TEMA
SINGAPUR MARINA BAY SANDS
MAGAZINE Edici贸n N潞1 / Octubre 2011 / $4.500 CLP / US $ 8.70
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MAGAZINE O MAGAZINE . Edición Nº 1 Octubre 2011 Editor y Diseño Ignacio Rojas Castillo O MAGAZINE S.A. Av. La Sardina 1510 Santiago, Chile. Contacto Fono.2859462 contacto@omagazine.com www.omagazine.com @omagazine
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Según la grafología, que es una pseudociencia que pretende analizar la escritura con el fin de identificar o describir la personalidad e intentar determinar características generales del carácter, acerca de su fisiológia, la naturaleza de sus emociones, su tipo de inteligencia y aptitudes profesionales; el simbolismo de la letra O aporta gran riqueza, ya que en la misma se muestra el desdoblamiento de la personalidad, la facilidad de expresión y el don de gentes. En la misma se aprecia, asimismo, la gran capacidad de nutrición tanto intelectual como social. Es asi como nace O MAGAZINE una inyección de vanguardia visual, que a través de su contendio en el ambito de la arquitectura, el diseño, las artes y las ultimas tendencias e innovaciones en el medio te invita a nutrirte con este seleccitivo contenido.
Ignacio Rojas Director Editorial
MAGAZINE EDITORIAL
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MAGAZINE www.omagazine.com @omagazine
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OCTUBRE 2011
SUMARIO ARQUITECTURA
SINGAPUR
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MARINA BAI SANDS INNOVACIÓN
HELSINKI WORLD DESIGN CAPITAL DISEÑO
SHANGHAI BARBIE STORE TOY DESIGN
Hello Brute EL ARTE DEL VINILO ARTE
ECHELMAN HER SECRET IS PATIENCE NUEVAS TENDENCIAS
LOMOGRAFIA ANALOGUE PHOTOGRAPHY
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ARQUITECTURA
SINGAPUR MARINA BAY SANDS El nuevo hotel The Sand Skypark, o Marina Bay Sands es un súper complejo hotelero de lujo en ubicado en Singapur, que recientemente abrió sus puertas al público. Cuenta con una piscina infinita de 150 metros con vistas al horizonte de la ciudad de Singapur y de la bahía de Marina, ademas de un mirador público y un restaurante dirigido por un cocinero de renombre. La piscina sin bordes del Arenas Skypark es una maravilla impresionante de la ingeniería.
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Entrada Principal al Hotel y Museo.
SINGAPUR MARINA BAY SANDS
El Marina Bay Sands es un complejo de edificios de Singapur, localizado frente a Marina Bay y desarrollado por Las Vegas Sands que está considerado como el casino aislado más costoso del mundo (valorado en US$ 5700 millones, incluido el coste del solar). El conjunto cuenta con tres torres hoteleras con 2.560 habitaciones, un centro de convenciones y exposiciones de 120.000 m², un centro comercial, un museo de Arte y Ciencia, dos teatros Arenas, seis restaurantes de cocineros de prestigio (celebrity chef), dos pabellones flotantes y un casino con 500 mesas y 1.600 máquinas tragaperras. Las 20 hectáreas del complejo fueron diseñadas por Moshe Safdie Arquitectos y la ingeniería corrió a cargo de Arup y Parsons Brinkerhoff (MEP). Safdie también diseñó una ruta artística dentro del complejo, incorporando siete instalaciones de cinco artistas como Sol Lewitt, Antony Gormley y Zheng Chongbin, cuyas piezas incluyen efectos ambientales de luz, agua y viento, integrando el arte con la arquitectura. El núcleo del complejo está formado por tres torres independientes de 55 plantas destinadas a hotel, coronadas por una única plataforma apoyada sobre ellas a modo de terraza abierta —de 340 m de largo y más de una hectárea de superficie— y que finaliza en uno de los lados en la mayor plataforma pública en voladizo del mundo, sobrevolando la torre norte unos 67 m.4 5.
Estructura interna de vidrio . 8 //
ARQUITECTURA
El Skypark también cuenta con restaurantes en la azotea, discotecas, jardines cientos de árboles y plantas y un observatorio público con vistas de 360 grados del skyline de Singapur.
