BOARD DRIPPER, QUERÉTARO
+ RETROSPECTIVA
DE 10 AÑOS O MÁS REVISTA DE GRAFITI Y ARTE URBANO BENUZ | KAPTA | AUGUSTINE KOFIE | POSKE
| Núm. 77
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Raúl Zito.
S
ólo una cosa es clara en México: la crisis. Sin embargo, nos entusiasma pensar cómo resistiremos los meses que siguen. Iniciamos este número con la segunda parte de nuestra retrospectiva de lo mejor del arte urbano en, aproximadamente, diez años. Además incluimos entrevistas al fotógrafo Kapta y a los artistas Benuz y Agustine Kofie, que recientemente estuvo en
nuestro país. Para rematar contamos con un reportaje del festival Board Dripper, que se realizó en la segunda mitad del año pasado en Querétaro, México. Ya con esto, que venga el 2014. El equipo de Illegal Squad.
Portada: Kapta (detalle). ILEGAL SQUAD MAGAZINE Director general Arq. Juan Pablo Castillo pablo.castillo@ilegalsquadmexico.com
Editor Antonio Luna antonio@ilegalsquadmexico.com
Coordinador de marca Alfonso Enríquez alfonso@ilegalsquadmexico.com
Diseñador Ruels ruels@ilegalsquadmexico.com
Esta obra ha sido registrada bajo la Creative Commons Attribution-NonCommercial 3.0 Unported License, lo que significa que, citando la fuente, puedes reproducirla libremente sin fines de lucro. Para leer la licencia completa visita: http://creativecommons.org/licenses/by-nc/3.0/ Illegal Squad Magazine México. Diciembre, 2013.
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Traducciones Antonio Luna Pamela Scheinman
Contribuciones fotos@ilegalsquadmexico.com Envía tus fotografías a una resolución mayor a dos megapixeles incluyendo los datos: tag, crew y ciudad.
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Art in the Streets. Foto / Photo: Roger Gastman.
ÍNDICE
CONTENT
BOARD DRIPPER, QUERÉTARO p. 10
BOARD DRIPPER, QUERÉTARO p. 18
RETROSPECTIVA
RETROSPECTIVE
ENTREVISTAS
INTERVIEW
PREGUNTAS Y REPUESTAS
CALL AND RESPONSE
POSKE
POSKE
DIEZ AÑOS, O MÁS, DE GRAFITI Y ARTE URBANO (PARTE 2) p. 32 KAPTA p. 62 BENUZ p. 76
AGUSTINE KOFIE p. 88
UNA DICTOMÍA ENTRE UN INICIO Y UN FIN p. 102
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TEN YEARS, OR MORE, OF GRAFFITI AND URBAN ART (PART 2) p. 44 KAPTA p. 68 BENUZ p. 82 AGUSTINE KOFIE p. 94 A DICHOTOMY BETWEEN A BEGINNING AND END p. 102
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REPORTAJE
Septiembre en Querétaro Escapé de la ciudad de México para venir al festival Board Dripper. No paraba de llover en, prácticamente, el país entero. Por otro lado, eran los días álgidos de las manifestaciones magisteriales: el DF estaba inundado y paralizado. Tan pronto como arribé a la terminal de autobuses de Querétaro, llamé a Isauro. Me dio la dirección de un hotel en el centro en donde se hospedaba un grupo de artistas que, a esas fechas, ya llevaba casi una semana pintanILEGAL SQUAD MAGAZINE 10
los locales comerciales del Mercado de la Cruz. Asimismo, en el 2014, las obras de la incipiente colección Board Dripper viajarán para exponerse en recintos de Canadá y Suecia. Desde hoy el equipo del festival planea aumentar su radar de investigación sobre el arte urbano como parte de una vinculación con los queretanos. A cinco años de haberse fundado el Board Dripper, platico con Ezequiel Frías, mejor conocido como “Cheke”, sobre la historia del festival, lo que ha dejado y lo que está por venir. —Antonio Luna / @antonio_luna27
do las calles de distintas colonias de la ciudad. Abordé un taxi para ir a encontrarlos e integrarme a los últimos días del festival. A partir de mis preguntas, el chofer me recomendó lugares para visitar y platillos que debía comer antes de que partiera. “Tienes que ir al Cerro de las Campanas, a la Rotonda de los Hombres Ilustres, a Peña de Bernal”, dijo mientras nos incorporamos a una avenida principal en la que aparecieron grandes hoteles, seguramente escenario de incontables convenciones
de negocios. A lo lejos también aparecieron, uno tras otro, conjuntos habitacionales que denotaban una ciudad que ha crecido significativamente en los últimos años. Me pregunté desde cuándo Querétaro había recibido a nuevos residentes, quizá, en su mayoría, de la sobrepoblada ciudad de México. De pronto, a la izquierda del camino, se dejó ver el estadio Corregidora, casa de los Gallos Blancos, equipo de fútbol del estado. El taxista hizo cara como de acordarse de algo. Luego, añadió
Alexis Díaz (detalle).
El festival Board Dripper se realiza anualmente en Querétaro. En la edición del 2013 participaron artistas nacionales como Tania Quezada, Fres, Blue, e internacionales: Alexis Díaz, Jaz (Franco Fasoli), Dano, entre otros. El equipo que conforma la parte central incluye a Irene Gutiérrez; Isauro, José Manuel y Marcela Hernández; y Cyrielle Tremblay. Además de fotógrafos y voluntarios. El festival es sólo una parte, quizá la más grande, de un conjunto de actividades que llevan a cabo en esta ciudad. Dentro de ellas se encuentra el proyecto MC13, una serie de intervenciones en las cortinas de
Sego.
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Jade.
sonriendo y viéndome por el retrovisor: “ve a las aguas termales de Tequisquiapan”. Le pregunté de nuevo por la comida y divagó sobre la cocina regional, no se decidía a recomendar algo. En cinco minutos estaba en el centro de la ciudad. Antes de bajar del coche me dijo que no me fuera sin haber comido gorditas de migaja. “¿Qué es migaja?”, inquirí. Condescendientemente, alcancé a escuchar que respondió “carne”, mientras yo cerraba la puerta del taxi. Orígenes del Board Dripper Estoy en Querétaro, dos meses después, en noviembre, para hacer entrevistas y ver detenidamente, y sin lluvia, los murales. Uno de los puntos de reunión de los miembros del festival se ILEGAL SQUAD MAGAZINE 12
ubica dentro de un restaurante en el centro queretano. En esta habitación hay cubetas de pintura muy bien apiladas una sobre otra, algunas fotografías pegadas sobre la pared y una tabla de surf vistosamente pintada y dispuesta arriba del escritorio donde está sentado Cheke. En un anaquel del fondo se encuentran varias patinetas —envueltas en papel burbuja y listas para viajar— intervenidas por distintos artistas. Todo está en orden, casi como en una oficina. Frente a mí se encuentra Ezequiel abriendo una bolsa de papas a la francesa. Del restaurante me traen un bagel que ordené previamente y empezamos a comer y charlar: “Llevamos cinco años con el festival. Todo empezó cuando patinábamos y
pintábamos (lo cual hice desde la secundaria hasta la universidad). Entonces, tenía mis viejas tablas, pedazos de ellas, guardadas. En la Universidad Autónoma de Querétaro conocí a Irene y desde entonces hicimos un buen equipo. De las pláticas que teníamos surgió la idea de dar nuestras patinetas a varios artistas para que las pintaran con el objetivo de exponerlas en el museo de la ciudad. Lo hicimos. La expo fue en el 2009, se llamó Board Dripper. Fue un éxito, vino mucha gente. El título viene de board, que significa “tabla” y dripper; nos basamos en cómo se le decía comúnmente a Jackson Pollock cuando estudiábamos arte en la universidad: “Jack the Dripper”. [Drip, literalmente significa “goteo”, lo que concuerda con la técnica de
Pollock. El nombre remite a “Jack the Ripper”, el sobrenombre de un asesino en serie de la ciudad de Londres de finales del siglo XIX]. A partir de entonces la gente nos fue diciendo si íbamos a armar otra exhibición. Pronto nos dimos cuenta de que estaba bien montar una expo; sin embargo, quisimos enfocarnos en ofrecerle algo más a la gente. Tiempo después conocimos a los de Buque, de Mazatlán. Los invitamos a que dieran una conferencia y un taller de creación de personajes. La diferencia fue que en ese año se pintaron tablas de surf. Nos metimos en una serie de problemas para obtenerlas. A diferencia de una patineta, una tabla de surf todavía sirve después de que se ha roto. Nadie nos quería ceder sus tablas. Con-
seguimos unas quince que tuvimos que enviar por paquetería de Mazatlán hasta Querétaro. Todo un lío. En esta ocasión participaron nuevas personas, hicimos videos, pintamos un muro más grande: formalizamos mejor el proyecto. Otras personas comenzaron a apoyarnos. En 2012 invitamos a gente de otros países, buscamos apoyos. Trajimos a Honesto, de Brasil; a Kofie, de Estados Unidos; y a otros pintores de Quebec. Igual, dieron conferencias. De México vino Dhear, Smith y Tiza. Lo que nos interesaba era que la gente de aquí no sólo viera obras en revistas, sino que supiera qué tenían que decir los artistas o que observaran cómo pintaban. Al acabar la edición de ese año decidimos enfocarnos tam-
bién en la investigación. Esto salió a partir de que ahora, en todos lados, ya todo mundo organiza festivales de arte urbano, pero quisimos enfocarnos en los contenidos para hacer del festival algo que sirviera a la gente. Cada festival ha tenido un tema. En este 2013 elegimos la idea del ‘barrio’ para crear identidad en los diferentes lugares donde se pintó, pero lo más importante fue unir a quienes hacían crónicas de esos barrios con los murales que estaban por realizarse. Invitamos a cronistas locales para que hicieran textos. Luego, los subimos a nuestra página de internet y se los dimos a los artistas para que los leyeran”. Querétaro y el mercado Llegué al hotel, dejé mis cosas y ILEGAL SQUAD MAGAZINE 13
Jufe.
Kenta Torii.
salí a ver murales; los que pude, ya que no dejó de llover. En la noche fui a la inauguración de la muestra de la colección de patinetas intervenidas del 2013 en la Galería Libertad, cerca de donde me encontraba. En a noche, iban y venían de un lado para otro Buytre, Celso, Dhear, Eyel, Jade, Jufe, Kenta Torii, Osley, Sego, Spaik, entre muchos otros. El día siguiente amaneció nublado pero sin lluvia, generalmente el aguacero era por la tarde. Fui al Mercado de la Cruz a comer gorditas de migaja. Caminé por las calles del centro. Todo —heladerías, retablos, tapetes— tenía un motivo que evocaba a la corregidora ILEGAL SQUAD MAGAZINE 14
Josefa Ortiz de Domínguez. Rápidamente, recordé que hace casi cien años atrás, en 1810, esta ciudad era el principal centro de conspiración política de México. Disfrazadas como reuniones literarias, la corregidora azuzaba la insurgencia en compañía Juan Aldama, Ignacio Allende, Miguel Hidalgo y otros próceres que ilustran los libros de primaria en el tema “La Independencia de México”. Vaya destino el de la corregidora, cien años atrás las autoridades de Querétaro la encarcelaron y ahora titulan un estadio con su nombre. La primera vez que vine a Querétaro le pregunté a Cheke
cuándo había comenzado la migración de pobladores del DF hacia acá. Otro de los colaboradores del festival se unió a nuestra conversación y las fechas que me comentaron rondaban los años noventa. La causa fue la creciente nueva industria de aquel entonces: Bombardier, Kellogg’s, Femsa (Coca Cola). Si bien hace un siglo Querétaro mantenía su prosperidad a partir de elaboración de tabacos, o a la fabricación de paños, ahora destacaba por la aeronáutica, los cereales y los refrescos. “Todo aumentó con el Parque Industrial Querétaro. Ahí trabaja mucha gente de los alrededores”, concluyó Cheke. En otra ocasión hice la misma
pregunta a un oriundo de Querétaro y me dijo con seguridad que desde 1986. Me quedé pensando si el temblor de 1985, que sacudió a la ciudad de México, fue el factor detonante para esa oleada de nuevos habitantes. En esta, la segunda vez que estoy en Querétaro, mi conversación con Cheke continúa: “Quince días antes del Board Dripper hicimos un evento en el mercado. Éste, en la noche, por su construcción, es una especie de cuadro que tiene un corredor con luces en la parte de arriba en donde están las cortinas de los locales. Nosotros hicimos una propuesta a los locatarios y repre-
sentantes del mercado que se llama Galería Nocturna o MC13. Pintamos ocho cortinas y la idea es que tu vayas de noche, te la pases bien y puedas ver las piezas. Para esto vino a pintar Satterugly, Sketch, Bacse y gente de aquí. Todo quedó muy bien, pero en un determinado momento alguien fue a echarles pintura a esas cortinas. Los del mercado dijeron: ‘Ya vinieron a echarle pintura a nuestros murales’. En muy poco tiempo la gente ya se había apropiado de esas pintas, lo cual está bien porque desde el principio fueron parte de ellos”. Organizar festivales de arte urbano está de moda
Seguimos en su oficina. Acabamos de comer y de repente le pregunto: ¿crees que hay algún riesgo de que los festivales conviertan al arte urbano en un mero espectáculo? “Sí. Totalmente. Lo que hace la diferencia es la investigación. Como es algo que está de moda, los medios de comunicación hacen un espectáculo de todo. Algunas veces, los políticos u otras personas con oportunidades económicas se dan cuenta de que el street art está en boga y quieren hacer lo mismo. Nosotros nos dimos cuenta que se puede hacer un estudio histórico y antropológico de esto, que quizá después acabe en un libro, una revista o un ensayo”. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 15
Ever (en el marco del evento organizado por Mammut Creatividad, Balneario Productions y Board Dripper).
