Indie Rocks! número 51 by Indie Rocks!

Indie Rocks! nĂşmero 51

DIRECTORIO Director General Fernando Fonseca Cárdenas fernando@indie-rocks.com Editor en Jefe Luis A. González Arenas luis@indie-rocks.com Coordinación Editorial Paulina Suárez paulina@indie-rocks.com Redactor Arturo Tapia arturo@indie-rocks.com Coordinación Int. Amanda Tovalin amanda@indie-rocks.com Asistente Administrativa Griselda Valencia griss@indie-rocks.com

PUBLICIDAD Y VENTAS

Director de Mercadotecnia Mauricio Villela mauricio@indie-rocks.com Coordinador de Mercadotecnia Oscar Padilla Martínez oscar@indie-rocks.com Relaciones Públicas Karemi Gómez Aguilar karemi@indie-rocks.com

ARTE Y DISEÑO

HANDWASH.MX (55) 4755.8957 Director de Arte Cynthia Flores Contreras cynthia@indie-rocks.com Editor Gráfico Héctor Gómez López hector@indie-rocks.com Coordinación de Moda Lorena Clemente Velasco lorena@indie-rocks.com Ilustradores Celene Nájera (DF.) Cecilia Ruiz (DF.) Daniel Terán (SON.)

LABEL

Contacto y Contrataciones Israel B. Aguilar Gasga bene@indie-rocks.com

SERVICIO SOCIAL Y PRÁCTICAS

COLABORADORES

Abraham Huitrón Amneris Granados Ariela Sclar Armando Monzón Bernardo Ameneyro Esquivel Carlos Manuel Juárez Diego Álvarez Emiliano Juárez Eugenia Ruiz Eunice Rugama Francisco Pérez “Frasko” Guillermo Rivera Escamilla Iván Winkler Joel Sebastián Juan Carlos Hidalgo Mariana Rosas Fomperosa Mariannela Martín Angeles Osiris Priego Pepe Lumbre Samantha Núñez Selene Ortiz Tolentino Sección Videojuegos: Leonardo Cervantes En Londres: Carlotta Cardana En Los Ángeles: Oscar Zagal Steve Appleford En Guadalajara: Pepe Rodríguez

EDITORIAL 51 Nos acercamos a la recta final del año, la penúltima edición del 2011, la primera después de 50 revistas impresas y para conmemorarla, decidimos hacer algo que no habíamos hecho en toda la historia de nuestra publicación: repetir una banda en portada. Obviamente no podía ser cualquier banda, tenía que ser una muy especial, a la cual respetamos y tenemos mucho cariño por todo los grandes momentos que hemos compartido a lo largo de la existencia de esta revista. Los chicos de Austin TV fueron nuestra portada #11 y 40 números después, es decir más de 4 años han pasado, ambos proyectos hemos evolucionado. Estamos muy orgullosos del trabajo y talento de Austin TV, lo cual nos da la plena seguridad de saber que hicimos una gran elección; nos emociona mucho seguir caminando juntos en este camino de lo independiente, sobre todo al conderarlos como un espejo musical de los ideales que definen nuestra publicación y las ganas de luchar con nuestros propios medios. Sígannos en nuestras redes sociales donde pronto descubrirán nuestro festejo de fin de año que está muy involucrado con este número y el cual nos agradará mucho contar con su grandiosa presencia. Fernando Fonseca Cárdenas, Director General.

En Vancouver: Enrique M. Del Campo

FOTOGRAFÍA EN PORTADA Mario Hernández (55) 5264.0429

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“PUBLICACIÓN PARA MAYORES DE EDAD” AÑO 6 NÚM. 51 INDIE ROCKS!, la revista del mundo independiente, es una publicación mensual y una marca registrada. Editor responsable: Fernando Fonseca Cárdenas. Número de Certificado de Reserva Otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2011-012512552500-102.

Número de Certificado de Licitud de Título: 3687. Número de Certificado de Licitud de Contenido: 11260. Domicilio: Fernando Montes de Oca #14 Col. Condesa C. P. 06140, México, D. F. Derechos Reservados. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido por cualquier sistema o método, incluyendo electrónico o magnético, sin previa autorización. El contenido de esta publicación es responsabilidad de quien lo firma y no refleja necesariamente la opinión de Indie Rocks!

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PBO. INT. LADYTRON «En Gravity the Seducer percibimos un

la sonrisa de Beth Gibbons de Portishead,

en un trabajo más coherente en términos

las revelaciones de Wavves, Wild Beast,

de temas y estados de ánimo».

entre muchos otros y el gran final de

Mira Aroyo.

parte The Strokes, fueron tan sólo

CENTRAL INDIE1. AUSTIN TV. «Cuando empezábamos a tocar nadie pelaba ni entendía la música instrumental, hemos sido necios y quizá eso ha influido a que haya más apertura por el post rock». Fando.

CONTENIDO

MANDARINA INT. «Con una hoja de papel y mucha libertad. Con una sombra dependes solamente de su contorno para sentir qué es lo que ves en ella como un todo. Las sombras son un material de trabajo muy delicado; cada factor juega un papel importante para crear la ambientación querida: la luz, la pared donde se proyecta la silueta y el estado mental del espectador», Kumi Yamashita.

El regreso a nuestro país de Editors comandados por Tom Smith, la voz y

sonido un poco más maduro resultando

ROCKEANDO. CORONA CAPITAL 2011

06 MISCELÁNEA INDIE 08 REPORTAJEESPECIAL ROCK 101 13 REPORTAJEESPECIAL SOUL FOOD 2 16 REPORTAJEESPECIAL SIMON & GARFUNKEL 22 MANDARINAINT. KUMI YAMASHITA 26 PURABUENAONDAINT. LADYTRON 28 PURABUENAONDAINT. THE 6TH BOROUGH PROJECT 30 ¿Y ESTO QUÉ? VIVIR EN PAREJA 32 MANDARINANACIONAL KRAKEN E3 36 PURABUENAONDANAL. SU MERCÉ 38 PURABUENAONDANAL. TIMOTHY BROWNIE 40 CENTRALINDIE 1 AUSTIN TV

algunos de los miles de eventos y detalles que se pudieron apreciar en el Corona Capital, un festival que supo que para estar en la ciudad más grande del mundo tenía que ser simplemente gigante.

48 ESTILOMOCHILA AUTIN CITY LIMITS 2011 52 MAGNIFIQUE ZONA DE OBRAS 54 DRESS&ROLL FALL 2011 60 CENTRALINDIE 2 MANRAZE 66 CLAQUETAZO SIN RETORNO 70 ROCKEANDO 78 CENTRALINDIE 3 ANDRÉS CALAMARO 82 VIDEOJUEGOS 84 VIENEVIENE SPARK 88 REPORTAJEESPECIAL STEPHEN MALKMUS & THE JICKS

90 APARATEJOS 92 POLICHE 200+1 94 ECOCÉNTRICO VERDE QUE TE QUIERO VERDE

LOS 5 PAÍSES + PELIGROSOS

MISCELÁNEA

INDIE YOU DON’T F#$¡NG FIGHT IN MY SHOW, YOU A$#LE! Por Ariela Sclar

Chido: ir a un concierto, bailar, cantar y disfrutar de tu banda favorita. No chido: ir a un concierto, que el individuo de al lado te empuje y no te deje disfrutar de tu banda favorita. A todos nos ha pasado. Por eso, es de reconocer que Dave Grohl hizo bien al pedirle de manera no tan amable, pero sí determinante, a un asistente de uno de sus shows que se retirara de su concierto. Parece ser que el fan comenzó una pelea y Grohl, enojado, lo corrió del lugar. Es chido también, saber que el artista además de entretener a su público se preocupa por él. Otra prueba de ello es un video en el que Grohl alcanza a ver que un niño está perdido durante otro show y lo sube al escenario para que se encuentre con su papá. Dave Grohl sigue ganando puntos como uno de nuestros favoritos y para muestra, vean estos clips: www.youtube.com/watch?v=Sl9GMOTaqtc www.youtube.com/watch?v=aotFnaxBuPs

PARA LAS MUJERES Por Eugenia Ruiz

DEATH IN VEGAS Trans-Love Energies Por HANDWASH.MX

Tracks con tintes techno-minimalistas mezclados, en algunas ocasiones, con guitarrazos que aún recuerdan a lo que anteriormente escuchamos de esta banda. Después de casi siete años de espera, Richard Fearless y Tim Holmes llegan con este nuevo disco que no deja su estilo distintivo que transporta a escenarios oscuros e incluso, eróticos y por primera vez, Fearless tiene una participación vocal especial: la suya. Medication y Coum, son tracks que se salvan un poco de esta oscuridad y dominan un espectro más luminoso. Los beats de Witchdance y en especial de Your Loft My Acid empatan armónicamente con la voz de Kate Stelmanis, vocalista de Austra. Este disco acaba con Savage Love, donde las reverberaciones del Moog utilizado junto con los riffs parecen hacer de este tema un final nostálgico que cuadra perfectamente con el orden en el que se presentan cada una de las canciones.

El sitio trust.org/trustlaw realizó un estudio en el que se determinaron los 5 países más peligrosos para las mujeres. Dentro del estudio, Afganistán ocupa el primer sitio, seguido por Congo, Pakistán, India y Somalia. El estudio abarca como variables para medir la situación de peligro: acceso a servicios de salud, discriminación, cultura, violencia sexual, violencia no sexual y tráfico. Si quieren consultar los datos completos junto con las infografías lo pueden hacer en la siguiente página: www.trust.org/trustlaw/womens-rights/dangerpoll.

NI ELECCIÓN NI RESIGNACIÓN Por Amneris Granados

Somos expuestos frente a “la caja estúpida”, experimentamos una serie de resultados cuyas variantes son poco o nada alentadoras; bajos niveles de concientización, pocos individuos políticamente informados, así como la muestra sobre el gran poderío de aquellos conglomerados convertidos en instituciones universalistas ciegas frente a nuestra identidad. No sabemos si reír o llorar, sólo resta agradecer infinitamente a aquellos “líderes de opinión”, a nuestros “carismáticos” gobernantes cuya constante pugna y labores apelan a las necesidades de unos cuantos y los resul-

tados terminan por favorecer y apuntar a... lo mismo: manipulación, abstencionismo y poca reconciliación del individuo por obtener lo que realmente le pertenece. Elección, transparencia y recuperación de nuestra dignidad. Y ¡que Dios nos agarre confesados!, Buda o la misma silla a la que nos aferramos en estos momentos, porque si no es por catástrofes naturales como el surimi, digo, el tsunami, el próximo 2012 ó regresa el Chupacabras, el PRI y la chingada por no asumir nuestros derechos y responsabilidades como ciudadanos capaces de razonar ante el panorama que se vive y aproxima.

Indie Rocks! número 51

KINGS OF CONVENIENCE ¿UN TATUAJE? ELIGE ESTUDIO Por Mariannela

1 y 2 de noviembre José Cuervo Salón, DF General $487 Kings Of Convenience es un dúo de indie pop y folk pop, formado por Erlend Øye y Eirik Glambek, originario de Bergen, Noruega. El grupo es mundialmente conocido por sus canciones delicadas, sus voces tranquilas y sus melodías íntimas.

184

Si de por sí el decidir perforarte o tatuarte ya es difícil, escoger el lugar al que irás para que lo hagan es aún más. Debes tomar en cuenta que el lugar cuente con los permisos necesarios para realizar esto, además de que esté limpio, que desechen las agujas y tengas todos los instrumentos esterilizados, pero sobre todo que sea un lugar en el que te sea fácil relajarte momentos previos a un pinchazo. Todo eso y hasta más lo cumple el Estudio 184, ubicado en Colima 184 1er piso, Colonia Roma. Empezando por la vista que ofrece el ventanal que da a esta afamada calle, además de que sus paredes están decoradas con graffiti y cuenta con una pequeña galería de arte. Sus artistas tatuadores cuentan con catálogos que te ayudarán a darle forma a tu idea, y tiene un sin fin de piezas para perforaciones.

ARQUEOLOGÍA DEL PRESENTE ¿Cómo verán nuestros descendientes a los imponentes edificios que componen el paisaje urbano de nuestra ciudad? ¿Y a las fábricas, símbolos de nuestro progreso? ¿Les verán como nosotros vemos las pirámides? Descubre y conoce la multitud de proyectos fracasados que han legado cascajos y abandono en este viaje con el arquitecto español, José Luis de Vicente. http://youtu.be/WS5GBXlZJh4

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN

LA MADRE QUE NUNCA QUISO A SU HIJO

Lynne Ramsay, 2011 Por Amanda Tovalin

EL DISEÑO ES

IMPRESCINDIBLE PARA LA

COMUNICACIÓN EFECTIVA Por Pepe Lumbre

En www.behance.net lo saben y tienen una de las comunidades más interesantes que existen. Todos los involucrados en las artes gráficas se dan cita aquí: fotógrafos, diseñadores, artistas del pixel o pintores simplemente.

We need to talk about Kevin está basada en la novela escrita por Lionel Shriver, ganadora del Orange Prize en el 2005. Cuenta la historia de Eva, una mujer de carácter crudo, dedicada completamente a su trabajo, que se da cuenta de estar embarazada y, aunque en un principio no

desea ser madre, hace todo lo posible por darle lo mejor a su futuro hijo. Tiempo después, cuando todo en su vida parece estar en orden, Eva (Ezra Miller) se entera de que su hijo, ahora de quince años, ha hecho algo imperdonable a los ojos de toda la comunidad, lo que hace que ella se cuestione sobre las implicaciones de ser madre y reflexione si fue la mejor opción quedarse con su hijo cuando tuvo la oportunidad de no hacerlo. La película causó mucha contro-

versia en Cannes por su temática, además de que la forma en que se aborda puede resultar muy cruda como algo que nunca esperamos ver: una madre que rechaza su maternidad, algo que puede ser considerado en contra de los cánones usuales del discurso cinematográfico en donde la madre siempre es vista como una figura de apoyo y sustento. Como siempre, lo que más causa conflicto en el espectador, es una imagen fiel de nuestra realidad.

Texto /

Martín Angeles

Fotos/ Archivo

Origen/

Web/

Distrito Federal, México

rock101.com.mx

Pocos le dan crédito al último año de vida de Rock 101, esa legendaria estación que cambió la forma de hacer radio en la capital del país. Pero, esos últimos meses de transmisión, generaron en sus radioescuchas una cultura basada en la búsqueda de música nueva, en tiempos en los que no existían medios tan poderosos como Internet.

o se puede descalificar ni tachonear el trabajo del fundador de Rock 101, Luis Gerardo Salas. Él y su equipo le dieron al D.F., un motor que impulsó al rock como industria. A él le siguió Jordi Soler al frente de la emisora, pero en 1995 se retiró y en su lugar quedó el periodista Iñaki Manero, de quien se habla poco, pero conformó un equipo que generó la necesidad de mantener viva la exploración musical. Para algunos parecerá una broma este discurso, pues la figura que siempre sobresale es la de Salas, sobre todo desde su regreso a la Red en 2010. Pero hoy, cuando la radio juvenil en la capital del país esconde o evita abrir sus frecuencias a un sinfín de propuestas; es que se extraña el atrevimiento y desfachatez que Rock 101 tuvo en sus últimos días. Al lado de Manero, la locutora Clauzzen encabezó la presentación de nuevas bandas con el programa Ética Independiente, que deslumbró al presentar grupos alejados de la corriente principal y los reflectores de MTV, cuando era un canal musical. Ricardo Bravo, en su programa Nuestro Rock, daría espacio a grupos como Riesgo de Contagio o Guillotina, por ejemplo, de bajo perfil quizás, pero se atrevió a programarlos cuando el resto los ignoraba. Los cientouneros seguidores de Salas, siguen pidiendo las mismas canciones de los años 80 y 90 que encumbraron a la estación. Lo que hizo Manero junto a su equipo, fue tocar neuronas que permiten seguir en el rastreo de bandas nuevas y de clásicas que quedaron ocultas con el tiempo. La otra generación Rock 101, sigue maravillado con canciones de sus “maravillosos 90”, pero no se ancló, sigue en la búsqueda de grupos novatos. La radio actual se ha estancado en reducido circuito de estilos y géneros, de no ser así, sonarían en sus frecuencias grupos como No Age, Dinosaur Pile-Up, Male Bonding o Chapel Club. Los dos primeros, incluso, visitaron México este año, ante la indiferencia de los medios. Su sonido áspero, proveniente del punk y el grunge se ha ignorado, a pesar de sus coros pegajosos y riffs contundentes que los hizo exitosos en Inglaterra. La radio necesita más actitud y no sólo un discurso que promete y no cumple. Mientras eso sucede, la Red es la mejor plataforma para encontrar lo que no suena en las frecuencias mexicanas.

CLÁSICOS OCULTOS Existen varias canciones que podrían conformar un disco de éxitos del último año de Rock 101, música verdaderamente alternativa, de la que recordamos las siguientes rolas:

Stars – Hum Álbum: You’d Prefer an Astronaut (1995) La música de Hum era como un puñetazo en la mandíbula, pero con una ‘dosis’ de endorfina que la hizo memorable. Chino Moreno de Deftones reconoció que fue una influencia importante para su grupo. Lay Lady Lay – Ministry Álbum: Filth Pig (1996) Esta es una de las versiones más sorprendentes de la canción de Bod Dylan. Su base rítmica está basada en Bela Lugosi’s Dead de Bauhaus, sus guitarras le imprimen una atmósfera sucia. I Got Id – Pearl Jam Álbum: Merkin’ Ball (EP, 1995) Es una de las canciones menos conocida de Pearl Jam, a pesar de que en ella toca la guitarra Neil Young. Fue grabada durante las sesiones del álbum Mirror Ball, luego fue lanzada en este EP de sólo dos canciones. Toes across the floor – Blind Melon Álbum: Soup (1995) Mientras todos olvidaron a Blind Melon después de su éxito No Rain, la emisora capitalina tocó hasta el cansancio su segundo álbum, en especial Toes across the floor, un sencillo que mostró el lado más fuerte del grupo.

BATMAN ARKHAM Por Iván Carillo

Batman: Arkham City se encuentra próximo a convertirse en el mejor amigo de tus pulgares, las expectativas de la secuela del videojuego Batman: Arkham Asylum son grandes. Arkham City se considera como uno de los mejores

videojuegos protagonizados por un superhéroe. Batman regresa con todos sus aparatejos de alta tecnología que lo ayudarán en su combate contra el mal. Olvidemos Ciudad Gótica, ahora Batman se trasladará a Arkham Cyty en donde su principal misión (mas allá de salvarnos de gángsters y ladrones) radicará en eclipsar los planes de su enemigo

¡ESA DE ROJO! Por Mariannela

Como diría Gogol Bordello, hay que empezar a vestirnos de morado, con una ligera variación hacia el rojo, si quieres atraer a los hombres. Y es que, aunque ya sabemos que el rojo es sinónimo de sexy, un estudio realizado en la Universidad de Rochester, EU, demostró que el hecho de que las mujeres vistan de color rojo hace que los hombres, inconscientemente, se sientan atraídos sexualmente. Por el contrario, cuando los hombres

usan aquel color de la pasión, las mujeres los perciben como alguien con un alto estatus social, adinerados y con mayores posibilidades de éxito. Ambas partes tiene su equivalente en el mundo de los primates: los chimpancés y babuinos utilizan ese tipo de coloración para mostrar dominación y fertilidad. Así que, si aún no sabes cómo hacer que aquel al que tienes en la mira caiga, empieza a vestirte de rojo y las cosas cambiarán.

Dos Caras y de la misma forma salvar a Catwoman. En Arkham City podremos interactuar con un Batman más liberal, teniendo acceso a acciones físicas que no habíamos visto en Arkham Asylum. Prepárate para sorprenderte y engancharte a la ciudad de Arkham en donde Batman y sus gadgets serán tus grandes aliados en la lucha y el combate contra el mal.

POLÍTICA Y POLÍTICOS Por Pepe Lumbre

El lodazal que envuelve a nuestros actores políticos nos ha hecho preguntarnos si en realidad vale la pena votar por ellos. Las acusaciones mutuas están a la orden del día y las alianzas antes imposibles ahora se presentan como opción. Nos gustaría saber si nuestros lectores tienen un favorito o si creen que sería bueno proponer un candidato y a quién. Chespirito, Chabelo y Brozo suenan en algunas encuestas...

