WiF Magazine

WF WATCH IT FIRS T

TRANS GRE SIÓN EN LA MODA

ENTREVISTA A IGGY POP ILLINOIS: ARQUITECTURA LEGENDARIA

EDWARD JAMES Y EL SURREALISMO EN MÉXICO

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CARTA EDITORIAL

MOMENTO DE

reinvención E

n el mundo moderno en el que vivimos, tan presionados por los movimientos sociales, por la globalización ecuménica, la cultura del consumo inmediato y sobre todo, la enfermedad, puedo afirmar que cada vez que los viajeros –no los turistas– encontramos personajes y lugares singulares, nos sentimos auténticos, sin importar que los expedicionarios hayamos padecido contrariedades para lograrlo.

Bien lo decía el padre del periodismo Gonzo (Hunter S. Thompson) que escribió: “¿Quién es el hombre más feliz, el que ha enfrentado la tormenta de la vida y la vivió, o el que se ha mantenido firme en la tierra y sólo existió?” Bajo esa frase de uno de los más inspiradores periodistas y viajeros del siglo XX, decidimos elaborar una radiografía de lo que sucede en el mundo. Porque al igual que los viajes y los sueños, hemos de reconocer que la vida nunca más será igual y tendremos que caminar por lugares y momentos desconocidos para encontrar la verdad, la felicidad; estamos rompiendo los cánones construidos por el establishment de la época moderna.

Independiente a los temas de la pandemia, también debemos de salir de la zona de confort para reconocer las dificultades de pobreza y alimentación que existen alrededor del planeta, donde todos podemos echar mano, tal y como lo demostramos en en el Portafolio fotográfico que compartimos en esta edición.

Sí, decir la verdad se siente tan bien como lo es un intercambio de sonrisas. Hacer periodismo es reconfortante, sobre todo en una fuente informática relacionada con el estilo de vida, en la que pocos se atreven a plasmar la realidad que hay detrás de un gigantesco resort o una marca de moda. Me atrevo a decir que hacer este tipo de periodismo es un ejercicio de democracia que nos permite conquistar, seducir y embriagar a nuestros lectores mediante la verdad, porque todos queremos saber y contar la historia de las cosas.

Pepe Treviño Director Editorial

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Directorio CONSEJO EDITORIAL Luis Menchaca Diego Arvizu Pepe Treviño Arturo Barraza Antonio Turueño

DIRECCIÓN EDITORIAL

Pepe Treviño pepetrevino@madublishing.mx

EDITORA

Cindy Agustín cindyagustin@madublishing.mx

WIF DIGITAL

Manuel Corral manuelcorral@madublishing.mx

DIRECCIÓN DE ARTE

Ricardo Hernández richhernandez@integrandoconceptos.com

EDITOR DE FOTOGRAFÍA Federico de Jesús

DIRECCIÓN COMERCIAL CoolTripMexico

CORRECCIÓN DE ESTILO Pau Melo

STOCK FOTOGRÁFICO CoolTripMexico

COLABORADORES

Alejandra Grey, Reha Wignal, Gabriela Gorab, Martina Algeür, Laura Hecht, Louis Hankcok, Iván Victorio.

FOTO DE PORTADA Reha Wignal

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Editor Responsable Pepe Treviño. Certificado de Reserva de Derecho al uso Exclusivo No. 75645-JH-WM. Este número se publicó el mes de mayo del año 2020.

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WATCH IT FIRST HEMINGWAY, HERÓDOTO, PERCIVAL HARRISON, ANITA DELGADO BRIONES, AMELIA EARHART Y JANE GODALL, SON MORTALES QUE CONVIRTIERON EL ENSUEÑO EN UNA REALIDAD A TRAVÉS DE LOS VIAJES.

DEVELAMOS EXPERIENCIAS A TRAVÉS DE TOURS Y VIAJES BOUTIQUE ALREDEDOR DEL MUNDO.

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ENTREVISTA

Iggy Pop

PORTADA ICON

Lujo: la vida y el amor TRAVEL

Road Trip en Jalisco FOOD HISTORY

Le Champlain FLASHBACK

Sommelier 50. TRAVEL / INIALA BEACH 70. TRAVEL / PORTAFOLIO EN NÍGER 80. GOURMET / SABRAGE 90. BARES / SPEAKEASY 94.

DESEOS / REAL ESTATE 11 WEST 57 96. MOTOR / TRIUMPH LEGACY

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COLABORADORES

WATCH IT FIRST

REAH WIGNAL EN ESTA EDICIÓN NOS SENTIMOS HONRADOS POR CONTAR CON LA PARTICIPACIÓN DE REAH WIGNAL, EXPERIMENTADA FOTÓGRAFA DE MODA QUE NOS COMPARTIÓ LA FOTO DE PORTADA DE ESTA EDICIÓN DE WATCH IT FIRST. REAH CUENTA QUE PARA ESTA IMAGEN TOMADA EN SU ESTUDIO EN LONDRES, TRATÓ DE CAPTAR EL TEMA CENTRAL DE ESTE NÚMERO, DONDE HABLAMOS DE AQUELLOS TRANSGRESORES DE LA MODA, DONDE LOS PERSONAJES DE ESTA INDUSTRIA HAN MARCADO HISTORIA.

LAURA HECHT NUESTRA COLABORADORA ES LA AFORTUNADA TROTAMUNDOS QUE RECORRE EL MUNDO PARA CONOCER LAS HISTORIAS QUE HAY DETRÁS DE LOS BREBAJES Y ESPIRITUOSAS. APASIONADA DE LOS VINOS Y LA COMIDA, ALINE ASEGURA QUE REALIZAR ESTE TIPO DE EXPEDICIONES LE HA BRINDADO LA OPORTUNIDAD DE CONOCER GENTE TAN SINGULAR COMO CADA BEBIDA. ESTA VEZ NOS COMPARTE UN ANÁLISIS ACERCA DEL FUTURO DE LA INDUSTRIA RESTAURANTERA A PARTIR DEL COVID-19.

GABRIELA GORAB GABRIELA ES PRODUCTORA EN UNA COMPAÑÍA DE CINE Y TELEVISIÓN INDEPENDIENTE CON PRODUCCIONES CINEMATOGRÁFICAS EN 4 CONTINENTES; SUS HABILIDADES CREATIVAS LA CONVIERTEN EN COLABORADORA DE VARIOS MEDIOS ESCRITOS COMO WIF, EN DONDE ESCRIBE SOBRE ARTE, CULTURA E INNOVACIÓN. GABRIELA ES MIEMBRO DE DIVERSAS ORGANIZACIONES SIN FINES DE LUCRO RELACIONADAS A LAS ARTES Y LA CULTURA. ENTRE LOS PAÍSES EN LO QUE HA VIVIDO, TRABAJADO Y/O ESTUDIADO SE ENCUENTRAN MÉXICO, AUSTRALIA, INDONESIA, NUEVA ZELANDA, REINO UNIDO Y ESTADOS UNIDOS.

ALBERT RIQUELME ES UN FOTOPERIODISTA DE ORIGEN ARGENTINO QUE AMA TRABAJAR EN COMUNIDADES DONDE PARECE QUE NO HAY PRESENCIA DE DIOS. A DIFERENCIA DE LO QUE SE PENSARÍA, RIQUELME SIEMPRE SE MANTIENE DE PIE POR MÁS DESGARRADORA QUE SEA LA HISTORIA QUE CUENTA A TRAVÉS DE LA LENTE. NO PIERDE LA PASIÓN POR LOS DETALLES, A PESAR DE CUBRIR CONFLICTOS ARMADOS O REALIZA FOTOREPORTAJES PARA ONG´S, TAL Y COMO NOS LO COMPARTE EN ESTA EDICIÓN, EN DONDE HA ENTREGADO UN EXCELSO TRABAJO EN NÍGER, EN LA REGIÓN DEL SAHEL, DONDE LAS MUJERES ENFRENTAN LAS TERRIBLES INCLEMENCIAS DEL TIEMPO PARA OBTENER UN POCO DE AGUA.

Trends

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NEWS

C STUDIO THUSTHAT Y EL RECICLAJE

on sede en Londres y Ámsterdam, el Studio ThusThat, que es dirigido por tres graduados del Innovation Design Engineering del Royal College of Art y el Imperial College London, han puesto en el mapa de la arquitectura una serie de investigaciones científicas respecto al uso de basura en el reciclaje para fabricación de material de construcción.

El estudio se ha basado en mejorar la comprensión de diversos desechos sólidos para demostrar el potencial de los materiales de este tipo.

“En nuestra vida cotidiana los materiales son mucho más complejos de lo que parecen al principio”, explica el estudio. “Cada uno tiene innumerables lugares de origen, procesos complejos y usos diferentes que conforman su narrativa”.

La clave del proceso de diseño de Studio ThusThat es la investigación inmersiva, que se lleva a cabo mediante la colaboración con científicos y expertos en materiales de diversas partes del mundo. Esto le permite trabajar con muchos productos desconocidos que a menudo se limitan al estudio institucional.

“Es importante no quedarse confinado en la burbuja del diseño”, explicó Kevin Rouff, miembro de Studio ThusThat. “Necesitamos salir del laboratorio, alejarnos del escritorio y salir del taller para movernos con más fluidez”.

Un proyecto del estudio que demuestra el potencial de este concepto es la serie From Wasteland to Living Room, que explora el potencial de los residuos industriales de los sectores minero y metalúrgico.

VIRTUAL DESIGN FESTIVAL S

e trata del primer festival de diseño digital del mundo, se celebra del 15 de abril al 30 de junio de 2020 en Hollenegg, Austria. Es una plataforma que pretende unir al mundo de la arquitectura y el diseño para celebrar la cultura, el comercio de la industria y explorar cómo podremos adaptarnos y responder a circunstancias extraordinarias.

VDF ofrece un programa continuo de charlas en línea, conferencias, películas, lanzamientos de productos y más, complementando y apoyando ferias y festivales en todo el mundo que han tenido que posponerse o cancelarse y proporcionará una plataforma para empresas de diseño, para que puedan, a su vez, apoyar sus cadenas de suministro.

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NEWS

KARIM RASHID

E

l diseñador Karim Rashid fue nombrado ganador del American Prize for Design 2020, considerado como “el premio de diseño más importante y prestigioso de los Estados Unidos”.

Rashid es uno de los diseñadores industriales y arquitectos de interiores más prolíficos del planeta. Nacido en Egipto y radicado en nueva York, Rashid obtuvo el Honoris Causa en Canadá, ciudad que lo vio nacer como uno de los diseñadores más propositivos del siglo XXI.

Ha creado para diversas marcas, muchas de ellas relacionadas con estilo de vida. Allí está la champaña Veuve Clicquot, los muebles de Umbra, Bonaldo, Vondom; también marcas como Deutsche Bank, Audi, Method, Dirt Devil, Artemide, Magis, Citibank, Hyundai, laCie, Samsung, Swarovski...

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HOSPEDAJE AL ESTILO ZAHA HADID

a marca ME by Meliá aterriza en Oriente Medio con la apertura de su primer hotel en un proyecto póstumo de la célebre arquitecta Zaha Hadid.

El primer hotel Me by Meliá en Oriente Medio se aloja en una imponente construcción de más de 84.000 metros cuadrados, que consta de dos torres conectadas en las partes superior e inferior, dejando la parte central abierta para maximizar la entrada de luz natural.

El hotel se encuentra ubicado en el distrito financiero de Burj Khalifa, junto a la imponente torre homónima de 830 metros, epicentro de una zona de negocios y comercial repleta de rascacielos.

El cubo formado por las dos torres está “erosionado” en el centro formando un gran vacío irregular que le da el aspecto característico al edificio.

El interior de todo el hotel, desde las zonas comunes hasta los dormitorios y baños se llena de formas onduladas, sello de autor de la famosa arquitecta.

Además de la oferta propia del hotel, el edificio The Opus alberga espacios de restauración adicionales, entre los que se incluyen The Maine Oyster Bar and Grill y ROKA, el restaurante japonés robatayaki referencia en la cocina nipona contemporánea.

moda POR CINDY AGUSTÍN

TRANSGRESORES EN LA INDUSTRIA DE LA

LA CREATIVIDAD ES INHERENTE AL SER HUMANO; SIN EMBARGO, HAY PERSONAS QUE NACIERON PARA CREAR O FANTASEAR EN ESTA REALIDAD Y CON SU LABOR, ESTÁN DETERMINADOS A GENERAR CAMBIOS, A QUEBRANTAR Y DEMOSTRAR QUE EL SISTEMA ES UN ESTADO MENTAL. LAS PERSONAS QUE ENUMERAMOS A CONTINUACIÓN SON DISEÑADORES, PERIODISTAS Y ARTISTAS QUE ESTÁN DETERMINADOS A ABRIR CONSCIENCIAS MEDIANTE LA PROVOCACIÓN QUE ROZA CON LA ANARQUÍA.

MIUCCIA PRADA En los 90, Miuccia Bianchi Prada fue considerada unas de las mejores diseñadoras del mundo, ha hecho movimientos trascendentales en la casa de moda Prada, cuyo fundador fue su abuelo Mario Prada; aunado a ello logró aumentar varios ceros a las inversiones de esta empresa familiar, haciendo del arte de la moda redituable a partir de elementos que jamás se hubiesen animado a usar los fundadores: ¿espejos fragmentados? ¿mochilas de nylon? ¿tapas de botellas? Todos estos implementos, portados con estilo por modelos, se convirtieron en ventas exitosas.

A finales de los 80 sorprendió con el uso del café en prendas y transformó la perspectiva de género al considerar que la mujer también podía calzar zapatos sin tacón. Esto, marcaba su ideología feminista, la fuerte convicción de representar a la mujer en un encuadre distinto, donde se reemplazase la idea de la mujer sexual, su reflexión hacía parecer un dictamen donde afirmaba que las “armas de la seducción” han sido un constructo social. Por ello, en muchas escenas se le ha escuchado defender su criterio: “Mi trabajo es destruir, o al menos deconstruir, las ideas convencionales de belleza”. Miuccia

es fuerte en sus decisiones, así como militó en el Partido Comunista en los 70, se casó con Patrizio Bertelli a quien acusó de plagiar algunos de sus diseños en una feria comercial también por la década de 1970; y por si fuera poco tiene un gran fan, Marc Jacobs ha reconocido que la admira. La casa Prada y Miuccia ya tienen un espacio en la historia de la moda y del feminismo.

Ejerció el periodismo desde el año 1980 y en 1988 se convirtió en directora editorial de la revista Vogue (Italia); a partir de entonces utilizó la imagen como herramienta de poder; se concentró en las portadas de cada revista para no solo provocar, sino hacer conciencia de temas de importancia social y cultural. Cobijada por Steven Meisel, uno de los fotógrafos de moda más importantes, quien siempre tenía el crédito de las portadas; a esta mancuerna, Sozzani-Meisel, les encantaba que las imágenes “hablasen” contundentemente. Así, Franca rompió paradigmas; en 2008 dedicó una edición completa a la mujer negra que, por cierto, fue una de las revistas más vendidas en la historia de Vogue. En otro momento, se hizo crítica a la gran demanda de la cirugía estética; por lo cual se expuso a Linda Evangelista con vendas en la cara, como si recién se hubiese sometido a algún estiramiento facial. Franca

FRANCA SOZZANI se proponía adelantarse en el tiempo, preponderando la imagen como el lenguaje más directo de la revista. La periodista, soltera por convicción, participó en varias campañas altruistas, para apoyar a personas con cáncer y sida, pues decía que, si tienes la oportunidad de dirigir un periódico o una revista, éstos se pueden usar para “hacer el bien a las personas que no tienen tantas cosas”.