La plataforma elevada se destina a un parque al aire libre, Sands SkyPark, que cuenta con la piscina elevada más larga del mundo, con un borde invisible de 150 m y situado a 200 m sobre el suelo, que tiene una capacidad de 3.900 personas. La piscina está construidas con 181,6 toneladas de acero inoxidable y tiene una capacidad de 1440 m³ de agua. El Skypark también cuenta con restaurantes en la azotea, discotecas, jardines cientos de árboles y plantas y un observatorio público con vistas de 360 grados del skyline de Singapur. El museo de Arte y Ciencia se construye junto a los tres bloques y tiene la forma de una flor de loto. Su techo será retráctil, proporcionando una cascada a través del techo del agua de lluvia recogida cuando esté cerrado por el día y con juegos de luces láser cuando se abra por la noche. Originalmente programado para abrir en 2009, Las Vegas Sands enfrentó retrasos causados por la escalada de costes de los materiales y la escasez de mano de obra desde el principio. La grave crisis financiera mundial también presionó a la compañía a retrasar sus proyectos en otros lugares para completar el complejo integrado,6 y el complejo fue inaugurado, oficialmente, con una celebración de dos días, el 23 de junio de 2010 a las 15:18, tras una apertura parcial a principios de abril. El museo, los teatros y los pabellones flotantes están todavía en construcción y se espera que se hayan completado en diciembre de 2010.
A pesar de que Marina Bay Sands ha sido comparado en escala y costes de desarrollo con el CityCenter de MGM Mirage, este último es un desarrollo de uso mixto, con propiedades de condominios -que incluye tres de los siete edificios principales, en venta. Hay cuatro juntas de dilatación bajo la piscina principal, diseñadas para hacerla compatible con el movimiento natural de las torres, y que permiten un desplazamiento total conjunto de 500 mm. Además del viento, las torres del hotel también están diseñadas para hacer frente a un posible asiento diferencial del terreno, por lo que los ingenieros han construido e instalado gatos hidraúlicos para permitir el ajuste futuro en más de 500 puntos bajo el sistema de la piscina. Este sistema de elevación es importante sobre todo para garantizar que el borde invisible de la piscina permanezca horizontal y siga funcionando correctamente. Esta obra faraónica, que costo la friolera de $5.95 billones de dólares, ha destronado al the Emirates Palace Hotel y al Abu Dhabi de la cima de la lista de establecimientos para hospedaje más caros del planeta. El marina Bay Sands cuenta con tres hoteles de 50 plantas de 200 metros de altura que estarán unidas en su parte superior por un jardín panorámico desde el cual se podrá pasear y ver la ciudad y el mar desde otra perspectiva. Una construcción que cambiará completamente la imagen de Singapur y la forma de hacer turismo.
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SINGAPUR MARINA BAY SANDS Este emblemático hotel de lujo ofrece vistas a la bahía y cuenta con una piscina desbordante en su azotea. También alberga 20 restaurantes y un importante casino. Ofrece acceso directo al centro comercial más famoso de Singapur.
El museo de Arte y Ciencia se construye junto a los tres bloques y tiene la forma de una flor de loto. Su techo será retráctil, proporcionando una cascada a través del techo del agua de lluvia recogida cuando esté cerrado por el día y con juegos de luces láser cuando se abra por la noche. Originalmente programado para abrir en 2009, Las Vegas Sands enfrentó retrasos causados por la escalada de costes de los materiales y la escasez de mano de obra desde el principio. La grave crisis financiera mundial también presionó a la compañía a retrasar sus proyectos en otros lugares para completar el complejo integrado,6 y el complejo fue inaugurado, oficialmente, con una celebración de dos días, el 23 de junio de 2010 a las 15:18, tras una apertura parcial a principios de abril. El museo, los teatros y los pabellones flotantes están todavía en construcción y se espera que se hayan completado en diciembre de 2010. A pesar de que Marina Bay Sands ha sido comparado en escala y costes de desarrollo con el CityCenter de MGM Mirage, este último es un desarrollo de uso mixto, con propiedades de condominios -que incluye tres de los siete edificios principales, en venta.
Este emblemático hotel de lujo ofrece vistas a la bahía y cuenta con una piscina desbordante en su azotea. También alberga 20 restaurantes y un importante casino. Ofrece acceso directo al centro comercial más famoso de Singapur. Las habitaciones del Marina Bay Sands están equipadas con modernos muebles de madera oscura y cuentan con una TV de pantalla plana con canales por cable y suelos de moqueta. Sus amplios ventanales ofrecen impresionantes vistas a Singapur. El Sky Park recorre las 3 torres e incluye una zona ajardinada y un mirador. Alojándose en este hotel podrá relajarse con un cóctel junto a la piscina desbordante o disfrutar de un masaje relajante en el conocido spa Banyan Tree. El Marina Bay Sands incluye maravillosos restaurantes como el Waku Ghin y el Guy Savoy. Por la noche podrá bailar en la discoteca o relajarse en uno de los 3 salones. El Marina Bay Sands se encuentra a 10 minutos a pie de la estación de metro Promenade y a pocos pasos del animado distrito central de negocios. Ofrece servicio gratuito de traslado al aeropuerto.
