar, con estudiantes que estuvieran más allá de la especialización académica, para lo que esta escuela ofrecía la preparación adecuada. Como el mismo Gropius afirmaría, la base para conseguirlo debía ser volver a las manualidades, las clases serían un “taller manual”. Para ello la escuela contaba con un selecto grupo de profesores. Querían innovar en el campo artístico introduciendo la noción de arte en diferentes elementos de uso diario. Uno de los principios básicos de la escuela era formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Perseguían la armonía entre arte e industria. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo era una meta común en los movimientos culturales de la época que pretendían innovar. “El artista es un artesano inspirado. Debe tener técnica.” Gropius sostuvo que ambos, arquitectos y artistas, debían volver a ser artesanos. Buscaba unir sus talentos para que, orientados con un mismo fin, se lograra un mejor resultado. Así,

fundió dos oficios que hasta entonces habían trabajado independientemente el uno del otro. La construcción de un edificio debía ser un trabajo en conjunto en el que artista y arquitecto debían manejar por completo cada disciplina y especializarse en la que más le interesara. Con esta nueva forma de pensar se unió arte y funcionalidad como nunca se había visto antes. Esta fusión es elemental porque hace que el artista ya no sea una entidad aislada, si no que entra a la sociedad como un personaje útil, interviene directamente en ella. El arte entra a los hogares con una función. “Se creía que las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era `fluido y central’, el cuadrado resultaba `sereno’ y el triángulo, `diagonal’.”

“La filosofía de Gropius se basaba en integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos. Los productos resultantes se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva.”

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Este concepto se tomaría más tarde y se le llamó funcionalidad moderna o modernidad internacional. Una de las principales marcas de la escuela Bauhaus fue su empeño en la búsqueda de la racionalidad, de lo fundamental. Buscaban, experimentando, la funcionalidad pura de los distintos elementos. Se regresó a las formas, a los colores elementales. Se enseñó a prescindir de toda osamenta ya que lo que se persigue es lo esencial. Todo se vuelve limpio, nítido, claro. Los conceptos de la Bauhaus eran sobrios. Reducen al máximo el uso de colores y formas. Quieren un mundo funcional, por lo que hay reducción de materiales, persiguiendo la economía basados en la racionalidad. Se buscaba la vida detrás de las diversas formas. La escuela en sí era un laboratorio, querían ejercer una experiencia vivificante en el mercado pero no absolutamente masiva.

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proponen una efectiva planificación urbana. La influencia de la Bauhaus sigue presente en el diseño actual. Gracias a ella es que existe el diseño industrial como también existe aun la idea de combinar estética y funcionalidad.

Fábrica Fagus Esta fábrica de hormas de zapatos fue el primer encargo industrial para Walter Gropius y su diseño lo realizó en colaboración con quien en aquel momento era su socio Adolf Meyer.

Buscan la calidad y no una novedad efímera. Para ellos la belleza radica en el material puro, sin ornamentos. Critican el uso de formas innecesarias; una silla para funcionar no necesita adornos. Su tendencia es romper con lo tradicional, con los estilos preestablecidos.

Para el arquitecto la forma del edificio debía ajustarse a la función para la que se proyectaba y corresponder a una lógica constructiva según dicha función, su imagen no debe esconder su forma sino mostrarla de una manera bella y moderna, la arquitectura debería adaptarse al nuevo mundo de las máquinas.

La función predomina sobre la forma, hay una estrecha relación entre arquitectura, diseño y ciencias aplicadas. Buscan adecuar los elementos de la vivienda a las necesidades humanas;

Según Gropius, la forma exacta sin enmascaramientos, con contrastes claros, la secuenciación de formas iguales y la unidad de forma y color

debían constituir la base de la rítmica de la creación arquitectónica. En este edifico se encuentran plasmadas estas ideas, un bloque prismático, de tres plantas con base rectangular y cubierta plana cuya estructura de hormigón armado con los soportes desplazados hacia el interior permite liberar los muros exteriores de cualquier función portante y cuya planta expresa claramente sus intereses comerciales modernos y funcionales. El edificio se compone de tres plantas con una cubierta plana que conjuntamente con la sustitución de los muros por grandes cristaleras, que a su vez también conformaban las esquinas del edificio, se convirtió en uno de los sistemas constructivos característicos del Movimiento Moderno 47

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El edificio se compone de tres plantas con una cubierta plana que conjuntamente con la sustitución de los muros por grandes cristaleras, que a su vez también conformaban las esquinas del edificio, se convirtió en uno de los sistemas constructivos característicos del Movimiento Moderno, especialmente en rascacielos como los paradigmáticos Lever House de Bunshaft o el Edificio Seagram de Mies van der Rohe y Philip Johnson o el Edificio de la Bauhaus en Dessau realizado también por Gropius. La estructura de hormigón armado, con los soportes desplazados hacia el interior, posibilitaba liberar a las paredes exteriores y, especialmente a las esquinas del edificio de su función portante. El edificio principal, de planta rectangular, fue concebido como esqueleto portante sin pilares en las esquinas, con una fachada surcada por cuadrículas de metal cubiertas de cristal, siendo uno de los primeros ejemplos de “curtain wall”, fachada de cortina. Dicha estructura constructiva no parece necesitar un revestimiento formal para clarificar la composición, al contrario, la forma y el lenguaje de la arquitectura vienen dados por la técnica. El primer edificio diseñado por Gropius para la fábrica de calzado fue el de las oficinas y es uno de los más importantes y característicos del complejo.

La fábrica Fagus de Gropius es donde por primera vez se sustituyeron los muros de una fábrica por cristal. Este novedoso, para la época, “muro cortina” tiene una altura que abarca los tres pisos del edificio.

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ESTILO INTERNACIONAL Se conoce como Estilo Internacional a un estilo arquitectónico de la arquitectura moderna, encuadrable dentro del funcionalismo arquitectónico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920. El Estilo Internacional se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso. El empleo de las nuevas técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional.

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando. El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones. En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros. El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en la ciencia de los materiales y la construcción, que permitieron la invención del hormigón armado y los progresos en las aleaciones de acero. Todo esto conllevaría nuevas posibilidades estructurales que harían realidad edificios más altos, más resistentes, más espaciosos. 49

El Estilo Internacional fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Charles-Edouard Jeanneret -más conocido como Le Corbusier-, J. J. P. Oud, Richard Neutra, Rudolf Schindler y Philip Johnson. Como testimonio más valorado del Estilo Internacional prevalece el Edificio Seagram, construido por el alemán Mies van der Rohe para la corporación de las bebidas alcohólicas. Se ubica en Park Avenue, en Nueva York, donde Mies ideó una gran plaza urbana situada entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida, permitiendo tener un punto de observación inmejorable hacia la alta edificación que muestra su estructura de acero, y tiene la sencilla forma de un prisma rectangular desprovisto de toda ornamentación. El Edificio Seagram se convertiría en el arquetipo del Estilo Internacional, que será denostado por sus críticos, tildándolo como “una arquitectura de cajas de acero y vidrio”. En aquel momento, importantes arquitectos europeos que se establecieron en los EEUU huyendo de la guerras mundiales que asolaban sus países, (entre ellos Mies van der Rohe y Walter Gropius) colaboraron con profesionales y técnicos norteamericanos mientras impulsaban los principios del Estilo Internacional. Principios que fueron aceptados dentro de la sociedad norteamericana, organizada y progresista, con tanto éxito que el modelo de edificio por 50

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Los espacios interiores eran más amplios que lo acostumbrado, pues la utilización de técnicas y materiales nuevos como el hormigón armado, eran característicos de este estilo.

