Kehrer Winter 2011 Cataolgue by Paul Martin

Neuheiten und Gesamtverzeichnis / New Titles and Complete Catalog Herbst 2011 / Fall 2011

Fotografie / Photography

W. Eugene

Smith

Erste deutschsprachige Ausgabe W. EUGENE SMITH The purpose of all art is to cause a deep emotion, also one that is entertaining or pleasing. Out of the depth and entertainment comes value. W. Eugene Smith

Der amerikanische Fotograf W. Eugene Smith (1918 – 1978) revolutionierte die Form des Foto-Essays vor allem mit den Arbeiten, die er zwischen 1948 und 1956 im Magazin Life veröffentlichte. Die vorliegende Monografie zeigt Bilder aus sechs Serien, die inzwischen als Klassiker gelten dürfen: Country Doctor, ein Porträt des selbstlosen und zuweilen frustrierenden Arbeitsalltags eines Landarztes im ländlichen Amerika, Spanish Village, eine ungeheuer kraftvolle Studie aus dem Spanien der 50er-Jahre, Nurse Midwife über das Leben einer schwarzen Hebamme im amerikanischen Süden, A Man of Mercy, eine Dokumentation von Albert Schweitzers humanitären Einsatz in Afrika, Minamata, eine Reportage über die Folgen eines Quecksilberunfalls in einem japanischen Fischerdorf, und schließlich Pittsburgh, Texte von / Texts by Britt Salvesen, W. Eugene Smith, Enrica Viganò Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket 27 x 34 cm 240 Seiten / pages 175 S/W-Abb. / b/w ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-255-9 ca. Euro 39,80 / Sfr 53,90 September 2011

Smiths erste freiberufliche Arbeit. Das Buch enthält unter anderen Texte von Smith über seine Arbeitsmethoden und Prinzipien. Er schreibt über die Entstehung seines wohl berühmtesten Fotos A Walk to a Paradise Garden und über das Spanien in den 50erJahren, wo einer seiner eindrucksvollsten Foto-Essays entstanden ist. American photographer W. Eugene Smith (1918 – 1978) revolutionized the photo-essay form with the works he published in Life magazine between 1948 and 1956. This monograph reproduces images from six of his classic sequences: Country Doctor, which portrays the selfless and sometimes frustrating work of a doctor in rural America; Spanish Village, the most powerful photographic study of 1950s Spain; Nurse Midwife, which examines the life of a black woman in the American south; A Man of Mercy, which documents Dr. Albert Schweitzer’s humanitarian work in Africa; Minamata, a photo-essay recording the effects caused by a mercury spill in a region inhabited by Japanese fishermen, and Pittsburgh, Smith’s first freelance assignment. Writings by W. Eugene Smith, clarifying his field techniques and guiding

Ausstellung / Exhibition Martin-Gropius-Bau, Berlin 27. 09. – 27. 11. 2011

principles, are included here alongside the tale of his most praised photograph, A Walk to a Paradise Garden, and an essay on Spain in the 1950s, the setting for his Spanish Village essay.

Thomas Steinert, Stadtbad / Municipal pool, Leipzig 1988 / 2008 (Detail)

Fotografie / Photography

Gabriele Koenig EROS UND STASI – OSTDEUTSCHE FOTOGRAFIE / EAST GERMAN PHOTOGRAPHY Der Katalog zeigt Bilder aus der Sammlung Gabriele Koenig und gibt einen Überblick über die ostdeutsche Fotografie. Die rund 100 Werke stammen von bedeutenden Fotografen wie Sibylle Bergemann, Evelyn Richter, Ulrich Wüst, Ute Mahler, Will McBride, Helga Paris und Roger Melis. Schwarz auf Weiß haben sie alltägliche Situationen festgehalten, die die jüngere Zeitgeschichte des deutschen Ostens abseits der großen Politik spiegeln. In Momentaufnahmen werden beruflicher und privater Alltag, politische Aktivitäten, Stadtlandschaften, Interieurs und einfühlsame Aktfotografie präsentiert. Die »Streetfotografie« der 1970er- und 80er- Jahre, die das Leben in der DDR authentisch und ungestellt wiedergibt, steht im Mittelpunkt. Stadtansichten von Ursula Arnold und Arno Fischer zeigen die Situation der 1950er-Jahre. Die Nachlese bilden die Werke von Daniel und Geo Fuchs, die 15 Jahre nach dem Fall der Mauer in ihrer Serie STASI – Secret Rooms die verlassenen Stätten des Staatssicherheitsdienstes dokumentieren und Herausgegeben von / Edited by Gabriele Koenig Texte von / Texts by Brigitte Franzen, Ditmar Schädel Festeinband / Hardcover 24 x 30 cm 192 Seiten / pages 10 Farb- und 123 S/W-Abb. / 10 color and 123 b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-216-0 Euro 36,– / Sfr 48,90 Lieferbar / Available

die hinterlassenen Zeugnisse eines Überwachungsstaates und seiner perfiden Maschinerie auflisten. The catalog shows pictures from the Gabriele Koenig Collection, thus providing an overview of East German photography. The 100 or so works come from prominent photographers such as Sibylle Bergemann, Evelyn Richter, Ulrich Wüst, Ute Mahler, Will McBride, Helga Paris and Roger Melis. These artists have captured in black on white everyday situations evoking the recent history of the German East as it has unfolded on the sidelines of major political events. We are treated here to snapshot-like views of daily life at work and at home, political activities, cityscapes and interiors, along with sensitively portrayed nudes. The main focus however is on the »street photography« of the 1970s and 80s, depicting life in the GDR authentically and candidly. City views by Ursula Arnold and Arno Fischer show the situation in the 1950s. A postscript is then supplied by Daniel and Geo Fuchs, who, 15 years after the Wall fell, document the deserted premises once occupied by the East German secret police in their series STASI – Secret Rooms, cataloging the evidence left behind of a police state and its perfidi-

Christian Borchert, Regenschauer am / Rain shower on Nöldner Platz (1), Berlin 1971

Daniel und / and Geo Fuchs, Untersuchungshaftanstalt Hohenschönhausen, Vernehmertrakt / Hohenschönhausen detention center, interrogation wing, 2004

ous machinery.

Andrea Hoyer, Dolphins (Detail)

Fotografie / Photography

Andrea Hoyer RECOLLECTIONS Andrea Hoyer

Die Fotografien von Andrea Hoyer sind die Quintessenz einer sechs Jahre langen Reise quer durch die frühere Sowjetunion. An die Filmeinstellungen des Regisseurs Andrei Tarkowski und die literarische Fantasie W. G. Sebalds erinnernd, porträtieren sie zwei ineinandergreifende Traumwelten: Moskau und die Provinz. Hoyers Momentaufnahmen zeitloser Betrachtungen, von

Recollections

Zweifel und Hoffnung an den Rändern der Geschichte, sind nicht nur Mahnzeichen, sondern Bilder, in denen die Tagträume ihrer Objekte auf dem Papier Spuren zu hinterlassen scheinen. Das Buch ist in verschiedene Abschnitte eingeteilt: Eine Sequenz mit 35-mm-Schwarz-Weiß-Fotografien dokumentiert Reisen in entlegene zentralasiatische Städte, zu Stränden am Kaspischen Meer, an die Peripherie

Herausgegeben von / Edited by James Meek, Robert Claus Text von / by James Meek Festeinband / Hardcover 21 x 21 cm 96 Seiten / pages 55 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-237-5 ca. Euro 30,– / Sfr 41,90 Oktober / October 2011

der Arktis und zu ukrainischen, dem Niedergang anheimgefallenen Städten (prämiert mit dem Leica-Oskar-Barnack-Preis). Ein anderes Kapitel zeigt Farbfotografien im Mittelformat, die die Intensität des winterlichen Moskaus einfrieren. Der Betrachter bekommt Seite für Seite derart einprägsame Fragmente einer Reise vermittelt, dass er fast glauben könnte, er sei selbst dabei gewesen. Im bestechenden Licht von Hoyers Fotografien – hart unter sibirischem Himmel, grell flirrend in einer Moskauer Straße oder nebelverhangen am Meer – ist eine beunruhigende Ebenbürtigkeit der Elemente auszumachen: Hunde und Männer werden gleichermaßen von Schwermut erfasst und sowohl Schmetterlingen als auch Gebäuden haftet eine gewisse Fragilität an. Distilling six years of travel across the former Soviet Union, these images, reminiscent of Tarkovsky and the vision of W. G. Sebald, portray two intertwining dreamtimes: Moscow and the provinces. Hoyer’s glimpses of timeless moments of reflection, hope and doubt at the edges of history are not mere mementoes but images in which the daydreams of her subjects seem to leave their mark on the paper. The book is divided into segments of black and white 35mm photographs,the product of quiet voyages to Central Asian cities, Caspian beaches, Arctic outskirts and faded Ukrainian anytowns (awarded with the Leica-Oskar-Barnack-Preis), and medium format color images that crystallize the intensity of Moscow in winter. Page by page the reader is given fragments of a journey that place themselves in the memory as if the reader half-remembers making it. In the exquisite light of Hoyer’s pictures, raw from the Siberian sky, dazzling on a Moscow street or attenuated by sea fog, there is an unsettling equality of elements: dogs and men become alike in wistfulness, butterflies and buildings share a common fragility.

Ev탑en Sobek, Life in Blue (Detail)

Fotografie / Photography

Evžen Sobek Evzen LIFE IN BLUE Seit 2007 dokumentiert der Fotograf Evžen Sobek in seiner Serie Life in Blue das Leben am Ufer eines Stausees im Süden der Tschechischen Republik. In dem künstlichen Erholungsgebiet hat sich eine ungewöhnliche Wohnwagen- und Zeltlandschaft etabliert, die für viele Bewohner eine zweite Heimat geworden ist, wo sie seit Jahrzehnten ihre Ferien verbringen. Was bringt die Mitglieder dieser Gemeinschaft freiwillig dazu ein Wochenende oder sogar ein Jahr in dieser sonderbaren Leere zu verbringen? Ist es das Bedürfnis nach zwanglosem Umgang in einer romantischen Umgebung? Vielleicht können diese Menschen hier ihr Verlangen nach einem Leben in Gesellschaft stillen, das die Stadt nicht mehr bieten kann. Die Serie erzählt von ihren alltäglichen Freizeitaktivitäten, den kleinen Geschichten des Lebens, die jedoch hintergründig und geheimnisvoll oder manchmal sogar skurril erscheinen. Sobek bleibt dabei aber immer neutraler Beobachter, Texte von / Texts by Jirˇi Pátek, Jirˇi Siostrzonek Festeinband / Hardcover 30 x 30 cm 96 Seiten / pages 55 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-220-7 Euro 36,– / Sfr 48,90 Lieferbar / Available

der respektvoll und mit viel Empathie die Gemeinschaft am See porträtiert. Evžen Sobek (*1967) arbeitet als freier Fotograf und unterrichtet an verschiedenen Universitäten Fotografie. Seine Arbeiten sind in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, wie im Museum of Fine Arts, Houston und im Museum für Romanische Kultur, Brno. Die Serie Life in Blue wurde bei den 2010 Lens Culture International Exposure Awards mit einer Honorable Mention ausgezeichnet. Since 2007 photographer Evžen Sobek has been documenting life on the banks of a reservoir in the southern Czech Republic in his series Life in Blue. In this manmade recreation area, an unusual community of campers and tents has grown up that for many residents has become a second home, a place where they have spent their vacations for decades. What prompts the members of this community to voluntarily spend a weekend or even a year in this strangely empty landscape? Is it the need for some unconstrained time in a romantic setting? Or perhaps people are able here to quench their desire for a life in the society of others that the city can no longer offer. The series tells of their everyday leisure activities, the small stories written

Ausstellungen / Exhibitions Blue Sky Gallery, Portland, Oregon 06. – 29. 05. 2011 Lens Culture Award 2010, Dumbo Gallery, New York 14. – 20. 07. 2011

by life that sometimes seem to have a deeper meaning, enigmatic or even bizarre. Sobek always maintains his stance as neutral a observer who portrays the lakeside community with respect and a great deal of empathy. Evžen Sobek (*1967) works as a freelance photographer and teaches photography at various universities. His works are represented in numerous public and private collections, among them the Museum of Fine Arts, Houston, and

galerie 5. patro, Prag / Prague, 06. – 27. 09. 2011 Lens Culture Award 2010, Spéos Gallery, Paris September 2011

the Museum for Romany Culture, Brno. The series Life in Blue was awarded an Honorable Mention at the 2010 Lens Culture International Exposure Awards.

