Indie Rocks! número 41

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Año 5 NUM. 41 Indie Rocks!, la revista del mundo independiente, es una publicación mensual y una marca registrada. Editor responsable: Fernando Fonseca. Número de Certificado de Reserva Otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2009-110914511800-102. Número de Certificado de Licitud de Título: 13687. Número de Certificado de Licitud de Contenido: 11260. Domicilio Fernando Montes de Oca #14 Col. Condesa C. P. 06140, México, D. F. Derechos Reservados. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido por cualquier sistema o método, incluyendo electrónico o magnético, sin previa autorización. El contenido de esta publicación es responsabilidad de quien lo firma y no refleja necesariamente la opinión de Indie Rocks!. Impresa en “Impresiones Modernas S.A. de C.V.” Sevilla 702 B, Col. Portales C.P. 03300, México D.F. Distribuida por CITEM, Av. De Cristo # 101, Col. Xocoyahualco, Tlalneplanta, tel. 5360 00 00.

“Esta revista cuenta con apoyo otorgado por el Programa “Edmundo Valadés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes 2009 del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes”.

Para cuando tengan esta revista en sus manos sabrán qué sucedió con nuestra selección en esta úlitma edición del mundial. Espero que hayan hecho un buen papel contra Argentina, aunque las posibilidades marquen lo contrario, pero ¿Se vale soñar no?.

Inicio esta editorial hablando de fútbol, ya que algunos colaboradores, inclyéndome, compartimos el sentimiento. En realidad el fútbol es un deporte que no llama tanto mi atención, únicamente me apasiona en cada mundial y sobre todo si México califica. Probablemente sea muy criticada esta postura, así como han sido criticadas nuestras redes sociales por participar en la fiebre mundialista, por otro lado también hemos tenido una excelente respuesta por parte de muchos seguidores de este deporte. Sabemos que a algunos no les parecerá que demos opiniones mundialistas; los más puristas incluso se sienten ofendidos porque un medio musical se una a este festejo, sin embargo entendemos que es importante mantener comunicación con todos por lo que les pedimos tolerancia.

Cambiando de tema, les tenemos una recompensa a aquellos que esperaron nuestros festejos de éste año pues ya pronto comenzarán en distintos puntos de la república.

Primero trendremos a Hello Seahorse! junto con Eby y Robot Junkie Paradise en Querétaro, el 28 de agosto, más adelante consentiremos a nuestros lectores de Guadalajara con Stereo Total el 9 de septiembre y así posteriormente confirmaremos más eventos, les daremos información actualizada en nuestro sitio web y redes sociales. Estén pendientes.

Como noticia de último minuto, nos complace compartirles que nuestra publicación fue galardonada con el Premio Nacional de las Artes Gráficas, estamos muy orgullosos tanto de nuestro departamento de Arte como de nuestra imprenta (Impresiones Modernas) por su gran calidad y apoyo.

Fernando Fonseca Cárdenas Director General

Fé de Erratas En la edición no. 39 de Indie Rocks!, sección: Rockeando, el crédito de fotografía de la reseña Vicente Gallo, es de Oscar Villanueva. Lamentamos la equivocación y agradecemos la comprensión del fotógrafo.

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Contenido 04_MIRA 08_RESEÑAS

54_DRESS_&_ROLL Excuseme Paragüas

20_MANDARINA •Cut Out Fest •Aldo Castillo

Aldo dirige la Feria Internacional de Arte de Miami, hecho que lo llevó a dejar una de las galerías más importantes en la ciudad de Chicago. Por otra parte, es miembro activo de la Spanish Action Committee Of Chicago (SACC), fundación que se dedica a los cambios sociales positivos.

28_PBO_Nal.

•Los Románticos de Zacatecas •Rey Pila

32_¿Y_ESTO_QUÉ?

Groupies

34_PBO_INTERNACIONAL

•Crystal Antliers

Estos músicos antes trabajaban como limpia chimeneas en Long Beach y han sorprendido a la crítica y escuchas con su sonido atípico, que hace una interesante composición de géneros como el punk, el rock y el metal. Pocos son los que se pueden resistir ante la energía que transmiten sus melodías o a la intensidad de sus letras y presentaciones en vivo.

•El Juri

39_CLAQUETAZO

Entrevista Vaho

64_FRENTE_1/2 Yann Thiersen

Conocido por muchos como el compositor de soundtracks de películas como Amélie y Goodbye Lenin!, el músico vanguardista, Yann Tiersen, se presentó en México por segunda ocasión. Su éxito fue rotundo, la gente peleaba para hacerse de sus boletos y poder atestiguar la presentación de su nuevo material Dust Lane. En boca del mismo intérprete, este es el disco más ambicioso que ha realizado hasta ahora. Él y su excitante música están llenos de reflexiones y observaciones sobre el alocado mundo en el que vivimos.

70_ROCKEANDO 78_APARATEJOS 81_LABEL_DEL_MES Studio One

Clement “Coxsone” Dodd anticipó su vocación tocando discos para los clientes de la licorería propiedad de su padre cuando adolescente; buscando halagar y estimular al escucha. Así fue cómo este nacido en Kingston, Jamaica, el 26 de Enero de 1932, allanó su lugarcito en la historia musical de Jamaica al ser el primer negro propietario de un estudio de grabación. Fue durante 1963 que fundaría, en un predio de Brentford Road, Jamaican Recording and Publishing Studio, que a la postre sería conocido entre la gente como Studio One.

42_FRENTE

The Whitest Boy Alive 84_FRENTE_1/2

Es bastante placentero encontrarte con bandas independientes que, paso a paso, logran sus objetivos sin perder el piso. Habiendo creado su propia compañía, Bubbles, The Whitest Boy Alive trajo a México su segundo material, Rules, para presentarlo en directo en diferentes escenarios. Esta es la crónica, verídica, por supuesto, de una peculiar coincidencia (concierto) en domingo por la mañana y de una agradable conversación en exclusiva para IndRks! con Marcin Öz, bajista de TWBA y director de Bubbles, después de su paso por nuestro país.

48_¿Y_ESTO_QUÉ?

Muertos de risa 50_RETROVISOR

Clint Eastwood

Chetes Con tan sólo 30 años de edad, el músico y

compositor regiomontano, Chetes, está cumpliendo quince años de trayectoria artística, y lo festeja en grande con el lanzamiento de su tercer álbum denominado Hipnosis, en el que experimenta cosas nuevas y enfrenta la responsabilidad de realizarlo casi en su totalidad por sí mismo.

90_CALENDARIO

95_REPORTAJE_ESPECIAL Le Bucherettes

¡Santos geeks

justicieros, por

si

Batman!

ugo

L Pita

Sólo en Japón: =

¡Agua elástica!

Cuando uno piensa en agua se imagina ríos, océanos, lluvias, pero definitivamente no un elástico. Aunque gracias al país del sol naciente eso deberá cambiar. Al parecer, cuando no están ocupados construyendo robots gigantes, convirtiendo monstruos marinos en galletas o dibujando curvilíneas chicas de grandes ojos, se dedican a desafiar todas las leyes físicas que conocemos creando materiales que en otra época habrían provocado que los llamaran hechiceros.

Añadiendo arcilla y un compuesto orgánico a agua común y corriente, los científicos de la Universidad de Tokio lograron crear un material que es 95% agua pero es un sólido elástico; se piensa que este material puede ayudar en el tratamiento de enfermedades de largo proceso degenerativo, para reunificar tejidos y para producir plásticos que sean ecofriendly. Claramente los japoneses están obviando la variedad de juguetes sexuales probables que este descubrimiento puede representar, seguro pronto tendremos noticias de ello.

Los cómics, y recientemente las películas, se han encargado de hacernos creer que lo único que necesita un sujeto común para convertirse en súper héroe es una saludable dosis de radiación o una exposición a sustancias químicas tóxicas e inestables; pero gracias a personas como el australiano Michael Baulderstone, es obvio que sólo se necesita estar en el lugar adecuado, aunque el traje de spandex sigue siendo necesario.

Cuando Baulderstone se vistió de Spiderman, para celebrar el Día Internacional del Cómic en su tienda en Australia, sus sentidos arácnidos tintinearon al ver a un cliente comportándose sospechosamente, después de una pequeña discusión, Michael descubrió que intentaba robarse 160 dólares en historietas. Después del incidente pidió ayuda a sus clientes vestidos de héroes y personajes de Star Wars para vigilar la tienda y el día se salvó.

Cavernícolas cocineros: Los más listos del lugar

PETA molestando desde más allá de la tumba

En estos días morirse ya no es tan poético como solía serlo, más bien significa una tonelada de gastos que se heredan a los seres queridos, y, si en verdad son queridos, lo que menos se desea es cargarlos con más preocupaciones y penas; eso fue lo que orilló a Aaron Jamison, quien sufre un cáncer de colon terminal a buscar una solución para pagar sus gastos médicos y de cremación. Gracias al viejo capitalismo no tuvo que depender de la caridad, se le ocurrió la brillante idea de vender el espacio de su urna para que marcas pudieran hacer macabra publicidad allí.

Entre las distintas compañías que pagaron por anunciarse en las tres urnas que contendrán sus restos, PETA, la asociación en pro de los derechos animales pagó dos anuncios de 200 dólares para dejar legado de su mensaje. Esperemos que eso de los anuncios post mortem no se vuelva una forma común de pago en las funerarias.

El fuego es uno de los descubrimientos que nos ayudó a llegar a donde estamos hoy en día, bueno, al menos, según los descubrimientos recientes del antropólogo Richard Wrangham, aseguran que cocinar alimentos permite evitar enfermedades, además de tener la habilidad de manipularlos mejor y evitar que se descompongan rápidamente. Según Wrangham, se había ignorado que cocinar comida permite que el cuerpo gaste menos energía en la digestión de alimentos y comprobó que esa energía extra se aprovechó por el cerebro de nuestros antecesores para que éste creciera más.

Además el fuego usado para cocinar también ayudó a elevar la temperatura de los cavernícolas, provocando una reducción en el bello corporal, lo que les permitía recorrer mayores distancias cazando sin sobrecalentarse.

Así que ya saben, si quieren ser más listos (o tener menos vello corporal), una receta milenaria es tomarse la molestia de preparar sus alimentos con fuego.

7

Horse Feathers Thistled Spring

Kill Rock Stars, 2010

****

Por Fernando Cuevas

Un folk aderezado con firmes cuerdas de aliento barroco, remitiendo a sonidos de reconocibles parajes que igual anuncian el fin de la cosecha, o el inicio del encuentro musical comunitario de un domingo cualquiera.

Es la propuesta de Justin Ringle y multitud que lo acompaña, bien armada de bandurrias, mandolinas, armónicas, percusiones, trompetas y toda clase de instrumentos que nos recuerdan cómo se siente respirar aire fresco. En su cuarta incursión, los de Portland siguen sembrando el mismo terreno con la vocal que parece irse entre las ramas de la portada, aunque siempre atrapada por una instrumentación que apela al atrevimiento de volver atrás, cuando las ciudades eran la excepción.

su guitarra y a la vez sí: es folk. Lo que quiero decir es que no es como tener diez de esos tracks típicos del final de un disco donde están solo el vocalista y la guitarra en una atmosfera sentimental. The Wild Hunt es un disco completo, rico en colores y lugares.

Al escucharlo, su voz nos recordará a Dylan (un tema ya recurrente para este artista), pero también a un tipo de canciones, ya lejanas, que no necesitaban de mucha producción para evocar lugares: hablo de José Alfredo. No se trata de un imitador sino de un artista completo, versátil, sin necesidad de usar más de un par de instrumentos para llevarnos a sitios que hace mucho un disco no nos llevaba.

The New Pornographers Together

Matador, 2010

****

Por Lalo Rojas

The Tallest Man on Earth The Wild Hunt

Dead Oceans, 2010

****

Por Fernando García

The Tallest Man on Earth no es nada más un Kristian Matsson con

La agrupación canadiense, The New Pornographers, regresa a la escena con un álbum que puede ser el material discográfico del verano.

Esta banda se ha mantenido dentro de la onda independiente y para su quinta entrega nos presenta Together, álbum que desde la primera canción nos deja sentir la

Caribou Swim

Merge Records, 2010

*****

Por Juan Carlos Hidalgo

Dan Snaith tuvo que dejar a un lado su primer nombre de batalla (Manitoba) por problemas legales, probablemente, ello también incidió en replantear el rumbo de sus composiciones, que sin perder un toque singular, ya no delatan influencia de Animal Collective. Swim es un disco de temas adheribles —de esos que se te pegan a la piel— y que si tributan a algo, sería a la estética sonora de DFA, la disquera de James Murphy (ahora en plena eclosión de LCD Soundsystem). El hombre no sólo se rodea de vasto aparataje, sino que también elige sabiamente sus alejamientos de Ontario —su sede formal—, se movió a Gales para trabajar con Jeremy Greenspan de Junior Boys buena vibra que siempre han contagiado.

Un disco ideal para estas tardes de verano, en las que simplemente uno desea acostarse a tomar el sol, conectarse unos audífonos y perderse en las melodías de esta banda. Son canciones como Your Hands (Together) y A Bite Out Of My Bed las que nos hacen sentir la gran armonía que ofrece el álbum completo. Sin duda, uno de los materiales más destacados de esta banda y con el cual nos confirman por qué a sus trece años de carrera aún son una banda que propone.

y, además, astutamente decidió las colaboraciones que requería: Keiran Hebden (Four Tet) y Luke Lalonde (Born Ruffians), entre otros.

Abre el disco con su mejor pieza Odessa, que nos pone a bailar y hace que no soltemos al resto.

Con gallardía puede codearse con Hot Chip y Elernd Oye, pues le sobran argumentos (Sun, Bowls). Capas y capas de

First Aid Kit The Big Black And The Blue Wichita, 2010

***

Por Cherry_Tess

Quien en algún momento se haya preguntado si el folk era del agrado de los adolescentes, sin lugar a dudas tiene que escuchar esta propuesta musical.

El dúo sueco conformado por las hermanas Johanna y Klara Söderberg lanzan su primer LP llamado The Big Black And The Blue. Cuando escuchas el disco no te imaginas que quien canta son un par de chicas de 19 y 16 años, pues la intensidad de las

sonidos, manipulación de voces y su debida ración de psicodelia al servicio de una electrónica funcional y desprejuiciada. Leave House es el estandarte del sentido ecléctico —aquí ajusta perfecto el término— de este “ministro del desfogue”, que además nos cuenta la historia de una ruptura amorosa a lo largo del disco.

letras y voces parecen de mujeres más experimentadas. Estas hermanas, quienes a pesar de haber crecido con la música de Britney Spears y Christina Aguilera, denotan cómo su mayor influencia son los Fleet Foxes. Este disco folk resulta agradable; canciones como Sailor Song, Josefin o Will Of The River, son ejemplos de la calidad en este recomendable álbum.

Madam Bisturí Entartete Kunst

Independiente, 2010

***

Por Morbo

Xiu Xiu

Dear God I Hate Myself Kill Rock Stars, 2010

****

Por Fernando Cuevas

De nombre cinematográfico, este grupo californiano comandado por Jamie Stewart teje su propuesta a partir de sonidos experimentales con un dramatismo incisivo, apenas rescatado por melódicos pasajes que revientan en las angustias existenciales, sexuales; todas las relaciones humanas son desglosadas a lo largo de su inquietante discografía, iniciada con Knife Play (2002).

En su reciente entrega, Dear God I Hate Myself, continúan la presencia de teclados dislocados, cuerdas en tensión, instrumentaciones desnudas y ruidos extraviados que anuncian ironías del tipo Chocolate Makes You Happy, o la canción titulada Dear God I Hate Myself. La posibilidad de considerar como querida a la divinidad y al mismo tiempo odiarse con todo.

Como apunta la canción final, Impossible Feeling, existen sentimientos que, simplemente, son imposibles. Por momentos, la música de Xiu Xiu parece vivirlos, o al menos, nombrarlos.

Madam Bisturí es una banda completamente independiente, de hecho, tienen ya varias grabaciones hasta el momento.

Ellos tocan un stoner rock degenerado y sucio. Este disco, Entartete Kunst, fue producido, grabado y mezclado en casa de quien también les hizo el master (Andrés Sáenz), en Monterrey. Para los pocos que conocen a la agrupación, es fácil decir que este es su mejor disco hasta el momento.

Al escucharlos te vas a encontrar con guitarras macizas, gritos que te incitan al headbanging, letras desenfadadas que hablan de sexo, el diablo, el infierno, terror, deseo carnal y todas esas cosas que nos gustan o desagradan, pero que son poco comentadas en voz alta. El material lo pueden descargar del sitio web oficial, completamente gratis. Si te gusta el rock, dale una vuelta.

Mägo de Oz

Gaia III: Atlantia Warner, 2010

***

Por Emmanuel Pontones

En este nuevo material,

la agrupación española consentida del folk-metal, Mägo de Oz, no se reinventa, y a pesar de que eso no es algo imprescindible en el género, el álbum tiene la virtud de explorar armonías y estructuras ajenas al estilo de estos músicos.

De la misma manera, este LP podría formar parte del soundtrack de alguna película que se ubique en la Edad Media, es decir, el disco cuenta con la cualidad de transportarnos y “generar” ese tipo de escenarios, en los que se sitúan historias escolásticas, simplemente con el hecho de escucharlo.

Desde una perspectiva muy personal, Mägo de Oz es de aquellos grupos sobre los que antes de emitir una opinión acerca de lo que producen, sería conveniente verlos en

LCD Soundsystem This Is Happening EMI, 2010

*****

Por Emmanuel Pontones

Disco energético y extenso, con una duración aproximada de una hora y cinco minutos, a pesar de que LCD Soundsystem es un claro representante del género electrónico, este material integra varios elementos fuera de los convencionales para dicho estilo, así como la estructura en sus canciones que se inclina un tanto más a lo alternativo.

This Is Happening es una mezcla interesante que logran generar James Murphy (compositor y productor del material) y Dave Sardy (en los remixes de Drunk Girls, Change, Hit y Somebody’s Calling Me). En éstos te-

vivo, ya que es una banda que suena mucho mejor en presentaciones que en discos.

nuevamente (su primera colaboración fue en el estupendo De Loused In The Comatorium, de los The Mars Volta) en un trabajo íntimo y casero.

Armados con guitarras y una enorme influencia del rock progresivo, este dúo realizó un pequeño álbum de apenas veintinueve minutos de duración, y lo mejor es que es un recorrido recomendable por los vericuetos de su virtuosismo.

Aunque no impreOmar Rodríguez López sionará a nadie, ni será y John Frusciante un disco esencial, sí es Omar Rodríguez López interesante escuchar y John Frusciante el trabajo de estos dos Kill Rock Stars, 2010 referentes del rock actual, acoplándose de una forma tan magisPor Luis Reséndiz tral. Disponible para su Dos auténticos genios descarga gratuita en la del santoral guitarrístico, web de Omar Rodríguez Omar Rodrígez y John López.

Frusciante, unen fuerzas

****

mas, los arreglos rebasan la estructura, ritmo o volumen de la canción que forman parte.

This Is Happening es un álbum que rebasa sus propios límites y en voz de sus autores, éste que es el tercer álbum de la banda, será el último.

