Miriam libhaber by Centro de Investigaciones Multidisciplinarias

ARTE, LITERATURA Y SOCIEDAD

Miriam Libhaber o el Gozo de la Creación

INSTITUT O DE INVESTIGACIONES MULTIDISCIPLINARIAS

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Miriam Libhaber o el Gozo de la Creación Julio César Schara

CUADERNOS DE INVESTIGACIÓN INSTITUTO DE INVESTIGACIONES MULTIDISCIPLINARIAS UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERÉTARO

Reservados todos los derechos conforme a la ley PRIMERA EDICIÓN 2017 D.R. © Universidad Autónoma de Querétaro Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias Centro Universitario, Cerro de las Campanas s/n C.P. 76010 Querétaro, Qro. México www. iim.uaq.mx Tel: 01 (442) 192 12 00 Ext. Qro. 7014 Ext. SJR. 4802 E-mail: jc.schara@gmail.com ISBN: en trámite Traducciones: Shulamis Fishbein Diseño y formación: L.A.V. Ana Cristina Fragoso Tejeida Asistente editorial: L.A. María Isaura Morales Pulido Captura: L.A. Santiago Romero Navarrete Corrección de Estilo: M. en P. Liliana Velázquez Ugalde

Impreso y hecho en México Printed and made in Mexico

DIRECTORIO UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERÉTARO Dr. Gilberto Herrera Ruiz Rector Dr. Irineo Torres Pacheco Secretario Académico Dr. Blanca Gutiérrez Grajeda Secretaria Particular de Rectoría Q.B. Magali Elizabeth Aguilar Ortiz Secretario de Extensión Universitaria Dra. Ma. Guadalupe Flavia Loarca Piña Directora de Investigación y Posgrado Mtro. Luis Alberto Fernández García Director Facultad de Ciencias Políticas y Sociales Dr. Aurelio Domínguez González Director Facultad de Ingeniería Dr. Julio César Schara Director del Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias Mtro. Edgar Manuel Montes de la Vega Coordinador General del IIM Campus Cerro de las Campanas Dr. Raúl Martínez Merling Secretario Académico del IIM Campus Cerro de las Campanas Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias Facultad de Ingeniería Universidad Autónoma de Querétaro. Querétaro, México 2017.

Quiero agradecer a Miriam Libhaber todo el tiempo que dedicó a responder el cuestionario, a revisar los originales, las traducciones, en fin todo su empeño para sacar adelante esta publicación. También a Santiago Romero Navarrete, la paciente y repetida captura de los originales. Ana Cristina Fragoso Tejeida, el diseño editorial y su también paciencia. A todos ellos, gracias por hacer posible la publicación de este importante libro dedicado a una de las artistas más creativas, transdisciplinaria: artes visuales y arquitectura, y también multidisciplinaria que ensaya todas las formas de las artes visuales: pintura, acuarela, grabado, escultura, dedicadas a vincular el arte y la arquitectura a nuestra vida cotidiana. Julio César Schara

Miriam Libhaber o el Gozo de la Creación

Introducción A la maestra Miriam Libhaber la conocí a principios de los años noventa, cuando fue mi alumna en la maestría de Artes Visuales, en la Antigua Academia de San Carlos, UNAM. Miriam como estudiante sobresalía siempre buscando caminos para la realización de trabajos grupales más que individuales, en realizar tareas de investigación siempre complejas. Recuerdo su primer proyecto de tesis sobre el arte barroco y el segundo sobre el taller de grabado con materiales no tóxicos, en pequeño y gran formato, cuyo borrador sirvió para que su directora de tesis, creara un taller análogo en la Academia de San Carlos. La utilización del proyecto sin consultarle a Miriam no la disgustó, al contrario, pensó que había que aprovechar la experiencia para completar el discurso de la tesis, la cual finalmente fue presentada y para mí debería haber obtenido el Magnum Cum Laude. Miriam la tendríamos que haber graduado con los máximos honores, pues agrupó voluntades, hizo diálogos, practicamos con ella evaluaciones grupales, individuales y del mismo curso. Siempre con gran optimismo y recuperando lo más positivo de todas las cosas. Aquí está la clave del significado más importante de esta gran artista, Miriam es gregaria, optimista, siempre encontrando el lado bueno, noble y positivo en todas las tareas. Miriam venía del proyecto del autogobierno en la licenciatura de arquitectura de la UNAM y gracias a esa experiencia, tomó la decisión de concentrar todas sus energías para el arte, y por cierto del arte del grabado, cuyos procesos y metodologías se vinculaban con los mismos de la arquitectura. Así, ha cursado en diferentes partes del mundo cursos con grandes grabadores y talleres importantes. Viajera frecuente, ha mostrado sus trabajos creativos en diferentes lugares del mundo, así como trabajado el grabado de pequeño y gran formato y ahora en la cerámica cuya producción es notable, variable y aprovecha los materiales, las texturas y los tonos que siempre nos remiten a la arquitectura. Espíritu abierto, alegre, y como ella dice, nunca he pensado que es duro el camino del arte, sino como una motivación para vivir la vida con optimismo. Entusiasmo que Miriam sustrae de todas sus experiencias para dar lo mejor de ella misma y de los otros. En la entrevista que le hicimos para este libro, asegura que no le preocupan mucho los

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procesos de innovación en la enseñanza-aprendizaje, ni por innovar en el grabado o la cerámica, que ahora ocupa su creatividad. ¿Por qué no piensa en innovaciones mayores? Seguramente porque para Miriam Libhaber el mundo creativo es un mundo para la imaginación, para crear un lenguaje propio, intersubjetivo, para una creación particular. No piensa en los nuevos elementos digitales que tanto han cambiado las expresiones del arte y los artistas en los últimos decenios, ni en organizar sus esfuerzos para crear con los especialistas del mercado del arte su ingreso a las subastas internacionales, ni promotores de las galerías globales para que su obra se promoviera en otros ámbitos. Tampoco le quita el sueño los problemas políticos sociales que cada día nos agobian más. No se cuestiona sobre la situación de Israel frente a los problemas contemporáneos y su relación de conflicto, histórica, con Palestina. Los padres de Miriam tienen origen polaco y fueron sobrevivientes del Gueto de Varsovia (1945). Miriam Libhaber se ha dedicado al grabado muchos años. Sus últimas reflexiones están encaminadas a recrear la arquitectura de autor y las grandes construcciones que son emblemáticas del México contemporáneo. Así conjunta sus dos pasiones: el grabado y la arquitectura, para construir un juego creativo, interno, profundo, misterioso y seductor, así como la alegría que constituye la práctica de la cerámica. Por supuesto Miriam Libhaber y yo no compartimos para nada esta visión del mundo. Creo como Macedonio Fernández que la vida, la existencia, es una dialéctica entre el placer y el dolor: sufrid si os alegraos, alegraos si sufrís, porque la alegría no es más que preparación para un grande dolor y el dolor no es más que preparación para una grande alegría. Los estados del alma humana van de la sequía espiritual que describía Teresa de Jesús, al desbordamiento de la imaginación, los deseos y los encuentros de la pasión por el arte y la vida. La alegría por sí misma no podría existir sin su análoga perfecta que es la profunda desdicha. La existencia humana no puede tener una sola visión del mundo, en ella confluyen todos los amores, todos los duelos, todas las desgracias, ese es el diálogo con el que el arte recrea el einfhülung como el puente que se abre para la estética de todos los tiempos, constituida por la sensibilidad humana, y la voluntad ancestral por la creación artística y literaria.

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Sin embargo, Miriam nos invita a revisar, a contemplar su trabajo creativo como una forma para expresar los sentimientos más felices que los humanos poseen. Me recuerda mucho la obra de Joan Miró (1893-1983) con su espíritu siempre alegre, sonriente, risueño, utiliza colores básicos flotando en atmosferas que remiten al juego con la forma y el espacio, y si insertamos a Miró en esos oscuros años de la Europa de entre Guerras, podríamos ver que también la alegría de vivir, pintar y crear es un antídoto para los infortunios más desoladores de la historia humana. Así también Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez, recrean el color en movimiento lleno de ritmo y tonos caribeños que en el París de los años cincuenta cambian las vanguardias artísticas, casi siempre desoladoras, de la última guerra mundial. Contempladores: ojalá que esta exposición de grabados y cerámica risueña y alegre nos consuele un poco de toda la tragedia en la que, entre otros, se abre en este nuevo siglo, sobre todo en la relación bilateral de México y Estados Unidos.

Julio César Schara San Juan del Río, Querétaro. Verano 2017.

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Entrevista Miriam Libhaber 1. ¿Por qué elegiste estudiar la licenciatura en Arquitectura? Desde pequeña me gustaba MUCHO dibujar, pintar, diseñar. Mis padres nos llevaban muy seguido de viaje, a cualquier ciudad a la que íbamos, el paseo más largo e importante era dedicado a conocer los edificios más modernos y los restaurantes más sofisticados. Mi amor por las construcciones nació en esa época, admirando el Arte de la Arquitectura. Además, las matemáticas me encantaban. Pensé que todos mis gustos eran muy buena combinación para cursar una carrera que combina las Humanidades y las Ciencias Exactas, o sea, la carrera de Arquitectura. 2. ¿Perteneces a la generación de proyecto académico del autogobierno en la licenciatura de Arquitectura en la UNAM, que surgió en el post-68? ¿Podrías hacer una reseña del proyecto y cual fue lo más relevante de tu experiencia en la misma? Ingresé a la carrera en la UNAM en el ‘69, cuando la filosofía del proyecto académico ya estaba y empezaba a generar conflictos, ideológicos, económicos y por supuesto políticos. Soy parte de una generación de 7 grupos de 75 personas cada grupo y en toda la generación solamente éramos 7 las mujeres que habíamos ingresado. Imperaban: la falta de respeto; el maltrato característico de algunos de los arquitectos de gran renombre (déspotas); la baja calidad de varios de los profesores faltistas (“aviadores”); etcétera. Básicamente era una carrera para una elite de alumnos con potencial económico alto, dato contrario a lo que pasaba en México y en la UNAM. El nivel económico en general no era alto, era más bien bajo. Casi todos los estudiantes de Arquitectura teníamos que solventar económicamente nuestros estudios, siendo “chamberos”, dibujantes de algún despacho de arquitectos, con un sueldo infame por hora, o dando clases particulares, generalmente en otros recintos de estudios haciendo malabares con las horas de transporte y las horas de clases en la Universidad, etcétera, las horas de estudio estaban siempre sujetas a los horarios de los arquitectos y profesores. Y algunas clases empezaban a las 7:00am, había unas 2 o 3 horas ahorcadas, que no podían ser aprovechadas para salir a un despacho a trabajar (“chambear”), continuando las horas de estudio de 11:00am a 14:00horas y seguro la clase de Diseño

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Arquitectónico era 3 veces a la semana de 16:00 horas a 19:00 - 20:00 horas.... Sin tener en cuenta que el nivel de trabajo para resolver las tareas “en casa” eran de una o varias noches sin dormir para poder terminar las entregas de las “repentinas”. Que además eran proyectos tan singulares como absurdos: “Un club de yates en San-Juan-sin-Agua…” Lo más relevante para mí, fue descubrir el contacto con las teorías y las prácticas de la dialéctica marxista. Con la creencia de que era una real solución a los problemas económicos y una filosofía que pudiese influir en el respeto entre humanos conscientes. Nuestro (mi) planteamiento al ser generadores del Autogobierno incluía: proporcionar ayuda a comunidades que carecieran de recursos, formar Talleres Integrales de Arquitectura, en los cuales se generasen temas arquitectónicos reales y viables; en la práctica, conviviendo y manejando los materiales en el sitio de las construcciones. Gestionando préstamos y ayuda económica de instancias gubernamentales, comunitarias, y/o de particulares. Propusimos en algunas comunidades los Consultorios arquitectónicos, un grupo de alumnos de Extensión Universitaria, que para cumplir con las horas de Servicio Social y/o de Prácticas Profesionales, llegaban a alguna comunidad a revisar sus casa, chozas o barracas, para proporcionar la ayuda profesional para bien parchar sus cubiertas de cartón corrugado o de asbesto acanalado, etcétera. Con el Arq. Carlos González Lobo logramos construir una iglesia en la comunidad de San Mateo Tlaltenango, en la Delegación de Cuajimalpa. ¡Bella y sana experiencia! Mirando hoy al pasado, tal vez no entendí cuál era la finalidad del proyecto, porque ahora no está lo que planteamos... ¿o tal vez sí?... 3. ¿En qué sentido la Arquitectura y el Arte pudieron conectarse y como ha sido tu desarrollo profesional en ambas carreras? El Arte y la Arquitectura nunca estuvieron desconectados. Nunca dejé de dibujar o de pintar; ni antes, ni durante mis estudios de Arquitectura, ni durante el ejercicio de la profesión. Como arquitecta me dediqué a aprender el oficio en medio del difícil ambiente machista de nuestro México.

