ARTE CONTEMPORANEO
Junio de 2013
INDICE 3 Introduccion 4 Expressionismo Abstracto 7 Letrismo 8 CoBrA 10 Beat Art 12 Kinect Art 14 Kitchen Sink School 16 Neo Dada 18 New Brutalism 21 Funk Art 22 Nouveau Realisme 24 Situationis International 27 Assamblage 30 Pop Art 32 Performance Art 34 Grav
36 Fluxus 38 Op Art 42 1965 - Ahora 43 Minimalism 45 Conceptual Art 48 Body Art 49 Installation 51 Anti Design 53 Video Art 56 Arte Povera 59 Neo expressionism 61 Neo Pop 63 Transavanguardia 65 Sound Art 66 Internet Art
Proyecto de revista electrónica realizado en la materia de arte contemporáneo. www.esav.mx Director: Jaime Jiménez Cuanalo Maestra: Martha Soto. Alumno: Sergio Ignacio Larrazabal Guardia
INTRODUCCION La presente revista electrรณnica tiene como fin el ayudar al investigador en temas sobre historia del arte contemporรกneo abarcando los estilos, movimientos y escuelas de arte contemporรกneo. Esta revista estรก basada en informaciรณn adquirida del libro escuelas, estilos y movimientos de Amy Dempsey y otras fuentes.
Expresionismo abstracto El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial Pueden señalarse como características formales de este estilo, en pri-
mer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo. Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie),
“Mujeres” de Willem de Kooning
para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal. “Autumn Rhythm”, 1950, Metropolitan Museum of Art
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto,
Jackson Pollock “Number 5
lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras. Pg 189
Letrismo Fue un movimiento poético de vanguardia. Su creador, el poeta rumano Isidore Isou, publicó un manifiesto en 1945, en el que trabajó desde 1942, en el cual propugnó por un nuevo tipo de poesía atenta sólo al valor sonoro de las palabras, que no a su significado. Este manifiesto comenzó
a circular en su país natal, para posteriormente arribar a París, donde el letrismo vería su mayor desarrollo. El letrismo fue continuación de movimientos artísticos anteriores, como el futurismo ruso, el futurismo italiano y el Dada. Sus cultores creaban construcciones sonoras en las
que sólo el valor estético de las palabras, las sílabas o incluso las onomatopeyas sin valor imitativo eran tomadas en cuenta, con lo cual acercaban a la poesía a la música. Pg 192
Isidore Isou. “Traite de bave et d’eternite”, 1950
CoBrA Movimiento artístico fundado en 1948 y disuelto en 1951, debido a las disensiones y rivalidades internas. El nombre es el acrónimo de «Copenhague, Bruselas, Ámsterdam», ciudades de origen de los fundadores del movimiento. El movimiento editó 10 números de su propia revista llamada también CoBrA. Formaron parte del grupo «Cobra»: Christian Dotremont, Jacques Calonne, Joseph Noiret, Asger Jorn, Else Alfelt, Karel Appel, Mogens Balle, Ejler Bille, Eugène Brands, Hugo
Claus, Constant, Corneille, Pierre Alechinsky, Jan Nieuwenhuys, Lucebert, Pol Bury, Georges Collignon, William Gear, Stephen Gilbert, Svavar Gudnason, Reinhoud d’Haese, Henry Heerup, Egill Jacobsen, Carl-Henning Pedersen, Erik Thommesen, Jacques Doucet y Jean-Michel Atlan. El arquitecto neerlandés Aldo van Eyck fue escenógrafo de las más importantes exposiciones del grupo. El movimiento asimismo incorporó miembros de países como Islandia, Alemania y Francia.
Christian Dotremont “sin título”
Pierre Alechinsky “Gong”
Entre sus características se encuentran inicialmente una reacción contra la rigidez de la abstracción geométrica en boga en la década de los 40. También una preferencia por la espontaneidad y el rechazo de teorías preestablecidas, un primitivismo y violencia deliberados. Son artistas que cultivan varias disciplinas, como poesía, música o pintura.