Luego, trato de investigar cómo es que el festival Board Dripper se inserta dentro de la historia del grafiti, o del arte urbano, de Querétaro. Cheke piensa y continua: “Como el DF siempre ha estado al lado, apaga todo lo que pasa a sus alrededores, digamos. Los medios han globalizado todo, también. Personalmente, recuerdo a Benuz, a Equis y a los KW7, ellos fueron piezas clave. Toda la evolución del arte ILEGAL SQUAD MAGAZINE 16
urbano de aquí ha sido, en parte, gracias a gente que viaja. Por ejemplo, Aser 7, junto con otras leyendas del grafiti, vino mucho a Querétaro cuando yo estaba en la secundaria o en la prepa. No sé quién lo trajo. Por otro lado, siempre ha habido grafiti aquí pero como debajo del agua. Ahora, en cambio, lo que pasa es que ya hay muchos. En ese entonces muchos venían de Guadalajara, de la ciu-
dad de México, y los que te dije anteriormente eran los que se salían a conectar gente a otros lados. Así se empezaron a ver cosas nuevas, como cuando llegó el estilo que llamaban los “guanatos”. Nosotros, cuando íbamos al DF, era como ir a una galería en donde no parabas de ver cosas nuevas desde que te ibas llegando por el Periférico. Cerca de los Alcanfores, por donde están las vías, había, y
hay, una pista de skate. Por lo general, en ese entonces, todos los skate eran grafiteros. Recuerdo que estaba la banda patinando y, de repente, pasaba un tren y todos dejaban de patinar y se quedaban mirando a los vagones para ver qué piezas traían de Estados Unidos, de Canadá, de todo México. Ahí estábamos todos quietos moviendo la cabeza de un lado a otro viéndolos pasar.
Muralismo y arte urbano En el arte urbano hay cierta responsabilidad, sí. Depende de hasta dónde quieras llegar. Si quieres que la gente cambie su forma de pensar o no. El grafiti en bruto es una acción que te demuestra que la humanidad está jodida. En el street art tienes la oportunidad de causar otra impresión, pero depende si lo quieres hacer. Por otro lado, pienso que en México hemos desperdiciado la herencia
del muralismo. Históricamente, éste había llegado a unos niveles muy altos, sí estaba relacionado con el gobierno y lo que quieras, pero tenía mucho nivel. De repente, en la caída del muralismo, ya cuando no había casi nada, nosotros vimos al grafiti y nos brincamos a eso, olvidándonos de todo lo que ya estaba antes. (Fotos: Archivo Board Dripper).
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terventions on security gates of shops in the Mercado de la Cruz. Likewise, in 2014, works from the newly-created Board Dripper collection will be exhibited in Canada and Sweden. The team plans to beam their radar further into research on urban art as a link to other Queretans. Five years after Board Dripper began, I speak with Ezequiel Frías, better known as “Cheke,” about the history of the festival, what’s happened and what’s upcoming. —Antonio Luna / @antonio_luna27
September in Querétaro I escaped Mexico City to come to the Board Dripper Festival. It hadn’t stopped raining, practically in the whole country. On the other hand, those were decisive days in the demonstrations by teachers: the DF was flooded and paralyzed. As soon as I arrived at the bus terminal in Querétaro I called Isauro. He gave me the address of a hotel in the center where a group of artists were staying; they had spent almost a week painting streets in different neighborhoods of the city. I took a taxi to meet them and join in the last days of the festival. Based on my questions, the driver recommended places to see and dishes I must
taste before I left. “You must go to the Cerro de las Campanas, the Rotonda de los Hombres Ilustres and to the Peña de Bernal,” he said, as we headed up the main avenue lined with the big hotels, surely the setting for countless business conventions. In the distance, one after another, appeared housing complexes that indicated how dramatically the city had grown in recent years. I asked myself, “Since when had Querétaro received new residents, a majority, perhaps, from over-populated Mexico City.” All of a sudden, on the left, we passed the Corregidora Stadium, home to the Gallos Blancos, the state soccer team. The driver made a face as if remembering something. Then, smiling and looking at me in
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Celso González.
The Board Dripper Festival takes place annually in Querétaro. In 2013 the participating Mexican artists included Tania Quezada, Fres, Blue, and the international artists: Alexis Díaz, Jaz (Franco Fasoli), and Dano, among others. The key staff members were Irene Gutierrez; Isauro, José Manuel and Marcela Hernández; and Cyrielle Temblay, along with photographers and volunteers. The festival is just one part, perhaps the largest, of a number of activities in this city. Among them is project MC13, a series of in-
Alexis Díaz.
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the rearview mirror, he added: “Check out the hot springs in Tequisquiapan.” I asked him again about food, and he rambled on about regional cooking without making a specific recommendation. In five minutes we were downtown. Before I got out of the car, he told me not to leave without trying the gorditas de migaja [patties]. “What’s a migaja?” I asked. Condescendingly, I heard him respond “meat,” as I shut the door of the taxi. Origins of Board Dripper Two months later, in November, I’m back in Querétaro to do interviews and view the murals carefully, without rain. One of the
Spaik.
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spots where festival members meet is a restaurant in the center of Querétaro. There’s a room where buckets of paint are piled one on top of another, some photographs are stuck to the wall and an eye-catchingly painted surfboard is displayed above the desk where Cheke is seated. A shelf at the back holds various skateboards—packed in bubble wrap and ready to travel—decorated by various artists. Everything is neat, almost like an office. Opposite me, Ezekiel is opening a bag of French fries. The restaurant delivers the bagel I ordered earlier, and we begin to eat and talk: “We’ve been doing the festival for five years. Everything began when we skateboarded
and painted (which we did from middle school until college). So, I kept pieces of my old boards. At the Autonomous University of Queretaro I met Irene, and since then we’ve made a good team. From our talks we got the idea of giving our skateboards to various artists to paint so they could be shown in a museum here. And we did that. The exhibit was in 2009; it was called Board Dripper. It was a success; lots of people came. The title comes from board, of course, and dripper; we were thinking of Jackson Pollock: when we studied art at the university they talked about ‘Jack the Dripper.’”[“Drip” literally means “dribbling,” which was Pollock’s technique. The nick-
name came from “Jack the Ripper,” the notorious serial killer in late nineteenth-century London.] From then on people said we should do another show. We realized that it was great to exhibit; however, we wanted to focus on giving people something more. A bit later we met the Buque collective from Mazatlán. We invited then to give a lecture and workshop on creating characters. That year we painted surfboards instead. We had trouble getting hold of them. As opposed to a skateboard, a split surfboard can still be used. No one wanted to give us their boards. We found fifteen that we had shipped from Mazatlán to Querétaro. What a mess.
This time some new people participated, we made videos and we painted a bigger wall: we organized the project better. Other people started to lend support. In 2012 we invited people from other countries and looked for sponsors. We brought Honesto from Brazil, Kofie from the United States, and other painters from Quebec. They also gave talks. Dhear, Smith and Tiza came from Mexico City. What interested us was that people here not only see work in magazines, but also learn what the artists had to say and watch how they paint. When we finished this year’s event we decided to focus on research. This came about because now the whole world is organiz-
ing festivals of urban art, but we wanted to focus on content to make the festival something that would serve the people. Each festival has had a theme. In 2013 we chose the idea of a ‘neighborhood’ to create an identity for different places that were painted, but more importantly, it was to link the local neighborhood historians to the murals that were going to be painted. We asked these chroniclers to write texts. Then, we put them on our Internet page and gave them to the artists to read.” Querétaro and the Market I arrived at the hotel, left my things and went out to see the murals: those I could see, be-
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Blue, Nobs.
cause it hadn’t stopped raining. At night I went to the opening of the exhibit of the collection of skateboards decorated in 2013, at the Galería Libertad, near where I was staying. Buytre, Celso, Dhear, Eyel, Jade, Jufe, Kenta Torii, Osley, Sego, Spaik, among many others, came and went that night. The next day was cloudy but not ILEGAL SQUAD MAGAZINE 22
rainy; usually there was a downpour in the afternoon. I went to the market, Mercado de la Cruz, to eat meat migaja patties. I walked through downtown streets. Everything—ice cream shops, altarpieces and rugs—had a design motif for Josefa Ortiz de Domínguez, known as “la Corregidora.” I quickly remembered that
almost a hundred years before, in 1810, the city was the main center of a Mexican political conspiracy. In the guise of literary gatherings, la Corregidora pushed for an insurgency, along with Juan Aldama, Ignacio Allende, Miguel Hidalgo and other heroes who illustrated in our elementaryschool textbooks on the subject
of Mexican Independence. By a twist of fate, a hundred years ago authorities in Querétaro put la Corregidora in prison, and now they name a stadium after her. The first time I came to Querétaro I asked Cheke when the population from Mexico City started migrating here. Another member of the festival staff joined our con-
versation and commented that it was around the ‘90s, because of the growth of new industry: Bombardier, Kellogg’s and Femsa (Coca Cola). If a century earlier Querétaro prospered from production of tobacco or manufacture of cloth, now it excelled at aeronautics, cereals and sodas. “Everything expanded with the
Querétaro Industrial Park. Many people from the surrounding area work there,” Cheke concluded. Another time I had asked the same question of a native Queretan, and he told me, “Certainly since 1986.” I kept thinking about the 1985 earthquake that shook Mexico City and fueled the surge in new inhabitants. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 23
Osley.
On this, my second time in Querétaro, my conversation with Cheke continues: “Fifteen days after Board Dripper we held an event in the market. At night, because of its construction, it’s a kind of box that has a corridor with lights in the upper part where the security gates for the shops are. We made a proposal to the shopkeepers and representatives of the market that we called Nighttime Gallery or MC13. We painted eight security gates. The idea is that you go at night, you have a good time and you can see the work. Satterugly, Sketch and Bacse came to paint with people from here. Everything was great, but at a given moment someone ILEGAL SQUAD MAGAZINE 24
tossed paint on these gates. The market people said, ‘They came to throw paint on our murals.’ In no time the people had made these paintings their own, which is good, because from the beginning they were part of them.” Organizing Festivals of Urban Art is in Fashion We stay in his office. We finish eating and suddenly I ask him: “Do you believe there’s a risk that festivals will turn urban art into mere spectacle?” “Yes, completely. What makes a difference is doing research. Since it’s in fashion, the mass media make everything into a spectacle. It occasionally dawns on politicians or other rich people that street art is in vogue,
and they want to do the same. We realized that a historical and anthropological study can be done, which maybe could end up in a book, magazine or essay.” Next I try to investigate how the Board Dripper Festival fits into the history of graffiti, or urban art, in Querétaro. Cheke thinks a minute and continues: “Since Mexico City always has been next door, it overshadows everything that goes on around it, let’s say. The media have globalized everything, too. I personally remember Benuz, Equis and crew KW7; they were key. The evolution of urban art here has been thanks in part to people who travel. For example, Aser 7, along with other legends of graffiti in Mexico, came
to Querétaro a lot when I was in middle school and high school. I don’t know who brought them. On the other hand, there has always been graffiti here, but it was like hidden. Now, by contrast, there are lots. Back then many came from Guadalajara, Mexico City and those were the ones I mentioned before who left to connect with people elsewhere. That’s how new things began to be seen, like when the style called ‘guanatos’ [a singular way of writing created specifically in Guadalajara] arrived. When we went to the DF, it was like going to a gallery where you never stopped seeing new things from the moment you got on the beltway.
Near the Alcanfores neighborhood, by the railroad tracks, there was and is, a skateboard park. In general, back then all the skateboarders were graffitists. I remember the group was skating, and suddenly the train went by, and everybody stopped skating and stood there watching the cars to see the pieces on them from the United States, Canada and the rest of Mexico. We all were quiet, moving our heads from one side to the other, watching them pass. Muralism and Urban Art Yes, urban art carries a certain responsibility. It depends how far you want to go: if you want people to change their way of thinking or
not. Crude graffiti is an action that proves humanity is screwed. In street art you have a chance to create another impression, but it depends on what you want to do. On the other hand, I think we’ve squandered the heritage of muralism in Mexico. Historically, this was on a very high level, it was related to the government and whatever, but it was high status. Suddenly, with the decline of muralism, when hardly anything was left, we saw graffiti and we leapt at that, forgetting all that came before. (Photos: Board Dripper Archive). (Next pages: Honesto).
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“The State has but one face for me: that of the police. To my eyes, all of the State’s ministries have this single face, and I cannot imagine the ministry of culture other than as the police of culture, with its prefect and commissioners.” JEAN DUBUFFET.