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De los 8 años que ejercí como arquitecta mi desarrollo fue para la causa social, o sea: habitaciones de interés social. Aunque siempre preferí desarrollarme como investigadora y en la docencia. Hice un paréntesis en mi desarrollo profesional, de 1984 a 1986 viajamos mi marido, nuestra hija de 8 años y yo, por toda Europa y el segundo año vivimos en Israel. Al regresar a México congruente con mi decisión de concentrar energías en el Arte, entré a cursar la maestría en Artes Visuales para seguir conociendo materiales y soportes nuevos. 4. Hiciste la maestría en Artes Plásticas en la Academia de San Carlos con línea terminal en Grabado, ¿Cómo fue tu experiencia y que fue lo más relevante? Lo más relevante fue encontrarme con una investigación continua, teniendo una conexión íntima con los materiales. Y dentro de ese proceso notar el proceso que une la relación que existe entre la expresión de la imagen final (la estampa misma), el observador, mi propio Ser y cada uno de los pasos del proceso en sí. La imagen final es casi totalmente concebida desde el comienzo de la obra. La placa de metal de zinc se convierte en un alto o bajo relieve, casi como una escultura, para poder manejar tres tintas simultáneamente sobre la placa. Cada tinta con su propia viscosidad y conocer las diferentes densidades o durezas de los diferentes rodillos. Así pude adquirir la habilidad para generar la estampa deseada. 5. ¿Por qué elegiste Grabado en lugar de otras disciplinas? Me emocioné al conocer la posibilidad de manejar un proceso más completo con materiales que difícilmente había pensado que existían. La química o la manera de preparar las diferentes viscosidades de las tres tintas, el proceso de las diferentes durezas de los rodillos... En fin. Todo el proceso de investigación me enamoró. El grabado es de las disciplinas más técnicas dentro de las Artes Visuales, los pasos a seguir en el proceso tienen un orden muy específico. Esto me conecta con el orden requerido para un proyecto arquitectónico. Además de la posibilidad de abarcar la reproducción de la imagen para muchas personas, por el hecho de tener un molde.

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Se pueden lograr calidades y valores muy peculiares, sobre el papel de algodón, sobre otros materiales como el pellón u otro tipo de tela. Ya sea con el huecograbado o con el grabado clásico. 6. ¿En qué contribuyó la academia a tu desarrollo estético profesional? Me permitió conocer el trabajo en equipo dentro del taller de grabado. Valorar el alcance que implica el sumar talentos. Pienso que la cultura estética la empecé a desarrollar desde la carrera de arquitectura. Es a través de una extensa bibliografía y de la diversidad de los profesores, que se generan los cimientos de la relación entre lo subjetivo y lo objetivo. 7. ¿Has hecho otros cursos o diplomados? Sí. Con diferentes maestros especializados en diferentes técnicas: acrílico con Yovani Bauta, cubano que reside en Miami, especializado en neo-expresionismo figurativo... grabado en seco con Louis Dow en Miami, cerámica con Mariana Velázquez. Técnicas mixtas con tintas sobre micas, con Hugo Kienly. Durante tres años revisamos temas varios del arte del momento desde el punto de vista muy peculiar de Blanca González Rosas. Procesos Alternativos en la Obra Gráfica, con el Maestro José Manuel Guillén Ramón, de España. De ahí también, Rosy Bodelón nos dio clases de cómo trabajar el estaño, antes de cursar la Maestría. Con Tomás Ortiz, xilografía. En Israel con el profesor Avri Sigali, dibujo y pintura. Dos años estuve atendiendo cursos de Historia del Arte en el Instituto de Cultura Superior AC. Y desde los 13 años de edad tomé clases de dibujo y pintura al óleo, con mi querido José Enrique Rebolledo, maestro refugiado español. Monotipia con el Maestro Felipe Cortés Reyes, hace cerca de diez años. El monotipo es fenomenal, rápidamente se adquiere agilidad, destreza y rapidez para generar una imagen grande en tres o cuatro horas, es una variación del grabado. Aunque es sin molde. Por eso es MONOTIPO.

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8. ¿Que ha sido lo más relevante de tus exposiciones individuales y colectivas que has emprendido hasta ahora? Es una recompensa emotiva saber que hay quienes ven, observan y/o aprenden de mis obras. Un comentario que me ha dejado huella es que varios espectadores después de ver mis monotipos, de los edificios emblemáticos, de mi Gran Ciudad de México, comentaron que: ahora miran, observan y se les hacen notorios los edificios por donde pasan... Me llama la atención darme cuenta el tipo de personas que vienen a apreciar la muestra dependiendo de en dónde se encuentra el lugar de la exposición. 9. Sé que eres una viajera continua y que has expuesto en diferentes países, ¿cuáles han sido las experiencias más relevantes de estas experiencias? Aquí mismo en México, cuando he expuesto mis edificios emblemáticos fuera del DF, es muy gratificante escuchar que quienes no conocen personalmente mi Ciudad de México comentan querer venir a conocer la nueva arquitectura mexicana; o la antigua arquitectura de nuestro Centro Histórico. Llevamos a Bulgaria una muestra de nuestra tradición mexicana para festejar el Día de los Muertos. Impresionante notar que podemos causar muchas diferencias. No fue fácil hacer entender a una cultura católica, griega, arraigada, que en México, desde la cultura prehispánica se festeja a los difuntos con comidas especiales, calaveras de azúcar, música, flores, aromas y no es día de tristeza, tampoco es carnaval; que los mexicanos hablamos de vida eterna, que es lo opuesto a la muerte. 10. ¿En qué estás trabajando actualmente? Mis personajes preferidos son las construcciones. De todo tipo, ellas al igual que para Paul Valéry, -en su libro: Eupalinos o el Arquitecto, 1894 tienen características de Seres, de Personas, me hablan, se callan, se divierten o se ríen de mí, conmigo o con nosotros. Se disfrazan, se ridiculizan o son irreverentes.

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A veces cambio de personajes, hubo épocas en las que la mujer y su rol social me movieron a representarla en diferentes técnicas. Otra época me dediqué a la figuración de Experiencias de Vida. En otro momento el mar y la naturaleza no me soltaron; otra etapa la dediqué a los enlaces y raíces. Ahora mismo estoy trabajando con diseños, y símbolos prehispánicos. Y por otro lado, he estado incursionando en el monotipo monumental, son grandes dimensiones; 1.50 m. x 2:00 m.:

El próximo será de 2.25 m. X 2.00 m... Y luego, uno de 3x2m.....

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De hecho, puedo llamarlo Gráfica Monumental, intuyo que el formato monumental requiere otro tipo de percepción, tanto como productor, como espectador. 11. ¿Cuál fue la motivación principal para elegir el duro camino de la expresión artística? No fue elegido por ser “el duro camino de la expresión artística”, nunca he pensado que es duro el camino. Para mí es un verdadero placer. Pienso que el camino de la expresión artística no me suelta a mí, no es que yo lo elegí. Si te refieres a yo promover mi propio trabajo... no estoy segura de que sea duro... no me he hecho responsable al 100% de promover mis obras. Reconozco que sería más fácil poder generar el espacio físico para las nuevas creaciones. 12. ¿Cuáles satisfacciones te ha dado hasta la fecha tu trabajo creativo? Cuando miro para atrás, noto los avances de mi misma. Percibo las formas de mis pensamientos que van revelando, desarrollando una idea con diferentes formas y matices. Mi paleta de colores por etapas. Puedo revisar los temas que me han apasionado por diversas épocas. Me encanta saber que diario me despierto con antojo de algún tono, de alguna forma, de algún momento a representar, con una nueva idea o con alguna otra loquera para llevar a cabo. 13. ¿Cómo organizas o planificas tu trabajo en creación, contenidos, disciplinas, planeación, promoción? En cuanto al tiempo, cuando estoy en México, tres veces a la semana, lunes, martes y miércoles, puedo ir al taller de monotipia. Son 3 horas cada día. Aunque a veces son más de 4... El resto de la semana habitualmente estoy en mi taller en casa, pintando, arreglando, planeando... Me considero bastante organizada, aunque a veces me paso y acepto demasiados compromisos. Una vez que tengo definido el tema y/o

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el concepto de la siguiente etapa, en lo que más me invierto es en crear, generar obras, definir materiales, etcétera. Ciertamente, proyectar el contenido se me da generalmente fácil. A lo que no me dedico, a veces nada, es a la promoción. 14. ¿Qué talleres has ofrecido y has participado? He generado talleres de xilografía, de grabado, de dibujo de imitación, de geometría descriptiva, de perspectiva y de dibujar con el lado derecho del cerebro (Betty Edwards). Una manera que fue muy funcional para los alumnos de la preparatoria y para mí como maestra, fue entender y hacerles entender a los jóvenes, que si la imagen de lo que quiero dibujar o proyectar se encuentra en mi cerebro, mi mano obedece a mi cerebro. Para llegar a tener la imagen en el cerebro, es importante aprender a saber ver, conocer el formato en el cual voy a trabajar y las aportaciones que le pueden dar a mi proyecto. He participado en varios talleres, sobretodo de técnicas mixtas, algunos mejores que otros. Cierto es, que el taller de monotipia me satisface muchísimo, no lo cambio por ningún otro. 15. ¿Has tenido alguna experiencia en la docencia? Sí. Al terminar la preparatoria cuando me salí de casa de mis padres, necesitaba mantenerme económicamente, empecé a dar clases particulares de todo tipo, historia, inglés, matemáticas, biología, baile hawaiano, arte en movimiento, de pintura al óleo, etcétera. En la Escuela Secundaria de la Ciudad de México (ESPCM), desde que cursaba el tercer semestre de la carrera de Arquitectura, di clases de Dibujo de Imitación, Dibujo Constructivo, Artesanías, Actividades Estéticas, etc., Mi Servicio Social en la ENA/UNAM fue asistente de profesor de Diseño Arquitectónico… también di clases particulares de hueco-grabado, o sea de roll-up. 16. ¿Qué te gustaría innovar en el proceso de enseñanza, aprendizaje, del grabado o la cerámica? La verdad es que no se me ocurre qué podría innovar en el proceso de enseñanza, aprendizaje ni del grabado, ni de la cerámica. Pienso que caí en el mejor de los lugares, con los mejores maestros de grabado y de cerámica.

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Puede ser que el hecho de haber entrado sabiendo que eso es lo que yo quería, ayudó a poder sacar el oro sin siquiera pensar que hubiese podido ser mejor de otra manera el proceso. 17. ¿Cómo se inició tu trabajo en la cerámica? Desde siempre, trabajar en volumen ha sido fascinante para mí. Empecé con plastilina. La cerámica implica una manera diferente de usar mi cuerpo. Un material con el que se sensibilizan otras partes de mi misma. El tema de la arquitectura, en el que he estado trabajando desde hace mucho tiempo, se presta mejor que ninguno para generarse en tres dimensiones. 18. ¿Cómo es tu proceso de investigación en tu producción artística? Desde que elijo un tema, comienza la investigación. Lecturas de todo tipo relacionadas al tema. Por ejemplo, ahora que estoy generando una colección de signos y símbolos prehispánicos. Reviso la diferencia entre signos y símbolos. Releo el Popol Vuh, el Chilam Balam, Flor y Canto Náhuatl. Reviso códices y sus significados. Busco imágenes significantes y significados filosóficos de nuestros prehispánicos. Los colores con los que voy a generar la poética de mis estampas en monotipos. El negro y el rojo representan dentro de la cosmogonía nahua la sabiduría y la escritura. León Portilla dice en “Los Antiguos Mexicanos a Través de sus Crónicas y Cantares”, (p. 52): “Para los nahuas el recuerdo de su pasado, la tinta negra y roja de sus códices, era la tea y la luz, la norma y la guía que hacía posible encontrar el camino y mantener en pie, no ya sólo la ciudad, sino paradójicamente la tierra misma.”