Fotografie / Photography

Bilder aus Island FRONTIERS OF ANOTHER NATURE Der Katalog Grenzen anderer Natur – Bilder aus Island präsentiert eine einzigartige Auswahl von aufstrebenden und bereits etablierten isländischen Foto-Media-Künstlern, die sich in ihren Arbeiten immer wieder auf Landschaft und Umwelt beziehen. Man erlebt vieldeutige Lebenswelten, die die Fotografen erkunden und mit visuellen Erzählungen über die Weite des Landes oder aber dessen Verlust erfüllen. Die Landschaft wird hier oft zur Metapher für Begehren, Entfremdung, ehrfurchterregende Größe, Tradition, Ironie und Rebellion oder Leistung und Defizit. Das gilt gleichermaßen für die historischen Aufnahmen aus Island, die das Buch ergänzen. Die Ausstellung wird kuratiert von Celina Lunsford (Fotografie Forum FrankHerausgegeben von / Edited by Celina Lunsford, Christiane Stahl, Kristján B. Jónasson Text von / by Christiane Stahl Festeinband / Hardcover ca. 30 x 24,5 cm ca. 160 Seiten / pages ca. 150 Farb- und Duotonabb. / color and duotone ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-252-8 Im Ausstellungszeitraum / During exhibition Euro 30,– / Sfr 41,90 Danach / Later Euro 36,– / Sfr 48,90 August 2011

furt) und Christiane Stahl (Alfred Ehrhardt Stiftung,Berlin) in Zusammenarbeit mit Inga Lára Baldvinsdóttir (Isländisches Nationalmuseum) und María Karen Sigurðardóttir (Museum für Fotografie, Reykjavík), und ist Teil des Kunst- und Kulturprogramms Sagenhaftes Island – Ehrengast der Frankfurter Buchmesse 2011. Frontiers of Another Nature – Pictures from Iceland is a unique selection of emerging and established Icelandic photo-media artists.These artists repeatedly draw from the landscape and environment in their work. The catalog and exhibition will introduce ambiguous environments in which the photographers themselves investigate and build visual narratives around the expanse of land, or the loss of it. Here the landscape often performs as metaphor for desire, alienation, magnificence and awe, tradition, irony and rebellion or achievement and deficit. The exhibition is curated by Celina Lunsford, Fotografie Forum Frankfurt, and Dr. Christiane Stahl, Alfred-Ehrhardt-Stiftung, in cooperation with Inga Lára Baldvinsdóttir, National Museum of Iceland, Reykjavík, and María Karen Sigurðardóttir, Museum for Photography, Reykjavík, as part of the arts and culture program of the Fabulous Iceland – Guest of Honour at the Frankfurt Book Fair 2011.

Beteiligte Künstler / Participating artists: Katrín Elvarsdóttir, Icelandic Love Corporation, Einar Falur Ingólfsson, Haraldur Jónsson, Bára Kristinsdóttir, Ingvar Högni Ragnarsson, Hrafnkell Sigurdsson, Spessi, Pétur Thomsen und weitere / and others

Haraldur Jonsson, from the series Tsoyl, 2010 (Detail)

E. F. Ingólfsson, Sögustaðir / Saga-Steads – In the Footsteps of W. G. Collingwood, 2010 (Detail)

Ausstellung / Exhibition Grenzen anderer Natur – Zeitgenössische Fotokunst aus Island / Frontiers of Another Nature – Contemporary Photographic Art from Iceland, Fotografie Forum Frankfurt in Kooperation mit dem Frankfurter Kunstverein als Teil des Kunst- und Kulturprogramms Sagenhaftes Island / Fotografie Forum Frankfurt in cooperation with the Frankfurter Kunstverein as a part of the arts and culture program of Fabulous Iceland, 19. 08. – 16. 10. 2011

Fotografie / Photography

Francesco Giusti, Bonga Bonga, aus / from Sapologie, Pointe Noire, Congo, 2009

4. Fotofestival Mannheim_Ludwigshafen_Heidelberg THE EYE IS A LONELY HUNTER Unter dem TitelThe Eye is a Lonely Hunter – Images of Humankind fokussiert das 4. Fotofestival Mannheim_Ludwigshafen_Heidelberg eine humanistische Sichtweise innerhalb der Tradition der Dokumentarfotografie. Es präsentiert Positionen, die in der Schnittmenge zwischen Dokumentar- und Kunstfotografie angesiedelt sind und die sowohl ein starkes visuelles Moment als auch ein feines Gespür für soziopolitische Zusammenhänge kennzeichnet. Es versucht einen Überblick über die conditio humana zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts, gesehen von einer Vielzahl geografischer Standpunkte wie Afrika, Südamerika, Osteuropa und Asien.

THE EYE IS A LONELY HUNTER

Der Katalog spiegelt das Thema des Humanismus in zeitgenössicher Kunstund Dokumentarfotografie visuell und theoretisch wider. Texte der Kuratoren führen in strukturierende Unterthemen ein: Ecological Circuits, The Practice of Everyday Life, Role and Ritual, The Effect and Affect of Politics und Life Cycles. Jeder der teilnehmenden Künstler wird mit einem eigenen

Herausgegeben von / Edited by Solvej Helweg Ovesen, Katerina Gregos, Fotofestival Mannheim_Ludwigshafen_ Heidelberg e.V. Texte von / Texts by S. H. Ovesen, K. Gregos et al. Broschur mit Schutzumschlag / Softcover with dust jacket, 18 x 24,5 cm ca. 180 Seiten / pages ca. 180 Farbabb. / color ills. ISBN 978-3-86828-240-5 DEUTSCH / ENGLISCH ca. Euro 20,– / Sfr 28,90 September 2011

Bild- und Textteil vorgestellt. The 4th edition of the Fotofestival Mannheim_Ludwigshafen_Heidelberg bears the title The Eye is a Lonely Hunter – Images of Humankind. The festival takes as its point of departure a humanist perspective in the tradition of documentary photography. It will showcase a variety of practices that are situated at the intersection between documentary and artistic photography, practices that are characterised by a strong sense of visuality but also a keen sense of sociopolitical awarenes. It aims to be a photographic survey of the human condition as we enter the second decade of the 21st century, seen from a plurality of geographic angles. The catalog reflects the theme of humanism in contemporary art and documentary photography visually and theoretically.The structuring subthemes – Ecological Circuits, The Practice of Everyday Life, Role and Ritual, The Effect and Affect of Politics and Life Cycles – are introduced by the curators. Each participating artist will be represented with images and a text. Bani Abidi (IND), Olaf Otto Becker (D), Edward Burtynsky(CAN), Peggy Buth (D), Gohar Dashti (IRAN), Jacob Holdt (DK), Pieter Hugo (South Africa), Nicu Ilfoveanu (RUM), Rinko Kawauchi (JAP), Panos Kokkinias (GR), Florian Maier-Aichen (D), Boniface Mwangi (KENYA), Taryn Simon (USA), Fiona Tan (NL), Tris Vonna-Michell (GB), Paolo Woods (NL), Yang Yongliang (CH) und weitere / and others

Olaf Otto Becker, River 2 Position 2 aus / from Above Zero, 2008

Pieter Hugo, Escort Kama, Enugu, Nigeria, 2008 Courtesy Michael Stevenson, Cape Town and Yossi Milo, New York

Ausstellung / Exhibition 4. Fotofestival_Mannheim_ Ludwigshafen_Heidelberg 2011 10. 09. – 06. 11. 2011

Scarlett Hooft Graafland, My Bonnie (Detail)

Fotografie / Photography

Scarlett Hooft Graafland SOFT HORIZONS Hooft Graafland sometimes spends months on the edges of the world. Until it happens. Until, as in a feverish dream, her fantasies can become reality. Until Bolivian women wave sticks of candyfloss on salt pans, the entrails of polar bears trace out a palm tree at the North Pole, dromedaries with pigment-tinted humps shuffle across the desert, hats hover over hot water springs, until a stuffed blue reindeer stands out amidst thousands of its living fellows. Until this exceptional location has acquired its poetry, captured in a photographic image. Then it is time to leave, because the third reality has now been achieved. The reality of the magic, of the reality within the image, which could never have been conceived beforehand. IJsbrand van Veelen Texte von / Texts by Sue Steward, Els Barents Klappenbroschur / Softcover 29,4 x 24,5 cm 122 Seiten / pages ca. 50 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-223-8 ca. Euro 35,– / Sfr 47,90 September 2011

Die Fotoarbeiten von Scarlett Hooft Graafland, Grenzgängerin zwischen Fotografie, Performance und Skulptur, sind Zeugnisse ihrer streng choreografierten Live-Performances in den Salzwüsten Boliviens, in der kanadischen und norwegischen Arktis, im ländlichen China und Indien, in den Lavafeldern Islands oder in der niederländischen Kulturlandschaft. Fasziniert von der unwirklichen Schönheit der rauhen Naturlandschaften, nutzt sie diese als ihre Leinwand. Die niederländische Künstlerin Hooft Graafland (*1973) hat ihre Arbeiten bereits in zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen gezeigt, darunter die Rencontres d’Arles, die World Expo in Shanghai, das MOCCA Museum in Toronto und das Huis Marseille Museum for Photography in Amsterdam. Inhabiting the border between straight photography, performance and sculpture, Scarlett Hooft Graafland’s photographs are records of her highly choreographed live performances in the salt desert of Bolivia, the Canadian and Norwegian arctic, rural China and India, the lava fields of Iceland and the Dutch countryside. Fascinated by the surreal beauty of the harsh natural landscape she utilises this as her canvas. Dutch artist Hooft Graafland (*1973) has shown her work at various solo MOCCA Museum in Toronto and Huis Marseille Museum of Photography in Amsterdam.

Scarlett Hooft Graafland, Red Masmo

Scarlett Hooft Graafland, Green 1

Ausstellung / Exhibition Huis Marseille Museum for Photography, Amsterdam 10. 09. – 20. 11. 2011

and group shows such as Arles photo festival, the World Expo in Shanghai,

Fotografie / Photography

Anoek Steketee & Eefje Blankevoort DREAM CITY »Während einer Reise durch das irakische Kurdistan besuchten wir einen Freizeitpark in Duhok, einer eher uninteressanten Stadt nahe der Grenze zwischen der Türkei und Syrien. In den Zeitungen waren täglich Berichte über Angriffe, Kidnappings und sektiererische Gewalt zu lesen, während wir Eis aßen, Riesenrad fuhren und uns mit den unterschiedlichen Besuchern des Parks unterhielten.In dieser angenehmen, aber auch surreal anmutenden Atmosphäre des Parks sprachen die Besucher offen über ihr tägliches Leben, ihre Ängste, Hoffnungen und Träume für die Zukunft. In Dream City war es möglich, dass Kurden, Araber, amerikanische Soldaten, Christen, Moslems, Shiiten und Sunniten, Teile der irakischen Bevölkerung, die außerhalb der Tore in tödliche Kämpfe verwickelt waren, freundlichen Umgang hatten« (A. Steketee, E. Blankevoort). Mit ihren funkelnden Lichtern, märchenhaften Szenerien und perfekt gepflegten Gärten bedienen Freizeitparks das zeitlose Bedürfnis des Menschen, seiner alltäglichen Realität zu entText von / by Eefje Blankevoort Festeinband / Hardcover 24 x 32 cm 168 Seiten / pages 77 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-248-1 ca. Euro 40,– / Sfr 53,90 Juni / June 2011

fliehen. Darüber hinaus können sie eine große symbolische Rolle innerhalb einer Gesellschaft spielen. Ihr Ursprung, der Ort und ihr Thema gewähren bedeutende Einblicke in die sozio-politische Lage des jeweiligen Landes. Hinter der unschuldigen Fassade lauert ein dunkler Kern, der die Frage aufwirft, wie unterschiedliche Realitäten nebeneinander existieren können. »During a trip through Iraqi-Kurdistan in 2006, we found ourselves in the amusement park in Duhok, an unexciting town near the border with Turkey and Syria. Reports of attacks, kidnappings and sectarian violence filled the newspapers on a daily basis. Meanwhile, we ate ice cream, rode on the Ferris wheel and talked to the park’s diverse visitors. In the park’s pleasant but equally surreal surroundings, visitors talked frankly about their daily lives, their fears, hopes and dreams for the future. Kurds, Arabs and American soldiers, Christians and Muslims, Shiites and Sunnis; segments of the

Ausstellung / Exhibition Dream City, Nederlands Fotomuseum, Rotterdam, 25. 06. – 28. 08. 2011

Iraqi population that were submerged in a deadly struggle outside the gates, amiably rubbed shoulders in Dream City « (A. Steketee, E. Blankevoort). This visit has been the starting point of a journey along the world of amusement parks in diverse places in the world. With their sparkling lights, fairy-tale

Amusement Parks im Buch / in the book: Iraq (Dream City), Lebanon (Beirut Lunapark), Israel (Superland), the Palestinian Territories (Funland), Rwanda (Bambino Supercity), Colombia (Hacienda Napoles & Jaime Duque), Indonesia (Dunia Fantasia), China (Nanhu & Shimlong), Turkmenistan (Turkmenbashi’s World of Fairy Tales) and the USA (Dollywood)

scenery and perfectly maintained gardens, the parks derive their value from the universal and timeless human need to escape from daily reality in a communal constructed space, surrounded by a fence. It became apparent to the authors that an amusement park is more than just a place to have fun; it often also plays a highly symbolic role in a society. Behind the subject’s innocent, light-hearted exterior lurks a darker, staged core, which raises questions about the way different realities can exist next to each other.

Fotografie / Photography

Lydia Panas THE MARK OF ABEL Drei Jahre lang – und bei jedem Wetter – lud Lydia Panas Familien ein, sich von ihr fotografieren zu lassen. Die Gruppen standen geduldig vor ihrer Kamera, während die Serie sich entwickelte. Nichts geschah absichtlich oder mit Plan. Die Bilder zeigen weniger Individuen, sondern gehen vielmehr den Fragen nach, wie wir uns selbst sehen oder was wir empfinden. Einige LYDIA PANAS

THE MARK OF ABEL

der Abgebildeten sind Familienmitglieder, etliche sind Freunde, andere kannte die Fotografin nur entfernt. Diese bat sie, ihre Angehörigen oder enge Freunde mitzubringen, Menschen, mit denen sie etwas verbindet. Es war faszinierend zu beobachten, wie sie bestimmte Stellungen einnahmen oder sich gegenüber der Fotografin und der Kamera in Position brachten.

Texte von / Texts by Maile Meloy, George Slade Festeinband / Hardcover 30 x 24 cm 96 Seiten / pages 50 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-229-0 Euro 36,– / Sfr 48,90 September 2011

Panas stellte fest, dass erst der Blick durch die Kamera ihr die Haltung eines ungezwungenen Beobachters ermöglichte, und es ihr dadurch gelang, etwas von der Beziehung zwischen den Menschen einzufangen – jene unbestimmten Gefühle, die zwischen uns existieren, jene Augenblicke, die wir zwar wahrnehmen, die sich aber in unseren zwischenmenschlichen Beziehungen so schwer beschreiben lassen. In diesen Bildern von familiären Beziehungen sind die Details am wichtigsten. Die Fotografien zeigen zwar bezaubernde Menschen, grüne Landschaften und wunderschönes Licht, aber es sind die kleinen Dinge, die uns Anhaltspunkte dafür liefern, dieses hintergründige Werk intellektuell zu erschließen.