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“El Estado tiene una sola cara para mí: la de la policía. A mis ojos, todos las agencias [secretarías] del Estado tienen esa misma cara, y no puedo imaginar a la secretaría de cultura de otra manera como la policía de la cultura, con sus funcionarios e inspectores”. JEAN DUBUFFET. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 29
# 12 x 12 , relatos y archivos
de la escena del grafiti en MĂŠxico
Graffitiarte.org @graffitiarte.org GraffitiarteOrg www. Graffitiarte.org
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PROYECTO (PARTE 1 DE 2)
DIEZ AÑOS O MÁS: UNA RETROSPECTIVA SOBRE GRAFITI Y ARTE URBANO
JEFFREY DEITCH, Estados Unidos Fundador de Deitch Projects, exdirector del Museum of Contemporary Art Los Angeles (MOCA) y curador principal de la exhibición Art in the Streets. 1. Los artistas Barry McGee (Twist), Todd James, Steve Powers (Espo) en la exhibición Street Market, 2001. 2. Las imágenes figurativas de Swoon las calles de Brooklyn y el Barrio Chino, 2003-2004. 3. El póster Hope (Obama) de Shepard Fairey, 2008. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 32
pectiva es sólo una aproximación a lo que pudo haber ocurrido en la década; un vislumbre —particularmente chico— de diez años que abarcaron producciones, muestras, libros, documentales, inauguraciones, conferencias, talleres, etcétera, por parte de escritores, artistas, curadores, promotores culturales, editores y demás valiosos personajes que han formado una amplia y variada escena en ebullición. Sirva este pequeño atisbo para, digamos, sólo tomarle el pulso a la década. —@antonio_luna27
4. El documental de Banksy Exit Through the Gift Shop, 2010-2011. KATHY GRAYSON, Estados Unidos Directora de la galería The Hole en Nueva York — www.theholenyc. com 1. La exhibición Street Market (Barry McGee, Todd James, Steve Powers). La primera y la mejor, por mucho. 2. El mural de Barry (Twist) Kept Hope Alive en el Museum of Contemporary Art Detroit (MOCAD) en 2006. 3. La exhibición de Jeffrey Deitch
Art in the Streets. Hizo un buen trabajo, hay algunas cosas malas en la muestra, pero las cosas buenas son muy buenas. Es la exposición más visitada en la historia del MOCA. KRESS, Japón Artista. Me vino a la mente que los escritores alrededor del mundo simplemente escriben, ese es lo mejor. El hecho de escribir en los muros alrededor del mundo por artistas de Asia, Estados Unidos,
Exhibición Street Art at Tate Modern.
Les traemos la segunda parte de nuestro recuento de lo más destacado del grafiti y el street art en la década pasada a nivel mundial. Si bien lanzamos la convocatoria internacional a los invitados a participar citando tres eventos, algunos nos platicaron sobre uno, tres o más, mapeando una serie de hechos en la línea del tiempo. Así, unos aparecen con más opiniones, otros con un solo renglón. Al final, todas las opiniones y fotografías fueron más que valiosas. No quisiéramos dejar de mencionar que esta retros-
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Lesivo.
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Europa, África; esa sola acción me pone a pensar sobre las demás. En Osaka, Japón, se organizó en 2010-2011 una muestra llamada Crazy Crimers, fue estupenda la exposición. En el 2005 hubo otra titulada X-Color en el Mito Museum en la que participaron alrededor de cuarenta escritores de todo Japón. Fue una de las primeras expos, y más grandes, que ocurrieron en Japón, así que todo la gente lo notó. El proyecto no sólo pasó dentro del museo, algunos muros exteriores del edificio también fueron intervenidos. LESIVO, Colombia Artista. Hablar de la última década de street art en el caso de Colombia es hablar de su tiempo de existencia. En estos diez años, son muchas las reseñas, los invitados y los eventos realizados de carácter institucional: público, privado o independientes. Desde mi perspectiva señalaré los tres más importantes sin ningún tipo de jerarquía: Bogotá Stencil Art Festival, Muros Libres y Desfase. Éstos, a mi juicio, son los más relevantes, no por ser los que contaban con más recursos económicos o los que mejor oferta de materiales ofrecían a sus artistas invitados, tampoco por ser los que mayor número de invitados internacionales incluían en sus carteles, menos aún por las dimensiones o proporciones de las pintadas realizadas. ¡No! Lo que realmente permitieron estos eventos fue abrir la posibilidad de interacción entre distintos crews, colectivos, proyectos o simplemente parches [grupos de amigos] que se dedicaban a pintar en la calle. Fue darnos cuenta
que existía mucha más gente de la que creíamos pintando en la calle; luego de estos eventos muchos buscamos afinidades con otros parches, para sobre todo aprender. Aprender mientras se pinta se publica o se produce con el fin de difundir imágenes en la calle. MAXIMILIANO RUIZ, Argentina Escritor de los libros Nuevo Mundo y Graffiti Argentina — www. grafitiargentina.com 1. La aceptación de la galería Tate Modern mediante las intervenciones exteriores. 2. El éxito en el mercado y prensa internacional de Banksy. 3. La exhibición Art in the Streets en el MOCA, 2011. MICROBO, Italia Artista — www.microbo.com 1. La muestra Backjumps 1 en Berlín, 2003. 2. La exposición Urban Edge en Milán, Italia, 2005. Fui curadora de la exposición y fue una gran experiencia en mi vida. Fue el primer intento en Europa de juntar a la vieja con la nueva escuela. 3. La intervención de un edificio ubicado en la calle Spring, en el Soho, Nueva York, por parte de Marc y Sara Schiller del Wooster Collective en 2006. NATSU, México Artista 1. El Just Writing my Name. 2. El Meeting of Styles. 3. El festival Vibra Chiapas es Mujer. NEUZZ, México Artista. 1. Dhear, Saner y Neuzz en Montana Gallery Barcelona, septiembre de 2010. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 35
Dolk (detalle).
Microbo. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 36
Nick Walker.
Peque, Sikoh y Does.
Los tres primeros exponentes mexicanos que han tenido la oportunidad de exhibir su obra en este importante epicentro del arte callejero barcelonés. Dhear, Saner y Neuzz cruzaron el océano para mostrar una pequeña parte de la gráfica que actualmente se desarrolla en nuestro país, participando en Mundos Imaginarios, un documental (producido también por Montana Colors Barcelona); sembraron con ello tres semillas que paulatinamente han comenzado a germinar, haciendo que los ojos del viejo continente comiencen a voltear hacia México. 2. Neuzz en la portada de Street Sketchbook Journeys, Italia, febrero de 2011. Neuzz es un ilustrador mexicano, originario del estado de Oaxaca, y cuya obra evolucionó directamente a partir del grafiti. En 2011 una de sus creaciones fue destinada a engalanar la portada de una prestigiada publicación euro-
pea: Street Sketchbook Journeys, un libro de la autoría del diseñador británico Tristan Manco. Se trata del primer artista callejero mexicano a quien se le encomienda ilustrar la portada de un libro internacional. NICK WALKER, Reino Unido Artista — www.theartofnickwalker.com 1. La década pasada ha visto muchos cambios y un crecimiento masivo del street art. Un sinfín de exposiciones y eventos y una fusión de estilos artísticos han dialogado entre sí. El primer gran acontecimiento que quisiera mencionar es el uso de internet y los teléfonos con cámara como herramienta para los artistas. Esto ha convertido un arte marginal en un fenómeno más amplio de la noche a la mañana. Antes, solías ser el buscador que tenía que estar al tanto por mucho tiempo, y era difícil encontrar artistas
ILEGAL SQUAD MAGAZINE 37
Remo Camerota.
Pisa 73.
Subasta de una obra de Banksy en Sotheby’s. Foto: Lucas Jackson.
Space Invader. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 38
que veías en los trenes o en las muros del vecindario. Ahora, simplemente buscas su nombre en Google y su portafolio entero está disponible; puedes ver el trabajo de los artistas minutos después de que lo haya hecho. 2. Cuando casas de subasta como Sotheby’s and Bonhams reconocen el street art como una mercancía, las cosas cambian dramáticamente. El street art, de un momento a otro, se infiltró en el establishment y ahora es una figura atractiva en subastas; es visto como una inversión, ya no como unos garabatos en el baño. Las pinturas en las calles desaparecerán para reaparecer en Ebay o, incluso más irónicamente —en algunos casos— el street art será
JR.
puesto en vitrinas de acrílico para protegerlo del vandalismo. 3. No estoy seguro si esto es un evento o más bien una evolución. La investigación científica y el desarrollo de la pintura en aerosol han significado una mayor cantidad de pintura en el mercado que antes e, incluso, diseñadas especialmente para el artista de grafiti. No solamente hay un nuevo espectro de colores, también hay un rango entero de válvulas y boquillas que te permiten producir una gran variedad de efectos. En los ochenta, esto hubiera sido pura fantasía, ya que lo único que había era laca automotiva. Lejos están los días en que uno preguntaba por un aerosol Ford Sierra color beige o un Vauxhall azul.
PISA 73, Alemania Artista — www.pisa73.com La exhibición Backjumps en Berlín. PEQUE, México Artista. Hay tantos eventos que de alguna forma hicieron un cambio, abriendo las puertas a eventos extranjeros en el país. Uno de ellos es el Aliados en el cual he participado, apoyando y exponiendo. Aliados, como su nombre lo dice, convocaba a los escritores de todo México, su idea era unir a la banda en el grafiti, dejando atrás problemas. El otro es el festival Kosmopolite que se realizaba sólo en Francia y se está convirtiendo en un evento internacional. Para este festival
fuimos invitados a participar con artistas de Latinoamérica, lamentablemente por falta monetaria no participamos. Creo que los eventos en el Palacio de los Deportes, el 5º Elemento y anteriores, donde tanto músicos como grafiteros eran tomados con respeto. RAÚL ZITO, Brasil Artista — www.raulzito.com.br Los tres eventos más importantes (respecto a la diseminación de la cultura callejera) de la década en el mundo fueron: 1. La exposición Street Art at Tate Modern. 2. La película de Banksy. 3. Os Gemeos pintando el castillo escocés de Kelburn (2007). ILEGAL SQUAD MAGAZINE 39
Run don’t walk.
REMO CAMEOTA, Inglaterra Autor de los libros Graffiti Japan y Drainspotting — www.whitewallstudios.net Para mí el mayor cambio es la toma de conciencia. El reconocer que el grafiti y el street art ahora son fenómenos mundiales ampliamente conocidos. El arte urbano ha sido documentado a gran escala en 2001-2011. Existen muchos editores, incluyendo el mío —Mark Batty Publisher—, publicando libros de este tema y añadiéndoles valor al dejar que los artistas mismos creen estos libros. Soy el autor de Graffiti Japan y la razón por la cual creé este libro fue porque no sabía nada de grafiti japonés; era difícil encontrarlo en internet y los artistas eran desconocidos para el resto del globo. Así que en 2005 me dieron la oportunidad de documentarlo y compartirlo con el mundo, mostrando el grafiti japonés y ILEGAL SQUAD MAGAZINE 40
Libro Graffiti Japan, de Remo C
su originalidad para cualquiera que quisiera verlo. La versión en pasta dura salió en 2008, pero en 2011 se reeditó en portada rústica. La edición en pasta dura es un artículo de colección ahora. Existen muchos libros de grafiti a nivel mundial: Japón, Alemania, Reino Unido, Brasil, Asia, Australia, Nueva York, París. Todo esto porque los editores han visto el valor de preservar el trabajo que ahora se ha convertido en una forma de arte mayor. Esto es bueno porque el grafiti regularmente lo borran y no es documentado. Hay algunas pocas razones para la gran aceptación que ha tenido el grafiti, el arte urbano y la edición de estos libros. Artistas como Banksy, Obey, Space Invader y otros han creado obras de arte populares y comerciales haciendo la escena y el arte accesible para todo mundo. De este modo, la mayoría de la gente sólo
conoce estos nombres familiares como artistas urbanos. Gracias a estas personas, hay una gran aceptación y conciencia del arte urbano y esto también lo legitimó como un arte formal. Pero también por estas personas, otros artistas —como yo— han tenido la oportunidad de viajar alrededor del mundo pintando grandes murales o tener exhibiciones en lugares que no hubieran sido accesibles antes del 2001. La popularización de la escena ha hecho posible que artistas menos reconocidos sean tomados en serio y ellos han ayudado a otros artistas dándoles un escenario a todos aquellos que sean buenos pintando en las calles. Finalmente, como resultado de la comercialización del arte urbano, la obra de arte ha encontrado su camino hacia las galerías. Algunas de las más grandes en el mundo apoyan ahora en arte ur-
Camerota.
Libro de Roger Gastman y Caleb Neelon.
bano regularmente como parte de sus actividades. De nuevo, esto no hubiera sido posible sin los artistas que mencioné. En conclusión, creo que la comercialización del street art en la década pasada ha sido el cambio más grande desde el grafiti de los setenta. ROGER GASTMAN, Estados Unidos Coescritor del libro The History of American Graffiti, dueño de la agencia R. Rock Enterprises y curador asociado de la muestra Art in the Streets —www.rrockenterprises.com 1. Exit Through the Gift Shop. El documental de Banksy trajo el grafiti y el street art a un nivel público lo que nunca había pasado antes y fue nominado a un premio de la Academia. ¿Qué más puedes pedir? 2. Art in the Streets. El curador Jeffrey Deitch del MOCA organizó
la primera muestra rigurosa de grafiti y street art en un museo. Creo que esto ayuda a solidificarlos como uno de los movimientos más importantes desde el arte pop. 3. The History of American Graffiti. A partir de The Faith of Graffiti, Caleb Neelon y yo escribimos este libro fundamental de grafiti, empezando con los monikers de finales del siglo XIX hasta el año 2000. Investigamos, entrevistamos a más de quinentas personas y el resultado muestra más de mil fotos. 4. La reedición del libro The Faith of Graffiti. Publicado originalmente en 1973, The Faith of Graffiti es un texto esencial y, después de estar agotado por más de tres décadas, fue reeditado en 2010. Mediante el amplio ensayo de Norman Mailer y las impresionantes fotos de Jon Naar, el libro captura la ver-
dadera historia de los primeros escritores de muros en Nueva York. Es el libro más importante de los inicios del grafiti; si éste no existiera, la mayoría de esta historia se habría perdido desde hace mucho tiempo. RUN DON’T WALK, Argentina Artistas — www.rundontwalk. com.ar 1. La crisis política-económica en Argentina en diciembre 2001, lo cual trajo algunos cambios positivos. Mediante las plantillas o esténciles mucha gente salió a protestar, expresar, difundir... ¡La calle es nuestra! 2. Internet como herramienta de comunicación global que hace que alguien pinte en China y todos podamos verlo, por ejemplo. Sin duda, la red de redes hizo que más gente se conecte en todo el planeta. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 41
Raúl Zito.