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Me intereso y profundizo en la filosofía de los sabios prehispánicos, por el mero hecho de que se hacen las mismas preguntas ontológicas que hoy siguen siendo vigentes. ¿Qué es la verdad de la vida? ¿Existe vida después de la muerte? Luego puedo hacer un pequeño alto para reflexionar cuál es el interés que tengo para mostrar en las diferentes imágenes. ¡Y así sigo! 19. ¿Qué materiales de apoyo utilizas para actualizar tu lenguaje visual? Además de las lecturas que alimentan la imaginación, las visitas a diferentes museos, galerías, museos, buen cine, la musicosofía, ferias de arte (Basel, Documenta de Cassel, Venecia), los viajes, paseos mirando la Naturaleza, etcétera. 20. ¿Qué equipo mínimo necesitamos para instalar un taller de grabado? ¿Taller de grabado clásico? ¿Taller de grabado roll-up? ¿Taller de grabado monotipo? Lo mínimo para instalar un taller de alguno de estos tipos de grabado es un tórculo o prensa, con sus fieltros para la platina del tórculo, (de 3 mm., de 6 mm., opcional: papel filtro grueso) Para un taller de grabado en madera-xilografía o de lino-grabado, no se requieren muchos materiales. Hasta sin tórculo se puede trabajar. Si se trata de un taller de grabado en metal a color: 1. Placas de metal de zinc de 1.5 mm de espesor 2. Ácido nítrico industrial 3.Bicarbonato de sodio (para neutralizar el ácido viejo) 4. Charolas para el ácido 5. Tarja para limpieza con suficiente agua 6. Jabón 7. Barnices: goma laca, barniz duro, barniz blando, plástico transparente auto-adherible, látex (opcional), 8. Masking tape 9. Brochas, pinceles 10. Herramientas: bruñidor, raedor, puntas, (buriles), exacto,

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navajas, cuenta hilos o lupa, cuneta o cuna (opcional), otros (opcional) 11. Para biselar: sargentos, lima de grano grueso, bastarda, lima fina 12. Guantes y mascarilla resistentes al ácido 13. Extinguidor 14. Lija de agua # 600 15. Caja de resinas o envases para rociar resinas 16. Parrilla para calentar la placa con resina; accesorios para detener las placas calientes: rejilla de metal o similar, sea una plancha caliente y guantes de asbesto, o pinzas especiales 17. Solventes para limpieza: gasolina blanca, petróleo, aguarrás, thinner, alcohol industrial, acetona industrial 18. Rodillos de diferente grado de dureza: duro, de neopreno de 40-45 shores, semi-duro, blando de 12 shores de dureza (antes era de pasta americana) [Dependiendo del tamaño de las placas a trabajar, el tamaño de los rodillos, porque es recomendable recorrer el rodillo una sola vez por la placa] 19. Vaselina sólida 20. Carbonato de magnesio 21. Carbonato de calcio (Blanco de España) 22. Aceite de linaza crudo, Lithall es opcional, barniz reductor también es opcional 23. Tintas offset (mínimo los colores básicos) 24. Espátulas semi flexibles 25. Tarlatana cruda (opcional) 26. Trapos limpios de algodón de punto 27. Talco 28. Guantes de látex 29. Papel revolución 30. Papel de directorio telefónico 31. Papel para imprimir 100% de algodón (puede ser de 250grs. o más) 32. Regla de metal larga para cortar el papel 33. (opcional: raseros suaves para serigrafía) 34. Mesas adecuadas de preferencia con vidrio de 9 mm. 35. Rack de rejillas para el secado de las impresiones 36. Periódico 37. Espacio para guardar los materiales ¡Definitivamente es mucho material, mucho tiempo de trabajo y no se valora lo suficiente!

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Para un taller de monotipo, se requiere mucho menos equipo: una prensa o tórculo, con sus fieltros, placas de acrílico limpias y biseladas, tintas para grabado (Offset o Charbonelle), espátulas semi-flexibles, rodillos, pinceles, masking tape, thinner, aceite de linaza crudo, papel de directorio telefónico, trapos limpios o servitoallas de uso industrial. Papel 100% de algodón previamente remojado y solo húmedo para imprimir. Un tendedero o rack de rejillas para secar las impresiones. 21. ¿Cómo organizas tu trabajo para difundir y dar a conocer tu obra? Cuando termino una obra le saco una fotografía. Misma que queda clasificada inmediatamente. En el taller de monotipia las obras se reproducen muy rápido, dado que tienen que ser impresas antes de que el pigmento seque. Clasifico por tema, por técnica y por tamaño. ¡Está lista para ser difundida cuando se requiera! 22. ¿Has estado en conferencias, seminarios, sobre artes visuales y si es así cuál ha sido su relevancia en tu formación? Últimamente he estado en pocas conferencias o en seminarios. Generalmente en diciembre, cuando ha sido Art Basel Miami, he estado en seminarios y conferencias. Desde hace uno o dos años dejé de asistir a todos esos seminarios. Muchos años llevaba el arte del main-stream queriendo llamar la atención por absurdo que pareciera en contra de lo que estaba bien, queriendo brutalizar, enojar, asquear, molestar, etcétera, al espectador. Lo que ha sido relevante para mí, es que NO me he dejado llevar por el llamado postmodernismo, que realmente me desagrada. Parecería que el artista postmoderno se ha empeñado en mostrar la falta de cuidado en la elaboración de su obra, la deja sucia, mal hecha, como si fuera efímera, sin terminarla, Schnabel... es como si se tratara de ir en contra del proyecto moderno... entiendo que es un proceso importantísimo. Sobre todo en la arquitectura se nota un cambio muy claro del postmodernismo a la deconstrucción de Frank Gehry.

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23. ¿Qué importancia tiene para ti la investigación en el desarrollo de tu trabajo artístico? Me parece muy importante la investigación. Sobre todo para poder conceptualizar el tema. De tal manera que al desarrollarlo me sigue dando ideas por mucho tiempo... puedo pasarme mucho tiempo generando obras hasta agotar posibilidades. 24. ¿En tu formación profesional y representación de tu obra contemplas algunos escenarios como el económico, político y social y de problemas regionales, nacionales e internacionales? Hace poco entré a una exhibición en Inglaterra, de Raw Art, el arte de conflicto en el sentido más amplio. La descripción de mi trabajo: el conflicto de la pobreza en nuestro mundo.

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25. Tú y yo hemos tenido en nuestra educación una formación de la cultura hebrea, aunque mi familia política fuimos laicos, el amor y admiración por la cultura de la Biblia me ha acompañado siempre. ¿Hay alguna influencia de la cultura hebrea en tu trabajo? Pienso que sí. Uno de los temas que me sigue apasionando es el de las Tradiciones Judaicas. No precisamente por la Biblia. Soy amante de las tradiciones. En algún momento me vi embebida en generar a manera de simbología o metáfora, unos rollos, como los rollos de la Torá. Hice varios, un ejemplo:

-Sólo se puede ver 150 cm de altura, a la vez. Se requiere interactuar con el mecanismo para seguir viendo hasta los 300 cm de largo. -Tengo muchas obras de tradiciones judías, por ejemplo:

26. Cuéntame de los orígenes de tus padres, y de su llegada a México. Mis padres nacieron en Polonia, judíos ambos. Papá, de numerosa familia muy religiosa, aprendió desde pequeño a curtir las tripas de res. Se dio cuenta que las tripas de cerdo eran muy codiciadas

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por los no judíos. Para 1929 ya había llevado un barco cargado de tripas de cerdo a Chicago. Mamá era de familia rica y muy estudiada. Salió de su casa siendo Bióloga, Licenciada en Derecho, Matemática y dominaba ocho idiomas. Mis padres se casaron un catorce de noviembre de 1939, año en el que los nazis habían entrado a Polonia, desde el tres de septiembre, así que, siendo judíos, se escondieron en el sótano de una casa de familia católica, pagaron su estancia hasta que los delataron y los llevaron al gueto de Varsovia. De ahí vivieron como pudieron, sobrevivieron horrores como cualquier sobreviviente judío de la segunda Guerra Mundial. Dado que papá ya estaba registrado como proveedor, en América del Norte, y dado que mamá dominaba perfecto el francés y otros idiomas, pudieron llegar a América con el primer barco de militares estadounidenses en el año de 1946. De ahí hicieron contacto con el tío de papá, quien ya vivía en México, desde 1927. Los trajo a México. El tío le enseñó a papá el negocio de hacer y vender medias. En esa época se usaba la artisela. Papá se independizó y generó una fábrica de medias de nylon. Medias Perfecta. Generaron lo suficiente para comprar casa en Polanco, donde nació mi primera hermana, y después nací yo. 27. ¿Cómo inició tu interés por la cerámica? Desde muy pequeña me aficioné a hacer trabajos con plastilina. Durante la carrera de Arquitectura las maquetas en diferentes materiales, me permitían generar volúmenes. En 1987, que fue la transición entre la arquitectura y el Arte mi energía la ocupé en este último, una maestra española, se cruzó y me encaminó a la cerámica utilitaria de torno. Bellísima oportunidad de ampliar mis conocimientos de diferentes materiales para expresarme en volúmenes. En el Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz, (MAX), conocí a una ceramista espectacular: Mariana Velázquez. Su taller es un espacio maravilloso, su factura es limpia y excelente. El taller fue diseñado por un arquitecto a quien admiro: Danilo Veras. Bellos espacios al lado de un río, en un pueblito: Zoncuantla, cerca de Coatepec y de Xalapa.

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28. ¿Te gustaría hacer un taller de cerámica para los alumnos de Arquitectura? No estoy segura de que los alumnos de Arquitectura tengan el tiempo para manejar la cerámica. Es largo el tiempo de secado del barro, para la primera horneada (el sancocho). Las maquetas que se usan en Arquitectura son hechas de materiales más maleables, más efímeras, no requieren tiempo. De hecho las maquetas son de apoyo a los dibujos de perspectivas, no son interpretaciones conceptuales de construcciones. Si hiciera un taller de cerámica para los alumnos de arquitectura, sería solamente para aquellos alumnos que quisieran tener un hobby para cambiar de actividad. Les va a quitar el tiempo para resolver otros problemas de la propia carrera de arquitectura. 29. ¿Qué materiales necesitas? Un horno para cerámica. Barro o arcilla, mesas de trabajo, estiques, esponjas, agua, tornetas, un horno; mesa aplanadora para generar placas. Tiras de madera. Engobes, pátinas, esmaltes, óxidos y pigmentos, esponjas, agua... etcétera. La verdad, para mí no es una prioridad generar un taller de cerámica. 30. ¿Qué has podido obtener a lo largo de estos años para tu formación social, humana, con tu actividad profesional? Vivo en un espacio que se parece al de un juego, realmente no siento que estoy trabajando, estoy jugando, dentro de un terreno interno profundo, misterioso y seductor, que me permite generar reflexiones de mis abismos más profundos. Pienso que la misión que tengo como artista se centra en la posibilidad de agradecer a la vida. Mi propósito creativo gira en torno a la alegría. Es una forma clara de mantenerme viva. 31. ¿El arte ha influido en ti para desarrollar nuevas habilidades y destrezas y el desarrollo de tu actividad profesional y en qué sentido aportaría algo al desarrollo de la cultura nacional y general?