Ausstellungen / Exhibitions 2011 Pennsylvania Photography Biennial, Silver Eye Center for Photography Pittsburgh, Pennsylvania 24. 05. – 27. 08. 2011

For three years in hot weather and cold, Lydia Panas invited families to stand before her lens. She was curious to see what would happen. These groups stood graciously before her as the series unfolded. Nothing was deliberate or planned. The images do not represent individuals so much as they explore the questions of how we see ourselves and what we

Becoming Muses Center For Photography at Woodstock, Woodstock, New York 11. 06. – 28. 08. 2011

feel. In these pictures of family relationships, it is the details that matter most. Although they portray engaging people, verdant landscapes and beautiful light, it is the small things in the images that provide us with clues to understand the subtle nature of the work. After twenty years of

Art of the State: Pennsylvania 2011, The State Museum of Pennsylvania, Harrisburg, Pennsylvania 19. 06. – 11. 09. 2011

working exclusively in black and white photography, mostly with her own children, Lydia began inviting other people with whom she was less intimate, to her farm in Pennsylvania, to see what difference this might bring to her work. Some of the models are family, some are friends, some are people she knew less intimately. She asked them to bring along their own family members or close friends, people with whom they shared a history. It was fascinating to see how they took certain positions in relation to one another, to the photographer and to the camera. Panas found that with the camera, she was free to watch and capture a sense of the connections between people, those unclear feelings that exist between us. Those moments we feel, yet are so difficult to describe in our connections with others.

Fotografie / Photography

Nina Poppe AMA Eine Frau, die einen Mann nicht ernährt, ist wertlos. / A woman who cannot feed a man is worthless. Redewendung aus Ise-Shima / Saying from Ise-Shima

»Ama-San« werden sie mit viel Liebe und Bewunderung in ganz Japan genannt, dennoch weiß selbst in den Städten Japans eigentlich keiner so genau, was diese mutigen und unabhängigen Frauen der Meere so genau leisten. Mit einem Durchschnittsalter von 60 Jahren bestreiten sie ihren Lebensunterhalt mit der Jagd nach Seeohren (diese Meerschnecken, auch Abalone genannt, gelten besonders in Ostasien als Delikatesse). Wie in die Reife gekommene Meerjungfrauen, die schon längst ihr Rentnerdasein genießen sollten, sehen die ama aus, wenn sie bis zu 20 Meter tief hinab tauchen. Eigentlich sind seit Urzeiten Männer, die jagen, der Inbegriff von Text von / by N.N. Festeinband mit Japanbindung / Hardcover with Japanese binding ca. 20 x 24 cm ca. 144 Seiten / pages ca. 100 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-251-1 ca. Euro 48,– / Sfr 63,90 September 2011

Männlichkeit. Umso amüsanter, dass aufgrund der Erfahrung, dass Männer im Wasser schneller frieren, das Jagen nach Seeohren in Japan traditionell eine Frauendomäne ist. Die Kölner Fotografin Nina Poppe (*1979) führt uns mit ama an einen Ort, an dem Frauen ein besonderes Leben führen und Männer scheinbar keinen Platz haben. Nina Poppe studierte zunächst Fotografie an der Kunsthochschule in Utrecht und seit 2005 an der Kunsthochschule in Köln bei Boris Becker. Die Serie ama wurde 2011 auf der Art Cologne gezeigt. Everyone in Japan knows them as »Ama-San,« a title that conveys a great deal of affection and admiration – and yet, even in the big cities, hardly anyone is aware of what these courageous and independent women of the seas are actually capable of. At an average age of 60, they make their living by hunting abalone, a delicacy prized particularly in East Asia. The ama look like mature mermaids who, instead of enjoying their golden years in leisure, continue to dive regularly as far as 20 meters down into the depths. Since time immemorial, the image of man as hunter has been the epitome of masculinity. Which makes it all the more amusing that, based on the experience that men become chilled in the water faster, the hunt for abalone has traditionally been a woman's domain in Japan.

Collector’s Edition mit Pigmentprint in Box / with pigment print in box, Blattformat / sheet size 20 x 24 cm, Auflage 30 + 5 / Edition of 30 + 5, Subskriptionspreis bis 09. 11. 2011 Euro 240,– / Sfr 312,– , danach Euro 290,– / Sfr 377,– / Subscription price until November 9, 2011 Euro 240,– / Sfr 312,–, after that date Euro 290,– / Sfr 377,–

In her book ama, the Cologne photographer Nina Poppe (*1979) spirits us away to a place where women lead a very special life and there is apparently no room for men.Nina Poppe studied photography first at the Utrecht School of the Arts and, from 2005, at the Academy of Media Arts in Cologne with Boris Becker. The ama series was exhibited at Art Cologne in 2011.

Fotografie / Photography

Venetia Dearden EIGHT DAYS »Wie Pilger werden wir alle geradezu magnetisch angezogen von heiligen und uralten Kultstätten. All diese Orte werden zu Zentren für soziale Interaktionen, wo wir kreativ sein, uns treffen, teilen, kommunizieren können. Heutzutage stellen uns übervolle Festivalkalender das ganze Jahr über und weltweit vor die Qual der Wahl. (…) Während acht Tagen überschritten wir Venetia Dearden

Eight Days

in einer Gruppe von Sieben die Schwelle in eine alternative Wirklichkeit, eine Welt weit weg von geordneter Existenz. Unsere jeweilige Reise durch Nevada und zum Burning Man Festival war einzigartig und sehr persönlich und die gemeinsam erlebte Initiation eine Offenbarung.« (Venetia Dearden) Dearden (*1975 in Somerset, UK) studierte Anthropologie in Edinburgh und Fotojournalismus am London College of Printing. Ihre Bilder wurden weltweit veröffentlicht, darunter in Vogue, Wallpaper, The Sunday Times

Text von / by N.N. 8 Cahiers in Box / 8 booklets in box ca. 12 x 16 cm ca. 96 Seiten / pages ca. 60 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-254-2 ca. Euro 40,– / Sfr 53,90 September 2011

Magazine, W Magazine, Harpers Bazaar, Stern. Eight Days ist Deardens viertes Buch nach Somerset Stories – Fivepenny Dreams (2008),Glastonbury – Another Stage (2010),Mulberry Book (2011). »As pilgrims we are all magnetically drawn to places of worship, the sacred, the ancient. These places become hubs of social interaction allowing us to create, meet, share, commune. Today's festival calendar is brimming with choice throughout the year and around the world. Never have these events been more poignant than today where younger generations are finding their »community« or »tribe«. For eight days seven of us crossed a threshold into an alternative reality, a world away from ordered existence. Our journeys around Nevada and to The Burning Man Festival were unique and individual, yet the rite of passage that we shared was an awakening«. (Venetia Dearden) Dearden (*1975 in Somerset, UK) has studied Anthropology at Edinburgh University and Photojournalism at the London College of Printing. Her work is published worldwide: Vogue, Wallpaper, The Sunday Times Magazine, W Magazine, Harpers Bazaar, Stern, amongst many. Eight Days is Venetia Deardens fourth book, after Somerset Stories – Fivepenny Dreams (2008), Glastonbury – Another Stage (2010), and Mulberry Book (2011).

Fotografie / Photography

Taj Forer STONE BY STONE Stone by Stone untersucht fast vergessene Praktiken von Sammler- und Jägerkulturen. Durch imaginative Handlungen wie das Zeichnen auf Höhlenwände oder das Schnitzen von Holz und Speckstein erschufen die ersten Künstler unserer Welt Werke, die Generationen überdauern. Sie erweckten die Vorstellung, dass durch die physische Manifestation des Kunstwerks die konzeptualisierte Wirklichkeit, die darin abgebildet ist, tatsächlich geschehen könnte. Mehr noch als die bloße Niederschrift von Ereignissen, waren diese Werke auch ein Weg, um eine unsichere Zukunft zu formen. In ähnlicher Weise sucht Taj Forer in seinen Fotografien nicht die Vergangenheit erfolgreicher Überlebensstrategien im Busch aufzuzeichnen, sondern auch Zukunft neu zu entwerfen. Taj Forer ist Gründungsherausgeber des Daylight Magazine und hat einen Lehrauftrag an der UNC Chapel Hill inne. Stone by Stone ist nach ThreeText von / by Kirsten Rian Festeinband / Hardcover ca. 24,5 x 24,5 cm ca. 120 Seiten / pages ca. 40 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-215-3 ca. Euro 38,– / Sfr 51,50 Oktober / October 2011

fold Sun (2008) sein zweites Buch. Seine Arbeiten sind in zahlreichen internationalen Sammlungen vertreten, darunter das J. Paul Getty Museum (Los Angeles), die Sir Elton John Collection (London) und das North Carolina Museum of Art (Raleigh). Stone by Stone examines the practices of hunter-gatherer peoples. Through the imaginative acts of drawing on cave walls and sculpting wood and limestone, the world’s first artists imbued their works with the meaning of generational survival and suggested that through the physical manifestation of the art object, the conceptualized reality depicted therein might come to pass. More than a record of events, then, these works looked ahead to shape a future marked by uncertainty. Similarly, through these photographs Taj Forer seeks to depict the successful practice of bushcraft survival skills not to record the past but rather to reimagine the future. Taj Forer is a Founding Editor of Daylight Magazine, the international publisher of contemporary photography, and is currently a lecturer in the Department of Art of UNC-Chapel Hill. Stone by Stone is his second book after Threefold Sun (2008). His work can be found in many public and private collections including the J. Paul Getty Museum (Los Angeles), the Sir Elton John Collection (London), the North Carolina Museum of Art (Raleigh).

Fotografie / Photography

Dierk Maass INCIDENT° OF’ LIGHT'' Es sind Bilder aus einer Welt, in der der Mensch nicht mehr oder noch nicht existiert. Die Aufnahmen, die Dierk Maass von Reisen in alle Welt mitgebracht hat, handeln von Leere, Einsamkeit und Ursprünglichkeit, von karger Reinheit und rauer Schönheit. Karstige Schneeflächen, kahle Felswände, vertrocknete Baum-Skelette, unendliche Weiten und kantige Höhen. Unentdeckte, schwer zugängliche Regionen, die ihre Reize nur dem offen legen, der es schafft, bis zu ihnen vorzudringen: die glühenden Hochebenen der Anden, die dramatischen Achttausender des Himalaya, Steppen und Wüsten in Nordafrika. Seit mehr als 30 Jahren beschäftigt sich Maass, der 1943 in Hildesheim geboren wurde, mit der Fotografie. Seine Kamera hält fest, was ihm auf seinen spektakulären Reisen begegnet ist: überwältigende Natur-Schauspiele, Text von / by Dirk Fuhrig Festeinband / Hardcover ca. 33 x 30 cm ca. 130 Seiten / pages ca. 60 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-239-9 ca. Euro 36,– / Sfr 48,90 Juni / June 2011

überirdische Farben, grandiose Formationen. Erlebnisse und Eindrücke, die nur in diesem engen und unmittelbaren Kontakt mit der Landschaft möglich sind. Dierk Maass lichtet keine Postkartenmotive ab. Er seziert die Landschaften, lässt sie durch Langzeitbelichtungen im gleißenden Licht verblassen. Seine Fotografie zeugt von der Begeisterung für Geometrie, Konturen, Linien und vor allem für die berauschende Kraft des Lichts als Erscheinung, Ereignis und Störfall zugleich. They are images from a world where humans no longer exist, or have not yet appeared on the scene. The pictures, Dierk Maass brings back from journeys all over the world, speak of emptiness, solitude and pristine nature, of barren purity and raw beauty. Rough snowy surfaces, bare rock walls, the dried skeletons of trees, endless vistas and jagged heights. Unexplored, inaccessible regions that only reveal their charms to those who manage to forge their way there: the scorching high plains of the Andes, the dramatic eightthousanders of the Himalayas, steppes and deserts in North Africa. Born in Hildesheim in 1943, Maass has been taking photographs for more than 30 years. His camera captures all that he encounters on his spectacular travels: overwhelming natural spectacles, otherworldly colors, grandiose rock formations. Experiences and impressions that are possible only through close and immediate contact with the landscape. Dierk Maass does not shoot postcard motifs. Instead, he dissects the landscape, using time exposures to make it fade in the glaring light. His photography attests to an enthusiasm for geometry, contours, lines and above all for the intoxicating power of light as manifestation, event and disturbance all at once.