ALEXANDER MCQUEEN A pesar de que el inglés Alexander McQueen llevaba trabajando desde los 27 años con Givenchy como diseñador en jefe, su reconocimiento total vino precisamente cuando se independizó de esta casa de moda, en el 2002. Haciendo de lo grotesco diseños estéticos, Alexander selló sus propuestas basándose en historias lúgubres; como cuando debutó en 1992, con la colección “Jack el destripador acecha a sus víctimas”; en la escuela de moda Central Saint Martins College of Art and Design. En una más, basándose en la novela “El Perfume” de Patrick Süskind usó alambre de púas para diseñar un abrigo. La obra descomunalmente sexy –como han sido definidas las prendas creadas por Alexander- se ha expuesto en el Metropolitan Museum de Nueva York; en el 2011 Savage Beauty rompió récord de visitas y fue una de las muestras más exitosas en el Victoria Albert Museum. En una entrevista concedida a un periodista Alexander comentó que en el momento en que te conviertes en una marca… “en cuanto más sobrevives, más llevas el perfume de la permanencia”. Una sentencia que pesa aún después de su muerte que aconteció en 2010. Los logros, la enfermedad mental, el suicidio, la fascinación tecnológica y la genialidad de este artista transgresor se deja ver en el documental McQueen que se estrenó en 2018.

Steven Klein es uno de los fotógrafos que ha hecho lo que ha querido en las imágenes que captura en su lente.

Klein ha comentado sobre los rostros, personalidades del espectáculo y modelos que los busca porque les teme, aunque de alguna forma también ellos y ellas le temen a él, cuando realmente lo que lleva Steven es una carga fuerte de deseo. Con ese ímpetu vampiresco, deseando las almas de celebridades ha capturado a Madonna, Wyneth Paltrow, Brad Pitt, David Beckham, Angelina Jolie –y muchos más- por diferentes propósitos; ya sea para una campaña publicitaria como para portadas de revistas. Su trabajo se ha exhibido en varios sitios culturales como The Guggenheim y Gagosian Gallery; en 2009 participó en la exposición “weird beau-

ty: fashion photography no” en el International Center of Photography de Nueva York, junto con otros 40 fotógrafos internacionales; previamente la Galería Staley Wise –también ubicada en Nueva York- inauguró la exposición exclusiva de Steven Klein. En 2011, el fotógrafo sorprendió a la audiencia con su proyecto personal “Time Capsule”, una instalación de video de múltiples paneles, a través de la cual, reconoce el tiempo y la vejez como una ilusión en un mundo real; imágenes inquietantes para el círculo de la moda; donde ha quedado claro que este fotógrafo siempre otorga el lado obscuro del glamour.

STEVEN KLEIN

VIVIENNE WESTWOOD

La excentricidad con la que ha vivido Vivienne Westwood, le ha conferido un lugar en la historia del punk y de la moda en Gran Bretaña. A comienzos de los 60, conoció a Malcom McLaren, músico, productor y manager del grupo Sex Pistols; cuyos integrantes usaron ropa con alfileres de gancho que se volvería recurrente en los diseños portados por los punks. En la década de 1970, Vivienne abrió su tienda sobre King´s Road; años más tarde este mismo sitio renombrado “Sex” toma auge para la comunidad punk, y los modelos de Westwood comienzan a ganar popularidad. La primer colección con la que debuta se llama Pirata; sin embargo, fue hasta la década de los 80 en que su conocimiento se enriquece al trabajar con Giorgio Armani. Vigente a sus casi 80 años, lanzó en la colección Primavera/Verano 2020 titulada “No Man’s Change”; mediante el cual ejerce su demanda por la justicia y la reconversión económica. Manifiesto político que se une a la estrategia ecológica que nombra como Revolución Climática, donde la diseñadora marca

su teoría sobre el cambio climático, un hecho derivado de la adquisición descomunal de la tierra, que a la vez supone un sistema financiero podrido.

Por ello, en abril de 1989, la diseñadora se disfrazó de Margaret Thatcher para la portada de la revista Tatler; una acción profundamente crítica, de un gran sentido irónico.

¿Quién pensaba que las protestas de los estudiantes franceses sería recreada por la industria de la moda 50 años después?

Nosotros pensamos que solo a Gucci se le habría ocurrido. Y así lo demostró el con su campaña publicitaria de otoño del año 2018, que fue inmortalizada por Alessandro Michele bajo la lente de Glen Luchford y la dirección de arte de Christopher Simmonds.

La intención del arte fue bien logrado, se remonta a mayo de 1968, recreando las marchas y disturbios de los estudiantes en París, un movimiento social que terminaría repercutiendo más allá de las fronteras francesas.

La campaña fue muy mediática y criticada, a pesar que fue dirigida a la audiencia digital, donde la marca italiana lanzó una serie de teasers bajo el hashtag #GucciDansLesRues (Gucci en las calles).

En los videos dirigidos por Michele se pueden ver a estudiantes ataviados de Gucci, que parecen románticos, bohemios que citan la poesía de Arthur Rimbaud y se unen bajo la bandera de liberté, égalité, sexualité (Libertad, igualdad y sexualidad).

Los videos captan a grupos de rebeldes ataviados de Gucci en un supuesto campus universitario, desafiando apasionadamente el sistema, pidiendo un cambio, cambiando notas secretas en un aula durante una clase de poesía.

Pero las fotos en blanco y negro de Luchford son aún más dramáticas, parecen haber congelado el tiempo, con un arte inspirado en las atrevidas imágenes francesas de la Nouvelle Vague, de finales de los años 50 y 60, así como de los cineastas radicales François Truffaut y Jean-Luc Godard.

ALESSANDRO MICHELE

IGGY P

IGGY POP NO ES EXACTAMENTE QUIEN CREES QUE ES. SÍ, ES EL PERSONAJE MÁS PUNK QUE EXISTE HASTA ESTOS DÍAS. SÍ, ES UNO DE LOS FRONTMAN MÁS INTENSOS EN LA HISTORIA DEL ROCK ‘N’ ROLL. Y SÍ, ÉL ES EL HOMBRE DE LA VOZ DESGARRADORA DETRÁS DE POTENTES CANCIONES, COMO ‘THE PASSENGER’, ‘LUST FOR LIFE’ Y ‘I WANNA BE YOUR DOG’ LAS MISMAS QUE ESTABLECIERON UN MANIFIESTO PARA EL ROCK.

EL PUNK HA MUERTO Y HA REENCARNADO

POP

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ENTREVISTA

POR PEPE TREVIÑO

Pero esta vez el señor Iggy demuestra que también es un alma contemplativa y curiosa al que le gustan las nubes rosadas, que no le molesta haber sido parte de la campaña de Gucci y que siente pasión por colaborar con artistas jóvenes, esto, a pesar que ha lanzado su décimo octavo álbum en solitario llamado ‘Free’, un trabajo con el que Pop reflexiona y ve el pasado para recordar de dónde viene, sin saber a dónde va.

Iggy está confinado en su casa de Miami, Florida. Puedo ver un asiento de piel que recibe los rayos del astro rey. Yo trato de curiosear a través del monitor de mi computadora, el medio por donde realizaré la entrevista, hasta que aparece Iggy Pop y comenta, con su inglés británico: “Que bueno que la entrevista es a través de este medio porque el virus no me hubiera impedido saludarte correctamente… soy un caballero”. “Es un poco vergonzoso”, dice entre risas y con su característico acento un poco más suave de lo habitual. “¿Por qué debería tener una vista tan maravillosa hacia el paisaje que me rodea, ya sabes? Desde aquí podría ver cómo se acaba el mundo”.

Bueno tal vez, quizá usted tiene esa gran vista porque usted es Iggy Pop, considerado el pionero del punk y uno de los músicos vivos más influyentes del mundo ¿No lo cree?

“Bueno, claro”. Se ve tímido. “Es bueno si puedes conseguirlo, supongo” Refiriéndose a su privilegiado hogar, el mismo donde comenzó a soñar para el lanzamiento de su décimo octavo álbum en solitario, ‘Free’, un trabajo donde el maestro del punk mostró otra faceta creativa, donde Pop, en la mayoría de las piezas musicales, presta su voz

a las composiciones, letras y poesía de otros artistas. ¿El resultado? Una colección melancólica teñida de jazz que es muy diferente a su trabajo anterior. Y sin poder evitarlo me viene a la cabeza un pensamiento mórbido: ojalá este álbum no sea su ‘Blackstar’, su última producción.

Sin embargo Iggy demuestra que tiene más condición física que muchos otros músicos más jóvenes, quizá se debe a que su ADN va más allá de lo que un ser humano promedio vive, pero también, afirma mi entrevistado “esta pro-

ducción es un ejercicio introspectivo que me permitió reconocerme”. Temas como ‘James Bond’ y ‘Dirty Sanchez’ se basan en el sentido del humor de Pop, en su personaje escénico, algo que se hace presente cuando hablamos.

Pop se ríe con frecuencia de los recuerdos, de los personajes ridículos, de su pasado, de sus fracasos existenciales.

Es modesto y dice que se deja seducir muy fácil por el talento de la gente que le rodea. “Para este álbum me sedujeron Leron y Sarah, dos artistas que me

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ENTREVISTA

IGGY POP

LA LEYENDA IRREVERENTE Iggy Pop es una de las figuras más representativas del punk y una leyenda viviente.

Son pocos los artistas tan influyentes y reconocidos en la historia de la música como Iggy, quien ha construido una carrera llena de reconocimientos gracias a su actitud, su visión y su creatividad.

“La libertad es ser capaz de respetar tus propios sentimientos y actuar en consecuencia” Iggy Pop

ayudaron a pensar que tal vez podría hacer algo con sus obras. Leron es un músico avanzado y educado; Sarah es muy neutral con lo que escribe. Ella pone lo dulce y la cadencia. Y nunca pensé que con las primeras ideas iba a producir un disco, pero conforme iba avanzando decidí invertir en un proyecto donde realmente debería de sentirme bien. Me lo podía permitir y tenía tiempo, así que eso fue lo que sucedió“. ¿Entonces fue una especie de álbum creado por accidente?

“Accidentalmente para ellos, no en mi caso. Yo ya estaba en búsqueda de algo”.

El disco es un compendio de estilos y talento. Se extiende desde la trompeta de jazz de Leron en la apertura del álbum ‘Free’, hasta la voz sexy en cada coro de ‘James Bond’, además de la lectura de dos hermosos poemas: uno de Dylan Thomas en ‘Do Go Go Into That Good Good Night, y otra en un verso escrito por Lou Reed, titulado ‘We The People’. ¿Cómo llegaron esas ideas y en qué momento?.

“No había escuchado a ‘We The People’ hasta hace poco”, dice Iggy. “Todo comenzó con un libro de poesía de Lou, que llegó por correo a mi casa. Lo abrí y desde la primer página me hizo tomar asiento para leerlo de principio a fin. Pensé que yo entendía cada frase y decidí hacer algo con ello. Cada vez que lo volvía a leer podía escuchar el solo de piano y la trompeta de Leron en mi cabeza y pensé que esto era lo que deseaba hacer”.

Pero Reed habla de la locura, de un mundo enfermo ¿Es así como Iggy ve a este planeta?

“Ha sido así por mucho tiempo. Hoy nos estamos dando cuenta que el planeta tambalea. Me gustaría pensar que todo saldrá bien, pero debo ser honesto, hay una parte de mí que se siente realmente afortunada de tener la edad que tengo ¿si entiendes lo que digo?”.

Creo que si y no es un buen presagio. “¡Eso es terrible! ¡Lo siento! ¡Eso es te

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ENTREVISTA

IGGY POP

rrible! Eso no es bueno ¡En absoluto!

Pero creo que las cosas en el mundo se están moviendo de una manera muy rara”.

Quizá para muchos el Padrino del Punk no espera la validación del público, esto en gran parte porque generaciones de artistas le citan a usted o a la banda The Stooges como figuras fundamentales en la historia de la música contemporánea, pero los números cuentan una historia diferente. Fue un largo trabajo intentar que el anterior álbum ‘Post-Pop Depression’ le valiera una nominación al Grammy, que le fue arrebatado por David Bowie con el mencionado ‘Blackstar’. ¿Este suceso podría haber generado una “inseguridad crónica” en Pop? “Nunca me proyecté así. Creo que compensé -en exceso- durante años y eso ha sido sano para mi. Pero ahora veo que ustedes, los periodistas, cada vez escudriñan a los músicos con tanto detalle que pareciera que desean acercarnos al suicidio –ríe-… y también veo que escriben reportajes para resolver sus propias dudas existenciales y se preguntan: “¿la industria musical está causando enfermedades menta-

les?” ¡Qué gracioso! –nuevamente se ríe- “¡Por supuesto! - hace el remedo de una voz de anciano - mi actitud es contagiarte mi enfermedad mental para que disfrutes de cada una de mis canciones, tal y como lo hago yo“.

Entonces, cuando finalmente descifró la fórmula ganadora que conduce al éxito y a la aclamación crítica ¿Decidió hacer este álbum? ¿Se hubiera sentido decepcionado de no intentarlo nuevamente?

“Cuando eres un poco raro te vuelves más sensible ante ciertos sucesos de la vida. Y así, buscas a alguien que esté más en la frecuencia espiritual para trabajar y salir del hoyo. Aunque siempre tengo que medir el tiempo y tener cuidado con el compromiso personal para no quedar en órbita permanente”, dice. “Porque éstas personas espirituales siempre tienen a muchas otras personas atrapadas en esa órbita, a su alrededor. Así que quería salir de inmediato, salir del pasado y hacer lo mío”. ¿Se refiere a la época de la gira ‘PostPop Depression’ y al período cuando perdió a su querido amigo David Bowie?

“Uf, si. Fue un año de muchos golpes”, dice Iggy. “Quedé destrozado. Solo quería salir y evitar las emociones. No estaba claro a dónde quería ir… incluso cuando me presentaba me volví el típico viejo que contaba el tiempo en cada show, no disfrutaba nada, era mi época de...” -recalca con ese acento del abuelo enojón- “Chicos, todo apesta el día de hoy”.

Iggy Pop ya comienza a ver el reloj y rápidamente intento colar las últimas preguntas. Pero antes decido abrir la boca y preguntarle ¿Qué es el punk para Iggy Pop? “El punk es un animal amorfo y multiforme. En otros tiempos era romper estigmas a través de la irreverencia, del enojo. Pero hoy todo ha cambiado. Entendiendo una canción como ‘No Fun’ de The Stooges, ¿podría hacerse una comparación con Gucci Gang? Ese es el punk de hoy, porque antes el asunto del punk es que todo el mundo sabía, desde el primer momento, que pelear contra la máquina, el sistema, era inútil”, dice con una sonrisa.

“Creo que en el punk tiene que haber una sensación de desesperanza, lo cual es algo terrible. Y no quiero sentarme

aquí y abogar por la desesperanza, pero ya sabes lo que digo, ¿verdad?

Y lo comento porque veo que el punk parece estar descansando por ahora, porque actualmente nos hemos dado cuenta que estamos viviendo un momento, el más punk de todos los tiempos de nuestra era”. ¿Entonces podríamos afirmar que Iggy Pop le inyectó una actitud punk, de desesperanza al mundo del lujo a través de la campaña de la marca Gucci?