700 MILLONES COMBUSTIÓN (NO) ESPONTÁNEA DE MINUTOS Por Carlos Manuel Juárez de GRATIS EN Convencido que hoy, más que LLAMADAS EN

por Eunice Rugama

¿Cuántas veces usas Skype al día?, según esta compañía, cada día 65 millones de usuarios utilizan 700 millones de minutos gratis para realizar llamadas en internet. El volumen de registros diarios representaría 17.400 vueltas alrededor de la tierra.

nunca, las fronteras entre géneros y disciplinas se han difuminado y que de todo tipo de material es útil para crear arte –en este caso poesía–, Juan Carlos Hidalgo, colaborador de diarios y revistas, se dio a la tarea de ficcionar acontecimientos que han ocurrido en diversas partes del mundo y que aluden a expresiones actuales y peculiares del suicidio. Tras de la propia escritura se hallan lecturas de textos de Enrique Vila Matas sobre los hikikomori (jóvenes japoneses ermitaños y suicidas); el filoso libro de crónica periodística, Una luna, de Martín Caparrós; y los planteamientos post-

poéticos de Agustín Fernández Mallo y Manuel Vilas que marcan el futuro de esta disciplina. En Combustión no espontánea ha elegido, muy acertadamente, la tradición poética japonesa para recrear las últimas epifanías de aquellos a las puertas de la inmolación. Si deseas conseguir un ejemplar escribe a: circozonico@hotmail.com

VINYL SOUL Dream

DELUXE JAPANESE EDITION Por Iván Winkler

Tomen una licuadora y mezclen una cucharada de bolero, media barra de un conjunto de guitarras españolas, una taza de sonidos clásicos de trompeta, un toque de hip- hop con R&B y agreguen una pizca de sabor latino y ritmos de soul junto a unos toquines callejeros por Hollywood Boulevard. Licúen durante una hora y lo que tendrán será la versión de lujo del álbum debut de la banda californiana Vinyl Soul, Dream. Apoyados en quince temas, algunos en español y otros en inglés, VS nos regala un verdadero deleite musical en el que resaltan piezas donde

podrás resguardarte, como Donde, City Of Angels y Cómo Olvidar, sobresalientes por sus letras caracterizadas por un profundo toque emocional y otros temas más sensuales Tequila, Mamacitas y su último sencillo, Big Green. Después de una turbulenta pero exitosa gira en Japón, en donde tuvieron la oportunidad de compartir escenario con Smashmouth y por la que mereieron una nominación en la categoría de Best Breakout Band en los Tr3s Video Music Awards en el 2009, Vinyl Soul se reivindica con la entrada de un nuevo baterista, por cierto, proveniente de la mismísima Ciudad de México, quien promete darle más frescura y una nueva dirección al rumbo de la banda. Es una buena recomendación para aquellos a quienes les gusta escuchar bandas del estilo Maroon 5 o Sublime; música que oscila entre lo flamante y lo descarado.

¿PORNO EN 3D? Por Carlos Manuel Juárez

Si creías que Avatar había sido todo un fenómeno mundial, te equivocas, pues Sex and Zen: Extreme Ecstasy, la primera película pornográfica realizada con tecnología 3D, ha batido todos los récords de audiencia en los cines de Hong Kong, recaudando 250 mil euros, sólo durante su estreno. http://www.3dsexzen.com/

RODRIGO Y GABRIELA 5 y 6 de diciembre El Plaza Condesa General $639 Rodrigo y Gabriela es un original dúo de guitarras oriundo de México y basado en Irlanda, que obtuvieron fama gracias a los ritmos tan particulares que esta poderosa pareja hace con el cuerpo y cuerdas de sus guitarras. Su último logro se puede escuchar en el soundtrack de Piratas del Caribe.

LA POBRE CULTURA POLÍTICA DE MÉXICO Por Joel Sebastián

Lamentable el tono que adquirieron los pasados comicios electorales en el Estado de México. La subcultura política, que por lo menos en el discurso oficial ya se ha superado, se hizo patente al momento de observar que detrás de dichas elecciones existió una evidente y grosera manipulación política y distorsión de la voluntad ciudadana que, una vez más, evidenció nuestra pobre cultura política.

WILD BEAST Smother

Por HANDWASH.MX

Esta es la tercera entrega como álbum de la banda inglesa, editado por Domino Records y coproducido por Richard Formby. El conjunto entre el peculiar falsete de Hayden Thorpe, los

tenues beats electrónicos y las percusiones, que realmente son un elemento muy característico dentro de la producción del álbum, hacen de estos 10 tracks, un disco con la imposibilidad de ser desapercibido. Probablemente al prestar atención al timbre de voz de

Thorpe, te pueda remitir a Antony Hegarty, sin embargo cada quien tiene su actitud e intención. Smother es un álbum con arreglos y cambios musicales sutiles que lo hacen elegante, romántico, otra veces melancólico pero nunca aburrido. Los hightlights de este album: Bed of Nails, Loop the Loop, Albatross y End Come Too Soon. Pronto habrá más de esta producción, ya que la banda dará a conocer por estos días Reach a Bit Further, un complemento de cuatro canciones que sólo podrán ser descargadas en su sitio o comprado en versión vinyl de 12 pulgadas.

SE ESTRENÓ POR CBS

PERSON OF INTEREST Por Pepe Lumbre

La serie creada por Jonah Nolan y J.J. Abrams, este último, famoso productor de algunos capítulos de Lost; sobre un ex agente de la CIA (Jim Caviezel) reclutado por un misterioso millonario (Michael Emerson) retrata el propósito de prevenir crímenes antes de que se produzcan. La premisa es muy similar a la de Minority Report, pero se ha buscado darle un enfoque más real y no tanto de ciencia ficción. Acción, intriga y mucho misterio apoyado dan lugar a una de las series más prometedoras de esta nueva temporada.

LA CHICA DE LA CAPA ROJA Catherine Hardwicke, 2011 Por Iván Carrillo

¿Recuerdas la historia de Caperucita Roja?, ¿la de aquella niña inocente que viajaba a través del bosque con destino a la casa de su abuelita mientras cargaba una canasta llena de panecillos? Olvida todas estas patrañas infantiles: la Chica de la Capa Roja viene a romper paradigmas. Valerie, es una joven aldeana que vive en un pueblo aterrado por un supuesto hombre lobo. Junto con su novio Peter, deberá escapar del pueblo para salvarse de esta bestia, con quien tiene una conexión más allá de no normal. El pueblo necesita buscar una solución antes de que el lobo acabe con todos. Así, tendrán que decidir cuál es mejor opción: salvarse solos, de forma unida o sacrificar a Valerie.

GENES ADICTOS AL CAFÉ por Eunice Rugama

Según un grupo internacional de investigadores, existen un segmento del ADN que determinan cuánto café se bebe; asimismo, se descubrió que estos genes también afectan la presión arterial y el desarrollo del mal de Parkinson, pues los enfermos con esta enfermedad, solían tomar mucho café.

AUSTIN TV 17 de diciembre El Plaza Condesa Precio: Por confirmar Austin TV es un grupo de rock instrumental que ha saltado a la fama gracias a los paisajes sonoros creados con a la genial combinación de música y disfraces que ellos diseñan. Se presentarán en El Plaza para promocionar su más reciente lanzamiento llamado Caballeros del Albeldrío. Los números y proyecciones de películas serán detalles esenciales.

Indie Rocks! número 51

Por Emiliano Juárez Ilustración de Celene Nájera / wiinkil.com.mx

Uno de los géneros musicales más importantes en la historia de la música moderna, además del blues, ha sido el soul.

us orígenes nos transportan a la época en la que los esclavos africanos en Estados Unidos comenzaron a adoptar el cristianismo y con ello, compusieron canciones folclóricas llamadas african spirituals. Esto sucedió alrededor de 1825-1850. Estos spirituals tenían mucha similitud con las canciones tradicionales del oeste de África, de donde provenía la mayoría de estos esclavos, y se usaban todavía como work songs (canciones de trabajo). A finales de 1800, estos spirituals se habían ido transformado en gospel, que estaba principalmente relacionado con las iglesias pentecostales. Para 1930 tenía un carácter único e inconfundible al reunir elementos de los spirituals, ritmos y estilos de interpretación negros con cantos y bailes efervescentes acompañados de un órgano hammond, piano, palmadas, panderos y guitarras eléctricas... Lord, have mercy! Antes, y especialmente durante la segunda Guerra Mundial, con la expectativa de trabajos mejor pagados, la mayoría de los trabajadores negros de los campos del sur emigraron a las ciudades industriales, principalmente a Chicago, Detroit, Los Ángeles y la Costa Este. Fue en este ambiente urbano que la música blues, de los campos del sur, evoluciono en un nuevo estilo llamado R&B (Rhythm & Blues). Un gran cambio

fue la invención de la guitarra eléctrica en 1931 y los magnetófonos alemanes de cinta. Con este último aparato se simplificaron enormemente los procesos de grabación y permitió que por primera vez los negros pudieran tener sus sellos discográficos independientes. Además propició la aparición de disqueras legendarias como Chess, Atlantic, Speciality, Modern, etcétera, que tuvieron un papel primordial en producir y difundir el R&B. En los años 50 aparecieron figuras que expandieron el R&B y cambiaron el rumbo de la música. Little Richard, Fats Domino y Chuck Berry, no solo crearon las bases para el nacimiento del soul, sino que fueron en gran parte los responsables del nacimiento del Rock & Roll. El R&B evolucionó para convertirse en soul en los años 60 con la aparición de increíbles artistas como Sam Cooke, Bobby “Blue” Bland y Ray Charles, quienes empezaron a fusionar elementos tradicionales del gospel y R&B, creando una nueva variante a la que se le llamo soul music la cual reflejaba la identidad y el sentir de la comunidad negra. Entre los artistas más representativos figuran también por supuesto James Brown y Aretha Franklin. Hubo varios lugares importantes para el desarrollo del soul, en Memphis estaba la legendaria

disquera STAX que se caracterizaba por un sonido más crudo e inclinado al gospel. Detroit tenía la mítica disquera MOTOWN que se distinguió por producir letras más elaboradas y sonidos más sofisticados y comerciales, mientras que el estilo de soul de Chicago era un punto intermedio entre los dos. En los 70 el soul fue reemplazado por el funk como la forma más importante de música negra. El funk tomó muchos elementos básicos del soul pero incluyó elementos rítmicos de la música africana y estructuras del jazz. Surgió entonces el funky soul, que era un soul más potente fusionando estos estilos. Sin embargo, el funk nunca fue tan popular entre el público blanco de la época ni llegó tan lejos comercialmente como el soul, ya que este último se asociaba con Martin Luther King y el movimiento de los Derechos Civiles, que se caracterizó por ser un movimiento pacífico. El funk en cambio, se asociaba con Malcom X y el movimiento de protesta Black Power que fue violento y agresivo. La importancia del soul y la música negra es invaluable. Es música real y con carácter. Volvamos a eso... entendamos las bases de ella para poder hacer nuestra música más completa y auténtica.

BATTLES 14 de noviembre José Cuervo Salón, DF $450 Gral. $650 VIP La joven banda neoyorquina se presentará por primera vez en la ciudad de México. Esta será una muy buena oportunidad de poder escuchar su más reciente producción titulada Gloss Drop, álbum que cuenta con la participación de Gary Numan, Kazu Makino y Yamantaka Eye. Habrá que ver esta presentación realizada poco tiempo después de que hayan curado a lado de Les Savy Fav y Caribou, el Nightmare Before Christmas, evento presentado por el All Tomorow’s Paties.

INFINITAMENTE DIVERTIDO Por Pepe Lumbre

Dos astrónomos elaboraron la hipótesis de que la Tierra alguna vez tuvo dos lunas hasta que chocaron entre sí y la más grande hizo desaparecer a la más chica. Muchas de las partes de la luna más chica se esparcieron y todo se habría asentado en la más grande. Seguramente esta es la explicación de por qué la cara oculta de la luna es mucho más rugosa que la que vemos desde la Tierra. Esto es algo de las curiosidades publicadas en el sitio web del súper entretenido canal Infinito www.la.infinito.com, cuya programación abarca temas de todo tipo. Vale la pena ver el documental Loose change 9/11: especial 9/141 en donde hablan las voces que el gobierno gringo no quiere aceptar y que de manera contundente sostienen la teoría de una conspiración interna para generar grandes ganancias a la familia Bush y sus patrones.

CHICO & RITA

Fernando Trueba, Javier Mariscal, Tono Errando, 2010 Por Luisinho

¿INDIFERENCIA O COMPLICIDAD? Por Joel Sebastián

La postura que el gobierno federal muestra ante el problema del secuestro masivo de migrantes, parece exhibir una conducta tendiente a deslindar responsabilidades antes que asumir su papel para investigar cada denuncia. Ante ello, la duda surge en torno a si esto se debe a la indiferencia y falta de compromiso, o a una complicidad entre el gobierno y los autores criminales.

Cuba ha sido el pretexto para excelentes historias de cine animado, justo como la excelente producción de la película titulada Vampiros, ubicada en la Habana del director Juan Padrón. Hoy, bajo una producción anglo-española, aparece Chico & Rita, una historia que narra a ritmo de bolero una apasionada historia

de amor entre una bella y sensual cantante y un talentoso pianista que se encuentran y desencuentran en La Habana y Nueva York de los años 40 y 50. Esta historia marca una pauta en cuanto a la increíble precisión que tiene entre imágenes y música. Cuando el pianista Bebo, dibujado por Javier Mariscal, pulsa la tecla de Do, suena un Do, y así lo demás: la voz, el contrabajo, la percusión, el saxo, etc. Otro punto sobresaliente es que no sólo el trabajo en la película es magistral, sino que lo complementa una banda sonora que podría ganar todos los premios importantes de música y no sería ninguna sorpresa. Chico & Rita se ha grabado con Bebo, Freddy Cole, Estrella Morente, Jimmy Heath, Tito Puente e Idania Valdés, entre otros. Destaca Morente que canta A Mayra (Lily), el tema central de la película con Bebo Valdés al piano, uno de los momentos cumbre de la película, como el guiño definitivo y homenaje al gran Bebo Valdés. Sin duda, como dicen en Metrópoli de España, «El mejor soundtrack de jazz en décadas» y en la BBC: «Una de las diez mejores películas del año».

El momento de la catarsis llega a finales de 1965. Los dos grandes puntales descritos arriba, ya habían sido mitificados: Bob Dylan electrificado acababa de entregar el sorprendente Highway 61Revisited; por su parte, los Fab 4 dieron un giro de 180 grados y entregaron el aún más sorprendente Rubber Soul. Simon & Garfunkel se convertirán en el fruto más suculento que dio la fusión de ambos mitos: 28 de agosto de 1964, Dylan y los Beatles se conocen en Nueva York, intercambian grandeza y marihuana.

SIMON & GARFUNKEL Por Armando Monzón

LAS APORTACIONES A LA ESCENA MUSICAL POR PARTE DE ESTE DUETO SON FUNDAMENTALES PARA ENTENDER EL POP DE TODO EL SIGLO XX. PAUL FREDERIC SIMON Y ARTHUR GARFUNKEL SE ENCARGARON DE CONSTRUIR LAS BASES DE UNA MELODÍA PEGAJOSA PERO POÉTICA, ENCONTRARON LA FÓRMULA PARA HACER DEL VERSO-CORO-VERSO ALGO GENUINAMENTE CONMOVEDOR.

a música popular guarda con recelo las leyendas que se han encargado de trazar sus sonidos fundamentales; y si tuviera que clasificarlas como una entidad o como un grupo, lo haría de la siguiente manera: la banda más influyente, The Beatles; el solista más influyente, Bob Dylan; el dueto más influyente, Simon & Garfunkel.

Allí, en la gran manzana, unos meses antes, el dueto había entregado su LP debut Wednesday Morning 3 a.m., que se debía en buena medida a las andanzas de Dylan y otros referentes del folk. No obstante, las listas de ventas no fueron benévolas con el dueto, que termina por separarse debido al fracaso comercial. El folk y el rock estaban por experimentar un cambio notable, producto del encuentro Dylan-Beatles, y Simon and Garfunkel serían los primeros grandes beneficiarios, revolución musical que no hubiera sido efectiva sin las geniales habilidades compositivas y poéticas de Paul y vocales de Arthur. SILENCIO CON DECIBELIOS

En América los productores de la industria se dieron a la tarea de electrificar el folk, convencidos de la irreverencia de Dylan. Uno de ellos, Tom Wilson, recordó haber escuchado un sencillo de Simon & Garfunkel intrascendente, que podía cambiar por completo con el soporte de guitarras eléctricas, bajo y batería.

Dicho sencillo contenía el tema “Sound of silence”. Wilson hizo su trabajo y antes de que acabara 1965, “Sound of silence” ya le había arrebatado la cima de las listas de popularidad al cuarteto de Liverpool. Con la escalada de Sound of silence hasta el número 1 de las listas, grabaron un contundente segundo LP que incluía otros grandes temas como I’m the rock y Kathy’s song. El dueto, ya con la escena a sus pies, entregaría Parsley Sage, su tercer LP a finales del 66, Rosemary and Thyme en 1967 y el reeditado Bookends en 1968, éste último, el más exitoso gracias a Mrs. Robinson, tema de la película El Graduado, que también llegaría al número uno de las listas. TRAYECTORIA INTACHABLE

Hacia finales de la década, la relación entre ambos personajes empezaba a desgastarse porque querían emprender caminos distintos: Paul quería continuar su carrera en solitario y Art introducirse en el cine. En este contexto graban su último disco en 1970, Bridge Over Trouble Water, nuevo éxito comercial caracterizado por el eclecticismo de sus composiciones, pues contenía piezas como El condor pasa, The bóxer y el tema homónimo del disco, que también sería un contundente número uno. Así, en la cúspide de su carrera, el dueto se separa y, aunque en los años posteriores actuarían nuevamente juntos de manera esporádica y recibirían un sinnúmero de premios, a Simon & Garfunkel hay que agradecerle la sinceridad de sus líricas y de su misma actitud, atributos que sólo leyendas de la música popular pueden presumir.

¡SALUD! Por Mariannela

Todos hemos escuchado la frase “una manzana al día mantiene lejos al doctor”, pues ahora resulta que la manzana bien puede ser sustituida por una versión de uvas fermentadas, es decir una copa de vino tinto, con lo cual según la Escuela de Salud Pública de Harvard, garantiza una mejora en la saludad y previne el envejecimiento prematuro. El estudio, realizado en mujeres de mediana edad, demostró que aquellas que bebían 15 gramos de alcohol diarios, tenían menos probabilidades de sufrir enfermedades cardíacas y diabetes, además de que el ingerir vino previene enfermedades mentales después de los 70 años. Por si fuera poco, un estudio previo realizado por la Universidad de Boston, concluyó que el beber alcohol de forma moderada previene el sobrepeso y la obesidad. Así que ya sabemos que decir en nuestra defensa –mujeres, si nos cuestionan sobre nuestra ingesta diaria de alcohol: todo sea por la ¡salud!

CULTS Cults Por Abraham Huitrón

Con la aparición de Internet, hemos podido ser testigos de historias de bandas que han logrado alcanzar cierta fama o reconocimiento en poco tiempo, gracias a la ayuda de esta herramienta tecnológica. Tal es el caso de Cults, una banda originaria de Manhattan, Nueva York, que al poco tiempo de haberse

formado logró captar la atención del público gracias a su aparición en diversos blogs y páginas web. Primero grabaron un EP titulado Cults 7”, mismo que contenía tres canciones y causa de que su música comenzara a circular en la red y a conseguir reseñas positivas por parte de los usuarios, mismas que los llevaron a firmar con el sello discográfico de Lily Allen, In The Name Of. Su homónimo disco debut contiene once canciones que podrían ser clasificadas como una mezcla de pop y shoegaze, sin embargo, lo que llama mucho la atención es la capacidad que el dúo, conforma-

do por Brian Oblivion y Madeline Follin, posee para jugar y experimentar con ese sonido pop, volviéndolo por momentos bailable, ambiental, emotivo y hasta feliz. Un género musical que muchas veces tiende a ser repetitivo y banal, pero al que ellos logran darle un giro diferente, aportando cosas nuevas haciendo que se escuche propositivo y, sobre todo, agradable al escucha. Canciones como Abducted, Never Heal Myself y Oh My God, son un ejemplo de los recursos bien utilizados por parte la banda, como sintetizadores, guitarras acústicas, además de un canto suave y pegajoso.

LOS AMORES IMAGINARIOS Xavier Dolan, 2010 Por Joel Sebastián

Tras su brillante y multialabada ópera prima de 2009, titulada Yo maté a mi madre, el autor canadiense de tan sólo 21 años, Xavier Dolan, se convirtió en un torbellino mediático con un promisorio futuro gracias a sus dotes artísticos expresados en este filme. Para Los amores imaginarios, su segundo trabajo, Dolan hace latente su capacidad a la hora de crear un relato de utopías amorosas y fascinaciones mentales, bajo el marco de un artificioso ejercicio visual que procura hasta el más mínimo detalle estético. La película aborda la historia de dos jóvenes, un chico homosexual y su mejor amiga heterosexual, que se disputan al mismo tiempo el amor de otro joven de la misma edad, dando paso a un filme sobre amores no correspondidos, confusiones sexuales y fantasías sentimentales filtradas bajo el tamiz propio de una generación sumamente desarraigada. No cabe duda de que Xavier Dolan tiene dotes y virtudes artísticas por demás manifiestas, pero habrá que esperar para saber si es capaz de encontrar el equilibrio entre la experiencia estética y el contenido argumental.