3. El Cans Festival en Londres de 2008. En mi experiencia, el más maravilloso festival de esténcil grafiti que haya habido, en el cual he tenido la suerte de participar. SANER, México Artista — www.saner.com.mx 1. El Meeting of Styles en su primera edición, aunque no participé, fue algo muy bueno. 2. Just Writing my Name 1 y 2. 3. Exposición Concreto en Casa del Lago de la Universidad Nacional Autónoma de México. 4. La exposición Invasores en la galería José María Velasco en Tepito, ciudad de México. 5. El Aliados que se extendió a varios sitios de México. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 42
SAX, España Artista. El festival internacional Style Fighters 4. TOOFLY, Ecuador-Estados Unidos Artista — www.tooflynyc.com 1. Meeting of Styles. 2. Welling Court Mural Project. 3. Estria Graffiti Battle. SUIKO, Japón Artista — www.suiko1.com 1. La exposición X-Color/Graffiti in Japan en el Mito Art Pavilion Modern Art Gallery y en Ibaraki, Japón, 2005. 2. BLOC28 by Disney en Los Ángeles, Estados Unidos, 2008. 3. La muestra Ginzatropicana en
Miami, Estados Unidos (Art Basel Miami Beach), 2008. TRISTAN MANCO, Inglaterra Autor de los libros Street Logos, Street Sketchbook, Graffiti Brasil, entre otros — www.tristanmanco.com 1. Vhils, alias, Alexandre Farto, en el Cans Festival de Londres (2008). Vhils es un artista portugués que constantemente innova técnicas y aproximaciones a su arte. Mucho de su trabajo es in situ y se centra en la naturaleza transitoria de la ciudad, su historia y la forma de vivir de los habitantes. May Bank Holiday (2008) se convirtió en un momento que marcó un hito para él mientras
Herakut en la exposición Concreto.
llamó la atención de decenas de miles de visitantes del magistralmente-bien-pensado-por-Banksy Cans Festival, con dos retratos cincelados directamente en la pared porosa del túnel de Leake St., bajo la estación Waterloo. 2. Blu de Italia y Os Gemeos de Brasil en Lisboa (2010). Creado un mes después del desastre petrolífero de la plataforma Deepwater Horizon en el golfo de México, este extraordinario trabajo de dos gigantes de la escena mundial del street art, Blu y Os Gemeos demostraron cómo el arte urbano puede confrontar problemas políticos y sociales de una forma poderosa y sin censura. La fachada muestra el talentoso
trabajo de Blu, un artista radicado en Bolonia conocido por sus murales a gran escala que abarcan edificios enteros así como impresionantes animaciones cuadro por cuadro. Y Os Gemeos, los gemelos de São Paulo, quienes pintan alegorías decorando las calles de Brasil. En un toque de inspiración, Blu aprovechó la locación al incorporar las torrecillas del edificio abandonado en la corona del barón del petróleo. 3. Os Gemeos, Nina y Nunca de Brasil en el castillo Kelburn, Escocia (2007). Formados en la extraordinaria mezcla cultural de su país, el grafiti brasileño tiene sus propios estilos indígenas que en años recientes ha tenido una in-
fluencia internacional. Sin lugar a dudas, los líderes son Os Gemeos, quienes han creado su propio universo imaginativo de personajes que engalanan las calles de su originario São Paulo. En 2007, junto con su compañera Nina Pandolfo y Nunca, se le brindó la oportunidad de pintar un castillo del siglo XIII en Ayrshire. 4. Banksy de Reino Unido en Los Ángeles (2011). 5. Swoon de Estados Unidos en Bethlehem (2007). (El texto de Tristan Manco fue publicado originalmente en The Observer New Review, 7 de agosto de 2011. Colaboración cedida por el autor).
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PROJECT (PART 1 OF 2)
TEN YEARS OR MORE: A RETROSPECTIVE ON GRAFFITI AND URBAN ART We bring you the second part of our review of the most distinguished graffiti and street art in the past decade worldwide. Even though we launched an international call inviting participants to cite three events, some spoke of one, three or more, mapping a series of facts on a timeline. Some seem more opinionated, others with a single line. In the end, all the opinions and photographs were more than valuable. We shouldn’t fail to mention that this retrospective
Kress.
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is only an approximation of what may have occurred in the decade, a glimpse—particularly small—of ten years that include productions, shows, books, documentaries, openings, conferences, workshops, etc., on the part of writers, artists, curators, cultural promoters, editors and other valuable personalities who have created an excitingly wide and varied scene. This small glimmer is offered, let’s say, only to take the pulse of the decade. —@antonio_luna27
JEFFREY DEITCH, United States Founder of Deitch Projects, former director of Museum of Contemporary Art Los Angeles (MOCA) and co-curator of the exhibition Art in the Streets. 1. Artists Barry McGee, Todd James, Steve Powers (Espo) at the exhibition Street Market, 2001. 2. Swoon’s wheat paste figurative images on the streets of Brooklyn and Chinatown, 2003–04. 3. Shepard Fairey Obama Hope poster, 2008. 4. Banksy’s Exit Through the Gift Shop, 2010–11. KATHY GRAYSON, United States Director of the gallery The Hole, New York — www.theholenyc.com
1. Street Market exhibit (Barry McGee, Todd James, Steve Powers). The first and the best, by far. 2. Barry (Twist) mural Kept Hope Alive on the Museum of Contemporary Art Detroit (MOCAD), 2006. 3. Jeffrey Deitch’s Art in the Streets. He did a great job. There are lots of bad things in the show, but then the good things are so god. Most attended show in the history of MOCA Los Angeles. KRESS, Japan Artist. It crossed my mind that the writers around the world are simply just writing. Then, the act of writing is the most important event. The fact of just writing on the wall
around the world by people in Asia, US, Europe, and Africa, just that action, taking place makes me think of it all. In Osaka city, Japan, there was a exhibit called Crazy Crimers that took place in year 2010–11, and it was a great show. In year 2005, there was a show called the X-Color in Mito Musuem. There were about 40 writers from all over Japan who participated in this exhibit. It was one of the biggest and the first show that took place in Japan, so it got noticed through out people. Not only did the project took place in the museum, some of the building walls outside the museum was also used in this project.
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LESIVO, Colombia Artist. To talk about the last decade of street art in the case of Colombia it’s to talk about their existence in time. In these ten years, many reviews, invitees and events have taken place of an institutional character: public, private or independent. From my perspective I’ll signal the three most important without hierarchy: Bogotá Stencil Art Festival, Muros Libres [Free Walls] and Desfase [Mismatch]. These, in my judgment, are the most relevant neither for counting on big budgets or offering invited artists the best supplies, nor having the largest number of international participants included on the posters, and still less for the dimensions or proportion of paintings realized. No!
Street Art at Tate Modern.
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What these events really permitted was to open the possibility of interaction between distinct crews, collectives, projects or simply parches (groups of friends) dedicated to painting in the street. We realized there existed many more people than we believed painting in the street. After such events many seek affinities with other groups, above all to learn. To learn while painting, get published or produced with the goal of publicizing images in the street. MAXIMILIANO RUIZ, Argentina Author of the books Nuevo mundo and Graffiti Argentina. www.grafitiargentina.com 1. Acceptance by the Tate Modern gallery through interventions on exteriors.
Cover of the book Nuevo Mundo. Latin American Street Art, by Maximiliano Ruiz.
Hope poster by Shepard Fairey.
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Neuzz.
2. The success of Banksy in the market and international press. 3. The exhibit Art in the Streets at MOCA, 2011. MICROBO, Italy Artist — www.microbo.com 1. The show Backjumps 1 in Berlin, 2003. 2. The exhibition Urban Edge in Milan, Italy, 2005. I was curator of the exhibition and it was a great experience in my life. It was the first attempt in Europe to join the old with the new school. 3. The intervention on a building at 11 Spring Street in New York City’s Soho District by Marc and Sara Schiller from the Wooster Collective in 2006. NATSU, Mexico Artist. 1. Just Writing my Name 2. The Meeting of Styles 3. The festival Vibra Chiapas es Mujer. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 48
Neuzz.
NEUZZ, Mexico Artist. 1. Dhear, Saner and Neuzz at Montana Gallery in Barcelona, September 2010. The first three Mexican exponents who have had the opportunity to exhibit their work in this important epicenter of Barcelona street art. Dhear, Saner and Neuzz crossed the ocean to show a small part of the graphics evolving in our country, participating in Mundos Imaginarios [Imaginary Worlds], a documentary (also produced by Montana Colors, Barcelona). Here they planted three seeds that have begun to grow little by little, turning the eyes of the old continent toward Mexico. 2. Neuzz on the cover of Street Sketchbook Journeys, Italy, February 2011. Neuzz is Mexican illustrator, a native of the State of Oaxaca, whose work evolved directly from graffiti. In 2011 one of
his creations was destine to adorn the cover of the prestigious European publication Street Sketchbook Journeys, a book authored by the British designer Tristan Manco. He was the first Mexican street artist commissioned to illustrate the cover of an international book. NICK WALKER, United Kingdom Artist — www.theartofnickwalker.com 1. The past decade has seen a lot of changes and a massive growth of street art. There have been endless shows and events and a melting pot of artist’s styles have come to the table. The first big event I would have to say is the use of the Internet and camera phones as a tool for street artists. This has turned an underground art form into a very over ground phenomenon almost overnight. It used to be that you as the
Pisa 73.
seeker would have to look long and hard to find the artists you would see on the side of trains or on walls in your neighborhood. Now you simply google a name and their whole portfolio is on a platter, you can view an artist’s work sometimes minutes after it has been made. 2. When branded auction houses such as Sotheby’s and Bonhams recognized street art as a commodity things changed dramatically. Street art was suddenly embraced by the establishment and is now fetching big figures in auction. It is seen as an investment and no longer equated to scrawls on a toilet door. Paintings on the street go missing only to reappear on Ebay or even more ironically, in some cases street art is being plexi-glassed to protect it from vandalism. 3. I’m not sure this is an event but
more of a progression. The gradual research into the science and development of spray paint has meant there are more brands of paint on the market than ever before and they are designed specifically for the graffiti artist. Not only there is a whole spectrum of new colors but also an entire range of nozzles allowing you to produce a whole variety of effects. Back in the ‘80s this would of been pure fantasy as the only paint on offer was car spray paint. Gone are the days of asking for a can of Ford Sierra beige or Vauxhall blue. PISA 73, Germany Artist — www.pisa73.com The exhibition Backjumps in Berlin. PEQUE, Mexico Artist. There are so many events that in some way made a change, open-
ing doors to foreign events in this country. One of them is Aliados [Allies] Festival, in which I participated, both helping and showing. Aliados, as the name implies, is a call to writers all over Mexico, with the idea of uniting a group in graffiti and leave problems behind. The other is the Kosmopolite Festival, which used to be only in France and is becoming international. We were invited to participate with artists from Latin America; unfortunately we didn’t participate for lack of money. I think the events in Palacio de los Deportes, the 5to Elemento and previous ones, where musicians and graffiti writers were shown with respect. RAUL ZITO, Brazil Artist — www.raulzito.com.br The three most important events (in terms of disseminating street culture) of the decade in the ILEGAL SQUAD MAGAZINE 49
Peque, Sekir, Humo. Revok, Rime.
world were: 1. The exhibition Street Art at Tate Mondern. 2. The film by Banksy. 3. Os Gemeos painting the Scottish Kelburn Castle (2007). REMO CAMETOTA, England Author of books Graffiti Japan and Drainspotting — www. whitewallstudios.net Awareness is the biggest change for me. The awareness of graffiti/street art is now a worldwide phenomenon. Urban artwork has never been documented in such a scale as within 2001–11. There are many editors, including my own Mark Batty, publishing books on the subject and bringing worth to the subject by letting the artists themselves create the books. I am the author of Graffiti Japan and the reason I created this book was because I did not ILEGAL SQUAD MAGAZINE 50
know of any Japanese graffiti. It was hard to find on the Internet and the artists were obscure to the world. So in 2005 I was given the chance to document it and share it with the world, exposing Japanese graffiti and its uniqueness for everyone to see. My book came out in hardback form in 2008, but in August 2011 it went into its second, paperback release and is available again. The hardback copy is a collectors item now. There are many books on the subject of graffiti now, worldwide. Japan, Germany, UK, Brazil, Asia, Melbourne Australia, NY, Paris, etc. All this is because publishers have seen the worth in preserving the work that has now become a higher form of art. This is great because graffiti often gets buffed and if it’s not documented if it disappears. There are a few reasons for
the worldwide acceptance of graffiti, urban art and the publishing of these books. Some of the main reasons are that artists like Banksy, Obey, Space Invader and some others have created commercially popular art works making the scene and art accessible to the everyday layman. Thus, most people only know of these household names as urban artists. But because of these guys, there is now a worldwide awareness and acceptance of urban art and this has also made it a real form of art. But also because of these guys, other artists, such as myself, have had the chance to travel the world and paint large murals or have exhibitions in places that would never have been accessible before 2001. The popularization of the scene has made it possible for many lesserknown artists to be taken seri-
Mode 2. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 51
Above: Shizentomotel. Below: Annabelle, an intervention of Andre Saraiva in ladies rooms at MOCA.
ously and they have helped the artists be given a stage to anyone who is good enough to paint on the streets. Finally, as a result of the commercialization of urban art, the artwork has found its way into galleries. Some of the biggest galleries in the world now sport urban art as a regular part of their curriculum. Again this would not have been possible without the likes of Banksy, Obey and others. So, in short, I think the commercially of street art in the past ten years has been the biggest change in graffiti since the 1970s.