Fotografie / Photography

Emanuel Raab WINTERWALD Die stillen, fast monochromen Fotoarbeiten der neuen Serie Winterwald von Emanuel Raab zeigen den Formenreichtum eines Naturraumes, der sich erst im winterlichen Erscheinungsbild offenbart. Wie eine filigrane Zeichnung verbinden sich die feingliedrigen Linien von Unterholz, Gestrüpp und Ästen zur detailreichen Oberflächenstruktur, die sich wie ein Netz über den natürlichen Raum legt und die Sicht in die Bildtiefe verstellt. Bei aller Sachlichkeit dringt in den subtil komponierten Waldbildern eine romantisch geprägte Auffassung von Natur durch. Indem die fotografische Gestaltung Text von / by Christiane Stahl Festeinband / Hardcover 30 x 24 cm 80 Seiten / pages ca. 36 Farbabb. / color ills. ENGLISCH / DEUTSCH ISBN 978-3-86828-241-2 ca. Euro 36,– / Sfr 48,90 Januar / January 2012

malerischen Prämissen folgt, wird die Natur als geheimnisreicher Ort beschrieben und der Wald zur beseelten Landschaft transformiert. Emanuel Raab beteiligte sich seit 1994 an zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen (u. a. Kunsthalle Bielefeld, Künstlerhaus Bethanien Berlin, Landesmuseum Oldenburg, Kunstverein Ulm, Frankfurter Kunstverein, Schirn Kunsthalle Frankfurt, MARTa Museum Herford, ZKM Karlsruhe). Nach Eduardo Chillida – Antoni Tapies (1994), heimat.de (2000) und Nachtland (2003) ist dies sein viertes Buch. Seit 2001 lehrt er als Professor an der Fachhochschule Bielefeld Fotografie und Bildmedien. The quiet, nearly monochromatic photographs in the new series Winterwald by Emanuel Raab display the rich forms of a natural space that only reveals itself in the winter months. Like a filigree drawing, the finely articulated lines of the underbrush, scrub and branches intertwine to form a detailed surface structure that settles down like a web atop the natural space, obscuring our view into the depth. Despite all objectivity in observation, a romantic view of nature filters through in these subtly composed forest pictures. Following painterly premises, the photographs manage to transform nature into a place full of secrets and the forest into an animated landscape. Since 1994, Emanuel Raab has participated in numerous solo and group exhibitions (including at Kunsthalle Bielefeld, Künstlerhaus Bethanien Berlin, Landesmuseum Oldenburg, Kunstverein Ulm, Frankfurter Kunstverein, Schirn Kunsthalle Frankfurt, MARTa Museum Herford, ZKM Karlsruhe). This is his fourth photo book, joining Eduardo Chillida – Antoni Tapies

Ausstellung / Exhibition Alfred Ehrhardt Stiftung, Berlin Januar – Mai / January – May 2012

(1994), heimat.de (2000) and Nachtland (2003). Raab has been a professor of photography and visual media at the University of Applied Sciences in Bielefeld since 2001.

Fotografie / Photography

Thekla Ehling VERGISZMEINNICHT Vergiszmeinnicht ekla Ehling

Vordergründig zeugt es von kindlicher Naivität, doch sieht man es oft auf Gräbern. Nimmt man es wörtlich, offenbart es einen leisen, flehenden Appell. Und mit ihm verbunden ist die Gewissheit der eigenen Vergänglichkeit. Dabei handelt es sich um einen Pflanzennamen, der fast so alt ist wie unsere Sprache. Die Rede ist vom Vergiszmeinnicht. Das Buch ist Arno Fischer gewidmet, bei dem Thekla Ehling das Sehen und das Fotografieren erlernte. Vor einigen Jahren verwirklichte Fischer selbst ein Buch, es handelte von seinem eigenen Garten. Darin finden sich einige Polaroidaufnahmen, die Zeugnis davon ablegen, wie beharrlich der Lehrer über Jahrzehnte die Welt vor seinem Hause wahrgenommen hat. Dass Thekla Ehling hierauf Bezug nahm, ist kein Zufall. Es ist ein Vergiszmeinnicht. Woher nehmen wir die Vergewisserung, scheinen die Bilder in diesem Buch

Text von / by N. N. Künstlerbuch in Box / Artist’s booklet in box 11,5 x 15 cm ca. 96 Seiten / pages ca. 100 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-250-4 ca. Euro 40,– / Sfr 53,90 Limitierte Auflage von 500 Exemplaren / Limited edition of 500 copies September 2011

zu fragen. Von uns, unserem Leben, unseren merkwürdigen Träumen. Es sind immer drei. Drei Zustände, drei Deutungen, drei Wahrheiten. Als Ganzes scheinen sie sich gegenseitig aufzuheben und schweben in fragiler Balance, anwesend und abwesend zugleich. Wer glaubt, den Bildern sei ein Zauber inne? Man mag sie einfach nicht in Worte fassen. (Christoph Schaden) Superficially, it seems to attest to childish naiveté, but one sees it often on gravestones. Taken literally, it reveals a quiet, imploring plea. And connected with it is the certainty of our own transience. It is a plant name that is almost as ancient as our language. The forget-me-not (Vergiszmeinnicht). The book is dedicated to Arno Fischer, with whom Thekla Ehling learned how to see and how to make photographs. A few years ago, Fischer himself

Ausstellungen / Exhibitions Städtische Galerie Schloss Borbeck (mit / with Kulturstiftung Essen), 17. 09. – 20. 11. 2011 Galerie Robert Morat, Berlin, Frühjahr 2012

published a book about his own garden. In it are several Polaroid images that bear witness to how persistently the teacher studied the world around his home over the decades. That Thekla Ehling has chosen to make reference to this is no accident. It is a forget-me-not. Where do we turn when

Collector’s Edition mit / with 3 C-Prints, Motive nach eigener Wahl aus dem Buch / motifs can be chosen from the book, Blattformat / sheet size 11,5 x 15 cm, Aufl. 50 / Edition of 50, Subskriptionspreis bis 09. 11. 2011 Euro 128,– / Sfr 156,– , danach Euro 148,– / Sfr 192,– / Subscription price until November 9, 2011, Euro 128,– / Sfr 156,–, after that date Euro 148,– / Sfr 192,–

we seek reassurance? – the images in the book seem to ask. About ourselves, our lives, our curious dreams. There are always three. Three states, three interpretations, three truths. Taken as a whole, they seem to cancel each other out, floating in a fragile balance, at once present and absent. Who believes that images have an inherent magic? One is simply reluctant to capture them in words. (Christoph Schaden)

Fotografie / Photography

THE OTHER SIDE Photography from Eastern Europe Gut zwanzig Jahre nach dem Fall des Eisernen Vorhangs, ist Europa politisch und wirtschaftlich geeint, doch nach wie vor bleibt zwischen Ost und West eine kulturelle Distanz. Dies hat viele Gründe. Ein wesentlicher ist der im Westen verbreitete Konsens, die osteuropäischen Gesellschaften seien durch die postkommunistische Phase mehr mit der Bewältigung ihrer sozialistischen Vergangenheit beschäftigt als mit der Entwicklung neuer Prozesse. Dabei hat in den Ländern Mittel- und Osteuropas eine (Fotografen-) Generation die Bühne betreten, deren biografische Reibungspunkte zwar die Umwälzungsprozesse um 1989 bilden, die aber nicht länger als postkommunistisch bezeichnet werden kann. Diese Generation hat die Orientierungslosigkeit des Transformationsprozesses hinter sich gelassen und lebt intensiv im Hier und Jetzt einer globalisierten Welt. Die Publikation erscheint im Rahmen des 31. Bielefelder Fotosymposiums und stellt vielfältige künstlerische Positionen vor, die zum Vergleichen und Entdecken einladen. Herausgegeben von / Edited by Roman Bezjak, Wüstenrot Stiftung Festeinband / Hardcover ca. 20 x 26,6 cm ca. 128 Seiten / pages ca. 80 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-246-7 ca. Euro 19,80 / Sfr 28,90 August 2011

A good twenty years after the fall of the Iron Curtain, Europe is politically and economically united, and yet a cultural gulf remains between East and West. There are many reasons for this. A major one is the widespread consensus in the West that, in the post-communist era, the Eastern European societies are occupied more with overcoming their socialist past than with developing new processes. The fact is, however, that in the countries of Central and Eastern Europe a new generation (of photographers, for example) has now taken the stage whose biographies are surely marked by the upheavals around 1989, but who can no longer be described as post-communist. The members of this generation have left the disorientation of the transition process behind them and today live intensively in the here and now of a globalized world. This book is being published as part of the 31st Bielefelder Fotosymposium and presents a variety of artistic positions awaiting discovery and comparison.

Pepa Hristova, Fremde im eigenen Land (Detail)

Andrea Diefenbach, Land ohne Eltern (Detail)

Vladimir Birgus, Boris Buden, Andrea Diefenbach, Christine Frisinghelli, Marina Grzinic, Pepa Hristova,Horst Kloever, Arion Kudász, Zuzana Lapitkova, Paula Muhr,Lucia Nimcova, Adam Panczuk, Alnis Stakle, Abel Szalontai, Irina Tchmyreva, Piotr Wolynski

Fotografie / Photography

Stiftung Museum Kunstpalast FASZINIERENDE DOKUMENTE Das Archiv künstlerischer Fotografie der rheinischen Kunstszene (AFORK) wurde 2003 von Stephan von Wiese mit dem Ziel begründet, die Geschichte der Düsseldorfer und der rheinischen Kunst seit dem Ende des Zweiten Weltkrieges mit Dokumenten erfahrbar zu machen, die sich weder durch schriftliche Quellen noch durch Kunstwerke angemessen darstellen lassen. Die ständig erweiterte Sammlung umfasst heute nahezu 6000 Fotografien. Der vorliegende Band präsentiert eine Auswahl von rund 250 herausragenden Aufnahmen von Fotografen wie Ute Klophaus, Erika Kiffl, Benjamin Katz, Manfred Leve, Bernd Jansen und gibt einen unvergleichlichen Einblick in die jüngere Kunstgeschichte Düsseldorfs und des Rheinlands – darunter legendäre Ereignisse wie das ZERO- Festival in den Rheinwiesen, wichtige Happenings der Fluxusgruppe Anfang der 1960er-Jahre oder das 1970 von Daniel Spoerri gegründete Eat Art-Restaurant. Herausgegeben von / Edited by Stiftung Museum Kunstpalast, Düsseldorf Texte von / Texts by N. Gershevskaya, K. Heymer, A. Horvay, A. Rodler, S. Stang, B. Wismer Klappenbroschur / Softcover 17 x 24 cm, 240 Seiten / pages 247 Farb- und S/W-Abb. / color and b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-232-0 Euro 30,– / Sfr 41,90 Lieferbar / Available

AFORK, the Archive of Artistic Photography of the Rhineland’s Art Scene, was founded in 2003 by Stephan von Wiese. It is dedicated to exploring the depiction and transmission of the art history of the Rhineland from World War II up to our present day, with the city of Dusseldorf as one essential center. Today the collection holds nearly 6000 photographs spanning the mid-1950s to the present. This catalog presents a selection of roughly 250 outstanding works from photographers including Ute Klophaus, Erika Kiffl, Benjamin Katz, Manfred Leve, Bernd Jansen and many others, enables an invaluable look into the recent art history of Dusseldorf and the Rhineland. Now-legendary events, such as the ZERO Festival on the banks of the Rhine, important Fluxus happenings in the early 1960s, or the the Eat Art restaurant founded by Daniel Spoerri in 1970 and much more can best – and sometimes only – be experienced today through these photographs.

@ Erika Kiffl, Gerhard Richter, Diana, 1967

@ Shigeo Anzaï, Joseph Beuys während / during Coyote III, Sogetsu Hall, Tokyo, 02. 06. 1984

Ausstellung / Exhibition Moscow House of Photography, Moskau / Moscow, 18. 05. – 06. 06. 2011

Fotografie / Photography

Andreas Meichsner ALLES IN ORDNUNG Still beobachtend dokumentiert Andreas Meichsner in seinen Fotografien, wie ausgerechnet die heiß ersehnte Urlaubszeit den Menschen in das schmerzhafte Spannungsfeld seiner gegensätzlichen Bedürfnisse nach gleichzeitiger Freiheit und Sicherheit wirft. Das beruhigende Alles in Ordnung als ein fieberhaftes »Ordnen« der ersehnten, aber eben auch bedrohlich wirkenden Freiheit – mit dem paradoxen Ergebnis, dass auch der Urlaub in einer Fülle an Strukturen und Aktivitäten endet. Meichsner geht damit auf subtile und humorvolle Weise der Frage nach, ob und inwiefern sich in unserer immer mehr von beruflicher Unsicherheit und – notgedrungener – Flexibilität bestimmten Gesellschaft eine verstärkte Sehnsucht der Menschen nach Sicherheit und Vorhersehbarkeit erkennen lässt. Andreas Meichsner (*1973) studierte Fotografie in Hannover und lebt seit 2004 in Berlin. Seine Arbeiten wurden mehrfach ausgezeichnet und auf Texte von / Texts by Rolf Nobel, Ann-Christin Bertrand Festeinband / Hardcover ca. 20 x 24 cm ca. 120 Seiten / pages ca. 90 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-242-9 ca. Euro 36,– / Sfr 48,90 Oktober / October 2011

Festivals wie den Rencontres d’Arles, dem F/Stop Festival in Leipzig oder dem Getxophoto in Spanien präsentiert. A silent observer, Andreas Meichsner documents in his photographs how that vacation we’ve been waiting for so long has a way of plunging us into an agonizing tug-of-war between the contradictory need for freedom on the one hand and security on the other. The reassuring words All Sorted (Alles in Ordnung) stand for a fevered »organizing« of the yearned-for and yet also somehow menacing liberation from workaday life – with the paradoxical result that even vacation time ends up being packed full of structured activities. Meichsner explores in a subtle and humorous fashion the question of whether, in a society dominated more and more by job insecurity and – of necessity – flexibility, we might today be witnessing a burgeoning desire for boring, safe predictability. Andreas Meichsner (*1973) studied photography in Hanover and has been living in Berlin since 2004. His work has been awarded several times and has been presented at festivals including Rencontres d’Arles, the F/stop

Andreas Meichsner, Arcadia (Detail)

Festival in Leipzig and Getxophoto in Spain.