DADA MAG El movimiento dadaísta fue el más radical de los ismos artísticos. Rompieron con toda tradición y las reglas y se desvivieron por lo irracional. Ubuweb pone a

nuestra disposición las tres ediciones de Dada, la revista de arte y literatura que Tristan Tzara publicó. ¿Cómo se vería una revista sin orden lógico en cuanto a tipografía y textos? Véanlo en www.ubu. com/historical/dada/ index.html

Indie Rocks! número 51

ELY GUERRA 9 de diciembre Teatro Metropolitan De $180 a $580

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Una de las grandes exponentes del rock mexicano, entre sus más grandes éxitos se encuentran Tengo frio y El mar. Su última participación fue en el disco Travieso Carmesí con Alondra de la Parra.

FUGA CHOCOLOGY: ¿CÓMO QUIERES TU CHOCOLATE?

Rocks! te regalan la película Batman del futuro: El regreso del guasón en Blue Ray Disc® Para llevarte una, envía un mail a promos@indie-rocks.com y pide tu copia, así de simple.

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Rocks! te regalan la película La chica de la capa roja. Para ganártela, envía un e-mail a promos@ indie-rocks.com y menciónanos a tres de los actores que participan en este film.

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Por Ariela Sclar

Sobre Emilio Castelar, en una de las calles más trendy y concurridas de Polanco, en el número 135 está

el Centro de Diseño Alemán que nos ofrece Fuga Chocology. Este es un lugar muy agradable para ir por el postre o simplemente para tomarte un chocolate en vez del típico café. Las opciones van desde diferentes bebidas a base del chocolate de tu elección, shots de cacao, brownies y hasta galletas. También puedes encontrar bombones y trufas para su venta individual o a granel. Deléitate con la antigua bebida de los dioses, renovada y mejorada.

LOS VENGADORES

EN EL CINE Por Gustavo Fernández

El afamado grupo de superhéroes de Marvel reclutado por Nick Fury, director director de S.H.I.E.L.D, llegará a la pantalla grande el próximo año, son tan grandes las expectativas de la película que los fanáticos de los comics y del cine estaban esperando el tráiler y aquí lo puedes ver: http://marvel.com/ videos/watch/2085/ marvels_the_avengers-_trailer

KUMI YAMASHITA EN JAPÓN, KUMI ES CONSIDERADA COMO MAESTRA DE LUZ Y SOMBRAS, RECONOCIMIENTO QUE SE HA GANADO CON SUS PROPUESTAS ARTÍSTICAS EN DONDE NADA ES LO QUE PARECE, Y LA REALIDAD, TAN FINA COMO UN HILO DE LUZ, SIEMPRE ESTÁ ESCONDIDA MÁS ALLÁ DE LO MATERIAL.

Indie Rocks! número 51

ARTISTA

ORIGEN

TEXTO

FOTOS

Kumi Yamashita

Japón

Amanda Tovalin

Cortesía del artista

@A_mandarina

MAESTRA DE LUZ Y SOMBRAS

umi se traduce al español como “hacedora de belleza” y describe perfectamente la personalidad de ésta artista. Con su pequeño cuerpo y sus 157cm de altura, es de apariencia frágil y delicada aunque cuando hablas con ella notas su fortaleza de carácter inmediatamente. Nació y creció en Japón pero lo abandonó a los 16 años para partir hacia Estados Unidos y asistir a una de tantas preparatorias neoyorkinas. El arte siempre fue su más grande amor por lo que, con el tiempo, acabó estudiando artes plásticas en Florencia, Italia, y nunca imaginó el efecto que sus creaciones tendrían sobre toda la gente que las ve. «Cuando salían, mis padres solían dejarme sola con un pedazo de papel y un lápiz además de una gran creatividad heredada de ellos. De ahí, nació todo lo que soy ahora», comenta Kumi sobre sus inicios. Evolucionando con la fuerza de la luz ¿Cómo empezó todo? «Con una hoja de papel y mucha libertad. Con una sombra dependes solamente de su contorno para sentir qué es lo que ves en ella como un todo. Las sombras son un material de trabajo muy delicado; cada factor juega un papel importante para crear la ambien-

tación querida: la luz, la pared donde se proyecta la silueta y el estado mental del espectador». En efecto, sus trabajos han requerido años de trabajo e investigación. Anatomía, geometría, artes plásticas y muchas matemáticas han sido necesarias para crear faenas complejas. Generadas a partir de lo físico, el plano que es expuesto al espectador a primera vista no es más que la mitad de la obra. Sus trabajos se vuelven un juego de adivinanza hasta que la luz completa la figura, mostrando que hay más allá del espacio material y la importancia de la conexión entre la luz y las sombras. Finalmente, son ellas las que dibujan la imagen escondida, exponiendo el verdadero sentido de la pieza. ¿Qué es lo que nos seduce de una sombra? Es algo que todos tenemos y damos por hecho que siempre estará ahí. Tal vez, como dice Kumi, «La magia radica en que es efímera, como una nube que siempre está sobre nosotros, lejos, pero a la vez proyecta nuestra presencia y posee un peso difícil de encontrar en otras cosas». ¿Cómo podemos traspasar la frontera entre lo divertido que pueden tener sus exposiciones y entenderlas como una

expresión verdaderamente artística? Todo depende del concepto de arte de Kumi: «Para mí, el arte genuino es una fuerza superior algo más grande que nuestra mente que se representa a sí mismo a través de nosotros. Estoy cautivada de que cada cierto tiempo tenemos un vistazo rápido de otra dimensión o realidad de vida en nuestros momentos más ordinarios. Si acaso, esto es exactamente lo que quisiera mostrar en mis trabajos». Ni siquiera Kumi Yamashita, quien trabaja minuciosamente (por años incluso en una pieza) para atacar a la realidad con sus obras, entiende lo que estás representan. Es difícil comprender a un artista cuando no se le puede vincular a un género conocido porque lo que hace no se había hecho antes. Aun así, sus trabajos, conceptuales o experimentales, no dejan de sorprender quien los ve y eso es exactamente los que Kumi busca, que la gente observe y reflexione. «No puedo esperar que las personas piensen de alguna manera en específico al ver mis obras. Sin embargo, siempre es bonito ver a alguien pausar y quedarse viendo mi trabajo aunque sea por un segundo».

KUMI OPINA SOBRE: LO QUE SE NECESITA PARA HACER UNA ESCULTURA DE SOMBRAS “UN DESEO IMPARABLE Y MUCHA DISCIPLINA” LA BELLEZA “HOY EN DÍA ESTOY MUY ATRAÍDA HACIA LA BELLEZA Y LAS MARAVILLAS DEL MUNDO EN EL QUE VIVIMOS; ME GUSTARÍA ENTENDERLAS TODAS A TRAVÉS DE MIS TRABAJOS” LA CONSTANCIA “NO CREO EN COMPROMETER AL ARTE POR UNA PRIORIDAD PERSONAL. SI UN TRABAJO REQUIERE MIL PUNTADAS O PINCELADAS NO PARARÉ EN LA NÚMERO 999 PORQUE CREO QUE PUEDO DAR MÁS. TRABAJO CON TODO MI CORAZÓN Y CREO QUE ESA ES LA ÚNICA MANERA DE HACER ARTE DE VERDAD”

Texto /

Mariana Rosas Fomperosa

Fotos /

Cortesía de la banda

Origen /

Liverpool, Inglaterra

Web/

ladytron.com

LADYTRON LADYTRON DESPUÉS DE CASI DIEZ AÑOS DESDE LA PRESENTACIÓN DEL PRIMER DISCO DE LADYTRON, 604, ESTOS INGLESES ENCARGADOS DE PONERNOS A BAILAR CON SU ELECTRO POP TAN CARACTERÍSTICO, REGRESAN PARA LANZAR SU CUARTA PRODUCCIÓN TITULADA GRAVITY THE SEDUCER.

as expectativas en torno al último material de la banda son altas. Se espera que supere las buenas críticas que se generaron después de haber escuchado el aclamado Velocifero en 2008 y con el que lograron posicionarse en una de las listas musicales más ambiciosas: Billboard. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con ellos para que nos contaran un poco de su nuevo disco y otras curiosidades. Esto fue lo que nos dijeron. La banda nos platicó sobre este interesante trabajo: «A comparación de nuestros álbumes anteriores, como el 604, por ejemplo, en el que éramos un grupo de adolescentes divirtiéndose, en Gravity the Seducer percibimos un sonido un poco más maduro resultando en un trabajo más coherente en términos de temas y estados de ánimo», nos dijo Mira Aroyo. Y es que a diferencia de sus producciones pasadas, en esta ocasión se tomaron el tiempo necesario para pensar sobre lo que querían hacer, lejos del ajetreo de los shows y la fama, cosa que disfrutaron muchísimo. En palabras de ellos mismos, el sonido de Gravity the Seducer (GS) parece que no fue hecho por las mismas personas que grabaron los primeros discos, sin embargo las canciones funcionan de la misma manera que antes. Esto no quiere decir que cambiaron su forma de hacer música, sino que con el tiempo, los integrantes de Ladytron, han aprendido cómo escribir letras, hacer una excelente producción y sobre todo ya conocen cómo es cada uno de ellos y cómo funcionan juntos como banda. No consideran estar en posición de afirmar que han madurado o no. Su objetivo es hacer canciones que no te aburran después de escucharlas varias veces y consideran que para eso es su música, para que la escuches más de una vez e inspire algo dentro de ti. Al preguntarles sobre el proceso creativo que siguieron para este álbum, Aroyo nos dejó entrever ese descanso de los escenarios que se tomaron: «Empezamos a escribir por separado, cada quien en su propio estudio y una vez que habíamos escogido aquello en lo que trabajaríamos, fue cuando ya nos reunimos a colaborar todos juntos. En algunos casos, llevamos la canción casi completa y sólo agregamos unas cuantas capas para mejorarla, en otros la idea musical es la que necesita desarrollarse, o se necesita la parte de las vocales que va escrita por algún miembro, incluso hay ocasiones en las que la idea de la que partimos son las vocales, lo que nos lleva a trabajar más en grupo para lograr convertirla en canción. Siempre cambia de canción a canción».

Para la producción de GS, Ladytron recurrió de nuevo a Barny Barnicott, quien ya había trabajado con ellos en 2004 con Witching Hour, y que ha colaborado con bandas como los Arctic Monkeys, Kasabian y Editors. «Trabajar con él ha sido estupendo, en especial porque nuestras ideas de instrumentos inusuales son parecidas y logramos conseguir sonidos únicos e interesantes», también comentó Mira Aroyo. Al preguntarles sobre sus principales influencias nunca olvidan mencionar a artistas que van desde Kate Bush a Steve Reich, David Bowie a Bob Dylan, My Bloody Valentine a Serge Gainsbourg, gente y bandas que encontraron su propio sonido, todos muy diferentes entre sí. Ladytron ha sido etiquetada como una banda de electro pop o electroclash, pero ellos prefieren definirse más como un dream pop extraño. Su música está hecha de una forma más instintiva que teórica; tocan lo que les gusta y les divierte, para constatarlo basta con notar que entre sus integrantes se encuentra un diseñador industrial (Reuben Wu) y una investigadora enfocada a la genética (Aroyo). No nos podíamos despedir sin preguntarles sobre sus visitas a nuestro país, ya sea como agrupación o sólo con la presencia de Mira como DJ: «Los fans mexicanos son de los más divertidos que hemos visto. Los shows que damos son de los más memorables, la gente grita tan fuerte que nos sentimos en un partido de fútbol. Esperamos regresar pronto».

Indie Rocks! número 51

+ MEJOR SER IGNORADOS

Ladytron es una banda en la que sus integrantes agradecen que en un principio no se les haya dado tanta importancia, sobre todo porque pudieron tomarse el tiempo necesario para desarrollarse como agrupación los útltimos 12 años, apoyados principalmente por los seguidores fieles que han logrado cautivar y mantener interesados.

Texto /

Pepe Rodríguez

Fotos /

Origen /

Cortesía de la banda

Edimburgo, Escocia, UK

THE 6TH BOROUGH PROJECT

myspace.com/6thboroughproject

Craig Smith & Graeme Clark se han mantenido trabajando juntos por más de una década, enfocados en los dubs de la música disco y funk de los 70 para reutilizarlos y crear un house bastante interesante. Bajo los sellos L.E.S.S. Productions, Jisco Music, Instruments Of Rapture, Domino Records y Delusions Of Grandeur han ofrecido pruebas auditivas de este bailable proyecto.

Fluyendo en las pistas de baile

Web/

SOBRE LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS

Edimburgo, Escocia, bien podría ser parte de Nueva York, su sexto municipio», bromea Craig Smith, líder de este proyecto. Este lugar ha absorbido la esencia de esa urbe, dividida en cinco municipios o burós (boroughs). Craig hizo su debut como DJ en 1987, en el legendario club nocturno The Hooch, en su tierra natal. Sus sesiones eran memorables y llenas de añoranza, pues remojaba sus mezclas en boogie, jazz y funk, pasándolas por hip-hop y house. Smith, en sus 25 años de carrera ha trabajado al lado de músicos visionarios, teniendo consigo invitados como MAW, Kerri Chandler, Spinna, Jazzy Jeff, DJ Deep y Paul Trouble, por mencionar algunos. Graeme Clark, por su parte, había comenzado a producir desde su adolescencia, influenciado por la colección de acetatos de sus padres donde el soul, el funk, el rock y el blues, así como la música radial de los 80 y la escena rave fueron fundamentales para definir sus gustos. Una vez que fundó su primer sello discográfico, entre amigos, en 1999, recibió una llamada que lo cambió todo: era Craig Smith ofreciendo palabras de aliento por su excelente trabajo; desde entonces y hasta ahora comenzaron a colaborar incansablemente. Quince años después, Graeme continúa produciendo para sellos como DFA, Buzzin’ Fly, Z Records, Pokerflat, MCDE y Dessous.

Reflexionando acerca del exceso de música que hay en la red, le pregunté acerca de una fórmula para sobresalir entre tantos los proyectos. Craig respondió: «No es fácil abrirse paso entre tanta música allá afuera, pero a lo largo de los años hemos construido una gran y sólida cantidad de seguidores en nuestra lista de promoción, páginas sociales, blogs, etc. Últimamente es la música lo que importa y si no estás creando algo que le interese a la gente, es un camino difícil».

El reciente álbum, lanzado en mayo pasado, bajo el sello Delusions Of Grandeur y sus remezclas realizadas por ellos mismos como DJ’s han recibido la atención de los medios especializados, tanto que saldrán de gira próximamente y esta es la razón perfecta para conversar con Graeme: «No tengo idea de a dónde vamos con nuestra música; hacemos todo lo que hay que hacer en el momento, no hay un gran plan, para ser honesto», afirma categórico. Respecto a su independencia creativa dice: «Puedo asegurar que nos sentimos bien con este sello, pues hay un cierto sentido de libertad hoy en día para los artistas que hace diez años no existía cuando las disqueras grandes poseían todo el poder. Obviamente, con los artistas independientes hay un lado oscuro, pues hay montones de música mediocre entre la que buscar, pero prefiero eso que tener a dos o tres disqueras diciéndome qué escuchar». Respecto a incorporar más elementos visuales a sus shows me comenta: «Aunque he tocado con muchísimas bandas en vivo en el pasado, por el momento estoy como DJ únicamente en esta gira. El próximo año espero hacer más actos en vivo de nuevo. Me gustaría que fuera una producción más íntima y pequeña. En cuanto a lo visual, espero trabajar pronto en el cine si se presenta la oportunidad, pues siempre he estado emocionado con la combinación del audio y los visuales».

Pero el poder de la música no puede faltar en esta conversación; al cuestionarlo acerca de si la música puede sanarte, afirmó: «Lo ha hecho en mí personalmente y reconozco su poder. La gente siempre necesitará liberarse después de una semana de trabajo y el baile siempre ha ayudado a satisfacer esa necesidad. Creo que si haces música que te trascienda a ti mismo y tu tiempo, puedes superar cualquier dificultad. En mi opinión, debes hacer la música por el momento, como tomar una fotografía: no depende de ti cómo será apreciada por los demás. En mi caso, al ver a la gente en las pistas de baile respondiendo a nuestra música me causa sorpresa y alivio». La escena actual, en donde todo se mantiene cambiando, obliga al músico a conocer nuevas tecnologías, y al respecto comentó: «Dado que siempre avanza la tecnología, es bueno darle un excelente uso, yo combino los instrumentos de la vieja escuela con nuevos dispositivos. Cuando voy por el mundo de gira, siento que la escena se ha unificado; la gente en su mayoría busca lo mismo: divertirse sin importar en qué parte del mundo estén. Por mi parte espero pronto estar en México, me encanta su comida, ¡es mi favorita, espero probar de una vez la verdadera!» El tiempo se acababa y con esta última afirmación nos despedimos de Graeme Clark, quien nos recomienda pasar un excelente momento escuchando y bailando su más reciente material.

Texto /

Guillermo Rivera Escamilla

Ilustración / Cecilia Ruiz

Web del ilustrador / www.ceciliaruiz.com

VIVIR EN PAREJA más que una cobija humana

Parece que no hay momento más inapropiado para escribir sobre la vida en pareja que cuando uno se encuentra solo, por esta razón le pedimos ayuda a compañeros en este viaje que llamamos vida para adentrarnos en esto que en términos prácticos podemos reducir a la relación de dos: vivir en pareja.

ompartir techo, expectativas, sueños, equivocaciones, metas, sin sabores, poses, amarguras entre dos. “El incompleto más que una pareja, necesita un terapeuta”, la frase se debe a la idea de que siempre estamos solos, aun estando acompañados. Nos tenemos por principio a nosotros, al vivir con alguien sólo se comparte esa soledad. Tú ofreces tu mundo, tu mundo es completo y tú lo creas, de modo que vivir en pareja es sumar, antes que completar. ¿Qué lleva a una persona a querer compartir su espacio con alguien más? ¿Es cierto que pese a que el amor se presente como algo efímero, puede germinar un compromiso? Al recurrir a la entrevista de tres parejas como método para obtener pautas sobre el por qué vivir en pareja. Las respuestas pueden variar: “Conocí a alguien y decidí que quería compartir mi vida”, “Tenía necesidad de un afecto constante”; lo cierto es que todavía se encuentran ejemplos y esa es la prueba de que vivir en pareja –en medio de los ires y venires del Siglo XXI– es posible. Pese al “Amor líquido y la fragilidad de los vínculos humanos” sintetizado en el delete de la computadora, que pregona el sociólogo Zygmunt

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Bauman, parece que en un principio la relación de pareja no contempla cuánto tiempo durará, sólo se entrega sin más certeza que amor y cariño. No interesa si la relación es entre dos mujeres, dos hombres, o entre un hombre y una mujer; interesa que sea vida entre dos, compromiso como una especie de pacto, que no se reduce a pagar la mitad de la renta, compartir los gastos o vivir un tiempo como un integrante de la pareja quiera y después lo que el otro o la otra prefiera. Se trata de llegar enteros, como seres humanos íntegros que somos, personas que al juntarse ofrecen el mundo que construyeron por separado mediante una relación de dos, de la cual ninguno de los dos es dueño. Convivir en un espacio común y en el sentido amplio estas tres palabras: solidaridad, respeto y acompañamiento. Con la dosis de respeto que esta posición exige y que también demandan otras opciones de convivencia como el poliamor y los swingers. Respeto también para quien decide tener una vida en pareja –OJO, no necesariamente monógama– pero sí recíproca y con lealtad, en esa medida dialéctica, “dando y dando” sin perder el sueño y

menos el amor, por saber quién dará más en dicha relación. Relaciones de dos, de tres, de seis, de uno; pero siempre de común acuerdo, cancelar el engaño como la posibilidad de tener una “vida en pareja” que resultará ficticia, en el peor de los casos destructiva. Recuerde el dicho: “a fuerza ni los zapatos entran”. Entrar en una relación de pareja demanda claridad en que efectivamente eso es lo que se quiere hacer y se busca tener, no se trata de “fregar corazones ajenos” por el mito aquel de que “un clavo saca otro clavo”, al contrario, es preferible disfrutar la soledad como una condición de vida igual de benéfica que la vida en pareja, con sus altas y bajas, finalmente VIDA. Importante decir que lo roles en un pareja no son fijos, pues aún prevalece la idea de que “el marido” es quien lleva la pauta, cuando los tiempos apelan a una compatibilidad de un proyecto individual, con disposición para el acuerdo y la negociación mediante autentica comunicación, características que se ven afectadas por el nivel educativo y sociocultural de cada pareja; con esto queda de manifiesto la complejidad del proceso de adaptación que demanda vivir con alguien más, compartir

intimidad, vida y espacios con otra persona. A esto hay que agregar la polémica cuawndo este vivir en pareja no es “de blanco y por la iglesia”. Algo sí es seguro, y es que la vida en pareja no debe combinarse con violencia (del tipo que esta sea: sexual, económica, psicológica), pues algo imprescindible en la relación de dos es el Respeto, la admiración y confianza que sentimos por la otra persona, de lo contrario sólo nos engañamos y el engaño en el contexto del Siglo XXI significa hacernos tontos, por no decir pendejos. Un consejo: vivir las etapas quitándose ideas preconcebidas y clichés, dejar el miedo y aventarse, si efectivamente la vida en pareja no es para todos, vale la pena probar. Que la gente busque, se conozca y lo intente; siempre y cuando viva así porque así lo quiere y no porque lo quieren los demás. Nota mental: una cosa es quererse y otra muy distinta, vivir juntos, tenga presente que “vivir solo está mejor, que vivir mal acompañado”. Se vale darse un chance de amar y arriesgarse, pero antes que nada quiérase.