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Vista de la Bahía desde el museo.
Hay cuatro juntas de dilatación bajo la piscina principal, diseñadas para hacerla compatible con el movimiento natural de las torres, y que permiten un desplazamiento total conjunto de 500 mm. Además del viento, las torres del hotel también están diseñadas para hacer frente a un posible asiento diferencial del terreno, por lo que los ingenieros han construido e instalado gatos hidraúlicos para permitir el ajuste futuro en más de 500 puntos bajo el sistema de la piscina. Este sistema de elevación es importante sobre todo para garantizar que el borde invisible de la piscina permanezca horizontal y siga funcionando correctamente.
ARQUITECTURA
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HELSINKI WORLD DESIGN CAPITAL Un total de 46 ciudades de 27 países distintos compitieron para convertirse en Capital Mundial del Diseño. Un jurado internacional eligió Helsinki y Eindhoven como finalistas, concediéndosele el honor a la capital finlandesa tras una estricta evaluación. El emblema de Helsinki en su solicitud para ser la Capital Mundial de Diseño fue Helsinki abierta – El diseño incorporado a la vida, lema sobre el cual, se elaborará un ambicioso programa de eventos para 2012.
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ARQUITECURA
LOVE HELSINKI, muestra itinerante de diseño.
Helsinki será la Capital Mundial del Diseño en 2012. Así lo ha decidido el Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial (ICSID), que anunció su decisión en el Congreso de Diseño celebrado en Singapur el 25 de noviembre. “Esto es algo muy importante tanto para Helsinki y las ciudades colaboradoras, Espoo, Vantaa, Kauniainen y Lahti, como para las numerosas organizaciones e individuos que se han involucrado en el proyecto. Hemos conseguido una oportunidad excepcional, a la cual tenemos que sacar todo el partido posible”, afirma el alcalde de Helsinki, Jussi Pajunen. El nombramiento supone la organización en la región de Helsinki, de una amplia gama de actividades dentro del campo del diseño, al mismo tiempo que una visibilidad internacional considerable. La organización de los eventos va a comenzar inmediatamente. “Invitamos a todos los habitantes de la región, a las empresas y otras organizaciones del sector, a los profesionales del diseño en Helsinki y a los aficionados a que participen en la preparación del año 2012 y en sus eventos”, declara Pajunen. El alcalde de Helsinki advierte que el diseño ha de ser entendido en un sentido amplio: “El objetivo es desarrollar la ciudad y mejorar la calidad de vida. Se pueden aplicar las ideas del área del diseño también a la renovación de los servicios públicos, por poner un ejemplo. Las necesidades del usuario, el desarrollo sostenible y la creación de experiencias agradables pertenecen a los valores fundamentales del buen diseño.”
“Helsinki es una comunidad vibrante, un gran lugar para trabajar, vivir y explorar”, asegura en un comunicado el ICSID, que define a la capital finlandesa como “un caldo de cultivo para la innovación con un entorno ideal para las industrias creativas”. El lema de la candidatura de la ciudad era ‘Helsinki abierta, incorporando el diseño en la vida diaria’. Dentro de dos años la capital finlandesa desplegará un amplio programa de actividades para acercar el diseño a pie de calle, organizando encuentros con creadores de todo el mundo y diversos eventos ‘satélite’ en otros países. La sala Casa Finlandia, diseñada por el arquitecto Alvar Aalto, será sede del principal encuentro. Además, 1.000 diseñadores de todo el mundo serán recibidos en Helsinki para que proporciones 1.000 soluciones con la idea de desarrollar una colaboración internacional efectiva.
De Turín... a ¿Bilbao? La distinción de la capital mundial del diseño, concedida por primera vez en 2008 a la ciudad italiana de Turín, pretende promover el papel del diseño industrial como instrumento para mejorar la calidad de vida de los ciudadanos. “La capitalidad mundial del diseño se concede a las ciudades en función de sus logros y de su compromiso con el diseño como una herramienta eficaz para el desarrollo social, cultural y económico”, explica este organismo no gubernamental con sede en Montreal (Canadá).
Helsinki será la tercera Capital Mundial del Diseño, después de Turín (2008) y Seúl (2010). La distinción se otorga cada dos años a una ciudad del mundo.
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DISENO
SHANGHAI BARBIE STORE Slade Architecture ha diseñado en Shanghái la primera tienda dedicada absolutamente a las famosas muñecas Barbie. Con una extensión de 35,000 pies cuadrados esta super tienda tiene la más grande colección de estas muñecas en el mundo como también servicios, productos y actividades relacionadas.