“Curiosamente esa campaña a la que me invitaron a participar a finales del año pasado me recordó a la parte divertida de The Stooges; porque durante mucho tiempo pude haberme negado a ello, pero me pareció muy punk que la marca decidiera darle una vuelta de tuerca a su filosofía donde todo era bonito y color de rosa. Entienden que la audiencia ha cambiado. Eso no quiere decir que a algunas personas simplemente no les haya gustado esta acción al preguntarse ¿Qué diablos hace Iggy Pop en mi marca de lujo?

Usted ha dicho que el punk está en receso. De ser así, si existiera el último punk sobre la faz de la tierra ¿cuál sería su recomendación para mantener esta actitud en estos tiempos?

“Primero esa persona tendría que entender que el punk es un término relativo, o no sobrevivirá; pero se trata de libertad. Y para conseguirlo hay que hacer las cosas que te gusta hacer, es un sentimiento inexplicable”, afirma Iggy.

“Y con libertad me refiero a muchas cosas. Yo puedo quitarme los zapatos o la camisa en un evento. Puedo conducir un descapotable que cuesta una cantidad vergonzosa de dinero y nunca bajar la capota, pero esas son solo muletillas para ser libre. Yo soy el tipo de persona que diariamente disfruta de su libertad, libertad que obtengo al observar las caprichosas formas de las nubes. Me gustan las nubes, tenemos muy buenas nubes aquí en Florida, son esponjosas y rosadas. Y luego, algo de la libertad tiene que ser personal, algo que te ayude a mantener vivo el espíritu artístico, se trata de emociones privadas y viscerales, alteraciones y estados de ánimo que nunca te voy a contar “.

EL GUCCI MÁS PUNK La campaña de Gucci se inspiró en las fiestas efímeras, ilusorias, en las que cada invitado se muestra tal y como es, incluso denunciando los momentos de farsa social. Por eso se pueden ver a personalidades tan diferentes entre sí, de distintas esferas artísticas, edades y estilos, para que los contrastes sean los protagonistas de la campaña.

Una estrella de rock sin edad, la glamurosa socialité, la dama burguesa, el magnate y una estrella del hip hop conviven a destiempo.

A R T E PÚBLICO EN M A R S E L L A

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Arquitecto: Rudy Ricciotti.

Inauguración: 7 de junio de 2013.

Ubicación: Marsella, Francia.

Material: Asbesto, hormigón prensado, concreto, acristalamiento.

Estilo: Modernista.

ARQUITECTURA

POR IVÁN VICTORIO

Diseño y concepto: El MuCEM se divide en tres ambientes y ha sido edificado sobre el malecón J4 del puerto de Marsella. Es un lugar dedicado a conocer los principales momentos históricos de las civilizaciones mediterráneas con temáticas como los tesoros de la Ruta de las Especies o un gabinete de las Siete Maravillas del Mundo.

Su arquitecto, Rudy Ricciotti define el concepto de este recinto como: “una estructura muy femenina pero también muy musculosa, con los nervios de fuera...”. No hay más que admirar la malla que lo cubre, elaborada de asbesto polvo color mate que mide 52 metros de largo, 18 metros de altura y 4,700 metros cuadrados de ancho. Esta estructura se une al Fuerte de Saint-Jean en su parte trasera, con dos pasarelas de hormigón, una de 135 metros de largo y otra de 70. La fachada y el techo están revestidas; gracias a su diseño, sirven para condensar la luz al interior del museo.

Diseño: Se complementa con materiales que provocan, sobre todo en las noches, que el azul ultramarino del mar se confunda con su base y parezca que el museo está flotando.

El frente es de cristal y todo en su conjunto ha sido calificado como el mejor en Europa, esto por su complejo sistema de construcción.

Imperdible: Una visita al jardín mediterráneo de 12,000 m2 que es un homenaje a los viajeros que antaño desembarcaron en estas aguas. Tiene 15 cuadros de concreto colocados como homenaje al mestizaje cultural del Mediterráneo.

Datos en concreto

1 millón de piezas entre objetos y obras forman parte de su colección.

44,000 metros cuadrados es la superficie total del MuCEM.

15,000 metros cuadrados de espacio es lo que cubre su Galería Mediterráneo.

10,000 metros cuadrados tiene su Centro de Conservación y Recursos.

En la red: www.mucem.org

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ARTE

POR IVÁN VICTORIO

CHILLIDA FUE UN SER HUMANO MUY INQUIETO. ESTUDIÓ ARQUITECTURA EN LA ESCUELA POLITÉCNICA DE MADRID, HASTA QUE RENUNCIÓ EN 1947, PUES SEGÚN EL ARTISTA NO QUERÍA CONTAMINARSE CON PRECEPTOS ACERCA DE LA BELLEZA, POR LO QUE SE DEDICÓ DE LLENO AL DIBUJO Y A LA ESCULTURA. DURANTE SUS AÑOS DE INSPIRACIÓN, EDUARDO JUGÓ AL FUTBOL EN EL EQUIPO DE SEGUNDA DIVISIÓN REAL SOCIEDAD COMO PORTERO TITULAR, HASTA QUE UNA LESIÓN EN LA RODILLA LO OBLIGÓ A RETIRARSE.

Eduardo Chillida ESCULTURA post-mortem

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a Guerra Civil Española (como a muchos artistas), lo hizo emigrar a París. Allí conoce la obra de Pablo Picasso, Julio González y Bracunsi; incluso se vuelve un aficionado al arte arcaico griego durante sus múltiples visitas al museo de Louvre.

En estos años comienza su rivalidad con el escultor Jorge Oteiza, ambos con una obra vinculada en la tradición constructivista. Pese a trabajar cada uno con temáticas parcialmente diferentes, Jorge Oteiza acusó a Eduardo Chillida de plagiar sus obras.

Justo en esa época, realiza sus primeras esculturas en yeso y terracota. Aún influenciado por la tradición figurativa, el escultor, insatisfecho, descubre que debe regresar a España para encontrar el ADN de su obra.

En 1950 Chillida contrae matrimonio con Pilar Belzunce. Un año después se instala en Hernani, País Vasco, para levantar su taller y comenzar a trabajar con Manuel Illarramendi, quien le enseña los secretos del arte de la forja para concebir su primera escultura abstracta, bautizada con el nombre de Ilarik.

Austera y primitiva –así fue catalogada o criticada su primer obra-, esta escultura marcó el estilo definitivo de Eduardo, ya que los materiales como la madera y el acero poseían una fuerte connotación mítica dentro de la cultura vasca, además que desmentía o justificaba que no había ninguna jerarquía entre estatua y peana.

EXPLORACIÓN CONSOLIDADA A fines de la década empezó a experimentar con nuevos materiales y soportes. En 1959 realizó Abesti Gogora, su primera escultura en madera. También hizo su primera obra en acero, Rumor de límites IV, y sus primeros aguafuertes.

En 1963, junto con el historiador y crítico de arte Jacques Du- pin, viajó a Grecia. Entró en contacto con el mundo y la cultura egea, pero en esta ocasión encontró inspiración para ejecutar nuevos proyectos, hoy grandes clásicos del siglo XX. A partir de 1971, Chillida se involucra con la escultura pública y realiza un gran número de obras: Lugar de encuentros III (Madrid, 1971), La casa de Goethe (Frankfurt, 1986), Elogio del agua (Barcelona, 1987), Elogio del horizonte (Gijón, 1990) o Monumento a la tolerancia (Sevilla, 1992).

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ARTE

EDUARDO CHILLIDA

Eduardo Chillida Juantegui, nacido en San Sebastián el 10 de enero de 1924, es reconocido como uno los escultores experimentales más importantes de España.

Las exploraciones creativas iniciadas con Ilarik se irían redefiniendo y concretando en los años siguientes con piezas como Elogio del aire, Música callada, Rumor de límites o El peine del viento. Esta última obra (una de las más conocidas del artista) la estuvo trabajando, en sus distintas versiones, durante más de quince años y no la culminó hasta 1977, cuando las tres piezas de acero de la instalación fueron definitivamente engarzadas frente a aquel mar, atávico y oscuro, que lo había visto nacer.

En septiembre de 2000, ya padeciendo la terrible enfermedad del Alzheimer, Chillida vio realizado uno de sus grandes sueños. Aquel día, en Hernani, abrió sus puertas el centro que él mismo había bautizado como Chillida-Leku (Casa de Chillida). Este proyecto empezó a gestarse en 1984, cuando él y su esposa adquirieron un viejo caserío del siglo XVI, rodeado de prados y bosques, para crear un espacio que contribuyese a la divulgación de su obra y albergase de forma permanente una muestra representativa de la misma.

El 19 de agosto de 2002 falleció en su casa del Monte Igueldo en San Sebastián y, ocho años después, el 31 de diciembre de 2010 a las 13:00 horas, el Museo Chillida-Leku, su último legado, cierra sus puertas debido a la crisis mundial, dando por acabado el sueño efímero, utópico del gran escultor vasco.

Life & Travel

EDWARD J A M E S , EL MECENAS DE LOS SUEÑOS

EDWARD JAMES FORMÓ UNA IMPORTANTE COLECCIÓN DE ARTE SURREALISTA. ¿SE ACUERDAN DEL INSPIRADOR LOBSTER TELEPHONE DE SALVADOR DALÍ? PUES ÉL FUE EL MECENAS, ASÍ COMO DE RENÉ MAGRITTE Y LEONORA CARRINGTON, ENTRE OTROS.

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James aparece en tres famosos cuadros surrealistas: • Swans Reflecting Elephants, de Dalí • La Reproduction Interdite, de René Magritte • The Pleasure Principle: Portrait of Edward James, de René Magritte

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En el año 2013 el fotógrafo Tim Walker decidió hacer un homenaje especial a Edward James y a Leonora Carrington, amiga íntima de Edward James.

ART PROFILE

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TEXTO: FEDERICO DE JESÚS FOTOS: CORTESÍA TIM WALKEN / MODELO TILDA SWINTON

Edward Frank Willis James fue un millonario, poeta, escultor y mecenas de arte ligado al movimiento surrealista. Nacido en agosto de 1907 en Greywalls, Escocia, desde la pubertad, sir Edward James demostró tener una obsesión por el mundo de los sueños, del universo bizarro.

Su nombre le fue dado por sus padres, el magnate estadounidense William James y Elizabeth Evelyn Forbes, en honor del rey Eduardo VII, a quien conocían personalmente.

Fue el único varón entre cuatro hermanas cuando, su padre falleció cuando tenia cinco años, por lo que durante su infancia creció atendido por nanas, hasta la pubertad, cuando comenzó a escribir poemas y a sentir pasión por el arte, incluso en el año de 1922 gana el prestigioso Geoffrey Gunther Memorial Drawing Prize.

A los 19 años James ingresa a Oxford para estudiar artes, sólo que la muerte de su madre tres años después le hace ver el mundo desde otra perspectiva.

Se había liberado del yugo que le imponía el apellido con todo y el círculo social que le acompañaba.

Comenzó a liberar su espíritu rebelde y a patrocinar artistas.

Años más tarde regresa a Londres y funda su propia casa editorial, donde publica una serie de poemas, muchos de ellos inspirados en su musa Tilly Losch, una bailarina de gran belleza de la que se había enamorado y que en poco tiempo hizo su esposa. Sin embargo James pronto se divorció; algunos afirman que Edward era homosexual, otros aseguraban que la bailarina se mostraba fría e interesada en el dinero.

Posterior a su divorcio James se recluyó en su casa, el castillo West Dean, en Inglaterra, donde comenzó a vivir el surrealismo: en los pasillos había bustos romanos con bocinas atadas con alambre a sus bocas, las cortinas de las ventanas las había transformado en grandes lienzos de arte abstracto para ser exhibidas en las terrazas del castillo; también comenzó a financiar la revista del movimiento surrealista MINOTAURO, se convirtió en mecenas de pintores surrealistas como Salvador Dalí y Rene Magritte. Incluso, también fue el principal patrocinador del pabellón surrealista de la Feria Mundial de 1939 en Nueva York.

Todo se vino abajo en 1939, cuando estalló la Segunda Guerra Mundial. Como muchos artistas, James se refugió en Nueva York. Allí decide viajar a México en 1944 para conocer a Leonora Carrington, pintora surrealista inglesa que vivía en Cuernavaca, Morelos; por azar del destino conoce allí conoce a Plutarco Gastélum, quien se vuelve su amigo y compañero de innumerables aventuras. Como amante de la naturaleza, James viaja a la Huasteca Potosina para admirar la majestuosidad de la selva, pues alguien le había comentado a James acerca de las orquídeas silvestres de Xilitla.

“Construí este santuario para que fuera habitado por mis ideas y mis fantasías, un mundo único, lleno de libertad, que será habitado sólo por aquellos capaces de construir sus propios sueños”.

– Edward James. –

Allí, decide comprar un predio, en el corazón de la selva, donde decide plantar flores junto a su amigo Plutarco Gastélum. Sin embargo en 1962 una helada acaba con su plantío, por lo que James decide construir un jardín surrealista en un terreno al borde del río Santa María, en Xilitla, en lo alto de la Sierra Huasteca del noreste de México. Se instala allí y, con ayuda de trabajadores huastecos, construye su sueño, el cual hoy es posible visitar como viajero.

luj o LA VIDA, EL MAYOR

“QUIERO TENER EL LUJO DE VIVIR SIN PRISA DE PREPARAR Y DISFRUTAR MIS ALIMENTOS CON CALMA DE DORMIR LO SUFICIENTE DE TENER TIEMPO PARA CONTEMPLAR LA VIDA QUIERO GOZAR EL LUJO DE SER YO MISMO DE NO SENTIR LA NECESIDAD DE IMPRESIONAR A NADIE DE SEGUIR MIS IDEALES DE HACER LAS COSAS QUE MÁS DISFRUTO Y PODER VIVIR DE ELLAS QUIERO VIVIR CON EL LUJO DE NO TENER MIEDO DE ACEPTAR LO QUE VENGA DE ADAPTARME A CUALQUIER SITUACIÓN DE NO ESPERAR NADA DE MORIR CON UNA SONRISA Y SOBRE TODO QUIERO TENER EL LUJO MÁS GRANDE DE TODOS: EL LUJO DE SER FELIZ AHORA… CON O SIN LUJOS. ¿Y A TI QUÉ LUJOS TE GUSTARÍA TENER EN TU VIDA?” La vida minimal, Pedro Campos

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POR PEPE TREVIÑO / ILUSTRACIONES: STEVEN R. GILMORE

Hoy vivir es un lujo, pero parece ser que pocos lo entienden o lo han entendido. Estar recluido en nuestras casas es uno de los peores castigos que ha sufrido la raza humana. El derecho primordial ha sido derogado por nosotros mismos, hoy tenemos libertad pero no la podemos ejercer, nos hemos transformado en una plaga mortal. Hemos cansado a la Pachamama y también hemos roto los paradigmas para disfrutar de lo más elemental: vivir.

Si, al día de hoy nuestra existencia nos exige reinventar la rueda. Tenemos que confeccionar la nueva realidad para entender que la normalidad era en realidad un mal sueño. Mira que tener más armamento que camas de hospital.

Pero a pesar que un alto índice de la humanidad optamos por preservar y entender la vida, al día de hoy existen

personas que han decidido dejar de ver el sol.

Así lo dicta la Organización Mundial de la Salud (OMS), una persona se quita la vida cada 40 segundos, a pesar del incremento en el número de países que cuentan con estrategias nacionales para la prevención del suicidio, demostrando que el marketing y los slogans que afirman Coca Cola te hace feliz, un auto costoso te hace exitoso o llevar a tus hijos a Disney te hace sentir orgulloso, hoy son palabras huecas, una falacia.