Suiko.
ROGER GASTMAN, United States Co-writer of the book The History of American Graffiti, owner of R. Rock Enterprises and associate curator of the exhibit Art in the Streets — www.rrockenterprises.com 1. Exit Through the Gift Shop. Banksy’s documentary brought graffiti and street art to the public on a level that had never been achieved before and it was nominated for an Academy Award. What more could you ask for? ILEGAL SQUAD MAGAZINE 52
2. Art in the Streets. Curated by Jeffrey Deitch at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Art in the Streets is the first comprehensive museum exhibition of graffiti and street. I believe this will help solidify graffiti and street art as the most important movements since Pop Art. 3. The History of American Graffiti. Building off of The Faith of Graffiti, Caleb Neelon and I wrote the ultimate textbook on graffiti, beginning with monikers in the late 19th century up to the year 2000. We spent years doing research for this book, interviewed more than 500 people, and the book features more than 1,000 photos. 4. The re-release of The Faith Of Graffiti. Originally published in 1973, The Faith… is the seminal text on graffiti and, after being out of print for more than three decades, was re-released in 2010. Through Norman Mailer’s extensive essay and Jon Naar’s stunning photographs, the book captures the true story of the first wall writers in New York. This book is the
most important book on graffiti’s beginnings—if this book did not exist, most of this history would have been lost long ago. RUN DON’T WALK, Argentina Artists — www.rundontwalk.com.ar 1. The political and economic crisis in Argentina in December 2001, which brought some positive changes. By means of templates and stencils lots of people went out to protest, express and publish…The street is ours! 2. Internet as a global communication tool that allows someone to paint in China and everyone can see it, for example. Without doubt, the network of links meant that more people connected throughout the planet. 3. The Cans Festival in London in 2008. In my experience, it’s the most marvelous festival of stencil graffiti that’s ever been held, in SANER, Mexico Artist — www.saner.com.mx 1. The Meeting of Styles in its first
edition, although I didn’t participate it was very good. 2. Just Writing My Name 1 and 2. 3. The exhibition Concreto [Concrete] in Casa del Lago of the Universidad Nacional Autónoma de México. 4. The exhibition Invasores [Invaders] at the José María Velasco Gallery in Tepito, Mexico City. 5. El Aliados [Allies] Festival that spread to various sites in Mexico. SAX, Spain Artist The international Style Fighters Fest 4. TOOFLY, Ecuador-United States Artist — www.tooflynyc.com 1. Meeting of Styles. 2. Welling Court Mural Project. 3. Estria Graffiti Battle. SUIKO, Japan Artist — www.suiko1.com 1. The exhibition X-Color/Graffiti in Japan at the Mito Art Pavilion Modern Art Gallery and at Ibaraki, Japan, 2005. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 53
RaĂşl Zito.
2. BLOC28 by Disney in Los Angeles, CA, United States, 2008. 3. The show Ginzatropicana in Miami, United States (Art Basel), 2008. TRISTAN MANCO, England Author of the books Street Logos, Street Sketchbook, Graffiti Brasil, among others — www. tristanmanco.com 1. Vhils aka Alexandre Farto (Portugal) at Cans Festival, London, in (2008). Vhils is a Portuguese artILEGAL SQUAD MAGAZINE 54
ist who constantly innovates with new techniques and approaches to his art. Much of his work is created in situ and focuses on the transitory nature of the city, its history, and the lives of its inhabitants. May Bank Holiday (2008) became a watershed moment for him as he caught the attention of tens of thousands of visitors to the Banksy-masterminded Cans Festival, with two huge portrait pieces chiselled directly into the
crumbling surface of the Leake Street tunnel, beneath Waterloo Station. 2. Blu (Italy) and Os Gemeos (Brazil) in Lisboa (2010). Created in the month following the Deepwater Horizon oil disaster in the Gulf of Mexico, this extraordinary work by Blu and Os Gemeos, giants of the worldwide street art scene, illustrates how urban art can confront social and political issues in a powerful uncensored way. Blu
Suiko.
is a Bologna-based artist known for his large-scale paintings and Os Gemeos are São Paulo twins known for their painted allegories. In an inspired touch, Blu takes full advantage of the location to incorporate the turrets of this abandoned building into the oil baron’s crown. 3. Os Gemeos, Nina and Nunca, Brazil, Castle Kelburn, Scotland (2007). Shaped by its country’s extraordinary cultural mix, Brazil-
ian graffiti has its own indigenous styles that in recent years have had an international influence. The frontrunners are undoubtedly the twins Os Gemeos, who have created their own imaginative universe of characters that adorn the streets of their native São Paulo. In 2007, along with fellow Paulista artists Nina Pandolfo and Nunca, they were afforded the rare opportunity to paint a 13th century castle in Ayrshire.
4. Banksy, United Kingdom, in Los Angeles, CA (2011). 5. Swoon, United States, in Bethlehem, West Bank, Palestine (2007). (Tristan Manco’s text originally was published in The Observer New Review, August 7, 2011. Rights granted by the author). w
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“In 1974, Norman Mailer described the paint sprayed by urban graffiti artists as artillery fired in a war between the street and the establishment. ‘You hit your name and maybe something in the whole scheme of the system gives a death rattle. For now your name is over their name (…) your presence is on their Presence, your alias hangs over their scene.’ Twenty-five years later, a complete inversion of this relationship has taken place. Gathering tips from the graffiti artists of old, the superbrands have tagged everyone—including the graffiti writers themselves. No space has been left unbranded.” NAOMI KLEIN.
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“En 1974, Norman Mailer dijo que el grafiti de los artistas urbanos es como fuegos de artillería de la guerra entre la calle y el sistema. ‘Alguien escribe su nombre, y quizá alguna parte de toda la estructura del sistema exhale un suspiro de muerte. Porque ahora tu nombre está encima del de ellos (…), y tu presencia está encima de su presencia; tu sobrenombre domina la escena’. Veinticinco años después, se ha verificado una inversión completa de esta realidad. Si antes el grafiti era punto de encuentro, ahora las supermarcas se han impuesto a todos, incluyendo los creadores de grafiti. No queda espacio sin marcas”. NAOMI KLEIN.
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ENTREVISTA
KAPTA Un grupo de fotógrafos camina lentamente a lo largo un pueblo destruido: San Salvador Atenco. Entre ellos anda Kapta, quien voltea a ver a un auditorio en ruinas; hay sangre en el piso de tierra y zapatos tirados por todos lados. Algunos lugareños hacen guardia montados en bicicletas. Un par de ellos se acerca y les dice que mejor se vayan, qué necesidad tienen de estar ahí. Es el año 2006 en México. La Policía Federal Preventiva, la Agencia de Seguridad Estatal, el Frente de Pueblos en Defensa de la Tierra y el EZLN se enfrentan violentamente en Atenco, Estado de México. Tiempo después, según la Comisión Nacional de los Derechos Humanos en México, hubo uso excesivo de la fuerza en estos enfrentamientos. La versión no oficial registra, además, abusos sexuales contra mujeres, detenciones arbitrarias de habitantes del municipio y de observadores de derechos humanos perpetrados por parte de un grupo armado de aproximadamente tres mil elementos de seguridad que actuó contra trescientos pobladores. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 62
Los fotógrafos avanzan por el camino, capturando lo que queda de un pueblo que el día anterior fue barrido por los paramilitares. Una camioneta alcanza rápidamente al grupo que, con cámara en mano, observa descender a unos hombres que no están vestidos como policías ni soldados. “Ustedes quiénes son”, les preguntan a rajatabla los recién aparecidos. “Prensa”, responden los fotógrafos. A empujones, los hacen subir al vehículo. Les quitan las cámaras, las tarjetas de memoria, la ropa. Les dicen que los van a matar. Tirados en le piso, les patean el cuerpo. La camioneta se detiene. Kapta alcanza a ver que están en una escuela. Les dicen a los fotógrafos que los van quebrar uno por uno. Abren las puertas de la camioneta, se llevan a uno. Segundos después se escucha un estallido y un grito. Se van llevando de uno en uno hasta que le toca su turno. Todavía se alcanza a despedir de un colega antes de que lo hagan arrodillarse frente a los paramilitares. El resumen de la charla es: no estuviste aquí, no nos viste y no vas a regresar.
Eso y una golpiza. Al final, suben al grupo de fotógrafos a la camioneta, los llevan al despoblado, les regresan su ropa y sus cámaras. Los paramilitares se quedan con las tarjetas de memoria y ahora no tienen ninguna imagen pero siguen con vida. Daniel Castañeda, mejor nombrado como “Kapta”, es un joven fotógrafo conocido por ser uno de los principales fotógrafos de la escena del rap y el hip hop en la ciudad de México. También se ha dedicado a documentar, desde finales de los años noventa, el grafiti en las calles de esta misma urbe. Por otro lado, pareciera que otra de sus afinidades es asistir a registrar las manifestaciones, marchas, bloqueos. Estos elementos —el descontento social, el grafiti y el hip hop— conforman principalmente su cuerpo de obra hasta ahora. Vemos juntos algunas de sus fotos. Algunas veces, sus obras de paisajes citadinos, desolados, parecen la versión limpia de una urbe sucia, levemente futurista. (El caos, la noche y la soledad siempre tienen algo de futurista). Platico con él. Me cuenta que de
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chico le gustaba el básquetbol y el futbol americano. Sus hermanos se dedican a la publicidad. Saca una revista en la que aparece, aún más joven —apenas llegando a los veinte, deduzco— como miembro de un colectivo de hip hop. “Uno de los primeros que era multidisciplinario e incluía a la fotografía”, me explica. Luego me muestra su primera foto publicada en un periódico, es el suplemento dominical “Masiosare” de La Jornada. Cuando llegamos al tema de los libros, Kapta me dice que el primero que leyó completo, cuando apenas tenía siete años, fue una biografía de Arturo el “Negro” Durazo, un controvertido jefe policiaco del ILEGAL SQUAD MAGAZINE 64
sexenio de José López Portillo que ha pasado a la historia como un ejemplo del abuso de poder, la corrupción y represión que después evidenciaron los vicios del sistema político mexicano de los años setenta y ochenta. En su corta pero fructífera carrera, Kapta ha publicado en el Milenio, La Jornada, El Universal o para medios internacionales como The Guardian (Inglaterra), Los Angeles Times (Estados Unidos) y El Clarín (Argentina). Así mismo, ha tenido una exposición titulada Simulacro, en Anomalía, una galería de la ciudad de México. —@antonio_luna27
Familia Mi hermano, desde chico, tuvo inclinaciones artísticas. Cuando yo estaba jugando futbol él estaba tocando el piano; pintaba y dibujaba muy bien. A mi papá le gustaba tomar fotos, siempre cargaba con su cámara. A él y a mi abuelo les gustaba hacer eso. Tengo muchos álbumes de mi niñez. Creo que de alguna manera eso me dio cierta formación en la fotografía. Contacto con el arte En la prepa tuve contacto con el arte mediante las clases, se me hacía interesante pero aburrido. Creo que si a los estudiantes les pusieran cosas más cercanas a su con-
texto podrían tener más interés. A mí antes me gustaba más el deporte y el arte se me hacía muy lejano. En las clases de la escuela nunca me llamó la atención; sin embargo, creo que el grafiti y el hip hop son un vínculo para acercarte a otras cosas, a mí me llevaron a aprender más de pintura y a escuchar soul. Por mi parte, y tiempo después, me puse a estudiar un poco de cine porque me llamaba la atención la fotografía dentro de las películas. En los años que no estudiaba ni trabajaba me puse a leer mucho de historia del cine y de la fotografía. En ese entonces veía de todo, pero los que más me gustaron
fueron Stanley Kubrick, Lars von Trier y Jim Jarmusch. Después tuve un acercamiento con el rap mediante Spike Lee, ya que él era el único que yo vi que hacía algo visual con el rap, con el hip hop. Contaba historias con una estética de Nueva York que a mí me atraía mucho. Ahora veo mis gustos muy cliché, pero en aquel entonces era lo que me gustaba. Estudios Primero estudié fotografía en una escuela técnica. Del tipo de escuela en la que yo llevaba fotos que tomaba de la calle mientras varios llevaban cosas más conceptuales y yo quedaba como el raro. Al terminar esta escuela
pude haber puesto un estudio o dedicarme a la fotografía en agencias de publicidad, pero eso es algo que no va conmigo. Siempre he sido un poco vago, andando de aquí para allá, experimentando la adrenalina. Una vez que salí de la escuela, cuando empecé a trabajar, no tenía una cámara digital. Entonces, iba a tomar fotografías y luego las escaneaba. No sé si los que me contrataban se daban cuenta o no. Yo creo que pensaban que las fotos lucían bien y veían que yo tenía ganas de trabajar y al final no decían nada. Claro que yo las escaneaba del negativo para que se vieran mejor. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 65
Ya después hice un diplomado de fotoperiodismo en el Centro de la Imagen, en la ciudad de México. Después de eso entré a una agencia de fotoperiodismo. Ese era mi trabajo mientras yo seguía tomando fotos de la calle y aceptaba algunos proyectos que iban saliendo. Ya por ese entonces tomaba fotos de grafiti y de rap, que era lo que me gustaba. Claro que nunca pensé que a alguien le interesara, y de repente la gente se interesó. Me empezaron a llamar, a ofrecerme más trabajo que en la agencia misma. Después me contrataron para hacer fotos de grafiti. Ya todo era más serio, viajaba. Finalmente, me salí de la agencia.