Esperemos que sólo sea un arranque de declaraciones. Este material se puede escuchar desde la página web de la banda, además son recomendables los vídeos que presentan en el sitio de forma exclusiva.

11

The Dø

A Mouthful Six Degrees, 2010

*****

Por René Verduzco Cortés

Muchos dúos alternativos como Air, Royksopp y She & Him, demuestran que dos son suficientes para hacer música exquisita y grandiosa. The Dø es un pareja de músicos franceses formada por Dan Levy y la cantante finlandesa (radicada en Francia), Olivia Merilahti.

Sus letras hablan de quejas en contra del amor y la vida, puestas en explosivas melodías cargadas de euforia y la peculiar voz de la cantante. Poco a poco irán absorbiendo terreno en la escena musical con su violencia femenina, los arreglos multiinstrumentales de Dan Levy y la fuerza imparable de principio a fin, en un álbum memorable para fiestas, romper tu recámara y gritar a lo alto.

Destacan los temas: On my Shoulders, Tammie y Playground Hustle.

Archie Bronson Outfit Coconut

Domino, 2010

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Por Cherry_Tess

La banda inglesa, Archie Bronson Outfit, integrada por Sam Windett (voz y guitarra), Dorian Hobday (bajo), y Mark Cleveland (batería), lanza su tercer material titulado Coconut bajo el sello Domino Records. Se trata de un álbum bastante rítmico,

lleno de grooves y mucho ruido, que desde el primer momento, te hará mover todo el cuerpo (o por lo menos menear de arriba a abajo la cabeza), y esto lo provoca desde Magnetic Warrior canción con la que abre el disco, en el que las guitarras, la batería y los efectos de sonido juegan un papel crucial.

Shark’s Tooth, primer sencillo del álbum, tiene un ritmo bastante pegajoso y divertido, lo mismo que Hoola y Chunk, mientras que Hunt You Down es la canción tranquila que relaja al escucha después de tanto ajetreo. Wild Strawberries es quizá la mejor canción del disco pues engloba en ella el concepto general del disco.

The Black Keys Slash Slash

EMI, 2010

****

Por Vic Arellano

El talentoso y carismático guitarrista Saúl Hudson, mundialmente conocido como Slash, presenta un LP solista bastante bueno, aunque algo ambiguo, ya que se hizo acompañar de grandes personajes del rock de la talla de Ozzy Osbourne; Lemmy Kilmister, de Mötorhead; Iggy Pop; Dave Grohl; Chris Cornell; y por otros artistas talentosos no tan ligados a este estilo: Fergie; Adam Levine, de Maroon 5; y Myles Kennedy, entre otros.

Slash está repleto de excelentes temas de rock tradicional, como es costumbre del virtuoso guitarrista, donde los

buenos riffs, intensidad y fuerza hacen presencia, sin descuidar jamás las melodías, logrando así la combinación perfecta.

También existen canciones que, a primera oída, quedan un poco bajas con la perspectiva inicial del disco, ya que carecen de la actitud

roquera vinculada al intérprete, así como las denominadas power ballads se imponen, y allí, Slash, nos demuestra su versatilidad. Muy buen disco solista de un guitarrista que nunca abusa del talento con solos demasiado largos o pretenciosos.

Brothers

Nonesuch, 2010

*****

Por Lalo Rojas

A veces comparados con los White Stripes, los Black Keys regresan y ofrecen su sexto material LP de nombre Brothers.

Continuando con el uso de técnicas de grabación de baja fidelidad que los ha caracterizado hasta ahora (como el uso de grabadoras de cinta y efectos analógicos), nos presentan una producción en donde predomina el blues, con un poco de rock y un toque medio garage que hace de la rolas un delicatessen sucio y grasoso del sur de Estados Unidos.

Para este álbum el dúo conformado por Dan Auerbach y Patrick Carney contó con la producción de Danger Mouse

en el tema de Tighten Up, el cual fue elegido por la banda pare ser el primer sencillo.

Definitivamente un material lleno de buenos riffs y ritmos que nos llenan de tranquilidad, escúchenlo con mucha calma porque podemos estar hablando de uno de los mejores discos de rock de este 2010.

Delorean Subiza

Mushroom Pillow, 2010

****

Por Luis Reséndiz

Una palabra basta para describir el espíritu de este álbum: evolución.

Delorean, banda española totalmente renovada, casi refundada, se embarca ahora en una aventura temeraria, lejos del indie post punk que los caracterizó en su trabajo del año pasado, Ayrton Senna. Ahora recorren caminos mucho más psicodélicos, rayando en lo ambient y con un amplio sentido del oficio de la canción pop.

Subiza es, a grandes rasgos, un disco lleno de energía, con atmósferas que van de lo nostálgico a lo festivo, un álbum estupendo, una grata sorpresa en el panorama no sólo español, sino mundial. Delorean se aventuró y lo logró: la hazaña fue realizada.

The Blind Side

en el Valle del Viento, donde los habitantes llevan una vida tranquila. Miyazaki, que si bien lo podríamos considerar el Walt Disney japonés, estrena esta obra en su versión íntegra y original, en donde ya vemos su amor por la naturaleza.

En este filme, incomprendido por muchos, notarán que el contenido es extremadamente denso, más “filosófico” que infantil. Para los fans from hell del director, estarán de acuerdo en que los personajes fueron diseñados con cuidado, como la protagonista que nos hace ver cosas de manera similar a ella: valorando doce años de escritura y una animación adelantada a su época.

John Lee Hancock, 2009 129 minutos Por Pita Lugosi

Sin duda esta cinta causó bastante hype en el 2009, con todas las nominaciones y premios que obtuvo en los premios Oscar, generaba mucha expectativa.

Lo cierto es que, si bien The Blind Side no es una mala cinta, tampoco es lo que nos habían prometido: todas las actuaciones son buenas pero no destacadas (quizá Quinton Aaron sí puede llegar a convencernos de que es Michael Oher); todos los detalles son muy cuidados y es un drama

bastante limpio y apto para toda la familia. Probablemente ese es el talón de Aquiles de la cinta, que en verdad todos los potenciales momentos de drama y tensión son disueltos por el optimismo y la blancura del filme.

The Blind Side es parecida a esas cintas de la postguerra que tenían como finalidad animar a la gente, darle esperanzas y distraerlas de su situación; un arte olvidado que rescata muy bien John Lee Hancock. de The Cove pretende documentar los problemas por los que tuvieron que pasar para poder realizar las investigaciones en torno a la captura de delfines.

El objetivo es informar al público, no sólo acerca de la muerte de 23 mil delfines al año en Japón, también se intenta advertir sobre la forma cruel en la que dan muerte a éstos. Lo que busca The Cove es contribuir en algo para evitar que esta masacre continúe.

The Cove

Jonah Hex

Louie Psihoyos, 2009 Por Paco Serrano

Jimmy Hayward, 2010 124 minutos Por Midori Kaiju

¿Por qué el gobierno japonés encubre el trato que los pescadores de su país le dan a los delfines?

Bueno, porque la captura y matanza de estos animales en el Japón ha resultado ser un negocio valioso. El nicho de mercado por consumo de este mamífero marino es muy importante para ciertas empresas transnacionales. El consumo de la carne de delfín, así como la venta de estos animales a los acuarios de todo el mundo generan ganancias millonarias.

Lo que el equipo de producción

En algún punto deja de ser claro si es refrescante, o algo de preocuparse, que Hollywood esté dedicado a producir cintas de algunos héroes y forajidos básicamente desconocidos para la mayoría de la gente, y les den su terruño en la parcela de la pantalla de plata. Ahora le tocó su turno al vaquero Jonah Hex para llevar su venganza —y vaqueros— a las masas y esperar lo mejor.

Probablemente le dieron a Jonah Hex una oportunidad en el cine por la necesidad casi genética que tienen los norteamerica-

nos de hacer westerns aún hoy en día, y realmente le hicieron un favor al lacónico vaquero de los cómics de DC (que era claramente Clint Eastwood con la cara deformada), ahora puede hablar con los muertos (capaz de hacerlos hablar mientras los sostenga, pero el cuerpo de estos se va quemando mientras dura el proceso, hasta convertirse en cenizas) y tiene a Megan Fox como su novia, que trabaja de prostituta para poder comprar un pedazo de tierra para ella y su amado vaquero desfigurado.

Si les gustan las historias de vaqueros, o son capaces de soportar una cinta por ver diez minutos a Megan Fox, no saldrán decepcionados, de lo contrario será otra cinta que pase sin pena ni gloria.

Kaze No Tani No Nausicaä Hayao Miyazaki, 1984 118 minutos Por Carolina Gómez

En medio de un mundo “postapocalíptico” a consecuencia de una enorme guerra en la que participaron varios países y ejércitos del planeta, la humanidad sobrevive como puede, menos

Kick-Ass Matthew Vaughn, 2010 117 minutos Por Pita Lugosi

Dentro del boom de películas de superhéroes de viñetas, realmente cada vez se vuelve más difícil encontrar cintas que dejen satisfechos a todos; por un lado siempre estarán los fanboys exigentes que por el más mínimo desapego del material original tacharán a la cinta de sacrílega, mientras, que por el otro, está el público general que espera no tener que lidiar con algo muy complejo. Sin embargo, Matthew Vaughn ha logrado crear una de las pocas películas que equilibran ambos aspectos haciendo de

Kick-Ass un clásico instantáneo del género.

La historia está basada en el cómic homónimo de Mark Millar y John Romita Jr. en el que se narran las aventuras de Dave Lizewski, un perdedor ordinario, que harto de su patética existencia decide convertirse en un superhéroe, como los que ve en los cómics que tanto ama. Esta es la mejor excusa para que Dave inicie un delirante viaje de autodescubrimiento, en el que se da cuenta de la importancia de las decisiones que tomamos cada día.

Les anticipo que vayan preparados para un desfile de violencia gráfica sublime, que incluso llega a tonos “tarantinescos”, con una buena ración de humor negro y, una agradable sorpresa en verdad, un soundtrack que hacen de Kick-Ass una cinta de ésas que te motivan a verla de nuevo y quizá a desempolvar las fantasías de héroe de tu adolescencia.

separable instrumento musical, a los rituales mortuorios para dar la última despedida a personas que emprenden el viaje definitivo.

Dirigido con genuina emotividad, el filme se desarrolla en un drama existencial, nutrido por temáticas varias (paternidad, muerte, el trabajo), así como por la búsqueda del origen para comprender el presente, trazar el futuro y si se puede, sanar el pasado. Son extrañas maneras del destino, por eso es que para comprenderse a sí mismo nada mejor que acercarse a la muerte y las sensaciones que la acompañan, con todo y la roca en mano.

Animales y personas con fuerte carga simbólica; elusivos flashbacks en los que predominan los recuerdos de rostros borrosos; sensible acompañamiento musical digno de la temática abordada; una fotografía prístina de amplitud estética y un permanente cuidado en la composición de los encuadres, buscando destacar los elementos clave a través de un juego de enfoques, terminan por dotarle de fuerza narrativa al viaje emprendido por el protagónico lleno de inesperados descubrimientos en el territorio menos explorado por él: su ánima.

PROMOs Para participar, envíanos un correo electrónico con todos tus datos y el asunto del correo promociones@indie-rocks.com Cortesía de la Cineteca Nacional:

Tenemos 20 pases dobles para cualquier función del mes de Julio Dinámica: Lectores en general Asunto del correo: Cineteca Nacional Cortesía de Warner Video México: Pide uno de los tres Blu-ray con la primera temporada de Supernatural Dinámica Lectores en general Asunto del correo: Supernatural

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Supernatural (Primera temporada) Eric Kripke, 2005 396 minutos Por Pita Lugosi

Okuribito Yôjirô Takita, 2008 130 minutos Por Fernando Cuevas

Llegado el momento, no hay más que tomar decisiones radicales: asumir el fracaso vocacional como violonchelista y regresar a las raíces en busca de respuestas (a pesar de no tener muy claras las preguntas). De los sublimes y melancólicos sonidos de su in-

Supernatural, al menos en su primera temporada, fue una de las mejores series de Warner Bros.

Simplemente todos los elementos se conjugaban efectivamente.

El misterio de la desaparición del padre de los hermanos Winchester (Jared Padalecki y Jensen Ackles) los llevaba a mostrar lo efectivo que había sido su entrenamiento para subyugar a las fuerzas del mal, junto con el soundtrack, las actuaciones y la ingeniosa forma de retomar leyendas urbanas para convertirlas en parte de las hazañas cotidianas de estos hermanos.

Si bien es cierto que posteriores temporadas decayeron (justo en el momento en que empezaron

a reciclar enemigos, aunado a que tuvieron que sufrir la huelga de escritores en Hollywood) y luego volvieron a retomar el buen camino, un lustro después de su estreno, el Blu-ray tiene algunos contenidos extras que valen la pena. Por ejemplo, hay un extra llamado The Devil’s Road Map, una guía interactiva que explica el origen de las creaturas, leyendas urbanas y hechos inusuales que forman el plot de esta primera temporada (esto complementa perfectamente el documental Supernatural: Tales From The Edge Of Darkness, que acompañaba al DVD, junto con el piloto del prñimer programa de la serie. Si gustan de las series

de horror-humor, Supernatural definitivamente está entre las recomendaciones obligadas, y nada mejor para empezarla a ver (o repetirla) que en la alta definición que ofrece el Blu-ray.

Prince Of Persia: The Sands Of Time Mike Newell, 2010 116 minutos Por Pita Lugosi

En mi infancia pasé bastantes horas jugando Prince Of Persia, imaginando una épica aventura con los escasos pixeles que tenía en la pantalla. Años después, anunciaron los planes para la cinta Prince Of Persia: The Sands Of Time, y temí que desacralizaran los recuerdos de mi infancia y al nuevo héroe que habían creado en la última década. Probable-

Invictus Clint Eastwwod, 2009 134 minutos Por Pita Lugosi

Invictus, cinta que se estrenó en nuestro país a principios de año, nos cuenta la historia de cómo Nelson Mandela pasó de ser un prisionero a convertirse en presidente de Sudáfrica en 1994, siendo el primer hombre en ostentar ese cargo en su país por una elección democrática.

Parte del éxito de esta cinta fue la seguridad y fuerza que dio la visión de Clint Eastwood, dirigiendo a Morgan Freeman y Matt Damon, para recrear el espíritu indomable de Mandela, que supo unir a una nación separada por el odio entre blancos y negros, y comunicarla con el

mente Newell entendió que habría miles de fanáticos en esa misma situación y decidió pedir ayuda al creador del videojuego para realizar su cinta. Si les gusta la acción, los efectos especiales de última generación, y gags humorísticos tipo Pirates Of The Caribbean, esta cinta es para ustedes.

Prince Of Persia: The Sands Of Time es una de las mejores adaptaciones cinematográficas de un juego que vamos a ver jamás, claro, hubo algunos cambios, pero al final todo parece encajar bastante bien en la historia.

la Cámara de Oro en el festival de Cannes y nominada dentro de los premios Oscar, como Mejor película de habla no inglesa en la pasada edición. No es raro que siendo del país y género de origen, sea un mosaico violento tratado al nivel de casi ser un documental, sin extrañarse de tener un aire a Ciudad de Dios.

Cuenta con cinco capítulos que están estructurados como una red o laberinto que finaliza en flashbacks. De este lado del mundo, la veremos periférica y digna de festivales con un riesgo bastante jugoso.

Ajami

Scandar Copti y Yaron Shani, 2009 120 minutos Por Carolina Gómez

Israel y Palestina vistos desde un punto diferente en este filme, en donde los árabes que viven en el barrio de Ajami, al sur de Jaffa, experimentan una situación complicada por la convivencia cotidiana que tienen con judíos y cristianos. Esta cinta recibió

idioma del deporte, en este caso del rugby, un deporte de blancos cuyos meritos principales fueron logrados por gente de color (un parlamento de la película delata mucho a la visión de Eastwood sobre todo el asunto: “El soccer es un deporte de caballeros jugado por hooligans; el rugby es un deporte de hooligans jugado por caballeros”).

Este filme es bastante atractivo por sí solo, pero su versión para Blu-ray despierta interés adicional en todos. Los que se la perdieron en cines, podrán vivir toda su emotividad en los 1080p de resolución y 5.1 canales de audio (los que tengan un buen home theater en verdad quedarán inmersos en la experiencia). Pero para los que les gusta comprar cintas por sus extras, ésta trae un interesante documental donde

Food Inc.

Robert Kenner, 2008 Por Paco Serrano En la actualidad, la forma en la que se producen los alimentos se modifica en la medida que la tecnología desarrolla, inventa o articula mecanismos más eficaces en cuanto a la obtención de éstos.

Así, actualmente, ya no podemos categorizar a la producción de los mismos como antes lo hacíamos, a saber, a partir de métodos más apegados a la agricultura o procesos, por decirlo de algún modo, más naturales. Por ejemplo, las nuevas semillas transgénicas —que no son “invento” pero tampoco iguales a las de hace cientos de años— han acelerado un cambio vertiginoso: ahora a la forma de producir alimentos se puede llamar producción en masa a cabalidad. Es decir, que ya no hay distingo entre la producción de alimentos y de bienes duraderos.

Food Inc. es un documental valioso que muestra la manera en que las empresas transnacionales, y los mismos ganaderos, tratan a los animales susceptibles de consumo; nos invita a reflexionar acerca del derecho inalienable que tenemos los consumidores de adquirir alimentos de calidad sin concesión alguna.

Heroes

(Cuarta temporada) Tim Kring, 2009 950 minutos Por René Verduzco Cortés

se entrevista a varios de los involucrados en la historia de Nelson Mandela y la preparación que recibió Morgan Freeman para interpretarlo.

Cuando Heroes comenzó, hace algunos años, había mucha expectación por lo que podría pasar, pues por su narrativa se volvió una serie imperdible, estilo Lost. Con el pasar del tiempo y las temporadas mediocres, perdió admiradores y ganó otro tipo de seguidores que querían creer en superhéroes tipo X-Men. En su cuarta temporada, que se convirtió en la última al ser cancelado el proyecto, Heroes

cambió su esquema narrativo de muchos personajes para enfocarse en sólo algunos de los favoritos, para relatar una nueva historia que se compara con Carnivàle de HBO. En esta ocasión, el villano Sylar es avisado que morirá solo en un futuro cercano, aterrado por ello trata de enmendarse y cambiar su futuro (como Ebenezer Scrooge de Una historia de navidad).

Además, una caravana ambulante de freaks con poderes se unió a la serie, haciéndola más interesante, regresando la frescura que tenía en la primera temporada. Heroes, como otras grandes series, tiene sus altas y sus bajas, pero sin duda la cuarta temporada fue una buena forma de despedirse.

Entourage (temporada cinco) Doug Ellin, 2009 360 minutos Por Midori Kaiju

Entourage es una de esas series que poco a poco ha ido consolidándose en el gusto del público de nuestro país (probablemente porque se transmite por canales de paga y no en televisión abierta). Su trama gira en torno a la inestable y curiosa mezcla del deslumbrante estilo de vida hollywoodense y a la amistad de un grupo de hombres que quieren dejar su nombre grabado en la industria más grande del entretenimiento.

quimera humanoide que deciden llamar Dren (su forma al principio es alienígena, pero se va tornando más humana conforme va desarrollándose). No es una obra maestra cinematográfica, pero al menos, vale la pena verla.