Beat art La generación Beat fue un movimiento que en sus inicios comenzó con un pequeño círculo de escritores que solían reunirse en la universidad, más tarde se convertiría en unos de los movimientos literarios de mayor influencia tanto para la literatura contemporánea como en las artes visuales, sobre todo de aquellas que se vinculan con los nuevos medios. El término Beat Generation, poco a poco fue representando a toda una época, consecuencia que resulta curiosa por ser este movimiento uno de los más reducidos en cuanto a grupo se refiere. Sus miembros eran Jack Ke-
rouac, Allen Ginsberg, Neal Cassady y William S. Burroughs, quienes solían reunirse en los alrededores de la Universidad de Columbia, en la parte alta de Manhattan en los años cuanrenta. Más tarde deciden tomar bajo su tutela a Gregory Corso (de apenas 16 años) y a Herbert Hunke. Emigraron años después a San Francisco, California en donde se integran Gary Snyder, Lawrence Ferlinghetti, Michael McClure, Philip Whalen y Lew Welch.
ders, Anne Waldman and Ted Fue hasta el recital de poesía Joans, quienes aportaron nuevas Aullido que hizó Allen Ginsberg ideas al grupo de inicio. Pg 195 en la Six Gallery que comenzó a adquirir fama el movimiento Beat y dieron inicio una serie de publicaciones de estos literatos. Después de que los pioneros de la generación cobraron fama vino una segunda generación en los que se incluyen Bob Kaufman, Diane DiPrima, Ed San-
Jess, tricky cad, Case I, 1954
Kinect art El arte cinético se refiere a aquellas realizaciones cuyo principio básico es el movimiento; esta dinamicidad, virtual o real, mecánica, óptica o ambiental, técnica, cibernética o tecnológica, puede ser prevista por el artista o bien provocada de manera incontrolada, y origina la forma plástica de las realizaciones cinéticas; aquí se introduce el valor espaciotemporal en el núcleo del arte. Por lo tanto, interesa más en la obra cinética, el movimiento mismo que representar ese movimiento.
to espacial), que se refiere a una modificación espacial perceptible; y el luminismo, que alude al cambio perceptible del color, luminosidad y trama. El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos.
La primera muestra de arte cinética tuvo lugar en la galería parisiense Denissè Rene, en 1955. Se le nombró Le Mouvement, y reunió trabajos de Calder, Duchamp, Agam, Pol Bury, El arte cinético presen- Tinguely e Yves Klein. Al ta dos modalidades: el mismo tiempo Vasarely cinetismo (movimien- publica el Manifiesto Rojo.
Alexander Calder “sin título”
Pol Bury “sin título”
Kitchen sink school Escuela fregadero de la cocina es un término acuñado para describir un movimiento cultural británica que desarrolló a finales de 1950 y comienzos de 1960 en el teatro, el arte, novelas, cine y televisión, obras de teatro, cuyo “héroes” por lo general puede ser descrito como jóvenes airados. Se utiliza un estilo de realismo social, que representa a menudo las situaciones internas de los británicos de la clase trabajadora que viven de alquiler y gastar su consumo fuera de hora en los bares mugrientos, para explorar temas sociales y controversias políticas.
Las películas, obras de teatro y novelas que emplean este estilo se encuentran con frecuencia en las zonas industriales más pobres en el norte de Inglaterra, y el uso de los acentos del habla toscamente labrados y argot escuchadas en esas regiones. La película siempre llueve el domingo (1947) es un precursor del género, y el juego John Osborne Look Back in Anger (1956) es considerado como el primero de la expresión.
El valiente triángulo amoroso de Look Back in Anger, por ejemplo, tiene lugar en un estrecho, apartamento de una habitación en el Midlands Inglés. Las convenciones del género han continuado en la década de 2000, encontrando expresión en programas de televisión tales como Coronation Street y Gente de barrio. En el arte, “Kitchen Sink School” fue un término utilizado por el crítico David Sylvester para describir pintores que retratan escenas de tipo realista sociales de la vida doméstica.
John Bratby, “Table Top”, 1955.
Neo dada Grupo de jovenes artistas experimentales la mayoria en la ciudad de New York, cuya obra atrajo una fuerte polémica. Neo-Dada se ejemplifica por el uso de materiales modernos, la imaginería popular y el contraste absurdo. También niega claramente los conceptos tradicionales de la estética. Rauschenberg in his Front Street studio, New York, 1958.
El término fue popularizado por Barbara Rose en la década de 1960 y se refiere principalmente, a un grupo de obras de arte creadas en eso y la década anterior.
Kommissar Hjuler, Jasper Johns, Yves Klein, George Maciunas, Yoko Ono, Nam June Paik, Allan Kaprow, George Brecht, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Ushio Shinohara, Artistas relacionados y Robert Rauschenberg. con el término incluyen Genpei Akasegawa, John Chamberlain, Jim Dine, Larry Rivers, “Washington Crossing the Delaware”, 1953.