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SHANGHAI BARBIE STORE Escaleras mecánicas de color rosa, otra escalera de caracol adornada con casi 900 Barbies luciendo vestidos únicos y reproducciones exactas a la venta de todas las muñecas de la historia de la marca.
Para muchas personas Barbie es un estilo de vida, predominan los colores rosa, lentejuelas y cualquier aspecto que haga remembranza a las muñecas y sus accesorios. Los visitantes pueden entrar por un lujoso lobby que los lleva a unas escaleras rosadas y de ahí a varias secciones de la tienda distribuidas en varios pisos como sección de accesorios y moda, muñecas, museo, libros, cafetería, salón de belleza, etc. A mi personalmente nunca me ha entusiasmado Barbie, pero esta tienda se ve tan bonita y moderna que si alguna vez voy a Shangai tendré que visitarla! Además a mis hijas les encantaría, ahora que están en la edad de las muñecas Barbie. La tienda ha sido diseñada por Slade Architecture para Mattel y fue inagurada en marzo de 2009 como conmemoración de los 50 años que cumplió la famosa muñeca.
Escalera Principal, Home Barbie Store.
Un total de seis pisos y más de 3.000 metros cuadrados se han convertido en el lugar donde Barbie es la estrella. Aquí las fans de Barbie podrán realizar varios tipos de actividades como comprar, recibir tratamientos de belleza, comer o cortarse el pelo. Las más pequeñas pueden diseñar sus propias muñecas o participar en desfiles de modelos. La tienda tiene a la venta más de 45 categorías de productos diferentes, entre los que encontramos teléfonos móviles, ropa, sábanas y, como no, muñecas. El edificio se encuentra situado en una lujosa avenida y es espectacular también por fuera, sobre todo por la noche cuando su fachada de cristal se ilumina de color fucsia. En sus seis plantas encontramos un SPA, una pasarela de moda, un restaurante, sección de ropa y sección de cosméticos.
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Escalera, galería mas de 850 barbies expuestas.
Con sus ventas cayendo más que los escotes de sus vestidos de alta costura, Barbie contraataca con una tienda de seis pisos en Shanghai, la primera de este tipo en el mundo, con la que sus fabricantes esperan abrir una nueva era en sus 50 años de historia.
El establecimiento no podía ser más ‘barbiesco’: escaleras mecánicas de color rosa, otra escalera de caracol adornada con casi 900 Barbies luciendo vestidos únicos y reproducciones exactas a la venta de todas las muñecas de la historia de la marca.
El establecimiento abrió el viernes, arrojando destellos de color rosa sobre el clima gris de las ventas. En su primer día, invitó a las niñas a diseñar muñecas, mimó a madres e hijas con tratamientos faciales y les propuso una cena en un restaurante de un reputado chef, completado con un bar Barbie, abierto hasta las dos de la madrugada.
Un departamento de diseño permite a los clientes utilizar ordenadores para idear su muñeca preferida, eligiendo el color de la piel, del pelo y la ropa. En otra zona, las niñas pueden jugar a ser la mujer perfecta probándose vestidos en tamaño real del vestuario de Barbie.
“Se trata de Barbie. No deberíamos limitarnos a una sola cosa cuando tenemos ante nosotros un mundo de oportunidades. Pasarse por el bar de Barbie, ya suena divertido de entrada”, se felicitó Richard Dickson, responsable de la marca, controlada por el fabricante estadounidense Mattel. Mattel quiere convertir a su muñeca de curvas perfectas -que esta semana entra en la cincuentena- en un patrón de estilo de vida para las niñas chinas, reuniendo en la tienda más de 45 categorías de productos en su honor. Pese a registrar una caída de las ventas del 21% en el cuarto trimestre de 2008 en el planeta, Mattel confía en que el establecimiento será crucial para convertir a su rubia de ojos azules en la muñera preferida de China. Actualmente, el gigante asiático concentra el 2,5% de las ventas mundiales de Barbie, según Dickson. Pero “en cinco o diez años, China se convertirá seguramente en el mercado número uno para la marca”, afirmó. “Aquí tenemos una oportunidad única de crecimiento, que enfocamos como una estrategia a largo plazo”. Y Shanghai, una ciudad enamorada del glamour habitada por mujeres atraídas por los productos de marca, es el punto de partida natural, dijo Dickson.
También tienen la posibilidad de hacerse la manicura o peinarse en un spa y hasta tomarse un helado con los amigos en un bar cuyo decorado representa una avenida de tiendas de moda. Uno de los puntos más atractivos del establecimiento es el restaurante en el último piso del reputado chef australiano David Laris, del que los directivos de Mattel esperan hacer un punto neurálgico de la noche de Shanghai. Aunque Mattel planea abrir nuevas tiendas en el mundo, es poco probable que alcancen la espectacularidad de la de Shanghai, según Dickson. El fabricante estadounidense sigue así el ejemplo de otras marcas, como Appel Computers y Ralph Lauren, que con estas tiendas descomunales pretenden establecer una relación directa con los clientes. “Tenemos que dejar que el producto hable por sí solo. Aquí, uno vive y respira la marca”, dijo Dickson.