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Pienso que las imágenes de los edificios emblemáticos de la Ciudad de México: Puntos de Referencia. Son una recopilación histórica, cultural valiosa. Que no siendo fotografías, tienen mi propia versión-visión de cada edificio como arquitecta y como artista visual y además tienen la capacidad de hacernos reflexionar y por lo tanto de hacernos valorar a nuestra Gran Ciudad. Nos permiten pertenecer con orgullo a una gran nación, que aunque no deja de tener sus graves problemas como la corrupción, la impunidad, la prepotencia, etcétera, podemos por momentos notar también, lo grandioso de nuestro ambiente habitacional. 32. ¿Cuál crees que es tu aporte principal a las Artes Visuales Contemporáneas? Pienso que mi principal aportación es mi visión muy personal, desde ser arquitecta y desde ser artista plástica. Es desde mis propias experiencias internas que veo a la plástica y a la arquitectura. El espectador y el tiempo podrán definir si es que es una aportación que tiene valor o no para las Artes Visuales Contemporáneas.

Miriam Libhaber Semblanzas

Colomar. Ă&#x201C;leo + collage. 60 cm x 90 cm

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Piel Habitable El Museo de Arte Moderno del Estado de México, presenta la exhibición plástica Piel habitable de Miriam Libhaber, que nos ofrece una travesía llena de privilegios. La exposición se plantea muy completa en cuanto a la diversidad de formas y disciplinas que aborda y maneja. Esta muestra, se compone de varias series cuyo hilo conductor son los modelos arquitectónicos, representados mediante el oficio de la cerámica, así como la pintura y el grabado. Toda la obra en conjunto remite a la condición urbana y a la tipología del hábitat y el entorno humano. Las complejas estructuras urbanas, minimizan la presencia humana y la hacen reducto de su propia obra, el estallido de formas, líneas y puntos de fuga, convergen o divergen en el lienzo o papel emulando prismas fractales. La ciudad ya de por sí dinámica en la obra de Miriam Libhaber gana también plasticidad y vibra en cromatismos ahora más propios. La realización plástica por medio de grupos alcanza el rango escultórico en hábiles manos de la artista. Los procesos y mecanismos así como modos de representación concluyen en una muestra rica en conceptos. Si bien el tema es cotidiano, el tratamiento artístico no lo es, pues dota a Miriam Libhaber a sus obras de un urbanismo contemporáneo y tan primitivo a la vez que confunde los sentidos de quien observa. Valga entonces, la apropiación de la propuesta de nuestra autora para versar una arquitectura única. Irma Patricia Aguilar Directora del Museo de Arte Moderno Toluca, Edo. de México, 2015

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Piel Elemental

[…] a veces ciudades diferentes se suceden sobre el mismo suelo y bajo el mismo nombre, nacen y mueren sin haberse conocido, incomunicables entre sí. En ocasiones hasta los nombres de los habitantes permanecen iguales, y el acento de las voces, e incluso las facciones; pero los dioses que habitan bajo esos nombres y en esos lugares se han ido sin decir nada y en su sitio han anidado dioses extranjeros. Ítalo Calvino, Las ciudades invisibles

Nuestra primera habitación es la piel, pero la epidermis humana es frágil, vulnerable y ha sido necesario cubrirla para protegernos. Como la ropa no ha bastado, entonces hemos buscado cobijos más consistentes, más firmes y más permanentes. Nos hemos vestido de casas. La casa, más que una prolongación del cuerpo, es una prolongación y envoltura de lo humano. Es la piel sedentaria. En su interior los muros hablan de sus ocupantes, pero su exterior también refleja la humanidad que encierran, y puede leerse como una alegoría o metáfora inserta en el discurso urbano. Tendemos a pensar que la urbanización nos aparta y deshumaniza, sin embargo también nos congrega y asocia. Es parte de la dualidad del ser que demanda individualidad y comunidad, distancia y apego. La arquitectura tiene una innegable función social; así, la ciudad, en su infinita heterogeneidad, plasma múltiples aspectos de la sociedad de los hombres. Muchas culturas han proyectado en sus ciudades una recreación de su cosmovisión: distribuyen sus componentes según el modelo ideal del universo, sus trazos urbanísticos representan el ordenamiento de las fuerzas naturales y divinas. Luego, el paso de la historia se encarga de olvidar o desmantelar esas pautas y superpone otras, quizá cada vez más dadas a un

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pragmatismo dictado por la economía, y un orden da paso a otro, aunque éste se vaya pareciendo al caos. En todo caso, cada ciudad es visión y heredad del colectivo humano en sus necesidades de misticismo y de practicidad. En otros tiempos, además, la pintura y la escultura tuvieron la función de representar esas mismas fuerzas naturales y divinas que constituían el universo ideal, confundidas muchas veces en una sola. Luego, los temas sagrados fueron dando paso a imágenes más prosaicas y cotidianas y se hizo costumbre retratar el entorno urbanizado. A través del trabajo plástico, Miriam Libhaber propone un reordenamiento personal de la ciudad y una reconceptualización de lo urbano como enunciado de lo humano. De piel áspera o piel tersa, oscura o clara, agrietada o firme, la ciudad dejar ver sus circunstancias actuales, su historia y su devenir a quien la escrute con atentos ojos. En su perenne optimismo, la artista ve en la aglomeración felices coincidencias, en los elementos constructivos fragmentos de perspicacia, en los materiales diversidad de posibilidades. A veces los describe con un enfrentamiento de colores, otras opta por un cromatismo armónico de reducida gama. Lo mismo traza instantáneas vertiginosas sobre una placa de monotipia que hunde con parsimonia sus manos en el barro para modelar volúmenes y relieves. No me compete a mí pormenorizar las virtudes de su industria, pero se aprecia que las técnicas están al servicio de un solo lenguaje. En esta muestra hay conjuntos, perfiles, detalles; aciertos e imperfecciones del diseño; la aldea y la megalópolis; la unidad y la pluralidad en una alternancia de visiones macro y microscópicas. Odas al concreto, himnos al acero y elegías del asbesto. También se viaja de las tierras cálidas a las templadas, y se transita entre la ciudad imaginada y la ciudad recordada. Incorporando la insoslayable influencia de sus estudios en arquitectura, la artista evade el croquis para resaltar la estética de las formas, la concepción de su pintura es más orgánica que geométrica.

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La mirada de Miriam Libhaber funde y funda. Pone su piedra de toque y erige en torno. Así, la piel superpuesta –la casa- y el gran organismo de funciones diferenciadas –la ciudad se muestran aquí para recibir la caricia de miradas, invitando a concebir nuevos ideales.

Poema Se desordena junio ante mis ojos. Me cala el perfil de la ciudad, me despido de un vistazo. Siempre es un adiós definitivo, aunque vuelva, aunque me quede. Mirar la huella es desprenderse, es abrirle paso a la distancia, es ser otro nuevamente, cada vez, cada peldaño. Los edificios desfilan, yo no me muevo, me despido, me desprendo, y al mismo tiempo se fijan dentro.

Maliyel Beverido Duhalt Otoño 2014

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Rostros de una Metrópoli Hay ciudades blancas y ciudades grises, ciudades con lunares de flores y ciudades donde predomina el acero. Pero en el cuerpo masivo de cada una pueden separarse rasgos, pueden distinguirse rostros. Las fachadas son más que emblemas de la urbe: son su semblante. Concebida como una colección de retratos al vuelo, la de Miriam Libhaber es una reunión de familia, de esta moderna y disfuncional familia en la que resulta la metrópoli. Los conocidos, los concebibles, los previsibles y los precedentes están unos junto a otros y todos frente a nosotros. Al describirlo, ponemos en lo que vemos un poco de nosotros mismos, un poco de reflexión o un poco de humor según el caso, algo de admiración, a veces algo de condescendencia. El trazo no sólo demarca el titubeo las siluetas; en estas instantáneas el color revela el carácter, el ánimo de estas construcciones habitadas en ocasiones por espíritus contradictorios. Hay sonrisas brillantes y muecas doloridas, sitios de tumulto y de recogimiento, rostros parlanchines o silenciosos en busca de una mirada dónde acogerse. Los rostros de la ciudad de México que se asoman aquí nos miran confortados por Miriam Libhaber en su cruel y multitudinaria soledad. Maliyel Beverido Duhalt 2009

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Vida Miriam Libhaber comenzó a recorrer el camino del arte desde adolescente. Los primeros pasos la encaminaron hacia la arquitectura aunque nunca dejó de pintar, pero se fue dos años a recorrer Europa y a vivir a Israel. Durante el tiempo que estuvo separada de su carrera, afianzó los pilares de su verdadero oficio, que es del que vive y se alimenta. Una vez que regresó a México se dio a la tarea de continuar con su labor como creadora, decide abandonar la arquitectura y concentrar sus energías en seguir conociendo materiales y soportes nuevos cursando la Maestría en Artes Visuales. Desde entonces hasta ahora ha realizado más de 20 exposiciones individuales y más de 200 muestras colectivas fuera y dentro de México. Cuenta con 6 premios de gráfica; una Mención Honorífica en la 1ª Bienal de Pintura de Venezuela. Así mismo su obra forma parte de la colección del Museo Nacional de Grabado de Buenos Aires, del SNMFA Museo de Bellas Artes del Sur de Nevada en EUA, del Acervo Cultural del Claustro de Sor Juana de la Ciudad de México, del Instituto Cultural de Campeche, entre otras. Publicó su libro-catálogo: Puntos de Referencia que contiene más de 70 imágenes de los edificios emblemáticos de la Ciudad de México de la colección hecha en monotipos. En su obra, Miriam retoma como recurso plástico la iconografía de la cultura en la que fue criada, a través de imágenes reinventadas por su particular mirada. Julen Ladrón de Guevara

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Puntos de Referencia La referencia es el punto del cual nos agarramos para no perdernos. El punto es la clave de la referencia para encontrarnos en el camino. La iconografía citadina es básica en la vida de quienes habitamos una urbe, sobrepoblada hasta el colmo del desbordamiento de los elementos arquitectónicos que habitamos, deshabitamos, abandonamos, apañamos y, casi siempre, entrañamos. Cada punto es un referente para algún buen recuerdo que nos trae a la cabeza que todo tiempo pasado fue mejor. Aunque, a veces, es el punto de no referencia, al que mejor ni volteamos a ver, para olvidar algo que nos estorbe. Nada como los objetos fetiche, para hallarnos y evitar desencuentros personales o románticos. Si la ciudad hablara tal vez cada uno de sus edificios sería un parlamento, los baches un punto y coma, las alcantarillas un punto y aparte y las encrucijadas las comillas. Si cantara, las cebras de las esquinas serían pentagramas y los silencios estarían representados por las luces rojas del semáforo. Cada nota sería cada pisada de los transeúntes que, sin saberlo, componen con prisa o sin ella, las melodías de una ciudad que está siempre viva. Pero volviendo a los edificios como elemento referencial, éstos nos brindan su sombra para que no nos cansemos de esperar. El mensaje está intrínseco en su naturaleza y aunque obvio, no lo sabemos escuchar… y el punto es ese, que desde siempre existen erguidos para darnos mayor seguridad. ¿Qué sería de nosotros si quedamos de vernos con el amor de nuestras vidas frente a un edificio que ese día decidió mudarse dos cuadras adentro, nomás para cambiar de aires? Sería desastroso. Por eso, y por si las dudas, Miriam Libhaber realizó una serie de monotipos a manera de retratos hablados, para recordarnos dónde estaban y cómo eran por si deciden escapar.

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Estas piezas únicas, resultado del milagro de la impronta de la gráfica, son resultado de años de trabajo como artista, como arquitecta y mujer que viaja. Cada punto de referencia, al final se convierte en un punto de partida, que sin darnos cuenta, nos infunden esperanza, porque nos avientan al minuto siguiente que es donde comienza el resto de nuestras vidas.

Julen Ladrón de Guevara 2009

Una idea La próxima de las siguientes.... Desde la cueva, la mano pintada en la roca y el bisonte... hasta que se vivió en cubos Miriam Libhaber ve la arquitectura de otro lado, estética pura convertida en objeto plástico. Va de la pintura pasando por la gráfica y dando vida a la escultura mirable, no sólo habitable.