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Kraken E3

México, DF

Paulina Suárez

Cortesía del artista

@pa_uh

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KRAKEN E3 CRIATURAS URBANAS

En tiempos ancestrales los escandinavos imaginaron una criatura de cuerpo gigante, grandes ojos y tentáculos kilométricos. El Kraken emergía de las profundidades del mar y atacaba barcos y marineros. En México, miles de años después de que aquel ser fuera descrito por la mitología, un artista digital y urbano adoptó su nombre como firma.

esde pequeño, Kraken sintió atracción por los comics, las historias mitológicas y la cinematografía. «Desde que era chico y hasta ahora siempre he sido fan de los villanos de muchas películas, caricaturas y cómics. Furia de Titanes de los años 70 fue una de las primeras cintas que recuerdo que me impactaron. Mucho más llamó mi atención el Kraken», nos contó este ilustrador en entrevista. Ya en la adolescencia, comenzó a investigar mucho más sobre criaturas de ficción, adentrándose a la historia de seres como el Cthulhu, ideado por Lovecraft y que tiene similitudes con su favorito. Toda esta influencia narrativa y no narrativa, es explotada por este artista mexicano en sus pinturas y creaciones. El retrato del lado oscuro del alma, las criaturas y lo que podría ser perturbador, encuentran un lugar en sus técnicas artísticas. Kraken es en la actualidad uno de los artistas multifacéticos mejor colocados en la escena local de la ciudad de México. Es ilustrador pero también muralista, y lo mismo hace carteles para bandas de rock que composiciones más abstractas o basadas en monstruos y maldad. Nacido en el seno del colectivo E3, todo lo que Kraken hace lleva ese apellido. Este colectivo surgió a finales de 2005 con el propósito de hacer cosas fuera de los talleres y entre los integrantes esta Ciler y René Zemog por mencionar algunos. Muchos han pasado por sus filas y pocos han permanecido. «Eso lo hicimos con la mentalidad de crear, convivir y patear algunas cabezas», recuerda Kraken. Y aunque al principio el colectivo trabajaba un poco sobre la improvisación, ahora que se han organizado intentan tener temas en común.

Ricardo García es un sujeto que se esconde tras Kraken. Tiene 30 años de edad y documenta su arte diariamente en kraken-e3.blogspot.com.

La música también forma parte de su inspiración: «La música influye increíblemente en mi trabajo. Tengo una obsesión por hacer y comprar posters de música. Sin embargo, el cine es algo que también impacta a mi trabajo» y entre los directores que le apasionan podemos contar a Tim Burton, Spike Jonze, Stanley Kubrick y David Lynch. Una cosa curiosa en el diseño de Kraken es que aunque se ajusta a la estética del diseño actual mexicano, rompe un poco con los parámetros. Siempre hay una moda, pero al parecer es él uno de los que ponen el primer paso en el cambio. «En el diseño mexicano hay dos corrientes: el mexican curious que abarca cualquier expresión de un vato loco, hasta ilustraciones de luchadores con vectores. Por otro lado hay expresiones que buscan ser mexicanas por el territorio en el que se encuentran y por la vivencia en sus lugares de nacimiento. Aparte del éxito comercial que tenemos los artistas locales en el extranjero, el diseño y el arte es bien reconocido afuera por la calidad de nuestros expositores». El diseño mexicano, bien posicionado en otras latitudes, también se reconoce por tener un séquito de grafiteros y artistas urbanos interviniendo las calles. Kraken es un convencido de que la discusión sobre si esto es o no artístico,

sale sobrando: «El arte es arte afuera y adentro de una galería. Una cosa se define como artística por ser una idea o una expresión producida sin importar mucho dónde la verá la gente. Lo que vale es la idea, no el soporte o los materiales». Kraken es un entusiasta de la ilustración y de la pintura mural. Por eso no tiene un favorito: «Siempre me adapto a la idea, depende del proyecto es el camino que decido tomar». Trabaja con tinta y herramientas digitales para abordar la ilustración; sticker y stencil para la calle. Kraken es un exponente de la gráfica del Ciudad de México, que no ha perdido el tiempo: con el paso de los años ha logrado refinar su técnica y hacerse de reconocimiento también. «Ahora quisiera explorar la mayor parte de las técnicas de impresión y colaborar con otros artistas». Para terminar, quisimos preguntarle sobre el boom del diseño y el arte urbano en México. ¿Qué piensa sobre un proceso que él ha visto evolucionar desde hace unos años y ahora acarrea tantos seguidores? «Aunque no hay un camino para seguir, el arte de los jóvenes mexicanos debe apegarse a sus emociones e ideas. Deben producir lo que tengan dentro de ellos desde su perspectiva. Que no se dejen llevar por la moda, que ellos sean quienes la dicten».

Ariela Sclar @arisclar

Foto /

Origen /

Alberto García Corona

Distrito Federal, México

GOS SOM

Web /

myspace.com/bandasumerce

AN L I H C

Texto /

EL C A

MINO

ANDA M

Por las calles y las avenidas de la vida y de la Ciudad de México, camina Su Mercé. Cantan inspirados por las vivencias y personajes que se han cruzado en las sendas recorridas. Cara a cara con la vida urbana, en la colonia Acue- ducto de Guadalupe, donde se enfrentaron a las cascaritas y a un par de lluvias de plomo se mezclaron con las vivencias en los andenes del metro y la Buenos Aires para forjar su lírica. Los estudios formales y la casualidad de la destreza concretan la música.

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miliano Buenfil, el Yeyo, el Goldo, el Yuri, Gusito y Británico, son los valedores que forman Su Mercé. Participaron antes en bandas como Don Nadie y Horizontes, y al igual que el borracho que toreaba los autos en la ciudad, sorteaban la suerte de su música en bares, quince años y festivales. Las largas que los automovilistas le aventaban al teporochito, eran las mismas largas que le dieron a Su Mercé las disqueras. Por fin, para el 2003, ya tenían su primer LP, La Pura Variedad, con el sello Antídoto. Para el 2005 Su Mercé ya se había desintegrado. Un buen día del año 2007 grabaron un documental bajo la dirección de Isabel Muñoz. Ganaron el Premio Ariel a Mejor Cortometraje Documental en 2008. En tan sólo 49 minutos con 10 segundos, el grupo nos lleva por las calles de las colonias dónde crecieron y de las cuales toman lo visto para retratarlo, no como un imagen estática de una fotografía, sino para reproducirlo una y otra vez con letra y música. Con influencias de Café Tacvba, La Maldita Vecindad, Chava Flores y hasta Bach, Su Mercé suena a la Ciudad México. Es bolero, es ska, es trova y son los ritmos que nacen en el momento. Gustavo Rangel “Gusito”, toma el ejemplo del arquitecto Luis Barragán para explicar el proceso de creación de Su Mercé, compara: «Ese güey llegaba al predio, se sentaba en una piedra y decía “No se qué diablos va a ser, pero aquí habrá una pared rosa. Y aquí quiero escuchar el agua”. Planeaba todo a partir de las sensaciones; de eso se trata. De sacar nuevos acordes en los ensayos, meter cosas dóonde no van». Las letras de Su Mercé buscan ensalzar las personas que viven y las situaciones que se dan en la ciudad que, aunque siempre están, muy pocas veces son tomadas en cuenta. Se habla del contexto social, por ejemplo, en Río Mixcoac, se da la impresión de que se llora la pérdida de una novia, pero en realidad se refiere a la vida, a la soledad que se experimente en esta enorme ciudad llena de millones de habitantes. O Buenos Aires, que recuenta el evento ocurrido en septiembre de 1997 en la colonia del mismo nombre, dónde hubo desaparecidos a causa de un operativo judicial. Con esta rola se denuncia este tipo de casos de

SU MERCÉ SUENA A LA CIUDAD DE MÉXICO. ES BOLERO, ES SKA,

injusticia que se dan a diario en nuestro país. Reservando las magnitudes, otra de las “injusticias” es la piratería. Pero dice el Güero que eso no le preocupa en lo más mínimo. Por el contrario, entiende que la piratería apoya de cierta forma la carrera de los músicos, pues impulsa que los músicos vuelvan a vivir de los conciertos y las tocadas, actos dónde se da la música en verdad, efímera pero real. Está contento de saber que sus canciones las encuentras por cinco o seis pesos en Internet. Así les llega a más gente. Sobre la fama y el dinero, dicen que está chido. Que es uno de los tantos fines que el medio de la música busca. Pero si los vas a obtener, hay que asegurarse de que sea por algo que sientes. Que sea fruto de tu trabajo. «La meta tiene que ser tu música, independientemente de a quién le guste», dice el Güero. También dice que el público es importante y no hay que tratarlo como si estuviera conformado por idiotas, que la música no debe estar hecha para conservar a los fans. La música tiene que ser para que la disfrute el músico que la crea. Sin embargo, saben que está en riesgo al ser tan eclécticos y al reinventarse todo el tiempo y de que algunos de sus seguidores ya no se sientan satisfechos con sus nuevas obras. Cómo agrupación, trabajan al unísono. Todos aportan, todos votan y todos opinan. A pesar de que cada uno tiene su vida aparte de la banda, con proyectos personales, la dedicación que le tienen a Su Mercé y el cariño que se tienen entre ellos es notorio en la convivencia. Recuentan anécdotas, se hacen chistes y aplauden los logros particulares de sus compañeros. Después del éxito que obtuvieron con el documental, Su Mercé está de vuelta para deleitar a sus seguidores en diferentes puntos del país en esta última recta del año. Durante la entrevista comentaban que les fue excelente en el Café Central de Oaxaca. Su Mercé abre los ojos al lado B de la Ciudad de México, con el que muchos tienen relación y que otros tantos no conocen. Se involucran, como el que no quiere la cosa, con un poco de política, de frescura y de pura variedad.

ES TROVA Y SON LOS RITMOS QUE NACEN EN EL MOMENTO

Texto /

Foto /

Paulina Suárez

Gabriel Rozycki

Origen /

Distrito Federal, México

Web /

facebook.com/timothybrownie

TIMOTHY BROWNIE

HACÍA UN TIEMPO QUE NINGUNA BANDA TELONERA NOS VOLABA LA CABEZA. SUELE SUCEDER QUE A LOS CONCIERTOS UNO LLEGA LO MÁS TARDE POSIBLE PARA SÓLO SER TESTIGOS DEL ACTO PRINCIPAL SIN TENER QUE SOPORTAR EL DE APERTURA. PERO SORPRESA: EN ALGUNOS DE LOS ÚLTIMOS CONCIERTOS MÁS TAQUILLEROS EN MÉXICO, LA SORPRESA ESTABA DESDE EL INICIO: EL MAESTRO TIMOTHY BROWNIE ENCANTÁNDONOS CON SU MÚSICA.

U 40

riel del Toro (batería), Andrés Cruz (guitarra y theremin), Gonzalo Sandolval (percusiones y teclados), Mariano Lanus (bajo) y Timothy Brownie (magia y partituras) forman una banda anclada en la Ciudad de México con una gran propuesta.

mezcla mágica. «Creo que estos son los ingredientes que combinan perfecto para las recetas que estamos haciendo ahora, pero como cualquier paladar, siempre estamos deseosos de probar cosas nuevas», nos contó Tamir, encargado de guiar los pasos de la banda desde su puesto de manager.

Los cuatro integrantes, más la magia del maestro Brownie, son los elementos perfectos para esta

El Maestro Brownie es el dador de vida a esta música donde cada integrante recibe el mensaje

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exclusivo para el instrumento que ejecuta y al juntarse todos, son sorprendidos al ver que las recetas han cobrado vida ante los músicos. «La música de Timothy Brownie está en constante evolución, a nosotros nos van llegando las recetas y partituras inconclusas del Maestro y nosotros las reinterpretamos y ejecutamos como las vamos entendiendo. Es cuando estamos todos juntos que las cosas fluyen por nuestros dedos y las nuevas recetas aparecen, como por arte de magia». El punto más fuerte de esta propuesta radica en sus presentaciones en vivo. «Por suerte, los últimos conciertos han sido los mejores, la banda está creciendo y estamos avanzando junto con nuestro público, hemos disfrutado mucho los conciertos grandes con Friendly Fires, Royksöpp, Hot Chip, fueron bellas experiencias donde nos enfrentamos a un público que en su mayoría no es el nuestro, pero que respondió de manera increíble. Es genial sentir la entrega de la gente, la fraternidad que se logra luego de la ingesta de los brownies. También allí se generan experiencias mágicas», nos compartieron. Timothy Brownie y sus alumnos han estado dos veces en un estudio grabando un disco: «La primera fue en un estudio de lujo, llegamos ahí bajo la producción de Benjamín Schwartz (Klezmerson), fue divertido, había muy buena onda, pero el proceso fue un poco largo y tedioso. Todos grabamos por separado, no sólo en distintas salas sino en distintos días y semanas, incluso meses; sin embargo el resultado nos dejó muy contentos», recuerdan los chicos. Ya con esta experiencia, la segunda vez que entraron al estudio lo hicieron de otra manera: «En un día grabamos las cuatro canciones que componen el nuevo material, todos tocando al mismo tiempo. Estábamos tan bien ensayados que no hicieron falta más tomas. El sonido es un poco más crudo, electrónico pero a la vez mucho más orgánico».

Para los shows en vivo, la banda planea setlists distintos o menús que se adaptan a los conciertos, según el lugar y el tiempo que tienen para tocar. En ocasiones se preparan versiones especiales –o recetas– que sólo serán ejecutadas en una única presentación. «Nos gusta que cada show sea distinto, sorprender y sorprendernos en cada escenario». Timothy Brownie es una banda rodeada de magia y para hacerle justicia a este principio se dejan llevar por el destino. «Queremos seguir haciendo canciones, eventualmente incorporar más instrumentos, inclusive voces que se acoplen a la banda como un instrumento más». El grupo es viajero y desea llevar las recetas a todos los rincones donde sea posible para seguir incorporando y enriqueciendo su música. De esta manera Timothy Brownie es mucho más que los músicos que lo interpretan: es un concepto vivencial-artístico».

EL MAESTRO TIMOTHY BROWNIE Su misión es que la gente se acerque a los rituales y viva una experiencia diferente; que no se trate de ir solo a un concierto sino que baile, participe y sepa que en los shows será sorprendido, además de que siempre escuchará buena música y tendrá una buena experiencia. La idea final es que vuelvas a casa más pleno que cuando saliste. Los brownies que reparten en el punto clímax de los conciertos son preparados por él mismo. Tiene un par de ayudantes enanos, elfos y gigantes, que le hacen la talacha pesada, pero la receta es secreta y fue concebida por una mente brillante. ¿Que si son mágicos? ¿Crees que los elfos y los enanos gastarían su precioso tiempo en preparar algo, que por lo menos no te haga volar?

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AUSTIN TV RENOVACIÓN DESDE LA INDEPENDENCIA

Texto / Armando Monzón Fotografía / Mario Hernández y Michelle Burgos Asistentes fotografía / Luba y Omar

DESPUÉS DE ABRIR UNA BRECHA CERTERA HACIA LA ACEPTACIÓN Y ENCUMBRAMIENTO DEL POST ROCK NACIONAL, DE TRABAJAR EN EXPERIMENTOS SONOROS DIFERENTES A LO QUE SE HABÍA ESCUCHADO Y DE REVOLUCIONAR LA ESTÉTICA DE UNA BANDA ENCIMA DEL ESCENARIO, ¿A QUIÉN LE INTERESA SABER LA IDENTIDAD DE ESTOS 5, CUANDO SUS APORTACIONES HAN MARCADO LA ESCENA INDEPENDIENTE MEXICANA? LOS INTEGRANTES DE AUSTIN TV ABANDONARON SU REALIDAD ONÍRICA PARA SENTARSE CON INDIE ROCKS! Y PLATICAR SOBRE EL AVATAR MUSICAL QUE EMPRENDIERON DURANTE ESTA DÉCADA…

Debajo de las máscaras y atuendos que esconden el rostro de cada integrante de Austin Tv, no se percibe un rockstar barato que presuma haber creado, amalgamado o, de menos, abierto la puerta a un estilo musical desconocido para México, aun cuando ellos sean los precursores y culpables de que el post rock retumbara en los sótanos y azoteas más recónditos de este país durante los últimos años. Los rostros de Fando, Rata, Chío San, Xnayer y Totore más bien presumen una notable inquietud por seguir metidos en el laboratorio sonoro que han creado.

Aún tratan de caminar en los zapatos del público y, en la búsqueda de fortalecer esos lazos de comprensión auditiva, prefieren seguir ocultando su identidad y dejar que la música hable por sí misma. Durante estos 10 años de trayectoria, Austin Tv ha editado 3 álbumes de estudio (La última noche del mundo, Fontana Bella y Caballeros del albedrío) y ha conseguido, sin quererlo, imponer tendencias estéticas a partir de su propia parafernalia.

LA ÚLTIMA NOCHE DEL VERSO-CORO-VERSO LA ÚLTIMA NOCHE DEL VERSO-CORO-VERSO

El quinteto capitalino es un parte aguas dentro de la escena independiente porque prepararon el terreno para la escucha y aceptación del post rock. Desempeñaron esta titánica tarea no sólo desde el estudio de grabación sino también a partir de una callada y sacrificada labor de promoción: «Cuando trajimos a Tristeza (2005) invertimos dinero… y lo perdimos. Mogwai (2006) y Yo La Tengo (2004) nos invitaron a tocar la primera vez que visitaron México».

A mí me sorprendió su calidad humana, inclusive muy por encima de muchas bandas mexicanas que tienen un nivel muy elevado de rockstarismo. Fue increíble cuando tocamos con Mogwai porque nos estuvieron viendo; cuando terminamos, nos felicitaron y nos pidieron que les prestáramos nuestras colitas de conejo y así tocaron”, relata Fando. «Es bien padre encontrar bandas como Mogwai o Yo La Tengo porque tienen humildad y no se creen superiores a otras bandas sólo por haberse ganado un respeto mundial por la gran música que han hecho», afirma Rata. «Ahora la gente está más abierta a la música sin letras», arguye Xnayer y Fando remata: «Cuando empezábamos a tocar nadie pelaba ni entendía la música instrumental, hemos sido necios y quizá eso ha influido a que haya más apertura por el post rock».

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cuentos de hadas electrificadas CUENTOS DE HADAS ELECTRIFICADAS

La filosofía de Austin Tv siempre se ha basado en una constante renovación no solamente musical, sino también estética. El quinteto es pionero en subir al escenario ataviado de disfraces y tratar de simular una realidad que se vuelve verosímil con los sonidos de sus instrumentos. El origen de su peculiar estética radica en la modestia, humildad y creatividad que pretendían transmitir al público desde el inicio: «Siempre quisimos ser una banda distinta. Nos preguntábamos por qué algunas bandas, después de verlas 5 veces, seguían haciendo lo mismo, pensábamos que eso demostraba que no les importaba la gente, sobre todo cuando nos acercábamos y nos decían ¡ah sí!, pero habla con mi manager, y nosotros nos preguntábamos ¿Cuál manager si estamos en el Alicia?.