Otros edificios representativos de la corriente serían la Villa Savoye de Le Corbusier, la Glass House, o casa de vidrio, de Philip Johnson; la casa Schindler-Chace de Rudolf Schindler; la sede de la escuela de la Bauhaus en Dessau, diseñada por Walter Gropius, y los Lake Shore Drive Apartments de Mies van der Rohe.

ellos propuesto, sigue siendo el emblema del espíritu corporativo estadounidense. Entre sus rasgos principales se encuentran los siguientes: - El hecho de que hace énfasis en lo ortogonal. - La implementación de superficies lisas. - Usa superficies pulidas. - Carencias de ornamento. Todo ello causaba un aspecto ligero, con lo que fue posible también utilizar construcciones en voladizo, lo cual fue una innovación en dicha temporada.

La Villa Savoye de Le Corbusier Edificio situado en Poissy, a las afueras de París, que fue construido en 1929 y proyectado por Le Corbusier, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. La Villa Savoye es considerada como el paradigma de la Arquitectura Internacional y de la nueva manera de construir edificios de viviendas del siglo XX. La planta baja tiene una forma curva que subraya el movimiento y la influencia de los automóviles en la misma. En un costado, ocupando aproximadamente la cuarta parte de la planta, se encuentra el garaje. En la parte frontal se encuentra la entrada de a pie, frente a la cual se

abre un hall que cuenta con una rampa que recorre de abajo a arriba todo el edificio y que constituye su espina dorsal, proplongando este movimiento desde fuera hacia dentro, y una escalera de caracol. Todo el interior del hall se encuentra pintado de blanco, lo que representa el interés de Le Corbusier por la arquitectura sanitaria y la higiene plasmando el importante descubrimiento de la vida microbiana en todas partes, incluyendo el interior de las viviendas. Actualmente es una “casa-museo”, dedicada a la vida y obra de Le Corbusier y mantenida por la sociedad pública Monuments de France, y recibe miles de visitas al año, principalmente de arquitectos y estudiantes. 51

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Glass House, Philip Johnson Es innegable la influencia de la arquitectura racionalista alemana en las primeras obras del arquitecto norteamericano Philip Johnson, quien en 1940, después de haber trabajado como director del departamento de arquitectura del Museo de Arte Moderno de Nueva York y difundido el estilo internacional en diversas publicaciones y exposiciones, empezara a estudiar arquitectura en la Universidad de Harvard con Walter Gropius y Marcel Brauer –Brauer es mejor conocido por sus diseños de muebles tubulares-. La Casa de cristal fue un proyecto polémico, alabado por muchos, pero también muy criticado, pri-

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mero porque muchos de los detractores de la arquitectura de las -cajas de cristal- la consideraron un modelo poco confortable para ser habitado y segundo porque La Casa de cristal marcó un punto importante en la búsqueda hacia la transparencia y la flexibilidad de la modernidad europea que sin lugar a dudas representa el extremo de la Desmaterialización de la arquitectura. La Casa de cristal de New Canaan es uno de los proyectos más importantes realizados por el arquitecto norteamericano Philip Johnson, pues con esta obra comenzó una relevante carrera como arquitecto y como promotor de los nuevos discursos arquitectónicos que han marcado enormemente e incluso modificado de manera significativa el entendimiento de la arquitectura del siglo XX.

Casa Schindler-Chace / Kings Road House En 1922, Rudolf Schindler construyó su famosa casa-estudio en Los Ángeles. Las ideas desarrolladas en esta casa fijaron el patrón de diseño de todo su trabajo en Los Ángeles. En su propia casa, Schindler expresó su filosofía acerca de la estructura y los materiales más claramente, pero todo el sitio explora la relación del espacio, la luz, y la forma. En este, su primer diseño independiente en los EE.UU., Schindler enuncian los principios básicos de su filosofía de arquitectura, a la que llamó “Arquitectura del Espacio”. En esta obra maestra, se estableció a sí mismo como una figura importan-

te en la historia del movimiento moderno. Esta casa influyó en el desarrollo de las Case Study Houses que se construyeron en California en los años cincuenta y sesenta, caracterizadas por la simplicidad formal y estructural, la prefabricación, y la pronta integración de espacios interiores y exteriores a través de grandes ventanas con su innovador sistema “tabla de inclinación” la construcción y la integración de los jardines como espacio de vida, la Casa de Kings Road exhibe un replanteamiento radical de la arquitectura doméstica. El control preciso de las alturas y la introducción de la luz natural definen una escala de percepción muy singular. Una casa diseñada como espacio de trabajo-vivienda para dos parejas con una cocina compartida y un apartamento para huéspedes. 53

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Apartamentos Lake Shore Drive (1948; Mies Van der Rohe; Chicago) Estas dos torres de vidrio y acero fueron diseñadas por el arquitecto Mies Van der Rohe y culminadas en 1951. Paradigmáticas para su época, ambas torres de apartamentos reflejan claramente el Estilo Internacional. Marcando tendencia, su diseño, así como también la resolución estructural, fue traducida e imitada a lo largo y ancho de todo el mundo en los años posteriores a su construcción. Las dos torres de base rectangular se encuentran implantadas de manera perpendicular una con la otra, en una manzana de la ciudad de Chicago, Illinois. Las torres, idénticas en su concepción volumétrica, se elevan desde la planta baja mediante columnas de acero negras que se inscriben dentro de una retícula. El concepto principal, claro y sintético, se enmarca dentro del denominado “piel y hueso”, en el que el acero es utilizado como estructura visible y articuladora, mientras que el vidrio es quien rellena los espacios libres sobre las fachadas. Estos principios precursores, son los que hoy podemos ver en los rascacielos de curtain wall(muro cortina). Es importante destacar que todas las caras de estas torres son iguales, sin privilegiar orientaciones ni visuales.

La Muerte de la Arquitectura Moderna Afortunadamente podemos situar con precisión temporal la muerte de la Arquitectura Moderna. AI contrario que las personas, cuya defunción legal depende de una compleja atribución de competencias entre impulsos cerebrales y pulsaciones cardíacas, la Arquitectura Moderna se extinguió de golpe y con una sonora explosión. La Arquitectura Moderna murió en St. Louis, Missouri, el 15 de julio de 1972 a las 3.32 de la tarde (más o menos), cuando a varios bloques del infame proyecto Pruitt-Igoe se les dio el tiro de gracia con dinamita.

El hecho de que mucha gente no se diera cuenta y que no se viera a nadie vestido de luto, no hace que su repentina extinción deje de ser una realidad, y el hecho de que muchos diseñadores intenten todavía ahora reanimarla, no quiere decir que haya resucitado milagrosamente. No, expiró del todo y completamente en 1972, después de diez años de ser azotada sin piedad por críticos como Jane Jacobs, y el hecho de que muchos de los llamados arquitectos modernos sigan practicando el oficio como si estuviera vivo, puede tomarse como una de las grandes curiosidades de nuestro tiempo (como la monarquía británica prolongando artificialmente la vida a La Real Compañía de Arqueros o a Las Innecesarias Doncellas de la Real Cámaral.

vida (reparando ascensores, ventanas y repintando) se puso fin a su miseria Bum, bum, bum. Sin duda deberían haberse conservado sus ruinas ordenando la protección legal de sus restos para así poder mantener vivo en la memoria el recuerdo de este fracaso de la planificación y de la arquitectura. Debemos aprender a valorar y proteger nuestros desastres, como hizo un excéntrico inglés del siglo XVIII al construir en sus propiedades ruinas artificiales que le proporcionaran recuerdos instructivos de anteriores vanidades y glorias. Como decía Oscar Wilde, experiencia es el nombre que damos a nuestros errores», y es bastante sano dejarlos juiciosamente esparcidos por nuestro paisaje para que sirvan de constante lección. Pruitt-Igoe se construyó de acuerdo con los ideales más progresistas del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectos Modernos) y fue premiado por el Instituto Norteamericano de Arquitectos cuando se diseñó en 1951.