Fotografie / Photography

Sol Neelman

Sol Neelman WEIRD SPORTS Sport prägt unsere Gesellschaft, unsere Identität, unsere Aktivitäten und Leidenschaften und mehr oder weniger sogar unser Äußeres, die Art wie wir uns kleiden. Ob man nun als Fan sein Profi-Football-Team anfeuert oder spontan bei einem Fuß- oder Baseballspiel in der Nachbarschaft mitmacht – fast jeder hat ein Faible für eine gewisse Art von Sport. Manche joggen am liebsten frühmorgens, einige kegeln am Wochenende. Und wie-

weird spor ts

derum andere surfen gern, aber mit ihren Hunden. Durch Sport können die Menschen ausdrücken, wer sie sind, was ihnen wichtig ist, wie und womit sie Spaß haben. Diese ungewohnte, ja teils komische Seite des Sports zu fotografieren mache ich für mein Leben gern. Ich möchte, dass die Leute

Herausgegeben von / Edited by Mike Davis Text von / by Brandy Rettig Festeinband / Hardcover 30 x 24 cm 96 Seiten / pages 69 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-219-1 ca. Euro 30,– / Sfr 41,90 Juli / July 2011

meine Bilder betrachten und lachen. In den letzten fünf Jahren bin ich durch die Welt gereist und habe nach dem Komischen und Skurrilen im Sport Ausschau gehalten. Glücklicherweise kennt die Fantasie der Menschen in puncto Sport keine Grenzen. Ob Stadtgolf, Pappröhrenfechten, GodzillaWrestling, Lingerie-Football, Segway-Polo oder Dragqueen-Softball – diese Fotografien dokumentieren Wettkämpfe, über die Sie sicher nichts im Sportteil Ihrer Zeitung finden. Ich hoffe, dass diejenigen, die meine Fotografien betrachten, von der Begeisterung, der Spielfreude und dem Humor dieser Menschen inspiriert werden, aber auch von ihrer Verwegenheit und Authentizität. (Sol Neelman) Sports define our society, our identity, our passions, and, for better or worse, even our wardrobes. Whether cheering for their pro football team or playing ball in a local pickup game, nearly everyone has an attachment to some form of sport. Some are early-morning runners; others are weekend bowlers. Still others love surfing, but surf with their dogs. Sports allow people to express where they are from, what matters to them and how they have fun. Photographing that weird side of sports is what I live for. I want people to look at my images and laugh. Over the past five years, I have been traveling around the world seeking out the weird and wacky in sports. Thankfully, people’s imagination has no boundaries as they shape sports in their image. Whether it’s urban golf, cardboard tube fighting, Godzilla

Sol Neelman, Dog Surfing (Detail)

Collector’s Edition mit / with Inkjet Print, Blattformat / sheet size 28 x 21,5 cm, und einer originalen mexikanischen LuchadorMaske / and with an original Mexican luchador mask, in einer Auflage von 113 Exemplaren / Edition of 113 copies, Euro 113,– / Sfr 286,–

wrestling, lingerie football, Segway polo or drag queen softball, this body of work documents events you will not find in the sports section of the local newspaper. My hope is that people who see these photos will feel inspired by people’s passions and playfulness, by their audacity and authenticity. Most importantly, I hope people will leave with a smile on their face. (Sol Neelman)

Fotografie / Photography

Goethe Institut Thailand DAS VERTRAUTE IM FREMDEN / FOREIGN – FAMILIAR Die Publikation Das Vertraute im Fremden zeigt aktuelle Fotografien aus Asien und konzentriert sich auf die Schnittstelle zwischen Fremdheit und Vertrautheit und hier im Besonderen auf die Frage: »Wie empfindet und beschreibt ein Fotograf eine Kultur bzw. eine Gesellschaft, in der er lebt, die ihm gleichzeitig fremd und vertraut ist und die ihn selbst meist als Außenseiter wahrnimmt?« Ausgehend von dieser Frage wurden Arbeiten von neun westlichen Künstlern ausgewählt, die eines gemeinsam haben: Sie leben und arbeiten vorwiegend in Asien.Die durch persönliche Erfahrung angeeigHerausgegeben von / Edited by Goethe Institut Thailand, Norbert Spitz Texte von / Texts by F.-X. Augustin, W. Bellwinkel, M. Schlüter, N. Spitz, A. Supartono Broschur / Softcover ca. 21 x 15 cm, ca. 96 Seiten / pages ca. 58 Farb- und 29 S/W-Abb. / ca. 58 color and 29 b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-234-4 ca. Euro 28,– / Sfr 39,90 Juni / June 2011

nete Kompetenz ermöglicht ihnen eine größere Nähe zum Sujet und idealerweise eine größere Intensität in der Auseinandersetzung. The publication Foreign – Familiar shows current photographs from Asia. It concentrates on the place where foreignness and familiarity meet, namely on the question: »How does a photographer perceive and describe a culture or society in which he lives, which is at once strange and familiar to him, but which in most cases regards him as an outsider?«Based on this question, works by nine Western artists who have one thing in common were selected: they live and work primarily in Asia. The expertise they have gained through the personal experience of living abroad allows them to get closer to their subjects and, ideally, to analyze them with greater intensity. Ausstellung / Exhibition Das Vertraute im Fremden / Foreign – Familiar, kuratiert von / curated by Wolfgang Bellwinkel, Bangkok Art and Culture Centre 03. – 30. 06. 2011

Meike Fischer 8QM – TISCH – BETT – STUHL Meike Fischer hat über ein kurz zuvor geschlossenes Frankfurter Frauengefängnis eine berührende fotografische Serie geschaffen, deren ruhige Bilder zwischen Dokumentation und Essay anzusiedeln sind. Die kargen Zellen verfügen über eine Fläche von ca. 8 Quadratmetern und sind mit einem Bett, einer Toilettenschüssel, einem Tisch und einem Stuhl ausgestattet. Dazu ein Waschbecken mit einem kleinen Spiegel. Manche sind farbig gestrichen – nach Vorstellungen der Gefangenen von den Gefängnismitarbeiterinnen umgesetzt, zumindest eine kleine Möglichkeit, sich persönlich Text von / by Marc Peschke Festeinband / Hardcover ca. 17 x 24 cm ca. 72 Seiten / pages ca. 44 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-230-6 ca. Euro 24,– / Sfr 34,90 Juli / July 2011

einzurichten. Die Häftlinge hatten jeweils eine kleine Pinnwand, an der sie persönliche Dinge aufhängen durften. Nachdem die Zellen geräumt waren, zeugen in Tische und Wände eingeritze Daten, Namen und Liebesbeteuerungen von Einsamkeit, Warten, Wut und Träumen der Inhaftierten. Das Gefängnis wurde mittlerweile abgerissen. Meike Fischer has created a moving series of photographs about a Frankfurt women’s prison that closed down shortly before – tranquil images located somewhere between documentation and essay. The bare cells with their eight square meters or so of floor space are equipped with a bed, toilet bowl, table and chair. The only other furniture is a sink and small mirror. Some cells have colored walls – painted by prison staff according to the inmate’s wishes, at least one small personal touch. Each prisoner also had a small bulletin board on which to hang up personal items. After the cells were vacated, the dates, names and vows of love carved into tables and walls attest to the women’s loneliness, waiting, anger and dreams.

Fotografie / Photography

Nicole Hollmann OUT OF FOCUS Die pulsierende Metropole New York inspirierte Nicole Hollmann dazu, die dreidimensionale Realität mit ihren akustischen und olfaktorischen Reizen durch das Medium der Fotografie in die Zweidimensionalität zu transformieren. Dabei entstanden großformatige Fotografien an der Schwelle zur Malerei. Hollmann verzichtete auf die präzise Abbildung und genaue Linien-

OUT OF FOCUS Nicole Hollmann

führung zu Gunsten von Form und – vor allem – Farbe. Die Bilder zwingen dem Betrachter nicht auf, wie er die Welt wahrzunehmen hat. Viel mehr fordern sie ihn, den Raum, der durch die zurückgenommenen Bildinformationen entsteht, mit eigenen Erfahrungen und Emotionen zu füllen. Die so entstehenden, persönlichen Bilderwelten wirken deshalb oft präziser, als

Herausgegeben von / Edited by F. C. Gundlach Texte von / Texts by Hubertus Gaßner, Klaus Honnef Festeinband / Hardcover 30 x 24 cm 112 Seiten / pages 40 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-236-8 Euro 38,– / Sfr 51,50 September 2011

aufdringliche Schärfe, die häufig mehr verbirgt als zeigt. The vibrant metropolis New York inspired Nicole Hollmann to transform its three-dimensional reality with all its myriad acoustic and olfactory facets into two-dimensionality through the medium of photography. The result is a series of large-format photographs that verge on the threshold of painting. Hollmann sacrificed the precise articulation and delineation of her subjects in favor of impressions of their forms and – above all – colors. Her pictures do not impose any particular reading on viewers, dictating how they should see the world around them. Instead, they challenge us to fill the space left open by the reduced pictorial information with our own experiences and emotions. The personal imagery that thus emerges is often more precise than the kind of obtrusively sharp focus that often conceals more than it reveals.

Ida Pimenoff A SHADOW AT THE EDGE OF EVERY MOMENT OF THE DAY In ihrer laufenden Serie A Shadow at the Edge of Every Moment of the Day arbeitet die finnische Fotografin Ida Pimenoff im Grenzbereich zwischen Realität und Traumwelt. Ihre Arbeit setzt sich aus Landschaften, Porträts und alltäglichen Szenen zusammen, oftmals im Zwielicht der Abenddämmerung fotografiert. Pimenoffs Bilder werden von einem Gefühl der Fremdheit und des Geheimnisvollen bestimmt; sie erzeugen die Illusion, am Rande des Unbekannten zu stehen. Obwohl die Fotografien von Einsamkeit und Melancholie erzählen, findet man Trost in der Schönheit der vorübergehenden Momente. Ida Pimenoff (*1977) studierte Fotografie in Helsinki. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Europa und in USA gezeigt. A Shadow at the Edge of Every Moment of the Day ist ihre erste Monografie. Text von / by Joel Haahtela Festeinband / Hardcover, 22,5 x 28,5 cm 96 Seiten / pages, 50 Farbabb. / color ills. ENGLISCH / FINNISCH / SCHWEDISCH ISBN 978-3-86828-235-1 Euro 30,– / Sfr 41,90 September 2011

In her ongoing series A Shadow at the Edge of Every Moment of the Day, Ida Pimenoff works in the borderland between reality and the world of dreams. The series consists of landscapes, intimate portraits and little everyday sights, often shot at dusk, in twilight. There is a feeling of strangeness and mystery in Pimenoff’s work; an illusion of being on the verge of something unknown. The images are filled with solitude and melancholy, yet there is a consolation to be found in the beauty of passing moments. Ida Pimenoff (*1977 in Helsinki, Finland) studied photography in Helsinki.

Ausstellung / Exhibition Photographic Gallery Hippolyte, Helsinki, 09. 09. – 02. 10. 2011

Her works have been featured in numerous solo and group exhibitions in Europe and the USA. A Shadow at the Edge of Every Moment of the Day, with a short story by Joel Haahtela, is her first monograph.

Fotografie / Photography

Corinne Vionnet PHOTO OPPORTUNITIES Wir reisen, wir sehen ein Denkmal, wir machen ein Foto. Indem wir massentouristische Sehenswürdigkeiten mit Hilfe unserer Kamera festhalten, schaffen wir fotografische Souvenirs, die integraler Bestandteil des touristischen Erlebens sind. Die Schweizer Fotografin Corinne Vionnet hat per Internetrecherche tausende Schnappschüsse von Touristen gesammelt, die sie in ihrer Serie Photo Opportunities zusammenfasst. Diese Bilder, die auf unterschiedlichen Erfahrungen basieren und aus verschiedenen Perspektiven aufgenommen wurden, verwebt sie miteinander und kreiert so ihre eigene Interpretation des Ganzen. Das resultierende Bild schwebt letztlich ätherisch leicht vor einem dunstig blauen Himmel. Vionnets künstlerisches Schaffen beschäftigt sich stets mit topografischen Themen, insbesondere mit der

Text von / by Madeline Yale Broschur / Softcover 24 x 20 cm 80 Seiten / pages 42 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-233-7 Euro 30,– / Sfr 41,90 Juni / June 2011

Interaktion zwischen Mensch und Natur. We travel, we see a monument, we take a picture. Framing sites of mass tourism in our viewfinders, we create photographic souvenirs that are integral to the touristic experience. Conducting keyword searches of famed monuments in photo sharing web sites, Swiss / French artist Corinne Vionnet culled thousands of tourists’ snapshots for her series Photo Opportunities. Weaving together numerous photographic perspectives and experiences, the artist builds her own impressionistic interpretations – ethereal structures which float gently in a dream-like haze of blue sky. At the core of Corinne Vionnet’s artistic practice are topographical themes, namely the interaction between nature and humankind. Her work has been exhibited internationally.

Jaschi Klein IM WIND Jaschi Klein, mit ihrer inszenierten Fotografie durch Ausstellungen und Publikationen international bekannt geworden, widmet sich in ihrem neuesten Projekt dem Thema »Wind«. Der gesamte Zyklus zeigt selbstentworfene Installationen in verschiedenen Formen und Materialien, mit fünf Metern Höhe selbst auf große Distanz zu erkennen. Die Ergebnisse transportieren JASCHI KLEIN

IM WIND

magische Augenblicke, in denen Wind und Licht, Landschaft und kinetische Objekte zu einer Einheit werden – mit Reflexionen und Schatten korrespondieren und Himmel und Erde verbinden. Für die Fotokünstlerin, deren Arbeiten in vielen internationalen Sammlun-

Texte von / Texts by Mojib Latif et al. Festeinband / Hardcover ca. 30 x 24 cm ca. 96 Seiten / pages ca. 62 Farbabb. / color ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-244-3 ca. Euro 36,– / Sfr 48,90 Oktober / October 2011

gen und Museen vertreten sind, fokussieren sich die aufwendigen und temporären Aktionen, die für kurze Zeit die Landschaft verzaubern, immer auf das Endergebnis Bild. Jaschi Klein, who has made a name for herself worldwide with exhibitions and publications featuring her staged photography, dedicated herself in her latest project to the theme of wind. The cycle shows self-designed installations in various forms and materials which, at five meters in height, can be seen even from great distances. The results convey magical moments in which wind and light, landscape and kinetic objects, meld into a unity – flirting with reflections and shadows and connecting earth and sky. For the photo artist, whose works are represented in many international collections and museums, the elaborate and temporary actions she carries out, momentarily casting her spell on the landscape, are all devoted to the end result: the picture.