Ne w b r u t a l i s m El término “brutalismo”, deriva del francés béton brût, que quiere decir concreto crudo, utilizado por le Corbusier para definir su selección de material, también puede ser mencionado el art brut de Jean Dubuffet. La expresión “brutalismo” también fue usada por los ingleses Alison y Peter Smithson, pero no fue completamente aceptada hasta que Reyner Banham la uso en su libro “the new brutalism” libro que identifica al nuevo estilo de hacer arquitectura. El “new brutalism” como movimiento se caracteriza entre otras cosas por no poseer un manifiesto, ni tener escritas sus intenciones. Se puede considerar un artículo escrito por los Smithson en el que declaran el respeto a los materiales, a la estructura del objeto y a concebir la arquitectura como un resultado directo de un modo de vida. Y por su puesto el libro “the new brutalism” de Banham, que aunque no expresa un manifiesto, trata de explicar el estilo. Ejemplos de edificios basados en el nuevo brutalismo, uno es el edificio Hunstanton y otro la casa en Soho, ambos realizados por los Smithson.
Características:
“Edificio Hunstanton” de Smithsons
“Casa de Soho” de Smithsons
1. Memorabilidad como Imagen; 2. Clara exhibición de la estructura; y 3. Valoración de los materiales “as found” Recordando que una imagen es lo que afecta a las emociones, que estructura, en su más amplio sentido, es la relación entre las partes, y que los materiales “as found” son los materiales en bruto.
En base a estas características se mencionan otros edificios que cumplen con ellas. Como el edificio de departamentos de Lake Shore Drive de Mies, el Centro técnico de la General Motors, y varios proyectos de arquitectos afiliados a la CIAM (congresos interna- Lake Shore Drive de Mies cionales de arquitectura moderna). Centro técnico de la General Motors
Fu n k art El Funk art es un movimiento artístico bastante inspirado por la cultura popular que usa una improbable mezcla de materiales y técnicas, incluyendo «objetos encontrados». Fue una reacción frente a la falta de objetividad del expresionismo abstracto. El nombre del movimiento deriva del término musical “funky”, que describe lo apasionado, sensual y estrafalario. Los artistas funk trataban su obra con humor, confrontación, lo obsceno y referencias biográficas. Buscaban volver a introducir la respon
sabilidad social en el arte contemporáneo. Artistas funk importantes fueron: • Wallace Berman • Bruce Conner: Couch (Diván), 1963. • Paul Thek: Death of a hippie (Muerte de un hippie), 1967.
Bruce Conner, “Black Dahlia”, 1959
Ed Kienholz, “Portable War Memorial”, 1968
No u v e au r e a l i s m e Nuevo realismo (en francés, Nouveau Réalisme y en inglés New Realism) es un movimiento artístico de pintura fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, durante la primera expo-
sición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El Nuevo Realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años sesenta del siglo XX.
Análisis crítico Los artistas recuperan los objetos de la sociedad para hacer reliquias, símbolos potentes del consumo. Un ejemplo son las compresiones de César, que ponen en escena automóviles, siendo el objetivo transformar un objeto de culto de nuestra sociedad y
hacer algo distinto, a través de sus formas geométricas. Se constata también la desaparición del material noble, los nuevos realistas ya no utilizan bronce o piedra, sino chapa o cemento, materiales industriales.
Yves Klein, “Anthropométrie de l’époque bleue”, 1960
Arman, “Accumulation of Cans”, 1960
S i tu at i o n i s t i n te r n at i o n a l La Internacional Situacionista (IS) era una organización de artistas e intelectuales revolucionarios (véase Situacionismo), entre cuyos principales objetivos estaba el de acabar con la sociedad de clases en tanto que sistema opresivo y el de combatir el sistema ideológico contemporáneo de la civilización occidental: la
llamada dominación capitalista. La IS llegaba ideológicamente hablando a la mezcla de diferentes movimientos revolucionarios aparecidos desde el siglo XIX hasta sus días, notablemente del pensamiento marxista de Anton Pannekoek, de Rosa Luxemburg, de Georg Lukács así como del llamado Comunismo de Consejo.