Previamente habían sido objeto de vandalismo, mutilación y defecación por parte de sus habitantes negros, y aunque se reinvirtieron millones de dólares para intentar mantenerlos con 55

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Estas ideas tan simplistas tomadas de las doctrinas filosóficas del racionalismo conductismo y pragmatismo, demostraron ser tan irracionales como las doctrinas mismas. La Arquitectura Moderna, como hija de la Ilustración, era heredera dé sus ingenuidades congénitas, ingenuidades demasiado grandes e imponentes cómo para ser refutadas en un libro que trata meramente de construcción. La primera parte la dedicare a esto, a la muerte de una rama pequeña de un árbol grande y podrido, aunque para ser justos deberíamos señalar que la Arquitectura Moderna es un vástago de la pintura moderna o, mejor dicho, de los movimientos modernos de todas las artes. AI igual que la escolarización racional, la sanidad racional y el diseño racional de bragas de mujer, dichos movimientos poseen todos los errores de una edad que intenta reinventarse totalmente a sí misma sobre una base racional. Estas deficiencias son ahora bien conocidas gracias a los escritos de Ivan Illich; Jacques Ellul, E. F. Schumacher, Michael Oakshott y Hannah Arendt, por lo que no profundizaremos sobre el concepto erróneo del racionalismo. Por lo que a mis intenciones se refiere las doy por asumidas.

Arquitectura Post Moderna

La virtud de este género (además de su vicio) es que da licencia para saltarse las grandes generalidades con cierta tranquilidad y placer, olvidando todas las excepciones y sutilezas de la discusión. La caricatura, por supuesto, no es toda la verdad. Los dibujos de Daumier no mostraban fielmente cómo era la pobreza del siglo XIX, sino que daban una visión muy selectiva de algunas de las verdades. Pasemos, pues, por la desolación de la Arquitectura Moderna y por la destrucción de nuestras ciudades con una cierta ligereza, como haría un turista marciano en una excursión terrestre, visitando restos arqueológicos con sublime desinterés, divertido por los tristes pero instructivos errores de una civilización arquitectónica pasada.’Después de todo, si ya está muerto, disfrutemos picoteando un poco el cadáver.

ARQUI TECTURA POST MODERNA

En vez de hacer un profundo y extenso ataque a la Arquitectura Moderna, demostrando cómo sus males están muy relacionados con las imperantes filosofías de la edad moderna, intentaré hacer una caricatura, una polémica. 56

Arquitectura Post Moderna

Arquitectura Post Moderna Es una tendencia arquitectónica que reacciona, desde mediados de 1970, contra los principios del movimiento moderno. Presenta una gran diversidad tanto desde el punto de vista formal como teórico, agrupándose bajo esta denominación fenómenos muy dispares. Todos ellos, tienen en común, la denuncia de los principios defendidos por el Racionalismo arquitectónico y estilo Internacional, como son el principio funcionalista, que afirma que la forma es consecuencia de la función, la planta libre y la desnudez ornamental. La postmodernidad propugna un arte que se identifique con la vida del mundo actual. Los arquitectos postmodernos defienden valores como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la diversidad de estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de referencias históricas. Los postmodernos emplearán los órdenes clásicos, ya que así contradicen a la modernidad que los había rechazado, haciendo una llamada burlesca a una cultura pasada. Las figuras más destacadas son Michael Graves, Charles W. Moore, Robert Ventura o Aldo Rossi. Ventura propone el edificio anuncio, que se compone de un contenedor en el que se desarrollan las actividades 58

propias de su función y de una fachada que se levanta como un inmenso cartel publicitario. Lo que caracteriza a un edificio es la vestimenta, la ornamentación, el interior es simplemente algo funcional, ya que la comunicabilidad de la arquitectura reside en la fachada. Aldo Rossi es el más famoso de los teóricos de la postmodernidad. En sus construcciones prima la repetición y sus formas son monumentales y simples (cúbicas), pero en el exterior, emplea materiales lujosos y de color y exhibe motivos figurativos e historicistas.

Los arquitectos postmodernos defienden valores como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la diversidad de estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de referencias históricas.

Michael Graves Es un arquitecto norteame- Al profundizar en la arquitectura y pinricano. Graves trabajó durante dos años como ayudante en la Academia Americana de Roma y posteriormente constituyó su despacho de arquitecto en Princeton, en el estado de Nueva Jersey. Allí se convirtió en profesor de la Universidad de Princeton en el año 1972. Como arquitecto, Graves es un representante destacado de la corriente post-modernista en los Estados Unidos. Sus edificios mantienen la claridad de líneas característica de los diseños modernos, pero incorporan elementos clásicos, que confieren a sus obras un aspecto menos técnico y frío, y más humano. En 2001 recibió la Medalla de Oro del AIA (Insituto Americano de Arquitectos).

tura clásicas modificó sus puntos de vista a la hora de proyectar. Graves ha diseñado murales, carteles, alfombras, vestidos, menaje y muebles, además de casas, galerías de arte y edificios a gran escala. tSe ha inspirado en la arquitectura mediterránea y en los modelos clásicos, mezclándolos con la influencia de los maestros contemporáneos. Entre sus más importantes obras, destacan el edificio Portland, en Oregón, terminado en 1982; la biblioteca regional San Juan Capistrano en California, dentro de un estilo colonial español y el edificio Humana, en Louisville, Kentucky, un rascacielos en granito rosa. Uno de sus principales encargos fue la ampliación del museo Whitney, en Nueva York, durante la década de 1980. 59

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También conocida como la Torre Humana, es un rascacielos en el centro de Louisville, Kentucky, ubicado en 500 Main Street West. La estructura de 27 pisos es la sede de la Humana Corporation y conocida por su arquitectura postmoderna. Fue diseñado por Michael Graves. La construcción comenzó en octubre de 1982 y se terminó en mayo de 1985. Cada lado del edificio está diseñado de forma ligeramente diferente, con un estilo de pirámide inclinada de pocos pisos superiores. Este diseño básico ha llevado a la torre es conocida localmente como “la caja de leche”.

Edificio Portland Esta torre se construyó en el municipio de Portland, Estados Unidos. Es explotada entre otros fines para oficinas. La torre suele clasificarse dentro de la tendencia arquitectónica conocida como postmoderno. Este edificio municipal de Graves ha sido considerado por los críticos y arquitectos defensores del denominado clasicismo postmoderno como el primer monumento real de esa tendencia (Jencks). Graves, posiblemente uno de los arquitectos norteamericanos más bri60

llantes, pasó del neorracionalismo de los Five, con evidentes prolongaciones de la arquitectura de Le Corbusier y Terragni, durante los años setenta, a la formulación de un lenguaje cada vez más orientado a una reformulación de lo clásico entendido también como manipulación e invención de elementos formales que alteran tanto la memoria de la tradición como sus dimensiones. La fachada principal presenta dos enormes pilastras con capiteles de color ocre-rojo sobre los que descansa una enorme clave.