Increíble que ante esta pandemia generada por el virus COVID-19, donde la mayoría de los habitantes de esta aldea global estamos recluidos para evitar el contagio, hay seres humanos que han perdido la fe y el anhelo por vivir debido a factores relacionados con la salud y calidad de vida.

“Se necesita mucha fuerza para tomar la decisión de hacerlo, no se si soy cobarde o valiente, pero debo despedirme de la agonía”, responde el señor Rourke, un jubilado holandés, de 73 años, al preguntarle sobre el suicidio asistido. Confiesa que lo acepta, pero le resulta doloroso tener que recurrir a Exit, Dignitas o Eternal Spirit, tres de las asociaciones que en Suiza ayudan a quienes quieren terminar con su vida. “No creo que sea la salida más fácil. Todo lo contrario, al final, soy yo mismo el que debe tomar la dosis letal, por eso me resulta difícil entender por qué necesito de un permiso para morir”, explica pensativo. ¿Qué podemos hacer si nos preocupa morir con dignidad y paz? Pero también ¿Qué pasa por la cabeza de los seres queridos del paciente que desea acabar con su vida?

Es verdad, generalmente la eutanasia aparece en las noticias como resultado de una discusión ética en torno a la legalidad de su aplicación. Sin embargo este tema ha captado la atención de gobiernos y ONG´s debido a otro controversial tema: el turismo de eutanasia o suicida.

Sin duda es una extraña combinación de palabras. El “turismo” es asociado a una experiencia feliz, pero la palabra “suicidio” sigue siendo un enigma, por ello la definición del concepto que envuelve al “turismo suicida” es todo un fenómeno y, digamos, que una tendencia donde cada vez más personas viajan a un país que lo ofrece como una opción legal, porque el acto está prohibido o es restrictivo en su país de origen, aunque muchos lo hacen de manera ilegal. Incluso algunos turistas

han visitado México para comprar una sustancia en las tiendas de mascotas que normalmente está destinada para sacrificar gatos o perros, otros se desplazan a Suiza para llevar a cabo un pacto suicida en un departamento alquilado, con la ayuda de grupos y ONG´s que apoyan el derecho a morir, o bien a San Francisco para saltar del puente Golden Gate.

Actualmente hay un aumento notable en el número de pacientes que viajan a Bélgica, donde los “asesinatos de misericordia” han sido legales desde 2002. La afluencia procede principalmente de los otros 27 países miembros de la Unión Europea, donde Francia encabeza la lista.

Con todo ello, antes que Bélgica se convirtiera en la llamada “capital mundial de la eutanasia”, esa distinción pertenecía a Suiza, país conocido como el “destino final” entre los suicidas en potencia, ya que el suicidio asistido se ha permitido desde el año 1942, donde actualmente operan ocho clínicas de derecho a morir.

En la actualidad hay otros países que permiten abiertamente la eutanasia pasiva, como Luxemburgo, Suiza, Canadá, Países Bajos, Bélgica, Colombia y Australia. En Estados Unidos, Oregón fue el primer estado en legalizarlo en 1997, seguido de Washington, Vermont, Hawái, Nueva Jersey y Maine.

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LA VIDA, EL MAYOR LUJO

¿EL TERCER MUNDO ESTÁ PREPARADO PARA LA MUERTE ASISTIDA? Es verdad que el lamento se puede extender hasta el infinito para un ser humano que padece de una terrible y dolorosa enfermedad, pero en México aún hay muchas situaciones qué sortear, entre ellas la tradición católica, que en conjunto con los sectores más conservadores rechazan rotundamente esta acción. Donde algunos ven un triunfo de la empatía y la compasión y otros hablan de una “cultura de la muerte”.

Pero la decisión del bien morir es también un atajo para que se lleven casos de eutanasia involuntaria en México, tal y como ha sucedido en Holanda, donde esto ha ocurrido por los familiares que no desean mantener pacientes en etapa terminal por los altos costos que genera, un problema que podría acontecer en México una vez regulada y autorizada la eutanasia, donde podrían morir pacientes que no han solicitado su muerte o cuando el gobierno decidiera que los recursos destinados al sector salud no podrían seguirse empleando en pacientes que se encuentran en el umbral de la muerte. Pues como lo sabemos, la ley, en México, fue creada para ser fracturada.

“El lujo no depende de la riqueza, sino de la ausencia de vulgaridad” – Coco Chanel – Sin embargo así no lo piensa Alfonso Ugalde, paciente enfermo de cáncer en el esófago que se encuentra hospitalizado en una clínica de Pemex de la CDMX. El señor Ugalde no puede hablar y se comunica mediante mensajes escritos en papel, donde señala: “ni siquiera puedo decir con mi propia voz que me quiero morir y tampoco nunca va a suceder, los doctores saben que estoy desahuciado pero no entienden el dolor y la tristeza por la que atravieso, aunque un persona sana puede morir durante un atentado terrorista ejecutado por algún cártel del narcotráfico, sin que los gobiernos mexicanos impartan justicia o los grupos religiosos siquiera le dediquen un rezo a los caídos. Me molesta no poder decidir mi muerte”.

La legalización de la eutanasia en México no se llevará a cabo pronto, a pesar que en el mes de julio del año 2019 el Senado de la República aprobó por unanimidad la reforma al artículo IV de

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LA VIDA, EL MAYOR LUJO

El concepto de lujo ha cambiado radicalmente. Los mejores lujos son los que no se pueden comprar. Así lo señala un estudio elaborado por McKinsey & Company, donde afirma que el “lujo experiencial” —hoteles, resorts, cruceros y restaurantes de alta gama— ha sido uno de los componentes más dinámicos y de rápido crecimiento del sector del lujo.

Los Millennials (los nacidos entre 1980 y 1995) optaron más por las experiencias y los “momentos de Instagram” que por los artículos de lujo.

Los baby boomers (nacidos entre 1946 y 1964) también se estaban moviendo en esta dirección, ya que habían acumulado productos de lujo a lo largo de los años. Si bien esperamos que el ímpetu positivo del lujo experimental persista, se reducirá a corto plazo a medida que los consumidores vuelvan temporalmente a comprar bienes por experiencia.

la Constitución con el fin de garantizar los cuidados paliativos y con ello “una muerte digna a los enfermos terminales”. ”No se trata de eutanasia´”, precisó el senador Miguel Ángel Mancera (PRD), pues la enmienda establece que “toda persona tiene derecho a la protección de su salud en condiciones de dignidad”.

VIAJEROS SIN RETORNO Pero regresando a los viajeros suicidas hay que reconocer que esto siempre ha sucedido a lo largo de la historia.

Más allá de la depresión hay una serie de personas que se encuentran en una constante búsqueda del destino ideal para morir. Tal es el caso de los baby boomers, los que hoy son factor de riesgo ante el Coronavirus.

Según la psiquiatra Angélica Zetina hay una serie de factores en los viajes que influyen en los viajeros suicidas en potencia, comenzando con la época, donde verano y Navidad son predilectos para ello. Pero también, señala la psiquiatra, “estos desesperados viajeros buscan los sitios en donde sea favorable morir, por ejemplo ¿Qué ofrecen los hoteles a los suicidas? Sin duda, allí, el ser humano que atraviesa por una depresión se encuentra desubicado y más vulnerable que en un espacio conocido”. Además, prosigue “es difícil que en estos espacios aparezca un pariente o vecino para evitar esta tragedia, pues regularmente estos pacientes tienen la precaución de dar un nombre falso al hacer el check-in. Todas estas razones operativas hacen de éstos, lugares propicios para cometer un suicidio. Pero ahora ya se comienzan a conocer historias de pacientes terminales que han encontrado un aliciente para dejar de tener pensamientos suicidas, esto a partir de la pandemia y de las noticias que muestran historias tristes y dolorosas acerca de

familiares que no pudieron despedirse de un familiar contagiado”.

Y así será la historia moderna, las reglas para comprender la vida y la muerte cambiaron a partir de la pandemia que ha sacudido al planeta entero. Independientemente del virus, el confinamiento nos está a poniendo a prueba para reconocer verdaderamente cuáles son nuestros ideales, nuestros sueños, la misma certeza, el valor de las personas, el valor de la vida y la muerte.

Estamos tratando de entender al miedo. Pues al igual que los enfermos terminales, estamos reconociendo que la vida, con todo y sus retos, es más bondadosa de lo que imaginamos, es la mágica opción de saludar y despedirte de tus familiares antes de viajar al más allá, uno de los momentos más especiales para el espíritu del ser humano y que no pueden realizar los paciente con COVID-19 que deben de ser intubados. Ellos no tienen la opción de dar el último adiós a sus seres queridos. Algo realmente lamentable.

Si, este cambio de página nos va a dejar una gran lección para aprender. Una de ellas será reconocer que el orden mundial y los sistemas sociopolíticos que conocemos han dejado de ser via

“Sin haber conocido la miseria es imposible valorar el lujo” – Charles Chaplin –

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LA VIDA, EL MAYOR LUJO

bles. No es posible que en el planeta haya más armas que camas de hospital. La riqueza ya no es atesorar sino compartir conocimiento, lealtad, alimento, amor. Ahora reconoceremos la importancia de las personas. Porque allá afuera, con toda la valentía, hay un ejército conformado por médicos, policías, enfermeras, campesinos, granjeros y comerciantes que salen todos los días para que nosotros podamos tener lo elemental mientras nos quedamos en casa, en nuestro hogar.

Sin ellos no hay ciencia, no hay medicinas, no hay alimentos, no hay gobiernos, no hay alegría, no hay política, no hay economía. Porque esta pandemia nos está enseñado a conocer y reconocer cuáles son las profesiones y oficios más importantes del mundo. Y no son los magnates ni los políticos.

De esta manera estamos conociendo que cada individuo deberá tomar sus propias decisiones para el beneficio de la comunidad. Ahora entenderemos que cada quién es responsable de su vida y de su muerte, pero también deberemos de respetar y apoyar, sin importar religión ni credo, la decisión de cada individuo acerca de su partida, del confinamiento eterno.

Lo que nos ha dado esta crisis es una oportunidad única de vernos a nosotros mismos y al planeta desde la perspec-

ESPIRITULIDAD Mientras la pandemia empuja a los Estados Unidos y a la mayoría del mundo a un nuevo orden social y económico, quienes estudian y practican religiones o temas relacionados con la espiritualidad encuentran verdades más profundas acerca de la vida y la muerte.

Un equilibrio emocional.

IGUALDAD La crisis revela desigualdades en la atención médica, divisiones de clase y el hecho de que los trabajadores más importantes de la sociedad se encuentran entre los peor remunerados en todo el planeta.

tiva más clara. En ningún otro momento, en nuestras vidas, hemos tenido la oportunidad de ver qué sucedería si el mundo simplemente se detuviera.

Hoy lo conocemos, hemos sido testigos de ello y hemos entendido que el mayor regalo, el mayor lujo, es la vida. Es momento de cerrar los ojos, de respirar hondo hasta ignorar el ruido y el miedo para pensar qué queremos hacer de nuestras vidas, qué es lo más importante, cuál será el legado que queremos dejar para la posteridad, para mejorar el planeta y para generar mejores seres humanos.

“La vida silvestre no es un lujo sino una necesidad del espíritu humano, y es vital para nuestras vidas como el agua y el buen pan” – Edward Abbey –

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HOTELES WIF

POR ALEJANDRA GREY

INIALA BEACH HOUSE PHUKET THAI DESIGN

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ailandia siempre ha estado en la mente de todos los viajeros amantes del diseño. • Regresa como el destino favorito para las personas que buscan algo más que sol y playa, pero ¿Cómo lo hicieron?

No hay ningún truco bajo la manga, la fórmula es muy sencilla: buenos paisajes + excelente servicio + hoteles con espectacular diseño = Experiencia que te arrancará el aliento. Aquí lo comprobamos con el resort Iniala Beach House, en Phuket.

El hotel está situado en la hermosa playa de Natai, frente a las aguas turquesa del Mar de Andamán, diseñado bajo un concepto de hospedaje tipo residencial que se conforma de tres villas con vista al mar y un ático que parece estar fuera de este mundo.

Todo ha sido trabajado por 10 diseñadores de diferentes nacionalidades: Brasil, España, Tailandia, Reino Unido,

Rusia, Estados Unidos e Irlanda. La casa de playa fue creada para ofrecer una fusión de diseño contemporáneo entre Europa Occidental y Oriental. Algunos interiores están inspirados en las curvas orgánicas y materiales naturales, mientras que otros espacios muestran un estilo minimalista con arte contemporáneo. Por ejemplo, el diseñador británico Graham Cordero ha creado suntuosos techos tallados

vestidos de teca para reflejar el tradicional estilo tailandés. Eggarate Wongcharit creó la Villa Siam con un diseño budista tailandés, en donde cuelgan camas y sofás en tonos dorados.

Como debe suponerse, el servicio es impecable. Cada villa cuenta con un equipo de asistencia las 24 horas: un chofer, mayordomo, cocinero, terapeuta de spa y un ama de llaves.

INIALA RULES Iniala ofrece un enfoque equilibrado para el bienestar. Sólo hay que ver los espacios diseñados frente a paisajes alucinantes para brindar masajes privados y tratamientos de belleza.

El arte es importante en este resort. Así lo demuestra la maravillosa silueta de la escultura ‘Fishtail’ que se sumerge en la piscina mediante una ilusión óptica en cada atardecer.

EN LA RED: www.nialathailand.com

J A L I S C O : E A S Y R I D E R

UN ROAD TRIP POR EL ESTADO DE JALISCO PERMITE CONOCER DIVERSOS ESCENARIOS, QUE VAN DE LA MONTAÑA A LA COSTA, UN VIAJE DONDE LAS VIVENCIAS EXPERIMENTADAS EN EL CAMINO QUE CRUZA PUEBLOS MÁGICOS, PLAYAS Y CIUDADES NOS PERMITE DESCUBRIR UN MÉXICO AUTÉNTICO, LEJOS DE LOS REFLECTORES TURÍSTICOS Y CERCA DE LA PASIÓN POR LOS DETALLES Y EL SERVICIO.

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JOURNEY

TEXTO: PEPE TREVIÑO / FOTOS: FEDERICO DE JESÚS

GUADALAJARA Y DESEOS URBANOS El viaje inicia en Guadalajara, donde le high end gastronómico sorprende a los foodies que creen haberlo probado todo en la capital del estado de Jalisco.

El primero spot es el restaurante Allium, donde el chef Adolfo Ganares ofrece una cocina de huerto, utilizando casi en su totalidad producto 100% mexicano para reconocer el trabajo de productores del campo y darle respeto a la cosecha del huerto urbano que se localiza en la azotea del restaurante; o a los mariscos que llegan diariamente de Nayarit.

El menú hace cerrar los ojos. Hay que probar los betabeles ahumados con cremoso de queso feta de Atotonilco y arroz salvaje inflado. O la pesca del día con salsa “Sikil Pak” de jitomate asado, ceniza de habanero, pepitas y cebolla cambray encurtida. Dos platillos que se

pueden encontrar en este spot, aunque el menú cambia constantemente.

La colonia Lafayette, donde se encuentra Allium, es perfecta para caminar antes de dormir. Se trata de un barrio con casonas y fincas de tipo francés que nació con la fiebre del porfiriato.

Esta vez pernoctamos en el hotel Westin Guadalajara, uno de los complejos de cadena que rompe con los estereotipos de este segmento al cumplir los caprichos de los huéspedes. Nosotros lo comprobamos al subir al helipuerto para hacer yoga y ver el amanecer. Una fantasía que es posible realizar en el hotel si se contrata previamente.