Esta organización, creada formalmente en la localidad italiana de Cosio d'Arroscia el 28 de julio de 1957, nace en el seno de otro movimiento contestatario de los años 1950: la Internacional Letrista, a la cual los fundadores de la IS, notablemente Guy Debord (1931–1994) le reprochaban su ineficiencia. Junto a Debord participan otros exponentes situacionistas como Gianfranco
Sanguinetti, Asger Jorn, Raoul Vaneigem, Constant Nieuwenhuys y otros. La IS es el producto de la fusión de una serie de grupos anteriores de artistas e intelectuales, como la Internacional Letrista, el Movimiento Internacional por un Bauhaus Imaginista (MIBI), el grupo COBRA (del que formará parte Lubertus Jacobus Swaanswijk) y el Psychogeographic Comité de Londres.
Asger Jorn, “peintures détournées”
Las únicas obras pictóricas de la Internacional situacionista son las pinturas industriales de Giuseppe Pinot-Gallizio y las peintures détournées de Asger Jorn.1
Giuseppe Pinot-Gallizio, “industrial painting”
En 1972 la Internacional Situacionista se autodisuelve, pasando algunos de sus miembros a fundar en 1974 la llamada Antinacional Situacionista, de vida efímera.
Assamblage El assemblage o ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-noartísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción.
El assemblage es una técnica hermana del collage. El origen de esta palabra (en su sentido artístico) puede ser rastreado a comienzos de la década de los 50, cuando Jean Dubuffet creó una serie de collages’ con motivos de alas de mariposa que tituló assemblages d’empreintes. Sin embargo, tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso ya había trabajo esta técnica con anterioridad. .
A su vez, la joven esposa de Duchamp también protagonizó alguno de los más tempranos y bellos ejemplos de esta forma artística junto a Louise Nevelson, creador de una célebre serie de esculturas a partir de trozos de madera a finales de la década de los 30. En 1961, se organizó la muestra "The Art of Assemblage" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición mostró el trabajo de toda una serie de jóvenes artistas europeos como Braque, Dubuffet, Marcel Duchamp, Picasso, y Kurt Schwitters, así como los americanos Man Ray, Joseph Cornell y Robert Rauschenberg. También pudieron tomar parte otros artistas del assemblage menos conocidos provenientes de la costa oeste americana como Wallace Berman, Bruce Conner y Edward Kienholz. William C Seitz, organizador de la exposición, describió el assemblage como el arte de realizar manufacturas a partir de materiales naturales, objetos o fragmentos desprovistos de calidad artística.
Louise Nevelson, “Royal Tide IV”, 1959
Joseph Cornell, “l'egypte de mille cleo de merode”, 1940
Po p a r t Es un movimiento que surge casi paralelamente en Estados Unidos y la Unión Británica. Al parecer ninguno de los dos movimientos tienen influencia mutua sin embargo los dos afirman su interés por la cultura urbana producida en masa. El pop inglés nace entre 1952 y 1955 en las reuniones del Independent Group (Paolozzi, Hamilton y L.Alloway, entre otros) en el Institute of Contemporary Art de Londres. Encontramos dentro de sus manifestaciones artísticas, películas, ciencia ficción, música pop y el mundo de la imagen. Algunos de los seguidores de estos pioneros del pop inglés son Peter Philips, Jones, Kitaj, Hockney, Boshier y Caulfied. En Estados Unidos, el pop surge como reacción al predominio del expresionismo abstracto.
Richard Hamilton, “Just What is it That Makes Today’s homes so Different, so Appealing?”, 1956. Roy Lichestein, “Mr Bellamy” 1961.
A mitad de la década de los años cincuenta unas nuevas generaciones de artistas toman como modelo las reconfiguraciones de la composición formal de Robert Rauschenberg y Jasper Johns. Entre los artistas del pop americano destacan: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist y Tom Wesselman. Con este movimiento la abstracción queda olvidada y se practica una nueva figuración plástica que se alimenta de los medios de comunicación y de la producción masiva de artículos de consumo.
Pe r f o r m a n c e a r t Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética. El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al Happening, al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual. Al principio de los años sesenta, artistas como George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, y Nam June Paik entre otros, empezaron a crear los primeros happenings y conciertos fluxus. El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee Schneemann, Marina Abramovic y Gilbert & George entre otros.