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Jon en su estudio en San Francisco.
HELLO BRUTE Hello, Brute es Jon Knox, un artista que vive en San Francisco. Su elenco de personajes estรก formado solamente por chicos que tienden a estar atascados entre los mejores y peores momentos de sus vidas. La obra de Jon se ha expuesto por todo el mundo.
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Jeffrey, su mas reciente Toy en vinilo.
EL ARTE DEL VINILO
TOY DESIGN
“ Me gustan mucho los toys porque me hacen compañia. Me encanta crearlos y coleccionarlos. Colecciono cosas desde que era pequeño y me ayudan a enfocar mi energía obsesiva”.
El es Jon Knox. Se crio en Carolina del Norte, fue a la escuela de diseño, y ahora trabajo como artista en Portland, OR. La gente que he trabajado con el incluye Disney, Outfitters Threadless y Desarrollo Urbano. El solía dibujar y esculpir sólo para chicos, pero ahora que las chicas también. Suss personajes están inspirados en personas y animales - algunas reales, otras no. Su trabajo se ha exhibido en todo el mundo, incluida la galería muestra en solitario en Chicago y Seattle. Ha pasado tiempo viviendo en San Francisco y Australia. Echo y pintar la mayoría de mis esculturas a mano, pero recientemente algunos han sido reproducidas en fábrica de juguetes de vinilo en grandes ediciones. Trabaja de ida y vuelta entre la escultura y el dibujo que recíprocamente desarrolla la dimensión de sus personajes. El no escribe historias de fondo para sus personajes porque le parece historias incompletas evocan una mezcla de nostalgia y narrable la oscuridad. Sus juguetes de resinas son 100% hechas a mano por el en su estudio. El esculpe la figura original, hace un molde de la original, y los duplicados de yeso todo en sus manos con pintura. Estos juguetes son más ecológicos y sostenibles que los juguetes producidos en fábrica. Todos sus materiales son fabricados en los Estados Unidos.
¿Cómo fue su educación en el Estado de Carolina del Norte para el Diseño Gráfico? Conseguir el sueño? Umm, que fue riguroso. Que esperan una salida que muchos de ustedes, y nada importa, excepto el diseño gráfico. Lo hice sin llorar hasta quedarme dormida en la noche, aunque ahora que lo pienso, yo no tenía oportunidad de hacerlo. He dormido 4 horas a una hora de casi 4 años consecutivos. Cada vez que estoy cansado, pienso en la escuela. ¿Cómo conseguiste el apodo - ¡Hola, Brute? Se me ocurrió como una forma de marca de mí (sí, me doy cuenta de que suena vomitar-y) como artista y fabricante de juguetes. Me ha ayudado a mantener un hilo conectivo a través de mi trabajo. El nombre surgió de mi interés por el arte outsider, y mis dibujos son típicamente clase de inestable y sin editar. Lo limitado que son? El mayor plazo que he hecho es de 20 o 25. Normalmente me gusta mantener las ediciones de entre 5 y 15. Yo pinto todos y cada uno a mano, y se vuelve aburrido si tengo que pintar lo mismo 50 veces. Cuando alguien compra un juguete Hola, Bruto, que saben que van a obtener algo que muy pocas personas tienen.
Sus camisas también son serigrafiados a mano en su estudio con tintas a base de agua con el medio ambiente en el American Apparel tee.
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ARTE
ECHELMAN HER SECRET IS PATIENCE Esta Artista ha construído sus esculturas-red en las ciudades metropolitanas de todo el mundo. Ella ve el arte público como un deporte de equipo y colabora con una amplia gama de profesionales, entre ellos ingenieros aeronáuticos y mecánicos, arquitectos, diseñadores de iluminación, arquitectos paisajistas, y diversos fabricantes.