Splice

Vincenzo Natali, 2009 98 minutos Por Midori Kaiju Splice es una cinta que a pesar de que se escuda en el tema de la bioética, sabe manejarlo bastante bien (probablemente gracias a la tenaz visión de Natali).

La historia trata de un par de científicos que recién han alcanzado la fama por haber logrado crear una nueva especie, con el afán de lograr un mayor avance, deciden jugar a ser dioses e inyectar su propio ADN en un embrión de la especie que recién crearon, dándole vida a una

Esta serie combina de una forma bastante liviana el drama con la comedia, dejando más espacio para la segunda, lo que crea una entretenida parodia del mundo hollywoodesco a los ojos de quienes lo conforman y padecen. En esta quinta temporada tenemos a nuestro protagonista, Vincent Chase (Adrian Grenier), intentando recuperar su carrera después del fiasco que resultó su cinta Medellin en Cannes (así como las innumerables críticas a su actuación). je del folklor inglés, que ya ha tenido varias aventuras televisivas y fílmicas.

La historia se centra en las peripecias de Robin Longstride, un habilidoso arquero del ejército de Ricardo Corazón de León, el cual lucha contra los invasores normandos y se convierte en el héroe legendario conocido como Robin Hood. En general la cinta recurre a la fórmula tan probada que Scott usó en la cinta Gladiador, al lado del propio Crowe, haciendo de esta entrega una recopilación de lugares comunes y batallas al estilo del director.

Aunque este remake de Robin Hood posee algo bueno también, Russel Crowe maneja a Robin Hood en un tono menos jocoso que su predecesora realizada por Kevin Costner en los años 90.

Robin Hood Seven Ages Ridley Scott, 2010 140 minutos Por César Rojas

Nuevamente la dupla conformada por el director Ridley Scott y el actor Rusell Crowe factura un éxito taquillero. Robin Hood es la última entrega en la que reimaginan de forma bastante épica y cinematográfica un viejo persona-

Of Rock

William Naylor, 2007 450 minutos Por César Rojas Pocas veces hemos sido testigos de la creación de algún documento fílmico que capture con tanta fidelidad las distintas etapas del rock desde los años 50 hasta nuestros días.

Seven Ages Of Rock es un trabajo documental realizado y coproducido por la BBC y VH1 en el 2007; esta miniserie de siete episodios recapitula en cada emisión lo que Naylor y su equipo consideraron los periodos más significativos del rock moderno, comenzando con The Birth Of Rock, donde se da cabida a las aportaciones de Hendrix, The Who y The Rolling Stones al naciente género del rock, concluyendo con What The World Is Waiting For, una mirada al más reciente ataque de bandas independientes en el mundo, que según ellos, explotó con la llegada de Arctic Monkeys y Franz Ferdinand. Seven Ages Of Rock es una trabajo que ningún melómano debe perderse.

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God Of War 3 PlayStation3 Género: Acción SCEA Por Víctor M. Fuentes

Dicen que cuando un hombre ya no tiene nada que perder, ni los mismos dioses podrán detenerlo, para aquel espartano que perdió a su familia, y a la única persona que confiaba en él, ya no hay nada que lo detenga en su venganza contra Zeus y el Olimpo. Kratos sólo tiene en mente la muerte de su padre, aunque esto signifique el fin del mundo y es tu deber ayudarlo.

God Of War 3 cuenta con uno de los prólogos más impactantes que se han visto; además de que en el juego es sobresaliente la narrativa que ocupa, con un

Alan Wake Xbox 360 Género: Suspenso Remedy

Por Víctor M. Fuentes Alan Wake es un célebre escritor de novelas de suspenso, que un buen día decide tomar vacaciones en compañía de su esposa, en un poblado alejado del ajetreo y la fama. Repentinamente, su apacible viaje se convierte en una pesadilla: él se encuentra rodeado de seres oscuros y su esposa ha desaparecido; lo más extraño

marcado estilo cinematográfico: escenas llenas de acción y eventos programados… Claro, muchos acusarán al título de ser lineal, pero, cuando tienes una historia como esta, es algo pasable.

Gráficamente el titulo es excelso, el trabajo de arte en el desarrollo de escenarios es de lo mejor que he visto, desde el monte Olimpo, tártaro y los mismos titanes.

El único defecto que puedo encontrar en este título es su duración, se puede sentir que el juego va muy rápido y en menos de diez horas se completa sin es que los sucesos ocurren en forma de una supuesta novela suya que él no acepta haber escrito, sólo la luz puede ayudarlo a luchar contra aquella presencia oscura que destruye todo en su vida.

Costó más de cinco años para completar este juego, pero el resultado no defraudó a nadie, los ambientes están muy bien diseñados, la vegetación y el agua lucen hermosas, los modelos de personaje cumplen con lo esperado (aunque pierdan brillo ante los demás elementos que los rodean). Los controles son muy parecidos a jugar un Max Payne y la historia es atractiva, te invita a continuar jugando y descubrir que está sucediendo.

La música empata de manera perfecta con todo el título, y el único defecto que podría encontrar es al inicio del mismo, donde las cinemáticas lucen pobres, aunque esto quizá se deba a que ya se habían realizado desde hace mucho y sólo se reciclaron para la versión final del videojuego.

Alan Wake es una compra recomendada para aquellos que gusten del suspenso, o de series como The Twilight Zone, o los libros de Stephen King; este es un

problemas, aunque eso fácilmente se compensa con las escenas de batalla que tienes contra cada uno de los dioses, impresionantes, e ingeniosas para hacerlas lo más violentas posibles (al igual que las muertes de todos los enemigos medianamente complejos).

humanidad, ahora el miedo, el segregacionismo y la intolerancia conducen al hombre a una batalla contra los fal’Cie y sus heraldos.

Final Fantasy XIII es un buen juego, los fans del género disfrutarán sus dinámicas, además de que la ambientación es soberbia, aunque a algunos nos pese la pérdida del audio en japonés para que las versiones de Play Station y Xbox fueran idénticas.

Probablemente el defecto mayor de este juego es que sufre del síndrome Avatar, es decir, que si bien esta entrega es un excelso desfile de majestuosas visiones de un mundo fantástico, pareciera que el aspecto gráfico inhibió el desarrollo de una historia más compleja y disfrutable, sin embargo, es un buen primer paso de la serie en la nueva generación de consolas.

juego que los entretendrá si les gusta más pensar cómo sobrevivir que disparar.

Final Fantasy XIII Play Station 3, Xbox 360 Género: RPG Square Enix Por Pita Lugosi En un mundo futurista, los fal’Cie son una raza de semidioses creados por The Maker, como herramientas para ayudar a florecer a la humanidad. Sin embargo, sismas internos dividieron a la

Metro 2033

Xbox 360, PC Género: First Person Shooter THQ Por Víctor M. Fuentes Metro 2033 es un videojuego basado en la novela del ruso Dmitri Glukhovsky, situada después de una guerra mundial que desató un invierno nuclear que casi destruye a la humanidad. Los sobrevivientes de la hecatombe

Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Heroes 3 PSP Género: Peleas CyberConnect2 Por Pita Lugosi

Para esta nueva entrega el estudio CyberConnect2 se concentró en ofrecer a la gente un juego visualmente asombroso (cada uno, de los más de cincuenta personajes, tiene una técnica final que simplemente te deja babeando); también el estudio se concentró en llevar una de las partes más recientes de la historia de los ninjas con las vestimentas más vistosas a los gamers. Lo que definitivamente olvidaron fue hacer un juego dinámico.

Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Heroes 3 es puro eyecandy para todos los fanáticos de Naruto, además de que por el sistema de controles que ha caracterizado a esta franquicia, realmente no necesitas mucha habilidad para patear traseros ninjas en poco tiempo. También ofrece un modo de batalla para cuatro jugadores y la posibilidad de completar las misiones con la ayuda de otra persona vía ad hoc. Si eres fan de la serie vale la pena jugarlo por ver las técnicas de tus ninjas favoritos, o si te gustan los juegos de pelea sin mucho nivel de dificultad.

Skate 3

Play Station 3, Xbox 360 Género: Deportes Electronic Arts Por Pita Lugosi Para los que disfrutan de las

emociones fuertes, la ropa holgada y enormes posibilidades de accidentes en una tabla, llega Skate 3, la última entrega de la serie que le enseñó a Tony Hawk cómo hacer juegos de skaters.

Los controles pueden resultar algo difíciles al principio, pues requiere coordinar varias combinaciones de botones, pero una vez librado eso, estás preparado para unas buenas horas de diversión urbana.

La “historia” (si es que se le puede llamar así) del juego es que ahora ya eres un patinador reconocido e intentas poner tu propio negocio y también mantener tu equipo de skaters, por lo que todos los avances en tu carrera se miden a través de los retos que incluyen venta de patinetas. Los gráficos son bastante buenos, aunque tienen algunos errores en las texturas y objetos, lo cual llega a desairar un poco la experiencia del juego.

Quizá la mejor característica de Skate 3 es su herramienta para crear tus propios escenarios, más propicios para patinar (ya que por alguna razón los peatones y demás skaters tienden a atravesarse o a empujarte). Además, puedes compartir tus creaciones con toda la comunidad de jugadores y ganar puntos por ello y darle más longevidad al juego con creaciones alocadas o verdaderos retos de la tabla. De hecho, en este volumen se recompensa mucho la interacción entre la comunidad de jugadores, fomentando el juego en línea y quizá un poco el compartir los accidentes más brutales y divertidos que tengas montando una patineta virtual.

VIDEOJUEGOS

se refugiaron de la toxicidad del ambiente y de los mutantes en las vías del subterráneo. Nuestro personaje, Artyom, es un joven huérfano que ha estado toda su vida dentro de los túneles del metro, hasta el día en que conoce a un extraño que lo incita a investigar más sobre esta raza y la posible aniquilación de la humanidad.

Los ambientes son perfectos para provocar un sentimiento de opresión y claustrofobia, la dirección de arte está orientada de forma siniestra y ominosa, sumergiéndote en la historia.

Un elemento interesante para un juego de este género es que las balas sirven como “dinero”, así las municiones creadas antes de la guerra (que son bastante limitadas, pese a ser muy poderosas, son utilizadas para comprar el equipo necesario para tus misiones (como las máscaras de oxígeno que debes reemplazar constantemente).

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Con la sangre despierta Juan Manuel Villalobos (Editor) Sexto Piso Tonya Hurley Alfaguara

Ghostgirl: El regreso

Nuria Amat Editorial Lumen

La intimidad

Julio Ramón Ribeyro Menoscuarto

Sólo para fumadores

Viajar por placer es muy distinto a hacerlo para mudarse, llegar a vivir en otro lugar es para muchos, casi siempre un asunto difícil: la otredad, ser ajeno, ser marginal, ser distinto, son estigmas que atormentan a veces al “viajero”.

Sin embargo, en el fondo de todo viajero, existe el anhelo de fundar un nuevo hogar en donde vive.

Villalobos presenta una antología de viajes que sincretiza brillantemente la experiencia de ser extranjero, desde los ojos de once autores latinoamericanos, que muestran resistencia, alegría, recelo, novedad, desintegración, y todas las experiencias que una nueva residencia puede despertar en el corazón humano. Un buen título para quienes buscan pertenecer al mundo entero.

Por Pita Lugosi

Después de anunciar que habrá incluso una tercera parte de esta saga (en serio que no comprendo cómo disfrutan alargando estas historias), llega Ghostgirl: El regreso, secuela al libro de Hurley, que ocurre cuando su protagonista logra graduarse de la preparatoria de fantasmas Dead Ed, en el más allá. Nuevamente hay que hacer la cordial advertencia, como con su antecesor, de que este libro no es el pináculo de la literatura, pero es una obra entretenida que maneja temáticas interesantes para las inestables e inseguras psiques de los adolescentes (como un libro de autoayuda mezclado con Harry Potter). Probablemente la más valiosa lección que podrán sacar de esta lectura es que uno tiene que afrontar las cosas como son y no aferrarse a como desearíamos que fueran. A veces no queda más remedio que aceptar la realidad. Claro, eso tiene más peso cuando te lo dice una fantasma que trabaja en un call center de asistencia a adolescentes problemáticos.

Por Midori Kaiju

Una gran narradora en lengua española en los últimos años es Nuria Amat, y presenta La intimidad, una hermosa novela que sigue mostrando la agudeza crítica que destaca en sus obras. La protagonista es también una amante de la literatura, escribe y lee, mientras sus recuerdos se niegan a desaparecer y el dolor por la muerte de su padre la hace ingresar a una clínica psiquiátrica. Allí la locura se refuerza, la muerte no se queda tras la puerta y le sigue en sus recuerdos; las letras escritas le dan fuerza más que cualquier otra cosa, vive en un hogar aparentemente alegre, que no es más que una mascarada para ocultar el mundo destruido de esa mujer. El relato se convierte en un monólogo que encuentra y resalta lo hermoso en una situación poco favorable. Un trabajo de narración destacado, refinado y sensible.

Por Luis Addams

En la misma cuerda que Puro humo, de Guillermo Cabrera Infante, Sólo para fumadores es una certera novela breve, acerca del culto y gusto por el tabaco.

La narración testimonia de manera eficaz y precisa la experiencia apasionada y el consecuente detrimento físico que provoca el acto de fumar, con un recuento puntual de marcas comerciales y anécdotas.

A lo largo del texto se revelan episodios decisivos en la vida del propio autor, siempre marcados por su relación indisoluble de la escritura con el cigarrillo, que años después, abordaría también Enrique Vila Matas en su novela Bartleby y compañía. Peculiar teoría elaborada por Ribeyro para justificar su afición como fumador consumado: si el aire se respira, el agua nutre y la tierra se cultiva, entonces el cigarro es el mediador perfecto para adorar al fuego.

Por Alberto Lima

Un equipo de emprendedores en nuestro país, ante la evidente falta de un espacio dedicado por completo a la animación, apostaron —literalmente— todo, para realizar el primer festival que promueve y exhibe las producciones animadas (tanto mexicanas como extranjeras), con el propósito de convertir a México en epicentro de esta disciplina. El festival se llama CutOut Fest y este año celebra su segunda edición. El primer paso fue dado, la fuerza y éxito con el que sortearon su primera vez alentó al equipo organizador para convocar a participar en una segunda edición. Así que todos aquellos que tengan algo que contar, que demandar, que comunicar y deseen compartirlo para provocar la misma pasión que sienten en aquellos que los verán, anímense que el espacio y las pantallas están puestos, ya está aquí el CutOut Fest.

¿Qué es cut out?

El cut out es una de las primeras técnicas de animación que existieron, basada en el recorte de imágenes, sonidos y elementos diversos; que después son colocados en una línea de tiempo, formando una secuencia utilizada para contar una historia. El CutOut Fest se estructura análogamente: todas las partes del festival (creadores, público, voluntarios y organizadores), son secuenciados para hacer de esta una gran exhibición y fiesta, que convierta al festival internacional en el más valioso conglomerado de animación en México.

Por Arturo Tapia

23 Su objetivo es difundir la producción animada audiovisual en formatos cortos, y articular a colectivos y creadores independientes del país y el extranjero, generando un espacio para el intercambio de ideas, conocimientos y propuestas artísticas; al mismo tiempo que se convierte a la Ciudad de Querétaro en una opción descentralizada que dota de dinamismo a la concentrada actividad cultural de nuestro país.

Posicionar el festival como un espacio permanente de encuentro y competencia para la difusión de nuevas propuestas de animación es una tarea nada fácil, así que el equipo organizador se dedica de tiempo completo a promover la animación mexicana internacionalmente, impulsar la realización de animación para fortalecer dicha industria a nivel nacional, generar vínculos con festivales internacionales para la distribución y exhibición de la producción mexicana. Fomentar la diversidad, respeto y el intercambio de ideas a través de la animación puede llegar a resultar mucho más asequible que intentarlo con historias que precisan del trabajo de actores, que no siempre pueden ser vistos con un ojo neutral y sin prejuicios. Además, el equipo pone especial ahínco en promover la interacción entre el público y los realizadores de la animación. Por ello están cerca de Indie Rocks!, porque saben de nuestro trabajo y les entusiasma nuestro espíritu independiente con el que se identifican, y para animar a nuestros lectores a participar, a crear, y celebrar la animación. Visita el sitio web del festival cutoutfest.com y conoce las categorías y requisitos para participar.

cutoutfest.com

Año 1

La participación del público y el apoyo de patrocinadores en la primera edición del festival fue copiosa y todo un éxito; eso se refleja en que recibió noventa y seis cortometrajes en competencia, de los cuales cuarenta y seis conformaron la Selección Oficial CutOut Fest 09. Los participantes tenían orígenes diversos, había gente de México, España, Canadá y Argentina. El Jurado Internacional estuvo conformado también por animadores y artistas mexicanos y extranjeros. Los ganadores de las categorías quedaron felices con su participación y los estímulos entregados.

El invitado 2010

Francia es el país que ininterrumpidamente ha producido animación desde 1908: ahí se estrenan, cada año, veinte largometrajes de animación: el 25% son de origen nacional y el resto llegan desde el extranjero. El número de espectadores de cine de animación francés en el extranjero rebasa los 31 millones. Suficientes razones para considerar a la República francesa cuando se habla de cine de animación.

Con un dominio de los procesos creativos y una industria que emplea a más de 25,000 personas, Francia se consolida como uno de los productores de este género más destacados en cuanto a la técnica y originalidad de sus filmes. El prestigio de las escuelas francesas es otra muestra de vitalidad y excelencia: Gobelins, La Poudrière, Émile Cohl, son factorías de obras de arte y laboratorios de experimentación para jóvenes artistas; finalmente, el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy celebra en 2010 su cincuenta aniversario.

Las formidables historias de animación francesa no dejan de contarse desde hace más de un siglo con profesionalidad y gran calidad de sus producciones.

Si te apasiona la animación y te faltan alicientes o pistas para participar en la segunda edición del CutOut Fest, consulta la convocatoria y revisa el contenido del sitio web del festival. Recorta, pega y anímate a hacer lo que más te apasiona.

En el arte este fenómeno se manifiesta en el exceso de ideas rebuscadas y estrategias tácticas de artistas, alejadas completamente de la función que realmente el arte mismo tiene, o mejor dicho, debería tener.

Realmente hay pocos artistas hoy día que entiendan la labor real de su profesión, pero uno de los que comprende esto es Aldo Castillo.

El siglo XX fue devastador. Todos los cánones y las grandes instituciones han caído como grandes edificios, convirtiéndose en polvo debido a la nueva restructuración social y conceptual. Muchos de estos cambios han sido benéficos, por el hecho de dejar de blanquear en porcelana los rostros de los “ilustres” y han vuelto más crítico el cuerpo social que conformamos. Sin embargo, también ha sido un siglo que nos ha sumergido en el conceptualismo, así como en la falta de acción y espontaneidad. Desde cierto sentido,

nos hemos vuelto tan analíticos, que ahora permanecemos en nuestros laboratorios mentales desechando todo prejuiciosamente.