Laurie Anderson, “wired for light and sound”, new york 1986
El arte de la performance es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La performance o "acción artística" puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración; una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre éste y el público. La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
G r av GRAV sigla en francés del Groupe de Recherche d'Art Visuel (Grupo de Investigación de Arte Visual). Grupo estético y artístico fundado en París durante el año 1960 por Julio Le Parc, García-Rossi, Hugo Demarco, F.Morellet, Denise René, Francisco Sobrino, J.Stein e Yvaral. Como su nombre lo señala, el interés manifiesto fue el de investigar artísticamente con los efectos lumínicos, cromáticos y visuales en general, lo que con-
llevó a una experimentación. Con tales elementos realizaron obras en las que resultaban determinantes la participación del "espectador" y las transformaciones espaciales. El grupo fue disuelto en 1968. Algunas de las realizaciones más destacadas se llamaron: Laberinto (1963); Laberinto II (1965); Un día en la calle (1966). Con el GRAV puede decirse que se inaugura decididamente un arte principalmente interactivo entre el "espectador" y la obra de arte.
Julio Le Parc, “lunettes pour vision autre”, 1965.
El Grupo de Investigación de Arte Visual emitió su propio manifiesto, en el mismo se resalta que la obra no debe importar sino más bien su interpretación; ya
que el punto de interés está en el ojo del espectador quien participa activamente en obras que son semejantes a instalaciones, algunas de estas obras poseen
efectos cinéticos a partir de motores silentes, las personas participan en juegos de transparencias, luces, reflexiones y movimientos.
Fluxus La denominación fue acuñada por George Maciunas en 1962. Su raíz proviene del latín flux que significa flujo, diarrea. Se trata de un movimiento artístico imparable hacia un empeño más ético que estético. Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. La experiencia artística, obra o evento, da ocasión para lograr una presencia y un signo de energía en el ámbito de la realidad.
De este modo, Fluxus actúa como frente móvil de personas y no como un grupo cualificado de especialistas, que más que la táctica de experimentación de nuevos lenguajes, persigue la estrategia del contagio social, la posibilidad de crear una serie de reacciones en cadena, ondas magnéticas por de-
bajo y por encima del arte. Maciunas escibe:"Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático".
George Maciunas, Dick Higgins, Wolf Vostell, Benjamin Patterson, Emmet Williams performing Philip Corner’s Piano Activities at Fluxus International Festspiele Neuester Musik, Wiesbaden, September 1962.
Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filiou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready Made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano.
Op art El Op art, también conocido como optical art, es un estilo1 de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o
círculos. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.
Victor Vasarely, “vega-gyongiy”, 1971
El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York. En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón. Estos Op-Art Artistas Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis Waldheims.
Bridget Riley, “pause”, 1964
Artes Visuales
Foto Grafica Pintura Escultura Video y mas
Paseo Pedregal #350 sec. Terrazas de Mendoza. Playas de Tijuana B.C. http://www.escuelasuperiordeartes.com
1965 -
AHORA
Minimalism Este movimiento se manifiesta principalmente en el campo de la escultura, teniendo como característica principal su fisicalidad; las piezas minimalistas son en general esculturas enormes, hechas con materia prima industrial y resultan en superficies pulidas, lisas y brillantes sin el efecto de materia o textura, ni referencias líricas o ideológicas. Casi siempre son estructuras únicas que constituyen sistemas visuales. El minimal art se manifestó en varias exposiciones en Estados Unidos, entre 1965 y 1968, recibiendo diferentes denominaciones: Estructuras Primarias
(1966), Arte Elemental, ABC Art, Arte Reductiva, Escultura Gestáltica, Arte Serial, Arte Modular, Arte Estructuralista.
Donald Judd, “sin titulo”, 1969
El Minimal Art fue precedido en el campo de la pintura por la llamada Abstracción Fría (Ad Reinhardt, Barnett Newmann) y por el Hard-Edge Painting, término que significa más o menos pintura de contornos duros (haciendo referencia a los acabados industriales), y que fue denominado así por
Clemente Greember. Por lo menos, fue él quien primero apoyó esta pintura en la exposición que organizó para el Museo de Los Angeles, denominada Abstracción Pós- Pictórica. Pero la primera muestra específica de Minimal Art tiene lugar en la Galeria Fischbach, de Nueva York, en 1962.
Dan Flavin, “Fluorescent Light Installation”, 1974
Entre los artistas más destacados son: Mathias Goeritz, Tony Smith, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Donald Judd, Larry Bell, Richard Serra, Carl André, Sol Lewitt e Ramirez Villamizar, Amilcar de Castro, Carlos Fajardo y Eduardo Sued.
Carl Andre, “Equivalent VIII”, 1978
Conceptual art La muestra que inaugura el arte conceptual se realizó en Berna (Suiza), en 1969 y se intituló Live in your Head - When
Attitudes Become Form, y reúne conceptos, procesos, situaciones, informaciones y documentos.