El edificio también es conocido por su construcción exterior del piso de granito rosa. La fachada norte de la logia es respetuoso de la arquitectura del centro de mayores, siendo perfectamente a ras de la calle original fachadas principales. La porción de aire delantera abierta de la galería contiene una gran fuente. El, gran parte curva hacia la parte superior del edificio es en realidad una cubierta de observación aérea abierta. El extremo del círculo tiene espacio para unas pocas personas a la vez estar rodeada por un cristal, lo que permite una espectacular vista del río Ohio y por la calle Mayor. 61

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Estados Unidos. Uno de los primeros fue la casa unifamiliar en Mount Pocono, Pennsylvania. En Galveston, Texas diseñó un arco monumental para la ciudad, y en Coral Gables, Florida, recibió el encargo de proyectar la nueva Escuela de Arquitectura. En 1990 Rossi recibió el prestigioso premio Pritzker de arquitectura, el equivalente a los Premios Nobel. Sus méritos no se limitaron al campo de la arquitectura, sino que fue también diseñador, teórico, profesor y autor. Uno de los miembros del jurado del premio Pritzker expresó su concepto de Rossi diciendo que era una poeta convertido en arquitecto.

Aldo Rossi Arquitecto italiano, nacido en Milán. Su padre tenía una fábrica de bicicletas, cuya marca era “Rossi”. Fue a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial y a continuación estudió arquitectura en el Politecnico di Milano, donde se graduó en 1959.

Bonnefanten Museum en Maastricht En 1963 inicia su actividad docente, primero como asistente de Ludovico Quaroni (1963) en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, posteriormente de Carlo Aymonino en el Istituto di Architettura di Venezia. A lo largo de su carrera, Rossi realizó también numerosos e importantes proyectos en los 62

Rossi fue profesor de arquitectura en la Escuela Politécnica de Milán, en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, en la Escuela Técnica Superior de Zúrich y en la escuela Cooper Union de Nueva York. Rossi fue uno de los grandes renovadores ideológicos y plásticos de la arquitectura contemporánea; con su poesía metafísica y el culto que profesó a la vez a la geometría y a la memoria, este milanés cambió el curso de la arquitectura y del urbanismo del último tercio del siglo XX.

“Es imposible pensar sin tener una obsesión, es imposible crear algo imaginativo a menos que los fundamentos sean rigurosamente indisputables y repetitivos” A. Rossi.

Teatro del Mundo Fue diseñado para el Bienal de Venecia en 1979. La idea era evocar los teatros flotantes, tan característicos de Venecia y sus carnavales en el siglo XVIII. Se construyó en un astillero, se remolcó por mar a su sitio en el medio del agua, donde permanecíó durante la Bienal. Este teatro fue construido en 1979 en Venecia. Cuando concluyeron las demostraciones de la Bienal, el teatro cruzó el mar Adriático y se instaló en Dubrovnik.

En 1981 fue desmantelado. En el año 2004 fue reconstruido en Génova como una de las instalaciones de las celebraciones de “Génova capital europea de la cultura”. Está inspirado en el teatro anatómico de Padua y en el Globe Theatre shakesperiano. Pero el teatro veneciano se diferencia de éstos porque, en él, el escenario es un pasillo que une una puerta y una ventana; la estructura de la planta baja no es centralizada, sino que viene dada por la circularidad de las galerías y por la inclinación del puntiagudo techo. 63

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La forma del teatro está dada por la sumatoria de elementos puros: un paralelepípedo cuadrado del escenario central, con dos cajas de escaleras adosadas y un octógono de remate.

tral con tribunas a los lados y galerías en los pisos superiores.

Retoma el concepto de tipología desarrollado a través del tiempo y lo individualiza tanto en el análisis de la ciudad como en el proceso compositivo de nuevas intervenciones.

El edificio se construyó con una estructura de acero tubular revestida de madera y alcanzó una altura de 25 m. El cuerpo principal está formado por un paralelepípedo cuadrado bajo de 9,5 m. de lado con una altura de 11 m. En la cúspide remata un tambor octogonal, cuyo techo es de cinc.

Realiza una abstracción y un rescate de la forma, toma el modelo de elementos existentes y los reinterpreta. Estructuró su obra en cuanto a elementos arquitectónicos históricos que pudieran ser recordados y trascender.

Por dentro el escenario se colocó al centro, el público se ubica a los lados sobre dos tribunas ó en las galerías situadas en los pisos superiores a los que se accede a través de las escaleras que están colocadas a los lados del paralelepípedo.

Tiene capacidad para 400 personas, de las cuales 250 pueden estar sentadas alrededor del escenario. Está compuesto por un escenario cen64

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Escuela de Enseñanza Elemental Fagnano Olona En esta obra se demuestra la permanencia de las tipologías históricas como monumentos en los cuales se condensa la memoria histórica y los rituales colectivos de una cultura. Las obras de este arquitecto aluden permanentemente a la historia, todo está pensado a partir de sus preocupaciones históricas, prescindiendo de las peculiaridades de la implantación ó las características de los usuarios.

Ubicada en Varese, capital de la provincia homónima, en la Lombardía, Italia. El concepto central de este proyecto es el de realizar una pequeña ciudad, esta ciudad se desenvuelve en torno a una plaza central con dos niveles. Esta plaza se realiza como un teatro con gradas; en este teatro abierto se desarrollan manifestaciones políticas, charlas y reuniones. 65

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La escuela Responde a una tipología clásica: las aulas se disponen a lo largo de alas que salen a ambos lados de un cuerpo central. En este cuerpo se agrupan, en torno a un patio, las actividades centrales del edificio. Respeta el eje de simetría central, y lo refuerza con la ubicación del edificio circular de la biblioteca, en medio del patio central y al servicio del barrio.

del médico y los comedores. Inmediatamente después se hallan las aulas, veintidós, que se desarrollan mediante un eje central divididas por ciclos y orientadas rigurosamente de este a sureste.En la zona superior se encuentra el gimnasio.

La biblioteca es un cilindro coronado por un techo cónico en el medio de un patio, la chimenea tronco cónica también asume un carácter abstracto de En el primer cuerpo se encuen- monumento. Las ventanas de tran los locales de la dirección, este volumen son cuadradas. 66

El camino situado frente a la escuela tiene un valor simbólico, realizándose con fábrica de ladrillo, como las viejas fábricas, hecho que une la escuela con el significado del paisaje industrial que la rodea.

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El “Movimiento Tardomoderno” En cambio, considera que todavía sigue vigente la esencia del “Movimiento Moderno”, idea compartida por arquitectos como Norman Foster y Frank O. Ghery. No existen características formales comunes, ya que dentro de él conviven diversas maneras de entender al arquitectura, desde el “Racionalismo” hasta la “Deconstrucción”, pero podemos establecer la existencia de al menos tres principios generalizados: un cierto sentido escultórico externo en los edificios tardomodernos, la variedad de composiciones que lleva a la disgregación del espacio en unidades pequeñas y, por último, la utilización de elementos relacionados con la tecnología y la industria.

Desde mediados de los años ochenta se definen dos grandes tendencias dentro del movimiento, el “High-Tech” y la Deconstrucción”. El primero debe su nombre al uso excesivo de los elementos derivados de las tecnologías actuales, evidenciando elementos como escaleras mecánicas, conductos de ventilación, de conducción de agua, etc. Los muros se cierran generalmente con vidrio reflectante, potenciando así como elemento decorativo, un aspecto agresivo y brillante de la alta tecnología. Su primer ejemplo fue el “Centro Pompidou” de París (1977) de Renzo Piano y Richard Rogers, pero tal vez los más polémicos fuesen el “Banco de Hong Kong” (1980-86) de Norman Foster y el “Edificio Lloyd´s” de Londres (1979-86) del arquitecto Richard Rogers.