Fotografie / Photography

Karsten Thormaehlen

MIT HUNDERT HAT MAN NOCH TRÄUME

Karsten Thormaehlen MIT HUNDERT HAT MAN NOCH TRÄUME / HAPPY AT ONE HUNDRED Sie haben das 20. Jahrhundert mit zwei Weltkriegen, Zerstörung, Aufbau, Teilung und Wiedervereinigung erlebt und überlebt. Sie sind Jahrhundertmenschen: Der Fotograf Karsten Thormaehlen hat mehr als vierzig Männer und Frauen porträtiert, die 100 Jahre und älter sind. Seine Fotoserie ist eine Hommage an das Alter, die mit großem Respekt, aber ohne Verklärung, die Würde und Schönheit des Alters sichtbar machen möchte. Die 2008 entstandene Installation Jahrhundertmensch wurde bereits erfolgreich in zahlreichen Ausstellungen präsentiert und fand große mediale Beachtung. Karsten Thormaehlen (*1965) studierte Philosophie, Kunstgeschichte und Kommunikationsdesign, bevor er als Art und Creative Director in New York, Hamburg und Berlin mit namhaften Fotografen wie Peter Lindbergh und Nathaniel Goldberg arbeitete. Seit 2003 ist er selbstständig mit eigenem

Texte von / Texts by J. Albrecht, E. Brüning, U. Rahn-Huber, W. Schmid, H. von Vieregge et al. Festeinband / Hardcover ca. 24 x 30 cm ca. 112 Seiten / pages ca. 50 Farbabb. / color ills. ca. Euro 36,– / Sfr 48,90 Juli / July 2011 DEUTSCHE AUSGABE ISBN 978-3-86828-243-6

Fotostudio und fotografiert viele international bekannte Künstler, Designer, Sportler und Filmschauspieler. Thormaehlen ist Mitglied im renommierten Bund Freischaffender Fotodesigner (BFF). Seine Arbeiten wurden mehrfach ausgezeichnet und in Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt, so z. B. im Fotomuseum Winterthur, im Kunsthaus Hamburg und im Frankfurter Zollamtsaal / MMK. They experienced and survived the 20 th century with its two world wars, destruction and reconstruction, division and reunification. They have lived a century: the photographer Karsten Thormaehlen has portrayed more than forty men and women aged 100 years or over. His photo series pays homage to old age, showing us the dignity and beauty of aging with great respect

ENGLISH EDITION ISBN 978-3-86828-258-0

but without glorification. The installation he created in 2008, Living a Century, has been successfully presented at numerous exhibitions, to great media acclaim. Karsten Thormaehlen (*1965) studied philosophy, art history and communication design. From 1993 to 2002 he worked as an art and creative director in New York, Hamburg and Berlin, where he collabo-

Ausstellungen / Exhibitions Vielleicht bin ich ja ein Wunder Rathaus Schöneberg, Berlin, 07. 09. – 28. 10. 2011

rated with prominent photographers such as Peter Lindbergh and Nathaniel

KunsTräume II, Frankfurt a. M., 06. – 05. 11. 2011

many internationally known artists, designers, athletes and film actors.

Wandelhalle Bad Nenndorf, 26. 09. – 17. 10. 2011

Designers (Bund Freischaffender Fotodesigner – BFF). He has won several

Goldberg to develop advertising campaigns for luxury brands. He has been self-employed since 2003, with his own photo studio, and has photographed Thormaehlen is a member of the prestigious Association of Freelance Photo

Städtische Galerie, Iserlohn, Herbst / Fall 2011

awards for his works, which have been shown in exhibitions both in Germany and abroad, including at the Fotomuseum Winterthur, Kunsthaus Hamburg

Caritas zentren plus, Düsseldorf, Winter 2011

and the Frankfurter Zollamtsaal / MMK.

Fotografie â&#x20AC;&#x201C; Architektur / Photography â&#x20AC;&#x201C; Architecture

Michael Wesely, Superquadra Sul 108, 2004 (Detail)

Fotografie – Architektur / Photography – Architecture

ARCHIV UTOPIA Das Brasília-Projekt von Lina Kim und Michael Wesely Brasília, die 1960 eingeweihte Hauptstadt Brasiliens, scheint eher ein architektonischer Mythos, mehr eine Fiktion denn ein realer Ort zu sein. Die brasilianisch-koreanische Künstlerin Lina Kim und der deutsche Künstler Michael Wesely haben sich zwischen 2003 und 2009 auf eine Reise in die Gegenwart und die Archivalien dieser Stadt begeben. Das Ergebnis dieser künstlerischen Spurensuche ist einerseits das »Arquivo Brasília« mit historischem Fotomaterial zur Entstehungsgeschichte Brasílias. Zeitgleich zu dieser Recherche fotografierten Kim und Wesely jedoch auch selbst in Brasília – aus Blickwinkeln, deren Position zum Teil das Ergebnis der Archivarbeit war. Die mit Langzeitbelichtung entstandenen Aufnahmen, die den utopischen Charakter der Stadt noch durch diffuse LichtverhältHerausgegeben von / Edited by Anette Hüsch Texte von / Texts by Miguel Chaia, Vera Chaia, Gabriel Dorfman, Anette Hüsch, Emilia Stenzel, Dörte Zbikowski Festeinband / Hardcover 22 x 24,5 cm 168 Seiten / pages 69 Farb- und 38 S/W-Abb. / 69 color and 38 b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-221-4 Euro 30,– / Sfr 41,90 Lieferbar / Available

nisse verstärken, werfen gleichzeitig ungewöhnliche Perspektiven auf diese Stadt. Lina Kims (*1965) Œuvre umfasst Installationen und Fotografien. Ihre Arbeiten wurden in bedeutenden nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt, u. a. auf der 25. São Paulo Biennale und im Martin-GropiusBau, Berlin. Michael Wesely (*1963) nahm an zahlreichen internationalen Ausstellungen teil, darunter an der 25. São Paulo Biennale und hatte u. a. eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art, New York. Brasília, the capital of Brazil, formally dedicated in 1960, seems more like an architectural myth, a fiction, than a real place. Between the years 2003 and 2009, the Brazilian-Korean artist Lina Kim and the German artist Michael Wesely embarked on a journey into the present-day reality and the archives of this city. One result of their artistic hunt for clues is the »Arquivo Brasília,« a collection of historical photo material on how Brasília came to be. While conducting their research, Kim and Wesely also photographed themselves in Brasília – choosing their backdrops in part as a result of their archival studies.The time-exposure photographs exaggerate the city’s utopian character even further with their diffuse light, providing some unusual perspectives on this unique place. Lina Kim’s (*1965) œuvre comprises installations and photography. Her works have been shown in major national and international exhibitions, among them the 25th São Paulo Biennale and at the Martin-Gropius-Bau in Berlin. Michael Wesely (*1963) has taken part in numerous international exhibitions, including the 25th São Paulo Biennale, and had a solo show at the Museum of Modern Art, New York.

Esplanada dos Ministerios, Original : Mario Fontenelle APDF Digital bearbeitet / Digitized edited: Lina Kim und / and Michael Wesely

Michael Wesely, Congresso Nacional, 2004

Ausstellung / Exhibition Kunsthalle Kiel 14. 05. – 28. 08. 2011

Jean Siméon Chardin, Ente und Pomeranze, um 1728 – 30 © Musée de la Chasse et de la Nature, Paris (Detail)

Kunst / Art

Willem van Aelst, Stillleben mit Jagdgeräten und totem Rebhuhn, 1668 © Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

Tierstillleben von der Renaissance bis zur Moderne VON SCHÖNHEIT UND TOD Der opulente Katalog zur umfangreichen Ausstellung der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe führt zum ersten Mal die facettenreiche Geschichte der Gattung Tierstillleben vom 16. bis zum 20. Jahrhundert vor Augen. Es werden rund 125 Meisterwerke bedeutender Maler von der Renaissance bis zur Moderne – von Albrecht Dürer über Francisco Goya und Edouard Manet bis zu Max Beckmann und Oskar Kokoschka – zu sehen sein, die einerseits von hohem ästhetischem Reiz sind und andererseits die Tradition verschiedener Motive durch die Jahrhunderte vor Augen führen. Immer wieder griffen große Meister dieses Thema auf, nahmen es als malerische Herausforderung an und fanden dabei zu neuen Darstellungsweisen und

Von Schönheit und Tod

höchst unterschiedlichen Aussagen: Symbol adeliger Jagdlust und Privilegien, religiöser Verweis auf Tod und Auferstehung, Metapher für menschliches Leiden und Kriegsgräuel oder Ausdruck fleischlicher Genüsse und Sinnenfreuden.

Herausgegeben von / Edited by Staatliche Kunsthalle Karlsruhe Texte von / Texts by Holger Jacob-Friesen et al. Festeinband / Hardcover 24 x 30 cm ca. 400 Seiten / pages ca. 300 Farb- und S/W-Abb. / color and b/w ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-257-3 ca. Euro 48,– / Sfr 63,90 November 2011

Neben eigenen Werken zeigt die Staatliche Kunsthalle Ölgemälde, Aquarelle und Skulpturen bedeutender, internationaler Leihgeber, darunter der Prado in Madrid, das British Museum in London, das Rijksmuseum in Amsterdam, die Nationalgalerie in Prag, die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München und das Kunsthistorische Museum Wien. This opulent catalog, which accompanies the major exhibition Death and Beauty. Animal Still Lifes from the Renaissance to Modernism at the Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, guides readers for the first time through the multifaceted history of game and animal still life painting from the 16th to 20th centuries. Some 125 masterpieces by leading painters from the Renaissance to Modernism – from Albrecht Dürer to Francisco Goya, from Edouard Manet to

Ausstellung / Exhibition Von Schönheit und Tod. Tierstillleben von der Renaissance bis zur Moderne Staatliche Kunsthalle Karlsruhe 19. 11. 2011 – 19. 02. 2012

Max Beckmann and Oskar Kokoschka – attest to the high aesthetic appeal of the genre while demonstrating the varying fortunes of its traditional motifs through the centuries. The theme exerted a lasting fascination for the great masters, who took it up as a painterly challenge and continually devised new modes of depiction and widely disparate readings: whether as symbol for aristocratic privilege and the relish for the hunt, a religious allusion to death and resurrection, a metaphor for human suffering and the atrocities of war, an expression of carnal indulgence and sensual pleasures. The Staatliche Kunsthalle has gathered together works from their own rich collection and from major international museums, among them the Prado in Madrid, the British Museum in London, the Rijksmuseum in Amsterdam, the National Gallery in Prague, the Bayerische Staatsgemäldesammlungen

Max Beckmann, Stillleben mit Fischen (Landschaft im Süden mit frutti di mare), 1944 © Hamburger Kunsthalle / bpk © VG Bild-Kunst, Bonn 2011

in Munich, and the Kunsthistorisches Museum in Vienna.

Kunst / Art

Andreas Legath SÜDWÄRTS »Das vorliegende Buch begleitet Andreas Legaths italienische Reisen über die Jahre 2005 bis 2010 und reiht wie an einer Perlenkette die Landschaften vom Inselinneren Sardiniens bis nach Aliano und Pisticci, am Gewölbe der italienischen Fußsohle, aneinander. Kennzeichnend für Legaths Italien sind bestimmte Erscheinungsformen von Landschaft, die er in einer Nacktheit und Ausgebranntheit vor Augen führt, die ihr vielleicht nur wenige Wochen im Jahr eigen ist. Es sind kontemplative Wüstenräume, bis auf ihr steinernes Skelett zurückgebildete Regionen, in denen er den scheinbaren Stillstand in der Natur findet und auf seine Bildflächen bringt. Legath zeigt uns Landschaft als Kippfigur zwischen Fernraum und Materialgefüge und tritt dabei in einen Dialog mit der Kunstgeschichte, von der Malerei der Romantik bis zu der auf Material und Struktur bezogenen Arte Povera. Durch einen Farbauftrag, der an Gesteinsschichten und Lavaströme erinnert, wird Landschaft bei Legath zur physiHerausgegeben von / Edited by Anke Humpeneder-Graf Texte von / Texts by Anke Humpeneder-Graf, Gottfried Knapp, Peter Weiermair, Elmar Zorn Festeinband / Hardcover 22,5 x 28,5 cm 96 Seiten / pages 79 Farbabb. und 12 S/W-Abb. / 79 color ills. and 12 b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-218-4 Euro 28,– / Sfr 39,90 Lieferbar / Available

schen Realität des Bildes, in deren rissiger Textur aus Farbschichten sich der Blick des Betrachters, parallel zur Natur, verlieren kann.« (Anke Humpeneder-Graf) Andreas Legath (*1961) studierte an der Akademie der Bildenden Künste München. Seine Werke finden sich u. a. in den Kunstsammlungen Chemnitz, der Sammlung Würth, Künzelsau, den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen und dem Kunstmuseum Erlangen. »This book chronicles Legath's travels through Italy over the years 2005 to 2010. Legath's Italy is made up of barren and scorched landscapes that take this form perhaps only for a few weeks of the year. These are contemplative desert spaces, regions that have regressed back to their stony skeletons, where the artist uncovers nature at an apparent standstill and captures its inertia on his canvases. Legath shows us landscape as a visual puzzle oscillating back and forth between natural vista and material structure. He thus enters into a dialogue with art history, from Romantic painting to Arte Povera's preoccupation with materials and structures. With paint applied in a way that summons visions of rock formations and lava streams, landscape becomes the physical reality of Legath's pictures, and the viewer loses himself in the fissured texture of paint layers just as he might in nature«. (Anke Humpeneder-Graf) Andreas Legath (*1961) studied at the Academy of Fine Arts in Munich. Legath's works can be found in many museums and collections.