La expectativa para desayunar nos obligó a olvidar los antojitos jaliscienses y optamos por visitar La Postrería, un spot que se ha especializado en los dulces placeres, un restaurante-taller

dirigido por Jesús Escalera Ciscares que mezcla técnicas de cocina y trabaja con la filosofía de la “momentaneidad”. Quizá se debe a que este chef tapatío tiene la experiencia suficiente para divertirse en la cocina, tal y como lo hizo cuando fue jefe de pastelería del restaurante Casa Marcelo (1 estrella Michelin), The Fat Duck (3 estrellas Michelin) e incluso pasando por el mítico restaurante El Bulli (3 estrellas Michelin) entre otros. Sin duda algo que lo hizo acreedor al Best Pastry Chef por los 50 Best Latin America Restaurants.

Allí, en un pequeño y confortable local, hay que reservar para disfrutar del brunch disponible de 9:00 a 13:00 horas—con panes, mermeladas, huevos, yogurts, frutas, sándwiches, bagels o baguettes—. Y obvio, probar un antojo dulce, la mayoría inspirados en un ingrediente, una festividad, un objeto o lo que se les ocurra..

ALLIUM www.allium.com.mx WESTIN GUADALAJARA the-westin.hoteles-enguadalajara.com LA POSTRERÍA www.lapostreriagdl.com

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JALISCO: EASY RIDER

ARTE RURAL Es momento de partir a la sierra. Previamente hicimos una escala en Tlaquepaque para visitar el taller de César Lucano, un artista que estudia y rescata técnicas para la producción de las famosas alcancías de puerquitos, una de las figuras representativas de la artesanía en barro de Tlaquepaque, Jalisco.

Pero Cesar también le ha inyectado un twist a su trabajo al fusionar el mundo fantástico de los alebrijes con estos singulares animalitos de barro. El resultado fueron puercos multicolores con cuernos, máscaras, formas de nahuales, donde combinó antiguas leyendas del pueblo con la cultura popular mexicana.

Actualmente produce puercos en diversas versiones: luchadores, nacimientos, danzantes, pilotos de naves, diablos, una variedad muy excéntrica que ha encantado a los viajeros y que lo ha llevado a exponer en diferentes lugares de México, logrando una versión moderna de los tradicionales puerquitos de Tlaquepaque en su taller Alebrijarte.

Con el shopping necesario partimos al siguiente destino. El municipio de Teuchitlán, donde se encuentra la Hacienda El Carmen, un predio histórico del siglo XVII que fue ocupado por misioneros, terratenientes y revolucionarios, hasta que en los años 60 fue restaurada y convertida en un hotel histórico,

que paulatinamente fue incluyendo servicios Premium para ofrecer una autentica experiencia de hospedaje.

La hacienda cuenta con 21 suites, 3 mastersuites, 2 grand master y la alcoba azul de categoría especial. También tiene un bar que parece haber salido de una novela histórica mexicana, además de alberca, un lago recreativo, po-

HACIENDA EL CARMEN www.haciendadelcarmen.com.mx

teo de golf 5 hoyos y un majestuoso spa.

Cada una de las habitaciones mantiene una impecable decoración de la época que incluye verdadero arte sacro, puertas y ventanas de madera que han sido mudos testigos de lo que ha sucedido en este lugar. Incluso, afirman algunos huéspedes y empleados, aquí se suscitan fenómenos paranormales que recuerdan al visitante que la Hacienda El Carmen es un vetusto predio, sucesos y leyendas que se cuentan en cada sobremesa del restaurante, que por cierto cuenta con su propio huerto orgánico y su marca de tequila.

LA SIERRA Y LOS PUEBLOS MÁGICOS Es momento de volver a tomar el auto para conocer dos Pueblos Mágicos. El primero es Mascota, un histórico poblado que se encuentra a poco más de 220 kilómetros de la hacienda.

Allí, al pie del bosque que cubre con su manto a la Sierra Madre Occidental se encuentra este pueblito de ensueño, ideal para explorar otras poblaciones y conocer el destilado mexicano que se está poniendo de moda. La Raicilla.

Mascota nació durante la segunda mitad del siglo XVII, era un punto estratégico para Nuño de Guzmán, hasta mediados del siglo XVIII, cuando los oriundos tomaron el control de este poblado, que luce hermosos edificios y un trazo de calles muy peculiar debido a que los primeros pobladores construyeron sus casas donde mejor les pareció, formando un trazado bastante errático.

El poblado de menos de 20 mil habitantes es un secreto para los amantes de la arquitectura. Es un lugar ideal para el descanso, con bonitos hoteles boutique, como el Santa Helena, que invita a disfrutar de un par de noches para conocer cada rincón del Pueblo

Mágico, de calles empedradas, cafecitos, tiendas de dulces y establecimientos que permiten degustar un buen caballito de raicilla, el destilado de agave que desde el año 2019 ya cuenta con su D.O. Vale la pena tomar asiento en la plaza principal para admirar el quiosco y el templo de Nuestra Señora de los Dolores. Pero un edificio singular es el Templo Inconcluso de la Preciosa Sangre de Cristo, una joya arquitectónica iniciada en el siglo XIX que no pudo ser concluida. Una mole imponente que de haber sido terminada sería uno de los recintos católicos más importantes en Latinoamérica, con paredones y hermosos jardines que crean escenarios para sesiones fotográficas y eventos culturales como obras teatrales y presentaciones de orquesta.

El road trip continuó por la carretera federal 544 para llegar al siguiente Pueblo Mágico: San Sebastián del Oeste, un lugar para entrar en contacto con la naturaleza y la historia. Este antiguo pueblo minero tuvo su auge en los tiempos de la colonia, llegó a contar con hasta 20 mil habitantes hasta

1930, fecha en que dejaron de ser explotadas las minas.

Hoy, con apenas 600 habitantes, San Sebastián del Oeste recupera su pasado gracias al turismo que decide dar caminatas por sus calles que recuerdan al México antiguo, así lo demuestran sus longevas construcciones, mudos testigos que permanecen de pie.

Para comprobarlo visitamos la plaza principal, donde se encuentra una reluciente iglesia y un kiosco de tipo porfiriano, muy representativo del siglo XIX, así como sus viejas tabernas donde expenden Raicilla, tal y como lo hacían antes que existiera la D.O. para esta deliciosas bebida.

Pero San Sebastián también la apuesta al turismo Premium. Lo comprobamos con el hotel – restaurante Villa Nogal, que tiene la mejor vista del valle, además que elabora cuidadosos platillos con técnicas francesas, como un paté hecho en casa o un Boeuf Bourguignon, además de una pequeña pero bien seleccionada carta de vinos.

HOTEL SANTA HELENA https://santaelenahotelboutique.com/ VILLA NOGAL www.villanogal.com

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JALISCO: EASY RIDER

SECRETOS EN LA PLAYA Nuestro viaje concluyó en Puerto Vallarta. Pero como ustedes saben, en WiF les compartimos una serie de secretos para que no caigan en el lugar común. Uno de ellos es hotel Grand Miramar All Luxury Suites & Residences, que se ubica en la Zona Romántica de Vallarta, un complejo de descanso que remodeló sus instalaciones para brindar un mejor servicio, donde no vale el término “para sentirse en casa”, porque la experiencia de hospedaje va más allá.

La gastronomía del hotel también es ejecutada con absoluta seriedad. Nosotros tomamos asiento en el restaurante Eugenia que tiene una de las mejores vistas de Puerto Vallarta y una cocina con una serie de recomendaciones del día, muchos platillos elaborados con ingredientes del Océano Pacífico y ejecutados bajo recetas francesas, italianas o a través de la experimentación.

Para develar otro secreto nuestros lectores deberán rentar un yate para conocer Casitas Maraika, un exclusivo

hotel-restaurante-club de playa que se encuentra en las faldas de la Sierra Madre y a orillas del mar. El spot perfecto para comer, bailar y beber cocteles después de haber surcado el mar o internarse a las profundidades del mismo.

Maraika tiene un exclusivo club de playa al que se llega por el mar. El bar está al aire libre y tiene bartenders muy entusiastas que sirven cocteles con raicilla y cuenta con cocineros que preparan aguachiles de camarón o pescado, deliciosos burritos de marlín y una grandiosa hamburguesa de filete de atún.

El atardecer nos indicó que debíamos subir al yate para conocer los últimos dos spots antes de regresar a nuestra ciudad de origen. El primero fue La Lulú + Raicillería + Cocina, un espacio culinario dirigido por el chef Memo Wulff, promotor e investigador de la raicilla, que gustosamente comparte su conocimiento con los visitantes a través de talleres de coctelería y charlas. Además, obvio, de comercializar su propia etiqueta.

Ya por la noche visitamos La Leche, el restaurante de los chefs Nacho Cadena –maestro cocinero fallecido en el 2019y su hijo Poncho Cadena, que hicieron de este restaurante un clásico para los viajeros que buscan una avanzada gastronómica, un menú que cambia constantemente que incluye presentaciones que contrastan con la decoración que simula un sueño de Stanley Kubrick.

MIRAMAR ALL LUXURY SUITES & RESIDENCES www.grandmiramar.com CASITAS MARAIKA www.casitasmaraika.com LA LULÚ España 305, Puerto Vallarta LA LECHE https://lalecherestaurant.com JALISCO EN LA RED visitajalisco.com.mx PUERTO VALLARTA EN LA RED visitapuertovallarta.com.mx

ILLINOIS

DISEÑO, ARQUITECTURA Y ROAD TRIPS EL ESTADO DE ILLINOIS ES UNA JOYA ARQUITECTÓNICA, ES UNA ENTIDAD QUE HA DEJADO UN GRAN LEGADO PARA QUE LAS NUEVAS GENERACIONES DE CONSTRUCTORAS INMOBILIARIAS LE INYECTEN VITALIDAD A LOS NUEVOS DESARROLLOS. ES EL TERRITORIO QUE SACIA EL APETITO DE LOS CONSUMIDORES DE PAISAJES URBANOS. AQUÍ TRES DESTINOS PARA CORROBORARLO: CHICAGO, OAK PARK, PLANE Y ROCKFORD, LAS CUATRO POBLACIONES QUE TIENEN UN CATÁLOGO DE EDIFICIOS QUE ARRANCAN EL ALIENTO.

EN LA RED ILLINOIS www.enjoyillinois.com CHICAGO www.choosechicago.com

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POR LUIS MENCHACA / FOTOS PEPE TREVIÑO

CHICAGO El Gran Incendio de Chicago de 1871 mató a 300 personas, destruyó alrededor de nueve kilómetros cuadrados y dejó a más de 100 mil residentes sin hogar. Pero eso no detuvo el crecimiento de esta urbe, al contrario, la tragedia le inyectó coraje a sus habitantes, quienes fueron tan ambiciosos como para convertir la ciudad en la metrópoli de más rápido crecimiento del mundo. Fue el inicio de una nueva era para renacer de las cenizas y reconstruir la urbe con un estilo alucinante, ecléctico, experimental.

Para confirmarlo el viaje debe de comenzar en Chicago Athletic Association, el hotel que en 1893 fue concebido como un edificio diseñado para un club deportivo privado, aquellos que eran frecuentados por familias adineradas. Y esto se comprueba desde la fachada al estilo del palacio del Dux de Venecia, con ventanas arqueadas y elegantes vestíbulos en el interior.

Sin embargo el egoísmo no es eterno y fue en el año 2007 cuando el edificio fue convertido en un hotel, un centro de hospedaje que mantiene toda la parafernalia deportiva de antaño, incluso se puede ver como utilizaron la duela de las canchas en los elevadores, o como ubicaron un salón de eventos en lo que fuera la alberca y otro más en la cancha de basquetbol. Toda una restauración singular que corrió a cargo del estudio Plunkard Architects, mientras que el interiorismo fue ejecutado

por los arquitectos Roman + Williams, quienes revivieron cada espacio, incluyendo las legendarias salas de juego en el vestíbulo principal hoy convertido en un animado bar.

Aquí se encuentra el Cherry Circle Room, el mismo restaurante icónico del mismo nombre que prestó servicios al club durante generaciones, hoy transformado en un íntimo espacio gracias a los trabajos de restauración de Land and Sea Dept, que fusionó las características originales históricas del edificio con elementos de diseño moderno.

Allí hay que perder la mirada en todas partes, es un salón que derrocha lujo de tipo hip, con un menú que hace énfasis en productos del mar y cortes de carne, así como una amplia carta de whiskys y bourbons, siempre bajo una delicada cultura del servicio.

Pero el tour arquitectónico apenas comienza. Para conocer las etapas de construcción por las que ha atravesado Chicago hay que tomar un Über para visitar el recién inaugurado Chicago Architecture Center Experience, un centro de estudio que nos muestra como fue

DÓNDE DORMIR CHICAGO ATHLETIC ASSOCIATION www.chicagoathletichotel. com THE BLACKSTONE Otro hotel muy singular es The Blackstone, que desde 1910 ha atraído a celebridades, socialités y políticos, incluso es conocido como “El Hotel de los Presidentes”, desde Teddy Roosevelt hasta Jimmy Carter. Independientemente que le ha dado alojamiento a los Astors, Rockefellers y Vanderbilts, Lena Horne, Nat King Cole y Rudolph Valentino. Esto sin contar que fue el sitio predilecto para los legendarios jefes de la mafia “Lucky” Luciano y Al Capone, que tenían sus escondites en este sitio. www.theblackstonehotel. com THE PALMER HOUSE AT HILTON La historia del Palmer House Hilton es una cuento de amor.

Potter Palmer era un magnate de los negocios de Chicago, conocido por una variedad de esfuerzos, incluido su importante papel en el desarrollo de la emblemática State Street del centro de Chicago.

Pero este empresario conoció a Bertha Honoré Palmer, 23 años menor que Potter, una socialité adinerada que obligó a que el magnate Marshall Field, amigo de Palmer, realizara uno de los regalos de boda más extravagantes de todos los tiempos: el Palmer House, un grandioso e histórico hotel que luce uno de los lobbys más espectaculares de la hotelería. www.hilton.com/Palmer_ House/Chicago

concebida la arquitectura en la ciudad de Chicago.

Se trata de un edificio de dos plantas ubicado a la margen del río Michigan, un centro de investigación que ofrece una experiencia arquitectónica multimedia para conocer las etapas arquitectónicas por las que ha pasado la “Ciudad de los vientos” y reconocer por que esta urbe se convirtió en “la ciudad de la arquitectura”, todo a través de maquetas conformadas por más de 4,200 edificios y elementos cinemato-

gráficos que cuentan historias de la ciudad, de sus rascacielos y sus ideas inmobiliarias para mitigar el calentamiento global, como los humedales boutique y las azoteas verdes.

La tarde cae y con ello la hora de cenar.

En un día con buena temperatura los visitantes del CACE tienen una opción de seguir admirando los edificios de esta zona, solo hay que cruzar la concurrida Wacker Drive para abordar el barco turístico Chicago Odissey Cruises

by Hornblower, que navega por el río

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ILLINOIS, UNA JOYA ARQUITECTÓNICA

Michigan flanqueado por la mayoría de los íconos arquitectónicos que le bordean mientras es servida una cena al puro estilo fine dining, con la opción de probar el bourbon Koval single barrel.