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El “Banco de Hong Kong” presenta una estética agresiva, con connotaciones industriales, a base de muros acristalados y del masivo empleo de metal pulido. Parte de su gran originalidad reside en que la estructura es exterior, con ocho grandes mástiles que permiten colgar los pisos en unas plantas determinadas. En la última se sitúa un helipuerto. En el interior mantiene la misma estética pulida y brillante que el exterior y destaca porque no todos los pisos tienen acceso a través del ascensor, sino que hay que utilizar las escaleras mecánicas, que consiguen crear la sensación de espacio diáfano y también le permite individualizar los espacios. Es uno de los edificios más destacados de la última arquitectura por la combinación de los principios tardomodernos con un gran refinamiento formal y compositivo, gracias a los sofisticados sistemas de iluminación y regulación térmica, totalmente controlados por ordenador. La “Deconstrucción” pone en cuestión y duda todos los principios de la 68

arquitectura histórica, como el equilibrio, la relación forma-función, la armonía, etc. Sus características son las formas irregulares, desasosegantes, que parecen desintegrarse, con apariencia de fragilidad e inestabilidad. Esta corriente parte de Philip Johnson, de una exposición suya realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1988 y pese a su corta vida constituye una de las más interesantes vanguardias de los últimos años del siglo XX. Se inscribe dentro de esas tendencias que sostienen y defienden la idea de progreso y maquinismo optimista y que buscan con radicalidad la innovación y la originalidad. De todas formas sus formas se inscriben dentro de la claridad y pureza defendida por el racionalismo, mostrando estructuras constituidas por elementos dispares que parecen chocar y distorsionarse entre sí. Entre los edificios deconstructivistas destacan “Edificios del Parque de la Villette” de París (1982-90) de Bernard Tschumi o el “Complejo fabril Funder Werk 3” (1989) de Coop. Himmelblau.

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El high-tech (alta tecnología) es un estilo arquitectónico que se desarrolló durante los años setenta. Toma su nombre del libro: The Industrial Style and Source Book for The Home, publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin. El libro muestra abundantes ejemplos de obras donde priman los materiales industrializados particularmente utilizados en techos, pisos y muros.

Arquitectura high-tech Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo, de cualquier forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una revitalización del Modernismo; un desarrollo natural de las ideas precedentes pero apoyado en la innovación y la tecnología. Este período hace de puente entre el Modernismo y el Postmodernismo; se insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite claro entre el fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo que agonizaba como el Modernismo, se lo reinterpreta a partir de darle una fuerte imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el presente. Había una desilusión creciente en la arquitectura moderna sobre el progre-

so y evolución de dicho estilo. La concreción de los proyectos de desarrollo urbano propuestos por Le Corbusier, condujo a una ciudad terriblemente monótona. Más cuando eran realizados en forma estandarizada. El entusiasmo por la construcción de edificios económicos condujo a la concreción de edificios con calidad de terminaciones extremadamente bajas. Muchos de los barrios residenciales diseñados degeneraron en sitios donde reinaba la disgregación social, la violencia y la delincuencia a lo largo del mundo. Como consecuencia la gente se desilusiona respecto de la imagen de progreso que se le proponía y en el mundo occidental comenzó a reconocerse el error que se había cometido. 69

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Interior de los pasillos que comunican el Pompidou, ParĂs. Realizada el 13 de octubre de 2008.

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De cualquier forma el desarrollo de la Arquitectura Moderna prevaleció y la sociedad se apropió de la estética moderna. Tomó además elementos del Movimiento Metabolista de los ´60 donde la tecnología llegaba al extremo de imaginar edificios y ciudades de Ciencia ficción. En estas ideas destacaron el grupo Archigram y arquitectos japoneses enrolados en el Metabolismo, como KenzTange, Kiyonori Kikutake, KishKurokawa y otros. Esto era de esperarse ya que los edificios modernos eran muy blandos y flexibles y la novedad de su aspecto estético se había adoptado. El High Tech es una respuesta a esto y crea una estética muy nueva: glorificando la fascinación por la continua innovación tecnológica. La arquitectura High Tech sobre muchos temas propios de la Arquitectura Moderna, de los cuales se apropió reelaborando y desarrollando en base a las últimas tendencias. Los objetivos principales de la arquitectura High Tech consiste en un juego creativo de crear cualquier cosa 72

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nueva evidenciando la complejidad de la técnica. La arquitectura moderna se esforzó en rebelarse contra los cánones establecidos para crear una nueva estética. La arquitectura High Tech continúa esa actitud de rebeldía. En el libro: “High-Tech: The Industrial Style and Source Book for The Home”, Joan Kron y Suzanne Slesin discuten acerca de la estética High Tech, donde utilizan expresiones enfáticas como “... your parents might find insulting...” (NDT: es probable que tus padres lo encuentren insultante). Este espíritu demuestra adecuadamente la actitud rebelde. Kron y Slesin fueron mucho más adelante (cuando acuñaron el nombre del movimiento en el libro) explicando el término High Tech como aquel utilizado en los círculos arquitectónicos para describir un número siempre mayor de viviendas y edificios públicos con aspecto crudamente tecnológico (NDT: “nuts-and-bolts-exposed-pipes technological look”). De todas formas High Tech ha sido un referente en la actual arquitectura moderna, como es el ejemplo de la torre Gava en Barcelona.

Las características principales de la arquitectura High Tech son muy variadas, incluyendo la exposición de componentes técnicos y funcionales de la construcción, una disposición relativamente ordenada y un uso frecuente de componentes prefabricados. Las paredes de vidrio y las estructuras de acero son muy populares en este estilo. Estas características unidas, generaron una estética industrial. La técnica, en algunos aspectos, implicó la base del fundamento estético de las construcciones. En lo que respecta al diseño interior había una preferencia por utilizar objetos familiares a la industria; por ejemplo: recipientes usados en la industria química como jarrones para

flores. Esto porque el objetivo era el uso de la estética industrial. Objetivo que brindara a la gente una familiaridad entre el espacio de trabajo industrial y el lugar donde viviría o se entretendría. El movimiento buscó dar a todo una apariencia industrial. Es importante remarcar que los elementos técnicos mostrados para generar la estética industrial no eran solamente a los fines estéticos sino a los funcionales. Responden a una exigencia proyectual resolviendo problemas de diseño. Son solamente funciones, aquellas que eran reelaboraciones del funcionalismo del Movimiento Moderno. Todavía los elementos industriales mantienen en parte una apariencia y un objetivo funcional. 73

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Torre Sears En 1969 Sears, Roebuck y Compañía era el minorista más grande en el mundo, con aproximadamente 350,000 empleados. Sus ejecutivos decidieron consolidar los miles de empleados en oficinas distribuidas en todas el área de Chicago en un solo edificio sobre el borde occidental de Chicago. Con las demandas inmediatas de espacio de 3 millones de pies cuadrados, y con predicciones y proyectos para el futuro crecimiento que hace necesario aún más espacio que este, arquitectos de Skidmore sabían que el edificio sería uno de los edificios de oficinas más grandes en el mundo. 74

Comisionado por Sears, Roebuck y Compañía, fue diseñado por el arquitecto jefe Bruce Graham y los ingenieros estructurales Srinivasa y Fazlur Khan de Skidmore, Owings y Merrill. La construcción comenzó en agosto de 1970 y el edificio alcanzó su altura máxima esperada al principio el 3 de mayo de 1973.

Sears es una torre de oficina atractiva y contemporánea de 110 niveles que consiste en columnas de acero y vigas en un sistema “de megamódulo”.

La Torre esta estratégicamente localizado sobre el Paseo Wacker en el corazón de la costa Oeste, el primer submercado de Chicago y casa de sus corporaciones más grandes y estaciones ferroviarias de personas que viven fuera de la ciudad.