Ciudadano del mundo, fiel a sus convicciones y a su espíritu creador, Aldo Castillo ha buscado la magnificencia y la grandeza. Con una conciencia profunda desde muy temprana edad, supo distinguir, a pesar del gran amor que tiene a su tierra natal, los terribles problemas que su sociedad padecía, y sobre ello arguye: «Desde niño me molestó la corrupción gubernamental y la injusticia social en Nicaragua, así como la falta de educación y de oportunidades para mucha de su gente; también me molestaba el idealismo de los intelectuales y los religiosos. Aunque vivo orgulloso de ser nicaragüense, haber salido de allí me ha servido para conseguir mi propia libertad, y vivir sin burocracia». Al llegar a los Estados Unidos su experiencia fue

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Por Gustavo Soriano Ariza Cortesía del artista

contradictoria, se vio envuelto en sentimientos difusos.

«Estados Unidos es un país que ha violado tantas veces la soberanía de Nicaragua y un país lleno de oportunidades profesionales», reconoció.

Su vocación hacia el arte comenzó desde su vida escolar primaria, con modelos sociales que le inspiraron y dejaron marcado no sólo su manera de crear, sino que transformaron su manera de concebir el mundo y su propia existencia, que años después configuran las acciones que realiza para, y por, su sociedad.

Ejemplos invaluables fueron Rubén Darío, Carlos Mejía Godoy y Armando Morales.

Aldo emprende su producción artística con el propósito de lograr explorar su creatividad sin límites y estimular la conciencia social, por eso es que algo importantísimo sobre este gran artista, es que, efectivamente, nos recuerda las emociones humanas de una manera tan honesta que nos obligan a aventurarnos al descubrimiento de nuestras propias verdades, sinceras y transparentes. Alejándonos del frío conceptualismo premeditado y vanidoso: «Mi trabajo es automático, no lo puedo controlar. Me permite expresar lo que soy y quien soy, tanto, que tengo que ponerle trampas a mi mente para que descanse».

Sin embargo, Aldo no sólo lleva esa honestidad espiritual a su vasta producción de arte, sino que desborda esa fuerza en acciones sociales concretas que ayudan a personas dentro de su comunidad. Es decir que como artista no se preocupa únicamente por comunicarse de una manera directa, sino que deja los bastidores, las fotografías y las galerías, para afrontar situaciones concretas de la vida misma. Deja atrás la idea del artista arrebatado por inspiraciones divinas y también a ese artista snobista que sólo entiende a sus iguales dentro de los museos y libros.

«Primero, tengo la buena fortuna de ser un artista, un elemento creativo. Segundo, mi educación me permitió saber que podía optar por ser un líder y no un seguidor; y tercero, comprender que todos estamos interconectados, que dependemos el uno del otro», estos elementos convierten a Aldo Castillo en un ser humano pleno, que mira su pasado con la satisfacción que pocos humanos tienen al haber tenido el coraje de seguirse a sí mismos y a sus más íntimos sueños. De haber cumplido con la propia misión que fue el motor de todos sus días.

Ojalá alguno de los jóvenes artistas pueda responderse en algunos años a la pregunta que un gran creador se hace en confidencia: ¿satisfecho? «Cien por ciento; aunque por mis ideales he descuidado muchas otras cosas, después del arte, todo es secundario en mi vida, hasta yo mismo. Mi inteligencia me dice que mi vida está marcada, que la he marcado yo mismo. Que hasta hoy he realizado mis más grandes sueños. No sé cuál será mi futuro, pero creo en los regalos que pedimos al universo y que la muerte es una garantía».

Fresnillo, Zacatecas myspace.com/losromanticosdezacatecas Por Silvia V. Due単as Carlotta Cardana

Con su característico sentido del humor, Los Románticos de Zacatecas regresan a las andadas con su segundo álbum, titulado Muchacha, con el que pretenden reconquistar a sus seguidores, con sus ya características letras románticas, curiosamente inspiradas por la onda grupera.

Fusionando el rock con el romanticismo (el de finales de los 70 creado por sus paisanos, Los Temerarios), Los Románticos de Zacatecas son una agrupación formada en 2007, por Jesús “Chuy” Manzanares (voz y guitarra), Luis “Guichis” Manzanares (requinto), Antonio Montes (batería) y Raúl “Rulas” Calderón (bajo). Luego de editar un exitoso LP homónimo, y estar tocando en todo lugar posible, decidieron aventurarse a grabar una nueva producción discográfica. En entrevista para Indie Rocks!, Chuy, líder de la banda, nos comentó: «El disco está bien perrón, son doce rolas que tocamos desde que empezamos como grupo y la gente ha respondido bastante chido con ellas. Definitivamente ya pasaron el jefómetro, que es el método que usamos para ver si una rola rifa o no rifa, y estamos bien contentos con los resultados.

Además, el disco es muy roquero, que fácilmente imaginas sonando en la película Pedro Navajas, La risa en vacaciones, o alguna de los hermanos Almada [risas]».

La temática principal de Muchacha es el amor y las cosas de la vida cotidiana, así que era lógico que Volver a quererte fuera elegida como primer sencillo: «La letra es onda José Alfredo Jiménez, de cuando te peleas un chorro con tu chava y al final te reconcilias. El beat es muy nirvanero, con algunos silencios. La idea surgió porque Güicho tiene una guitarra colgando todo el tiempo, y cuando estamos en el ensayo no te deja ni hablar. Así que los silencios vienen de ahí, cuando se pone a tocar y nos quedamos callados, creo que por eso le decimos “El Bluser”», comentó Chuy, riendo.

El álbum fue editado por Madame Records y producido por Tito Fuentes, cantante y guitarrista de Molotov, quien se acercó a ellos a través de su MySpace. Chuy Manzanares contó la historia: «Tito ya nos había preguntado si queríamos grabar con él, pero por cuestiones de lana no habíamos podido. Cuando llegamos al DF nos fuimos a cotorrear con él y resultó ser bien abierto, aparte, besa rico —interrumpió Güicho riendo. Tito es abierto con lo que escucha como productor —continuó Chuy—, eso es importante porque muchos productores graban bandas y las dejan iguales. Cuando la gente los oye todos dicen “¡Ah, lo produjo tal… tiene su mano!”, y con Tito es un poco más a la inversa, nosotros llegamos y nos ordenó “¡Expláyense y hagan lo que quieran!”». «Eso estuvo bien perrón. Además, tiene muchos instrumentos vintage y te da chance de experimentar», agregó Güicho, antes de ser regañado en broma por Chuy: «Tú ni siquiera sabes qué es vintage».

Manzanares es también el encargado de diseñar las portadas de los discos. En el primer LP dio rienda suelta a su imaginación, pero en esta ocasión, las cosas cambiaron radicalmente: «Toño tenía la idea perfecta para la portada. Era algo así como un caballo con una camioneta, cuando la íbamos a hacer, resultó que Alejandro Fernández ya tenía esa portada [risas]. Entonces decidimos dar el rol en la ciudad para sacar fotos con un amigo. Esta portada tiene un diseño más sobrio,

más formal para que la gente no se asuste la primera vez que ve el disco, pero la que sigue, ¡van a ver! [Risas]».

Los Románticos de Zacatecas se presentaron por primera vez en el Vive Latino este año, por eso decidieron aprovechar la ocasión para hacer la presentación oficial de Muchacha. Chuy continuó al mando de la conversación: —Estamos muy contentos porque alternamos con bandas como Tijuana No! y Cecilia Toussaint.

—El tocar con esas personas y al mismo tiempo alternar con bandas nuevas como Vicente Gallo o La Banderville, se nos hace bien perrón. remató Chuy.

La banda planea empezar en forma la promoción del álbum, haciendo algunas presentaciones alrededor de la República Mexicana y al mismo tiempo empezar a componer las rolas del nuevo disco. Además, Chuy nos confesó los sueños personales de estos románticos: «En un futuro lejano, Toño quiere comprar un rancho, yo quiero comprar una “troca tumbadita”, el Güicho quiere ser boxeador, y el Rulo va a poner su estética. —Sí, es que yo le voy a ayudar a lavarse el pelo, —respondió Güicho riendo.

Antes de terminar la entrevista, Los Románticos se pusieron serios y dijeron a sus fans: «Apoyen al rock mexicano; hay bandas bien chidas en la calle, y la gente no se da el tiempo de escucharlas; y la Indie Rocks! es un lugar en donde dan chance a todos esos grupos que van saliendo».

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MĂŠxico, Distrito Federal myspace.com/reypila Por George GR CortesĂ­a del artista

Visiblemente nervioso por su presentación en el Foro Sol, en la Ciudad de México, al abrirle a Muse, Diego Solórzano, vocalista de Rey Pila, dijo sentirse apabullado por pararse frente a tanta gente que no conoce su proyecto: «México es diferente a otros países porque si te quieren es el mejor público del mundo, pero si no... En lugares como Europa, son más abiertos a escuchar propuestas nuevas».

Tras la disolución de su proyecto anterior, Diego decidió estudiar y componer canciones para un proyecto nuevo, que en ese momento no sabía a dónde lo llevaría, ni dónde lo grabaría y mucho menos con quién. Nos comentó que trabajar de manera independiente lo hace sentir una responsabilidad enorme, pero a la vez es lo que buscaba desde hace algún tiempo: «Estoy feliz de poder tener por primera vez en la vida el control total de un proyecto, esto trae consigo la felicidad o la culpa de hacer bien o mal las cosas».

Con un disco recién cocido y ofrecido a finales de mayo, aún no decide si debe distribuirlo con alguna compañía transnacional o mantenerse 100 por ciento independiente. En el 2009 comenzó a componer para este nuevo proyecto y a partir del mes de octubre entró al estudio en Nueva York a grabar el material con el productor Paul Majahan, reconocido y colaborador de grupos como Yeah Yeah Yeahs, TV

On The Radio y The National: «Le mandé a Paul dos canciones y me dijo que le gustaban, pero que quería más; le mande otras seis y entonces fue cuando me dijo que fuera a grabar con él».

Con Rey Pila, Diego está desfogando todo lo que ya traía en mente desde hace un par de años, más algunas cosas vividas en este periodo reciente en el que dice haber “aguantado vara”, ya que las ganas de estar de nuevo en el escenario eran muchas, pero, aún no estaba listo el proyecto sino hasta ahora. Durante este tiempo Diego redescubrió sonidos e influencias que agregó a Rey Pila: «Me reencontré con Velvet Underground y otros grupos de esa onda, también con música tipo gospel que me ayudó mucho a darle rumbo».

Tras dos cigarros seguidos volvió a expresar su nerviosismo por el show, y por como sonaría el grupo con un equipo de primer nivel: «Por lo menos, con los Dynamite nos repartíamos los botellazos; si no le gustábamos a la gente, acá me llevaré yo solo todo lo que avienten».

El material de Rey Pila contiene diez canciones (seis en inglés y cuatro en español): «Me encanta componer en inglés, siempre quise cantar en ese idioma porque la métrica me permite hacer muchas cosas, pero la única canción de los Dynamite que canté en español me parece maravillosa, me gustó mucho, así que ahora combino un poco de los dos».

El primer sencillo es No. 114, el cual se encuentra sonando en las estaciones de radio de la ciudad de México y a través de la red, de igual manera el video de esta canción está a punto de salir por los diversos canales de vídeos y ya puede verse en su micrositio de MySpace. Retomando la plática sobre el disco nos dijo: «Esto es lo que más me gusta hacer, siempre quise algo así y ahora tengo la oportunidad, por eso la ambición es grande y quiero hacer crecer a Rey Pila y no sólo durar uno o dos discos». La plática se llevaba a cabo mientras él recibía instrucciones de no tocar nada del escenario a la hora de hacer el soundcheck por disposición del equipo de producción de Muse.

El nombre de Rey Pila lo retoma de un cuadro llamado King Battery y porque el nombre va de acuerdo al tipo de música que realiza y la energía que pone en el escenario. A pesar de ser un grupo nuevo, Rey Pila empieza a ser conocido e invitado a múltiples conciertos y programas de televisión. El pasado mes de mayo se dedicó a presentar su material debut, dejando al público bastante interesado en cómo puede crecer esta iniciativa que ya tuvo su primera gran prueba, abriéndole a un grupo internacional.

Sin duda, Rey Pila cuenta con el apoyo de lo que Diego generó con Los Dynamite, esperemos que se aproveche y que se ubique como un exitoso proyecto de la escena nacional.

Rey Pila es el proyecto en solitario de Diego Solórzano, ex vocalista de los Dynamite. Tiene un sonido potente y rasposo, que mezcla géneros como el shogaze con sonidos experimentales.

PROMOs Cortesía de Rey Pila: Pide uno de los diez discos de Rey Pila.

Dinámica Lectores en general.

Asunto del correo: Rey Pila.

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Por Selene Torres Ilustración: Raúl Ramírez (behance.net/artificialdelirium )

Recuerdo cuando veía en mi casa Almost Famous, aquella película en la que aparece la guapísima Kate Hudson, que trata sobre un adolescente al que se le da la oportunidad para realizar su sueño: escribir en una afamada revista musical sobre la vida de Black Sabbath. En su camino para entrevistarlos, se ve en la necesidad de recurrir a la ayuda de las groupies de la banda, descubriendo un lado no oculto, pero si muy mítico de la vida de todo rockstar.

Después de ver eso, me decidí a investigar qué y quiénes son las groupies.

Para empezar, rastreé a los primeros conjuntos de chicas enloquecidas por músicos aproximadamente en los años 60; aquellas jóvenes, bueno, mejor dicho niñas (básicamente ninguna pasaba de los 16 años), pretendían entrar al mundo de los músicos y ser parte de éste: vivir con ellos, ser sus musas y entregarles la vida. Hay otras como las llamadas band aides que eran aquellas chicas que pretendían ser inspiración para las composiciones de los artistas y que muchas veces para conseguirlo ayudaban en la parte técnica de los conciertos, eran un apoyo más para las bandas. Muy por el contrario, las groupies dejaban literalmente todo, es decir, sus vidas, hogares, familias y demás, para compartir el estilo de vida de sus rockstars, a cambio de ciertos “favores”, pero no se quedaba en sólo sexo. Muchas groupies de la época dorada del rock y la psicodelia, es decir de los días de Led Zepellin, The Rolling Stones y otros, iban a terapias para recuperarse de abusos sexuales de las cuales fueron víctimas,

e incluso eran internadas en hospitales a causa del abuso de drogas que consumían para estar “a la altura” de sus ídolos y amantes.

Las primeras groupies reconocidas como tal, fueron las famosas Apple Scruffs, las incansables stalkers de los Beatles, a quienes no les importaba dormir fuera de la casa de Paul McCartney con tal de sólo verle. Al parecer su dedicación y amor hacia ellos efectivamente rindió frutos, pues lograron grabar coros para Across The Universe; George Harrison les escribió una canción en su disco All Things Must Pass, titulada Apple Scruff; además Lennon y McCartney escribieron She Came In Through The Bathroom Window haciendo referencia al día en que varias de las Scruff entraron a casa de Paul por la ventana del baño, llevándose con ellas un par de pantalones que no dudaron en usar al salir de la casa y un portarretratos que más tarde fue regresado al músico cuando se los solicitó amablemente.

Otro caso es el de Marianne Faithfull, groupie de los Rolling Stones, ella fue novia de Mick Jagger y a la vez amante de Keith Richards –way to go girl!–; se dice que ella escribió la canción Sister Morphine cuando murió el hijo que iba a tener con Jagger, (aunque esa no es la mejor anécdota de Marianne). Se dice que un día en la mansión de Keith, todos estaban en un pequeño viaje con su amigo ácido, cuando la policía llegó al lugar para hacer un allanamiento; en su búsqueda encontraron droga suficiente para mandar a todos los Stones a la cárcel, pero, hubo algo que llamó la atención de los policías: ¿su sorpresa? Encontrarse a Marianne desnuda con un bombón en la vagina mientras lo lamían Keith y Jagger. Bonita imagen ¿no? Otros detalles escabrosos de su relación fueron escritos en la autobiografía de Marianne, publicada en 1994, revelando que Keith Richards era mejor amante que Jagger (obviamente Richards agradeció públicamente tal confesión).

Una groupie relajada y excéntrica (si es que se le puede llamar así), es Cynthia Albritton, mejor conocida como Cynthia Plaster Caster, quien asistía a la preparatoria en Illinois.

Como proyecto escolar, decidió presentar moldes de erecciones de músicos como Jimi Hendrix, Frank Zappa, MC5 y molde de los genitales femeninos de Karen O de los Yeah, Yeah, Yeahs; su trabajo fue considerado poco ortodoxo, pero le mereció una canción compuesta por KISS llamada Plaster Caster. Toda buena acción tiene su recompensa, aparentemente. Cosas más raras han sucedido. Sable Starr, quien estuvo con Jimmy Page, Marc Bolan, David Bowie, Iggy Pop y demás, era conocida por algo fuera de lo común aún hoy: la característica de Sable era su vello púbico teñido de color verde para agradarle a los músicos. Ella se aburrió de ser groupie a los 17 años y decidió irse a vivir a Nevada para trabajar en un casino y llevar una vida “normal”.

Desafortunadamente no todas las historias tienen algo bueno, Nancy Spungen tenía apenas 17 años cuando se fue de su casa para seguir a bandas como The New York Dolls, The Ramones y por supuesto los míticos Sex Pistols. Casi simultáneamente, al momento de conocer a los Pistols, empezó su romance con el bajista Sid Vicious, con quien al parecer no sólo compartían una relación autodestructiva sino también su adicción por la heroína. Nancy murió con una navaja clavada en el abdomen, según cuentan los rumores por el propio Sid, aunque esto nunca fue confirmado. Ser capaces de entregarnos con holgura, de una forma enfermiza e ingenua, dando literalmente la vida a otros, al son que nos toquen es posiblemente ser groupie; y esta es la más extrema prueba de admiración que alguien puede ofrecer.

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Por Leonardo Cervantes •

Cortesía de la banda

Después de traernos una sobredosis de psicodelia con su EP homónimo y el arriesgadísimo Tentacles, una vez más los Crystal Antlers nos atrapan con una nueva entrega que pueden ser obtenidas gratuitamente desde su sitio o en forma de un vinil de colección.

Estos músicos que antes trabajaban como limpia chimeneas de Long Beach han sorprendido a la crítica y escuchas con su sonido atípico, que hace una interesante composición de géneros como el punk, el rock y el metal. Pocos son los que se pueden resistir ante la energía que transmiten sus melodías, ni a la intensidad de sus letras y presentaciones en vivo.

Hacerle una entrevista a una banda como esta no es nada fácil, ya que al ser un fenómeno a nivel mundial, a pesar de no ser una banda comercial, la atención de la prensa se ha cernido constantemente en los Crystal Antlers, lo que provoca que muchas veces se les haya preguntado una y otra vez lo mismo, pero eso no quiere decir que no tengan buenas historias por contar, así que preferimos hablar de temas más variados, así fue como llegamos al origen de el sobrenombre de Damian Edwards (“Sexual Chocolate”), que Kevin Stuart tuvo a bien contarnos para iniciar la entrevista: «Antes de entrar a la banda, Kevin trabajaba en un café llamado Koo’s, en donde va todo tipo de gente, en algún momento le hicieron notar que tenía un gran parecido con el personaje que interpretaba Eddie Murphy en la película Coming To America, cuyo nombre era ese, “Sexual Chocolate”, por lo que mejor empezaron a referirse a él con ese apodo».