Kunst / Art

Summerending Annelies Štrba Adrian Schiess

Adrian Schiess / Annelies Štrba SUMMERENDING Mit dem Titel Summerending beziehen sich die Schweizer Künstler Adrian Schiess (*1959 in Zürich) und Annelies Štrba (*1947 in Zug) auf jene Jahreszeit, in welcher der Sommer in den Herbst übergeht: Diese stimmungsvolle und zuweilen wehmütige Zeit des Übergangs halten die beiden international bekannten Künstler in einer neuen Werkgruppe von Blumenstillleben fest, welche einen engen Dialog zwischen Fotografie und Malerei eingehen. Mit dem von Annelies Štrba fotografisch erfassten und von Adrian Schiess malerisch weiterbearbeiteten Motiv nehmen die Künstler in Form einer Kollaboration die Tradition des klassischen Blumenstilllebens auf. Für beide Künstler ist das Bildthema nicht nur ein Verweis auf die Vergänglichkeit der Dinge, sondern auch eine Reflexion über die Beziehung zwischen Fotografie und Malerei: Wie verhalten sich diese Medien zueinander und auf welche Weise erkunden sie die Welt? Ist Fotografie Malerei und Ma-

Herausgegeben von / Edited by Museum Langmatt Interview Rudolf Velhagen, Adrian Schiess, Annelies Štrba Broschur / Softcover 24 x 33,5 cm 48 Seiten / pages 30 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-238-2 Euro 28,– / Sfr 39,90 September 2011

lerei Fotografie? Wie bei den Impressionisten oszilliert das Auge dabei zwischen erkennbarem Gegenstand, den Blumen kurz vor dem Moment ihres Verblühens, und reiner Form und Farbe. In diesem Sinne ist die Ausstellung auch als Hommage an die Tradition der Peinture mit fotografischen und malerischen Mitteln zu verstehen. With the title Summerending, the Swiss artists Adrian Schiess (*1959 in Zurich) and Annelies Štrba (*1947 in Zug) summon that time of year when summer crosses over into autumn: this is the atmospheric and sometimes melancholy season of transition the two internationally acclaimed artists capture in a new group of flower still lifes. Here, the tradition of the classic floral still life is taken up by way of a collaboration, with Annelies Štrba photographing the motif and Adrian Schiess then developing it further by means of painting. For the two artists, the pictorial theme chosen here is not only conceived as an evocation of transience, but also as a reflection on the relationship between the two art forms of photography and painting: How do these mediums relate to each other and how do they explore the world? As in an Impressionist painting, the eye oscillates between the recognizable ob-

Ausstellung / Exhibition Museum Langmatt Stiftung Langmatt Sidney und Jenny Brown, Baden / Schweiz 18. 09. – 20. 11. 2011

ject – flowers caught shortly before they wither and fade – and pure form and color. In this sense, the exhibition can also be understood as paying homage to the tradition of peinture, deploying both photographic and painterly means.

Kunst / Art

MARIA & NATALIA PETSCHATNIKOV

Die Zwillinge Maria & Natalia Petschatnikov (*1973, St. Petersburg) arbeiten Maria & Natalia

Petschatnikov

als künstlerisches Duo in den Grenzbereichen Malerei und Installation. In ihren Werken zeigt sich die Welt aus der Sicht zweier sehr eng miteinander verbundener Menschen. Die Petschatnikovs setzen sich mit dem Allgegenwärtigen und scheinbar Nebensächlichen auseinander. Mit Fantasie, Witz und Hintergründigkeit werden dem Alltag überraschend neue Perspektiven entlockt. Zufällige Gegenstände werden analysiert, gemalt und aufwendig nachgebildet. Aus gewöhnlichen Dingen werden außergewöhnliche Arrangements mit neuen Bedeutungsschichten. Nach ihrer künstlerischen Ausbildung in New York und Paris arbeiteten sie in zahlreichen internationalen Residenzprogrammen. Sie leben und arbeiten in Berlin. The twins Maria & Natalia Petschatnikov (*1973, St. Petersburg) work as an

Herausgegeben von / Edited by Galerie Wagner + Partner und / and Kunstverein Münsterland Texte von / Texts by H.- J. Hafner, J. Meyer zu Riemsloh, M. Uhrmeister, C. Wagner, Festeinband / Hardcover, 24 x 30 cm 96 Seiten / pages, ca. 40 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-231-3 Euro 28,– / Sfr 39,90 August 2011

artist duo on the borderline between painting and installation. Their works give us a glimpse of how the world must look to two people whose lives are intimately connected. The Petschatnikovs choose to focus on seemingly insignificant items that surround us day after day. With imagination and wit, they manage to tease out new and surprisingly profound perspectives on the mundane everyday world. Following their artistic training in New York and Paris, the Petschatnikovs pursued their work in a number of international artist-in-residence programs. They live and work in Berlin. Ausstellungen / Exhibitions: Forschungsreisen im Alltag, Galerie Wagner + Partner, Berlin, 09. 09. – 22. 10. 2011; Kunstverein Münsterland, Coesfeld 15. 07. – 02. 09. 2012

Ina Holitzka STANDLÄUFER - PROJEKT Woher kommen wir – wohin gehen wir – nirgendwohin – nirgendwoher…!? Die Unmöglichkeit, im Gehen einen Text zu lesen, der ihr zu Füßen liegt, interessiert die Konzept- und Objekt-Künstlerin Ina Holitzka. Orte zu definieren, diese erneut zu begehen und sich mit dem Boden-Objekt STANDLÄUFER dort zu verorten, ergeben gelebte Bilder in prägnanten Situationen. Der 7m lange Läufer beherbergt ein Reservoir von Wortkreationen um das Wort STAND. Sie durchdringen verschiedene Bereiche: menschlicher, sozialer, gesellschaftlicher und praktischer Art. In dem Projekt fixiert Holitzka fotografisch Verortungen mit ihrem Alter Ego, dem STANDLÄUFER. Die Dokumentation fortlaufender Standbilder zeigt 16 Stationen und ihre STORY, die erweitert werden durch Szenenbilder und die Fotoserie STANDLÄUFERPARZELLEN. Text von / by Ina Holitzka Festeinband / Hardcover 21 x 28 cm, 80 Seiten / pages 60 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-225-2 Euro 23,– / Sfr 32,90 Subskriptionspreis bis 31. 07. 2011, danach / Subscription price until July 7, 2011, after that date Euro 28,– / Sfr 39,90 Lieferbar / Available

Where do we come from – where are we going – from nowhere – to nowhere…!? The impossibility of reading a text lying at her feet while walking piqued the interest of the conceptual and object artist Ina Holitzka. Defining places, walking through them again while localizing herself there with the floor object STANDLÄUFER (STAND RUNNER) results in lived pictures in incisive situations. The 7-meter-long runner harbors a reservoir of phrases revolving around the word STAND. They wend their way through various areas: of the human, social, societal and practical variety. In the project, Holitzka photographically captures localizations with her alter ego, the STANDLÄUFER. The documentation of sequential still images shows 16 stations and their STORY.

Kunst / Art

Stefan Riekeles / Les Jardins des Pilotes PROTO ANIME CUT ARCHIVE Die Publikation Proto Anime Cut Archive präsentiert Originalzeichnungen der wichtigsten Regisseure und Illustratoren von japanischen Animationsfilmen. Die aktionsgeladenen Heldengeschichten und die visionäre ScienceFiction des japanischen Anime spielen in eindrucksvoll und detailliert konstruierten Welten. Ein Blick auf den Gestaltungsprozess zeigt die Filmemacher als architektonische Träumer, die virtuos an den Grenzen von Glaubwürdigkeit, Fiktion und Utopie operieren. Zahlreiche Zeichnungen, Hintergrundmalereien, Skizzen und Fotografien geben Einblick in die Arbeitsweise der erfolgreichsten japanischen Animationskünstler und Production Designer der letzten zwei Jahrzehnte. Proto Anime Cut Archive versammelt zum ersten Mal in einer europäischen Publikation Arbeiten von Hideaki Anno (Regisseur, Neon Genesis Evangelion), Haruhiko Higami (Fotograf), Koji Morimoto (Regisseur, Dimension Herausgegeben von / Edited by S. Riekeles, Les Jardins des Pilotes Text von / by Stefan Riekeles Abbildungen von / ills. by H. Anno, H. Higami, K. Morimoto, H. Ogura, M. Oshii, T. Watabe Festeinband / Hardcover ca. 21,5 x 25,5 cm ca. 400 Seiten / pages ca. 380 Farb- und S/W-Abb. / color and b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-253-5 ca. Euro 40,– / Sfr 53,90 Juli / July 2011

Bomb), Hiromasa Ogura (Art Director), Mamoru Oshii (Regisseur, Patlabor, Ghost in the Shell, Innocence) und Takashi Watabe (Layout). Die vorgestellten Künstler sind Schlüsselfiguren in der Entwicklung von Anime. Durch ihre enge Zusammenarbeit in verschiedenen Produktionsstudios in Tokio haben sie einer Vielzahl von Filmen ihre persönliche Handschrift verliehen und den für Anime prototypischen Stil entwickelt. The publication Proto Anime Cut Archive presents original drawings of the most important directors and illustrators of Japanese animated films. The actionpacked hero stories and the visionary science fiction of Japanese Anime are set in impressive worlds that are constructed in painstaking detail. Looking at the creative processes, the filmmakers appear as architectural dreamers who operate with virtuosity at the borders of credibility, fiction and utopia. Numerous background paintings, storyboards, drafts, sources of inspiration and film excerpts provide insight into the working methods of the most successful animation artists and production designers of the last two decades.

Ausstellung / Exhibition Proto Anime Cut Hartware MedienKunstVerein im / at Dortmunder U, Dortmund 09. 07. – 09. 10. 2011

Proto Anime Cut Archive presents, for the first time in a European publication the work by Hideaki Anno (director, Neon Genesis Evangelion), Haruhiko Higami (photographer), Koji Morimoto (director, Dimension Bomb), Hiromasa Ogura (art director), Mamoru Oshii (director, Patlabor, Ghost in the Shell, Innocence) and Takashi Watabe (layout). The presented artists have played key roles in the development of Anime. By cooperating closely in different production studios in Tokyo they gave their distinctive signatures to many films and developed the prototypical

Hiromasa Ogura, Hintergrund / Background Patlabor, The Movie © STUDIO DEEN Co., Ltd, Tokyo / Tohokushinsha Film Corporation, Tokyo,1989

Anime style.

Kunst / Art

kestnergesellschaft ALEX KATZ Alex Katz (*1927 in Brooklyn) zählt zu den international bedeutendsten

Alex Katz

Vertretern US-amerikanischer Malerei. Im New York der 1950er-Jahre setzten seine großformatigen, schablonenhaften Porträts und Landschaften einen auffälligen Kontrapunkt zum abstrakten Expressionismus. Katz entwickelte früh eine unverwechselbare Bildsprache, die von Linien, klarer Farbigkeit und Flächigkeit geprägt ist. Seine Bilder wirken kontrolliert und nüchtern, dabei stoßen ihre Ausschnitthaftigkeit und Leere zahlreiche Assoziationen an. Einflüsse aus der Bilderwelt des Films, der Werbung und Mode verarbeitet er zu Gemälden, die einzelne Motive isolieren und zu vieldeutigen Symbolen erhöhen. Katz geht es erklärtermaßen um Schönheit und »Style«, um die vollendete Wirkung des Bildes selbst. Der Katalog zeigt erstmalig einen Überblick der Aktgemälde aus drei Jahrzehnten. Alex Katz (*1927 in Brooklyn) is one of the foremost representatives of

Herausgegeben von / Edited by Veit Görner, Kathrin Meyer, kestnergesellschaft, Hannover Festeinband / Hardcover, ca. 17 x 23 cm ca. 80 S. / pages, ca. 60 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-256-6 ca. Euro 28,– / Sfr 39,90 November 2011

American painting in the international art world. In New York in the 1950s, his large-format, stencil-like portraits and landscapes set a striking counterpoint to Abstract Expressionism. Katz developed a signature pictorial language early on, characterized by outlined forms, clear colors and flatness. His images make a controlled, matter-of-fact impression, and yet their cropped character and emptiness evoke rich associations. Influenced by the imagery of the cinema, advertising and fashion, Katz translates what he sees into paintings that isolate individual motifs and elevate them to the status of ambiguous symbols. The catalog presents for the first time

Ausstellung / Exhibition kestnergesellschaft, Hannover 25. 11. 2011 – 05. 02. 2012

an overview of the artist's nude paintings from three decades.