Felipe Cortés Reyes Ciudad de México, Diciembre de 2014.

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Recuperar la Ciudad de México Cuando Miriam Libhaber y yo nos conocimos, la Ciudad de México era, en muchos sentidos, otro lugar. Se le llamaba “La Ciudad de los Palacios” y era un placer pasear por ella, admirar sus edificios, parques y monumentos. Hoy la situación ha cambiado. Para muchos la ciudad está al borde del colapso, desplazarse por la ciudad es una ingrata tarea que puede durar horas, la contaminación no cede ni cuando buena parte de su población está de vacaciones. Pasearse, ver las maravillas que aún la engalanan, es una tarea que se antoja poco atractiva. Es por esto que la obra de Miriam Libhaber es invaluable. Arquitecta de profesión y con vocación de artista de toda la vida, Miriam combina sus habilidades para devolvernos, así sea en forma virtual, nuestros añorados palacios. Mi abuelo solía decir que una de las maravillas de Paris era que la mayoría de sus edificios y monumentos emblemáticos tenía “aire” enfrente, espacio suficiente para admirarlos con calma. Con su arte, Miriam logra esto para los de la Ciudad de México. Podemos extasiarnos delante de sus imágenes, sin embotellamientos, empujones o contaminación. Desde luego, en cada cuadro no vamos a encontrar simplemente una reproducción fiel del original, esto no habría ni que mencionarlo, lo que hace Miriam con estas imágenes es entregarnos, a modo de comentario gráfico, su visión. Puede ser la perspectiva, el color o un sin fin de otros detalles. En el producto final manda la artista, más que la arquitecta. Esto hace de una exposición de Miriam, un placer para la vista, aún para los que no conocen o no conocieron la Ciudad de México en aquellos tiempos. Pasearse por una exposición de Miriam Libhaber es, literalmente, recuperar la Ciudad de México. Santiago Roig Casa Museo Gene Byron, Guanajuato, Gto. 2016

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Realidad completa Muchos pensadores han tratado de imaginarse la realidad completa, tal vez ninguno ha tenido éxito; lo mejor que se alcanza es atrapar una parte de ella, y lograr extraerle la esencia. Miriam Libhaber ha abordado este gran reto, acometiéndolo desde diferentes perspectivas. Por un lado, por medio de la pintura busca re representar la realidad, a través de sus ojos y sus pinceladas la realidad se representa de múltiples formas y múltiples colores. Por medio de la cerámica, rompe los planos y se acerca a las tres dimensiones de la realidad para entregarnos otra visión de la misma. A través de los ojos de quién contempla la representación, la realidad se reconstruye de otra manera. Esta es la magia del diálogo entre creadora y observador, que en este caso, puede salir a las calles para confrontar los discursos. La comunicación entre artista y observador es compleja, cada uno vive determinado por sus circunstancias y con su obra recrea las circunstancias; aquello que lleva a Miriam a ver y representar la realidad a su manera, se combina con aquello que lleva al observador a ver esas realidades. Igual como la artista representa en el lienzo, la cerámica, o cualquier otro material, la forma como ve la realidad y el discurso que escoge para transmitírnoslo, aquél que ve la obra se la representa mentalmente, dándole una nueva forma mental al discurso transmitido. El diálogo acrisola las imágenes intercambiadas entre artista y observador, la realidad se fractura y recompone, según alguien que quiere que la realidad sea vista y según como alguien quiere verla. Desde que vi la obra de Miriam Libhaber me sorprendió que representara pictóricamente obras arquitectónicas aparentemente frías y estáticas, que se supone están ahí para ser vistas, gozadas, juzgadas; pero para ella no son ni frías y mucho menos estáticas, bajo sus manos adquirieron otros significados, en su obra les dio una vida que posiblemente los arquitectos, ingenieros, albañiles, carpinteros, plomeros, etc. (sin todos éstos la obra no existiría), nunca pensaron que podrían tener.

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Miriam combina muy bien la formación de la que sabe construir el espacio (es arquitecta), o tal vez sea mejor, modificarlo, y aquella que lo representa y al hacerlo lo modifica metafóricamente, porque no perdamos de vista que el lenguaje simbólico es tan poderoso o más que el lenguaje material. Miriam realiza el esfuerzo, muy creativo por cierto, de reconstruir el paisaje urbano, le da una congruencia simbólica al discurso que atiende las necesidades de la urbe. En el pasado las señales urbanas consistían en identificar las marcas urbanas, entre ellas destacaban las construcciones; muchos arquitectos se esmeran en dejar esa nueva marca que rebase el anonimato de una dirección. ¿Qué arquitecto quiere que su obra se conozca como Avenida de la Reforma número tal? Una artista se esmera por recuperar ese panorama urbano que cambia cada día y todo el día, porque los edificios cambian con las luces del día, y también cambian con los colores y las arcillas que moldean las manos de la artista. Ante el fragor de la vida cotidiana, Miriam se toma el tiempo de recorrer las ciudades, observa sus marcas, recupera aquellas que le comunicaron algo, y las transforma en una marca que establece nuevas metáforas.

Dr. Samuel Schmidt Austin, Nov. 2014

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La Lámpara Maravillosa de Miriam ¿Qué me llama la atención de la obra de Miriam Libhaber? Brotan montones de imágenes, palabras, sensaciones, y sonidos que ruidosamente simulan el colorido, la versatilidad y la intensidad de esta prolífica creación. He seguido este proyecto desde su nacimiento. Cuando la artista dio a luz a sus personajes disfrazados de edificios icónicos de la Ciudad de México, igual que cuando nos presentan un nuevo bebé, Miriam nos invitaba a acercarnos a ellos, sin miedo: Preguntaba: ¿a quién se parece? ¿Cómo se llama? ¿Quién lo hizo? Como en toda creación, después de haber sido paridos sobre sus lienzos, ellos siguieron libremente sus caminos. Al presentarlos entre sí, se relacionaron. Posaron a distintas alturas, se rodearon de árboles y plantas, sombras y accesorios. Decidieron finalmente continuar la ruta siendo anónimos, desapareciendo sus identidades. Entonces Miriam les inventó contextos imaginarios donde pudieran vivir. Pasearon en grupo por diversos mundos fundiéndose en ciudades. Cuando ya se habían integrado en metrópolis, jugaron con los tiempos. Ya fuera en la oscuridad, o insertos en un día soleado, generaban colores inverosímiles, fabulosos en evocaciones de tiempos pasados, lugares remotos, hasta que se abstrajeron y se transformaron en fragmentos. Giraron, se escenificaron y exigieron un nuevo medio: la cerámica. Miriam es capaz de expresar una idea en cuantos medios le sean accesibles, lo cual da cuenta de su fecunda creatividad. En este caso sólo la vemos en su cerámica, monotipo y acrílicos y al limitar sus recursos a esos tres, constatamos que las formas, los colores y el movimiento son ilimitados en sus manos. Además de la admiración por este remolino de posibilidades artísticas, las obras se meten debajo de nuestra piel, haciéndonos cosquillas, incomodándonos o acomodándonos, pero nunca nos dejan indiferentes. Hay ciertas vasijas que me llevaron en alfombra voladora, me mudaron a torreones en lugares que ya había archivado desde mi infancia cuando mil y una noches fui transportada a vivir en casas encantadas, con cuarenta ladrones, rodeada de pájaros que dan su vida por el amor, y la ilusión de eternidad. Estas cerámicas,

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monotipos y acrílicos son lámparas maravillosas, mundos inusitados, al mismo tiempo que sensaciones de calor, protección e intensidad. Podemos soñar, viajar y contemplar por largo tiempo la invitación que Miriam nos presenta.

Patsy Stillmann 2015

Miriam Libhaber Reviews

Agitando al mar. Mixed Media / Mixta. 60 cm x 90 cm.

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Habitable Skin The Modern Art Museum of Mexico State presents Miriam Libhaber plastic arts exhibition, Habitable Skin, offering us a crossing full of privileges. The exhibition is complete regarding the diversity of shapes and disciplines it is dealing with. This show is made of different series of works threaded around Architectonic models represented through ceramic craft as well as painting and engraving. The work altogether sends us to an urban condition and to the habitat typology and the human environment. The complex urban structures minimize human presence and make it a redoubt of its own work. The bursting of form, lines and vanishing points converge and diverge in the canvas or paper simulating fractal prisms. The city, dynamic per se in Miriam Libhaber works gains also plasticity and vibrates with her appropriated chromatics. In the able hands of the artist, plastics work through groups; reaching a sculptural range. Processes and mechanisms as a way of representation end up in a show rich in concepts. Although the topic is about daily issues, the artistic treatment is not. It endows Miriam Libhaber, her work with a contemporary and primitive urbanism that confuses the viewer senses. Our authorâ&#x20AC;&#x2122;s proposal to phrase a unique Architecture is worth its appropriations Irma Patricia Aguilar Head of the Modern Art Museum Toluca, State of Mexico

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Elementary Skin [â&#x20AC;Ś] sometimes different cities occur on the same floor and under the same name, are born and die without being known, incommunicable each other. Sometimes even the names of the inhabitants remain equal, and the accent of the voices, and even factions; but the gods who live under those names, and in those places are gone without saying anything and on your website they have nested foreign gods. Ă?talo Calvino, Invisible Cities Our first habitat is our skin. But, human epidermis is fragile, vulnerable. We dress up like houses. A house, more than an extension for the body, is an extension and cover for the human being. It is the sedentary skin. In the inside, walls speak about their occupants, however; their exterior is also a reflection of the humanity they cover. It can be read as an allegory or metaphor inserted in the urban discourse. Many cultures have externalized in their cities a recreation of their worldview: they distribute the components according to the Universe ideal model. Their urbanity strokes represent the ideal order of the natural and divine forces. Later, the passing of History manages to forget or dismantle those guidelines and superimposes other guidelines, maybe closer to a given pragmatism dictated by Economy. One type of order gives way to a different one; even though it is similar to chaos. In any case, a city is the vision and inheritance of the human collective in their need for mysticism and practicality. Through Plastic Arts, Miriam Libhaber proposes a personal restructuring of the city and urban reconceptualization as statement of what is human.

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Rough skin, smooth skin; dark or light, cracked or firm, the city shows, to those who scrutinize it with eyes open wide, its current circumstances; its history, its process of development. Miriam Libhaber’s look melts and sets up. She places her touchstone and erects around it. In this manner, the superimposed skin –the house - and the big organism with differentiated functions –the city - are shown here to receive a caressing look inviting to conceive new ideals.

Poem June messed up before my eyes The city’s skyline struck me, I say goodbye on a glimpse. It is always a final farewell, even if I return, even when I stay. To see the trace is to abandon to pave the way to detachment, It is to be another again, every time, every step up. The buildings parade I am not moving, I say goodbye, I break loose, and at the same time they affix inside.