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Influencias Los fotógrafos que me inspiraban eran los de guerra: James Nacthwey, Robert Capa, Sebastião Salgado, quien, pienso, estaba adelantado a su tiempo. Mira, es que a grandes rasgos, yo soy de la idea de que si lo que tú haces no sirve para algo, entonces para qué lo haces. Quizá esta forma de pensar sea muy cavernícola, pero, en mi caso, veo la necesidad de documentar si es que alguien tiene ciertas condiciones favorables para hacerlo. Fotoperiodismo y fotografía artística A mí no me gusta tener una etiqueta. Aunque ahora pasa algo chistoso, la gente me considera
un fotógrafo “urbano”. Ya crearon esta clasificación para lo que hago. Ahora así me llaman debido a que he documentado el grafiti y el rap. Creo que la diferencia radica en que, en el fotoperiodismo, hay ciertas reglas: no puedes alterar una imagen (de ahí la polémica que ha pasado en las últimas ediciones del World Press Photo). Por otro lado, lo que pasa dentro del mundo del arte es que hay personas que no tienen dominio de ninguna técnica. Justifican sus faltas diciendo que así lo querían hacer desde el principio, y piensan que eso es arte. Bueno, también hay que aclarar que hay muchos ejemplos dentro del fotoperiodismo que son “artísticos”, digamos.
Exposición Simulacro Yo tenía pensado hacer mi primer muestra sobre rap, pero quise mostrar otro tipo de cosas que también hago. De toda mi obra, al dueño de Anomalía le gustaron las fotos en las que había algo de protesta. Entre ambos llegamos al título de Simulacro. Por mi parte, se me ocurrió debido a todos los años que llevo sacando ese tipo fotos, de manifestaciones, marchas, mítines. En verdad, nada ha cambiado. Todo ha sido como una representación de hechos, una apariencia, un simulacro de las cosas. En esta exposición traté de no incluir las fotos típicamente sensacionalistas: una bomba molotov explotando en medio de una
marcha y cosas así. No quiero decir que sea malo que tomes ese tipo de fotos, pero no debe ser lo único que hagas. Sí tienes que hacer la foto de choque, pero debes de tener otras también para contar una historia, crear una narrativa. Eso es lo que hice en la expo, crear secuencias. Lo digo porque la prensa siempre toma las mismas fotos. Al hacer esto lo que están haciendo es no decir absolutamente nada. Parece que nada más están esperando la violencia, el estallido, para sacar fotos. Así que entre el dueño de la galería y yo escogimos fotos más “artísticas”, por llamarlo de algún modo, no tan documentales o de gente golpeándose.
¿Ha cambiado algo en la forma de reprimir en las manifestaciones? La represión está más fuerte desde que entró Enrique Peña Nieto a la presidencia. Hay más policías vestidos de civil, no te dejan tomar fotos, te tapan la cámara, te siguen. Creo que se ha regresado a la forma antigua de represión, a la del PRI (Partido Revolucionario Institucional). Hay más infiltrados. Aunque es un hecho que siempre ha habido esa represión y cosas como camionetas sin placas que suben a un fotógrafo, luego a otro. A su vez, también hay más unión entre los fotógrafos.
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INTERVIEW WITH KAPTA A group of photographers slowly walk the length of a destroyed town, San Salvador Atenco. Among them goes Kapta, who turns to see an auditorium in ruins; there is blood on the dirt floor and shoes thrown all over. Some locals on bicycles keep guard. A pair of them approach and say they’d better leave, why must they be there? It’s 2006 in Mexico. The Federal Prevention Police, the State Security Agency, The People’s Front in Defense of Land and the Zapatis-
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tas (EZLN) face violence in Atenco, in the State of Mexico. Sometime later, according to the National Commission on Human Rights in Mexico, excessive force was used in these confrontations. The unofficial version claims sexual abuse against women, besides arbitrary detentions of municipal inhabitants and human-rights observers, perpetrated by an armed group of approximately three thousand security units who took action against three hundred locals.
The photographers advance along the trail, capturing what remains of the town that was wiped out by paramilitary forces the day before. A pickup rapidly overtakes the group, which, with camera in hand, observes some men step out, who are dressed neither as police nor soldiers. “Who are you?,” they demand of the newcomers. “The Press,” respond the photographers. They shove them into the vehicle. They take their cameras, memory cards and clothing. They threaten to kill them. Thrown to the floor, they kick their bodies. The pickup stops. Kapta can see that they’ve arrived at a school. They tell the photographers they’ll do away with them one by one. They open the doors of the truck and take one of them. A shot and a scream are heard a few seconds later. One by one they’re taken away
until it’s his turn. Before he’s forced to kneel before the paramilitaries he bids goodbye to a colleague. The bottom line is: “You weren’t here, you didn’t see us, you won’t come back.” That and a harsh blow. In the end they put the group of photographers back in the pickup, take them to a deserted spot and return their clothing and cameras. The paramilitaries keep the memory cards, and now they haven’t a single image but they remain alive. Daniel Castañeda, better known as “Kapta,” is a young photographer reputed to be one of the major photographers of the rap and hip hop scene in Mexico City. Since the nineties, he also has dedicated himself to documenting graffiti in the streets of this metropolis. Another of his beats is to attend and shoot demonstrations, marches
and blockades. These elements— social discontent, graffiti and hip hop—chiefly make up his body of work to date. Together we look at some of his photos. Sometimes his desolate urban landscapes look like a clean version of a big dirty city, slightly futuristic. (The chaos, the night and solitude always suggest something futuristic). I chat with him. He tells me that as a kid he liked basketball and American football. His brothers work in publicity. He takes out a magazine in which he appears, still quite young—barely twenty, I guess—as a member of a hip hop collective. “One of the first that was cross-disciplinary and included photography,” he explains. Then he shows me his first photograph published in a newspaper—the Sunday supplement “Masiosare” in La Jornada.
When we get to the subject of books, Kapta tells me that the very first book he read cover-tocover, when he was just seven years old, was a biography of Arturo “El negro” Durazo, a controversial police chief during the presidency of José López Portillo, who made history through his abuse of power, corruption and repression, exposing the vices of the Mexican political system in the seventies and eighties. In his short but productive career, Kapta has published in the Mexican newspapers El Milenio, La Jornada, El Universal and in international media like The Guardian [Britain], Los Angeles Times [US] and El Clarín [Argentina]. He also has had an exhibition titled Simulacrum, in Anomaly, a gallery in Mexico City. —@antonio_luna27
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Family My brother had artistic inclinations since he was a kid. When I was playing football, he was playing the piano; he painted and drew very well. May dad liked to take photos; he always had a camera with him. He and my grandfather liked to do that. I have many albums from my childhood. I think somehow that gave me a certain background in photography. Contact with art In high school I had contact with art through classes I found interesting but boring. If they taught things more closely related to the students’ vibes they might generate more interest. Before I liked sports more and art seemed very far out. In classes at school it never caught my attention. However, I think graffiti and hip hop are a hook for bringing you closer to other things. For me, they got me to learn more about paintILEGAL SQUAD MAGAZINE 70
ing and listen to soul music. For my part, I studied film a bit because photography in films appealed to me a while later. During the years when I wasn’t studying or working, I read lots about the history of cinema and photography. Back then I saw everything, but what I liked most were Stanley Kubrick, Lars von Trier and Jim Jarmusch. Then I got into rap through Spike Lee, who was the only one I saw doing something visual with rap, with hip hop. He told stories with a New York aesthetic that attracted me a lot. Now I see my tastes as very clichéd, but back then that was what I liked. Studies First I studied photography in a technical school. It was the type of school where I brought photos taken in the street while various others brought more conceptual stuff, and I felt like the odd man out. When I finished that school I could have
opened a studio or photographed for ad agencies, but that didn’t suit me. I’ve always been a wanderer, going from here to there, feeling an adrenaline rush. Once I left school, when I began to work, I didn’t have a digital camera. So I took photos and scanned them. I don’t know if the people who hired me knew or not. Probably they thought the photos looked good and they saw I wanted to work and decided to say nothing. Sure, I scanned the negatives so they would look better. Afterwards, I got a certificate in photojournalism at the Centro de la Imagen in Mexico City. Then I went into an agency for photojournalism. That was my work, while I kept taking photos in the street and accepted some projects that were offered. Back then I took photos of graffiti and rap, that was what I liked. Of course, I never thought anyone would be interested, and suddenly people were interested.
They began to call and offer me even more work than the agency. Then they hired me to take photos of graffiti. Everything was more serious, I was traveling. Finally, I left the agency. Influences The photographers who inspired me were those at war: James Nachthwey, Robert Capa, Sebastião Salgado, whom, I think, was ahead of his time. Look, in general, I’m of the idea that if what you do doesn’t serve a purpose, then why do it. Maybe this form of thinking is stone-age, but in my case, I see the need to document if someone has certain favorable conditions to do that. Photojournalism and artistic photography I don’t like being labeled. Although now something funny is happening, people consider me an “urban” photographer. They created
this classification for what I do. Now they call me because I documented graffiti and rap. I think the difference lies in the fact that in photojournalism there are certain rules: you can’t alter an image (hence the polemic in the latest editions of World Press Photo). On the other hand, what happens in the art world is that there are people who have no technical skill. They justify their failings by saying that that’s what they set out to do, and they think that that’s art. Well, it also must be said that within photojournalism there are many examples of so-called “artistic” types. The exhibition Simulacrum I had thought about making my first show on rap, but I wanted to exhibit other types of things I do also. Of all my work the director of Anomaly gallery liked the photos showing some kind of protest. Between us we arrived at the title Simulacrum.
For my part, it occurred to me because of all the years spent taking this type of photos, of demonstrations, marches, rallies. In truth, nothing had changed. Everything had become a representation of facts, an appearance, a simulation of things. In this exhibit I tried not to include typically sensationalist photos: a molotov cocktail exploding in the middle of a march and such things. I’m not saying that it’s bad if you take this type of photo, but it shouldn’t be the only one you do. If you must make the shock photo, you should also take others to tell the story, create a narrative. That’s what I did in the exhibit, create sequences. I say this because the press always takes the same photos. By doing this what they’re doing really is to say absolutely nothing. It seems like nothing more than waiting for the violence, the shot, to get photos. So the gallery owner and I chose more “artistic” photos, so to speak, not so documentary or of people beating each other up. Has there been any change in the form of repressing demonstrations? The repression is stronger since President Enrique Peña Nieto took office. There are more police in civilian clothing, they don’t allow photography, they cover your camera, they follow you. I believe things have regressed to the oldfashioned form of repression, to that of the PRI (Revolutionary Institutional Party). There are more infiltrators. Although there always has been repression and things such as vans without license plates that round up one photographer, then another. At the same time there’s more unity among photographers.
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“Photography in our time leaves us with a grave responsibility. While we are playing in our studios with broken flowerpots, oranges, nude studies and still lifes, one day we know that we will be brought to account: life is passing before our eyes without our ever having seen a thing.” BRASSAÏ.
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“La fotografía en nuestra época nos plantea una seria responsabilidad. Mientras estamos jugando en nuestros estudios con floreros rotos, naranjas, estudios de desnudos y naturalezas muertas, sabemos que un día tendremos que rendir cuentas: la vida está pasando frente a nuestros ojos sin que podamos ver nada”. BRASSAÏ.