Así que queríamos cambiar todo eso. Pensamos que era bueno disfrazarnos para dar un show distinto, que el público se divirtiera y que no pasáramos por una banda de fondo. Después quisimos que todo tuviera un concepto, que el público se sumergiera en otro mundo, como si entrara en un sueño donde viera a unos tipos con disfraces raros y escuchara música que no es la de siempre, queríamos crear un mundo alterno que te permitiera escapar de la realidad cotidiana», explica Xnayer. Y si Austin Tv ha revolucionado la música independiente con agradecida necedad ha hecho que el público mexicano acepte el rock instrumental en su vertiente post rock, es evidente que no importa lo que hay detrás de sus máscaras, sino lo que son capaces de ejecutar detrás de los instrumentos. «Lo que importa es la música, no cómo se ve el que la está ejecutando, y eso es lo que quiere mostrar Austin. Imagínate alguien que no puede ver, que va al concierto y que sólo puede escuchar la música, va a imaginar un hombre árbol porque nuestros sonidos lo remitirán a un bosque, entonces pensamos que lo que importa es a dónde te remite la música». En el caso de Caballeros del albedrío (última placa del grupo) nos remite a un ejército que quiere invocar a las personas a que hagan cosas positivas pero con una estética más surrealista. «Lo interesante es que esto nunca fue así, es decir, nunca planeamos disfrazarnos de forma distinta en cada disco, sino que nos disfrazábamos diferente para cada tocada y eran disfraces dispares que no tenían nada que ver. Poco a poco fuimos haciendo que todo girara en torno a la misma idea», recuerdan Fando y Rata. Los disfraces de Austin Tv han marcado pequeñas tendencias entre el público: calaveras, pasamontañas estilo verdugo y los clásicos atuendos de conejito han sido adoptados por sus seguidores. Con Caballeros del albedrío, el quinteto ha utilizado una máscara con varios leds que, encendidos, destellan una gran cantidad de luz sobre el escenario. Fando agradece y valora que sus seguidores consigan sus disfraces: «Lo que vale más que cualquier otra cosa para nosotros es que nuestro público de repente se ponga el disfraz que lucimos en una tocada anterior. Pensamos ¡qué chido que trascendió esta idea y que no se quedó aquí!».

el ejército emancipador EL EJÉRCITO EMANCIPADOR

Caballeros del albedrío, estrenado en julio de 2011, se cocinó a fuego lento durante 2 años, en un rinconcito de Avándaro: «Fue un reto muy distinto conceptual y musicalmente. No sabíamos cómo hacer para que este álbum fuera diferente a Fontana Bella, álbum que fue bien recibido y nos gustó mucho a nivel personal», comenta Fando. Dividido en dos partes, Caballeros del albedrío se antoja directo y conciso, pero esconde complejas hechuras: «Después de 6 meses de no vernos y hacer otras cosas, nos reunimos y todos traíamos ideas bien diferentes, tanto de gustos musicales como de libros que habíamos leído y películas que habíamos visto (véanse dichas referencias en su web). Entonces cada uno hizo un disco con canciones que estábamos escuchando en ese momento y nos lo regalamos mutuamente para saber que estaba escuchando cada quién. Con la mezcla de todo esto empezamos a componer, pero con la base que decidimos desde el principio: los números y el cine». Chío San continúa y puntualiza: «El proceso empezaba en la noche, veíamos una película y de allí elegíamos el nombre de la canción, que era lo primero que teníamos a la hora de componer, y a partir de este nombre hacíamos el mapa rítmico a seguir. Luego le asignábamos un número (tomado del celular) a cada canción». Fando recuerda con emoción el momento de la película: «Después de hacer canciones que no tenían que ver una con la otra, todos esperábamos el momento de ver la película porque era nuestro momento de relajación, del cual se desprendieron los conceptos y los nombres de las canciones. Al inicio de la composición del disco todos queríamos hacer algo diferente y los ensayos eran momentos de discusión, donde poníamos sobre la mesa lo que todos pensábamos», cuenta Fando y complementa Chío: «Fue bien complejo y nos desesperamos pero si no lo hubiéramos hecho de esta forma, no hubiera dado resultado». Austin Tv trató de concebir un disco que no fuera opacado por el éxito de Fontana Bella: «Nos preocupamos mucho por darle un concepto, como lo hicimos con dicho disco, que tenía un librillo y toda una historia detrás. Queríamos compensar esto pero no con otra historia sino con más música», explica Xnayer.

Caballeros del albedrío es ecléctico y representó un reto para la banda: «Hay un parte que empieza con son jarocho, luego suena como banda de rock normal, después acústico y luego hay un momento donde todos tocamos los sintetizadores. Nos metimos en instrumentos que jamás habíamos tocado y en automático salieron las cosas», manifiesta Rata emocionado.

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Indie Rocks! número 51

“Todo el tiempo hemos querido tener la libertad de hacer lo que queremos artísticamente.”

se hacen y rehacen así mismos SE HACEN Y REHACEN ASÍ MISMOS

En los últimos años, muchas bandas que se iniciaron en la independencia y que alcanzaron un vertiginoso y rápido ascenso, firmaron contrato para editar sus posteriores álbumes con una disquera trasnacional. A pesar del éxito de Fontana Bella, Austin Tv decidió permanecer en la escena que lo vio nacer: «Todo el tiempo hemos querido tener la libertad de hacer lo que queremos artísticamente. Siempre hemos buscando gente que nos apoye pero que nos dé la libertad de hacer las cosas y afortunadamente la hemos encontrado», celebra Fando. Austin Tv se declara netamente independiente; Rata explica: «Siempre hacemos todo nosotros, las giras, el booking, el management; llegó un momento en el que era bien difícil ensayar y ocuparnos de todo esto, de ser músicos y managers al mismo tiempo. Por eso empezamos a buscar gente que lo hiciera, pero al principio no nos ubicábamos porque no entendían que para nosotros era más importante ensayar que hacer una entrevista, preocuparnos porque no se nos vieran las caras que ir a tocar a Otro Rollo, por ejemplo». Fando asegura que una trasnacional no hubiera accedido a editar Caballeros del albedrío y que Fontana Bella hubiera tenido aún menos posibilidades porque implicó un elaborado trabajo que se materializó no sólo con el disco sino también con el librillo anexo.

En 2008 el grupo arrasó en la entrega de los controversiales premios Indie O; Chío San bromea al respecto: «Éramos la única banda», afirma entre risas y Rata complementa: «Nos daba pena que nos nominaran. No soy muy fan de los concursos». Por su parte, Fando declara: «Pero se siente padre que la gente haya reconocido nuestro trabajo. Creo que no tiene sentido cambiarnos de bando (a las trasnacionales) porque lo que queremos hacer como banda no tiene nada que ver con el mainstream. Si hubiéramos planeado Caballeros del albedrío para el gusto masivo hubiera sido un gran error».

transmisiones 10 años, en el ex- y lo que tranjero falta V

TRANSMISIONES EN EL EXTRANJERO

Austin Tv es una banda que ha tenido buena aceptación fuera de México. Del otro lado del charco no tienen empacho en reconocerla como referente del post rock nacional y Latinoamérica la recibió con los brazos abiertos cuando emprendieron la gira de promoción del Fontana Bella. Para Fando es prioridad Latinoamérica que cualquier otra latitud: «Antes pensábamos en hacer una gira en el gabacho pero después nos dimos cuenta que era más difícil hacer algo allá arriba porque ellos tienen tantas bandas y tanta música que es bien complicado conseguir un lugar, por eso ahora vemos mucho más hacia abajo». Xnayer muestra recuerdos entrañables de aquellos lares: «Colombia se ha convertido en un lugar bien chido donde nos gustaría pasar una larga temporada. Pensamos que se quedó algo de nosotros allá. También estuvo increíble la gira por Centroamérica porque era gente que no estaba buscando hacerse rica con la tocada sino que realmente apreciaba la música». La meta de la banda para el próximo año es emprender una gira formal por Europa. De hecho, España podría ser la puerta de entrada de Austin Tv al viejo continente ya que el 17 de octubre salió a la venta Caballeros del Albedrío en aquel país. Este acontecimiento representa la primera vez que se edita un disco del grupo fuera de México. Dicho trabajo fue posible gracias a la labor de Origami Records.

10 AÑOS… Y LO QUE FALTA

Los integrantes de Austin Tv aceptan que la algarabía de su última producción, opacó una posible celebración de su décimo aniversario de formación, de manera que se diagnostica una fiesta retardada: «Vamos a festejar nuestro décimo aniversario como quien festeja sus 15 años cuando cumple 18», bromea Chío y sigue, «estamos planeando algo bien hecho y seguramente vamos a festejar en 2012. Nos gustaría hacer un DVD en vivo», menciona Rata. Diez años sin el típico verso-coro-verso de la música popular no son fáciles de contar; el futuro de Austin Tv depende de su capacidad de sostener el mismo discurso del principio: una constante renovación desde la independ e

i a

Texto /

Francisco Pérez “Frasko” @Fraskote

Fotos /

Cortesía ACL y Francisco Pérez

Origen /

Austin, Texas, EUA

10 AÑOS DE VIDA Y TODO LO QUE FALTA EL FESTIVAL AUSTIN CITY LIMITS CUMPLIÓ 10 AÑOS DE VIDA Y LA CIUDAD TEXANA CONOCIDA COMO LA CAPITAL MUNDIAL DE LA MÚSICA EN VIVO SE VISTIÓ DE MANTELES LARGOS PARA RECIBIR A UN PÚBLICO PROVENIENTE DE DIVERSAS PARTES DEL MUNDO QUE, DURANTE TRES DÍAS, DISFRUTÓ DE PRESENTACIONES MUY VARIADAS. EN ESE FIN DE SEMANA, EL IDIOMA OFICIAL ENTRE LA GENTE FUE LA MÚSICA.

ilker Park, casa oficial del festival, se encuentra ubicado muy cerca de la autopista número 35, entrando a San Antonio. Desde muy tempranas horas del día viernes, las calles que conducían hacia el parque se llenaron de gente: público en su mayoría, y en otros casos en representación de un medio nacional o internacional, como es el caso de Indie Rocks! Los típicos puestos con gorras, playeras, bebidas refrescantes, discos, estampitas y más, fueron parte del recorrido sobre Barton Springs Road, calle que nos condujo al Zilker Park. Durante los tres días que dura el festival, una guitarra enorme, muy parecida al logotipo de cierta cadena de restaurantes con parafernalia rock, fue el símbolo de bienvenida.

Web/

aclfestival.com

Indie Rocks! número 51

Ya en el interior del parque, ocho escenarios albergaron a 130 bandas en tres días de pura buena vibra. Por momentos, las nubes desafiaban los pronósticos del clima que días antes habíamos consultado. La lluvia fue la invitada incómoda: iba y venía, como si se divirtiera con las carreras que dábamos para resguardarnos de sus caprichos. La moda de los impermeables se hizo presente e incluso, las cámaras modelaban trajes plásticos improvisados para proteger los lentes. Mucha gente ni se inmutaba por los ligeros chubascos y mejor optaba por quitarse la poca ropa que portaba. También adentro del parque se instaló una especie de tianguis, con puestos que incluían sombreros, ropa, las tradicionales tazas y souvenirs, así como una que otra pieza de arte. Por momentos, parecía que caminábamos en una especie de mercado del Chopo o Lomas Verdes. Ahí encontramos puestos de comida y bebidas al por mayor, suficientes para saciar el hambre de 75,000 personas que, de acuerdo al conteo oficial, asistieron cada día. Un total de 225,000 boletos vendidos. Por si fuera poco, también pudimos encontrar una tienda de discos en pleno parque, además del ya tradicional Rock And Recycle: programa que consistió en proporcionar una bolsa de basura a quien

quisiera participar―, para que la misma gente asistente se encargará de recolectar envases reciclables, ya sea de lata o de cartón, con la finalidad de que cuando las llenaran, recibieran una playera de recompensa. El primer día, Brandi Carlile se llevó las palmas cuando interpretó Folsom Prision Blues de Johnny Cash durante su presentación en el AMD Stage donde el público reaccionó con gritos y aplausos. Sin duda alguna, una de las presentaciones más esperadas fue la de James Blake, músico británico nominado recientemente al Mercury Prize. El audio fue potente cuando los acordes de Limit To Your Love, canción original de la cantante Feist, sonaron en el escenario Honda. Foster The People, por su parte en el escenario Google +, se encargó de poner a bailar al público al ritmo de Pumped Up Kicks. Ya para cerrar el primer episodio, Kanye West se adueñó del escenario principal. Power fue una de las canciones más coreadas por las más de 40,000 personas que presenciaron su show, algunos con la falsa esperanza de que Jay-Z se hiciera presente. El segundo día se puede resumir en algunas brillantes presentaciones. Por ejemplo, la de Young The Giant que levantó los áni-

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mos cuando fue su turno. Simplemente poseyó el espíritu de miles de jóvenes que cantaron a todo pulmón My Body. Cut Copy y Skrillex hicieron lo propio en sus respectivos turnos, pero sin duda, el segundo se encargó de provocar uno de los mejores momentos de todo el festival. La noche de Stevie Wonder comenzó pasadas las 8 de la noche. Justo antes de que el mítico personaje se plantara en el escenario, un sector del público exclamaba: «¡Stevie!» Y otro respondía: «¡Wonder!» Un vaivén de gritos, como si la voz fuera una pelota de ping-pong. El tercer día ya con los estragos de dos días de

estar corriendo de un lado a otro, el ambiente no se afectó y por el contrario, las expectativas del público por presenciar a Arcade Fire eran muchas. El regreso de Death From Above 1979, la fuerza de Social Distortion, el poder de Manu Chao en tierra ajena, así como la intervención de Bomba Estereo, Chiddy Bang, Broken Social Scene y Elbow, se llevaron los highlights de la tarde noche del último día de actividades. Un festival completo que poco a poco ha ganado respeto y reconocimiento internacional, y ante todo ofrece diversión para todo segmento de público. Desde Country hasta Punk. Así es Austin.

Texto /

Armando Monzón

Fotos /

Cortesía ZdeO

Origen /

Zaragoza, España

ZONA DE OBRAS

(Re)construyendo los sonidos de Latinoamérica en España

Espiritualmente sádica fue la invasión española a Latinoamérica hace más de 500 años; hoy, una de las revistas más reputadas de la península ibérica pretende colonizar el underground informativo del aquel país con las manifestaciones musicales y culturales más vanguardistas y originales que se dan en todo México y el cono sur. El autor intelectual de la revista española Zona de Obras, Rubén Scaramuzzino, comparte con Indie Rocks! el secreto de la independencia. A 16 años de su debut como fanzine, Zona de Obras se ha convertido en una verdadera referencia cultural, medio de comunicación musical entre los bienaventurados mares de la independencia informativa. Y aunque el sueño parece haberse convertido en negocio, con más déficits que superávits, el editor Scaramuzzino asegura que el espíritu, la pasión y las ganas de ZdeO está intacto. La esencia de la revista es Latinoamérica: «Soy un apasionado de la cultura latinoamericana. Creo que el futuro pasa por allí y que culturalmente es una región impresionante. ZdeO nació con la idea de poder ayudar a difundir las distintas manifestaciones culturales que nos gustan de América Latina y también poder crear un puente de intercambio cultural entre España y América». En la actualidad, ZdeO es una amalgama multimedia donde confluyen una reputada revista, una coordinación de eventos culturales, un departamento de diseño gráfico y web, una editorial que publica libros dedicados a la música y la cultura iberoamericana, una tienda virtual y lo que venga. LECTURAS DE LA ZONA Sobra decir que el formato y la información de ZdeO, la revista, son atractivos y apabullantes: de periodicidad trimestral, bien encuadernada, impresa en papel satinado, siempre con la oferta de un CD para ilustrar los sonidos que presume en sus interiores. Hojear ZdeO significa pasear por decenas de reseñas de discos y entrevistas, encajonarse en artículos de opinión y reportajes ambiciosos, con paradas en páginas de cine, literatura, cómics, video-

juegos y cualquier cantidad de manifestaciones visuales. Cada número incluye una colosal radiografía (dossier) cultural y musical de una ciudad o país del continente. Las columnas de sonidos que pretende difundir se cimentan sobre una base rock, cuyos epicentros pueden estar en las grandes ciudades de Latinoamérica o en sus olvidadas provincias. Este edificio informativo no se deja reforzar por el pop latino mainstream, y sí por el resonar de «la cultura latina alternativa, vanguardista, moderna y que escapa de tópicos». SORTEANDO OBSTÁCULOS Los medios independientes, más que ninguna otra empresa, tienen que multiplicarse para poder sortear los obstáculos que les impone la economía. Así lo ha entendido ZdeO: «Las dificultades son las de siempre:

Web/

zonadeobras.com

Indie Rocks! número 51

económicas, ya que en parte financiamos la publicación con otros trabajos que se realizan en la empresa (diseño gráfico, diseño web, creación de eventos y gestión cultural). Al ser una publicación independiente nos cuesta mucho que las campañas de marcas importantes nos tengan en cuenta… Y también problemas de logística, la lucha permanente con la distribuidora para que haga bien su trabajo… La verdad es que las dificultades son varias…», explica Scaramuzzino. Pero si su Zona continúa en construcción es porque han encontrado la fórmula perfecta entre medio independiente y empresa: la libertad creativa y artística de la revista les ha permitido forjarse un sólido prestigio, mismo que ha servido para que distintas organizaciones se fijen en los otros departamentos de ZdeO, sabedores de su calidad.

• 51 es el número de la edición en la que se adoptó el formato actual • 16 años lleva ZdeO en construcción • 4 formatos distintos ha manejado ZdeO • 1 el número debut de ZdeO, con el que el editor «aprendió esto de hacer una revista»

ROMPER PARADIGMAS Y si se pensaba que España era un referente iberoamericano en cuanto a la generación y gestión cultural, tomando en cuenta los múltiples y penosos atrasos que vivimos en México y Latinoamérica, Scaramuzzino es contundente: «España no es ninguna meca para la cultura iberoamericana. Debería ser el lugar de encuentro y difusión pero todo se queda en intenciones. Hay muchos tópicos y estereotipos… Y mucho desconocimiento y falta de interés». El editor asegura que realmente se conoce poco de Latinoamérica en España, a pesar de la unión que dan los lazos del lenguaje: «Mucha culpa tal vez la tengan los grandes medios que cuando hablan de América Latina lo hacen para centrarse en la corrupción o en la pobreza… Y si hablan de música, es para enfocarse en Shakira o Ricky Martin… Salvo casos puntuales como Calamaro, Julieta Venegas, escritores consagrados o gente del cine como Ricardo Darín, se sabe demasiado poco de la cultura latinoamericana». De ahí que Scaramuzzino se fije una tarea muy clara: seguir aportando algo para combatir ese desconocimiento de Latinoamérica, «Construir un puente cultural de ida y vuelta permanente» entre ambos polos del Atlántico.

DRESS & ROLL

Cooridinación de Moda Lorena Clemente Asistente de Producción Nicolás Valenti Fotografía Gabriela Goldman gabrielagoldman.com

Estilista y Maquillista Gabriela VargasGómez Desobediente Estudio facebook.com/desobedienteestudio Modelos Mónica Felgueres y Gonzalo García Agradecimientos especiales a Role Models Management por las facilidades otorgadas a la producción / rolemm.com

Indie Rocks! número 51

camisa / Dockers pantalón / Mecánico Jeans

sudadera y pantal贸n / Mec谩nico Jeans botines / Capa de Ozono

Indie Rocks! número 51

camisa / Dockers playera / Mecánico Jeans pantalón: Levi’s botines / Capa de Ozono

HOMBRE pantalón / Levi’s playera y accesorio / Mecánico Jeans MUJER vestido / Mecánico Jeans botas / Capa de Ozono

Indie Rocks! nĂşmero 51

Texto /

Amanda Tovalin @A_mandarina

Fotos /

CortesĂa de la banda

Origen /

Londres, Inglaterra

Web/

manraze.com

Indie Rocks! número 51

MAN RAZE HACE SIETE AÑOS DOS AMIGOS SE ENCONTRARON POR CASUALIDAD DESPUÉS DE NO HABERSE VISTO EN MUCHOS TIEMPO. UNO LE DIJO AL OTRO «¡HAGAMOS UNA BANDA DE ROCK!» Y EL OTRO CONTESTÓ SOLAMENTE SÍ. LA MAGIA DE ESTA PEQUEÑA HISTORIA RADICA EN LOS PERSONAJES: EL PRIMERO ERA EL GUITARRISTA PRINCIPAL DE LA LEGENDARIA BANDA DEF LEPPARD, EL SEGUNDO, UN ORGULLOSO MIEMBRO DE LOS SEX PISTOLS.

os géneros musicales son cada vez más y más extremos. Es posible que un día de estos nos encontremos oyendo mariachi gótico o un bolero electrónico y su mezcla de sonidos nos acabe conquistando. Las delgadas líneas que dividen a cada corriente se disuelven cuando, tanto músicos como espectadores, se dan cuenta de que a la hora de crear sonidos lo que importa es la inspiración y la libertad de expresión. Esta es la premisa de Man Raze, banda creada por los gigantes del rock & roll, Phill Collen, guitarrista icónico de Def Leppard; Paul Cook, baterista de los Sex Pistols; y Simon Laffy, bajista de la banda de glam rock, Girl, de quienes jamás esperaríamos escuchar una canción de reggae y sin embargo, con la llegada de su nuevo disco punk/funk/roots/rock podemos hacerlo. La época de los setenta es recordada por varios como una era de liberación física, mental y espiritual. Para los chicos de Man Raze fue una década importante que ayudó a consolidar a sus integrantes dentro del siempre creciente universo del rock. Fue ahí donde los británicos Sex Pistols, gritaron a los cuatro vientos que la reina de Inglaterra no era un ser humano (God Save the Queen) y que la corona inglesa no valía tanto como les habían hecho creer a los británicos. Fue también ahí donde Def Leppard ganó tanta popularidad que fue considerado como un estandarte

del movimiento New Wave Of British Heavy Metal, lugar que después ocuparía Iron Maiden. Si bien todas las épocas traen consigo algo de cambio social, de acuerdo a Phil y Paul, ya no es lo mismo cuando todo gira alrededor de la comercialización: «La idea de ser un músico es totalmente diferente hoy en día. Nosotros tuvimos mucha suerte de estar en un contexto de cambio que nos inspiró. Actualmente, la gente es inspirada por decisiones de negocios, hasta la inspiración forma parte del mercado. Antes eran decisiones artísticas», comenta Phil. Por su lado, Paul aclara a manera de broma: «La gente solía estar muy loca en los 70. Ahora hay muchas restricciones, hay mucha seguridad, la gente está demasiado preocupada por no lastimarse. Hay muchas bandas nuevas que están preocupadas por sus carreras y juegan muy seguro. Les importa más lo que piense la gente que el mensaje que les están enviando». Lo cierto es que el mensaje que ellos han enviado al mundo sigue vigente para varios. No hay muchas agrupaciones que puedan comparárseles ya sea en calidad como en actitud con la audiencia. En las calles, es normal ver a chicos portando con orgullo la camiseta de Def Leppard o la de los Sex Pistols aunque, en los años en que estos monstruos del rock llegaban a

la cima, no tenían la edad suficiente para asistir a los eventos, o en su defecto, ni siquiera habían nacido. «Sentir que hemos inspirado a generaciones más jóvenes se siente realmente bien. Para todos en Man Raze el haber tenido la suerte de vivir expresándonos a través de la música e inspirar a otros es lo mejor. Si además, te pagan por hacerlo, es genial pero el hecho de empezar a hacerlo por nada significó mucho para nosotros», comenta Phil. «Si siguen queriendo oírnos entonces significa que hicimos algo bien», agrega Paul, «La gente sólo es gente y lo que importa es el mensaje de que si realmente tienes ganas de hacer algo, entonces simplemente hazlo». EL NACIMIENTO DE UNA NUEVA RAZA HUMANA Proviniendo de bandas tan exitosas y que siguen vigentes hasta nuestros días, como Def Leppard quienes tocaron en nuestras tierras recientemente y todavía esperan muchas giras en el futuro, ¿por qué crear una agrupación nueva?«¿Por qué Man Raze? Porque todavía tenemos mucho que dar de nosotros mismos», dice Phil. «Aunque venimos de otras bandas, había muchas cosas que necesitábamos expresar y soltar. Con Man Raze podemos tocar punk, reggae o hard rock sin ninguna restricción. Me recuerda a Jimmy Hendrix o The Beatles quienes podían expresar lo

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«LA GENTE SOLÍA ESTAR MUY LOCA EN LOS 70. AHORA HAY MUCHAS RESTRICCIONES, HAY MUCHA SEGURIDAD, LA GENTE ESTÁ DEMASIADO PREOCUPADA POR NO LASTIMARSE».

que querían sin ningún tipo de atadura», agrega Phil, quien a lo largo de su vida ha participado en varios proyectos además de Deff Leppard, como Girl, agrupación de glam metal donde conoció a Simon Laffy, actual bajista de Man Raze y quien le da a su música un toque de funk bastante peculiar. Así, la idea era crear una banda original, un espacio de distracción de las políticas generadas a partir de agrupaciones ya establecidas y que les diera la oportunidad de generar nuevos sonidos a partir de grupos que los inspiraron como The Police o Nirvana.