En el catálogo de la muestra, Grégorie Muller afirma que "el artista no tiene razón ya de sentirse limitado por la materia, la forma, la dimensión o el lugar. La noción de la obra puede ser sustituida por algo cuya única utilidad es significar". Es en otras dos exposiciones en donde se confirma esta tendencia: Conceptual Art - No Object, en el Museo de Leverkusen, realizada en 1969, y que sólo existió en el catálogo, la portada fue el contenido y soporte de
la muestra; y la exposición Information - Summer 70, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con la presencia de artistas brasileños. En la muestra de Leverkusen, Rolf Wedewer afirma que "un ante-proyecto presentado como forma final indica tanto en el observador como en el artista una nueva actitud. El artista da una indicación, y el espectador se ve impulsado a reflexionar y a imaginar".
Joseph Kosuth, “One and Three chairs”, 1965
El arte conceptual se cuestiona y reflexiona sobre sí mismo, es el arte sobre el arte. Se trata de un artesano mental, como escribía Abraham Moles: "el artista no lucha más con la materia que con la idea, ya no hace mas obras sino que propone ideas para hacer obras". Es por tanto un arte "paravisual": lo que acaba siendo una estructura representativa. El arte conceptual exige la participación mental del espectador. Joseph Beuys, “The pack”, 1969
Piero Manzoni, “Merde d'artista no. 066”, 1961
Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica
o videográfica posterior. Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci y Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.
Chris Burden, “Transfixed”, 23 de abril de 1974
Bruce Nauman, “Self Portrait as a Fountain”, 1967
In s t a l l at i o n Es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1960. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el espectador y éste puede interaccionar con ella. Las intervenciones en espacios naturales que incorporan el paisaje como parte inte-
grante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land Art o arte de la tierra. Se han señalado como los orígenes de este movimiento a artistas como Marcel Duchamp y su uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, Artistas tan diferentes como Helio Oiticica, Bruce Nauman, Joseph Beuys, Daniel Buren, Wolf Vostell, Nam June Paik, Marcel Broodthaers o Antoni Muntadas son artistas que han trabajado en uno u o otro sentido la instalación. Barbara Kruger, “sin titulo”, 1991
Puede incluir cual- plasma. Algunas instaquier medio, desde mate- laciones son sitios esperiales naturales hasta los cíficos de arte, sólo puemás nuevos medios de co- den existir en el espacio municación, tales como para el cual son creadas. video, sonido, computadoras e internet, o incluso energía pura como el
Marcel Duchamp, “Mile of string”, 1942
Anti design Este movimiento se originó en Italia en la década de 1960 como una reacción contra lo que muchos diseñadores de vanguardia veían como lengua empobrecida del Modernismo , el énfasis en el estilo y la estética de buena forma por muchos fabricantes líderes y diseñadores famosos. Esta sensación de insatisfacción con la disminución cada vez más
generalizado de la importancia social del diseño, a expensas de la empresa capitalista se había transmitido cada vez durante la década de 1950, particularmente en el contexto del Milan Triennali . También se refleja en el debate más amplio económicos, políticos, sociales y culturales que se apoderaron de Italia en la década de 1960.
Ron Herron, “Walking City”, 1964
Ettore Sottsass Jr fue un exponente clave de la perspectiva anti-Design, al igual que el Radical Design grupo Archigram y Superstudio , todos expresar sus ideas en la producci贸n de prototipos de muebles, piezas de exposici贸n, y la publicaci贸n de manifiestos.
Vi d e o a r t
El Video arte es un movimiento artístico, surgido en Estados Unidos y Europa hacia 1963, viviendo su apogeo en los años sesenta y setenta del siglo XX, aunque aún mantiene su vigencia. Experimentó las dis-
tintas tendencias de la época, como fluxus (con el que se relaciona especialmente), el arte conceptual, las performances o el minimalismo.
Wolf Vostell y Nam June Paik son considerados los primeros videoartistas. Wolf Vostell, en 1963, en Wuppertal (Alemania), en la Galeria Parnass presentó su primera obra que incorpora un televisor. Una instalación con el título "Ciclo Habitacion Negra",del 1958, de 3 piezas en una habitacion oscura con paredes pintadas con pintura negra, que hoy forma parte de la colección del Museo Berlinische Galerie en Berlín.