Sin embargo de esa época sólo los recuerdos quedan, ya que incluso antes de ser músicos, todos tenían trabajos ajenos a la composición musical como nos relata el baterista: «Damien trabajaba en Disneylandia, Andrew vendía carros usados, Johnny, Errol y yo éramos limpia chimeneas… eran trabajos de poca paga, por alguna razón a todos les causa gracia este hecho. Sin embargo lo mejor fue que cuando regresamos de grabar el nuevo material nuestro antiguo jefe nos pidió que le ayudáramos a grabar su propio disco, por lo que lo auxiliamos con los instrumentos junto a otros diez integrantes. Todo fue bastante estúpido, pero si les interesa su “banda” se hace llamar Kinkaid’s Magic Crystals».

En un principio la banda contaba con Víctor Rodríguez en los teclados (posición que ahora ocupa Cora Foxx), momento que Errol recuerda claramente: «Víctor había decidido no quedarse en la banda, no estaba dispuesto a cumplir con los locos itinerarios que teníamos con la gira, es algo que no es para todos y el simplemente arrojó la toalla después de nuestro concierto en primavera del año pasado. Tuvimos que continuar el recorrido sin él».

Definitivamente el material que más brilla de la carrera de los Crystal Antlers es Tentacles, que posee una calidad impresionante y una pasión por los detalles que se nota apenas escuchas sus primeras rolas.

Pero la realización de esta obra en tan sólo una semana, ha sido uno de los retos más difíciles según declaró el guitarrista Andrew: «Espero que nunca volvamos a estar en una situación así, habíamos salido de tour, sin descansos, por mucho rato; no habíamos tenido tiempo para grabar nuevas canciones antes de la fecha limite que la disquera Touch And Go nos exigía. Teníamos tres semanas libres y tuvimos que utilizarlas prácticamente para grabar. En aquella ocasión hubo mucha tensión entre nosotros por lo estresante que era todo».

A pesar del trago amargo que supuso esta experiencia, Stuart recuerda algunos instantes memorables que hicieron de la agrupación lo que hoy es: «La canción que mas trabajo nos costó tocar fue Swollen Sky. Queríamos que fuera perfecta, fue la única canción en el álbum que tomo más de cuatro intentos. La evolución de nuestra música ha sido una honesta representación de estas experiencias personales; nos hemos vuelto muy unidos, somos como una familia disfuncional. No puedo esperar para sacar otro nuevo material y me gustaría que Phil Spector nos lo produjera… apuesto a que tendría algunos consejos interesantes».

Para finalizar Errol nos contó de la influencia que había tenido su estadía en México para grabar: «Ir allá fue una muy buena manera de concentrarnos.

Habíamos estado dando shows durante excesivos periodos y no podíamos pensar en nuevas ideas o realmente dedicarnos de lleno. Estuvimos quedándonos en un área muy remota de Baja California. Eso fue muy bueno para ser objetivo a la hora de escribir canciones; en realidad estábamos muy cerca de casa, pero una vez que cruzas la frontera se siente un cambio cultural inmediato, y eso es refrescante». Éste singular grupo ha dicho que México es el lugar de donde viene la mejor comida del mundo y finalmente agregaron la última pisca de la entrevista: «Extraño México, quiero regresar ahora mismo, porque no tienen platillos mexicanos en Europa, ahora que estamos de gira».

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Long Beach, California crystalantlers.com

ELJURI Guayaquil, Ecuador eljurimusic.com Por Oliver Jam Alexandra L. Gatje

‘Disfrutar’ es el verbo que define el sentimiento provocado escuchar el más reciente álbum solista de Eljuri, En Paz. Melodías deliciosas, arpegios y beats que amarran el corazón, letras introspectivas que alumbran el pensamiento. Una travesía a través del reggae, world beat y el rock, siendo estos tan sólo algunos de los eslabones fusionados en la inmensidad de los ritmos latinos que Eljuri ofrece para hacernos evocar, relajarnos y meditar.

Fusión y sofisticación de los ritmos latinos Cecilia Villar Eljuri, guitarrista y cantautora nacida en Ecuador pero criada en Nueva York, inició su carrera musical componiendo desde pequeña como herencia de su madre.

A los 17 años tocaba en clubes nocturnos con su primer banda, The Trouble Dolls, quienes con gran éxito consiguieron presentarse en lugares emblemáticos como CBGB´s y The Bitter End; años más tarde, con una refinación musical y después de haber pasado por varias bandas, Cecilia formaría Grupo Fiesta, con un sonido latino mejor logrado, alcanzando el reconocimiento de importantes medios en Estados Unidos y Canadá.

Platicando con Eljuri, inquirimos sobre su decisión de realizar su proyecto solista.

«Grupo Fiesta era mi creación, yo escribía toda la música, era la directora, pero cuando terminados la gira, ya estaba escribiendo nuevas canciones para otro disco, y salieron bien personales; quería tener la opción de poner arreglos en cada canción en lugar de estar limitados por los que sólo Grupo Fiesta pudiera tocar».

En ese momento Cecilia decide ser solista y presentar algo “mucho mejor” para expresar su arte. Inició el proceso creativo de más de tres años en el estudio de su casa, y la artista comentó al respecto: «Yo interpreto varios instrumentos y al estar escribiendo las canciones, estaba haciendo los arreglos, cuando estaba lista para trabajar con otros y tuve los arreglos básicos de las canciones, mi manager, Paola Romano (también coproductora), me juntó con Yossi Fine: sus influencias de world beat y mis influencias de rock latino se mezclaron y surgió En paz.

Cuando esta talentosa mujer compone —es lo que más le gusta—, lo hace siguiendo una idea musical a través de una letra que la persigue: «Ya tenía una visión para el arreglo de cada canción que nació, traté de no limitarme musicalmente a un estilo, quería seguir lo que cada canción me decía».

Explicó, mientras daba énfasis al privilegio de haber trabajado con músicos de clase mundial como Yossi Fine (productor y bajista que ha trabajado con David Bowie, Lou Reed, Stanley Jordan, Gil Evans, etc.); Nir Z (Baterista de John Mayer y Josh Stone); Alex Fox, Ray Turull, Johnette Napolitano (Concrete Blonde), etc. «Tuve la suerte de tener

muchos músicos para trabajar en el disco.

Ha sido un fuerte bárbaro, un honor colaborar con estas personas. Por ejemplo, Sly & Robbie (Bob Marley, Sting, Bob Dylan, Mick Jagger, Joe Cocker) escucharon una canción mía y me preguntaron si podíamos hacer algo juntos, ahí surgió El aire, el primer track del disco».

Eljuri comparte a través de sus letras un mensaje de alerta sobre los conflictos sociales del mundo y sobre cómo podemos mejorar. La cuestionamos sobre su intensión más allá de las letras: «Yo quiero expresar mi perspectiva sobre el mundo, pero al mismo tiempo quiero que la gente sea inspirada, quiero invitarlos a que despierten, a tratar a otros con corazón y alma, con más respeto y siempre dar la mano para ayudar a otros, respetar a la tierra y cosas así, quiero expresar mi conciencia social», añadió, optimista.

«Todo alrededor de mí —el arte del disco, las fotos, mi ropa— quería que tuviera un mismo espíritu, una mezcla de lo orgánico con lo moderno, tener árboles y una guitarra eléctrica [risas]. Me gusta viajar por todo el mundo y comprar ropa, joyas de diversos lugares y fusionar. Cuando estaba escribiendo el disco, estaba viajando mucho a Centro y Sudamérica y eso sirvió en gran parte como atracción para darle un espíritu bien latino del disco». Sobre el águila plasmada en el arte, recalcó: «Eso es bien importante porque significa que hay esperanza, porque puede volar y sobresalir, no estar atrancado».

Este material cuenta con doce buenísimas rolas como La jaula, Tierras, Sombra negra, Yo soy, Como en un sueño, el cover, y también, como bonus track pero en versión original (canción compuesta por su madre, un exquisito pasillo añadido al álbum como «respeto a la familia, a Ecuador y a el mundo latino».

En paz es una muestra fehaciente y un punto medio del mundo musical anglo-latino, fusiones acompañadas de acordes de la guitarra de Eljuri resultando en una anamnesis de las notas que emite Santana. «Santana es un dios, me encantaría tocar con él en vivo, tomar un café, hablar del mundo y grabar alguna canción juntos», nos contó muy entusiasmada. Disco disponible en cdbaby. com y en iTunes.

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El

Vaho Por Francisco Javier Quintanar Polanco •

Cortesía de Corazón Films

En Vaho, Alejandro Gerber nos presenta una historia enclavada en el entorno capitalino, protagonizada por tres jóvenes, Andrés, José y Felipe, los cuales están unidos por una amistad que data desde sus infancias. Pero además los tres personajes comparten un terrible secreto sobre una tragedia acaecida en el pasado, cuyas secuelas los persiguen hasta el presente.

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Alejandro Gerber Bicecci nació el 15 de diciembre de 1977 en la Ciudad de México. En 2002, mientras terminaba sus estudios en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), realizó un mediometraje documental intitulado Onces, con el cual atrajo la atención de algunos críticos y medios especializados. Desde entonces, Gerber ha seguido activo como guionista, escritor y productor. En 2009, realizó Vaho, su primer largometraje de ficción, que será estrenado este mes de junio.

La trama del filme tiene como telón de fondo las celebraciones de Semana Santa en Iztapalapa. Al respecto de este contexto, Gerber afirmó en una entrevista exclusiva: «Me llamó la atención esto, principalmente porque al ser una representación que aglutina a cientos de miles de personas, se convierte en el marco perfecto para hacer un retrato social. Su complejidad y lo inabarcable de su magnitud lo vuelven sumamente atractivo para tratar de entendernos como sociedad. Hay una dualidad muy clara en esta recreación: por un lado está el origen rural de la celebración, ya que es en esencia una fiesta patronal (como las que se realizan en todos los pueblos del país), que le da identidad y pertenencia a los habitantes de una zona específica; pero por otro lado es el retrato caótico de una urbe que parece devorarse a sus habitantes y arrojarlos al anonimato». La riqueza, barroquismo, complejidad y contradicciones de la pasión en Iztapalapa hicieron que se convirtiera en un episodio central para la narración de la película; no es gratuito que los personajes principales se reencuentren en medio de una multitud. Es ahí, al interior de la masa, en dónde se genera ese lazo que los vuelve únicos y los identifica con su propia historia».

El evento crítico que liga a estos tres adolescentes tiene que ver con un supuesto milagro ocurrido años antes de su nacimiento. Este elemento está inspirado en un hecho real: «En un principio todo esto partió del mito de “La Difunta Correa”, una santa popular argentina, supuestamente oriunda de la provincia de San Juan, que en el siglo XIX fue encontrada muerta por deshidratación, en medio de un paraje desierto, con su bebé vivo en brazos, amamantándose de sus pechos.

Automáticamente se erigió un culto alrededor de ella, que persiste hasta nuestros días y que como una de sus principales características tiene el llevarle como ofrenda botellas llenas de agua para saciar su sed y pedirle favores a cambio. Pero para mí lo interesante era pensar, ¿qué pasa con el hijo de una santa?, ¿cuál sería la trayectoria anónima de un ser producto de una historia de esa naturaleza?».

Sobre el título del filme, Alejandro nos explica que el mismo se debe a una anécdota que encontró en el Popol Vuh, el libro sagrado de los antiguos mayas: «Encuentro en la anécdota del Popol Vuh que cuenta la película una metáfora sobre la condición humana. El hombre viviendo en el mundo sin tener la certeza de un sentido. Cegado para dejar de ser peligroso y avanzando a tumbos sin tener idea de cuál es el rumbo correcto, si es que esto existe. También creo, a otro nivel, que es una metáfora perfecta de la adolescencia, que es la etapa de vida en la que

se cortan amarres y uno decide adónde encaminarse, aunque no sepa si hay un destino al cuál llegar. Traté de incluir la idea del Vaho en varios momentos, para reforzar esta idea por medio de los detalles».

La estructura narrativa utilizada en el filme se sale un tanto de la estructura dramática convencional; Gerber nos reveló un poco más de ese complejo proceso de elaboración: «Fue algo largo y complejo.

Desde un principio quise experimentar con el tiempo cinematográfico y encontrar una forma en que la estructura narrativa tuviera, además de una forma, un significado. Es decir, conocemos a los personajes en un momento específico de vida, luego vamos al pasado y, al regresar al presente, nos encontramos con los mismos, pero los conocemos mejor, los juzgamos de otro modo, como si algo en el camino nos hubiera sido revelado de ellos y cambiara nuestra percepción. La dificultad principal que implica, es que vuelve el relato más nutrido, le pide al espectador (si es que el espectador está dispuesto) que se involucre para poder armar las piezas».

Para finalizar, Gerber definió a Vaho como «una película que pretende retratar un fragmento de nuestra realidad, sin concesiones y sin alarmismos. Es una película que invita a reflexionar sobre quiénes somos y dónde vivimos, sin juzgar a nadie».

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Berlín, Alemania whitestboyalive.com Por José Rodríguez Cortesía de la banda

Es bastante placentero encontrarte con bandas independientes que, paso a paso, logran sus objetivos sin perder el piso. Habiendo creado su propia compañía, Bubbles, The Whitest Boy Alive trajo a México su segundo material, Rules, para presentarlo en directo en distintos escenarios. Esta es la crónica —verídica, por supuesto— de una peculiar coincidencia (concierto) en domingo por la mañana y una agradable conversación en exclusiva para Indie Rocks! con Marcin Öz, bajista de The Whitest Boy Alive y director de Bubbles, durante su paso por nuestro país.

Lo inesperado

Me encontraba en Guadalajara, Jalisco, en la zona de la Minerva y los arcos de entrada a la ciudad en la hermosa Avenida Vallarta. Es la presentación de la nueva imagen de C7, el canal de televisión en el que también colaboro. Todo estaba perfecto: el escenario, el equipo de audio, las cámaras, el público y por supuesto, el grupo de reggae invitado, Golden Ganga, quienes amenizarían esta deliciosa mañana. Debo decirles que los domingos en la ciudad tapatía, existe el nuevo hábito, muy sano, de cerrar algunas calles a la circulación vehicular en lo que denominamos la Vía Recreativa, para ceder el paso a paseantes, familias y sus bicicletas durante algunas horas. Esto es importante para situar a The Whitest Boy Alive en el contexto.

La gente disfruta de las actividades que celebramos y nosotros de la emoción de que todo está saliendo a pedir de boca. De pronto, unos cuantos personajes rubios —turistas, pensé—se detienen para después acercarse a nuestra unidad de control remoto y preguntar si había la posibilidad de sumarse a la fiesta. «Somos músicos, nos gustaría participar de esta celebración», dijo en inglés Marcin tras reflexionar un

poco y pensar en las complicaciones posibles de logística; en ese momento aparecieron los chicos de Technicolor Fabrics (banda local y amiga de TWBA) para decirnos: «Ellos son The Whitest Boy Alive y están de visita en la ciudad, son una gran banda». No se dijo más: los amigos de Golden Ganga cedieron amablemente parte de su tiempo y les facilitaron sus instrumentos para comenzar lo que sería una mañana memorable.

La voz comienza a correr entre los asistentes y comienzan a sacar sus celulares para avisar a sus amigos lo que sucedía: «Ey, y tú que pagaste por verlos, aquí están en vivo y gratis», escuché que gritaba emocionada una chica sobre su bicicleta, mientras llama a alguna amiga. Poco a poco comenzaron a sumarse más y más personas. La fiesta estaba asegurada.

Tras una breve prueba de sonido, toman el escenario Erlend Øye (guitarra y voz), Marcin Öz (bajo), Sebastian Maschat (batería) y Daniel Nentwig (teclados y sintetizadores), que estaba rezagado pedaleando alegremente por ahí, se unió quince minutos después al show. Comenzaron a tocar sus bastante bailables temas, invitando a algunos integrantes de Golden Ganga a sumarse

en percusiones y trombón, enriqueciendo muchísimo el sonido. Nos entregaron versiones extendidas con solos de los invitados —realmente el grupo estelar—, mientras la gente bailaba o se movía de acuerdo a su nivel sensorial.

Podría decirles que se respiraba una vibra súper alivianada. Casi una hora después, se bajaron del escenario, dejándonos una memorable muestra de talento y creatividad musical.

Dato extra: existe una versión del tema Courage en su sitio de MySpace (myspace.com/ thewhitestboyalive) que titularon Courage / Cumbia Party por si les nace curiosidad de escucharla. Al finalizar el toquín me acerqué a platicar con Marcin, el bajista, dado que los demás estaban atendiendo a fans y en la hora de las fotos. Iniciamos una divertida conversación, llena de sus particulares metáforas a la hora de hablar de su música:

«Hemos evolucionado bastante nuestro sonido; antes éramos más electrónicos y basados en secuencias —me dijo cuando le pregunté acerca del rumbo que ha ido tomando su sonido plasmado en sus dos álbumes: Dreams (2006) y Rules (2009)—.

Comenzamos como proyecto de estudio; grabamos como trío nuestras primeras canciones, eligiendo y jugando con los múltiples sonidos que ofrecen los instrumentos electrónicos.

Verás, es como añadir más ventanas o puertas a una habitación para poder observar desde diferentes puntos la misma canción, estéticamente cambian muchas cosas, pero la esencia de la canción no se pierde, sigue ahí disfrazada con diferentes prendas», dijo sonriente y utilizando metáforas bastante ilustrativas que me mantuvieron entretenido durante la conversación.

Acerca de Dreams me explicó: «Tuvimos la fortuna de que

Daniel se sumara al proyecto y le diera ese toque extra con sus teclados; su piano Rhodes y los sintetizadores Crumar que utiliza llenan con riqueza nuestro sonido, lo redondean y son grandiosas herramientas que contribuyen en el desarrollo del concepto. Mientras estamos de gira nos mantenemos explorándolos y mejorando nuestro sonido, de hecho, en esta presentación en la que utilizamos los instrumentos de otra banda, los teclados que utilizó Daniel nos dieron ideas nuevas y nos hicieron pensar en experimentar un poco más».

Tras haber atestiguado el excelente jamming que habían hecho minutos antes con el percusionista invitado, le pregunté acerca de la integración de más instrumentos en sus discos para enriquecer aún más al proyecto.

Me ofreció otra metáfora: «¡Claro que lo haríamos! Pero también nos preguntamos ¿dónde

es bueno detenerse? Yo creo que es como tocar en pla-yera y calzoncillos e ir añadiendo pantalones, cinturón, bufanda y zapatos a tu música. Entre más instrumentos le añades tienes más accesorios y sólo debes cuidar que no se vuelva barroco el asunto, la estética de las canciones se altera para darnos aún más», rió divertido.

Tras una gira que los ha llevado por diferentes países y que todavía no acaba, aún no se han sentado a pensar en un nuevo álbum: «Hacer un disco implica muchas cosas; combinar la vida de varias personas en una sola dirección, convirtiéndola en una sola para todos, invertir una gran cantidad de dinero y esfuerzos en plasmar lo que queremos y una lista sin fin de situaciones.