DE LOS VETERANOS DEL PUNK AL DÍA DE HOY AL FINAL, DE LAS IDEAS ORIGINALES DEL PUNK NO QUEDAN MUCHAS EN LA MÚSICA. YA NO SON LOS CHICOS QUE SALÍAN SEMIDESNUDOS AL ESCENARIO A DAR NO SÓLO UN BUEN SHOW SINO UNA FERVIENTE CRÍTICA AL SISTEMA. SÍ EXISTE LA REFLEXIÓN A LA PROBLEMÁTICA SOCIAL PERO, COMO DICE PAUL «HAY QUE PRESTAR MÁS ATENCIÓN», EN EL PUNK LA CRÍTICA ES MÁS OBVIA, AQUÍ HAY QUE SABER ESCUCHAR: «EL ROCK AND ROLL NO ES AMOR, PAZ Y ARMONÍA. LA LUCHA SOCIAL SIGUE AHÍ SOLO QUE HAY QUE ESCUCHAR MÁS ATENTAMENTE», AFIRMA.

«Él (Phil) me tenía en mente ya que nuestros caminos se habían cruzado antes en varios lugares. Un día nos encontramos y me preguntó qué pensaba sobre hacer un proyecto juntos. Al principio sospeché un poco porque Def Leppard es genial pero, siendo sinceros, no está dentro de mis preferencias musicales. Después, escuché la música que estaba componiendo y era más ecléctica, energética, un estilo muy diferente. Así empezamos a trabajar juntos cada que el tiempo nos lo permitía y de ahí evolucionó Man Raze», recuerda Paul quien alterna como baterista en varios proyectos musicales como la banda inglesa Orange Juice en donde comparte escenario con Edwyn Collins. Jugar con los sonidos es divertido, más si tienes aproximadamente 30 años de experiencia en el ámbito musical, una fortuna acumulada durante tus años de fama y una esposa que te adora y te apoya en tu trabajo. Este es el caso de Phil, sin duda, un afortunado hombre:«Lo que es realmente interesante es que si todo en tu vida está en un lugar bueno, las cosas salen por sí solas. Mi esposa trabaja en la gira con nosotros; también viene mi hija. No deberías partirte en dos entre familia y trabajo. Creo que cuando la gente separa sus intereses los problemas comienzan a aparecer». Fue su esposa, Helen, quien dio nombre al álbum. Cuando le preguntaron a qué sonaba la banda de su esposo ella no

supo qué contestar y dijo: «Suena a funk con rock, un poco de punk…». Los demás pensaron que describía su música excelsamente. Al respecto Paul, por su parte tiene gratos recuerdos de nuestro país ya que se casó en la hermosa ciudad de Taxco en Guerrero. Así, el baterista que además es aficionado del Chelsea y juega futbol en sus ratos libres, nos recuerda con mucha emoción:«Me casé en Taxco, es hermoso. De México no sé mucho pero sí sé que hay muchos futbolistas mexicanos jugando en Inglaterra como Chicharito» [risas] dice con un maravilloso acento inglés que acentúa todas las consonantes del apodo del futbolista mexicano. El disco de Man Raze titulado punk/funk/roots/rock fue grabado tan sólo en dos semanas lo que demuestra una gran experiencia por parte de los músicos. Hasta ahora, la crítica los ha alabado. Incluso, han tenido la oportunidad de ser teloneros de grandes de la música como Alice Cooper en su gira durante el año 2009. En un principio todo era raro, Surreal palabra que da el título a su primer álbum– ya que nadie se imaginaria a dos grandes de la música pesada componiendo obras de funk pero la realidad es otra y suena a un híbrido bastante especial. «La vibra era tan eléctrica y espontánea que todo lo que hicimos se sintió muy bien y no necesitamos gastar más tiempo en ello. La idea final surgió un día en que intentábamos crear el primer sencillo del disco y comenzó a sonar como una mezcla entre los Sex Pistols y los Rolling Stones», dice Phil orgulloso. «Al principio, fue difícil encontrar nuestro camino ya que estábamos acostumbrados a otras cosas pero una vez en el estudio decidimos hacer todo simple y sencillo. Fue ahí donde todo hizo click», completa Paul. «Además, por el título de la banda (Man Raze) siempre nos confunden con el fotógrafo surrealista Man Ray así que pensamos que sería buena idea ponerle así al disco» agrega entre risas.

O N R O T SIN RE REFRESCANDO EL CINE MEXICANO Texto / Mariana Rosas Fomperosa

Cada decisión que tomamos, no importa si es beber agua en vez de refresco, la carrera que elegimos o decidir salir hoy en la noche y beber hasta perder la consciencia, todo influye positiva o negativamente en nuestra vida. Sin embargo casi siempre puedes optar por beber más agua que refresco pero tener los dos, hacer doble titulación o designar a alguien como el conductor que nos regrese sanos y salvos. No importa qué, siempre podemos hacer algo para revertir o mejorar las consecuencias. Pero qué sucedería si no puedes hacer nada más que escoger entre dos opciones: todo o nada.

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es que para Guillermo Iván, actor, director y guionista de la nueva película mexicana Sin Retorno, esto es la médula espinal de su ópera prima: «Exploramos el comportamiento humano, bajo circunstancias límites muy específicas, en las que cada decisión tomada implica perder o tener todo.

Guillermo Iván y Erik Hayser, productor, coprotagonista y también guionista de la cinta, resumen a Sin Retorno como una suma de las experiencias tanto personales como de gente que conocieron mientras viajaban por distintos países, de modo que se logra una historia humana y entendible en cualquier parte del mundo. Todo comienza cuando un par de amigos, Mau y Chespi, son testigos de un intercambio de mercancía (no se sabe si es piratería, artículos ilegales o incluso droga) en la frontera norte de nuestro país y el cual resulta fallido tras una llamada que los pone en alerta sobre una posible traición por parte del grupo contrario. Minutos después, ante ellos se encuentran varios cuerpos abatidos por las balas y bastantes cientos de miles de dólares. A partir de este punto, se desencadena una serie de hechos que los hará reflexionar y enfrentar decisiones que les cambiará la vida. Tal y como lo mencionan el director de la cinta: «El foco de la historia está en los personajes y en el efecto mariposa que tiene cada una de sus acciones». A ellos se les une Soledad, una bailarina exótica que trabaja precisamente en el table propiedad del líder de uno de los grupos delictivos involucrados anteriormente, e interpretada por Rossana Nájera. Soledad es una colombiana que dejó su país en busca de oportunidades que le permitan darle una vida mejor a su hijo –quien aún vive en Colombia- y amante del comandante de policía.

«EXPLORAMOS EL COMPORTAMIENTO HUMANO, BAJO CIRCUNSTANCIAS LÍMITES MUY ESPECÍFICAS

La actriz mexicana califica a este personaje como uno de los retos más difíciles y a la vez gratificantes que ha tenido a lo largo de su carrera: «Nunca había tenido la oportunidad de entregarle tanto tiempo a un personaje, le entregue tiempo, cuerpo y alma ¡literal!, me tuve que preparar para ser colombiana, teibolera, madre, amante». En pocas palabras, una mujer que a la vez que trasmite sensualidad, sufre por tener a sus seres queridos lejos. Y es que para interpretar a esta sexy bailarina, no sólo estudió en el papel a su la mujer que interpretaría, hacerse de su historia de vida y de su desenvolvimiento en escena, sino que tuvo que ir a la vida real. Dos meses antes de comenzar el filme tomó clases de pole dance y estuvo con un entrenador personal para fortalecer los músculos y poder subirse, literalmente, al tubo. También nos contó que uno de los factores esenciales que le ayudaron en la construcción de su personaje fueron las visitas a los tables en los que platicaba con las chicas del lugar y conocía la historia de cada una de ellas, así como el ambiente que se genera atrás del escenario, las altas plataformas, la poca (o casi nula) ropa y el tubo. Ya sabemos el gran esfuerzo que implica interpretar a un personaje con una carga emocional intensa, pero ¿qué sucede si el protagonista es al mismo tiempo el director de la película? Y es que, como lo mencioné

antes, Guillermo Iván además de guionista es coprotagonista y director del filme, trabajo que considera un tanto complicado y desgastante pero que como experiencia le significó un gran crecimiento y aprendizaje en todos los aspectos de su vida, léase actor, director y persona. Al ser Sin Retorno su ópera prima, podría pensarse que pueda dejar la actuación por la dirección, sin embargo él considera a la actuación como su filosofía de vida, algo que nunca dejaría sobre todo por ser la manera en la que interpreta y transmite su percepción de la realidad. El proceso de la película fue un enriquecimiento humano para cada uno de los que participaron en la construcción de esta historia. Rossana Nájera confiesa que el interpretar por primera vez a una teibolera no sólo la influyó como actriz, sino como persona ya que ahora ve a estas mujeres desde un punto diferente: «Las admiro y las respeto porque cada una tiene una historia por la cual está ahí y por lo regular esa historia no es fácil... Hay algo mucho más profundo que una simple mujer haciendo pasos sensuales en un tubo frente a un grupo de hombres que las tratan como objetos». Mientras que para Guillermo Iván y Erik Hayser el poder exponer el trabajo creativo de cada uno además de ver concluido un proyecto en el que muy pocos confiaron desde el principio es muy gratificante: «Toda la gente con la que nos topamos al iniciar este proceso nos decía que no íbamos a poder lograrlo, que estábamos locos o que era imposible lograr resolver un proyecto tan complejo como éste en términos de producción y logística en sólo cuatro semanas de rodaje y con un presupuesto limitado. Pero hoy nos sentimos complacidos al ver que lo logramos y que la película se ha convertido en un proyecto internacional próximo a estrenarse en salas comerciales». Y es que para realizar una película de este tipo en nuestro país es complicado, porque no tienes el apoyo que podría tener cualquier cinta cómica de Eugenio Derbéz, por ejemplo. Al ser el primer trabajo cinematográfico de este director o de este par de guionistas el encontrar todas las facilidades es un tanto complicado, no

basta con tener el reconocimiento y apoyo que como actores se les brinda en el país, cabe recordar que Guillermo Iván a participado en varias cintas mexicanas como Sin Memoria, a lado de Martha Higareda, o Labios Rojos junto a Jorge Salinas y Silvia Navarro, además de formar parte del elenco del filme colombiano La Milagrosa. Después de haber terminado con las grabaciones, Guillermo Iván se integró al proyecto colombiano Bola de Trapo, en el cual participó también como actor, director y escritor y otro estadounidense, Blood Brothers como director y actor.

Sin Retorno es de esas películas que tienen un poco de todo: acción, drama, romance e incluso chispas de humor negro. Lo que busca la cinta es, además de llevarle al público un producto de calidad que les brinde una experiencia entretenida y agradable, una conexión con las diferentes emociones que puedan generar en el público la historia de Soledad, o la historia de la casa quemada de Mau o la infidelidad que ha durado años por parte de la madre de Chespi, historias con las que el espectador se pueda sentir identificado o no, pero que al salir de la sala tengan un momento para reflexionar sobre sus propias decisiones y consecuencias que traerán. Se percibe el ojo joven de un director, con movimientos de cámaras no tan convencionales. La actuación de Nájera resulta ser la más complicada y convincente de todas. La película dista, en ocasiones, de ser la típica película mexicana. Las escenas de acción se quedan un poco cortas en materia de acción y a pesar de que la historia se toma su tiempo para desarrollarse, en conjunto, Sin Retorno es de esas películas que les garantiza un rato agradable y entretenido en la sala de cine. Antes de llegar a las salas comerciales, Sin Retorno pasó por varios festivales tanto nacionales como el de Acapulco y el de Chihuahua, así como por varios internacionales. Guillermo Iván es graduado de la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de la Habana, Cuba. También recibió el grado en Producción y Dirección por parte de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.

Tres años fueron los que se tardaron en completar este proyecto. El guión se comenzó a escribir en agosto del 2008, tres meses después comenzó el rodaje y un año más tarde, en agosto del 2009, Sin Retorno estaba lista para exhibirse. Al ser una historia que se desarrolla en la frontera norte de nuestro país, Ensenada, Baja California alojó las locaciones de esta película. Mientras que todo el trabajo de post producción se realizó en Colombia. La película tuvo como presupuesto inicial 20 mil dólares.

PRIMAL SCREAM Centro de Espectaculos Premiere, 21 Septiembre

Texto y fotos por Osiris Priego

Organización: Producción: Ambiente:

ARTISTA

Primal Scream:

a tan esperada banda de Escocia, liderada por Bobby Gillespie, llegó a México como parte de su gira de aniversario de su más elogiado e icónico álbum Screamadelica que cumple 20 años de su lanzamiento. La cita se dio en el Centro de Espectáculos Premier donde nos deleitaron con una fuerte e intensa presentación, la euforia electrizó el ambiente y la entrega del público fue total. La presencia escénica de la banda desbordó la pasión de propios y extraños denotando la sincronía, articulación y devoción de sus años de experiencia sobre los escenarios.

// Bobby Gillespie

Lo único sujeto a crítica fue la organización, ya que el ingreso al recinto no fue de fácil acceso, el tiempo de espera para que saliera la tan esperada banda fue algo desesperante ─ya que comenzó mucho después de la hora citada─y el sonido tal vez fue demasiado para un foro de estas dimensiones; en otras palabras, el Centro de Espectáculos Premiere quedó chico para una banda de talla grande como Primal Scream.

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Organización: Producción: Ambiente:

ARTISTA

Ladytron:

ran las 8 pm y una lluvia muy intensa caía en la ciudad por lo que llegar hasta el Teatro Chino de Six Flags, se convirtió en todo un reto: en continuas ocasiones, los asistentes al concierto de Lady Tron se detenían para protegerse de la lluvia debajo del techo de algunos juegos y tiendas. El agua que corría por las escaleras parecía un río desbocándose a todo lo que da. La lluvia bajó y Sonoio, proyecto conformado únicamente por Alessandro Cortini─ ex tecladista de Nine Inch Nails─ apareció y sólo lo acompañaba un micrófono con una serie de foquitos además de un circuito de pequeños bulbos que prendían y apagaban a diferentes velocidades dependiendo de cada melodía. Sin duda fue un número interesante. A las 11 pm, apareció Ladytron tocandoRunaway. Lamentablemente, la lluvia hizo nuevamente de las suyas haciendo que parte del público corriera a atajarse a donde podía. Ladytron tuvo que recortar su set, haciéndolo limitado.

// Helen Marnie

LADYTRON Six Flags, 22 de Septiembre Texto y fotos por Selene Ortiz Tolentino

// Mira Aroyo

SYSTEM OF A DOWN Palacio de los Deportes, 28 de Septiembre Por Cynthia Flores Fotos Cortesía OCESA

Organización: Producción: Ambiente:

ARTISTA

System of A Down:

ealmente podría afirmar que es uno de los cinco mejores conciertos que he disfrutado este año y no sólo por la nostalgia de ver a una banda que desde hace varios años, muchos esperábamos con ansias, también porque ya pocos conciertos son los que te hacen salir con dolor de cuello de tanto headbanging. System of Down pagó la deuda que tenía con México de casi más de 15 años, teniendo la mejor de las actitudes; salieron mostrándose con una tela blanca donde se reflejaban sus sombras al ritmo de Prison Song y cuando esta canción subió de intensidad la tela cayó para mostrar un gran letrero negro con el nombre de la banda como escenografía. Poco antes de interpretar Holy mountains, Serj, quien vestía de camisa blanca y sin su característica barbota afirmó: «Estamos cansados de la ocupación, del genocidio».

// Serj Tankian

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EARTH

Lunario del Auditorio Nacional, 8 de Octubre Por Diego Álvarez Fotos Cortesía FMX

Organización: Producción: Ambiente:

ARTISTA

Earth:

C // Dylan Carlson

on una presentación cuya música se podría ubicar dentro de lo inclasificable, la mítica banda Earth ofreció un intrigante recital que quedará en los anales del Lunario del Auditorio Nacional para su posterior referencia. Un callado e introspectivo Dylan Carlson, clausuró junto a su maravillosa banda el Festival Aural en una noche que será catalogada entre esos legendarios conciertos de los que todos dirán haber asistido, pero que en realidad nadie estuvo ahí. Presentando su producción Angels of Darkness, Demons of Light, Earth, expandió su ola de sonido que, cual aurora boreal cambió de color, dirección y dimensión. Frente a una pequeña pero entregada audiencia, las alabanzas y aplausos cubrieron a Dylan, Adrienne, Lori y Angelina de la misma manera en que su música lo hizo con los presentes, forjando un matrimonio musical que Dylan prometió no claudicar y que con los años seguramente evolucionará.

CORONA CAPITAL 2011

Autódromo Hermanos Rodríguez, 15 de Octubre Por Amanda Tovalin @A_mandarina Fotos Cherry! Flores

// Beth Gibbons

iversas bandas como Yellow Yesterday, The Antlers, Le Baron, Mogwai, OMD, Moby, Portishead y muchas más en total 32 bandas─ se presentaron el pasado 15 de Octubre en el Autódromo Hermano Rodríguez dentro del marco del festival Corona Capital 2011. Más de 85,000 presentes fueron los que acudieron al llamado. A las 10 de la mañana, ya se veían las caras aún adormiladas de los primeros espectadores que ingresaban al festival, buscando en sus mapas oficiales los horarios y escenarios de cada concierto para atrapar la música de sus intérpretes favoritos. Little Ethiopia, Black Fo y la mexicana Madame Recamier fueron los encargados de despertar a los amodorrados presentes en las primeras funciones. Ésta última cantó con voz de niña la canción Vete cuya letra citaba Vete mucho a la chingada… lo que dio diversión y originalidad para muchos.

Torreblanca, salió una hora más tarde de lo planeado y quienes fueron a verlo perdieron la fe de hacerlo. Los presentes se disgregaron hasta que a lo lejos se oyó una voz llamando al público desertor a reintegrarse en el Corona Stage, donde la agrupación premió la tolerancia casi perdida, con éxitos como Roma o Sí. El calor volvió a ser el invitado especial y para algunos, la solución fue refugiarse en los aspersores que provee el festival como respuesta temporal. Otros, se amontonaban en las pocas áreas de sombra. Los últimos, pintaron sus narices con bloqueador. Mientras tanto, Javiera Mena, Ruido Rosa, Bengala y Disco Ruido, compartían sus composiciones con el público. Este último hizo un cover de la canción de El Columpio Asesino Toro, lo que emocionó hasta a los propios españoles, creadores de la melodía.