A la mañana siguiente hay que realizar el check out para dirigirnos a otras provincias del estado de Illinois. Pero antes hay que hacer un desayuno de altura en Skydeck de la torre Willis, el mirador más famoso de Chicago y el mundo entero. Allí, donde parece que el mundo se encuentra rendido a nuestros pies, en el piso 103, a través de un cubo de cristal que parece hacernos sentir suspendidos en el aire, podemos admirar la magnificencia de esta la Ciudad de los Vientos.

PROVINCIAS ARQUITECTÓNICAS Son poco más de 23 minutos de camino en automóvil para llegar a Oak Park, la villa en donde se encuentra la Casa y Estudio de Frank Lloyd Wright, uno de los arquitectos más respetados en todo el mundo, el hombre que se adelantó a su época.

La casa exhibe un diseño alucinante, fue construida cuando Lloyd apenas tenía 22 años y, además de ser el hogar, también fue el laboratorio de diseño

ATRACCIONES ARQUITECTÓNICAS CHICAGO ARCHITECTURE CENTER EXPERIENCE www.architecture.org CASA Y ESTUDIO DE FRANK LLOYD WRIGHT flwright.org/visit/ homeandstudio FARNSWORTH HOUSE farnsworthhouse.org ANDERSON JAPANESE GARDENS www.andersongardens.org/ fresco/ LAURENT HOUSE www.laurenthouse.com FREDERICK C. ROBIE HOUSE TOUR www.flwright.org TEMPLO BAHAI www.bahai.us

personal de Wright durante los primeros veinte años de su carrera.

Hoy la casa se encuentra en la lista que conforman el catálogo de Monumentos Históricos Nacionales y está rodeada por la mayor concentración mundial de estructuras diseñadas por Wright, donde marcó el estilo Praire, hoy toda una influencia para la arquitectura moderna, como se comprueba también en el Unity Temple, que fue concluido en 1908 para ser el edificio de reemplazo para la Iglesia que se había incendiado en 1905.

El Templo y la Casa Estudio ofrecen visitas guiadas y permiten conocer a fondo la filosofía de Wright y sus mentores, Joseph Lyman Silsbee y Louis Sullivan, quienes están presentes con su legado en cada detalle, en cada rincón de este destino conocido como Oak Park.

Nuevamente a bordo hay que manejar hasta Aurora, otro destino turístico dentro del estado de Illinois, que también se devela como un territorio arquitectónico muy singular.

Allí, sobre la carretera, entre una arbolada, se puede ver la señalética que conduce a la Casa Farnsworth, otro Monumento Histórico Nacional, cons-

truido por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe entre los años 1949 a 1951, y que hoy atrae a turistas y entusiastas de las edificaciones y el diseño de todo el planeta para conocer el sitio y la historia del predio que nació a partir del capricho de la Dra. Edith Farnsworth, quien deseaba tener el único trabajo del maestro del estilo Bauhaus en Estados Unidos.

La casa de campo se encuentra ubicada en Plano, Illinois, en un bosque de coníferas que enmarca cada uno de los ángulos de esta exótica edificación con diseño que se adelantó a su época, como si se tratara de una película futurista o de ciencia ficción.

Este rectángulo de cristal es considerado un Monumento Histórico Nacional y también ha sido incluido en el catálogo de la National Trust for Historic Preservation. La sensación de asombro que genera poner un pie en ese lugar es enigmática; el paisaje, los muebles, la ilusión óptica de flotar en el horizonte hace suponer que el arquitecto de origen alemán iba más allá de lo que el hombre promedio pensaba acerca del hábitat.

Aurora es un destino turístico obligado en esta ruta, además de contar con

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este spot se ha caracterizado por tener una escena gastronómica sustentable con el medio ambiente, encabezada por Hardware Sustainable Gastropub Brewery, un restaurante y fábrica de cerveza que decidió estar libre de la huella de carbono a través de una carta donde cada uno de los platillos que conforman el menú son preparados con ingredientes producidos por ellos mismos. Ya sean cárnicos, verduras y desde luego, la cerveza. Incluso con la opción de tomar asiento y disfrutar de uno de sus más de 350 wiskys y bourbons con vista al invernadero, antes de pernoctar en uno de los hoteles de Aurora.

Las historias al volante continúan al noreste del estado de Illinois, en la localidad de Rockford, donde un apacible lugar ha sido el centro de atención para los amantes del paisajismo. Se trata de Anderson Japanese Gardens, el escenario al aire libre que inspira a inyectarle espiritualidad al itinerario al caminar entre arroyos, cascadas, caminos sinuosos y pequeños lagos que emulan un auténtico jardín japonés, diseñado por Hoichi Kurisu, quien estudió diseño y construcción de paisajes con Kenzo Ogata, el mismo director de la Garden Society of Japan.

Allí, entre cerezos y templos japoneses se encuentra Fresco, el restaurante que ofrece una grandiosa vista al jardín, deliciosos platillos y café de diversas partes del mundo, el sitio ideal para saber por qué el empresario John Anderson decidió levantar este majestuoso sitio en 1978.

La siguiente escala se realiza en The Laurent House, la residencia diseñada y proyectada por Lloyd Wright para cumplir las necesidades de Keneth Laurent, un veterano discapacitado de la Segunda Guerra Mundial que habitó aquí, junto con su esposa, por más de 60 años.

El sitio exhibe toda la filosofía de Lloyd, pero también es el primer ejercicio de diseño que se adelantó, por décadas, a las pautas de accesibilidad que hoy exige la Ley de Discapacidades de los Estados Unidos (ADA). El edificio sigue intacto y mantiene toda la paleta de colores original, que es el naranja, verde y el rojo cherokee, además que

DÓNDE COMER

aún se encuentran todos los muebles originales que fueron diseñados por Wright y sus aprendices.

Esto es posible gracias a The Laurent House Foundation, una fundación de tipo privado creada por residentes locales, quienes en el año 2012 compraron la casa, los dibujos y muebles arquitectónicos diseñados por Wright y los efectos personales de Laurent para incluir este predio en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

DE REGRESO A CHICAGO El regreso a la ciudad de Chicago es inminente. Sin embargo, después de haber conocido esta serie de lugares arquitectónicos el viajero regresa a la Ciudad de los Vientos con una capacidad de asombro muy definida.

En el suburbio North Shore se encuentra el templo Bahai, un santuario que recibe a los seguidores de cualquier religión, pero que también atrae a los entusiastas del diseño y arquitectura.

Este sitio es la casa de adoración Baháʼí que representa a toda América del Norte, es una mole que desde la calle derrocha poder, como cualquier templo religioso lo haría.

La edificación fue diseñada por el arquitecto franco-canadiense Louis Bourgeois (1856-1930), quien recibió consejos de diseño de ʻAbdu’l-Bahá, el profeta fundador del bahaísmo, esto durante una visita que hizo el arquitecto a Haifa en 1920, pues Bourgeois deseaba incorporar una variedad de estilos arquitectónicos religiosos, así como símbolos para incluir en esta gran mole que se descubre desde el exterior del complejo religioso que tuvo que evadir a la Gran Depresión que sacudió a Estados unidos en la década de los años 20, así como los embates financieros durante la Segunda Guerra Mundial.

Visitar este templo no es exclusivo de los religiosos. Si bien la religión Bahái incluye a todos los cultos, el turista puede conocerlo, solo siguiendo las reglas que exigen respeto, como cualquier otro templo de este tipo.

Después de haber meditado y admirado la belleza de este oratorio que encumbra un domo de 42 metros de altura, hay que conducir para tomar

CHICAGO FIREHOUSE RESTAURANT Con una historia orgullosa y resistente, el emblemático Chicago Firehouse, el restaurante ofrece una experiencia gastronómica que se caracteriza por preparaciones de platillos excelsos y una pasión por el detalle que envuelve el concepto de fine dining que hace añoranza al siglo XX. CHICAGO ODISSEY CRUISES

BY HORNBLOWER www.hornblower.com/ chicago SKYDECK AT WILLIS TOWER https://theskydeck.com HARDWARE SUSTAINABLE GASTROPUB AND BREWERY eathardware.com THE BARN EVANSTON www.thebarnevanston.com

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ILLINOIS, UNA JOYA ARQUITECTÓNICA

en The Barn Steakhouse, un restaurante que ha captado los reflectores de los foddies y críticos gastronómicos.

The Barn es uno de los últimos proyectos de la restauradora gastronómica Amy Morton, la segunda generación de los propietarios de los restaurantes Morton´s, quien seleccionó a Evanston para abrir su restaurante que mantiene una filosofía de speak easy restaurant, esto al tener que descubrir la entrada del establecimiento que se encuentra después de haber caminado por un callejón obscuro.

Pero una vez dentro se comprueba que el diseño en este sitio es integral. Solo

hay que echarle un vistazo a la barra, las lámparas y el menú, que a pesar que son de tipo moderno le rinden respeto al predio, un granero que funcionó por más de 100 años en este barrio de Evanston.

The Barn Steakhouse tiene la sensación de ser un asador tradicional, solo que intervenido con un gran trabajo de interiorismo que gira en torno del pajar original, un acogedor bar y un patio al aire libre, informal pero elegante, manteniendo los elementos encantadores del antiguo edificio, como los establos de caballos.

El menú incluye los clásicos cortes de

carne, incluyendo cortes añejados, pero esta vez, a diferencia de Morton´s, la chef francesa Nicole Pederson incluyó opciones más ligeras, como cangrejo real, betabeles rostizados y ensaladas.

Sin embargo Morton y Pederson pensaron seriamente en los filetes que incluirían en la carta al visitar ranchos en Kansas City hasta encontrar los mejores productores. Además de otros cárnicos, como el bisonte, que puede ser acompañado por una deliciosa boloñesa.

Chicago es un mosaico de arquitectura. Hay cientos de edificios que parecieran contar la historia de la ciudad.

The Rookery Building con sus escalera y techumbre de cristal; Charnley Persky House Museum, la casa estudio de Louis Sullivan, el mentor de Lloyd Wright; el hotel Plamer House Hilton con su magnífico lobby construido en 1871; son solo algunos de los edificios que hay que visitar. Aunque valdría la pena pernoctar en Emil Bach House, la casa también diseñada por Frank Lloyd, que actualmente abre sus puertas para los viajeros que deseen hospedarse con estilo para evocar a los grandes arquitectos que enriquecieron el estado de Illinois con sus grandes obras, siempre para el deleite de la humanidad.

NÍ GER HISTORIAS DE HAMBRE, AMOR Y MUERTE

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PORTAFOLIO

POR ALBERT RIQUELME

issa Marou vive en la región del Sahel de Níger, uno de los entornos más duros de la tierra, y se puede ver en la tensa piel de su rostro, endurecida por años de brutal exposición al sol y al viento. Cada una de las arrugas de esta mujer de 47 años parece estar cincelada.

La región, que alcanza los 110 grados y produce tormentas de arena que envían a las familias a sus hogares hechos con paja, ha tomado más que su juventud. Aunque es madre de dos hijos, Aissa ha dado a luz a diez hijos en su vida.

Dos murieron después del nacimiento, uno después de cinco meses, otros a las edades de 1, 2, 3, 13 y 16. Es un testimonio escalofriante del entorno implacable: Níger está ubicado en el lugar 187 de los 187 lugares que señala el Índice de Desarrollo Humano de las Naciones Unidas (un ranking que se ha basado en la esperanza de vida, educación e ingresos).

Pero el medio ambiente no es el único desafío. Para el 58 por ciento de la población rural que carece de agua limpia, el acto de recolectar agua requiere un trabajo físico intenso. Y esa responsabilidad recae exclusivamente en las mujeres.

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PORTAFOLIO

NÍGER

La mayoría de las mujeres en la región del Sahel hacen cinco o seis viajes al pozo más cercano, que puede ser una caminata de más de 20 minutos cada día.

Pero caminar y transportar agua no es la peor parte. Una vez que llegan al pozo, estas matronas tienen que usar cuerdas hechas a mano para recoger agua, un cubo a la vez, desde lo más profundo. La cuerda (que corta a través de los troncos de madera sobre la que descansa y se frota en la parte superior del pozo) les provoca quemaduras en las manos, dejando cicatrices y callosidades permanentes. Es un trabajo agotador.

Cuando Aissa Marou fue a recoger agua ese fatídico día hace 17 años, todo seguía como siempre. Ella caminó hacia el pozo abierto de 45 metros de profundidad con su bidón en sus manos y su hija recién nacida, acunada en su espalda. Había visitado este pozo seis veces al día desde que era una niña.

Pero la vida de Aissa cambió radicalmente ese día, cuando inesperadamente ella y su bebé cayeron directamente al pozo. Su cuerpo golpeó la pared de cemento, rompiéndose la clavícula. Pero su mayor preocupación era su hija.

Las mujeres que la habían visto caer corrieron a buscar ayuda. Finalmente,

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PORTAFOLIO

NÍGER

los hombres llegaron corriendo con más sogas y rápidamente bajaron para ayudarla. “¡Sé que moriré!” Aissa gritó. “Solo salven a mi hija”. Pero sus vecinos no lo permitirían.

Cuidadosamente aseguraron a Aissa y a su pequeña con la cuerda. Cuando llegó a la superficie, Aissa se derrumbó y permaneció inconsciente durante tres días. Todavía no lo sabía, pero su caída había forzado la menopausia; Fatouma sería su último hija.

Aissa pasó los siguientes cinco meses viviendo en un pueblo vecino, a millas de distancia, con su madre, su hermana y sus hijos. Pero finalmente no tuvo más remedio que volver a la vida en su

pueblo. Lo que también significaba regresar al pozo que casi le quitó la vida ese día.

Hoy, con la ayuda de Fatouma, Aissa todavía recoge agua del pozo que casi le quitó la vida hace 17 años. “Si tenía miedo o no, tenía que volver a ese pozo. El agua es vida. Vas donde está la vida“.

Y así como Aissa y las mujeres de la región de Nigeria, hay miles de comunidades alrededor del planeta que no cuentan con los servicios básicos para subsistir, a donde parece ser que hay un universo alejado de los ojos de Dios, de la política, del amor.

Y es que la mayoría de los habitantes de este planeta parecen estar sumidos en el egoísmo y la soberbia. Donde pareciera que a la mayoría no le importa lo que sucede allá fuera, en el mundo real, donde comprobamos que la vida y la muerte tiene el mismo valor para la Pachamama.

Si crees que el mundo debe de ser mejor, toma nota y visita nuestro website para que puedas conocer y apoyar a una serie de ONG´s que llevan agua limpia a diversas comunidades del planeta. Organizaciones que tratan de cambiar la vida de los habitantes que carecen de este preciado líquido, sin nada a cambio. www.wifmagazine.com

E

n una esquina de La “Cuauhtémoc”, colonia ubicada dentro de la Ciudad de México que acoge barrios pioneros construidos a finales del siglo XIX se encuentra la residencia/hotel Ryo Kan, una burbuja de serenidad dentro de una de las ciudades más conglomeradas del mundo. El área circundante se conoce como Little Tokyo, lo que lo hace particularmente idóneo para el hotel que pretende ser una fusión de “identidad y valores japoneses y mexicanos” El recinto, inspirado en los alojamientos tradicionales de Japón ryokan suelen ser unas casas pequeñas (a veces pertenecientes a la misma familia durante generaciones) fusionadas en una sublime concordia con la divinidad y la perfección de la naturaleza.

La disrupción de la fachada blanca estriada del edificio sobre la calle de Río Pánuco se basa en pliegues de papel origami. El recinto consta con diez habitaciones en sus tres plantas, con cinco diseños diferentes inspirados en hogares milenarios de Kyoto, respetando de esta forma los originales ryokan de Japón ofreciendo espacios abiertos, una gama de colores neutros y tapetes de tatami. Existen sólo algunos pequeños toques mexicanos con la plena consciencia de vincular a los visitantes con la ubicación real del hotel, como una piña de barro vidriado de Michoacán, el terrazo monocromático que cubre la cocina y cada uno de los baños, así como detalles de bejuco en los acabados del mobiliario.