Weserburg | Museum für moderne Kunst KUNST MIT KINDERN – FLIEGENDE HUNDE und andere seltsame Dinge Junge Menschen früh an bildende Kunst heranzuführen, ist ein wesentlicher Bestandteil der Museumsarbeit der Weserburg, Bremens Museum für Gegenwartskunst, das sich durch einen hohen Anteil an Fluxus, Konzeptkunst, Video- und Klangkunst auszeichnet. Die Methoden, die die Pädagogin Marion Hansen entwickelt hat, diese Kunst Kindern nahezubringen, sehen bewusst von kunsthistorischen Bewertungsmaßstäben und schulischen Lernformen ab. Das Buch richtet sich in erster Linie an Lehrer und Eltern, kann aber durch seine kindgerechte Sprache auch von Kindern der Grundstufe selbst gelesen werden. Reich bebildert gibt es Einblick in die Möglichkeiten der Vermittlungsarbeit und versteht sich als Anregung zum Nachmachen, als Inspirationsquelle zu eigenen, ganz neuen Begegnungen mit Gegenwartskunst. Introducing young people to the visual arts at as early an age as possible is a major component of the museum work of the Weserburg, Bremen’s museum Herausgegeben von / Edited by Peter Friese, Weserburg | Museum für moderne Kunst Text von / by Marion Hansen Festeinband / Hardcover 16 x 24 cm, 180 Seiten / pages 206 Farbabb. / color ills., DEUTSCH ISBN 978-3-86828-224-5 ca. Euro 29,80 / Sfr 41,50 Juli / July 2011

of modern art, which displays a great deal of Fluxus, Conceptual art, video and sound art. The methods educator Marion Hansen has developed to arouse children’s interest in art deliberately ignore the usual art historical value standards and focus on forms of learning different from those used at school. This book is designed primarily for teachers and parents, but is written in a language that also makes it suitable for elementary school children to read by themselves. It is hoped that the book will animate children to try their hand at art and that it will serve as a source of inspiration for new and individual encounters with modern art.

Kunst / Art

Staatliche Kunsthalle Karlsruhe UNSERE MODERNE – FÜR JUNGE BESUCHER Der Kinderkunstführer Unsere Moderne macht mit zahlreichen Farbbildern junge Kunstinteressierte ab acht Jahren mit der aufregenden Epoche der Moderne vertraut. Die Auswahl an Gemälden, Plastiken und Arbeiten auf Papier ist hier bunt gemischt und lediglich grob nach ihrer Entstehungszeit geordnet. Angefangen beim französischen Impressionisten Cézanne über Mirós surrealistische und farbenfrohe Meisterwerke bis zum Expressionisten Ernst Ludwig Kirchner veranschaulichen viele spannende Beispiele, wie sich die Kunst in der Zeit ab dem Ende des 19. Jahrhunderts von Grund auf veränderte und erneuerte. Neben Texten zu den Werken finden sich im Anhang Steckbriefe der vorgestellten Künstler, die Einblick in ihr Leben und ihre Werke geben, sowie ein Glossar mit Erklärungen schwieriger Wörter. Der Sammlungsführer für Kinder ist auch mit beigefügtem Malheft Herausgegeben von / Edited by Staatliche Kunsthalle Karlsruhe Text von / by Britta Borger Klappenbroschur / Softcover 16,5 x 24 cm 128 Seiten / pages 100 Farbabb. / color ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-217-7 Euro 20,– / Sfr 28,90

erhältlich. The children’s art guide Unsere Moderne (Our Modernism) uses a kaleidoscope of color images to introduce young art buffs aged eight and over to the exciting age of Modern Art. The selection of paintings, sculptures and works on paper is varied, only roughly organized by the time they were executed. Beginning with the French Impressionist Cézanne, proceeding to Miró’s colorful surrealist masterpieces, and then onward to the German Expressionists, exemplified by Ernst Ludwig Kirchner, many vivid examples illustrate how art changed and renewed itself dramatically from the late 19th century. Along with texts about the works, the appendix also includes short profiles a glossary explaining the more difficult terminology used. The collection guide for children is also available with a matching coloring book. Ausstellung / Exhibition Unsere Moderne – Cézanne. Miro. Matisse. Kirchner. Beckmann. Klee. Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, 30. 04. – 03. 10. 2011

Maurice de Vlaminck, Landschaft bei Chatou, 1906 Oben / Top: Paula Modersohn-Becker, Stillleben mit Orangen, Zitrone und Tomate (Detail), 1906

August Macke, Leute am blauen See, 1913

Erhältlich auch mit Malheft / Available with coloring book ISBN 978-3-86828-222-1 Euro 23,– / Sfr 32,90 Lieferbar / Available

of the featured artists, providing insights on their life and work, as well as

Bereits erschienen / Previously published

Neuauflage / Reprint Werner Bartsch DESERT BIRDS In den kilometerweiten Wüsten im Südwesten der USA stehen hunderte von stillgelegten und ausrangierten Flugmaschinen auf Halde und blicken ihrem Schicksal entgegen. Die ausgedörrte Wüste in ihrer Weite und Schlichtheit fungiert als reduzierte Kulisse, in der die Anmut und Schönheit der Desert Birds zur vollen Geltung kommen. Die Aufnahmen entstanden auf den großflächigen amerikanischen Flugzeuglagerplätzen, die normalerweise strengstens von der Außenwelt abgeschottet sind und für dieses Projekt die Tore öffneten. Werner Bartsch (*1965) ist Mitglied im Bund Freischaffender Fotodesigner (BFF) und arbeitet an freien Projekten und für namhafte internationaler Magazine und Agenturen. Texte von / Texts by Werner Bartsch, Sophia Greiff Festeinband / Hardcover 30 x 23 cm 112 Seiten / pages 50 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-179-8 ca. Euro 36,– / Sfr 51,50 Erhältlich Juli 2011 / Available July 2011

At the vast aircraft storage grounds in the middle of the desert in southwestern USA, hundreds of discarded aircrafts stand in waiting and contemplate their fate. Normally strictly isolated from the outside world, the storage grounds opened their gates for this project. In the impressive images we find ancient specimens of the world’s best known transport aircraft Dakota as well as retired airliners like the Boeing Stratocruiser and even the VC-121A Constellation, once President Eisenhower’s Air Force One, built in 1948. Werner Bartsch (*1965) is a member of BFF, the German Association of Freelance Photo Designers, and works on assignment for major German and international publications and agencies. »Schönheit, Vergänglichkeit, Pioniergeist und menschliche Hybris scheinen aus den sensiblen Bildern Werner Bartschs zu sprechen, die in Desert Birds versammelt sind.« (PROFIFOTO, Buch des Monats 4/2011)

Ausstellungen / Exhibitions Stadthaus Ulm 01.06 – 29.06.2011 Galerie Schuster, Berlin 10.06. – 31.07.2011

»Hinter der Nüchternheit der Inszenierung, den reduzierten Farben, den genau kalkulierten Unschärferen, den scheinbar willkürlichen Ausschnitten steckt kein kühler ästhetischer Minimalismus, sondern Gefühl. Bartsch geht es nicht um eine technizistische Dokumentation, nicht um eine Ahnentafel der Luftfahrtgeschichte, es geht ihm um Tragik und Einsamkeit. Selbst wenn er berühmte Flugzeuge wie die Air Force One des amerikanischen Präsidenten Dwight D. Eisenhower fotografiert, verzichtet er auf jede Pose, die ohne hin nichts als Selbstbetrug wäre. Statt dessen lässt er den Wüstenhimmel viele Aufnahmen beherrschen, der so weit, so strahlend, so verlockend ist, so vertraut und so unerreichbar für die Flugzeuge ist, dass man ihren Schmerz zu spüren glaubt, hätten sie nur eine Seele, und wer sagt denn, dass sie keine haben.« (J. Strobel y Serra, FAZ)

Kontakt und Vertrieb / Contact and Distribution

Kehrer Verlag Heidelberg Berlin

Vertretungen / Sales Representatives:

Hauptsitz / Head Office Heidelberg Heinsteinwerk Wieblinger Weg 21 69123 Heidelberg Deutschland / Germany E-Mail: contact@kehrerverlag.com Internet: www.kehrerverlag.com www.artbooksheidelberg.com

Deutschland Nord / Northern Germany (Berlin, Brandenburg, Bremen, Hamburg, Nord-Hessen, Mecklenburg-Vorpommern, Niedersachsen, Nordrhein-Westfalen, Sachsen, Sachsen-Anhalt, SchleswigHolstein, Thüringen) Kurt Salchli Immanuelkirchstraße 12 10405 Berlin Deutschland / Germany Fon: + 49 (0) 30 / 41 71 75 30 Fax: + 49 (0) 30 / 41 71 75 31 E-Mail: salchli@t-online.de Internet: www.salchli.de

Pressekontakt / Press: Barbara Karpf Fon: + 49 (0) 6221 / 649 20 18 E-Mail: barbara.karpf@kehrerverlag.com Vertrieb / Distribution: Kathrin Szymikowski Fon: + 49 (0) 6221 / 649 20 - 16 / -24 E-Mail: kathrin.szymikowsk@kehrerverlag.com

Repräsentanz / Showroom Berlin in den Räumen / at Vice Versa Immanuelkirchstr. 12 10405 Berlin / Germany Telefon: + 49 (0) 30 / 443 172-15 Telefax: + 49 (0) 30 / 443 172-16

Repräsentanz / Representative Paris Acquisitions Editor France Rémi Facheux 5, rue Moret 75011 Paris Frankreich / France Fon: +33 (0) 953 00 35 02 E-Mail: faucheux@kehrerverlag.com

VERTRIEBSKOOPERATION mit / SALES COOPERATION with avedition und Arnoldsche Verlagsanstalt (D, A, CH)

Auslieferungen / Distribution Centers

Auslieferung Deutschland und Österreich / Distributor Germany and Austria: Stuttgarter Verlagskontor SVK GmbH Rotebühlstraße 77 70178 Stuttgart Deutschland / Germany Fon: + 49 (0) 711 / 66 72-12 16 Fax: + 49 (0) 711 / 66 72-19 74 E-Mail: h.zimmermann@svk.de Internet: www.svk.de

Auslieferung Schweiz / Distributor Switzerland: Buch 2000 Verlagsauslieferung c/o AVA A6 Centralweg 16 8910 Affoltern am Albis Schweiz / Switzerland Fon: + 41 (0) 44 / 762 42 60 Fax: + 41 (0) 44 / 762 42 10 E-Mail: buch2000@ava.ch Internet: www.ava.ch

Deutschland Süd und Österreich / Southern Germany and Austria (Baden-Württemberg, Bayern, Süd-Hessen, Rheinland-Pfalz, Saarland) Michael Klein c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Deutschland / Germany Fon: + 49 (0) 931 / 17405 Fax: + 49 (0) 931 / 17410 E-mail: klein@vertreterbuero-wuerzburg.de Stefan Schempp Verlagsvertretungen Wilhelmstraße 32 80801 München Deutschland / Germany Fon: + 49 (0) 89 / 23 07 77 37 Fax: + 49 (0) 89 / 23 07 77 38 E-Mail: verlagsvertretung.schempp@t-online.de

Frankreich / France Marcello s.a.s. Publishers' Representatives Flavio Marcello Via Belzoni, 12 35121 Padova Italien / Italy Fon +39 (0) 49 8360671 Fax: +39 (0) 49 8786759 E-Mail: marcello@marcellosas.it

Italien, Spanien, Portugal, Gibraltar, Slowenien, Kroatien, Serbien, Bosnien, Malta und Griechenland / Italy, Spain, Portugal, Gibraltar, Slovenia, Croatia, Serbia, Bosnia, Malta, Greece Bookport Associates Ltd. Joe Portelli Via Luigi Salma, 7 20094 Corsico (MI) Italien / Italy Fon: +39 (0) 2 45 10 36 01 Fax: +39 (0) 2 45 01 64 26 E-Mail: bookport@bookport.it

Schweiz / Switzerland Sebastian Graf Uetlibergstraße 84 8045 Zürich Schweiz / Switzerland Fon: + 41 (0) 44 4634228 E-Mail: s.graf@swissonline.ch

Skandina vien / Scandinavia Elisabeth Harder-Kreimann Joachim-Mähl-Str. 28 22459 Hamburg Deutschland / Germany Fon: + 49 (0) 40 / 55 54 04 46 Fax: + 49 (0) 40 / 55 54 04 44 E-Mail: elisabeth@harder-kreimann.de

USA, Kanada / USA, Canada Consortium Book Sales & Distribution 34 13th Avenue NE, Suite 101 Minneapolis, MN 55413-1007, USA Fon: + 1 800 283 35 72 Fax: + 1 800 351 50 73 E-Mail: orderentry@perseusbooks.com Electronic ordering via PUBNET (SAN 631760X) Internet: www.cbsd.com

Großbritannien, Irland / Great Britain, Ireland Turnaround Publisher Services Ltd Unit 3, Olympia Trading Estate Coburg Road London N22 6TZ Großbritannien / Great Britain Fon: + 44 (0) 20 88 29 30 00 Fax: + 44 (0) 20 88 81 50 88 E-Mail: orders@turnaround-uk.com Internet: www.turnaround-uk.com

Mittlerer Osten, Nordafrika, Türkei / Middle East, North Africa, Turkey Peter Ward Book Exports Richard Ward Unit 3, Taylors Yard 67 Alderbrook Road London SW12 8AD Großbritannien / Great Britain Fon: + 44 (0) 20 87 72 33 00 Fax: + 44 (0) 20 87 72 33 09 E-Mail: richard@pwbookex.com

Ferner Osten / Far East Ashton International Marketing Services Julian Ashton PO Box 298 Sevenoaks Kent TN13 1WU Großbritannien / Great Britain Fon: + 44 (0) 1732 74 60 93 Fax: + 44 (0) 1732 74 50 96 E-Mail: jashton@ashtoninternational.com

Südafrika / South Africa Alexander Quaynor Kreuzbergstr. 29 53127 Bonn Deutschland / Germany Fon: + 49 (0) 228 / 92 59 91 98 Fax: + 49 (0) 228 / 92 59 92 38 E-Mail: alexander@quaynor.com

Südamerika / South America IMA / Intermediaamericana David Williams PO Box 8734 London SE21 7ZF Großbritannien / Great Britain E-Mail:david@intermediaamericana.com Fon: + 44 (0) 20 7274 7113 Fax: + 44 (0) 20 7274 7103

Coverabbildung / Cover illustration: Venetia Dearden, from the book Eight Days, 2011