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Dentro de las bandas revelación se encontraba Wavves, quienes con sus sonidos surf-punk y su actitud de valemadrista pusieron a bailar a los más de 4,000 asistentes que escuchaban su propuesta. Otra revelación fueron los ingleses de Wild Beasts, quienes pueden recordar a The Temper Trap, grupo que se presentara en la edición pasada del festival. Santigold, Editors y The Rapture, fueron otra historia. Crearon su fiesta personal dentro del evento y el eco de su energía y talento fueron inmediatos: miles de personas excitadas, saltando y coreando al unísono sus canciones. Sin duda, tres de los puntos de inflexión en el festival. Para las 8 pm, en el escenario Capital Stage no cabía ni una miniatura de alfiler y el público firme esperaba ese momento en que el grupo leyenda, Portishead, saliera por primera vez a un escenario en México. Beth Gibbons comenzó la magia que no hallaría descanso. Geoff Barrow y Adrian Utley complementaron para trasladar al público a un éxtasis absoluto. El climax fue la interpretación “del himno” Give me a reason to love you. The Strokes cerraría el festival; la gente los recibió de maravilla, pero desgraciadamente, ellos quedaron a deber. Su participación fue tan solo para cumplir y acabo siendo llana. Sin duda el festival Corona Capital sigue creciendo y consolidándose. Al momento no nos ha fallado con el cartel y está haciendo que podamos soñar con que el próximo año será mejor. Ustedes que dicen, ¿quién podría cerrar el festival 2012?

// Cristina Martínez

// Santigold

// Luke Jenner

M83

El Plaza Condesa, 17 Octubre Por Ivan Carrillo Fotos Cortesía OCESA

Organización: Producción: Ambiente:

ARTISTA

M83:

eclado, voz, bajo, batería, guitarra y cuatro excelentes músicos integrados en un perfecto ambiente, así se vivió la noche en el nuevo Plaza Condesa, que albergó a casi 1500 personas para la presentación de la banda de origen frances, M83. Las expectativas eran altas al ser su segunda presentación de la semana en México. Las expectativas fueron rebasadas. Midnight City, Kim and Jessie, Graveyard Girl, Teen Angst y Spam Love, fueron las canciones predilectas de la noche, al mismo tiempo que la agrupación presentó un adelanto de su disco Hurry Up, We´re Dreaming que en estos momentos ya está a la venta. El vocalista Anthony Gonzalez, interactuó más de una vez con el público: «You´re so fucking great México» le dijo a la audiencia para dar paso a We Own the Sky, y después salir unos minutos del escenario. Al regresar interpretaron Skin of the Night y Couleurs misma que cerró la noche.

// Morgan Kibby de M83

// Anthony Gonzalez

Texto /

Juan Carlos Hidalgo

Fotos/

CortesĂa del Artista

Origen/

Buenos Aires, Argentina

Web/

calamaro.com

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ANDRÉS CALAMARO LA ENTREVISTA –COMO GÉNERO- SIEMPRE SERÁ UN RETO. Y CRECE EN LA MISMA PROPORCIÓN EN QUE LA FIGURA CON QUIEN SE DIALOGA OCUPA UNA POSICIÓN IMPORTANTE EN EL ENTORNO EN EL QUE SE MUEVE Y QUE LO HACE IMPORTANTE –PARA EL INTERÉS PÚBLICO-. ACONSEJA UNA VERTIENTE DEL PERIODISMO TRATAR DE SABER LO MÁS POSIBLE ACERCA DEL ENTREVISTADO, MIENTAS OTROS APUESTAN POR IR PESCANDO IDEAS SEGÚN EL PULSO DEL MOMENTO.

ara el gran periodista polaco Ryszard Kapuscinski, la entrevista le parecía un género despreciable, pero en contrasentido solía alardear de haber concedido más de mil en su carrera. El caso es que Andrés Calamaro ha editado Salmonalipsis Now (Warner Music), una versión reducida de 54 temas y conmemorativa de su mítico disco quíntuple del 2000 a la que agrega cinco temas inéditos: Mi nariz, Música lenta, Superlógico, Ringo y Alberto y Feliz cumpleaños. El argentino es ya una figura mítica para la historia musical de hispanoamérica.

El argentino es ya una figura mítica para la historia musical de hispanoamérica. Norman Mailer apuntaba: «Los periodistas se aventuran en este meritorio e intrincado camino cavando la dura tierra en busca de esas criaturas viscosas que llamamos hechos, que casi nunca son lo suficientemente claros como para aflorar como ciertos o falsos». Es seguro entonces que habrá que reconstruir lo vivido. Y Calamaro es alguien que tiene bien claro como es que hay que moverse a contracorriente e imponer su estilo personal, pese a todo tipo de reticencias y obstáculos.

Revisando diversos comentarios y textos mediáticos resalta lo mucho que se te quiere en España –casi te han adoptado-; ¿cómo has ido entreverando tu experiencia española con tus orígenes argentinos? ¿Te sientes un hombre con un pie en ambos mundos?

Sin duda, sí. Llegué a Madrid hace veinte años y todos los años vivo allá temporadas importantes. Mis compañeros viven en “El Foro” y ensayamos allá. Existe en España una importante cuerda de respeto y formo parte de un cierto universo cultural interesante y profundo.

Se viene una edición de Lengua de trapo sobre la gestación de tu disco Honestidad brutal, ¿qué podremos encontrar los lectores en ese libro?

Tengo mis dudas razonables con los libros biográficos. Es imposible contar lo que realmente fueron aquellas grabaciones; siempre va a faltar mucho y sobrar un poco. Aquello fue un rally de vicio e infracciones. Nueve meses en el paraíso desesperado.

Hoy día se valora mucho más El salmón que al momento de su aparición, ¿a qué lo atribuyes?

Anticiparse al gusto del público y firmar discos incomprendidos es casi un deber ético; quizás en eso consista ser realmente un artista de rock. Es improbable grabar discos que acompañen siempre el pulso sensible del respetable. Creo que prefiero que mis discos se valoren con el curso del tiempo.

103 temas sigue siendo una friolera de canciones, ¿tuviste que ceder mucho para poder hacer una selección? ¿Escuchaste muchas voces externas o privó tu criterio al momento de compilar?

103 temas son muchos temas, pero cincuenta es una eternidad de canciones también. Consulte con asociados y amigos todo el tiempo. Al principio “curamos” una selección mas ajustada, pero terminamos empachados de repertorio y hubo que ceder un poco y descartarse apenas.

¿Sigues siendo un músico con la energía suficiente para largas jornadas de desvelo y grabación o con el tiempo han cambiado tus hábitos?

Los hábitos van y vienen; ahora mismo prefiero no exigir tanto a mis pulmones, no creo que quieran respirar bajo el agua como antes. No sabría escribir una canción a la luz del día, pero puedo aprender si quiero

Hace algunos años decías: «El talento no se puede desperdiciar, porque se puede terminar», ¿Crees que has aprovechado al máximo el tuyo?, ¿estás satisfecho o crees que todavía debes exigirte más?

Estoy satisfecho o creo que no tendría que exigirme mucho más; pero me gustaría grabar un álbum que puedan escuchar mis músicos preferidos.

¿Te convence la idea de que la canción subsista como el vehículo musical perfecto para comunicar cosas, para contar historias?

Me parece muy bien, pero no es una condición inapelable para que una canción exista. Acepto el concepto de canciones como “partes del pensamiento de alguien” y “artefactos” que den la sensación de poder detener al tiempo por un instante.

¿Batallas mucho para que tus letras se ciñan a la estructura musical?

Últimamente se te ha visto con tus buenos amigos (Jaime Urrutia, Loquillo, Bunbury), ¿qué te dicen ellos acerca de tu música? ¿Qué se dice esa cofradía delirante mientras se comparten una cerveza?

Música y letra. Difícilmente no llegan juntas. La vida es un campo de batalla, un hombre es un campo de batalla, la carretera inclusive; pero la música es bendita y no debería hacernos daño. En teoría. Tengo amigos y camaradas en la música que no son admiradores de mi obra supongo; igualmente nos respetamos mucho como compañeros, nos escuchamos y compartimos el verbo con entusiasmo. Me siento respetado por el gremio musical, con los míos respetamos un cierto pudor y convivimos hablando de cuestiones ajenas a la música también.

TENGO CONEXIONES ESPECIALES CON MÉXICO DESDE QUE TENGO MEMORIA. TUVE MI PRIMERA EXPERIENCIA PSICODÉLICA AHÍ Y GRABÉ EN EL MISMO ESTUDIO DONDE BOB DYLAN GRABÓ PAT GARRET & BILLY THE KID.

Indie Rocks! número 51

¿Te consideras una persona que constantemente está buscando retro-alimentación en otras formas de arte (cine, literatura, etc.) o más bien apuestas por la experiencia vitalista como tal? Para la construcción de los pilares de mis bases culturales, la conversación y el cine fueron fundamentales; también solía conformarme con escuchar los diálogos de mi padre con intelectuales de la literatura y la sociedad política (cuando era un niñato). Y la lectura, que siempre colabora para desarrollar una mayor conciencia del texto, el pensamiento y la palabra escrita. Alguna vez comentaste que Freaks, Expulsado del paraíso y Jugando al límite eran algunas de tus favoritas de El salmón, ¿lo siguen siendo o tu gusto ha cambiado? Otras grabaciones de aquellas también tienen merito, lógicamente; pero esa tercia resume lo mas autentico y experimental de El Salmon; la reflexión delirante y reposada; la defensa de una forma de vivir, el contexto político y el texto “salmontonero”. ¿Has sentido alguna conexión especial cuando has venido a México? ¿Qué es lo que más te atrae de nuestra cultura, de nuestra gente? Tengo conexiones especiales con México desde que tengo memoria. Allí vi la primera corrida de Toros y tuve mi primera experiencia psicodélica alucinante; le di la mano a Alex Lora y grabe en el mismo estudio que uso Bob Dylan para grabar Pat Garret & Billy the Kid. En México vive mi familia mexicana y revolucionaria. Llenamos el Auditorio y ahogue mis sueños cumplidos en veinte mil caballitos de tequila reposado. ¿Existe en tu vocabulario la palabra “retiro” o anhelas que algún día la muerte te sorprenda sobre un escenario? Supongo que la música va a acompañarnos siempre, pero no me importaría dedicarme a ver corridas de toros y carreras de autos.

/ VIDEOJUEGOS

por Leonardo Cervantes

BLEACH SOUL RESURECCIÓN PS3 Género: Acción NIS America

CHILD OF EDEN PS3 Género: Ritmo Ubisoft

NO MORE HEROES: HEROES PARADISE PS3 Género: Aventura Konami

Bleach es una serie de anime difícil de explicar al consumidor casual, pues la historia de Ichigo, nuestro protagonista, ha cambiado muchísimo desde el inicio del relato en donde su única habilidad era sentir la presencia de gente muerta a algo más involucrado que incluye batallas épicas, alianzas entre vivos y fallecidos y un largo etcétera. No obstante la serie se ha hecho famosa por resaltar la cultura de la muerte y mitología mexicana, por lo que NIS America no dudó ni un segundo en traducir el título para nuestro continente y entregarnos un juego en donde podemos utilizar todas la habilidades de Rukia, Renji, Orihime y compañía. La esencia de la animación oriental está presente, pues los gráficos representan a la perfección a los héroes y villanos, sin embargo, el tedio se apodera un poco de nosotros cuando tenemos sesiones largas. Recomendable sólo para los que siguen el manga, pues son ellos los que disfrutarán con la enorme cantidad de referencias al material original.

¿Alguna vez has querido mezclar los videojuegos con la música? ¿Ya estás harto de las guitarras de plástico y las baterías que parecen juguetes preescolares? Entonces éntrale a Child of Eden, un shooter en donde cada bala corresponde a un beat y en donde tu manera de jugar influye en el desarrollo de las canciones. Con imágenes amorfas y escenarios sumamente surreales, este título está acompañado de las rolas de Genki Rockets, una banda que utiliza una vocalista virtual que canta a través de programas digitales. El alucine está complementado con un excelente estilo de juego a la vieja escuela en donde lograr la mayor cantidad de puntos sin ser dañado es el objetivo. Esta versión de PS3 es mucho más precisa que la de Kinect, pues llevamos a cabo los movimientos con el Move y la sinergía que se logra entre jugador y control que tiene como resultado una inmersión nunca antes vista.

Sé que seguramente muchos de ustedes no tuvieron la oportunidad de jugar esta obra maestra de Suda 51 porque sólo estaba en el Wii, no permitía salida de alta definición y, en general, tenía un frame rate muy lamentable, pero ahora con esta versión compatible con el Move no existe pretexto para perderse este título donde acompañamos a Travis en su búsqueda por convertirse en el asesino número uno con su flamante espada láser que compró en una subasta por Internet. Por ridícula que pueda sonar la propuesta, la verdad es que el desarrollo sorprende y tiene muchos toques de Tarantino y Robert Rodriguez. La posibilidad de utilizar el Move como si fuera un sable divierte mucho y los extras que se encuentran en esta versión no tienen desperdicio, donde hasta podemos enfrentar a jefes de toda la serie e incluso acceder a escenas en las que las féminas lucen trajes sensuales, en fin una compra obligada para el fan de lo alternativo.

Indie Rocks! número 51

Por Leonardo Cervantes

Qué chistoso es acordarse de la escena más representativa de Cable Guy, en donde Jim Carrey menciona la posibilidad de jugar con un amigo Mortal Kombat 2 en cualquier parte del mundo; en los 90, hablar de esto era descabellado y nos teníamos que conformar con organizar una “quedada” con los compas para por fin pasar esas molestas misiones de Smash TV. Hoy te puedes conectar con menos de un mega de velocidad en banda ancha y mentarle la madre a un coreano que te gano por tercera vez consecutiva en Street Fighter 4.

THE LORD OF THE RINGS: WAR IN THE NORTH XBOX 360, PS3 Y PC Género: Acción Warner Interactive Si eres de los que siempre te preguntaste qué pasó en la Tierra Media mientras Aragorn y compañía se dedicaban a luchar contra Sauron, éste es tu juego, pues aquí tomamos la identidad de algunos héroes que también jugaron un papel importante en la guerra por el anillo pero que actuaron de manera secreta. El juego tiene un enfoque en el multijugador, pues existen cuatro personajes a elegir, cada uno de una raza y con un rol específico en la batalla, como el enano que es capaz de resistir mucho daño y servir de escudo a sus compañeros, o la elfa que ataca con magia y arcos desde la distancia.

Los chavos de ahora prefieren tener “clanes”, que poner las chelas para una reta casera; ya no se comparten juegos, pues en su lugar hay cuentas, con nombres ficticios que nos alejan cada vez más de personas que creíamos conocer. Sí, nos deshicimos del cablerío, de intercambiar un Pokémon con un rival después de haberlo ganado en una apuesta y olvidaremos para siempre los famosos multitap que una vez conectados permitían que hasta cuatro personas jugaran como en la farmacia, pero supongo que el costo fue la separación, pues de alguna manera esos cables y aparatos extraños nos unían con una identidad, nos hacían cooperar y seguir un objetivo en común. El juego en línea aún me es algo anormal, preferiría borrar los scores de mis rivales en una arcadia antes que competir por tener un gamertag inflado con logros de juegos chafas. Antes de pagar la membresía de Xbox live o el PSN Plus, mejor inviertan su lana en una buena reunión de amigos y así encontraran el nirvana del multijugador en la única forma que vale la pena: cara a cara.

Después de vencer muchos orcos es posible ganar puntos de experiencia que nos hacen ganar nuevas habilidades como magia curativa o el poder de llamar a una enorme ave para que nos auxilie en una masacre. Lo que se merece una mención especial es el soundtrack que no tiene nada que envidiarle al de las películas.

Texto /

Bernardo Ameneyro Esquivel

Fotos /

Cortesía Chevrolet

Origen /

Distrito Federal, México

Web/

wow.spark.mx

LO SIMPLE ES EXTRAORDINARIO EN LA ANTESALA DEL LANZAMIENTO DE UN NUEVO MODELO DE AUTOMÓVILES, POCAS VECES LOS ENCARGADOS DE LA CREACIÓN DE CAMPAÑAS PUBLICITARIAS ENTIENDEN QUE PARA CONOCER LAS NECESIDADES DEL MERCADO JUVENIL SE DEBE SALIR A LAS CALLES, DE AHÍ LA TRASCENDENCIA DE LA CAMPAÑA CREADA POR CHEVROLET QUE SATURÓ LOS MEDIOS ELECTRÓNICOS CON MENSAJES FRESCOS, CREATIVOS Y SIMPLES OBTENIENDO UN RESULTADO REALMENTE EXTRAORDINARIO. LA CEREZA DEL PASTEL, FUE HABER MUSICALIZADO SUS SPOTS EN MEDIOS ELECTRÓNICOS CON, LA POR DEMÁS CONOCIDA, BANDA QUIERO CLUB.

Indie Rocks! número 51

EL CARRO Este chaparrón de apenas metro y medio de altura atrae irremediablemente las miradas de las chiquitas y las grandotas. Es un auto deportivo, compacto, completamente dirigido al mercado juvenil de nuestro país. Su diseño refleja estilo propio. Es versátil en el exterior y funcional en el interior. Está hecho para la ciudad, para la chaviza, deportivo, económico, con onda, innovador y con un carisma bárbaro. Primero el exterior: Diseño deportivo, con líneas precisas que denotan energía cuando está en movimiento. Los grupos ópticos tienen como base de diseño una línea elíptica en los faros de halógeno, logrando atrapar de manera irremediable la vista de quien lo tiene enfrente, raro sí, pero funcional, único y justificado, también. La parrilla cromada está adornada con el logotipo de Chevrolet que en conjunto con los faros de niebla ubicados en la parte inferior de la fascia frontal, logran dar armonía a todo el frente. En los costados, recomendamos elegir el espejo retrovisor del mismo color de la carrocería y destacamos también las manijas de las puertas traseras, que si bien no son algo nuevo, sí son un gran acierto. Visto desde atrás, el Spark repite ésta fórmula al presentar la fascia del mismo color que el resto del automóvil. El medallón es amplio, cuenta con su propio limpia parabrisas y ayuda a la visibilidad de quien lo maneja. En la parte superior, encontramos el spoiler tradicional que acentúa su imagen deportiva.

Otra gran palomita está en el detalle de la fortaleza con que fue construida la estructura de acero de alta resistencia, conocida como célula de seguridad, y sus barras laterales que absorben la energía de cualquier impacto. Los interiores son simples, destacando sus asientos cómodos y el velocímetro inspirado en lo que comúnmente se observa en las motocicletas. Cuenta con iluminación tipo LED y pantalla con LCD con tacómetro digital. Su volante de 3 brazos, armoniza con el resto, en especial con la palanca de velocidades que cumple con los principios básicos de ergonomía. Los detalles de color incrustados en el tablero y las puertas cuentan con una estética especial, destacando su estilo deportivo. Una vez encausado en la fiesta, podrás descubrir que cumple con las exigencias mínimas de un auto ideal para treparle a los watts a través de sus 6 bocinas, controladas desde tu iPod. Recuerda que empezar el reventón no es sinónimo de echar trago mientras manejas. Sus bolsas de aire frontales son ciertamente inteligentes, me explico: dependiendo de la fuerza del impacto, las bolsas detonan parcial o totalmente. Las cabeceras traseras también protegen a los pasajeros que nos acompañen y sumando los cinturones de 3 puntos para los 5 pasajeros, hacen de este chiquitín, un carro muy seguro.

Gracias a su motor 1.2 L DOHC L4, el Chevrolet Spark tiene una potencia de 81 hp @ 6,400 rpm. La transmisión es manual, de 5 velocidades. El sistema de frenos ABS es muy eficiente y regula la presión, evitando así el derrape de las llantas.

ECOMEDIDOR El nuevo Chevrolet Spark ofrece un gran desempeño. El rendimiento de combustible no solo nos da beneficios económicos al gastar poca gasolina, sino que también representa bajas emisiones, menos ruido. Así, con un tanque de 35 litros de gasolina y unas llantas 155/70 R14, el carro gasta 17 km por litro en la ciudad, mientras que en carretera te da hasta 23 kilómetros.

CONCLUSIONES Estamos frente a un auto eficiente, completamente urbano, confiable y lo más importante: seguro. Un automóvil con mucha onda que hará sentir a la chamacada y a los que nos negamos encarecidamente a crecer, a sentirnos, aunque sea por breves momentos, todos unos rock stars al estar encima del bicho de colores eléctricos más coqueto del momento.