Las habitaciones están equipadas con sistemas de automatización del hogar

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ryo HOTEL DISRUPTIVO DE SERENIDAD AL ESTILO DE KYOTO

para que los huéspedes puedan operar luces, persianas, música y la televisión a través de una aplicación.

Ryo Kan, es un espacio diseñado por el despacho de arquitectura GLVDK de Regina Galvanduque (México) con mobiliarios de MYT Diseño de Andrés Mier y Terán (México) en donde se ofrecen diferentes servicios, ya sea: Baños Onsen, en este caso, son jacuzzis en la azotea que simulan los balnearios que surgen alrededor de los manantiales y piscinas de aguas naturales

con propiedades terapéuticas en donde habita una apartado especial de spa para tratamientos faciales y masajes de diversos estilos; así como la costumbre y tradición de la hospitalidad japonesa llamada Omotenashi la cual es una palabra difícil de definir, pero los japoneses la usan para describir un enfoque único que poseen en cuanto la hospitalidad. Omote (cara) nashi (nada en particular) implica la subyugación de autoservicio a un huésped con la invitación al estilo

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HOTELES WIF

POR GABRIELA GORAB

ENJOY PARA EL OMAKASE, ES IMPRESCINDIBLE QUE SE HAGA UNA RESERVACIÓN Y QUE SE NOTIFIQUE SI ALGÚN COMENSAL TIENE ALERGIA A ALGUNA COMIDA O CONDIMENTO. PARA EL SPA ES INDISPENSABLE QUE SE RESERVE CON UNA HORA DE ANTICIPACIÓN EL SHOWTOPPER SE PUEDE ENCONTRAR EN LA TERRAZA DE LA AZOTEA. LAS BAÑERAS LLENAS DE AGUA CALIENTE RECUERDAN EL PRINCIPIO DE ONSEN Y MIRAN HACIA LA CIUDAD DE ABAJO. EL LUGAR LE DA UNA NUEVA DIMENSIÓN AL DISTRITO LITTLE TOKYO DE LA CIUDAD QUE SURGIÓ EN LA DÉCADA DE 1970 ALREDEDOR DE LA EMBAJADA DE JAPÓN Y QUE SE HA EXPANDIDO GRADUALMENTE DURANTE VARIOS AÑOS. EL SIGNIFICADO DE OMAKASE SE ENCUENTRA EN LA PALABRA MISMA, QUE PUEDE TRADUCIRSE APROXIMADAMENTE COMO “TE LO DEJARÉ”.

japonés tradicional aunado al toque de contemporaneidad en las habitaciones, misma que se considera la logia pionera en América Latina.

En cuanto al servicio y experiencias gastronómicas, Ryo Kan cuenta con su propio Omakase, palabra que puede traducirse a: “Te lo dejaré a ti” que también puede interpretarse a “otorgar autoridad al chef de servirle al comensal lo que surja de su creatividad y originalidad en el momento”. De esta forma, el visitante deja en manos del cheff la selección de los platos que el comensal gustará, normalmente elaborados con los mejores ingredientes y bajo una decoración atractiva y creativa. Por este lado, la batuta la toma el cheff Edo Kobayashi (México) fundador del Grupo Edo Kobayashi quien ha dado un giro y una inventiva sumamente propositiva a la cocina japonesa en México con sus dos restaurantes de servicio Omakase: Omakase de Rokai el cual ofrece una selección de sushi y nigiris de una pesca selecta de moluscos y mariscos y el Omakase de Hiyoko que ofrece kushiyaki o yakitori de sólo aves con una selección extensa de vegetales para acompañar.

La ubicación de Ryo Kan se presta para ser una excelente opción para los viajeros y aquellos locales que desean escapar del ajetreo y el bullicio de la Ciudad

de México, ya sea por unas pocas horas o unos días, ya que se encuentra en un punto importante en el corredor turístico conocido como Reforma – Centro Histórico que concentra buena parte de la actividad económica, social y cultural de la Ciudad de México.

La hospitalidad consciente de Ryo Kan está inspirada en los valores y principios de la cultura japonesa: la simplicidad, el amor a la naturaleza y el respeto a lo tangible y a la comunidad.

DÓNDE Ryo Kan se encuentra en Rio Panuco 166 en la Colonia Cuauhtémoc, el teléfono es 55 4125 1100. www.ryokan.mx

RYO KAN BUSCA UN EQUILIBRIO ENTRE COMODIDAD Y BELLEZA, COMBINANDO EL SERVICIO DE ESTILO OMOTENASHI CON UNA INVITACIÓN DE ESTILO JAPONÉS TRADICIONAL PERO CON UN TOQUE DE CONTEMPORANEIDAD EN LAS HABITACIONES, MISMA QUE SE CONSIDERA LA LOGIA PIONERA EN AMÉRICA LATINA. LA HOSPITALIDAD CONSCIENTE DE RYO KAN ESTÁ INSPIRADA EN LOS VALORES Y PRINCIPIOS DE LA CULTURA JAPONESA: LA SIMPLICIDAD, EL AMOR A LA NATURALEZA Y EL RESPETO A LO TANGIBLE Y A LA COMUNIDAD. *PARA EL OMAKASE, ES IMPRESCINDIBLE QUE SE HAGA UNA RESERVACIÓN Y QUE SE NOTIFIQUE SI ALGÚN COMENSAL TIENE ALERGIA A ALGUNA COMIDA O CONDIMENTO.

Gourmet

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GOURMET

POR MARTINA ALGEÜR

La guerra y el vino,

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n hoteles de la firma St. Regis esperan a que anochezca para continuar con el arte del sableado, sommeliers –probablemente nombrados Chevalier, desenfundan un sable confeccionado por la empresa Christofle, diseñado por maestros en orfebrería en Yainville, Normandía; abren un Champagne de la marca Krug, una de las vinícolas más tradicionales en Francia. En The Milestone Hotel & Residence, Fabrizzio Russo vestido con capa verde, boina con cintillo y una pluma amarilla maniobra a la perfección el cortado de la champaña. A la persona que paga por disfru-

INDEPENDIENTEMENTE DEL ORIGEN ATRIBUIBLE DEL SABRAGE; ESTA TRADICIÓN PROVIENE DE FRANCIA, Y SE DEFINE COMO ARTE Y ES A LA VEZ UN RITUAL QUE SE USA PARA CELEBRACIONES; O COMO LO HIZO NAPOLEÓN, PARA FESTEJAR LAS VICTORIAS. POR TAL RAZÓN EN PAÍSES COMO INGLATERRA, FRANCIA Y MÉXICO LE CONFIEREN ESPECIAL PROTOCOLO.

tar de un ritual de sabrage se le otorga un certificado de la Confrérie du Sabre d’Or. Efectivamente esta cofradía, dirigida por el Grand-Maître Jean-Claude Jalloux, es una hermandad que se estableció en el 1986 y adquirió renombre en varios países. Esta organización nombra requisitos muy específicos para sus socios; en el recuadro se podrá leer las diferentes niveles a los que puede acceder un miembro, de acuerdo a su desempeño y a la cantidad de botellas que ha abierto en determinados años.

Dentro de las especificaciones que regula la Confrérie du Saber d’Or se encuentra el tipo de sable con el que se abre la champaña. Debe estar creado por maestros herreros quienes mezclan hierro y acero, refinadas mediante el pulido y puede estar suntuosamente decorada. El sable que utiliza la cofradía es el Briquet que tiene su origen en la Revolución Francesa, similar al Sable de Honor, que usaban los nobles y oficiales a finales del siglo XIX. Al ser un accesorio militar y oficial, el sabrage, cuyo significado proviene del francés Sabrage que significa sable, tiene una relación intrínseca con las victorias napoleónicas, durante la Revolución Francesa. En algunos libros aseguran que al regresar de una batalla, los húsares montados a caballo, recibían botellas de Champaña; eufóricos por el triunfo, cortaban las botellas con sus espadas. A la par de esta anécdota, se recuerda la frase histórica de Napoleón: “¡Champagne!, en la victoria uno lo merece; en la derrota, uno lo necesita”.

Por estas y muchas razones, la Confrérie du Saber d’Or, nombra como maestros y grandes maestros a los miem-

bros de su consejo en diferentes partes del mundo. La apertura del sabrage, tiene sus diferencias con la apertura común con la que se abre una botella de Champagne, que se realiza de una manera sutil, sin que se expulse el corcho de forma vigorosa. En cambio, para realizar un correcto sableado, tomando la botella (que previamente se ha enfriado) de una forma horizontal, o puede ser que algunos sommeliers la eleven; los expertos golpean con el filo de la espada donde inicia la parte del cuello de las botellas, de una forma rápida y precisa.

Así el sabrage se repite decenas de veces en varios países, glorificando al Champagne como lo hacía también el príncipe Alain de Polignac, un prominente enólogo de la casa vinícola Pommery Champagne que enunciaba con encanto: “¡El gesto de guerrero se convierte en gesto de alegría por la gracia de un vino!...”.

En la Confrérie du Sabre d’or hay seis tipos de socios, cada uno de acuerdo al desempeño del miembro en la organización y a la cantidad de botellas abiertas:

1. Sabreur: Es aquel que se inicia en el mundo del sabrage. Debe pagar una cuota inicial establecida la Asociación y comprar el cava o Champagne que se descorchará en su investidura.

2. Chevalier-Sabreur: Para obtener este rango el novato debe tener dominio sobre el sable y demostrarlo frente a la congregación, en algún acto oficial de la misma.

3. Maître-Sabreur: Se le designa como responsable de una congregación local o Caveau.

4. Officier: Sólo para Chevalier-sabreur con más de 5 años de antigüedad y sólo se nombran en actos internacionales.

5. Commandeur: Tras cinco años en el rango de oficial de la orden se podrá optar a comandante de orden. Para esto se deberá degollar frente a todos un Jeroboam, que en Champagne es el equivalente a cuatro botellas normales.

6. Grand Commandeur: Sólo reservado a los Comandantes con más de 10 años de antigüedad como tales, es la distinción más alta que se puede recibir en la Orden.

Aunque se pueden abrir botellas de espumosos con otros objetos distintos del sable, esto ya no se considera auténtico Sabrage.

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GOURMET

POR LAURA HECHT

RESTAURANTES: EL DISEÑO POST-PANDEMIA

LA NUEVA NORMALIDAD, COMO LE LLAMAN A LA NUEVA ETAPA QUE VIVIREMOS COMO SERES HUMANOS POSTERIOR AL CORONAVIRUS, HA OBLIGADO A QUE LA INDUSTRIA RESTAURANTERA ECHE A VOLAR LA IMAGINACIÓN PARA CAPTAR COMENSALES Y CONFORMAR ESPACIOS SEGUROS.

S

egún académicos de Chelsea College of Arts de Londres, ya se pueden ver como una serie de estudios de diseño han dejado de estar con los brazos cruzados y ya comienzan a ofrecer servicios para esta industria de los alimentos, aunado a especialistas en temas alimentarios.

Los diseños van desde el interiorismo hasta el paisajismo, construyendo restaurantes que crean una ilusión óptica, escapista; mientras que los menús físicos, los pagos en efectivo y los bufetes quedarán en el olvido, según un informe de tendencias del estudio Roar, con sede en Dubái.

Roar, dirigido por Pallavi Dean, trabajó con 170 profesionales de la industria, así como con un grupo de nueve expertos para predecir las formas en que la pandemia de Covid-19 cambiará el diseño de los restaurantes, así como la experiencia que ofrecerá a cada comensal.

El informe tiene como objetivo distinguir los impactos a corto plazo de las tendencias que anteriormente se habían prospectado. Es verdad que los restauradores saben que habrá menos foodies en establecimientos, también afirman que para atraer a la clientela deberán de contar con un diseño original para crear experiencias singulares, hasta formar un “diseño post-pandemia”, dijo un panelista.

Los restauradores realmente no necesitan de un nuevo espacio para reestructurar la configuración de un restaurante o cocina, pero están presionando a que los restauranteros abran su mente para tener una mayor originalidad en su negocio.

Otro especialista predice que surgiría

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GOURMET

RESTAURANTES: EL DISEÑO POST-PANDEMIA

una nueva forma de modernismo arquitectónico. Algunos historiadores interpretan el estilo de diseño de mediados de siglo como una respuesta a las crisis de salud de principios del siglo XX, como el cólera, la fiebre tifoidea y la gripe. El estilo en cuestión se caracteriza por líneas simples, geometrías estrictas y materiales modernos, así como el rechazo de la ornamentación, como muebles de madera intrincadamente tallados que recolectan microbios.

La nueva tendencia también predice que habrá más cocinas abiertas después de la pandemia, ya que promueven la “transparencia” en la ejcución.

Las superficies construidas o revestidas con materiales antimicrobianos también serán casi un obligado.

Es verdad que las superficies antimicrobianas no son nuevas en la industria de servicios de alimentos, pero algunos diseñadores observaron que a veces se les da el valor posterior a la construcción del espacio.

Ante ello, las tres tendencias que Roar encabezó como las más significativas en el futuro de la comida fueron los conceptos de diseño y espacio, comi-

das sin contacto una vez que salió de la cocina -adiós a la intervención de platillos en la mesa- y la experiencia que justifique salir de casa.

En dicho estudio también se contempló que es verdad que las restricciones de espacio entre restaurantes serán severas, pero de corta duración. Pues si bien antes de la pandemia de coronavirus se recomendaba que los restaurantes tuvieran un espacio de 1,4 metros cuadrados entre cada mesa, actualmente, con la pandemia, la Organización Mundial de la Salud (OMS) recomendó aumentarlo a 2.5 metros cuadrados por comensal.

Según el informe, más de una cuarta parte cree que la distancia entre mesas en los restaurantes volverá a la normalidad a finales de este año. Sin embargo, la mayoría predice que las medidas de distanciamiento social no se dejarán atrás hasta principios de 2021. ¿MENÚS FÍSICOS Y PAGOS EN EFECTIVO? Se cree que en materia de servicio viene otra tendencia. Además de olvidar la intervención de un platillo ya en mesa;

incluso se cree que también dejarán de verse artículos en la mesa, como la sal y la pimienta, al igual que los manteles, la forma de pedir un platillo también cambiará. Para ello ya comienzan a verse tecnologías con luz de contacto aplicadas en esta industria.

Pero serán los baños donde se verá el mayor cambio. Conocido como “un campo de batalla vital en la guerra contra la infección”, el informe sugiere que la mayoría de las puertas del baño deben de quitarse, excepto en los cubículos privados, las que permanezcan se abrirán y cerrarán a pie o mediante sensores inalámbricos.

Los inodoros deben ser robotizados al estilo japonés y pasarán de ser novedosos a imprescindibles, aunque mientras tanto un paquete de toallitas húmedas puede ser suficiente, según los especialistas.

Los clientes rara vez volverán a tocar un grifo, un dispensador de jabón o un secador de manos. Toda esta tecnología ya existe, sólo hay que usarla.

En términos de conceptos de alimentos el informe predice que las formas de comer estilo buffet y de compartir no sobrevivirán en su forma actual.

En síntesis, ahora nos tendremos que acostumbrar a ver una mayor automatización, le daremos el adiós a buffets y en respuesta tendremos y gozaremos de una creciente demanda de conceptos de escapismo. Si bien ya habían comenzado antes de la pandemia, el coronavirus simplemente aceleró las tendencias de diseño que ya estaban en juego.