Maliyel Beverido Duhalt Fall 2014

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Faces of a Metropolis There are white cities and grey cities, cities with flower patches and cities where steel prevails. However, in the massive body of each, one can separate features one can discern faces. Facades are more than symbols. They are their countenance. Conceived as a swift collection of portraits, Miriam Libhaberâ&#x20AC;&#x2122;s is a family reunion of this modern and dysfunctional family. The end is the Metropolis. The famous, the conceivable, the foreseeable and the foregoing, they are there, side by side and all in front of us. We assign, as appropriate when describing them, what we see. A little bit of meditation or a little bit of humor. We feel some amazement or some understanding. The strokes not only mark out the hesitancy of the silhouettes. In these snapshots, color reveals the character. It reveals the intention of these constructions where, occasionally, contradictory spirits dwell. There are bright smiles and painful sneers. Places of commotion and places for withdrawal. Chatty or silent faces, they are looking for a glance to be taken in. The faces of Mexico City are poking out. Reassured by Miriam Libhaber, they look at us with their cruel and multitudinous loneliness. Maliyel Beverido Duhalt 2009

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Life Miriam Libhaber as a teenager starts walking the pathways of art. Her first steps although not having stopped painting, channel her towards Architecture. She took a two-year sabbatical and went all over Europe and settled in Israel. Upon her separating from her career, she consolidates the columns of her true calling that nourishes and makes her be alive. Once coming back to Mexico she set her mind to the creative world and abandons Architecture. She concentrates her energy taking a course to get her BA on Visual Arts in order to knowing materials and new means. By that time until these days she has realized more than 20 individual exhibitions and more that 200 collective shows within Mexico and abroad. She has been awarded with 6 acknowledgments in Graphics. She won an award on a painting Biennale in Venezuela. Her work belongs to the art collection of Buenos Aires Engraving National Museum, to the art collection of the Southern Nevada Museum of Fine Arts in the USA, as well as in Mexico, to the cultural heritage of the “Claustro de Sor Juana” and the Cultural Institute of Campeche, among others. She published her catalogue book: “Puntos de Referencia” (Reference Points) which contains more than 70 images of the emblematic buildings of Mexico City from a collection made in Monotype engraving. Through her work, Miriam reintroduces as a plastic resource, the iconography belonging to the culture that raised her through reinvented images born from her particular gaze

Julen Ladrón de Guevara

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Reference Points The reference point is the one onto which we grab from in order not to lose ourselves. This point is the key for transference that allows us to find our way in our path. The city’s iconography is a basis for the lives of those who inhabit an overpopulated, large, metropolis overflowing with the architectural elements into which we inhabit, uninhabited, we abandon and we nick and almost always, feel a deep affection for it. Each point is a reference for good memories that recall the good old days. Sometimes, it is the non-reference point, the one we never look after in order to forget something that weighs on us. There is nothing like a fetish. We like to find them and try to avoid misunderstanding, both personal and romantic. If the city could talk maybe each of its buildings might be a speech; the potholes being a semi-colon, the sewer being a period and the cross roads would be quotation marks. If they could sing, the zebra crossing in every corner might be a pentagram and the silences could be represented by the red lights. Each note could be the pedestrian’s footfalls that unknowingly compose quickly or lazily the melodies in a city that is forever alive. But, coming back to the buildings as a referential element; they cast their shade upon us so we do not tire of so much waiting. The message is inherent to their nature nevertheless is obvious we do not know how to listen … and that’s the point. They have been standing there forever, standing tall to make us safe. What would happen if one day, having arranged a date with our beloved one in front of certain building, the structure simple decided to move away to a different corner, just to have a better view? That would be a disaster! Therefore that is why Miriam Libhaber, realized a series of monotype as of a spoken portrait to remind us about their whereabouts, just in case they want to escape.

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These unique pieces resulting from the graphic impression are the offspring of years of artistic work as an architect and as a perennial traveler. Each reference point at the end turns into a starting point that without us noticing inspire upon us faith because they launch us dare to live the next minute where the rest of our lives begin.

Julen Ladrón de Guevara 2009

One idea Next of the following… From the cave, the hand painted on the rock and the bison… until cube dwelling took place Miriam Libhaber sees architecture from a different standpoint, pure aesthetics transformed in an art object. She moves from painting, coming across graphic art, and bringing sculpture to life watchable, not only inhabitable.

Felipe Cortés Reyes Mexico City, December 2014.

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Recovering Mexico City When Miriam Libhaber and I first met, Mexico City was in many senses, a different place. It was called the City of Palaces. It was a pleasure walking around, admiring the buildings, parks and monuments. Today, everything has changed. For many of its inhabitants the city is about to collapse. Moving about in the city is an unrewarding task that lasts for hours. Pollution will not dissipate even when most of the population is out on vacation. To stroll around, see the marvels still decking it out is not an appealing experience. Therefore, Miriam Libhaber’s work is priceless. Architect by profession, she is naturally inclined towards the arts. Miriam combines her skills to virtually giving us back the palaces we yearn for. My grandfather once said that one of Paris’ marvels is that most of the emblematic buildings and monuments where surrounded by “air”. There is enough space to admire calmly. Miriam achieves this experience for Mexico City through her art. We can be enraptured by her images, with no traffic jams, with no one pushing their way through or by pollution. Of course we do not have to even mention that, in each work, we will not find just a reproduction faithful to the original. What Miriam does with these images is delivering a graphic comment of her vision. It can be the perspective, the colors or an endless array of details. The artist governs more the final product than the architect. Miriam’s exhibition is a treat to the eye, even to those who did not get to see those days Mexico City. Strolling around Miriam Libhaber exhibition is, literally recovering Mexico City.

Santiago Roig Casa Museo Gene Byron, Guanajuato, Gto. 2016

Miriam Libhaber o el Gozo de la Creación

Complete reality Many intellectuals have tried, perhaps to no avail, to thoroughly imagine reality. The best they have achieved is to catch some of it and extract its essence. Miriam Libhaber has undertaken this great challenge from different perspectives. Through her eyes, etches and brushstrokes, and her painting and engraving she reenacts reality through in multiple shapes and colors. She uses ceramic to break contours and comes close to a tridimensional reality to deliver us another vision. Reality is then built again through the eyes of the spectator. The magical dialog between Miriam’s representation of reality and the observer watching her work, exchanges images melted among themselves. Reality recreates and reassembles incessantly. Miriam Libhaber’s surprises us as she pictorially represents, what appears to be cold and static works of Architecture. Those works acquire a new meaning under her hands, bestowing them with a life not intended by Architects, Engineers, masons, brick layers, carpenters, plumbers –without whom, the work would not exist. Miriam combines perfectly well her knowledge about building modifying the space via a metaphorical representation, creating a symbolic language, more powerful than the material language. Miriam reconstructs the urban landscape, giving a symbolic coherence to the discourse about the city’s needs. Many Architects strive to leave a mark surpassing the anonymity of an address. An artist recovers that urban landscape that changes every day, every hour, and changes its colors as the clay that the artist’s hands shape. Dr. Samuel Schmidt Austin, Nov. 2014

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Miriam and Her Wonderful Lamp What is it that calls my attention in Miriam Libhaberâ&#x20AC;&#x2122;s work? I focus in lots of images and words. Feelings arise. Sounds noisily feign colors, versatility and intensity in this prolific creation. I have been following this project since it was born. When she gave birth to her characters disguised as iconic buildings in Mexico City, Miriam invited us to come closer and not to be afraid. In the same manner as when we are introduced to a newborn. She would ask: what does it look like? What is its name? Who built it? As with any creation, after being born in her canvas, they freely took their own ways. When the buildings were introduced to it selves, they got acquainted. They would be posing from their different heights surrounded with trees and plants, shadows and accessories. They finally decided to continue being anonymous. They made their identities disappear. So, Miriam invented imaginary contextsâ&#x20AC;&#x2122; where they could live. They were strolling around being melted in cities. When they were integrated in a metropolis, they played with times. It could be in darkness or inserted in a sunny day. They generated unbelievable colors. Fabulous invocation of times past and faraway places until they were detached and transformed into fragments. They turned around, made scenes and demanded a new media. Ceramics. Miriam is capable of expressing her ideas in, as many as necessary mediums are accessible. This shows how fertile her creativity is. Here, we only see her in her ceramic, monotype and acrylics. When having the resources to those three as a limit, we can verify that shapes, color and movement are limitless in her hands. Apart from the admiration of this whirlpool of artistic possibilities, the work gets inside our skin, leaving us ticklish, making us uncomfortable or comfortable at the same time but never leaving us indifferent. Some of the vessels took me away on a flying carpet. They moved me towards towers in places I had closed the file in my mind since childhood. When one thousand and one nights carried me, to leave, in enchanted houses with forty thieves, surrounded by birds that offer their lives for the sake of love and the illusion of eternity. These ceramic works, monotypes and acrylics are

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wonderful lamps. Unusual worlds and at the same time they deliver feelings of warmth, protection and intensity. We can dream, travel and contemplate for a long time the invitation that Miriam is giving to us. Patsy Stillmann 2015

Curriculum Vitae

SaMar. Acrylic / AcrĂlico

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Currículum Estudios de Arte: 2012. Taller de Acrílicos. Profesor Yovani Bauta. Miami, Florida. USA. 2011. Taller de Cerámica de Mariana Velázquez. Zoncuantla, Veracruz. 2010. Taller de Grabado en seco. Louis F. Dow, Wynwood, Florida. USA. 2007 - Actual Monotipia. Archivo Gráfico del Mtro. Felipe Cortés Reyes. 2005 - 2008. Arte de hoy, temas varios. Profa. Blanca González Rosas. 1994. Procesos Alternativos en la Obra Gráfica. Con el Maestro José Manuel Guillén Ramón. Cursos de San Carlos. ENAP/UNAM. 1991-1994. Maestría en Artes Visuales. Orientación Grabado. Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) UNAM. Academia de San Carlos. 1990 -1992. Rosy Bodelón. Repujado en metal de estaño. México. 1989 -1991. Dora Lifshitz. Grabado en metal. México. 1989 -1990. Tomás Ortiz. Xilografía. México. 1985 -1986. Avri Sigali. Dibujo y Pintura. Israel. 1982 -1984. Historia del Arte. Instituto de Cultura Superior, A.C. 1969 -1974. Arquitectura. Escuela Nacional de Arquitectura (ENA). Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). 1966 -1972. José Enrique Rebolledo. Dibujo y pintura al Óleo. México.

Exposiciones individuales: 2017. Miriam Libhaber en colaboración con Charity Coalition y FUCAM. Club de Golf Los Encinos. Lerma, Edo.de México 2016. Recuperar la Ciudad de México. Casa Museo Gene Byron. Guanajuato, Guanajuato, México. 2015. Piel Elemental. Museo de Antropología de Xalapa. Veracruz, México. 2015. Piel Habitable. Museo de Arte Moderno de Toluca. Centro Cultural Mexiquense. Toluca, Edo. de México. 2013. Aroma de dos ciudades. Museo de la Estampa del Instituto Mexiquense de Cultura. Toluca, Edo. de México. 2013. Puntos de Referencia y Enlaces. Universidad de Derecho de Tepantlato. Ciudad de México. 2012. Enlaces. Universidad del Valle de México. Campus Tlalpan. 2011. Trazos y Colores de mi Ciudad. Exposición pictórica de registros urbanos de Miriam Libhaber. Universidad del Valle de México. Plantel Tlalpan. Ciudad de México. 2011. Rostros de una Metrópoli. Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz. México.

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2010. Homenaje 200 años de Arquitectura en México. Instituto de Cultura México-Israel. Ciudad de México. 2010. Puntos de Referencia –Celebrando el Bicentenario. Bosque Real Casa Club. Ciudad de México. 2009. Puntos de referencia. Foyer del Colegio de Arquitectos de la Ciudad de México. Sociedad de Arquitectos Mexicanos. CamSam. México. 2009. Y ¿Qué nombre le pondremos? Matarile-rile-rón. Estación del Metro Polanco. Ciudad de México. 2000. Miriam Libhaber. Galería Casa de la Cultura de Ramos Mejía., provincia de Buenos Aires, Argentina. 1999. Valorando cada momento. Universidad del Claustro de Sor Juana, Galería Gozos que son del alma. Ciudad de México. 1999. Expresiones de vida. ICAI, Instituto Cultural Argentino Israelí. Buenos Aires, Argentina. 1999. Imágenes del alma. Casa de Cultura Jesús Reyes Heroles. Ciudad de México. 1998. Expresiones de vida. Centro Cultural Recoleta, Ciuad de Buenos Aires, Argentina. 1996. Miriam Libhaber. Galpào das Artes. San Pablo, Brasil. 1991. Miriam Libhaber. Instituto Cultural Domecq, A.C. Ciudad de México. 1989. Pintura y gráfica de Miriam Libhaber. Galería Hidalgo. Ciudad de México.

Reconocimientos y premios: 2015. Obra seleccionada para exposición. 7ª Bienal de Cerámica Utilitaria. Museo Franz Mayer. México. 2013. Dos obras seleccionadas para exposición. 6ª Bienal de Cerámica Utilitaria. Museo Franz Mayer. México. 2013. Mención honorífica en la 1ª Bienal de Pintura de Caracas, Venezuela. 2013. Pieza del mes de septiembre “El Ángel”. Museo Torres del Bicentenario. Toluca, Edo. de México.