No es fácil, además pensar que tu trabajo será víctima de la piratería tras tanto esfuerzo, aunque debo aceptar que es una situación de dos filos. El

Internet y las descargas nos han hecho famosos en muchas partes, es un tema complicado eso de hacer otro disco en este momento; estamos de gira casi hasta agosto y queremos llegar al fin de año y descansar, darnos espacio y tiempo propios. No nos malentiendan, amamos tocar en vivo más que hacer discos, porque es una experiencia única e irrepetible que nadie puede robarte, así que haremos una breve parada y retomaremos las cosas cuando las canciones nuevas vengan a nosotros».

Me llamó la atención la manera de expresar lo último y le dije que normalmente muchos músicos dirían que se encerrarían a componer. Öz dijo: «Bueno, las canciones vienen de algún lugar y nosotros las tomamos e interpretamos; no podemos forzar esas cosas. Erlend es un compositor bastante genial y esperamos a que él venga con las nuevas letras, pero nunca lo

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forzamos, las canciones simplemente llegan y las completamos con música. Sus letras reflejan una profundidad que es sutil a la vez, nuestro sonido alegre y bailable tiene esa profundidad que nos gusta reflejar en las letras; así lo planeamos y hasta ahora ha sido parte de nuestro sello.

Por eso nos disgusta la música sobreproducida que utiliza demasiados recursos en estudio y que, a la hora de ver a la banda en vivo, resulta decepcionante; por eso mismo trabajamos los discos con bastante honestidad.

Así la gente no es engañada y disfruta de un show divertido y sabe que escuchará cosas reales. Sonamos en los discos justo como sonamos en vivo».

Acerca de lo que implica la independencia, me platicó: «Fundamos Bubbles (su sello discográfico) con el fin de mantener el control de todo esto, tanto creativa como legalmente; sólo tenemos una persona extra que se encarga de los asuntos legales, contratos y licencias de nuestra música. Somos una compañía de un solo artista (nosotros, por supuesto) y mantenemos una estructura simple que nos permite negociar de diferentes maneras. Nuestro primer disco fue lanzado en México por Noiselab y estamos en pláticas para que Rules sea distribuido aquí también, de hecho nuestros amigos de Technicolor Fabrics están apoyándonos con eso. Uno de ellos vendrá pronto a Berlín a platicarnos qué sigue y pronto estaremos lanzando el disco en México».

Por el momento, y como un dato extra que refleja la calidad musical de The Whitest Boy Alive, su tema 1517 fue agregado al soundtrack del famosísimo videojuego FIFA 2010.

México, en las palabras de TWBA

La relación de The Whitest Boy Alive con nuestro país es muy profunda, y la curiosidad me obligó a preguntarle qué sienten al estar tanto tiempo de visita en México. «Nuestra relación

con este lugar es de total amor, es nuestro paraíso privado y la gente nos ha tratado de maravilla. Tenemos muchísimos amigos aquí y de hecho, nuestro segundo disco, Rules, fue grabado en un estudio que construimos en Puerto Vallarta, Jalisco (hablando de paraísos). Nos encanta Guadalajara también y la Ciudad de México, tenemos grandes recuerdos de nuestras estadías en este hermoso país», dijo satisfecho (y casi lloró al pensar en volver a grabar un disco en la playita).

Ojos que no ven

Debo mencionar que, días después de haber estado platicando con Marcin, tocaron en el Distrito Federal, como todos saben, el lugar estaba a tope, la gente y la vibra encendida.

De pronto, Erlend, el vocalista, se dejó llevar por la emoción y se acercó —demasiado, diría yo— al público que coreaba sus canciones. Mal plan, un individuo (borracho, lacra o ambas) le arrebató sus anteojos y lo dejó prácticamente ciego, ya que Erlend utiliza anteojos de alta graduación y sin ellos le es imposible ver alrededor. Los músicos y él se retiraron del escenario, deteniendo el espectáculo y tras minutos de espera, sus compañeros volvieron al escenario sin él, simplemente para solicitar la devolución de los anteojos. Nadie respondió y el show se acabó.

Los lentes aparecieron después (según versiones sobre el incidente en Internet), tirados en el suelo y partidos a la mitad. Evidentemente, hubo muchos fans que les reclamaron por detener el concierto. En mi particular opinión, los músicos hicieron lo que tenían que haber hecho.

Cuando le pregunté a Marcin al respecto, de nuevo hace gala de su lógica y su amabilidad diciendo: «Fue un incidente aislado que no afecta en absoluto la imagen que tenemos de México.

Es una penosa situación, un incidente estúpido, pero debemos ponerlo en contexto: Erlend

tiene un gran problema con su vista, si le quitas los lentes está prácticamente ciego. Es como los superhéroes que se quedan sin poderes [risas]. Estarás de acuerdo conmigo: no puedes entretener a la gente si no tienes la capacidad de verlos para saber si están pasando un buen momento.

Erlend tomó la decisión lógica de retirarse porque era un asunto de salud visual, de hecho, la gente ha sido (en su mayoría) solidaria con respecto a este desafortunado suceso, y te repito: México es un gran país, así como su gente y no juzgamos nada a causa de un acto aislado. Este es nuestro paraíso y en nuestros planes está continuar viniendo todas las veces que podamos para compartir nuestra música y muchos momentos más con su hermosa gente».

Una banda con los pies en la tierra que puedes encontrarte pedaleando bicicletas en domingo y que al minuto siguiente están deleitando tus oídos con música excelente. «Tú y yo somos iguales, usas tu bicicleta y paseas por tu ciudad, o vas a comer con tus amigos. No somos diferentes ni tratamos de ser inalcanzables o superestrellas. Somos unos tipos comunes que hacen música y que nos divertimos con eso. La cosa es mantenerse realista y honesto en todo lo que hagas».

En mi mente siempre estará el recuerdo de una excelente banda que se mantiene creciendo musicalmente y, por supuesto, echará raíces en el corazón de todos aquellos que hemos escuchado atentamente lo que yace bajo la superficie de su tan bailable y accesible música.

Mensaje traducido de TWBA referente al incidente en el concierto del 14 de marzo del 2010 publicado en su blog de My Space Querido público mexicano: Escribo estas breves palabras para aclarar las cosas. El show terminó ayer de esa manera porque alguien robó los lentes de Erlend. Eso está jodido, pero NO significa el fin del mundo. El concierto de todos modos estaba por terminar; íbamos a tocar dos canciones más, así que no se perdieron de algo sorprendente.

Por supuesto, había mejores maneras de terminar la noche, pero deben de saber que Erlend no puede ver sin sus anteojos y por ese motivo no pudimos continuar tocando. Sí, él estaba molesto, pero no fue el motivo por el que no terminó el recital propiamente, sino porque es imposible tocar, cantar, bailar y entretener a la gente sin poder verlos.

Olvidemos este extraño incidente y recordemos el buen momento que tuvimos. Volveremos a casa tras tres grandiosas semanas en su hermoso país y siempre regresaremos, no se preocupen. Nos vemos en un año o dos. ¿Tal vez Coachella?

He leído una ingente cantidad de artículos e investigaciones sobre la risa como infalible remedio a muchos y variados males.

Hace algunos meses, leí una que asevera que estar triste es la neta porque en ese estado uno toma mejores decisiones, realiza mejores análisis y se aguzan los sentidos (según el investigador australiano que realizó el informe; psicólogo, por cierto). Así, la dicotomía en que parten el tallo del humor humano aleja sus ramas y, grosso modo, sólo considera posible dos clases de personalidades “anímicas”, por decirlo de algún modo.

El que ríe al último, no vivió Por Arturo Tapia Ilustración: Emmanuel Peña (flickr.com/photos/eldisenante)

Según los estudios son posibles el ingenuo y vulgar optimismo, o, la odiosa y lúgubre depre. Seguro te darás cuenta, sin mucho esfuerzo, que permanecer en cualquiera de los dos polos, por mucho tiempo, resulta un verdadero peligro y poco fecundo para lograr buenas decisiones, sentidos aguzados, y vaya, siquiera para obtener diversión genuina. No preciso extenderme en explicaciones: no ser consecuentes con nuestros estados de ánimo y exagerarlos no nos hará pasarla muy bien. Pero ¿cómo diablos hacer para pasarla bien riendo sin tener que convertirse en monje budista del humor y evitar los malentendidos con los demás?

Querido lector, mírese bien… ¿Ya lo hizo? ¿Acepta todas sus fortalezas con humildad y, sobre todo, acepta sus debilidades Terror-risas y flaquezas, aquellas que son buen materia prima para los De vez en cuando reírnos nos mete en progandayas, burlones y entusiastas de la risa? Si es así, pase blemas, y salir de ellos puede resultar difícil.

Hace unas semanas, un automóvil estacioal siguiente párrafo. Si por cualquier motivo usted encuentra nado en pleno Times Square, resultó ser el ofensivo reírse de sí mismo, este texto no es para usted. medio para llevar hasta ahí equipo explosivo

que haría del lugar, y de los que por ahí pasaran, añicos; sería la noticia del año (ya saben cómo son esas noticias).

El vehículo, además, fue estacionado casi frente al edificio que alberga las oficinas de Comedy Central, coincidencia casi trivial, sino es porque se trata del canal que transmite series peculiares como The Daily Show, Reno 911, Politically Incorrect (que fue conducido por Bill Maher), La Casa de los Dibujos, y el programa menos correcto políticamente, South Park. Éste último se convirtió en blanco de las amenazas de grupos islamistas, después de haber aparecido el profeta Mahoma, disfrazado de osito, en el episodio 200 de la serie; los terroristas prometieron el mismo final de Theo Van Gogh a los productores del programa.

El problema pasaría de noticia de espectáculos a política, cuando Janet Napolitano dijo que se tomarían muy en serio todo lo relacionado a este caso. Igualmente, aquellos que se sintieron ofendidos por considerarse mofados por la utilización de su profeta para causar risas, se lo han tomado así; y el día de hoy, un hombre es acusado de terrorismo y muchos recursos, de ambos “bandos”, se destinan para cobrar venganza. Algo terrible, cuando lo que se pretendía era hacer

reír. Chistoso: la broma tomada demasiado en serio. La risa como causa de muertos.

Se vale reír

A pesar de todo, defiendo la risa, y no se me ocurre algo mejor para conseguirla que los improperios y erratas de uno mismo y, por supuesto, las divertidas idioteces que otros pueden —seguro— cometer. Reír es natural, y con ello me refiero a que es una reacción biológica de diversión y confianza, y no lo invento yo; muchos científicos están de acuerdo con ello, después de poner a primates y otros animales a reír. En serio, se ha descubierto que la risa en otros mamíferos ocurre, como en perros y ratas. Claro, las causas que ellos tienen para hacerlo son distintas a las nuestras. Nuestra risa va acompañada de la lectura y el valor que atribuimos a lo que consideramos gracioso o divertido. Nos reímos porque estamos en confianza (no significa “entre cuates”), es decir, en desapego o control de la situación. Reírnos de otros es la causa más asequible de la risa, porque no compartimos las razones o consecuencias de lo “chistoso” de aquél en el foco de nuestra cábula. Los mexicanos, sin duda, tenemos el enorme talento de reír de nosotros mismos, pero no más allá de las desgracias que compartimos con nuestros connacionales (el

gobierno, los políticos, la economía, la gordura y enfermedades, etc.). En otras sociedades, ese talento no es explotado o ha sido paliado por severas penurias, pero es hora de decirlo fuerte y claro, y la ciencia lo ha probado: reír cura. Reír mejora la digestión, define los músculos abdominales, estimula la actividad cerebral, relaja al sistema nervioso y se le atribuye muchos otros beneficios físicos. Hay que insistir en la risa como cura efectiva a muchos males, pero no sin ahínco en que la mejor fuente de risa es aquella que se genera por la confianza, el dominio, y control que podemos tener de nosotros mismos en cualquier situación. Riamos de lo que nos pasa, y descubramos lo que ven de gracioso en nosotros los demás —sin ofendernos— porque la risa es simplemente una reacción biológica.

Se vale reírse de uno, de los políticos, de nuestro equipo de fútbol favorito, de Dios, de Jesús, de Budah y de Mahoma, y con mucho cariño a mis hermanos musulmanes, se vale reír de los que se toman en serio lo que consideran ofensivo. Las bromas por un estilo de vida cínico o una religión no merecen ser excusas para plantar autos-bomba o invadir países. Nadie puede creer que el humor deba tomarse demasiado en serio. Vamos, inténtalo, ríe y deja reír.

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Clint Eastwood Un auténtico tipo duro Por Luis Reséndiz

El último hombre de acción no fue Sylvester Stallone o Bruce Willis, ni siquiera Mel Gibson. El último hombre de acción auténtico fue un tipo duro, de rostro inamovible y expresión de póker permanente. ¿Su nombre? Clint Eastwood.

La vida de Clint Eastwood podría haber sido filmada por él mismo.

Hijo de una típica familia norteamericana que vivió la Gran Depresión en California, el joven Clint no contaba con un apoyo económico estable, eran tiempos duros, y pocos se podían dar el lujo de cursar la universidad. Así, nuestro protagonista tuvo que desempeñarse en oficios tan alejados del glamur como cortar leña o limpiar piscinas.

Después de vagabundear en varios papeles menores, obtenidos mediante un pequeño contrato con la Universal que le garantizaba 76 dólares semanales, Eastwood aceptó un papel en una película de —por ese entonces casi desconocido— Sergio Leone. La cinta era Per un pugno di dollari (Fistfull Dollars,

en inglés), un remake (¿o plagio?) de Yojimbo, de Akira Kurosawa. Como sea, la leyenda de Eastwood dio comienzo aquí.

Comandado por el genial Leone, quien dotó a sus cintas de una personalidad única, rasposa y a la vez perfectamente estilizada, descendiente directo del cine de Kurosawa y las cintas protagonizadas por John Ford; Clint construyó un prototipo de personaje más grande que la vida misma: sus personajes caminaban con paso firme en una delgada línea que trasgredía la moral convencional y regresaba a ella: tipos duros, inmisericordes y sin embargo humanos, fueron una constante de este primer cine de Eastwood.

Habrá quien crea que como actor Eastwood resultaba deficiente, por encasillarse con un sólo papel, pero esto es cierto parcialmente, la realidad es que con estos roles estaba creando un arquetipo que redefiniría los caminos de muchos actores más, trabajo nada fácil o menor. La labor de esta peculiar mancuerna (Eastwood no hablaba italiano y Leone no hablaba inglés, sumándole el genio musical del enorme Enio Morricone) quedó constatada en ese tríptico de cintas en las que Leone le dio la vuelta al arquetipo estadounidense del western, jugó con sus reglas y creó algo a lo que no estábamos acostumbrados, el spaghetti western.

Al terminar la llamada Trilogía del

dólar, formada por las legendarias Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El bueno, el malo y el feo, en 1966, Eastwood fundó su propia casa productora, The Malpaso Company, en la que ha trabajado desde entonces, convirtiéndose así en uno de los artífices involuntarios de la libertad creativa y de autor más importantes de Hollywood.

Apenas cinco años después de rodar El bueno, el malo y el feo, Clint aceptó, como se volvería su costumbre, un protagónico rechazado anteriormente por alguien más. En este caso, el papel era el de Harry Callahan, en Dirty Harry, del director clásico del cine independiente y de bajo presupuesto, Don Siegel.

Como mero dato anecdótico, Siegel había dirigido The Invasion Of Body Snatchers, una cinta de culto en la historia del cine de ciencia ficción.

En esta ocasión, Eastwood trasladó el arquetipo creado en los filmes de Leone al urbanísimo San Francisco, encarnando ahora a un policía de moral ambigua. Así comenzó una segunda serie de cintas (cinco entregas), que se hicieron legendarias, todas protagonizadas por Eastwood y que se prolongaron durante casi veinte años. En ese entonces, mientras Norteamérica estaba siendo aquejado por una oleada de crímenes in crescendo, el estreno de Dirty Harry significó la voz en alto de los oprimidos. Harry Callahan representaba al pueblo, a las víctimas, a sus derechos y sobre

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Clint Eastwood: 35 Películas, 35 Años con Warner Bros.

Warner Bros., 2010 Varios directores Por Pita Lugosi

todo su sed de venganza. Una vez más, el cine se dotaba de contenido ideológico.

La violencia que Dirty Harry ejercía sobre los criminales que capturaba era en todo momento “justificada”.

El personaje de Eastwood es un policía, sí, pero no es un típico elemento de las fuerzas del orden: piensa, y está firmemente convencido de que es un error que los criminales huyan de la ley, aprovechándose de las lagunas legales. Así, a la vieja usanza del anónimo pistolero del salvaje oeste que encarnó en los filmes de Leone, impartiría justicia a diestra y siniestra, sobre criminales que no podían hacer más que balbucear sobre sus derechos humanos pisoteados.

El desarrollo de Clint Eastwood no se quedó en las tablas. Durante su participación en la serie Rawhide, el actor pidió en repetidas ocasiones que se le cediera la silla de director, pero la petición fue siempre denegada, y no fue sino hasta 1971, mismo año de Dirty Harry, en que Clint logró dirigir su primer largometraje: Play Misty For Me, un thriller un tanto típico, sí, pero que abrió las puertas para que Eastwood pudiera desarrollarse como cineasta (y en donde resulta evidente la huella indeleble que dejó en su estilo el gran Don Siegel).

Después de un breve interludio político en el que fungió como alcalde de Carmel, la ciudad donde reside (delirio surrealista el ser gobernado por Clint Eastwood),

regresó a las andadas, para en 1992 dirigir la cinta que para muchos es su auténtica obra maestra: The Unforgiven. Un regreso triunfante al western, género por el que siempre ha profesado auténtica devoción, esta es una cinta capital y enorme para el siglo XX, que lo mismo bebe de las fuentes clásicas, a la par de que impone tratamientos novedosos para los personajes.

De hecho podemos decir que Clint Eastwood ha desarrollado, durante las dos últimas décadas, mucho del mejor y más sustancioso cine que se ha hecho; ha transitado por los caminos del drama humano con tintes deportivos, como en Million Dollar Baby, o ha incursionado en el siempre tambaleante terreno de la biopic, con Bird. Además, ha narrado distintas visiones de la historia, con la reciente Invictus, que habla del período post apartheid de Sudáfrica o con Letters From Iwo Jima y Flag Of Our Fathers, filmes con los que contó dos visiones históricas del mismo hecho.

Clint Eastwood es por ello una de las grandes personalidades del cine mainstream contemporáneo. Su prolongada carrera, que data de 1955 a la fecha, lo coloca, según muchos, como “el último gran mito de Hollywood”. Quizá sea cierto, quizá no. La realidad es que este hombre de rostro impasible y múltiples talentos se erige perfectamente y con esa sonrisa lacónica, pero sincera, como una leyenda de carne y hueso caminando entre nosotros.

En Hollywood hay dos tipos de personajes que hacen leyenda: los que mueren como jóvenes promesas y dejan expectativas de todo lo que pudieron hacer con semejante talento, y por el otro, están quienes viven una larga vida en la que jamás abandonan la industria, creando cada vez mejores trabajos que evidencian su experiencia. Clint Eastwood pertenece a la segunda categoría.