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ECHELMAN HER SECRET IS PATIENCE Artista estadounidense Janet ECHELMAN nueva forma urbana del espacio aéreo con la escultura monumental, de manera fluida en movimiento que responde a las fuerzas ambientales como el viento, el agua y la luz del sol. Estableció por primera vez a un artista después de graduarse en la universidad. Ella se trasladó a Hong Kong en 1987 para estudiar la caligrafía china y el pincel de pintura. Más tarde se trasladó a Bali, Indonesia, donde colaboró con artesanos que combinan los métodos tradicionales de textil con la pintura contemporánea. Cuando perdió su casa de bambú en Bali a un incendio, ECHELMAN regresó a los Estados Unidos y comenzó a enseñar en Harvard. Después de siete años como artista en residencia, regresó a Asia, embarcándose en un puesto de profesor Fulbright en la India. Con la promesa de dar a exposiciones de pintura en todo el país, que envían sus pinturas a Mahabalipuram, un pueblo de pescadores famoso por la escultura. Cuando sus pinturas nunca llegaron, ECHELMAN, inspirado en los materiales y la cultura local, comenzó a trabajar con ruedas de bronce en la aldea. Pronto se encontró el material demasiado pesado y costoso para el presupuesto de Fulbright. Mientras observa los pescadores locales la agrupación de sus redes de una noche, ECHELMAN comenzaron a preguntarse si las redes podría ser un nuevo enfoque a la escultura: una manera de crear la forma volumétrica, sin materiales pesados , sólidos.
Al final de su año Fulbright, ECHELMAN había creado una serie de esculturas anotó en colaboración con los pescadores. Elevación que en los polos, descubrió que sus superficies delicadas revela cada ondulación del viento. Hoy ECHELMAN ha construido entornos de red de la escultura en las ciudades metropolitanas de todo el mundo. Ella ve el arte público como un deporte de equipo y colabora con una amplia gama de profesionales, entre ellos ingenieros aeronáuticos y mecánicos, arquitectos, diseñadores de iluminación, arquitectos paisajistas, y los fabricantes. Ella construyó su estudio junto a sus cien años de edad, casa, donde vive con su esposo David Feldman y sus dos hijos. Estudio ECHELMAN explora la vanguardia de la escultura, arte público, y la transformación urbana. Montado y dirigido por el internacionalmente reconocido escultor Janet ECHELMAN, el equipo de diseño se centra en el desarrollo y la creación de grandes obras de arte. Los proyectos permanentes y temporales se inspiran en arte antiguo y la tecnología moderna. El uso de materiales de fibra tejida de niebla atomizada, el estudio crea vida, la respiración piezas que respondan a las fuerzas de la naturaleza - viento, agua y luz. Mediante la combinación de significado con la forma física, se esfuerza por crear una experiencia visceral en entornos de ciudad diversa, accesible a todos. Estos ambientes escultura encarnan la identidad local e invitar a los residentes a formar una relación personal y dinámica con el arte y el lugar. Cada proyecto se convierte íntimamente ligada a la de su entorno mediante el uso de materiales y métodos de trabajo, fortaleciendo las conexiones de barrio y la promoción de un distintivo de carácter cívico. El equipo de diseño abarca todo el mundo. Estudio ECHELMAN tiene el privilegio de colaborar con los brillantes ingenieros aeronáuticos y mecánicos, arquitectos, diseñadores de iluminación, arquitectos paisajistas, y los fabricantes. Sus piezas son realizadas con Tenara que es un hilo de alta tecnología que se fabrica a partir de 100 por ciento de PTFE expandido, por lo que es de dos a tres veces más fuerte que el hilo de teflón convencional, se trata de una fibra diseñada para uso en exteriores, resistente a la putrefacción y el moho y no se ve afectada por la radiación ultravioleta, tras ser anudado se amarran a anillos de acero galvanizado son suspendidos en el espacio mediante cabos.
Mi estudio se generó un modelo en 3D del tsunami a partir de datos del Laboratorio de Propulsión a Chorro de la NASA y el Centro para la Investigación de Tsunamis del NOAA. Luego utiliza el software para transformar un esquema de la superficie del modelo de mayor amplitud en una forma escultural. Mi estudio creado anudadas a mano los modelos para lograr la compleja conformación de la pieza. Esta obra utiliza Spectra ®, un material 15 veces más fuerte que el acero por pewso. La malla se anuda por la máquina con el fin de soportar los vientos, pero está diseñado para reflejar la complejidad de encaje de bolillos.
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Montaje en Cihicago, Tsunami.
Tsunami 1.26, una instalación aérea de encaje, fue inspirado por el tsunami que siguió al terremoto de 2010 en Chile y el acortamiento de 1,26 microsegundos del día en que el resultado de la redistribución del terremoto de la masa de la Tierra. Al meditar en estos epifenómenos, el trabajo pone de manifiesto la interdependencia de los sistemas de la Tierra y la comunidad mundial. Se pide al espectador que una pausa y considerar la estructura más grande de la que forman parte.
ARTE
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LOMOGRAFIA ANALOGUE PHOTOGRAPHY La lomografía es una tendencia, casi una filosofía, que enfatiza en la fotografía casual y espontánea. Las lomografías se caracterizan por tener gran distorsión en los bordes, mientras mantienen el centro intacto, y son capturadas por cámaras especiales de 35mm. Una forma de vida, aseguran muchos. Una estrategia de marketing, aseguran otros. Sea como fuese, la lomografía no da signos de querer irse.