Otros servicios incluyen una plataforma de difusión de categoría mundial, el skydeck más alto, el centro de conferencia, instalación de salud, y rasgos de tecnología excepcionales. Se eleva a una altura de 1,450 pies y es una de las señales más recono-

cibles en el horizonte de Chicago y el mundo. La Torre sostuvo el registro de ser el edificio más alto a nivel mundial durante 25 años hasta que las Torres Petronas en Kuala Lampur, Malasia fuera construida en 1998.

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La Sears Tower apoya su estructura en tubos cuadrados de acero soldado, los pisos están suspendidos desde los tubos, una innovación tecnológica del ingeniero arquitectónico Fazlur Kahn. Este ingeniero descubrió que un edificio construido de una serie de tubos sería más ligero y más fuerte que un edificio construido con un esqueleto de acero tradicional. Son nueve los tubos que parten desde la base y llegan intactos hasta el piso 50. A partir de allí la cantidad de tubos va decreciendo hasta transformarse en solo dos tubos de acero desde el piso 90 hasta la cúspide. 76

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Centro Cultural Georges Pompidou. En 1970, basándose en un programa que respondía a los objetivos del Presidente Georges Pompidou y que fue diseñado por el equipo de Sébastien Loste, se lanza el concurso internacional de arquitectura. El jurado, presidido por Jean Prouvé, selecciona a Renzo Piano, Richard Rogers y Gianfranco Franchini. Ubicado en Les Halles (un barrio medieval densamente poblado) en la ciudad de Paris, esta zona deprimida económica y socialmente, se pretendia revitalizar con el concurso para centro cultural. El Centro Pompidou ocupa poco menos de la mitad de su solar. La parte que sobra es una enor-

me plaza pública considerada parte del edificio ya que en ella se hacen actividades relacionadas con el centro. El museo fue concebido como un gran container vacío, moldeable según las necesidades de cada evento, y rodeado por una envoltura tecnológica compuesta por los sistemas técnicos que sirven a ese gran espacio: la piel de vidrio con sus vigorosas estructuras metálicas de soporte, los conductos y equipos de acondicionamiento de aire y las escaleras mecánicas que conectan los diversos niveles del edificio. 77

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Se trata de un edificio en dos partes : 1. una infraestructura de tres niveles donde se reagrupan los locales técnicos y de servicio, 2. una amplia superestructura de vidrio y acero de siete niveles, incluyendo la terraza y el entresuelo, que concentra la mayoría de los sectores de actividad del Centro, con la excepción del Ircam, situado en la plaza Stravinsky. La planta es rectangular, siendo los lados más largos los correspondientes a la fachada de la plaza y la de servicio. En la última planta hay un famoso restaurante de comida de fusión. Tiene un patio situado en la esquina superior derecha (según se mira al edificio desde la plaza). A esta terraza se accede por la escalera exterior de la fachada de la plaza A pesar de que todos los tubos y barras no dejen ver las fachadas del Pompidou, el interior es bastante luminoso ya que el acristalamiento es continuo. Por los techos interiores pasan todas 78

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las tuberías y elementos que hay en las fachadas, estando todos estos elementos a la vista. De esta manera, dentro del edificio se consigue esa misma imagen de caos y maraña de elementos tecnológicos propia del exterior. Renzo Piano colocó sobre cada obra de arte un pequeño falso techo para protegerla visualmente de la red de tubos que hay en el techo y evitar que la mirada se distraiga al contemplar la obra expuesta.

Superficie del terreno: 2 hectáreas Superficie del Centro: 103 305 m² Superestructura: 7 niveles Altura : 42 m (en la Rue Beaubourg), 45,5 m (en la piazza) Longitud : 166 m, anchura : 60 m Infraestructura: 3 pisos Profundidad: 18 m, longitud: 180 m, anchura : 110 m.

Excavación: 300 000 m³ Hormigón armado: 50 000 m³ Estructura metálica: 15 000 toneladas de acero Fachadas, superficies acristaladas: 11 000 m² Superficies opacas: 7 000 m²

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Torre Agbar La obra responde a la petición realizada por la compañía de aguas de Barcelona (AGBAR), quienes solicitaban una estructura que se adaptara a estos nuevos tiempos y que cumpliera con las exigencias de su actual crecimiento. Para esta tarea hacen llamado al arquitecto francés Jean Nouvel, quien después de analizar la propuesta acepta muy cordialmente llevar a cabo este reto. El edificio se conforma como la unión de dos conceptos opuestos: ligereza del vidrio que recubre el edificio en forma de lamas de 120 x 30 cm, formando un gran brise-soleil y masividad del hormigón de su estructura.

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Las plantas inferiores están formadas por plataformas ligeras mientras que los pisos superiores disponen de suelos de hormigón armado y pretensado y son voladizas con respecto al tallo central.

La torre está compuesta por dos modulos densos de hormigón, uno central y otro perimetral. Se trata de dos cilindros, el central con forma ahuevada y el perimetral eliptico, no concentricos. El cilindro interior de hormigón tiene un grosor de 45 cm en la base y 25 cm en la zona superior. El cilindro exterior, presenta grosores en base de 82

50 cm y 30 cm en la zona superior. El muro de hormigón correspondiente al perimetro exterior está perforado pro 4.400 aperturas correspondientes a diferentes tipos de ventanas. Estos dos modulos se encuentran unidos entre si por vigas radiales de acero perforadas para aumentar la flexibilidad de los servicios.

Para la construcción de los tabiques interiores se empleó un sistema patentado: paneles modelados que fueron elevados y colocados con jaulas prefabricadas de acero y posteriormente rellenas con hormigón antes de ser fijadas. La torre Agbar está formada por dos cuerpos densos de hormigón, uno central y el otro perimetral. Ambos unidos por vigas radiales que sujetan los distintos forjados que dan forma a cada uno de los niveles de la torre.

día. El modulo perimetral junto con los paneles de aluminio están a su vez recubiertos por unas lamas de cristal moviles de 120x30cm que pueden ser orientadas electrónicamente según las condiciones atmosféricas de luz, viento, etc. Un elemento muy característico del edificio es su iluminación nocturna. Dispone de más de 4.000 dispositivos luminosos que utilizan la tecnología LED y que permiten la generación de imágenes luminosas en su fachada. Además, dispone de sensores de temperatura en el exterior de la torre que regulan la apertura y cierre de las persianas de vidrio de la fachada del edificio, reduciendo el consumo de energía necesaria para la climatización.

El modulo de hormigón perimetral se encuentra recubierto por modulos de aluminio tintado que le dan a la torre su tonalidad característica durante el 83

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Se rechazó racionalismo en el diseño, pero se mantuvo intacto el principio del funcionalismo. Esto se acerca a la tesis de la siguiente obra mayor de Venturi:4 los signos y ornamentos pueden aplicarse a la arquitectura pragmática e inculcadas las complejidades filosóficas de la semiología.

Arquitectura Desconstructivista El deconstructivismo, también llamado deconstrucción, es una escuela arquitectónica que nació a finales de la década de 1980. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de la geometría no euclídea,1 (por ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura como la 84

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estructura y la envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y un caos controlado. Tiene su base en el movimiento teórico-literario también llamado deconstrucción. El nombre también deriva del constructivismo ruso que existió durante la década de 1920 de donde retoma alguna de su inspiración formal.