Grabado en metal a color. Roll-up: 2001. Segundo premio en grabado. Salón IV aniversario. Ciudad de Buenos Aires, Argentina. 2000. Mención en grabado. Tercer salón pequeño formato. Centro Cultural Yukio Mishima. Buenos Aires, Argentina. 2000. Mención en grabado. Primer salón de fin de año; La Carbonería de

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Pintura y Grabado Pequeño Formato. Buenos Aires, Argentina. 1999. Tercer premio en grabado. III salón fin del ’99 – Fin del milenio arte al tercer milenium. Buenos Aires, Argentina. 1999. Tercer premio en grabado. Salón de otoño 1999. Concurso de Pintura, Escultura, Grabado y Dibujo. Sociedad argentina de artistas plásticos. Buenos Aires, Argentina. 1998. Primer premio, Medalla de Oro. Salón fin del ‘98. Concurso de grabado. Loft Espacio Alfa—Arte y Metafísica. FOPAZ. Foro permanente para la educación, la ciencia y la cultura por la paz. Buenos Aires, Argentina.

Exposiciones colectivas: 2017 • XIV Art Al Vent. Gata de Gorgos. España • Pretextos y miradas. Artistas iberoamericanas. Museo-Galería Kroma. San José, Costa Rica

2016 • No Name Mexico City. Museo Rufino Tamayo. CDMX • 7th Lessedra International Painting & Mixed Media Competition. Galería Lessedra, Sofia, Bulgaria • 15th Lessedra World Art Print Annual — Mini Print 2015. Sofía, Bulgaria • México y los hijos del sol. País Vasco. España • Artistas Latinoamericanas en la Galería Gloria Delson de Arte Contemporáneo. Los Ángeles, California • 36° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España • THE ART OF CONFLICT EXHIBITION. Gnome House and Inky Cuttlefish Studios. UK

2015 • 6th Lessedra International Painting & Mixed Media Competition. Galería Lessedra, Sofia, Bulgari. • 7ª Bienal de Cerámica Utilitaria. Museo Franz Mayer. Ciudad de México. • Día de los Muertos. Archivo Gráfico en la Galería Lessedra. Sofia, Bulgari. • Arte a Cielo Abierto. Metepec, Edo. de México. • 14th Lessedra World Art Print Annual — Mini Print 2015 Galería

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Lessedra. Sofía, Bulgaria. • Salon 2015 Juried Show. Curator’s Voice Art Projects gallery. Wynwood Art District. Miami, Florida. • 35° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España.

2014 • 6ª Bienal de Cerámica Utilitaria. Galería de Arte Contemporáneo,Veracruz. • Arte a Cielo Abierto. Metepec, Edo. de México. • 18º Anuario Latinoamericano de las Artes Plásticas, Facultad de Derecho, BsAs, Argentina. • Featured artists on the 13th Lessedra World Art Print Annual — Mini Print 2014. Sofía, Bulgaria. • Art Al Vent. Gata de Gorgos. España. • 34° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • Bet El en el Arte. Mezzanine del Templo Bet El. Ciudad de México. • Día Mundial del Arte. Conferencia internacional por Skype, desde Brittany, Francia. • Maíz, alimento de Dioses. Claustro de Sor Juana. Ciudad de México. • Muros de Esperanza. Exposición y venta. Museo Casa del Risco. Ciudad de México. • ExplorARTE. Museo del Barro. Metepec, Edo. de México. • Jerusalén de Oro. Centro Cultural México Israel. Ciudad de México. • Centro Maguén David. Ciudad de México. • Centro Cultural del México Contemporáneo. Ciudad de México.

2013 • Tú, Café... Exposición Pictórica Colectiva. Centro Cultural Juan Rulfo. Ciudad de México. • Centro Cultural La Pitahaya. Cancún, Quintana Roo. México. • Quimera Metepec 2013. Colectivo Arte a Cielo Abierto. Centro de Metepec, Edo. de México. • Colectivo Teterías: Cuída-te, Tóca-te, Explóra-te. Lobby del auditorio Jesús Reyes Heroles. Secretaría de Gobernación. Ciudad de México. • 6ª Bienal de Cerámica Utilitaria. Museo Franz Mayer. Ciudad de México. • X Aniversario Taller Archivo Gráfico. Centro Cultural México Israel. Ciudad de México. • Vida Cotidiana en el Centro Histórico. Espacio Cultural Donceles 66.

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Ciudad de México. • Art Al Vent. Exposició Internacional d’Art Tèxtil. Gata de Gorgos, España. • México ayer y hoy. Sin libertad no hay obra de arte. Centro Cultural del México Contemporáneo. Ciudad de México. • Cien Pintor’es Mexicanos. Club de Periodistas. Ciudad de México. • Ríos. Galería de Radio Educación, Ciudad de México. • Muestra de Pintura. 40 Pintoras Mexicanas. ‘Arteo en San Teodoro, Italia. • Elementos. Centro Cultural El Refugio, San Pedro Tlaquepaque, México. • X Aniversario Taller Archivo Gráfico. Museo de la Estampa del Instituto Mexiquense de Cultura. Toluca, Edo. de México. • Primera Bienal, Homenaje al maestro Pedro León Castro. Espacios Culturales de la Galería del teatro Santa Fé, Torre del Colegio Médico Metropolitano. Caracas, Venezuela. • Arte a Cielo Abierto. Museo Torres del Bicentenario, Edo. de México. • Mayo de Mujeres. Casa de Cultura Matilde Zúñiga, Zinacantepec, Estado de México. • 12th Lessedra World Art Print Annual. Contemporary Bulgarian and International Art. Lessedra, Bulgary. • Mariposas Monarcas. Instituto de México. San Antonio, Texas, EUA. • En el marco del Día Mundial del Arte: Presentación del libro: Puntos de Referencia. Museo Casa de Carranza; y en Exit la Librería; Degustación de Monotipia a la Carta: Margarita Chacón y Miriam Libhaber. Asado del Valle, Parrilla Uruguaya, Col. Cuauhtémoc, Ciudad de México. • Día Mundial del Arte en la Universidad de Aguascalientes. Ags. México. • Día Mundial del Arte en el Centro Libanés. Ciudad de México. • La mística de la diversidad. Casa de la Cultura de Celaya. Celaya, Guanajuto. México. • La UVM festeja el Día Mundial del Arte. Universidad del Valle de México, Campus Tlalpan. Ciudad de México. • 33° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • Global Rivers Exchange. Estación del Metro Jamaica. Ciudad de México. • Arte a Cielo Abierto. Fachada de La Biblioteca Pública Centenario de la Revolución. Metepec, Edo. de México. • Metro con m de Mujer. Estación del metro Pino Suárez. Ciudad de México. • Máscaras de Purim. Centro Deportivo Israelita, A.C. Galería Pedro Gerson. Ciudad de México.

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2012 • 3rd Lessedra International Painting & Mixed Media Competition. Lessedra, Bulgary. • 7th International Triennial of Graphic Art Bitola. Macedonia. • 32° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • Melodías Visuales. Atelier et Galérie d’Audiffred. Oaxaca, Oax. México. • De la mano por los Derechos Humanos. Centro de la Juventud Arte y Cultura Futurama. Ciudad de México. • Recreaciones. Senado de la República. Ciudad de México. • 11th Lessedra World Art Print Annual. Contemporary Bulgarian and International Art. Lessedra, Bulgary. • Huella en el tiempo. Edificio de la lotería Nacional. Ciudad de México • World Art Day, April 15th. ARTAC en diferentes estaciones del Metro. Ciudad de México. • Paisajes Urbanos del DF II. Aguafuerte Galería. Ciudad de México. • Mujer, voz y movimiento. Secretaría de Comunicaciones y Transportes. Ciudad de México. • My place, your place. Tecnológico de Monterrey. México. • International Contemporary Masters 2012. Southern Nevada Museum of Fine Arts. Las Vegas, NV. EUA. • Mujeres Creadoras. Galería INDAUTOR SEP. Ciudad de México. • Metro con M de Mujer. Estación del Metro Polanco. Ciudad de México. • Primer Encuentro Internacional ACAV FIA. San José 2012. Dentro del XIII Festival Internacional de las Artes. Asociación Costarricense de Artistas Visuales. San José, Costa Rica.

2011 • Eco-Living International Art Exhibition. ACA/AAC – Action for Artistic Creativity. IBL ART GALLERY, Port-Louis, Isla Mauricio. • Exposición de Pintura Revolución. Casa de la Cultura “Jesús Romero Flores”. Ciudad de México. • Painting & Mixed Media Competition 2011. Lessedra Art Gallery. Lessedra, Sofía, Bulgaria. • Rescate a la Tradición II, Mezuzot. Neve Eshkol, Israel. • 31° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • De la Mano por los Derechos Humanos. Comisión de Derechos Humanos del Edo. de México, itinera todo el año por ISSSTE CULTURA en diferentes estados de la República. México.

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• Subasta de Artistas pro Haiti. La Maison des Artistes. París, Francia. • El Arte de México. La Casa de América Latina. ARTAC-AIAP/UNESCO México. Mónaco. • Diversidad Creativa. Centro de Arte Moderno Guadalajara, Jal., México • International Contemporary Masters 2011. Southern Nevada Museum of Fine Arts. Las Vegas, NV. EUA. • Mujer con M de Metro. Estación del metro División del Norte. Ciudad de México. • Mi lugar, tu lugar. Centro Deportivo Israelita, Centro Maguen David, Instituto de Cultura México-Israel. Ciudad de México. • Museo San Pedro de Puebla. México. • Universidad del Valle de México, plantel Tlalpan, Ciudad de México.

2010 • International Painting & Mixed Media. Competencia 2010. Lessedra Art Gallery. Sofia, Bulgaria. • Archivo Gráfico. Colectiva Monotipo. Primer Piso Galería de Arte. Ciudad de México. • Mi lugar, tu lugar. Galería en Ashkelon, Israel. • México, Ayer y Hoy Celebrando el Bicentenario. Centro Libanés, México. • II Salón de Arte Visual Contemporáneo 2010. Jardín Borda, Cuernavaca, Morelos, México. • Mezuzot. Galería Pedro Gerson. Centro Deportivo Israelita. México. • SOMAAP Conmemora: El Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución Mexicana. • Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas, S.G.C. de I.P. Plaza Juárez. Ciudad de México. • Penang International Print Exhibition. Penang State Museum & Art Gallery. Malasya. • Ruta 2010. Bicentenario Independencia, Centenario de la Revolución. Exhibición Internacional curada por Nina Torres. Bakehouse Art Complex. Wynwoodm, Miami, Florida, USA. • De la Mano por los Derechos Humanos. Comisión de Derechos Humanos del Edo. de México. • CODHEM, Av. Dr. Nicolás San Juan 113, Col. Ex Rancho Cuauhtémoc, Toluca, Edo. de México. • México, Ayer y Hoy -Celebrando el Bicentenario. Museo Arcadio Pagaza, Valle de Bravo, Edo. de México.

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• Mi lugar, tu lugar. Galería del Kibutz Beeri. Israel. • Color Latino. Bet Gabriel. Israel. • 9th World Art Print Annual – Mini Print 2009. Contemporary Bulgarian and International Art. Lessedra, Bulgaria. • 30° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • Una Mirada a Israel. Mabat al Israel. Galería Pedro Gerson, Centro Deportivo Israelita. En el Centro Maguen David. Ciudad de México. Universidad del Valle de México. Tlalpan, México. • Instituto de Cultura México-Israel México-Israel. Ciudad de México. • México, ayer y hoy. Celebrando el Bicentenario. Centro de la Juventud, arte y cultura. Ciudad de México. • Una huella en el tiempo. Estación del Metro Polanco. Ciudad de México. • International Contemporary Masters 2010. Southern Nevada Museum of Fine Arts. Las Vegas, NV. EUA.