EL ANÁLISIS DE LA HOSPITALIDAD El informe de Roar fue creado con la ayuda de nueve profesionales de la

industria, incluido el fundador de Gates Hospitality, Naim Maadad, socio de Flip International, Jamal Wick, fundador de The Free Spirit Project, Briar Jacques y fundador de Bishop Design, Paul Bishop El estudio londinense Bompas & Parr también predijo una serie de tendencias de diseño y estilo de vida que surgirán durante y después de la pandemia de Covid-19, desde spas virtuales hasta un aumento de la creatividad DIY en el hogar.

Una vez que termina el impacto del virus en la salud de los habitantes del planeta, el estudio predice un aumento en los museos hápticos, esto para acostumbrar a las personas a tocar nuevamente.

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FOOD HISTORY

TEXTO Y FOTOS FEDERICO DE JESÚS

LE CHAMPLAIN H I S T O R I A S B É L I C A S EN LA MESA

restaurantchamplain.com

LA PRIMERA CONFERENCIA DE QUEBEC FUE UNA CONFERENCIA MILITAR ALTAMENTE SECRETA CELEBRADA DURANTE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL ENTRE LOS GOBIERNOS DEL REINO UNIDO, CANADÁ Y ESTADOS UNIDOS. LA CONFERENCIA SE LLEVÓ A CABO EN LA CIUDAD DE QUEBEC, DESDE EL 17 DE AGOSTO DE 1943 HASTA EL 24 DE AGOSTO DE 1943.

E

l Château Frontenac es sin duda el hotel más fotografiado del mundo e ícono de Quebec City desde que fue construido por la compañía Canadian Pacific Railway a finales del siglo XIX. Y cómo no serlo si esta mole que flanquea el viejo puerto es exuberante desde cualquier punto que se vea, además que ha sido el lugar en donde han convergido importantes personalidades de diversas épocas.

Pero como un hotel Premium no puede dejar de lado la gastronomía aquí se encuentra Le Champlain, un restaurante que fue marcado por la historia durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue sede de una serie de conferencias estratégicas organizadas por las Fuerzas Aliadas en las que participaron el presidente de los Estado Unidos Franklin D. Roosevelt y el Primer ministro británico Winston Churchill. Ahí se planteó el desembarco de Normandía. Las decisiones que se tomaron tuvieron un impacto a corto y largo plazo sobre la evolución del conflicto y en el resultado de la Segunda Guerra Mundial.

Actualmente el restaurante parece que aún mantiene ese abolengo, la decoración es de estilo clásico, sin embargo Le Champlain hoy marca tendencia para seguir siendo el sitio alimentario insignia de Quebec City, por donde han desfilado una serie de chefs famosos y que hoy es dirigido por el joven Stéphane Modat, quien ha fortalecido el menú clásico, pero también incluido su personalidad en una serie de platillos para rendirle respeto a este longevo hotel que vio la luz en el año de 1893.

Modat es amante de la cacería y de la cocina indígena de las Primeras Naciones, pero combina técnicas con recetas que se han transformado en un patrimonio inmaterial en la restauración culinaria canadiense.

Cenar en este restaurante es una gran recomendación para vivir una glamurosa cena al estilo tradicional québécois. El espacio es magnificente y permite admirar el río San Lorenzo a través de los ventanales.

Pero la magia sucede cuando el comensal selecciona la experiencia creada por Modat, quien diseñó un menú degustación de cinco tiempos, todos inspirados en los sabores de la temporada, perfecto para celebrar los 127 años que cumple el Château Frontenac en este 2020.

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BARES

POR FEDERICO DE JESÚS

Speakeasy bar

L A H E R M O S A I L E A G A L I D A D

LOS BARES CLANDESTINOS ERAN LOS SECRETOS PEOR GUARDADOS DURANTE LA ÉPOCA DE LA PROHIBICIÓN. AQUÍ TE DECIMOS PORQUÉ.

C

uando la Prohibición entró en vigencia el 17 de enero de 1920, miles de salones que operaban legalmente en todo Estados Unidos comenzaron a bajar cortinas. Pero, aunque la ley fue reconocida por su mano dura en la lucha contra el alcohol, un gran número de estadounidenses querían seguir bebiendo. Entonces tenían que comprar alcohol médico en las farmacias o se surtían bajo el pretexto de afirmar que se trataba de un encargo clerical para consumo religioso.

Aunque en la mayoría de los casos se compraba licor a vendedores ilegales, a contrabandistas.

Pero con el tiempo llegó el ingenio para crear otra opción. Fue la apertura de bares privados, ilegales, sin licencia, clandestinos, por lo que los visitantes tenían que conocer la “contraseña” para poder ingresar a dichos establecimientos sin que se enterara la policía.

Estos bares comenzaron a proliferar y pronto se incorporaron a la vida social de los estadounidenses. Las barras fueron bautizadas con el nombre de “blind pigs” en alusión a la policía, esto mientras los productores clandestinos de ginebra y bourbon comenzaron a multiplicarse debido a la demanda en el.

Con el tiempo estos clubes underground se transformaron en elegantes espacios, muchos de ellos incluyeron espectáculos con bandas de jazz y pistas de baile, hasta incorporar servicio de hospedaje en sótanos. Incluso los

propietarios de los bares que eran italoamericanos despertaron un interés generalizado en la comida italiana, además del consumo del vino.

La delincuencia organizada aprovechó la oportunidad de explotar este segmento y pronto comenzó a competir para atraer clientela mediante ofertas, haciendo alarde de estos sitios underground hasta convertirse en secretos

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BARES

SPEAKEASY BAR

PARA SABER MÁS mal guardados, lo que obligó a que los propietarios sobornaran a la policía con recompensas para que la ley se hiciera de la vista gorda.

Pero esto también afectó a los bares en diversos aspectos, específicamente en la calidad del alcohol, pues debido a la demanda muchos contrabandistas que suministraban estos espacios comenzaron a proveer a sus clientes de bebidas dañinas para la salud. Incluso comenzaron a vender alcohol industrial que contenía productos químicos, venenosos, como el ácido carbólico, que mató o mutiló a miles de bebedores.

A pesar de ello el consumo no paró, al contrario, los propietarios comenzaron a ocultar el sabor del whisky mal destilado y la ginebra contaminada mediante la preparación de tragos al combinar alcohol con ginger ale, Coca-Cola, azúcar, menta, limón, jugos de frutas y otros aromas, creando la bebida que hoy conocemos como “cóctel”.

Pero como era de suponerse, el fin de la Era de la Prohibición tenía sus días contados. La prevalencia de los bares clandestinos, la brutal forma de operar de las bandas de delincuentes organizados, el desempleo y la necesidad de ingresos fiscales que siguieron al colapso del mercado en Wall Street en 1929, contribuyeron a la derogación de la Ley Volstead en 1933 y de esta forma extinguiendo los bares clandestinos; aunque al día de hoy persiste la fiebre por recrear estos espacios, actualmente llamados bares “speakeasy” que han marcado una tendencia, donde la exclusividad y el sentido de pertenencia atrae a los amantes de las espirituosas de todo el planeta.

VOYSEY: ELEGANCIA UNDERGROUND Voysey es el típico speakeasy de la era moderna. Es un salón que se encuentra ubicado en la ciudad de Seattle, en un sótano, un espacio que ha sido intervenido con un diseño contemporáneo.

Abre dos veces por semana y otras veces es el spot de noches dedicadas a pop-ups, eventos para barman y unas más para fiestas privadas.

La barra está comandada por Jamie King, un cantinero, veterano, que aprendió a perfeccionar tragos en el

El bar es llamado así en honor al famoso arquitecto y diseñador C. F. A. Voysey. Aunque el salón fue diseñado por Elk Collective, el mismo equipo detrás de la Whisky Multnomah Library.

DÓNDE 710 SE 6th Ave, Portland, Estados Unidos.

Mourad de San Francisco, poseedor de una estrella Michelin; así como en el Velveteen Rabbit de Las Vegas.

Al Voysey también se ha sumado Katie Stipe, otra personalidad de la industria de la hospitalidad que ayudó a abrir el famoso Clover Club de Nueva York.

Un poderoso dúo que ha diseñado un menú de bebidas clásicas y otras experimentales.

Pero la experiencia comienza desde antes de tomar asiento, cuando el visitante baja por unas escaleras iluminadas por luces rojas de neón hacia un exuberante y oscuro salón adornado con muebles de color burdeos, paredones decorados con piezas de arte vintage y un ambiente que, literal, nos hace hablar en voz baja, tal y como sucedía durante la Ley Volstead.

Deseos

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REAL ESTATE

POR LOUIS HANCKCOK

NYC U N C L Á S I CO R E I N V E N TA D O E N

S

e reinventa una torre y un ícono de Manhattan. Se trata de 111 West 57th Street, una belleza arquitectónica que representa la historia de la creación de los rascacielos de Nueva York, un desarrollo inmobiliario que nos hace pensar qué hay detrás de cada uno de los rascacielos de la Gran Manzana.

El inmueble es una combinación del famoso y original edificio Steinway, diseñado en 1925 por Warren & Wetmore, pero han incorporado, en el sitio adyacente, una nueva torre diseñada por SHoP Architects, cuyo diseño interior es obra de Studio Sofield.

El predio está emplazado sobre Central Park, en Midtown Manhattan y parece un capricho resuelto para que el 111 West 57th Street sea el segundo edificio residencial más alto del hemisferio occidental, alcanzando hasta 435 metros… pero también considerada la torre más esbelta del mundo.

Pero este desarrollo del que todos hablan y a otros les quita el sueño para adquirir un piso, no hubiera sido un hotspot sin el talento de los despachos JDS Development Group, Property Markets Group y Spruce Capital Partners, quienes no paran de agregar elementos de lujo, tal y como será la instalación de una corona decorativa de 91 metros, inspirada en la Edad de Oro de Manhattan, intentando comunicar cómo el edificio ha logrado amalgamar la calidad de vida, la historia, el arte y la magia de la ingeniería que hay detrás de los rascacielos clásicos de Nueva York”.

El edificio de 91 pisos contará con un gigantesco porche, una sala de conciertos -a modo de homenaje al hecho de que el edificio se está construyendo encima del Steinway Hall-, y contará con departamentos de 2 y 3 recámaras, con precios que inician desde los 9 a los 30 millones de dólares.

Desarrolladores: JDS Development Group, Property Markets Group, Spruce Capital Partners Arquitecto: SHoP Architects Interiorismo: Studio Sofield Restauración: Jan Hird Pokorny Associates Construcción: JDS Construction Group Ingeniería Estructural: WSP Cantor Seinuk Ingeniería Mecánica, Eléctrica y Plomería: Jaros, Baum & Bolles Iluminación: L’Observatoire International Consultor de muros cortina: Buro Happold Ingeniería Civil: AKRF Engineering, P.C. Acústica: Longman Lindsey Ingeniería Geotécnica: Mueser Rutledge

111 West 57th Street 111w57.com

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MOTOR

POR CONNIE FLORES

Triumph: INSPIRACIÓN Y PODER CLÁSICO

H

ay un lema definitorio de Triumph en cuanto a la fabricación de motos clásicas, se conservan porque “esta gama es tan confiable, atractiva y de gran utilidad que se pueden usar todos los días”; por este mismo motivo se dio espacio para hablar de aquellas motos que, aunque pase el tiempo, su belleza e ingeniería se replica en un nuevo y mejorado prototipo.

Todo se liga a la historia de la propia compañía, ahí se enmarcan los nombres de diversas motocicletas, como Bonneville, de la que hablaremos hoy.

Pero antes debemos de recordar una de las primeras victorias de Triumph en el año 1907, donde Jack Marshall, aunque llegó en un segundo lugar, fue quien dio a conocer la marca; incluso fue en el siguiente año que este mismo competidor logró llegar en primer lugar con una motocicleta TT Roadster.

A partir de entonces vendrían más modelos a apoderarse del asfalto británico y europeo. Pero se hace mención especial de la Bonneville T120, destacada como las más bella y la más poderosa, cuyo modelo original data de 1959 y de la cual se realizó una edición especial: la Bonneville T120 ACE CAFE, una la leyenda de primera clase, de edición limitada.

Definitivamente esta moto tiene un carácter icónico del modelo (1959), un diseño que le rinde tributo al legendario Ace Cafe de Londres, el hogar espiritual del motociclismo británico clásico, pero ahora a través de este modelo Triumph 2019, la Bonneville T120 Ace, construido para celebrar a la generación de antaño.

Esta joya de la ingeniería ha superado al tiempo. La pasión que le inyectaron sus creadores tiene un alucinante nivel de detalle, acabado y rendimiento, siempre con el toque clásico. Eso sí, se ha modificado el motor y se ha sustituido por un motor Bonneville 1200 cc de alto torque; incorpora claves de estilo del modelo más antiguo, pero se ha modificado el ADN del motor para que tenga emisiones más limpias y sea mucho más eficiente en cuanto al uso de combustible; sumando un intervalo de servicio que se extiende hasta 16 mil kilómetros.

La Triumph edición especial luce sus poderosas curvas a través de líneas pintadas a mano, con exclusivos gráficos de Ace Cafe y Bonneville T120 premium, trabajo artesanal que contrasta con el exclusivo gris mate Storm y la técnica de pintura a rayas, perfecto para cumplir con los caprichos de los coleccionistas que no pueden dejar pasar la oportunidad de adquirir una de

BONNEVILLE T120 ACE CAFE Motor 1200cc, bicilíndrico Bonneville, paralelo de 8 válvulas.

Par máximo de 105 Nm a 3.100 rpm.

Sistema de refrigeración líquida de vanguardia.

Capacidad de combustible 15 L. Peso 224 kg.

Inyección electrónica de combustible multipunto secuencial.

las 1400 motocicletas que fueron producidas con esta edición, cada una certificada por Nick Bloor, CEO de Triumph y Mark Wilsmore, Director Gerente de Ace Cafe London.

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DESEOS

FOTO COLECCIÓN: GAMMA-KEYSTONE (1910)

SO MME LIER A E E A

S

ommelier, una palabra que nació con el trabajo del campo, de la tierra.

Pero hay que concretar y comprender bien el origen del término y remontarse a la Edad Media, a Francia, el epicentro del mundo enológico; cuando el transporte de mercancías se ejercía por medio de carruajes jalados por animales de carga (animaux de somme) para transportar las cubas y los enseres relacionados con el vino que

L Q U I M I A N L D N

consumía la corte durante sus viajes.

Pero la palabra que hoy relacionamos con el experto en vinos era el sommerier, el encargado de cuidar a los animales (bêtes de somme), pero que pronto pasó a tener la custodia del vino, hasta convertirse en un profesional en la materia.

Aunque se cree que el término tiene su origen

en el latín sumer-sumere, que significa absorber un líquido, beber.

Sin embargo no hay que perdernos en la semántica. El vino es un sentimiento y oficio que ha persistido en la historia desde hace miles de años. Ya existían evidencias de la actividad del sumiller en Mesopotamia (siglo V a.c), conocido como shagû, quien tenía como labor servir el vino a los comensales en los banquetes. Inclu-

so los faraones del antiguo Egipto (siglo IV a.c) que eran aficionados a esta bebida tenían entre su séquito algún maestro copero, un entusiasta del vino que seguramente heredó su pasión en el ADN de grandes maestros sommelier, como Jon Rosergren, David Biraud, Julie Dupouy.

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