En el mismo año Wolf Vostell presentó en la Galería Smollin de Nueva York su instalación 6 TV Dé-coll/age,que hoy forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. Wolf Vostell es considerado el creador de la primera videocinta en 1963 con el título Sun in your head (El sol en tu cabeza).El videoarte encontró su primera manifestación en Alemania. Fue en la Exposition of Music-Electronic Television de Wuppertal, Tony Oursler, “influence machine”, 2000
en 1963, donde Nam June Paik, músico y electrónico coreano, expuso por primera vez sus obras. Nam June Paik obtuvo en 1965 la primera cámara portátil de SONY antes de su comercialización. El 4 de octubre de 1965 grabó desde un taxi las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI con una finalidad estética para captar una realidad subjetiva, al margen de las funciones de grabación de la televisión. Este hecho esta ampliamente discutido pues Sony no fabricó su portapack hasta 1967. Otra obra conocida de Nam June Paik fue «Zen for TV», 1963.
Nam June Paik, “Global Groove”, 1973
A r te p o v e r a El término arte povera (del italiano "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de los sesenta', cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización
del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Un artista típico es Mario Merz (n. 1925), famoso por sus «iglú», estructuras hemisféricas realizadas con materiales diversos.
Mario Merz, “Igloo”, 1985
El arte povera, rechazaba los iconos de los mass media y las imágenes reductivistas asi como también las industriales del pop art y el minimalismo. Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer y la ilusión convertida en utopía. El arte povera prefiere el contacto directo con los materiales sin significación cultural alguna, materiales que no importa su procedencia, ni uso, que sean reutilizados o transformados por el artista. Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967
para el catálogo de la exposición ‘Arte povera – Im Spazio’, intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos de trabajar con materiales nada tradicionales y supuso una importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana.
El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967. El artista povera asumía una nueva actitud, donde tomaba posesión de una realidad que es el verdadero sentido de su ser. Proponía un modo de vida inventivo y antidogmático. El artista povera debía trabajar sobre cosas del mundo, producir hechos mágicos, descubrir raíces de los acontecimientos partiendo de materiales y principios dados en
la naturaleza. No expresa juicios sobre su entorno. El arte povera también es considerado por el artista como una extensión del cuerpo y el alma del mismo conectandose directamente con el entorno, la naturaleza y todo lo que le rodea, entrando en armonía. Sus obras aunque no convencionales tienen una gran armonía y estilo únicos, dado por los materiales no comunes con los que se trabaja. Michelangelo Pistoletto, “Golden Venus of Rage”, 1971
• Ne o e x p r e s s i o n i s m Estilo de la moderna pintura y escultura que surgió a finales de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980. En cuanto a América abstracción lírica de los años 60 y 70, Bay Area School figurativo de los años 50 y 60, la continuación del expresionismo abstracto , New Image Painting y los precedentes en la pintura Pop , se desarrolló como
Anselm Kiefer, ”Margarethe”, 1981
una reacción contra el arte conceptual y el arte minimal del 1970. Neoexpresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces en una abstracta forma), de una manera áspera y violenta emocional con colores vivos y armonías de color banales.
Abiertamente inspirado por los llamados expresionistas alemanes pintores - Emil Nolde , Max Beckmann , George Grosz , Ernst Ludwig Kirchner - y otros artistas expresionistas como James Ensor y Edvard Munch . Neoexpresionistas se denominan a veces Neue Wilden ("Los nuevos salvajes ';' New fauves 'se reuniría mejor el significado de la palabra). El estilo surgió a nivel internacional y fue vista por muchos críticos como Achille Bonito Oliva y Donald Kuspit como un resurgimiento de los temas tradicionales de la libre expresión en el arte europeo después de décadas de dominio estadounidense. El valor social y económico del movimiento fue objeto de acalorados debates.
Críticos como Benjamin Buchloh , Hal Foster , Craig Owens , y Mira Schor fueron muy críticos de su relación con la comercialización de la pintura sobre el mercado del arte en rápida expansión, la celebridad, la reacción contra el feminismo, anti-intelectualismo , y un retorno a los temas míticos y los métodos individualistas que consideraban anticuada. Las mujeres fueron notoriamente marginados en el movimiento, y pintores como Elizabeth Murray y Maria Lassnig se omitieron muchas de sus exposiciones clave, más notoriamente el 1981 "nuevo espíritu en la pintura", exposición en Londres que incluía 38 pintores masculinos pero no pintoras.