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ENTREVISTA
BENUZ En la obra de Benuz se percibe un ejercicio de caligrafía que supera la bidimensionalidad. Los trazos generan volumen, las formas remiten cuerpos, las inscripciones crean símbolos. Todo esto evoca la sensación de que los seres humanos, y algunos objetos, estuviéramos conformados por largas letras, por hojas de árboles o por delgadas tiras de papel. De este modo, él reconfigura objetos de nuestro mundo táctil que, una vez que han pasado por su mirada, reconocemos como un búho, un águila o un murciélago dotados de precisos y afilados cortes de pintura. Hay muchas historias sobre el origen del grafiti en la ciudad de México. Si contrastáramos varias de
Familia Mi papá era arquitecto pero también hacía arte. Cuando se jubiló se dedicó totalmente a sus obras. Hacía varias cosas: pintura, instalación, escultura. Así, desde chico tuve contacto con el arte, con cierta información. Esto desarrolló en mí una percepción diferente. Inicios Yo comencé a relacionarme con el grafiti como a los diez u once años porque me gustaba el skate. Ya a los quince empecé a pintar y a juntarme con gente que también estaba en la búsqueda de algo. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 76
ellas, seguramente coincidirían en situar a Benuz como integrante de la primera generación de escritores que apenas tuvieron influencias de otros personajes del grafiti, porque simplemente todavía no había ejemplos a seguir. En sus primeros años en la práctica del grafiti, él radicó en Guadalajara, Querétaro y ciudad de México, lo que le dio una visión de primera mano sobre el paso del grafiti en estas ciudades. Residente por el momento en Alemania, su obra se encuentra en un par de galerías de ese país. En la ciudad de México, su última exposición se tituló Fire Kamo, la cual se exhibió en Anomalía en 2013. —@antonio_luna27
Yo vivía en el sur de la ciudad de México. En ese entonces empezamos a pintar en el barrio de Santo Domingo en Coyoacán. Estuve en los crews SF y DNC. También pertenecí a otros de la ciudad de México y de Querétaro, ciudad en la que seguido estaba. Te estoy hablando de una época en que predominaba el rock mexicano sobre el ska o el hip hop, se escuchaba más. Estos últimos todavía no tenían el alcance que llegaron a tener. Hace mucho tiempo pintaba Cosme, de eso ya tiene como diecisiete años. Luego elegí Benuz influenciado por lo que leía de
las culturas prehispánicas. Me di cuenta de que los mexicas relacionaban Quetzalcóatl con el planeta Venus. Formación (y el eje GuadalajaraQuerétaro-ciudad de México) Respecto a mi formación académica, nunca estudié en escuelas de arte. De hecho, yo sólo estudié hasta la secundaria; sin embargo, he investigado por mi parte. Al principio tenía influencia de los muralistas: Jorge González Camarena, David Alfaro Siqueiros y todos ellos. Quizá no fue una influencia pictórica, pero sí en cuanto a información de artistas
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que habían hecho cosas que a mí me empezaban a llamar la atención, como la pintura en exteriores, en este caso, el grafiti. Otros artistas que me han influenciado, quizá no gráficamente, son Betsabeé Romero, Marta Palau y Federico Silva. Respecto a la escena del grafiti o del street art, pues no mucho. Quizá Barry McGee u Os Gemeos, pero en su fase de los años noven-
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ta. Creo que estoy influenciado por el grafiti de Guadalajara, una ciudad en donde, en los noventa también, había muchos tags pero pocas piezas. También por lo que se hacía en Querétaro, en donde se fusionó un estilo de bombas y piezas que venía de varias de ciudades muy fuertes en cuestión de grafiti: Guadalajara, Aguascalientes, Tijuana, Chicago, Nueva York. En Querétaro se hacían bata-
llas de estilos de piezas, era impresionante. Creo que el grafiti era muy exigente en ese entonces. Cuando terminó el auge en Querétaro, en la ciudad de México apenas comenzaba. Algo similar pasó con Guadalajara. La gente del DF casi no lo menciona porque no lo conoce. A mi parecer lo que ocurrió es que cuando el grafiti llegó al Distrito Federal, se hicieron muchas revistas y éstas viajaron
por algunas ciudades de México, influenciando a lo poco que quedaba del movimiento en Querétaro, Guadalajara, Aguascalientes. Había penetración, generalmente, por la información que traían. En estas ciudades había revistas, pero más que nada eran fanzines, puras imágenes, fotocopias. Hecho decisivo para seguir haciendo grafiti
Para mí es una especie de superación. No sólo es pintar porque sí, es una cuestión de trascendencia espiritual. Así mismo, trascender el grafiti o el street art, que no se quede en el hecho de que se vea bien. Trato de sembrar nuevos símbolos en la sociedad, despertar nuevas sensaciones, generar preguntas. Así lo veo. No lo puedo dejar de hacer, no solamente el grafiti, sino la creación en
general. Me gusta escribir, hacer edición de video. Eso no lo hago muy en serio, sino como un descanso de la pintura. Responsabilidad Pienso que el ser humano en sí tiene una responsabilidad hacia su entorno y consigo mismo. Entonces, el artista tiene que reaccionar a esto. Tiene que saber que lo que hace no sólo es para él,
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sino que hay muchas personas que van a captar el mensaje que está enviando. El artista es sólo un facilitador. De este modo, éste expone su ignorancia en lo que pinta. A veces me pasa que veo un mural muy colorido, con mucha técnica, que definitivamente es mejor verlo a tener la pared gris, pero por dentro el mural está vacío, sin hacer que la sociedad evolucione. Sólo tiene dibujos de perros bonitos, cuando, pienso, hay miles de formas de representar a un perro. Quiero decir, no es que “tengas” una responsabilidad y “debas” hacer tal o cual cosa, no hay que llegar a ese punto, sino nos convertiríamos en La Iglesia, pero siento que si tú creas algo tiene que haber una especie de ingenio al hacerlo. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 80
Caligrafía Nunca he estudiado caligrafía en una institución ni formalmente. Empecé a hacerlo para experimentar el sentimiento de un trazo. Llevo haciéndolo como cuatro años, desde que vino Chaz Bojórquez a México. Antes de que él viniera hacía experimentos con las formas que pintaba, pero era diferente a lo que hago ahora. Después me empecé a enfocar en los trazos. Ahora, quiero pensar, ya no cometo tantos errores en cuestión de técnica. Lo que pasa es que antes era más cansado, por ejemplo, en las obras que son simétricas. Puras rayas por todos lados. La simetría cansa. Cada pieza que hago son alrededor mil trazos. Los voy metiendo por capas, cada una tiene cien o ciento cincuenta, y a cada pieza la hago cuatro o cinco capas, y luego le meto otro color y así. Pienso que
la caligrafía es la expresión de un trazo, cada uno lleva fuerza. Improvisación Casi no hago bocetos, imagínate. Bueno, cuando son cosas figurativas me baso en algo, una fotografía o un dibujo y de ahí lo paso a la caligrafía. Transformo e interpreto las cosas con mis acciones. En este caso, trazos. Digamos que hay un ochenta por ciento de improvisación. A veces hago bocetos, pero sólo para ver la proporción de las formas en una barda. ¿Pintas para la gente o para ti? Para todos pero para nadie en específico. Eso me incluye a mí y a los demás. Me interesa que mi obra se dirija no sólo a la gente del grafiti o del street art, sino a los que están afuera de eso. Que despierte algo que todos traemos. Mi idea es seguir hablando de los temas que he estudiado pero con un lenguaje contemporáneo.
Exposición Fire Kamo Hice la expo con la idea del camuflaje, de ahí “kamo”. También estaba pensando en las ceremonias del fuego nuevo que celebraban las culturas antiguas de México cada ciclo de cincuenta y dos años. Al finalizar este periodo destrozaban todo y volvían a crearlo de nuevo. México y Alemania Culturalmente, la globalización de ideas y conceptos estéticos se basa en el mismo régimen, por ejemplo, Berlín es muy parecido al DF, hay grupos artísticos que ejercen todo tipo de influencias sobre otros. En términos generales, lo que veo es que aquí la gente es más dedicada, aunque, por otro lado, tienen la oportunidad de hacerlo. Hay un poco más de voluntad si se trata de adentrarse en algo. Siento que hay más disciplina. (www.flight-at-night.com). ILEGAL SQUAD MAGAZINE 81
INTERVIEW WITH BENUZ Benuz’s work looks like a calligraphy exercise that breaks two-dimensionality. The lines take on volume, the forms reference bodies, the inscriptions become symbols. All this creates the sensation that human beings, and some objects, are composed of large letters, leaves of trees or thin strips of paper. In this way, he rearranges objects from our tactile world, that once subjected to his gaze, we recognize as an owl, an eagle or a bat with precise, sharp edges of paint. There are many stories about the origins of graffiti in Mexico City. If we were to compare various
Family My dad was an architect but he also made art. When he retired he focused exclusively on his artworks. He did various things: painting, installation, sculpture. So, since I was little I’ve had contact with art, with certain information. I developed a different point of view. Beginnings I started to relate to graffiti when I was around ten or eleven, because I liked skateboarding. At fifteen I began painting, and I ILEGAL SQUAD MAGAZINE 82
versions, surely Benuz would rank among those in the first generation of writers who scarcely absorbed influences from other graffiti greats, because back then there still were few examples to follow. In his first years doing graffiti he lived in Guadalajara, Querétaro and Mexico City, which gave him a firsthand view of what was happening in these cities. Currently a resident of Germany, his work can be seen in a few galleries there. His most recent exhibit in Mexico City, titled Fire Kamo, was shown at Anomaly gallery in 2013. —@antonio_luna27
hung out with people who also were searching for something. I lived in the south of Mexico City. Back then we started to paint in the Santo Domingo neighborhood of Coyoacán. I was in the SF and DNC crews. I belonged to others in Mexico City and Querétaro, where I moved afterward. I’m talking about the period when Mexican rock was in vogue, before ska or hip hop. A long time ago I painted as Cosme, like seventeen years back. Then I chose Benuz, influ-
enced by what I was reading on prehispanic cultures. I realized the Mexicas connected Quetzalcóatl with the planet Venus. Background (Guadalajara-Querétaro-Mexico City circuit) With respect to my academic training, I never studied in art school. As a matter of fact, I only went through middle school. However, I’ve done personal research. My early influences were the muralists: Jorge González Camarena, David Alfaro Siqueiros and all of them. Maybe it wasn’t
a pictorial influence so much as information about artists who started to catch my attention, like painting outside, in this case, graffiti. Other artists who have influenced me, although perhaps not graphically, are Betsabeé Romero, Marta Palau and Federico Silva. With respect to the graffiti or street art scene, not so much. Maybe Barry McGee or Os Gemeos, during their nineties’ period. I believe I’m influenced by graffiti from Guadalajara, a city where, also in the nineties, there were lots of tags but few pieces. And, too, by what was done in Querétaro, where bombs and pieces fused in a style that came from various cities which were strong in terms of graffiti: Guadalajara, Aguascalientes, Tijuana, Chicago and New York. In Querétaro there were style battles over pieces, it was amazing. Graffiti was really exacting back then. When the peak ended in Querétaro, in Mexico City it was just getting started. Something similar happened in Guadalajara. People in the DF hardly mention it because they don’t know. It seems to me that what happened is when graffiti arrived in Mexico City, they put together lots of magazines and these travelled to some other Mexican cities, influencing the little that was left of the movement in Querétaro, Guadalajara and Aguascalientes. Generally, the information they published had an impact. There were magazines in these cities, but more than anything they were fanzines, pure pictures or photocopies. Decision to keep doing graffiti For me it’s a type of self-improvement. I don’t only paint, because it is a question of spiritual transcendence. That’s exactly right, to transcend graffiti or street art, so that one doesn’t stick with the fact that it looks good. I try to invent new symbols for society, to awaken new sensations, to provoke questions. That’s ILEGAL SQUAD MAGAZINE 83
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how I see it. I can’t stop doing it, not only graffiti, but artistic creation in general. I like to write and edit video. I do this less seriously, only as a break from painting. Responsibility I think all humans have a responsibility to their environment and themselves. The artist must react to this. He must know that what he does isn’t only for himself, but that many people will get the message he’s sending. The artist is merely a facilitator. This way he shows commitment or ignorance by what he paints. Sometimes I see a very colorful mural, with skilled technique, that definitely is preferable to a gray wall, but the mural seems empty of meaning, without making society evolve. It only has drawings of pretty dogs, when, I think, there are thousands of ways to draw a dog. What I want to say is, it’s not that you have responsibility and must do such and such, you don’t have to act like the moral arbiter or church, but I do feel if you create something you should be inventive. Calligraphy I never studied calligraphy formally in an institution. I began by experimenting with the feel of a line. I’ve been doing it about four years, since Chaz Bojórquez came. Before he came to Mexico I was experimenting with painting forms but different ones from what I do now. Afterward, I started
to focus on lines. Now I like to think I don’t make so many mistakes in terms of technique. What happened is, before it was more tiring, for example, in the symmetrical work. Pure lines in every direction. Symmetry gets weary. Each piece I do has around a thousand lines. I add layers: each has a hundred or a hundred fifty; and each piece I do has four or five layers; then I add another color. I think calligraphy is the expression of lines, each with its own strength. Improvisation Imagine, I hardly make sketches. Well, when there are figurative things I use a photo or drawing as a reference and change it to calligraphy. I transform and interpret things by my actions. Sometimes I do sketch, but only to see the proportions of forms on the enclosure wall.
At the end of the cycle they destroyed everything and rebuilt it anew. Mexico and Germany Culturally, the globalization of ideas and aesthetic concepts are based on the same system, for example, Berlin is similar to Mexico City. There are artistic groups who exercise a wide influence over others. In general terms, what I see is that here people are more dedicated, although on the other hand, they have the opportunity to do it. There’s a bit more willpower applied, if it’s a matter of doing something thoroughly. I feel there’s more discipline. (To see more pieces: www. flight-at-night.com)
Do you paint for others people or for yourself? For everyone but nobody in particular. That includes me and all the rest. I’m interested in reaching not just people in graffiti and street art, but those on the outside. I want to awaken something inside all of us. My idea is to continue to speak to themes that I’ve studied but in contemporary language. The exhibit Fire Kamo I did the exhibit with the idea of camouflage, thus “kamo.” Also, I was thinking of the new fire ceremony that the ancient civilizations of Mexico celebrated every fifty-two years. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 85
“We must abandon the idea of installing an American citizen in the Mexican presidency, as that would only lead us, once again, to war. The solution requires more time: we must open the doors of our universities to young, ambitious Mexicans and make the effort to educate them in the American way of life, in our values, and in respect for the leadership of the United States. Over time, these young people will take posession of the presidency itself.� RICHARD LANSING (1910).
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“Tenemos que abandonar la idea de poner en la presidencia mexicana a un ciudadano estadounidense, ya que nos llevaría otra vez a la guerra. La solución demanda más tiempo, tenemos que abrirles a los jóvenes ambiciosos mexicanos las puertas de nuestras universidades y educarlos en el respeto al liderazgo de Estados Unidos, a nuestros valores y estilo de vida. Con el tiempo esos jóvenes se adueñarán de la presidencia”. RICHARD LANSING (1910).