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NUEVAS TENDENCIAS
LOMOWALL, montaje fotografico realizado en Tokyo.
La principal motivación de la Sociedad Lomográfica es estudiar y documentar el globo terráqueo a través de miles de millones de imágenes instantáneas sobre nuestra vida cotidiana, fotos despreocupadas y espontáneas.
La lomografía es una tendencia, casi una filosofía, que enfatiza en la fotografía casual y espontánea. Las lomografías se caracterizan por tener gran distorsión en los bordes, mientras mantienen el centro intacto, y son capturadas por cámaras especiales de 35mm. Una forma de vida, aseguran muchos. Una estrategia de marketing, aseguran otros. Sea como fuese, la lomografía no da signos de querer irse. La Lomografía (del inglés Lomography) engloba muchas cosas, cada una importante por separado y que en conjunto forman este concepto. Lo primero que debes saber es que somos el movimiento de fotografía análoga más grande del mundo, en donde la principal regla es que no hay reglas! Básicamente es salir a la calle siempre con tu cámara encima, no pensar y sólo disparar, practicando la fotografía espontánea y convirtiendo este arte en algo lúdico e inclusivo para quienes no se consideran ni buscan ser profesionales. Nuestra herramienta es un conjunto de cámaras fotográficas ANALOGAS (sí, con película fotográfica), siendo algunas de estas cámaras de culto re-editadas y otras cámaras diseñadas actualmente, todas capaces de lograr imágenes adictivas con efectos únicos y sorprendentes. Y como si eso fuera poco, además formamos parte de una comunidad mundial permanentemente activa que busca, además de preservar el amor por la fotografía análoga, captar momentos de la vida diaria de una manera diferente y sobretodo espontánea, experimentando mucho con diferentes películas y procesos de revelado para así obtener resultádos únicos, coloridos y llenos de frescura!
LA HISTORIA DE LOMOGRAPHY A estas alturas ya tendrás una idea de lo que es la Lomografía. Ya sabes que tiene algo que ver con cámaras, con la fotografía análoga y un millón de gente por todo el mundo haciendo fotos, sorprendentes y demasiado coloridas. Bueno, pues seguramente te preguntarás cómo demonios comenzó todo este despliegue de creatividad. Y como toda buena historia, esta comienza en una tierra muy, muy lejana… 1982: Nacimiento de la LOMO LC-A. ¡Aquí empezó todo! El General Igor Petroviwitsch Kornitzky (brazo derecho del Ministro de Defensa y de Industria de la Unión Soviética) depositó encima de la ornamentada mesa de su camarada Michael Panfilowitsch Panfiloff (director la poderosa LOMO, la Unión de ópticos y Mecánicos de Leningrado) una mini cámara japonesa. El Sr. Panfiloff examinó de cerca la cámara, observando su nítido lente de cristal, su gran sensibilidad a la luz, la robusta carcasa y especial diseño: la Cosina CX-1. Estos dos caballeros, dándose cuenta del potencial de esta cámara, dieron orden a la fábrica LOMO PLC de San Petersburgo, en Rusia, de copiarla y mejorarla. Nació así el primer prototipo de la LOMO LC-A, ó Lomo Compact Automat. 1984: Lanzamiento de la LC-A Ese mismo año comenzó a producirse la LOMO LC-A de forma masiva. En total, 1200 personas trabajaban fabricando la cámara. Partieron produciendo 1100 unidades al mes exclusivamente para el mercado ruso, pero pronto se expandió su popularidad hasta los países aledaños y comunistas de la época, como Polonia, Checoslovaquia y Cuba. 1991: El descubrimiento
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LA HISTORIA DE LOMOGRAPHY
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lomografia ANALOGUE PHOTOGRAPHY
Durante unas vacaciones en Praga, un grupo de estudiantes de Viena se toparon con la LOMO LC-A en una estrambótica y vieja tienda de cámaras, y aprovechando que era una cámara automática empezaron a hacer fotos desde la cadera. Ya en Viena, revelaron las fotos que resultaron ser de una extraña belleza gracias al lente que tenía la cámara (el mítico Minitar-1). Pronto empezaron las preguntas de amigos, familiares y extraños. ¡Todos querían una LC-A! 1992-1993: El nacimiento de la Sociedad Lomográfica Internacional Asombrados por las fotografías de extraña belleza que era capaz de crear la LOMO LC-A, la demanda por esta joya rusa aumentó rápidamente, lo que condujo a la formación de la Sociedad Lomográfica Internacional (o LSI por sus siglas en inglés). Junto con sus 10 reglas doradas, este movimiento sin fines de lucro tenía por objeto divulgar el mensaje de la Lomografía por el mundo entero organizando exposiciones, fiestas, tours y talleres. De