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS

MOTOR/

TRANSMISIÓN MANUAL/

1.2 L DOHC L4 MFI 4 cilindros.

de 5 velocidades

POTENCIA/

BOLSAS DE AIRE/

81 hp @ 6,400 rpm

para conductor y pasajero

TORQUE/

CINTURONES DE SEGURIDAD/

80 lb-pie @ 4,800 rpm

de 3 puntos para todos los asientos

DIRECCIÓN HIDRÁULICA/

FRENOS/

Suspensión delantera McPherson® y suspensión trasera semi-independiente con barra de torsión.

delanteros de disco y traseros de tambor con sistema ABS en las 4 ruedas

Texto /

Samantha NĂşĂąez

Fotos/

Matador Records

Origen/

Portland, USA

Web/

stephenmalkmus.com

Indie Rocks! número 51

avement fue una de las bandas que más influyó en el género indie de los años 90, una banda icono de su generación que hace un par de años emprendió una gira de reunión tras su separación en 1999. El líder e integrante de esta banda, Stephen Malkmus, está de regreso con un nuevo material, el quinto en su carrera como solista, que fue nada más y nada menos que producido por el reconocido cantante y compositor; Beck.

En entrevista para Indie Rocks! resaltó la experiencia de trabajar con Beck y lo que éste ícono de la música indie noventera trae en pleno siglo XXI. Un largo recorrido por el mundo de la música, Stephen Malkmus ha pasado por la gran banda Pavement en la que fue vocalista hasta que el grupo se separó en 1999, también realizó música integrando las bandas Silver Jews, The Crust Brothers y actualmente con The Jicks y desde entonces ha editado cuatro álbumes: Stephen Malkmus, Pig Lib, Face The Truth, Real Emotional Trash que fue lanzado en el 2008 y el último, Mirror Traffic.

UNA GRAN FUSIÓN NOVENTERA Para que se den una idea de quién es el productor de Mirror Traffic, el quinto álbum de Stephen Malkmus and The Jicks; Beck, además de ser otro ícono en la música de los 90 ha trabajado, en los últimos años, con bandas como Charlotte Gainsbourg, Wilco, Feist, Jamie Lidell, Thurston Moore, Tortoise, Bat for Lashes, St. Vincent, Liars, Devendra Banhart, MGMT y Tobacco.

SIN TEMOR A LA CRÍTICA Considerado por la prensa y algunos especuladores como «Las mejores canciones que Malkmus ha escrito en años» o «El disco más esperado del año», respecto a Mirror Traffic, Malkmus dice no estar presionado por la crítica ni las especulaciones, solo describió su quinto material como «Un gran disco de rock con el viejo estilo indie de la banda».

Este talentoso y multifacético artista es quien produce el disco de Malkmus. Al tener a dos grandes trabajando juntos; las ideas y sonidos pueden surgir de manera impresionante. Conocemos a Beck el artista, el cantante, el rebelde de los 90 que hacía canciones como Loser que se convertían en “himnos para los jóvenes sin futuro y perdidos”, conocemos estas facetas de Beck pero, cómo es trabajar con un artista como él. Stephen Malkmus nos comentó que trabajar con Beck, no fue nada complicado: «Beck fue mi confidente en muchos aspectos, respecto a mi creatividad, a no ser tímido, a ser yo mismo», en cuanto a la faceta que pocos conocemos de Beck, su etapa como productor, Malkmus comentó: «No sé si descubrí algo de él siendo productor, solo sé que tiene mucha imaginación, es muy fantasioso al momento de grabar, el tiempo que estuvimos juntos fue muy bueno. Tenemos muchas similitudes, como la música que nos gusta, tenemos amigos en común y así nos conocimos, quisimos trabajar juntos. Al momento de hacerlo todo era libertad, no había limitantes, no teníamos miedo de escribir o de probar cosas nuevas».

MIRROR TRAFFIC, UN GRAN DISCO DE ROCK CON EL VIEJO ESTILO INDIE DE LA BANDA.

/ APARATEJOS

por Amanda Tovalín

Menos ruido, más música

THE HELIOS, SOLAR POWER BARBECUE www.tuvie.com

Mientras menos gastemos en combustibles, más ayudaremos a nuestro planeta. La idea es encontrar fuentes de energía amigables con nuestro ambiente: como el sol. Ahora, puedes llevar esta premisa a la hora de comer con la nueva parrilla a base de luz solar traída hasta a nosotros por los expertos en diseño industrial, Tuvie. Jamás tendrás que llenar otro tanque de propano o andar moviendo los carbones hasta que prendan fuego, ya que está especialmente diseñada para absorber los rayos solares y generar el calor suficiente para cocinar tu comida. Ya sabemos lo que estás pensando: ¿y si quiero cocinar en la noche? No hay ningún problema: sólo conecta The Helios en un toma corriente y trabaja como una parrilla eléctrica. música que escuchas, no por los ruidos del ambiente”. ¿Te mencionamos que es una parrilla de energía solar?

Desafortunadamente, The Helios todavía es un bosquejo en una hoja de papel pero algún día, cuando sea realidad, será el rey de las parrilladas.

Guitarristas del mundo... ¡Unios!

PICKMASTER PLECTRUM PUNCH www.firebox.com

A lo largo de la historia, las uñas de la guitarra se han hecho de cualquier tipo de material que soporte un buen rato de rock: tarjetas de teléfono, fichas que vienen en las bolsas de papas fritas y, claro, no falta el chico que decide comprarlas –carísimas– en las tiendas especializadas, pero los músicos de corazón no dudan en hacerlas de cualquier cosa que encuentren a su alrededor. Ahora, con el Pikmaster Plectrum Punch la vida se ha hecho más fácil. Trabaja de la misma manera que una perforadora: tú metes el material y empujas hasta perforarlo en la forma deseada. Lo mejor de todo es que, con un valor aproximado de tres dólares, no es nada caro tampoco. Sácale partido a todas las tarjetas que no utilizas y recíclalas para crear música. Es útil, fácil de utilizar y en pro de la ecología. No viene con talento incluido.

Láser para gatos

FROLI CAT BOLT www.frolicat.com

La compañía especializada en tecnología para ejercitar y divertir gatos, Froli Cat, ha diseñado con el tiempo diversas maneras para entretener a nuestros juguetones amigos y facilitarnos un poco la tarea de consentir a estos exigentes animalitos. Ahora, nos han sorprendido con Bolt, un láser interactivo que ofrece horas de diversión para nuestra mascota. Colócalo en una superficie plana y observa como tu gato se vuelve loco tratando de atrapar las diferentes figuras que se dibujan con de la luz de este singular gadget. También puedes ajustar el espejo del láser para que pueda proyectarse en diferentes superficies (incluye la pared y el techo) para mayor regocijo. No te preocupes, pues tampoco se trata de volver a tu gato loco, por eso Bolt se apaga automáticamente a los 15 minutos, tiempo suficiente para que tu gato se ejercite adecuadamente cada día. Aceptémoslo; siempre es bonito y causa ternura ver jugar a un lindo gatito, especialmente cuando no te quita tiempo para realizar otras actividades. ¿Para qué adoptas un gato si no puedes dedicarle tiempo? Ah, sí, y también que usa cuatro baterías AA y las gasta extremadamente rápido.

Indie Rocks! número 51

Brilla en las fiestas

PESTAÑAS DE LEDS www.soomipark.com

Puede que las pestañas hechas con luces LED por los chicos de Soomie Park te parezcan un poco excéntricas pero al final te divertirás mucho usándolas. En realidad, no son más que unas pestañas postizas comunes y corrientes que se adhieren a tus ojos con un pegamento especial. Tienen un control en forma de audífonos que se coloca en la oreja para que manipules los niveles de luces discretamente y sin necesidad de andar picándote los ojos. Por si esto fuera poco, tienen la capacidad de prender y apagar a medida que abras y cierres los párpados, como lo hacen las muñecas. Son ideales para fiestas de disfraces o Día de Muertos. No te recomendamos usarlas a diario pero sí probarlas.

No utilizan mucha energía y son de fácil aplicación. Son meramente decorativas. Es decir que no hacen nada más allá de hacerte lucir raro.

Capacidad para ver TV donde quieres

MOTOROLA TELEVATION www.motorola.com

Siempre preocupados por llevar al público las últimas tendencias en tecnología, Motorola Mobility ha creado el gadget que pronto todos querrán tener, el único capaz de transmitir contenido de TV en vivo en todas las demás pantallas del hogar por medio de Wi-Fi. Así, podrás ver tus programas favoritos aunque estés en la cocina o disfrutando del sol en tu patio, claro, mientras tengas un televisor. ¿Que por qué es tan importante? El gran cambio tecnológico de este aparatejo es que los usuarios que aman el entretenimiento y pretenden acceder a contenido de TV fácilmente, podrán hacerlo independientemente de dónde se encuentren dentro del hogar: así no estarán atados a la típica sala familiar donde sólo uno escoge qué ver. Admitámoslo, la portabilidad es una importante plusvalía en nuestros días y tener un servicio de televisión portable sin tener que pagar un cargo extra siempre es una muy buena opción. Puedes utilizar la misma tecnología a la inversa; es decir, utilizar tu Motorola Televation no sólo para ver los mejores programas sino para suministrar televisión a todas las pantallas. En ésta época de la vida, en este mundo y en este país, sobre todas las cosas, quizá mirar aún más televisión no sea la mejor opción.

Bonitos por fuera, útiles por dentro:

DIGIDUDES, PORTABLE TRIPOD www.gadgets.co.uk

¿Necesitas un trípode para tu cámara pero crees que son muy pesados y fastidiosos? ¿Estás cansado de cargar todos los accesorios de tu equipo fotográfico? Te presentamos los Digidudes, los trípodes para cámara más funkies y divertidos que podrás encontrar. Puede que en un principio te recuerden a los personajes de un videojuego ochentero, pero estos amiguitos son mucho más que unos lindos figurines. Es más, te podemos asegurar que, por lo menos para todo fotógrafo, resultarán indispensables. Con unas dimensiones de aproximadamente 96 mm, son tan pequeños y bonitos que puedes traerlos como llavero, colgarlos en tu mochila o simplemente tenerlos como un adorno hasta que los necesites para una buena sesión fotográfica. Con sus piernas retráctiles y de fácil manejo logras la altura deseada; son la solución ideal para todo fotógrafo, amateur o profesional. Olvídate de las fotos borrosas; si tu cámara cabe en tu bolsillo, entonces cabrá en un Digidude. Están hechos para soportar prácticamente cualquier tipo de cámara pequeña. Tendrás que cuidarlos mucho de los más pequeños, suelen confundirse con juguetes ordinarios.

200 + 1 cohetes y pólvora

Por Arturo Tapia @zoocialite / Ilustración de Daniel Terán / danielteran.com

Hace un año se forzó a una pausa injustificada y enfermiza para supuestamente reflexionar y cuestionarnos sobre el pasado, presente y destino de México y su sociedad. Los debates y los conteos de episodios históricos y contemporáneos hacían las cuentas de qué valía para los mexicanos y de aquello que podría servir de aliento para emprender juntos un rumbo y proyecto. Sin embargo, la pausa fue infructuosa y la reflexión, simulación. Hoy, el conteo es de nuevo de los muertos y las causas perdidas a causa de una vaguedad que llena todo y de una rupestre, así como estúpida, forma de vivir la vida. Esta vez, como la anterior, nada que celebrar ni grandes desfiles, hay luto en toda la República. Mis condolencias a todos los mexicanos, en especial a aquéllos que sufren el ataque del olvido y la marginación.

LUTO NACIONAL Difícil tener una actitud de indiferencia ante el enorme acto de demencia ocurrido en Monterrey el pasado agosto, sin embargo, no imposible, pues a quienes les duele pero no saben cómo explicarse lo ocurrido, la indiferencia resulta un recurso utilísimo para ponerse a salvo de la responsabilidad de reaccionar como ciudadano, aunque no justifica el mutismo y la esclerosis cívica que sufren los mexicanos. Y sí, todos padecemos, más o menos avanzado, de este mal. Lo ocurrido en Monterrey no se explica con análisis político ni económico, los hechos que acabaron con la vida de 53 seres humanos es un acto de demencia, locura y enajenación. Los mexicanos estamos locos y completamente a merced del próximo arranque violento del enfermo más próximo. Ni el crimen organizado, ni la delincuencia más cruel, echan mano de la locura hasta no estar frente a dementes y en locos nos hemos convertido, además de

ser suicidas crónicos y lentiasesinos que podemos desear y esperar nuestro fin con paciencia estoica. Por las víctimas de este ataque y todas las demás, que a cuenta gotas saldan la impavidez y mediocridad ciudadana, te urjo a ti, que estás leyendo este texto, a que combatas al principal causante de esta descomunal tragedia: el pulso de muerte que mantiene viva nuestra dejadez. 200 + 1 = EL OTRO LADO DEL BICENTENARIO Los mexicanos andamos al menos con dos caras permanentemente: una para remedar a nuestros incomprobables próceres y antepasados que se desgarraban las vestiduras por la buena moral y que llevaban vidas ascetas de cristianos ejemplares; y otra cara con la que imitamos todos los abusos y supuestos avances del mundo de hoy. Las caras las intercambiamos para festejar y cumplir con tradiciones y hábitos de simulación civil. Existen algunos intentos por sacudir el orden corrupto,

aunque sin mucho éxito debido a la incompetencia de procurar un orden plural y flexible que se base en justicia y equidad. Las rebeliones urgen, sí, pero no para volcar las mesas sin remisión de cualquier manera y por cualquier motivo, sino hacen falta las meditadas y revisadas. El primer año del bicentenario sólo parece estar adornado con la tecnología del siglo XXI y confirmar que en lo que respecta al orden social nada es distinto al siglo XIX. EXCUSAS De forma general, uno enciende el televisor con noticieros internacionales o revisa la prensa extranjera y escucha sobre nuestras incapacidades cosas que duele oír. Durante todo el siglo pasado, que hacia su final te vio nacer, los mexicanos nos parapetábamos tras la dictadura y tiranía folclorizada que ejercía un gobierno parido por un partido que se sabía preñar a sí mismo, y decíamos al mundo entero –y a nosotros mismos– «¿Qué diablos quieren que hagamos si

tenemos este régimen que nos mata si nos organizamos?». En el siglo que te está viendo crecer y transformarte en joven y ciudadano, ya no contamos con esa excusa ni disculpa alguna. Nuestros vecinos y el mundo entero nos miran para recordarnos que no se trata de nuestro gobierno, y en cuanto lo prueben, con la ayuda de nuestra laxitud y el tiempo que perdemos en dejar pasar y añejar su convencimiento de que estamos hechos para el sometimiento y el saqueo, ellos nos recordarán que no somos más que un pueblo para servir. Nuestra cobardía, de hombres mortales y vulnerables, de izquierdas y de derechas, nos hace explicarnos airada y doctamente por qué han ocurrido los hechos obscenos que nos afligen y por qué nuestros nobles ideales y sueños se van al infierno, pero esa autocomplacencia no sirve de nada, salvo de base para lógicas mediocres y pusilánimes que sólo promueven valores para comerciales y códigos urbanos de

modales y etiqueta, y no como costumbres que dignifiquen cotidianamente la vida. ALTERNANCIA Y ALTERNATIVA La alternancia nos ha servido para comprobar que somos capaces de remover los lastres que nos aquejan. La alternancia sí es buena y funciona; los que ganaron la oportunidad son unos perdedores que hacia el final de su turno probaron estar hechos de la misma mancilla que sus predecesores, quienes mejor aprovecharan el fracaso de estos para intentar convencernos de que lo mejor es tenerlos a ellos como amos. Ellos, cuyos crímenes documentados encubrieron con ramplonas muestras de civilidad.

A los pricapiedras sólo se les puede atribuir la cultura de la tolerancia; esa nefasta formulación que se sustenta en una lógica infame que ofrece protección condescendiente que ellos, como vencedores, conceden a los derrotados. En este país donde se exige tolerancia

–sobre todo al maltrato y la expoliación– yo renuncio a ella y la desprecio: exijo respeto y que se respeten todas nuestras prerrogativas de ciudadanos sin tener que justificar nuestras procedencias ni adherencias. La alternativa es el respeto real y tangible que debemos exigir y profesar para combatir la pulsión de muerte que se activa con la demencia provocada por el olvido y la marginación. Un aniversario de Independencia más –que sólo agita el penoso nacionalismo– nos debe obligar a la exigencia de nuestros derechos y al cumplimiento de nuestra participación, como una educación de excelencia, porque sólo con gran calidad educativa se pueden engendrar ciudadanos dignos de serlo y se puede prevenir en lugar de curar –que en nuestro actual escenario tampoco ocurre: se mata y se deja morir. Ni un muerto más, pero antes, ni un abandonado más.

Texto /

Eugenia Ruiz

Fotos/

Cortesía del proyecto

Origen/

Puebla, Pue

VERDE QUE TE QUIERO VERDE AL UMNO S C REA N PR OPUES TA ECOL Ó G IC A PARA L A I NDU ST RI A CEMEN TERA

des ctivida rán a s a L « e as atra positiv te que se en más g rán por ser pa e preocu l cambio, qu e d a lo parte planet a r t s e nu ta». necesi

Web/

saimtpue.com/scienza

Actualmente la industria del mármol desperdicia 80 toneladas de residuos, los cuales son depositados en barrancas generando no sólo problemas al medio ambiente sino también a la salud. ¿Qué pasaría si estos residuos fueran reutilizados? Esta fue la idea que varios alumnos del Tecnólogico de Monterrey Campus Puebla se plantearon dentro de una cátedra de investigación. No sólo se reduciría la contaminación, también se generarían empleos en México.

Indie Rocks! número 51

través de una investigación, alumnos de esta institución descubrieron que al mezclar los residuos del mármol con plásticos de tipo PET (tereftalato de polietileno) se genera un nuevo material que funciona como una especie de cemento que presenta características como una baja densidad, propiedades térmicas, bajo costo y propiedades mecánicas para su implementación en suelos, paredes y lozas. «Este nuevo material se obtiene de un 50 a un 80 por ciento de materiales reciclados, haciendo que sea de bajo costo impactando sustentablemente en el entorno y directamente en la fabricación de viviendas de interés social y nobles con el medio ambiente e indirectamente con el proceso de reciclaje de PET y mármol, creando nuevas industrias y empleos», comenta Adrianni Zannata Alarcón, estudiante de Ingeniería en Mecatrónica y colaboradora en la investigación. La investigación a cargo del Dr. Said R. Casolco, integró alumnos de las carreras de Ingeniería Mecánica, Mecatrónica, de Sistemas y Civil, bajo la necesidad de buscar nuevas innovaciones que ayuden a mejorar las condiciones medio ambientales y sustentables de nuestro planeta, conociendo que existe una gran cantidad de recursos que no son reciclados y causan efectos negativos para la salud de las personas y contaminación a nuestro entorno.

BENEFICIOS DE SU USO Reducción considerablemente del volumen de basura plástica que se genera en una ciudad. Contribuir a una remediación ecológica al reciclar materiales. Generar empresas y empleos. Obtener un nuevo material de bajo coste y amigable con el medio ambiente para la construcción de viviendas sustentables. Ayudar a mejorar las condiciones de vida de los hogares de personas de escasos recursos. Impulsar el desarrollo de innovación científica y tecnológica.

Pero, ¿cuáles son los principales beneficios del uso de este cemento? Tanto el Dr. Said como Adrianni nos comentan los siguientes: • Reducción considerablemente del volumen de basura plástica que se genera en una ciudad. • Contribuir a una remediación ecológica al reciclar materiales. • Generar empresas y empleos. • Obtener un nuevo material de bajo coste y amigable con el medio ambiente para la construcción de viviendas sustentables. • Ayudar a mejorar las condiciones de vida de los hogares de personas de escasos recursos. Impulsar el desarrollo de innovación científica y tecnológica. Como resultado del proyecto se registró la patente que lleva por nombre Exergía del conglomerante para la fabricación de piezas y construcción de revestimientos para viviendas a partir de residuos de carbonato de calcio. Registrada en el IMPI con Número de expediente No. MX/a/2011/005414 y el registro de una marca con la que se nombra al producto como Plamarsa.

En los últimos días se ha tenido un acercamiento con la iniciativa privada, principalmente con la empresa cementera CEMEX, interesada en el seguimiento de este proyecto, con la finalidad de hacer que transcienda de un laboratorio a una industria que tenga la capacidad de suministrar este producto al mercado, estando al alcance de los consumidores para la construcción de hogares sustentables. Y ¿qué sigue para estos jóvenes? Proyectos como la planeación de un Campus Sustentable, la elaboración de biodiesel a partir de aceite de la cafetería para suministrar el combustible a los autobuses escolares, trituradoras y compactadoras de plástico así como la implementación de tecnologías verdes como son los techos verdes están en proceso de desarrollo. Propuestas como las de estos alumnos deben ser impulsadas por el Gobierno mexicano pues generan no sólo beneficios al medio ambiente sino también a nuestra economía e impulsan la investigación por parte de los jóvenes evitando así la fuga de cerebros en nuestro país. «Las actividades positivas atraerán más gente que se preocuparán por ser parte del cambio, que nuestra planeta lo necesita», concluye Adrianni. Como ellos, si tú tienes alguna propuesta a favor del medio ambiente y de México busca integrarte a alguna institución, empresa o escuela para poder realizar un cambio más en beneficio de nuestro país.

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