El deconstructivismo desempeña, en la arquitectura contemporánea, un papel opuesto a la racionalidad ordenada del modernismo y al postmodernismo. Aunque tanto los postmodernistas como los deconstructivistas publicaron sus teorías conjuntamente en la revista Oppositions (publicada en el período 1973-84), estos artículos abrieron también una brecha decisiva entre ambos movimientos. Los deconstructivistas adoptaron una postura de confrontación contra la arquitectura establecida y la historia de la arquitectura, mostrando su deseo de desensamblar la arquitectura.3 Mientras que los postmodernistas volvieron a abrazar—a menudo astuta o irónicamente—las referencias históricas que el modernismo rechazaba, el deconstructivismo rechaza la aceptación postmoderna de estas referencias. También rechaza la idea de ornamento como decoración. Estos principios hacen que el deconstructivista se alinee con las ideas de anti-historicismo modernista.

Dos corrientes del arte moderno, el minimalismo y el cubismo han ejercido una gran influencia en el deconstructivismo. El cubismo analítico tuvo un gran efecto en el deconstructivismo, pues las formas y el contenido se diseccionan y son vistas desde diferentes perspectivas simultáneamente. La sincronía del espacio disjunto es evidente en muchas obras de Frank Gehry y Bernard Tschumi. Sin embargo, el cubismo sintético, con su aplicación en el arte encontrado, no ejerció una influencia tan grande en el deconstructivismo como el cubismo analítico, aunque también se encuentra en las primeras obras de Frank Gehry. El deconstructivismo también comparte con el minimalismo una ausencia de referencias culturales. También recibe a menudo la influencia de las nociones minimalistas de arte conceptual.

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Biblioteca de Seattle La Biblioteca pública de Seattle fue inaugurada en mayo de 2004. Su diseño afianzó la carrera del arquitecto Rem Koolhaas por tratarse de un impresionante edificio, que combina sus líneas futuristas con la funcionalidad de una biblioteca.Desde el exterior, se puede ver un gran edificio de cristal, de lineas rectas que se cruzan. Está articulado por grandes bloques a diferentes niveles que corresponden con las dependencias de la bibliote86

ca. Es un edificio que se encuentra en armonía con el skyline de Seatle y el aspecto urbano de la ciudad. El concepto consiste en la reinvención de la biblioteca como un punto de acceso a la información presentado en una amplia variedad de soportes. “Las nuevas bibliotecas no reinventa no modernizan a las tradicionales, simplemente están empacadas de una nueva forma”, explican en el estudio

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OMA. Para su realización, Koolhaas aplicó su característica interpretación de la arquitectura y estableció en el proyecto que el edificio sería flexible ante futuras ampliaciones, con la posibilidad de agrupación de espacios según las necesidades del edificio, y que las plataformas conectadas ofrecerían espacios abiertos al estudio, trabajo e interacción social.

de lectura y ocio, iluminados con luz natural que entra por sus paredes de cristal. Destacan también las plantas de colecciones, consistentes en una rampa que se continúa a lo largo de las 5 plantas. Todas las zonas se unen con escaleras mecánicas de colores vistosos (exceptuando las colecciones), y el mobiliario y objetos son de un diseño moderno y colorista.

El interior está dividido en 5 bloques diferenciables desde el exterior. Las 5 areas son de abajo a arriba en el edificio: garaje; espacio público de lectura y cafetería, compuesto por un gran atrio; información; colecciones y zona de lectura; y administración, culminada por una terraza en el techo. La característica principal del interior son sus grandes espacios públicos

Por la noche, la Biblioteca pública de Seattle se ilumina destacando entre los demás edificios. Un increíble y funcional edificio de uno de los arquitectos más importantes del mundo. El edificio está cubierto por una asombrosa estructura de vidrio y acero. La Biblioteca se encuentra situada en la céntrica Fourth Avenue de Seattle. 87

Arquitectura Post Moderna

Casa Danzante Con la idea de crear un edificio emblemático en Praga, la empresa ING contrató a los arquitectos Frank Gehry y V. Milunic para que llevara a cabo tan innovador proyecto arquitectónico, concediéndole un presupuesto casi ilimitado y total libertad artística. La “Casa Danzante ” está inspirada en Ginger Rogers y Fred Astaire, aquella mítica pareja cinematográfica que movilizó al mundo del espectáculo con sus pases de baile en comedias musicales. La construccion empezó en 1994 y duró hasta 1996. En el interior de una plaza de edificios del siglo XVIII y XIX, la Dancing House se articula en dos cuerpos centrales. El primero es una torre de cristal que se estrecha a mitad de altura y está sostenida por pilares curvos; el segundo se extiende en paralelo al río, que 88

se caracteriza por las molduras que siguen un movimiento ondulante y por las ventanas distribuidas de modo no alineado. Esta solución ha sido guiada sobre todo por una consideración de tipo estético: las ventanas alineadas evidenciarían que el edificio tiene dos ventanas de más, aunque tienen la misma altura que los dos edificios adyacentes del siglo XIX. Estas, además, no tiene que ser percibidas, en la voluntad del proyectista, como simples formas sobre una superficie plana, sino que debe lograr el efecto de la tridimensionalidad, de aquí la idea de armazones salientes como marcos de cuadros. También las sinuosas molduras de la fachada hacen más confusa la perspectiva, atenuando el

contraste con las construcciones que la rodean. En la planta baja se situan las tiendas y un café están conectados directamente a lo largo del río y a la plaza pública situada enfrente. Los espacios del segundo a la séptima planta están ocupados, sin embargo, por las oficinas, mientras que en el último nivel alberga un restaurante con vista panorámica de la ciudad y del cercano castillo. El edificio, que se extiende sobre una superficie de 5.400 m2, ha sido construido en acero, cristal y hormigón prefabricado con revestimiento de revoque. La cúpula es de tubos de metal y recubierta por una malla de acero inoxidable. 89

GLOSARIO

ÁBSIDE: Es un edificio, volumen en saledizo de planta semicircular o poligonal y cubierta habitualmente abovedada, que se localiza sobre todo en el santuario o cabecera oriental de una iglesia. ACRÓPOLIS: Zona o ciudadela en alto fortificada de una ciudad griega, en especial la ciudadela de Atenas y emplazamiento del Partenón. ABOVEDADO: (arq.) Moldura cóncava, especialmente entre el techo y la cornisa de una habitación. En forma de bóveda. ACERO INOXIDABLE: Acero al cromo, inoxidable, muy usado en la escultura y arquitectura modernas. ACRÍLICO: Polímero de resina sintética. Se emplea en forma de emulsión como medio moderno de pintura, y en forma de láminas en la escultura moderna. (arq.) En arquitectura reemplaza al vidrio y el cristal para obtener grandes superficies trasparentes. ALA: (arq.) Cuerpo que sobresale de un edificio principal. Parte lateral del atrio de la antigua casa romana. ALERO: (arq.) Borde inferior de un te90

jado que sobresale de la pared. ALMENADO: (arq.) Decoración de un edificio con almenas y torres, como un castillo. ALUMINIO: Metal ligero de color plateado empleado en escultura moderna, habitualmente en forma de láminas, y que a veces se pinta. ARABESCO: Motivo basado en formas vegetales entrelazadas, muy frecuente en las artes, tanto en obras de alto vuelo como en otras de carácter decorativo, y en arquitectura, característico en especial de los diseños islámicos. ARQUITECTURA MODERNA: se refiere a las producciones arquitectónicas contemporáneas o arquitectura contemporánea, no a la arquitectura de la Edad Moderna. LA ARQUITECTURA CONTEMPORANEA: trata de solucionar los errores urbanísticos cometidos por el movimiento moderno, pues se ocupaban sólo del problema funcional, abandonando los problemas sociales, económicos y culturales ARQUITECTURA HIGH TECH: incorpora la tecnología moderna, no sólo