Ne o p o p El neo-pop es un movimiento artístico que data de los ochenta. Al contrario de lo que se cree habitualmente, el neo-pop (o neo-popart) no es solo una versión actualizada del movimiento artístico pop-art que se dio en los años sesenta y setenta. Aunque las bases son muy parecidas en muchos casos, principalmente el uso de imágenes de la cultura popular y de los medios de comunicación de masas, lo cierto es que el neo-pop va mucho más allá. Debido a la disponibilidad de imágenes mediáticas desde el pop-art ha crecido exponencialmente, también lo ha hecho las maneras de
usarlas. No sólo hay más fuentes, sino que el arte en general ha cambiado mucho en estos treinta años, y actualmente todo es posible. No sólo los nuevos materiales aplicados, sino también la combinación de imágenes de diferentes periodos de la historia.
Jeff Koons, “Two Ball 50/50 Tank, 1985
Todos los artistas neo-pop tienen en común el asumir la iconografía de la historieta, los dibujos animados, los medios de comunicación de masas o los anuncios publicitarios Personajes Urbanos. Algunos artistas neo-pop son Jeff Koons, Keith Haring, los estadounidenses de la figuración graffiti Kenny Scharf y Lee Quinones; Mark Kostabi, Robert Combas (y, en general, todos los artistas franceses de la figuración libre popular) así como Daniel Authouart. En Latino América el representante más expresivo es Romero Britto.
Tr a n s av a n g u a r d i a Es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva, para una serie de pintores italianos. Nació en los años de los ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia. La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación
del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un sexteto de artistas: Fernando Leal Audirac, Sandro Chia, Horacio de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis.
Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Recurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran expresividad cromática. Otra de sus características es el "nomadismo", el artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Realizan obras generalmente figurativas, con referencias iconográficas, con gusto
por lo fragmentario (fragmentos de obras del pasado). Su principal influencia viene del Manierismo, así como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos ("pastiche"). El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Enzo Cucchi, “A painting of the precious fires”, 1983
Sound art El arte sonoro es un grupo diverso de arte prácticas que considera amplios conceptos de sonido , escuchar y oír como su enfoque predominante. A menudo hay distintas relaciones forjadas entre los dominios visuales y auditivas del arte y de la percepción de los artistas sonoros. Al igual que muchos géneros de arte contemporáneo , arte sonoro es interdisciplinaria por naturaleza, o adquiere híbridos formas.
Christian Marclay, “Guitar drag”, 2000
El arte sonoro a menudo se relaciona con los temas de acústica , psicoacústica , la electrónica , la música del ruido , audio multimedia y tecnología (tanto analógicas y digitales ), que se encuentran o sonido ambiental, exploraciones del cuerpo humano escultura , cine o vídeo y un conjunto cada vez mayor de los sujetos que forman parte del discurso actual del arte contemporáneo.
In te r n e t a r t Es una forma de arte digital distribuida a través de Internet. Esta forma de arte se ha eludido el dominio tradicional del sistema de galerías y museos, la entrega de experiencias estéticas a través de Internet. En muchos casos, el espectador se introduce en algún tipo de interacción con la obra de arte. Artistas que trabajan de esta manera se refieren a veces como artistas de la red. Arte en Internet puede suceder fuera de la es-
tructura técnica de Internet, por ejemplo, cuando los artistas utilizan tradiciones de Internet específicos sociales o culturales en un proyecto fuera de ella. Arte en Internet es a menudo-pero no siempre-interactivo, participativo y multimedia. Arte en Internet se puede utilizar para difundir un mensaje, ya sea política o social, mediante las interacciones humanas.
The term Internet art typically does not refer to art that has been simply digitized and uploaded to be viewable over the Internet. This can be done through a web browser, such as images of paintings uploaded for viewing in an online gallery.[1] Rather, this genre relies intrinsically on the Internet to exist, taking advantage of such aspects as an interactive interface and connectivity to multiple social and economic cultu-
res and micro-cultures. It refers to the Internet as a whole, not only to web-based works. Theoriest and curator Jon Ippolito defined "Ten Myths" about Internet art in 2002.[1] He cites the above stipulations, as well as defining it as distinct from commercial web design, and touching on issues of permanence, archivability, and collecting in a fluid medium.
Olia Lialina, “My boyfriend came back from the war�, 1996
C onclusiones Los diferentes movimientos, estilos y escuelas que se dieron a partir de la segunda guerra mundial dieron nombre al llamado arte contemporaneo y este rompio con las vanguardia y creo paradigmas, tal vez algunos de estos movimientos no fueron muy creativos o al menos no tuvieron logica pero marcaron el curso de la historia del arte. Ahora solo nos queda ver que nos depara el futuro del arte, un nuevo paradigma... Una ArsologĂa.