ahí en adelante, a sido un largo camino lleno de grandes momentos, desde congresos mundiales, lanzamiento de cámaras fotográficas inéditasy adictivas, exposiciones internacionales y un permanente crecimiento de una comunidad que ama la fotografía análoga y que la ha integrado a su vida. “Lomo” en el futuro La principal motivación de la Sociedad Lomográfica es estudiar y documentar el globo terráqueo a través de miles de millones de imágenes instantáneas sobre nuestra vida cotidiana, fotos despreocupadas y espontáneas. Siguiendo las 10 reglas de oro de la Lomografía, los lomógrafos disparan cuantas más imágenes les sea posible, en las situaciones mas especiales y desde las posiciones más raras. Estas lomografías se juntan, se intercambian y se pegan, creando manifestaciones como los “Lomowalls” con imágenes realizadas por miles de lomógrafos de forma individual y exhibidas alrededor de todo el mundo como un caledoscopio de la vida misma. Es un trabajo en continuo progreso: todo este gran archivo y documentación sobre nuestras vivencias diarias se encuentra en constante actualización, creciendo diariamente y se expandiendose cada vez que hacemos un clic y visitamos un “Lomohome”, convirtiéndose así en un amplio e ilimitado mosaico sobre nuestra sociedad mundial. La Sociedad Lomográfica Internacional fue fundada para poder dar rienda suelta a la creatividad, poniendo el arte al alcance de todos como una extraordinaria forma de expresión que surge de la vida misma y que pretende llenarla de colores y dinamismo.
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UN MURO LLENO DE COLORES
NUEVAS TENDENCIAS LA CONVOCATORIA La Lomografía es sinónimo de Comunidad, y para esta exhibición se recibieron contribuciones de lomógrafos chilenos y de todo el mundo, convocatoria que duró más de un mes, y donde se recepcionaron más de 3000 fotos de las cuales se seleccionaron alrededor de 1000 instantáneas que se repitieron y combinaron para dar vida a un colorido mosaico de fotografías análogas. Todas resultaron ser un fiel reflejo de “La Belleza Real”, mostrándo lo cotidiano e importante que muchas veces pasa desapercibido para la mayoría de los ojos, pero que bajo el lente de una cámara análoga y una película fotográfica resalta lleno de color. EL MONTAJE
Las principales características de una cámara lomo:
El proceso de diseño y montaje no fué para nada simple. Tratamos de no dejar nada al azar, y para esto lo primero fue organizar las fotos por tema. Así fueron apareciendo cientos de imágenes con mascotas, edificios, árboles, medios de transporte, personas, mar, etc., para luego comenzar a pegar las fotos. En este proceso también invitamos a la comunidad nacional a participar, haciéndolos partícipes del proceso de ir pegando manualmente las 81 fotos de cada uno de los 88 paneles que conforman el Lomowall. Una tarea que se desarrolló en 2 jornadas, donde se iba diseñando la disposición de las fotos al mismo tiempo que se iban pegando. El resultado fue una imagen que desde lejos evoca algo similar a un caleidoscopio, una mezcla de colores y patrones que al acercarse y verlo de cerca permite viajar por la belleza real de las cosas, en un recorrido lleno de color y de amor por lo análogo que parte en lo urbano y termina en la naturaleza.
Lente: Una cámara Lomo utiliza un lente gran angular que produce, entre otros efectos, una intensificación o saturación en los objetos fotografiados con especial intensidad en el centro de la fotografía, lo que también produce un efecto túnel con las esquinas sombreadas.
El arte Lomografico esta al alcance de todos como una extraordinaria forma de expresión que surge de la vida misma y que pretende llenarla de colores y dinamismo.
Exposición: Una cámara Lomo dispone de ajustes de exposición automático y manual. En el modo de exposición manual se pueden lograr efectos especiales de movimiento y se consiguen exposiciones de hasta un minuto. Enfoque: El enfoque de una cámara Lomo es bastante limitado, por eso mismo muchas de las fotografías quedan desenfocadas lo que da como resultado en algunos casos imágenes desenfocadas con carácter (identidad). Existen además diversas variantes del modelo tradicional donde se utilizan diversos tipos de lentes que producen una amplia variedad de resultados. Algunas de las versiones disponibles tienen cuatro o más lentes que producen imágenes cuádruples o lentes que producen imágenes simultaneas en una misma foto, todo esto con el fin de ampliar la posibilidad artística de este tipo de fotografía.
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