como elemento auxiliar de la construcción, sino dándole protagonismo como elemento estético. ARQUITECTURA VIRTUAL. Lo virtual se entiende como algo aparente que no es real, en este sentido, la arquitectura se ha empezado a representar de manera más realista mediante las presentaciones y animaciones en 3D (foto-realismo). BIG & GREEN (Arquitectura verde y sustentable). Esta nueva tendencia contempla una nueva expresión basada en la utilización de áreas verdes en fachadas, patios interiores y/o azoteas BÓVEDA: (arq.) Remate de un recinto por medio de una cubierta arqueada en forma cóncava, generalmente de piedra. BRONCE: Aleación de cobre y estaño, usada a menudo para vaciar escultura. Escultura hecha con esta aleación. CAPITEL: (arq.) Remate superior de una columna o pilastra. CIERRE: (arq.) Elemento arquitectónico. Se utiliza para delimitar espacios interiores o exteriores. Puede ser real (muro, reja) o virtual (pilares u otros elementos que señalan los límites de un espacio). CINCELAR: Trabajar una superficie de metal grabando sobre ella con instrumentos de acero. Aplicar el acabado final a un vaciado de bronce. COLUMNA: (arq.) Cuerpo cilíndrico alargado que puede ser aislado o decorativo o servir de apoyo a otro elemento arquitectónico. En la arquitectura clásica está formada por una base, un fuste y un capitel.

CONTORNO: Conjunto de las líneas que limitan una figura o composición. CONTRAFUERTE: (arq.) Pared reforzada, sobresaliente, por lo general en la parte exterior de un edificio, que sirve de refuerzo a éste en un punto de tensión. El arbotante transmite el empuje de una bóveda a un soporte exterior. CORONACIÓN:(arq.) Línea de ornamentación que sirve de remate a un tejado o a un muro. DINTEL: (arq.)Viga horizontal tendida sobre una puerta o una ventana. ELEVACIÓN: (arq.) Alzado. Vista frontal o lateral de una estructura. Dibujo o plano lateral de un edificio. Se utiliza para representar relaciones de proporción y ubicación de elementos en el muro (puertas, ventanas, aleros, etc.) así como sus detalles compositivos. ESTILO: Conjunto de características que constituyen un modo peculiar de producción artística, sujetas a materiales, técnicas, aspectos iconográficos y compositivos que reflejan, en sus diversas manifestaciones, el espíritu de una época, movimiento o tendencia. Por ejemplo, en arquitectura tenemos estilo Barroco, Neoclásico, Colonial, Internacional, etc. ESTRUCTURA: Contextura intrínseca de los materiales y objeto. Designa el sistema de relaciones mediante el cual los elementos de un todo se hallan vinculados. (arq.) Distribución, organización, correspondencia y orden que tienen los distintos elementos combinados y dispuestos interrelacio91

nadamente en una obra arquitectónica a la que proporcionan estabilidad. Estilo Internacional: un estilo arquitectónico de la arquitectura moderna, encuadrable dentro de el funcionalismo arquitectonico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920. FACHADA: (arq.) Parte exterior de un edificio. La fachada principal es la que corresponde al acceso más importante, las restantes son denominadas laterales y se identifican además por su orientación geográfica (norte, sur, este, oeste). Tambiénse utiliza designarlas como fachada “anterior” (principal), “posterior” (la que se opone a la principal) y laterales. FORMA: Configuración o apariencia física. Modo en que se distribuye la materia en el espacio. Las más simples que podemos reconocer son las formas geométricas bidimensionales: círculo, triángulo, cuadrado. FRISO: (arq.) Parte de un entablamento situada entre el arquitrabe y la cornisa y que a veces está decorada en relieve. Banda horizontal de decoración situada a lo largo de la parte superior de un muro o de un mueble. FUSTE: (arq.) Parte de una columna que se encuentra entre la base y el capitel. HORMIGÓN: Mezcla de arena, piedra y cemento usada como material de construcción, especialmente en el siglo XX. HORMIGÓN ARMADO: Hormigón reforzado con una malla metálica para darle mayor resistencia. 92

INCISIÓN: Hendidura practicada en la superficie de un objeto; se emplea en grabado para trabajar la superficie de la matriz, cerámica como forma de decoración, o en pintura practicada en la capa básica, sirve de guía a la pintura. MAQUETA: (arq.) Modelo volumétrico, de tamaño reducido, que reproduce a escala un monumento, edificio, construcción, etc. MOBILIARIO: (arq.) Conjunto de muebles y, por extensión, de los objetos que ocupan y decoran una dependencia. MÓDULO: (arq.) Elemento estándar que se emplea en la construcción de arquitectura, muebles, etc., y que permite la reiteración de formas o estructuras, actualmente puede ser prefabricado. MODERNISMO: es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. MONOLÍTICA: Nueva tendencia expresada por edificios que parecen estar construidos de una sola pieza, edificios con capacidad de ser elocuentes, perdón, expresivos con medios formales muy limitados (formas sencillas). NAVE CENTRAL: (arq.) Cuerpo principal de una iglesia. NAVE LATERAL: (arq.) Espacios laterales, dispuestos paralelamente a la nave central de una iglesia y separados de ésta por pilares o arcadas. PEDESTAL: Soporte de una estatua u otro monumento. Parte de una columna formada por un plinto o base, un dado y un capitel.

PERFIL: Dibujo, contorno o silueta de una figura, especialmente la figura humana vista de lado. (arq.) Sección de una moldura. Sección transversal de cualquier estructura. PERSPECTIVA: Método de representar objetos sobre una superficie bidimensional dando la impresión de que son tridimensionales. PILAR: (arq.) Soporte vertical, a diferencia de una columna puede ser cuadrado. PILASTRA: (arq.) Columna rectangular adosada que sobresale de una pared en menos de una tercera parte de su anchura. PILOTES: En la arquitectura moderna, las filas de columnas de hormigón armado que se suelen emplear para soportar un edificio dejando debajo de éste una zona semitransparente. PLANO: Diseño o dibujo. Superficie plana; matemáticamente, un plano se define como una superficie tal que una línea recta trazada entre dos puntos pertenece totalmente a ella. El adjetivo plano puede usarse también para describir una superficie predominantemente plana. PLANTA: (arq.) Plano de un edificio visto desde arriba. PLIEGUES Y TWISTER. En los primeros años del siglo XXI están sobresaliendo nuevas y variadas expresiones a base de pliegues (emulando a las capas tectónicas) y formas retorcidas, PRIMER PLANO: En pintura, el plano más próximo al espectador. PROFUNDIDAD: Cualidad de tridimensionalidad real o sugerida. POSTMODERNISMO: en arquitectura es una tendencia que comienza a par-

tir de los años 1970, como respuesta a las contradicciones de la arquitectura moderna, y en especial los postulados del Estilo Internacional. PUNTO DE FUGA: Punto en el que parecen unirse las líneas paralelas en un dibujo, pintura, grabado u otra obra bidimensional. SECCIÓN: Figura o vista que se produce si se practica en un objeto un corte vertical. SOPORTE: Tela, papel, panel, muro, etc., sobre el cual se realiza una pintura, un dibujo u otra obra visual. En fotografía se considera como soporte a los distintos tipos de película que se pueden emplear. TÉCNICA: Método de ejecución o la manera en que se aplica o utiliza un material. URBANISMO: Disciplina que estudia la totalidad de los problemas en relación con el complejo fenómeno de los asentamientos humanos colectivos, exigido por la necesidad de reagrupamiento, de ordenamiento, (servicios públicos, trazados de las calles, disposición de los edificios, etc.), la ambientación y el desarrollo racional y armónico (necesidad estética) de la ciudad y, en general, de los centros habitados. VIGA: (arq.) Elemento estructural de soporte. Puede usarse para sustentar una techumbre, un suelo, etc. Por lo general son de madera resistente o de acero.

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