Clint Eastwood: 35 Películas, 35 Años con Warner Bros., es un paquete que contiene lo mejor de la filmografía de un artista que para la posteridad será sinónimo de pistolero solitarios. Eastwood merecía el paquete más grande jamás hecho sobre un personaje, por eso decidieron incluir lo mejor de sus trabajos en diecinueve DVD’s que incluyen, entre otras las cintas: Where Eagles Dare (1968), Dirty Harry (1971), The Enforcer (1975), The Outlaw Josey Wales (1976), Every Which Way But Loose (1978), Bronco Billy (1980), Honkytonk Man (1982), Firefox (1982), Sudden Impact (1983), Pale Rider (1985), Heartbreak Ridge (1986), The Dead Pool (1988), Pink Cadillac (1989), White Hunter, Black Heart (1990), The Rookie (1990), Unforgiven (1992), A Perfect World (1993), The Bridges Of Madison County (1995), Absolute Power (1997), Midnight In The Garden Of Good And Evil (1997), True Crime (1999), Space Cowboys (2000), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004), Letters From Iwo Jima (2006), Gran Torino (2008).

Además, por si fuera poco, se incluye The Eastwood Factor, un documental que ofrece una retrospectiva de la carrera de Clint, desde sus principios como el badass cowboy de la cara de póker perpetua, hasta su faceta como director.

Esta colección es el mayor botín que un cuatrero de nuestros días puede desear para cabalgar en el horizonte mientras se oculta el sol y se olvida de sus problemas, fantaseando ser como Dirty Harry.

Producción: Manitas Crew Carlotta Cardana Modelos: Bárbara Luján, Paulina Malváez, Sara Pérez-Rincón y Antonio Lomelí Asistente de producción: Jorge Espinosa Texto: Sol Di Nucci

Excuse Me Paraguas nació hace poco más de un año. Todo ocurrió un día, regresando de la chamba, llovía como de costumbre y vimos cómo la gente se mojaba en la calle. Surgió de la observación, y de lo que sentimos como una necesidad: tanta lluvia y ¡ni una marca que hiciera nada al respecto!

Somos una marca 100% chilanga. Si bien, ninguno de los tres socios: Ale Rosental (diseñador gráfico), Daniel Lagache (planner) y yo, Sol Di Nucci (diseñadora de moda) nacimos aquí, Excuse Me sí, y todos nuestros productos están hechos en México. Pensada e inspirada específicamente en la temporada de lluvia del DF, en su clima y en su forma de llover (mucho por las tardes y noche). Igualmente de a poco iremos adaptándonos a las lluvias del resto de México.

Pronto abriremos una tienda en la zona Roma-Condesa. Nuestra idea es ir creciendo poco a poco, fortaleciéndonos no sólo en el área de la ropa, también en accesorios, calzado y todo lo relacionado con la lluvia. Tendremos venta por catálogo en internet para poder también ir entrando a otros estados de la República mexicana.

Nuestra misión como marca, es que la gente ya no ponga excusas para salir y hacer cosas mientras llueve sin perderse de disfrutar la ciudad. Queremos aportar nuestro grano de arena al cambio cultural que está ocurriendo, sorprendiendo a la gente con propuestas nuevas, principalmente promoviendo la acción y no la pasividad.

Nos consideramos una marca 100% indie, porque nos sentimos identificados con la gente que apoya nuestro proyecto, pues tenemos una manera diferente de aportar al cambio y de promover la ideología de pequeñas ideas novedosas que hacen grandes diferencias.

La colección está inspirada principalmente en la funcionalidad. Lo que queremos es promover la practicidad, combinando la moda urbana con la comodidad del autoguardado. Esta nueva colección 2010 está pensada precisamente para que nada te incomode, y puedas llevar tu impermeable vayas a donde vayas, sin estar cargando con mucho.

Finalmente quiero invitar a todos los lectores de Indie Rocks! que han convivido toda su vida con la lluvia, a hacerse amigos de ella y disfrutarla al máximo.

Modelo Jacinta

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Modelo Josephine Charol

Modelo Carola

Modelo Palermo

PROMOs Cortesía de Excuse Me paraguas: En esta época de lluvias, adquiere uno de los cuatro impermeables de mujer que tenemos para ti (2 Modelos Josephine Charol y 2 Carola) Dinámica: Exclusivo para suscriptores. Envíanos un correo contestando la siguiente pregunta: ¿Qué se publicó en el Dress & Roll del número anterior (40)?

Asunto del correo: Excuse Me Paraguas

DRESS & ROLL

Modelo Carol Pro

Modelo Carola

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Modelo Jacinta

excusemeparaguas.com

Modelo Jaco

Modelo Jacinta

DRESS & ROLL

Modelo Carol Pro

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El Rey

cumple veinte Por Marcela de León Archivo de King Tut’s Wah Wah Hut & Martin Craig En el año de 1990, Glasgow vio nacer al lugar que rápidamente se convertiría en una leyenda del mundo musical. Durante los últimos veinte años, King Tut’s ha sido la plataforma que ha impulsado a talento emergente y ha apoyado a algunas de las bandas más renombradas de los últimos tiempos al principio de sus carreras. Con una capacidad para apenas trescientas personas, este pequeño lugar se enorgullece de haber prestado su escenario a grandes como Radiohead, Suede, The Verve, Blur, Pulp, Coldplay, Texas, Doves, Placebo y cientos más.

Fue precisamente en King Tut’s en donde Oasis cayó bajo la mirada del legendario productor Alan McGee en 1993.

El 2010 es un año especial para la escena musical de Glasgow, pues uno de sus recintos más emblemáticos celebra su vigésimo aniversario. King Tut’s Wah Wah Hut ha logrado convertirse en uno de los lugares más queridos y reconocidos de Escocia y el mundo. Este año está de fiesta.

Uno de los principales promotores de música en Escocia, DF Concerts (DFC) fundó este lugar y se ha encargado de manejarlo desde su nacimiento, y en plenas celebraciones de aniversario, King Tut’s abrió sus puertas a Indie Rocks! para ofrecer entrevistas exclusivas con Lee Worrall, gerente del lugar, y Dave McGeachan, uno de los senior brokers de DFC durante los últimos once años.

Debido a su vibra única y a su ambiente acogedor y relajado, King Tut’s es uno de los lugares más entrañables para el público escocés y es visitado por personas de todo el mundo que asisten a alguno de los más de

trescientos conciertos que se ofrecen ahí cada año. Bandas que en sus inicios tocaron ahí, siguen regresando a pisar su escenario. En lo que va de este año Razorlight, Brett Anderson, Spoon y Graham Coxon son sólo algunos de los que han tocado para “El Rey”. El lugar es favorito no sólo para tocar, sino para asistir en un día cualquiera y bandas como The Killers, Bloc Party, Kings of Leon, Stereophonics y Kaiser Chiefs lo han visitado antes o después de hacer conciertos en algún otro recinto de Glasgow.

Lee Worrall, quien se encarga del manejo diario del lugar, nos asegura que otra de las razones que hace a las bandas regresar es el buen trato que el staff de King Tut’s les ofrece: «Nos gusta cuidar bien a las bandas, recibirlos con comida decente y una buena taza de té, y es por eso que a muchas de ellas les gusta volver», nos comentó Worrall. Esto ha sido confirmado por Manic Street Preachers, quienes en el festival de T in the Park, en 1999, dedicaron una canción a King Tut’s por ser el primer recinto en tratarlos decentemente y darles comida caliente durante una gira.

Fueron precisamente los Manics quienes encabezaron una de las celebraciones del vigésimo aniversario y que después de diecinueve años, el 18 de febrero de 2010, regresaron para hacer los honores en el cumpleaños oficial de King Tut’s. Dave McGeachan nos comenta que la banda viajó desde Cardiff, en donde se encontraban a la mitad de sus grabaciones y ensayos, para ofrecer el único concierto que darían en el Reino Unido este año y cuyas entradas se agotaron en tan sólo treinta segundos. «A pesar de ser una de las bandas más renombradas del mundo, estaban fascinados por regresar y nos agradecían que los dejáramos tocar, cuando debería de ser al revés».

Durante las últimas dos décadas King Tut’s se ha ganado el cariño de locales y extranjeros y ha sido premiado por tres años consecutivos como el mejor lugar para conciertos en todo el Reino Unido, superando hasta a los mejores clubs de Londres. En 2005 se colocó

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en el séptimo lugar en el top 50 de la New York Magazine: Top fifty ways to ‘Follow-Your-Bliss’. Además, fue nombrado como el mejor lugar para conciertos del 2006, ganando el título de Best Live Music Venue’ en la Music Week del Reino Unido.

Las paredes de King Tut’s encierran una historia difícil de resumir en palabras y es un lugar que definitivamente hay que visitar al estar en Glasgow. A pesar de su afamada reputación internacional, mantiene el carisma y la intimidad que lo han caracterizado durante veinte años, y es por ello que durante el 2010 seguirán celebrando su muy merecido aniversario. Según nos comentan Worrall y McGeachan, muchas sorpresas y excelentes conciertos están por venir en lo que falta del año para seguir festejando el cumpleaños de “El Rey”. Long Live the King!

kingtuts.co.uk gigsinscotland.com

Yann Tiersen BretaĂąa, Francia

Por Marcos Hassan y Arturo Tapia CortesĂ­a del artista

Conocido por muchos como el compositor de soundtracks de películas como Amélie y Goodbye Lenin!, el músico vanguardista, Yann Tiersen, se presentó en México por segunda ocasión. Su éxito fue rotundo, la gente peleaba para hacerse de sus boletos y poder atestiguar la presentación de su nuevo material Dust Lane.

En boca del mismo intérprete, este es el disco más ambicioso que ha realizado hasta ahora. Él y su excitante música están llenos de reflexiones y observaciones sobre el alocado mundo en el que vivimos.

Existe música concebida para contar un historia que se trae en mente; piensen en la ópera de Wagner, Tristán e Isolda, o en el disco conceptual de Dark Side Of The Moon, entre muchas otras obras que no alcanzaría a mencionar aquí. En ese orden, la música comenzó el acompañamiento de las canciones para agrandar el impacto de la armonía melodiosa de las letras que contaban historias. El mismo vocablo ‘canción’ tenía la acepción original de ‘colección’ cuando comenzó a utilizarse: una colección de anécdotas que la música convierte en cápsulas del tiempo. Así, todos tenemos memorias líricas y sonoras en el álbum de nuestras anécdotas individuales o colectivas. La música que tiene significado únicamente a nivel personal acompaña nuestra vida con rolas que sonaron en un lugar preciso, coincidiendo o guiando sucesos importantes. Al escuchar un riff o un coro nos podemos transportar a un episodio pasado y revivir emociones, y hasta podemos intentar comprender mejor lo ocurrido; todo, con escuchar una canción, unos acordes, apenas un compás. Siempre con la música nos podemos asomar a las memorias personales o ajenas. Como hace siglos, cuando la música comenzó a acompañar relatos e historias, ahora tiene un uso obvio en los modos modernos de contar éstas; hoy, las composiciones son el soundtrack de las películas, son el score o selección de piezas que pretenden intensificar emociones, embellecer historias de amor u horrorizarnos con las andanzas de asesinos o monstruos.

El vals de Tiersen Guillaume Yann Tiersen, músico francés vanguardista de nuestra época, es ampliamente conocido por acompañar historias conocidas del celuloide como Amélie. En ese caso, la grandeza de sus composiciones, incluidas en el álbum anterior de Tiersen, creado mucho antes que la película, le mereció la atención de la prensa internacional, sobre todo la atención de millones de escuchas en nuestro país y en todo el mundo. Aquí en México, hace unas semanas, abarrotó cuatro noches (una en Guadalajara y tres en el Distrito Federal), donde hasta los revendedores se las vieron negras y fallaron en ofrecer entradas a los que no pudieron conseguir una con antelación.

Los ritmos de acordeón que repuntan la historia de esa película, evocan en sus escuchas visiones de gnomos robados, flechas en vías públicas y álbumes fotográficos de extraños, además de los colores vivos que colorearon la trama. Tal es el poder de la música de Tiersen que otros dos filmes, Goodbye Lenin! y Tabarly, se acompañan de la obra del multiinstrumentista; y aunque para muchos, las bandas sonoras sean lo único que conocen de él, Yann ni siquiera considera primordial dedicarse a ello. Nos contó, que por ejemplo, el soundtrack de Good-

Bye Lenin! lo compuso inspirado en su madre y así consiguió el resultado. También agregó: «Yo no cuento historias, las acompaño, la música es abstracta; sucede después de que las acciones ocurren. Cuando vuelvo a escuchar algunos de mis discos es cuando finalmente “encuentro” alguna historia, recuerdos…

Pienso que la música es algo que existe alternativa al lenguaje como una especie de medio de comunicación; con ella expresamos cosas primordiales. La música es algo más abstracto y puede ser emotiva».

La palabra emoción es fundamental para la descripción de Tiersen, es un hacedor de ellas y con lo que un escucha puede quedar fácilmente embelesado por su obra. El vehículo es el arte, y ésa que funciona con bandoneones, violines, guitarras, pianos y ordenadores. Desde el punto de vista del músico francés, es más fácil expresarse de forma directa y sincera con su obra que con las palabras. Nos quedó claro, es un hombre reservado que no alarga nada de lo que dice. Yann nos contó que su elección de carrera y creaciones tuvieron algo que ver con la música que conoció desde niño, y que la música que intenta hacer ahora la desea llena de energía, fuerte, que despierte sensaciones y el deseo de escucharla a todo volumen.

Para muchos Yann Tiersen significa sólo acordeones, violines, clarinetes y, en general, instrumentos acústicos, aunque la verdad es que Yann ha decidido, por ahora, darle prioridad al violín,

a la mandolina, al sinte y, sobre todo, a la guitarra eléctrica. Para Dust Lane decidió que el protagonismo de este último instrumento, sobre todo en sus presentaciones en vivo, sería irrevocable. En las presentaciones en vivo, él y su banda usualmente terminan con una sesión de noise puro para liberar adrenalina. Sobre estos cambios nos comentó: «Cuando comencé a tocar fue en una banda de rock. Era muy joven y estaba muy influenciado por todo lo que estaba escuchando en esa época. Creo que comencé a interpretar instrumentos acústicos cuando descubrí mi propia forma de componer música; después, usaba esos instrumentos para liberarme; ahora llegué a la posición en la que puedo usar toda clase de herramientas, y me resulta más natural regresar a mis raíces para liberarme».

Tiersen creció en la provincia de Bretaña, asunto que a la larga lo obligaría a buscar una forma propia de hacer su música, y viendo a las bandas de rock y asistiendo a las tocadas de su tierra natal, su trabajo quedó tocado por este entorno. También él artista ha sido fuertemente influenciado por vanguardistas de principios de siglo como Erik Satie, Philip Glass y Michael Nyman: «A mí me gusta toda la música clásica de principios del siglo XX. Pienso que durante el proceso de grabación de mis discos he tenido muy marcada esa influencia, pero ahora estoy más concentrado en tocar en vivo; siento también que la música popular de hoy es más creativa que la clásica, sinceramente opino que ésta está atorada en muchas formalidades y ha estado así desde hace mucho tiempo.

Por ejemplo, la escuela vienesa (bueno, en verdad todas y todo en lo “clásico”) se ha vuelto más oscuro y demasiado académico.

Esto resulta muy extraño si lo piensas por un momento, porque lo que resultaba interesante de esa música era que se proponían deconstruir métodos y composiciones anteriores. No comprendo por qué, pero ahora todas tienen

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ingentes reglas. Afortunadamente, aún están surgiendo compositores interesantes, la música popular hoy en día toma muchas ideas que germinaron en el avant-garde, y no entiendo porqué deban ser dos mundos separados; me siento más identificado con la cultura del rock, pero me gustan las cuerdas, los metales y vientos de la música clásica también». Esto es evidente en sus múltiples colaboraciones con gente como Elizabeth Fraser de Cocteau Twins; la guitarrista estadounidense, Shannon Wright; y los irlandeses The Divine Comedy; así como en un track con el rapero Sage Francis.

Esta nueva manifestación sonora, más fuerte, se podrá apreciar en los hogares de todos los amantes de la música expresiva de Tiersen en Dust Lane, el álbum que lleva ya meses anunciado y que ha sido comentado por los admiradores con mucha expectativa, y del que se pudo conocer mucho en sus recitales en tierras mexicanas.

Aunque está a punto de salir, sus fanáticos están ansiosos, así que le pedimos que comentara sobre este material, y lo conseguimos: «Pienso que es el disco que siempre he querido hacer —desde el principio de mi carrera— porque cuando compongo música me gusta ser sorprendido con un grupo y un sonido que vaya por muchas direcciones, y en este álbum, tratamos de explorar todas las posibilidades, todas las maneras en que se podría hacer un sonido. Hay ocho tracks en total, bastante largos, y no hay silencio entre canciones, así que es algo largo. En realidad no hay concepto, más bien es como una “imagen”, en la última gira viajamos mucho y tratamos de plasmar una “fotografía sonora” de todas las emociones que tuvimos, de cómo es el mundo, y de qué tan loco está todo. Es un disco un poco oscuro, sobrio… a la vez un poco optimista; es algo contradictorio. Lo que me inspiró fue el estado del mundo en el que vivimos ahora mismo, las cosas positivas que tenemos, pero a la vez toda la locura y la estupidez que hay».

Como adelanto de este nuevo álbum, y también para ejemplificar la inspiración de la que habla Yann sobre la locura y estupidez, publicó el EP Palestine, con la canción del tema homónimo y cuatro remixes de éste. La inspiración para esa canción proviene de las giras sobre las que estuvo hablando: «Hace dos años tocamos en la Franja de Gaza y vimos los problemas en los territorios de primera mano; la idea era sacar una canción del disco como adelanto, y estuvimos pensando en pedirle a un par de personas que nos hicieran unos remezclas. Luego se nos ocurrió que sería más interesante que gente muy diferente tratara de realizarlas. Yo hice una, y fue mucho como un juego; la hice en la camioneta mientras estábamos de gira. Pasaba mucho tiempo allí así que fue un buen entretenimiento [risas], fue la primera vez que en verdad estaba mezclando con samples; todo lo hice con mi laptop, no fue difícil».

Yann Tiersen es un artista que vive estando de gira, trabajando y, como mencionó, se inspira al estar de viaje en el mundo para darse cuenta de lo que en realidad sucede en todo tipo de países; los dos últimos años no han sido la excepción y se ha presentado en festivales como Coachella 2010, donde Yann asegura haber visto y disfrutado los sets de Thom Yorke y el proyecto Final Fantasy de Owen Pallett.

Con un disco muy ambicioso en camino, la memoria de sus presentaciones en México seguirá siendo compañía para todos los que construyen historias hilvanadas con su música, armando su propio soundtrack cada día de sus fabulosos destinos.

Yann Tiersen Palestine

Ici D’Ailleurs, 2010

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Como adelanto de su esperado Dust Lane, el francés, Yann Tiersen, nos ofrece un EP donde escuchamos una rola que ha sido descrita como un punto clave en un trabajo que se adivina por demás ambicioso y efectivo. La canción en cuestión comienza con unos teclados ambientales y voces pronunciando monosílabos, luego, un riff comienza la pulsión; mezclando guitarra y teclados con un poco de violín, mientras que las proclamaciones vocales regresan. Una introspección completa.