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PREGUNTAS Y RESPUESTAS
AUGUSTINE KOFIE ¿Alguien en tu familia es artista? Sí, mi madre. Ella fue creativa desde niña, ganó concursos en la escuela; asistió a la Universidad de California, en Los Ángeles, cuando apenas tenía veinte años. Entonces, yo nací y ella no pudo seguir con su carrera en el arte. Ella era multifacética para eso. Ahora, yo soy artista gracias a que ella me apoyó e inculcó su talento cuando estaba más chico. He sido capaz de dedicarme a mi carrera, y ella está muy orgullosa de mi desarrollo y mis logros. No llamaría artista a mi padre, sino un artesano. ¿Cómo fue tu primer encuentro con el arte? La primera artista que conocí fue mi madre. El primer artista en activo que conocí fue el artista callejero y activista político Robbie Conal. Él fue amigo de un ILEGAL SQUAD MAGAZINE 88
viejo conocido mío en Los Ángeles cuando yo era niño. La casa de este último estaba llena de arte, incluyendo obras de Robbie. Las clases de arte en la escuela eran necesarias, pero no eran muy buenas. Algunos niños sobresalían, como yo. Solíamos dibujar batallas, guerras y máquinas… Otros dibujaban letras o personajes de grafiti. Eso, obviamente, llamó mi atención y seguí ese estilo. ¿Estudiaste arte o eres autodidacta? Tomé algunas clases técnicas de arte en la escuela a inicios de los noventa: diseño gráfico, dibujo, técnicas en los rotuladores… todas ellas pasadas de moda actualmente. No fui a la escuela de arte después de la preparatoria en 1993. Soy lo que la mayoría denominaría como un autodidacta.
Soy lo suficientemente afortunado como para tener un impulso, dedicación y apreciación hacia la técnica y la manufactura de las piezas que me llevaron a rebasar a mis colegas en un determinado tiempo. Si algo me interesaba o quería saber más, me sumergía rápidamente y lo estudiaba hasta llegar a dominarlo. Eso fue lo que ocurrió cuando quise aprender a usar el aerosol como un medio. Me encantaba la idea de los wild styles y del grafiti, pero estaba obsesionado con las latas en sí mismas y con la magia que se podía lograr con ellas. No había muchas buenas marcas de pintura en aquellos días, la gama de colores era reducida. Las cosas han cambiado mucho desde entonces. Ese interés empezó a inicios de los noventa… Veinte años después sigo encantado con esto.
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¿De qué artista te sientes cercano por sus ideas o concepciones artísticas? Respecto al grafiti clásico neoyorquino tengo que decir que Phase 2 y Rammellzee son mis inspiraciones principales. Me encantan los estilos pioneros y progresivos de Futura, pero el trabajo de ilustración de Phase 2 es de lo mejor en términos de técnica. Había una filosofía que ellos sacudieron que parece perdida en estos días. De la historia del arte en particular, me atrae el arquitecto Lebbeus Woods, el pintor futurista Syd Mead, el artista constructivista László Moholy-Nagy y el pintor Richard Diebenkorn. Todos ellos tienen un sentido del espacio que me esmero por alcanzar en mi trabajo. Cada uno de esos destacados artistas tiene una tendencia a “construir” sus ILEGAL SQUAD MAGAZINE 90
obras, y eso es algo que yo también siento. ¿Qué tanto hay de improvisación en tu obra? Todo depende del muro, de la situación. Acostumbro tener un boceto, que puede cambiar, de la completitud de la pieza. Me gusta pintar un muro que refleje mi estilo que hago en un periodo específico, sin embargo, me permito improvisar. Mi estilo permite la expansión y la reducción, es flexible. Mis piezas se construyen y edifican; algunas veces se destruyen, incluso. Los trabajos a comisión que hago son procesos más planeados: digitalizo bocetos del diseño para colocarlos sobre en el muro. Eso me ayuda, y al dueño del edificio, a entender el producto final, así no hay grandes sorpresas. Las
piezas planeadas y las comisiones son divertidas, especialmente cuando estoy a cargo de toda la obra, pero prefiero tener un boceto libre y luego improvisar, de este modo conoces el vecindario en donde estás pintando. Cuéntanos un poco de tu visita a Querétaro Fue mi primer viaje en serio a México. Irene González me invitó a dar una conferencia a una universidad y a pintar un mural dentro del marco del festival Board Dripper. Terminé conociendo y pintando con Smithe y Dhear en la universidad. Quedé muy impresionado con la obra y el estilo de ambos, su imaginación y su ética para trabajar. Cada vez que viajo a un lugar donde no puedo hablar mi lengua me siento intimidado. No puedo
compartir lo que siento tan bien con alguien que no habla inglés, pero lo hago mediante mi arte. Toda esta experiencia fue sorprendente y única. (Todos mis viajes en mi vida adulta, ya que nunca viajé mucho hasta que mi carrera tomó forma). Cada viaje es un viaje de trabajo que se sustenta en compartir mi arte. Crecí en Los Ángeles, y sólo puedo hablar y entender poco español; sin embargo, aprecio y admiro mucho la cultura latina. En el último día, Irene me llevó a un restaurante poco frecuentado por turistas en el que comí quesadillas de huitlacoche y menudo [pancita]. No quería irme de ahí. En términos generales, la abstracción se ha considerado como un lenguaje críptico o muy personal de un artista. ¿Pintas para ti o para los demás?
Antes que nada, el acto de pintar es para mí. Es muy común para un artista de cualquier medio o nivel estar centrado sobre sí mismo. Cada uno tiene una voz que quiere compartir. El grafiti posee, y es, una tendencia egoísta. Me gusta pensar que he superado la actitud que tenía a principios de mis años veinte. Estoy más interesado en una conversación sobre “lo que he evolucionado”, especialmente en lo que atañe a representar el arte urbano contemporáneo y mis abstracciones. Estoy haciendo una abstracción de los últimos veinte años de mi trabajo hacia lo más esencial de superposición de colores, líneas y realces. Esto ha sido una evolución constante que he aprendido en todo este camino. Una vez que la obra se acopla a un muro, deja de pertenecerme, así que ahora
estoy pintando un choque de formas, y quiero que éstas sean mis mejores obras. ¿Ves alguna diferencia entre pintar en la calle o en un museo? Los trabajos en exteriores son la parte central para mí, aprendí a pintar muros antes que lienzos. Los espacios grandes al aire libre no se comparan con el trabajo que hago en mi estudio. Es otra cosa completamente diferente que requiere un gran sentido de la proporción y el balance. La capacidad de crear trabajos de menor tamaño en interiores, así como la transición a gran escala, y aún así mantener la idea de balance, es un reto en ambos casos. Respeto a los artistas que pueden lograr eso. Yo abordo proyectos en galerías o museos sabiendo que son otra forma de expresión. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 91
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No los desdeño. Los trato como lo que son, una representación de otro lado de un artista. Ambos son formas efímeras que tienen su lugar. Es bueno ver a un artista, a cualquiera, capaz de dominar todas las plataformas. Barry McGee y Delta son dos artistas que pienso que trascienden un ambiente y exploran los espacios de una forma renovadora. ¿Qué significa Kofie? No es mi nombre real, pero Agustine es una extensión de mi nombre verdadero. Tomé el nombre de Kofie en 1993 por dos razones: es una representación del color café y una combinación de letras inusual en aquel entonces. Yo soy moreno, de una mezcla de descendencias y quise un nombre que reflejara la idea de este color que remite a la tierra. Para alguien que planeaba adentrarse más en el aprendizaje de dibujar letras, quise un nombre con el que pudiera jugar y que tuviera un balance entre vocales y consonantes y que fuera original para un pintor de Los Ángeles. Nadie tenía una combinación como esta o un nombre de tres letras como “Kof”, así que la escogí. No entré al grafiti para ganarme la vida con él. Sabía que quería ser creativo para ganarme la vida. Tu pones mucho tiempo, energía y amor en algo como un nombre y un estilo y eventualmente habrá una reacción a esa acción. Todo depende del esfuerzo de cada quien y la necesidad de generar una idea única.
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CALL AND RESPONSE: AUGUSTINE KOFIE Is someone in your family an artist? Yes, my mother. She was a creative child, won awards in school and attended the University of California, Los Angeles, in her early twenties. Then, I was born and she couldn’t continue her career in art. She had a multifaceted talent for it. I am artist now because she supported and nurtured that craft in me when I was younger. I was able to pursue the arts for a living—she is proud of my growth and accomplishments. I wouldn’t call my father an artist, more of a craftsman. How was your first encounter with art? My mother was the first artist I knew. The first working artist I met was street artist and political activist Robbie Conal. He was a friend of an old family friend of mine in Los Angeles when I was a child. My friend’s home was filled with artworks, including Robbie’s pieces. Art classes in school were required but not very good. Some kids excelled, including me. We would draw battles, wars and machines… Others drew graffiti style characters and letters. That obviously caught my eye and I pursued that style. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 94
Did you study art or you are selftaught? In the early 1990s I took some technical art classes in school: graphic design, drafting, marker techniques… all outdated now. I did not go to art school after graduating high school in ‘93. I’m what most would call self taught. I am lucky enough to have drive, dedication and appreciation for technique and craft that surpassed my peers at the time. If I was into something or wanted to know more, I dove in feet first and explored it until I mastered it. That’s what happened when I wanted to learn how to use spray paint as a medium. I loved the idea of wild styles and graffiti, but I was obsessed with the cans themselves and the magic that could make with them. There weren’t many good brands of American paint by then—the range of colors was minimum. Much has changed since that time. That interest started in the early 1990s… Twenty years later I’m still in love with this craft. Are there some artists that feel close in terms of ideas or artistic concepts? In terms of classic NYC Graffiti I would have to say Phase 2 and Rammellzee are my major inspirations. I love the pioneering and
progressive styles of Futura, but Phase 2’s illustration work is the best in technical terms. There was a philosophy to what they rocked that seems lost nowadays. Art history-wise I gravitate towards the architect Lebbeus Woods, Futurist painter Syd Mead, Constructivist artist Laszlo Maholy-Nagy and painter Richard Diebenkorn. They all have a sense of space that I strive for in my own works. Each of those distinguished artists has a tendency to “construct” their artworks and this is something I feel I do as well. Do you improvise while painting or is everything planned first? It all depends on the wall, on the situation. I always tend to have a notebook sketch of the overall form of a piece, but it can change. I like to paint a wall that reflects my style of a specific time, but improvising is always allowed. My style allows expansion and reduction—it’s interchangeable. My pieces are constructed and built, even destroyed at times. Commissions are more planned out—I digitize sketches of the wall with the design superimposed to show placement. That helps me, and the building owner, to visualize the final product, so that there are no big surprises. Commissions and planned pieces are fun, especially when I’m leased with the completed work, but I prefer a loose sketch and then improvising, which is best when you get to know neighborhood you are painting in.
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Detail. 2013.
Tell us a little about your visit to Querétaro, Mexico, last year. It was your first time in Mexico? This was my first serious trip to Mexico. Irene Gutiérrez invited me to give a talk at an university and to paint a mural for the Board Dripper street art festival. I ended up meeting and painting with Smithe and Dhear at the university. I was very impressed with the work and style of both, their imagination and work ethic. Each time I travel to a place where I can’t speak my language I feel intimidated. I can’t share my feelings in words so well with someone that can’t speak English, but do it through my art. This entire experience was amazing and unique. (All my travels ILEGAL SQUAD MAGAZINE 96
2004.
as an adult, especially as I never traveled much before my career took form). Each trip is a work trip based on me sharing my art. I grew up in Los Angeles and only can speak and understand a little Spanish, but I appreciate and admire Latino culture. On my last day, Irene took me to a restaurant where few tourists go, and I had huitlacoche [black mushroom] quesadillas and menudo [tripe]. I didn’t want to leave. Abstraction, in general terms, sometimes has been related to a very personal artistic expression—or to a kind of cryptic language. Do you paint for yourself or for other people?
First and foremost, the act of painting is for myself. It’s pretty common for an artist in any medium or level to be self-involved. Each one has a voice that they want to share. Graffiti has and is a selfish tendency. I like to think I have outgrown the attitude I had in my early twenties. I’m much more interested in a conversation, “look how much I’ve evolved,” especially in representing contemporary street art and my own abstractions. I’m abstracting the last 20 years of my art down to the basics of color overlap, line and highlight. This is a constant evolution I’m learning along the way. Once the work touches the wall, it will not be mine anymore, so if I’m going to
2007.
paint a collision between shapes, I want it to be my best work. Is there any difference between painting outdoors in the street and painting in a gallery or museum? Outdoor works are the core for me. I learned how to paint walls before canvas. Large open-air spaces can’t be compared to my studio work. It’s a whole other thing that requires a great sense of proportion and balance. The ability to create smaller-scale works for interiors, as well as transition into the large scale and still keep that understanding of balance is a challenge in both cases. I respect artists who can pull
that off. I go into projects in a gallery or museum knowing that they are another form of expression. I don’t disdain them. I treat them for what they are, a representation of another side of the artist. Both are ephemeral forms that have their place. It’s great to see an artist, any artist, be able to command all platforms. Barry McGee and Delta are two artists I can think of that transcend an environment and explore spaces in a refreshing way. Lastly, what does Kofie mean? It’s not my real name, but Augustine is an extension of my birth name. I took the name Kofie in 1993 for two reasons: it represents the color brown and the combination of let-
ters was unusual at the time. I am a brown kid of mixed descent and I wanted a name that reflected the idea of this earthy color. For someone that was planning on going deep into learning how to paint letters, I wanted a name that I could play with that had a balance of vowels and consonants and was original for a painter in Los Angeles. No one had a combination like that or a threeletter name like “Kof,” so I took it. I didn’t get into graffiti to make a living from it. I knew I wanted to be a creative for a living. You put so much time, energy and love into something like a name and a style and eventually there will be an effect to that cause, that all depends on ones drive and need to precipitate a unique idea. ILEGAL SQUAD MAGAZINE 97
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“I saw Lee’s work on the trains and on the handball court walls, and I thought it was like Pop Art meets Mexican murals meets New York graffiti.” FAB 5 FREDDY.
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“Vi la obra de Lee en los trenes y en las muros de las canchas de frontón y pensé que era una mezcla entre el arte pop, los murales mexicanos y el grafiti de Nueva York”. FAB 5 FREDDY.
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POSKE Una dicotomĂa entre un inicio y un fin / A dichotomy between a beginning and end.
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