2009 • Color Latino. Casa de Cultura de Rishon Le Tzion. Israel. • México Mágico. H. Cámara de Diputados, Ciudad de México. • Archivo Gráfico. Mini print. Galería Border. Ciudad de México. • Mabat al Israel. Embajada de México en Tel-Aviv, Israel. • Salón SOMAAP 2009. Sala de Exposiciones Siglo XXI del Centro Médico Nacional Siglo XXI. Ciudad de México. • 29° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • Visiones Actuales – a un siglo de la realidad histórica. Museo de Arte Moderno de Toluca. • SOMAAP -Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas. México. • La Nocturnidad. Museo de Azcapotzalco. Ciudad de México. • Global River art exchange project. Río-estandarte. Museo de Arte en Córdoba, Alaska. • Mabat al Israel. Galería Beth México, Kibutz Gvulot. Israel. • VI Exposición Euro americana de Artes Visuales/Campeche-México 2009. México. • Exposición Internacional “Grabados por la Paz 08”, Instituto Mexicano Norteamericano de Relaciones Culturales. Monterrey, NL, México. • 70 años con Maguen David. Centro Maguen David. Ciudad de México. • 2009 Guanlan International Print Biennial. China. • 8th World Art Print Annual – Mini Print 2009. Contemporary Bulgarian and International Art. Lessedra. Sofía, Bulgaria.

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• Orígenes y el Círculo. Galería Pedro Gerson, Centro Deportivo Israelita y Centro Maguen David. Ciudad de México. • Allegro Visual Radio Educación. ARTAC-AIAP/UNESCO. México. • 27 metros de mujeres. Estación del Metro Polanco. México, DF. • Bienal de La Habana, Cuba.

2008 • México - Eshkol, celebrando los 60 años de Israel Galería Beth Elim. Ashkelon. Israel; Galería Habait Halavan. Jevel Eshkol. Israel. • Mi maíz. La Curtiduría. Oaxaca, México. • Bolsa del Mercado. Grupo MAMAZ. Casa Lamm, Ciudad de México; La Curtiduría. Oaxaca, México. • 28° Mini Print Internacional Cadaqués, Barcelona, España. • El Ritmo de Polanco Arte en la Delegación Miguel Hidalgo. México. • México - Eshkol, celebrando los 60 años de Israel Galería Pedro Gerson. Centro Deportivo Israelita. Galería de arte. Ciudad de México. • Abud y Mery Attie. Centro Maguen David. Ciudad de México. • Mujeres en el Arte. Estación Pino Suárez Línea 2, en el marco del programa El Metro, un Espacio para la Cultura. Ciudad de México. • Copas Le Jaim Galería. Galería Pedro Gerson, Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • El Amor en un Hilo. FI DIVERSIDAD ARTÍSTICA. Ciudad de México. • Día de la mujer. Exposición en el Metro Pino Suárez. Ciudad de México. 2007 • De a cachitos. FI DIVERSIDAD ARTÍSTICA. Ciudad de México. • Feria de Arte EMARTEA IX. Museo de San Ignacio de Loyola. Colegio de las Vizcaínas. Ciudad de México. • Mujer, esencia y presencia Vestíbulo Principal del Palacio Legislativo en San Lázaro. Ciudad de México. • El mundo de Chagall. Galería Pedro Gerson Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México.

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2006 • El diván de Freud. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Yom Yerushalaim Or, reflejos del alma. Galería de arte Abud y Mery Attie Centro Maguen David. Ciudad de México.

2005 •Cada judío un lugar. Instituto Cultural México Israelí. Ciudad de México. • Rashut Hadoar Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Yom Yerushalaim Centro Social Maguen David. Ciudad de México. • Yom Haatzmaut Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México.

2004 • Yom Yerushalaim Centro Social Magen David. Ciudad de México. • XXIII Festival de las Artes Monte Sinaí. Ciudad de México. • Éxodo. Instituto Cultural México Israel A.C. Ciudad de México.

2003 • Éxodo. Metro Bellas Artes. Ciudad de México; Secretaría de Comunicaciones y Transportes. Ciudad de México. • Centro Deportivo Israelita, Galería Pedro Gerson y Foro Artístico. Ciudad de México.

2002 • Exposición Artística Pro Macabiada. X Juegos Macabeos Panamericanos. Caracas 2003. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Salón IV Aniversario. Palacio de las Artes. Buenos Aires, Argentina.

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2001 •Primer Salón Buenos Aires Estampa 2001, a Nivel Nacional. Grabado Hoy en el arte, Teresa Nachman. Espacio Giesso- Reich. Buenos Aires, Argentina.

2000 •Figuras en movimiento. Galería Pedro Gerson. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. •El Jubileo del Centro Deportivo Israelita. Galería Pedro Gerson. Ciudad de México.. • 6º Festival de las Artes Gráficas, ENEP, Acatlán, UNAM. México. • Sobre Papel, un mensaje por la paz / Su carta, un messagio per la pace. Proyecto itinerante por dos años en diferentes países del mundo. Galería S. Menache. Ciudad de México. • Tradición y Creatividad. Centro Sefaradí. Buenos Aires, Argentina.

1999 • Copas de Kidush. Instituto Cultural México-Israel A.C. México. • 3rd Egyptian International Print Triennale 1999. Giza, Egipto. • Arte al Tercer Milenium. Buenos Aires, Argentina. • Fiestas Judaicas. Galería Pedro Gerson. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Arte en el fin del Milenio, Muestra de Arte latinoamericano Contemporáneo Castello Ducale di Fiano Romano, Italia. • Formas y Colores en el fin del Milenio. Muestra de Arte Latinoamericano Contemporáneo Galleria Comunale de Morlupo, Italia. • De mujer a mujer. Casa de la Cultura Jesús Reyes Heroles. México.

1998 • Arte en la costa. Villa Gesell, Argentina. • 19º Mini Print Internacional de Cadaqués, Barcelona, España. • Exposición Gráfica Colectiva: Perversiones de muertos. Galería de la Biblioteca Mtro. Enrique Rivero Borrell anexo de la Facultad de Ingeniería. UNAM. México D.F.

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• Exposición del Concurso: Ex-Libris: 50º aniversario de Israel. Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina. • Proyecciones Femeninas. SECOFI. Ciudad de México. • Luces de Jerusalem, Kehilá Ashkenazi de Ciudad de México. • Mujeres pintoras del siglo XX. Museo de la Ciudad de Ciudad de México.

1997 • Hatikva – 50 años de una presencia. Casa Turquesa, El Hotel de las Celebridades, Cancún, Quintana Roo, México. • V Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada. Aguascalientes, México. • Perversiones sobre metal, Academia de San Carlos, ENAP/UNAM. D.F • 17º Mini Print Internacional de Cadaqués, Barcelona, España. • Final de siglo, final de Milenio. ENAP/UNAM. XIII Festival del Centro Histórico. Ciudad de México. • Arte Mulher. Espaço Cultural Reciclar. Sao Pablo, Brasil.

1996 • Likrat Rosh Hashaná, Galería de la Comunidad Ashkenazi de Ciudad de México. • 16º Mini Print Internacional de Cadaqués, Barcelona, España. • Tradición y modernidad, XII Festival del Centro Histórico. Ciudad de México. ENAP/UNAM.

1995 • El Árbol de la vida. ARTE FAX III, Museo Tamayo, Ciudad de México. • Exposición Banco Probursa. Ciudad de México. • Exposición subasta del Proyecto Hambre. Ciudad de México. • Arte y costura, Galería Mexicanos. Ciudad de México. • 15º Mini Print Internacional de Cadaqués, Barcelona, España. • Las múltiples máscaras del Romanticismo ENAP/UNAM. XI Festival Centro Histórico. Ciudad de México.

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1994 • Gráfica, Galería Metro Contemporánea. Ciudad de México. • Colectiva de grabado, Club Suizo de la Ciudad de México. • Grabado a color, La Casa del Poeta. Ciudad de México. • III Concurso Internacional de minigrabado. Ciudad de Ourense, España. • Un lustro de color y libertad expresiva. Taller de Ma. E. Quintanilla. ENAP / UNAM. Ciudad de México. • Mini Print Internacional 14 Cadaqués, Barcelona, España. • El sol y la luna, X Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México.

1993 • Pasado y presente: un encuentro con el futuro. Pintura y grabado. Guerrero, México. • Arte-Expo ‘93. Ciudad de México.

1992 • Valores Judeo-Mexicanos. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México.

1991 • Valores Judeo-Mexicanos. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Exposición Artística-Femenina para beneficio de la niñez. Centro Cultural de la Asociación Dental del Distrito Federal. Ciudad de México. • La mujer Judeo-Mexicana en el Arte, Salón Mural de la Kehilá Ashkenazi de la Ciudad de México. • Second International Jewish Art Exhibition, Jewish Community Center of Metropolitan. Detroit, Michigan, EUA.

1990 • Día cultural del Nuevo Colegio Bilbao. Ciudad de México. • Polyforum, arte en México Polyforum Cultural Siqueiros. México. • Valores del Arte Judeo - Mexicano. Centro Deportivo Israelita. México.

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• Exposición y entrega del directorio de arte 1990. Galería del Unicornio Blanco. Ciudad de México.

1989 • Día Cultural del Nuevo Colegio Bilbao, Ciudad de México. • Sinfonía Plástica. Galería Pedro Gerson. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Concurso: 2º Salón Anual de Mini-Estampa. Museo Nacional de la Estampa. INBA. Ciudad de México. • Valores del Arte Judeo-Mexicano. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Aura. Polyforum Cultural Siqueiros. Ciudad de México • Conversando con imágenes y formas. La Casa Universitaria del Libro. Ciudad de México. • La mujer en la Plástica Mexicana. Centro Cultural de Congresos, Centro Médico. Ciudad de México.

1988 • Art-Expo NY ‘89. Nueva York, Estados Unidos de América. 1986 • Valores Judeo-Mexicanos. Galería Pedro Gerson. Centro Deportivo Israelita. Ciudad de México. • Kibutz Matzuva, Israel.

1981 • Los arquitectos en el arte. Esc. Nacional de Arquitectura. UNAM. Ciudad de México.

Obra pictórica

Sinfonía Acuática. Óleo + collage. 60cm x 80cm.

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Murales en cerรกmica de alta temperatura

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Bibliografía Acha, J. (1979). Arte y sociedad, Latinoamérica: sistema de producción. México: Fondo de Cultura Económica. Adorno, T. W. (1992). Teoría estética. España: Taurus. Ashton, D. (1970). Moden American Painting. A Mentor-UNESCO Art Book. New York: The New American Library. Ashton, D. (1988). La Escuela de Nueva York. Madrid: Cátedra. Barthes, R. (1966). Crítica y verdad. Buenos Aires: Siglo XXI editores. Bastide, R. (1997). Art et siciété. Preface de Jean Duvingnaud. París: Éditions L’Harmattan. Bayer, R. (1993). Historia de la estética. España: Fondo de Cultura Económica. Bayón, D. (1980). América Latina en sus artes. México: Siglo XXI editores. Berger, J. (2000). Modos de ver. Barcelona: Gustavo Gili. Black Mountain College. Museum + Arts Center. (11 de noviembre de 2015). Obtenido de http://www.blackmountaincollege.org/ category/conference/ Bourdieu, P. (2003). Un arte medio: ensayo sobre los usos sociales de la fotografía. Barcelona: Gustavo Gili. Bourdieu, P., & Darbel, A. (2004). El amor al arte. Barcelona: Ediciones Paidos Ibérica. Calvo Ivanovic, I. (11 de noviembre de 2012). Semiótica del color. Obtenido de Proyectacolor: http://www.proyectacolor.cl/ significados-del-color/semiotica-del-color/ Canclini, N. G. (1979). La producción simbólica; teoría y métodos en sociología del arte. México: Siglo XXI editores.

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Este número se terminó de imprimir en Talleres Gráficos de la Universidad Autónoma de Querétaro, con domicilio en Prol. Pino Suárez #467 Col. Ejido Modelo C.P. 76177, Querétaro-México en el mes de Julio de 2017 con un tiraje de 300 ejemplares.

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