Palestine, influenciado, como lo está él mismo por el post rock, es seguro algo que desconcertará a quienes estén más acostumbrados a sus armoniosos acordeones, clarinetes e instrumentos de cuerda folklóricos franceses de sus composiciones anteriores. Eso sí, si buscan música envolvente no saldrán decepcionados.

El remix hecho por Deadverse da un arreglo oscuro, lleno de percusiones, sin cambiar demasiado el tema, manteniendo algunos sonidos y la voz; de alguna manera presenta un tema con menos esperanza que la versión original; Chapelier Fou, por su lado, se lanzan al ruedo con un corte más bailable y electrónico, sin dejar de ser introspectiva, de nuevo manteniendo el arreglo vocal con un poco de proceso, con algo de glitch en los beats y parte de los teclados originales, así como la desaceleración que ocurre a la mitad para sorprendernos con una segunda parte muy satisfactoria (probablemente aportando el mejor tratamiento de la rola en este EP). Matt Elliot, también conocido como The Third Eye Foundation, da un aire ligero a dubstep en su turno, con un beat escalado; Tiersen mismo aporta su tratamiento en el que reemplaza la música original con un teclado, algo de texturas, violín y mucha programación. Una buena rola acompañada de remixes como deben ser.

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yanntiersen.com

Victoria Legrand

BEACH HOUSE Lunario, 13 de mayo Por Eileen or Not Ximena Romero Organización: 5 Producción: 5 Ambiente: 4 Artistas: Songs For Eleonor: 4 Beach House: 5 El público recibió a Songs For Eleonor con la buena disposición que antecede el cumplimiento de un anhelo (eso, o los mexicanos de repente nos volvimos respetuosos con los teloneros).

Luego de un saludo en español, Victoria Legrand, Alex Scally y su talentoso percusionista Daniel Franz, iniciaron su apertura con Walk In The Park entre luces, flashes, nubes violáceas y el contoneo de una sala a su máxima capacidad.

Victoria honró su apellido con un vestido de dos piezas y un saco blanco estilo Miami durante la ejecución de Lover Of Mine, Gila y la coreadísima Norway, yo no sabía si aplaudirle a la banda o al ingeniero responsable de aquella sonorización y mezcla impecables, definiendo las percusiones contenidas y precisas, coloreando las vocales, delineando el trayendo de los dedos sobre los teclados e integrando en la medida justa los bajos que Scally ejecutó con sus pies descalzos, a la par de la guitarra.

Entre éxitos como Silver Soul, Heart Of Chambers y Used To Be, el setlist se deslizó ligero sobre la noche, superando las expectativas y generando un ritmo adecuado que incluyó, además, Better Times, Master Of None y Zebra, cerrando con 10 Miles Stereo a manera de relajado e íntimo encoré de una banda que no perderemos de vista.

PAUL MCCARTNEY

Foro Sol, 28 mayo Por Luis González Covarrubias Cortesía OCESA / Fernando Aceves Organización: 4 Producción: 5 Ambiente: 5 Artistas: Paul McCartney: 5 Durante tres horas, en medio de lluvia, encendedores y unos cuantos coros de estilo pambolero se llevó a cabo el esperado segundo concierto del caballero armado por la reina, Sir Paul McCartney.

Con unas cuantas frases armadas en un español entendible y magníficos músicos acompañándolo, McCartney hizo estremecer a varias generaciones en el Foro Sol con un repertorio que esgrimía más de treinta canciones, alentando a todos los asistentes a cantar aquellas rolas clásicas del cuarteto de Liverpool, tanto como las de su carrera solista.

Los fuegos artificiales en Live And Let Die, la gente corean-do Ob-La-Di, Ob-La-Da , los discursos in memoriam de sus amigos George y John, la canción dedicada a las luces que la macrópolis le dio en las dos noches; los solos tocados mientras cantaba y aquellos acordes salidos de su piano; todo fue un magnífico regalo del zurdo que toca los instrumentos de cuerda sin preocupación alguna más que de satisfacer a los oyentes.

Para el cierre, hizo entradas y salidas al escenario agradeciendo a la gente oriunda del “defectuoso” con bromas como que todos deberíamos ir a dormir a nuestras casas, con la promesa de volver a tierra mestiza. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band nos despidió con sus sonidos psicodélicos para un largo camino.

Paul McCartney

Guillermo Guther / Eby

BIO-FEST

Tecno-Parque, Alameda Norte, México D.F., 15 de mayo Por Aline Barrera G. Kross [.Kr] Organización: 5 Producción: 4 Ambiente: 4 Artistas: La gusana Ciega: 4 Los Liquits: 5 Los Daniels: 5 Eby: 4 La Banderville: 4 Los Románticos de Zacatecas: 4

Psilocibe: 4 Cohete: 3 Dirty Karma: 4 La Bio-Lenta Band: 4 Juan y los que ríen: 3 Vuelo 19: 3 Buena combinación de rock, calor, chelas y hasta un poco de “arena de mar” para darle sabor a la primera edición del Bio-Fest, donde desde muy temprana hora se hicieron presentes fans y público en general que vestían muy ad hoc al tema del festival.

La variedad del cartel permitió que pasáramos horas muy amenas escuchando excelentes propuestas emergentes, aunque la lluvia y los vientos huracanados se hicieron presentes, las actuaciones marcharon de lo mejor, desde la buena vibra de la Banderville, la efusiva actuación de los de Zacatecas, la elegancia de los chicos de casa —Eby—, junto con el ritmo de Los Liquits y lo mejor que vendría al final con La Gusana Ciega. El público, muy aguerrido, permaneció por más de siete horas de concierto, sin parar. La frase que describió mejor el espíritu de los asistentes la dijo Ismael de Los Daniels: “No somos muchos, pero con los que estamos rifamos”.

RECOIL

Lunario del Auditorio Nacional, 14 de mayo Por Oscar Villanueva Oscar Villanueva Organización: 4 Producción: 3 Ambiente: 5 Artistas: Recoil : 4 Considerado parte integral de uno de los grupos más influyentes de la música (durante al menos dos décadas), Alan Wilder visitó, junto con Paul “PK” Kendall, el Lunario con el grupo que se convirtió su proyecto principal tras abandonar Depeche Mode.

En el recinto se respiraba excitación, con la cual los DJ’s iniciales no pudieron competir y terminaron siendo abucheados por su falta de conexión con el público. Pasadas las once se apagaron las luces y salió primero Paul para preparar todo el equipo. Para cuando salió Alan se dejó escuchar una muy ruidosa ovación, y después de saludar a varias personas que estaban en la barricada, comenzó un viaje por un camino muy sinuoso de expresiones sónicas, que apoyadas por tétricos visuales proyectados en pantallas daban la sensación de ver una película truncada donde la posible historia había sido azarosamente alterada, obteniendo resultados perturbadores.

Como un regalo extra, entre todo el caos, se logró colar un remix de Never Let Me Down. La gente no pudo estar más de acuerdo con esa declaración.

Alan Wilder

Daniel Victor Snaith

MUTEK_MX

Salón Covadonga, 21 de mayo Por Oscar Villanueva Oscar Villanueva Organización: 4 Producción: 3 Ambiente: 5 Artistas: Los Amparito: 4 Toro y Moi: 3 Caribou: 5 Hay muchas bandas que uno piensa que nunca vendrán a México, afortunadamente, Caribou ya no se encuentra en esa lista.

La noche del viernes presagiaba algo muy especial, la velada fue agarrando calor con Los Amparito, una banda a la que hay que ver en vivo.

Usando múltiples secuencias para crear una muy agradable atmósfera, ahora contando con la participación de Apache en percusiones, de Suave as Hell, que le dio una presencia extra a las canciones, Los Amparito poco a poco de consolidan en sus presentaciones.

En cambio, Toro y Moi no dejó de sonar disminuido (a pesar de que no hicieron una mala presentación), llegando incluso por momentos a perderse entra la plática de la gente.

Caribou tuvo mucha potencia, a lo largo de su presentación no perdieron su fuerza. Para hacer énfasis en el cambio del sonido electrónico a uno más orgánico, las baterías ocuparon el centro del escenario, cada una enfrente de la otra. Para completar el sonido, guitarra, bajo y teclados mantuvieron cautivos al público durante poco más de una hora.

Una iluminación que alternaba entre casi oscuridad y una saturación de estrobos fue la atmósfera idónea para una noche de música memorable.

STING

Colegio de las Vizcaínas, 8 de mayo.

Por Pita Lugosi Cortesía de Buchanan’s Forever Organización: 5 Producción: 5 Ambiente: 4 Artistas: Ely Guerra: 4 Sting: 5 La razón del elevado costo de esta velada es que las ganancias de la noche se donaron para un proyecto altruista que tiene como finalidad el desarrollo de la educación en México, otorgando becas para capacitación de maestros. Sin duda, fue un logro congregar a los 1,500 espectadores de esa noche. El ambiente era un poco estirado, todos ataviados con sus mejores atuendos, en pleno socialité, pero se respiraba esa ansia por buena música para relajarse. La noche empezó de verdad cuando Ely Guerra nos deleitó con su voz y un set en el que demostró ser uno de los mejores talentos nacionales. Con los ánimos más que expectantes, Sting abrió la noche con If You Love Somebody Set Them Free, el primer éxito de su carrera como solista, después fue alternando entre temas propios y de The Police, tocando hermosas baladas como Message In A Bottle, Englishman In New York, Driven To Tears, Shape Of My Heart y Roxanne. Sting no fue tímido con el público y tocó cinco temas en su encoré, cerrando con broche de oro al interpretar Fragile.

Sting

Murray Lightburn

THE DEARS

Pasagüero, 6 de mayo Por Kross [.Kr] Kross [.Kr] Organización: 4 Producción: 4 Ambiente: 5 Artistas: Victoria Mil: 3 The Dears: 5 Como un éxito total es la única forma que hay para describir la presentación de la banda canadiense The Dears en su primera noche en el Pasagüero. Con un pequeño retraso dio inicio la noche, primero, fue turno de la banda argentina, Victoria Mil, que fueron bien recibidos, aunque a mi parecer les faltó mucho para llamar la atención de todos los ahí presentes.

Una vez finalizada la presentación de los argentinos, se comenzaron a ver algunos rostros que se impacientaban por ver a The Dears, quienes desde un inicio mostraron su sencillez al salir personalmente a conectar sus instrumentos y dejar todo listo en el escenario.

La banda demostró a lo largo de la noche que saben roquear como los grandes, teniendo una interacción muy de cerca con el público, con un Patrick Krief demasiado virtuoso y un Murray Lightburn que entre canciones no paraba de agradecer a México por la hospitalidad. Como muestra de agradecimiento presentaron de manera exclusiva su nuevo disco en nuestro país, cabe mencionar que las tres fechas fueron grabadas en HD, material que pronto podrá ser adquirido en una edición especial del nuevo disco. En pocas palabras la noche fue memorable.

Robbie Furze / The Big Pink

Aparatejos El reloj que todo lo puede: Assassin Recuerdo que en los 90, cuando nos pintaban el futuro todo mundo tenía relojes que servían como televisores y para comunicarse con otras personas, luego los espías tuvieron la concesión de esos avanzados gizmos. Ahora el futuro nos ha alcanzado y ya se produce en serie el Assassin, un reloj de muñeca que sirve como teléfono celular de touchscreen, capaz de reproducir MP3, vídeos, con cámara y luz flash integrada; conectividad USB, GSM y Bluetooth.

Simplemente es el mejor celular que pueden conseguir en el mercado internacional, además de que parecerán personajes de una película de ciencia ficción al usarlo.

Pros: La pantalla táctil está perfectamente calibrada para que resista el uso rudo, además de que su OS es multitasking, convirtiéndose en todo un centro de entretenimiento en la muñeca de su mano. ¿Qué más se puede pedir?

Por Pita Lugosi

Contras: El precio es de 128 dólares, pero si lo comparan con iPad, el Assassin se lo lleva de calle.

chinavasion.com

Para picnics hypsters y hippies: Soulra Solar Powered iPod Speaker

frontgate.com

Ya no es novedad que salgan bocinas para iPods, de hecho hay tal variedad que si no ofrecen algún plus simplemente pasan desapercibidos; por ejemplo el Soulra Solar Powered iPod Speaker te ofrece la opción de ser ecológico mientras escuchas tu música y subes tu status social un par de puntos, y si el día no es muy soleado, este aparatejo

cuenta con una batería interna de litio que le permite almacenar energía para funcionar con autonomía hasta por siete horas continuas sin ningún problema.

Pros: Nada sube el appeal social estos días como mostrar interés por alguna causa, como el medio ambiente, pero sin perder el estilo, además de que es un buen

Rambo hecho chaqueta: JakPak Uno de los más grandes problemas de salir a acampar es que como buenas criaturas urbanas que somos, la planeación de un viaje a la naturaleza no es nuestro fuerte si no es una costumbre arraigada, lo que termina invariablemente en olvidos de elementos cruciales para que el viaje sea una experiencia que deseemos repetir el siguiente año. Para esas situaciones es mejor contar con

el JakPak, que aunque parezca una chaqueta común y corriente, es también un sleeping bag y hasta una tienda de acampar (con todo y mosquitero incluido).

Pros: Si tienen ganas de acampar ligero esta es la mejor opción.

Además, en caso de quedarse solos en el bosque por haberse extraviado podrán pasar la noche sin muchas penurias, aunque de todas formas necesitarán de habilidades de supervivencia para salir de ese embrollo.

ahorro de baterías el poder cargar tu iPod y su dock con energía solar.

Contras: No sé qué tan recomendable sea exponer un iPod al sol tanto tiempo, además de que fuera de días de campo y campamentos, no parece tener tanto chiste.

jakpak.com Contras: Cada JakPak le sirve únicamente a una persona, así que tengan eso en cuenta si su intención de acampar era buscando arrumacos campestres.

El pintor más rápido (y potencialmente doloroso) del nuevo milenio: Facade Printer Es triste cuando llega esa fatídica edad en la que te das cuenta que tus dotes artísticas son tan grandes como las habilidades de baile de un tetrapack. Así era todo hasta la llegada del Facade Printer, una máquina que utiliza bolitas de pintura (como las de gotcha) para poder reproducir imágenes digitales. Lo que hace este sencillo robot es básicamente lo mismo que una impresora de tinta, pero a dimensiones arquitectónicas.

Pros: Crear imágenes monumentales no había sido más sencillo, simplemente hay que introducir las imágenes vía USB y color por color, el Facade Printer se hará cargo del resto, dándoles la posibilidad de crear una imagen a doce metros de distancia (el límite de las imágenes que puedes crear es de ocho metros de largo por diez de ancho).

facadeprinter.org

Contras: No va a faltar quien quiera probar qué tan doloroso es uno de los disparos de esta máquina, lo cual será un ominoso descubrimiento.

El Godzilla de los minicomponentes: Monster MX-C870 Han pasado ya tres décadas desde que se introdujo el término “minicomponente” como una estrategia de mercado para anunciar estéreos caseros, la idea de llamarlos así era para animar a la gente a comprar un equipo de alta fidelidad que no dependía de un equipo de dimensiones colosales para tener un buen sonido. En pocas palabras un minicomponente, en teoría, es un estéreo que debe poder reproducir CDs, MP3 (en nuestros días), casetes y radio. El Monster MX-C870 desafía los convencionalismos y decidió olvidarse de la parte “mini”, y crear un equipo que satisface los deseos de fidelidad acústica que todo melómano puede tener, sin sacrificar potencia (12,000 Watts no es precisamente una grabadora casera).

Pros: Este monstruo-componente tiene capacidad de grabar directo a una USB, en formato MP3, lo que estén escuchando de un CD, radio o casete; sin perder mucha calidad; además de que su sonido no se viciará en lo absoluto si lo pones a su máxima intensidad gracias al sistema de Giga Sound que te permite ecualizar el sonido de acuerdo a la ocasión.

Contras: Si sufres por carencia de espacio, mejor mantente alejado de este equipo. Además de que si eres muy sensible a las luces o te distraes fácilmente los magníficos LEDs de sus bocinas te pueden ambobar un rato.

samsung.com/mx

TRIVIA DE APARATEJOS Cortesía de Samsung Dinámica: Exclusiva para suscriptores ¿Te gustó el Monster MX-C870? pues gracias a Indie Rocks! y a Samsung te podrás llevar un monstruito de estos a tu casa y rockear como si fuera el último día de tu vida en una pachanga increíble. Lo único que tienes que hacer es contestar esta sencilla trivia a nuestro correo promociones@indie-rocks.com y te lo podrás llevar a la comodidad de tu hogar.

PREGUNTAS 1. ¿Qué es Giga Sound?

2. ¿Cuántos Watts de potencia máxima tiene el Monster MX-C870 en RMS y PMPO? 3. ¿Cuántas entradas USB tiene y explica la función de estas?

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Por Juan Carlos Hidalgo

Ilustración: Sergio Saucedo

jah dijo: “grábese música”, y jamaica creó studio one

LA ERA DIGITAL Y EL ENTRETENIMIENTO LEGAL Por Jorge León

Durante estas colaboraciones hablaré sobre el contenido de mi libro La industria musical y los derechos de autor, el cual trata de englobar a la industria musical en general, desde la aparición de las primeras notas en las épocas de las cavernas, hasta la transformación del fonograma a los medios digitales.

Se pretende transmitir lo que es la Ley Federal del Derecho de Autor desde su surgimiento, hasta su última publicación el 24 de diciembre de 1996, entrando en vigor el 24 de marzo de 1997, para que de esa fecha hasta finales del 2007 estemos en presencia de un cambio radical en la industria musical, que está generando nuevas propuestas para esa ley.

El mercado musical se está transformando de tal forma que estamos presenciando la destrucción del fonograma como soporte material, en ese aspecto se trata de adelantarnos a lo que sucederá en un par de años.

A través de los años se ha generado la necesidad de conservar todas esas creaciones, produciéndose un gran avance en la tecnología.

Con esto podemos concluir que con Thomas Alva Edison se vio el inicio de la reproducción de música y con los avances tecnológicos hemos tocado un terreno que no sabemos hasta donde podremos llegar.

Más información en jorgeleon.com.mx

en jamaica se bebe y se fuma en abundancia, pero también hay fiesta constante. si la gente se encuentra feliz y en armonía les dan menos ganas de delinquir y pecar; o eso plantean algunos políticos y líderes religiosos. Lo cierto es que el clima y la naturaleza les son tan generosos que a la menor provocación se arma un festejo. se entiende como enteramente caribeño aquel estribillo que reza que la vida es un carnaval. celia, como otros tantos antillanos, se deben a una estirpe de sangre muy caliente y un sentido musical prodigo. marley —como otros rastafaris— buscaban y siguen buscando elevar tantas plegarias cannábicas como fuesen posibles.

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amaica es un país conocido en el mundo entero por asuntos varios: sus hermosas playas, por ser un lugar donde se fuma cannabis como parte de una forma de vida y religión, por sus veloces corredores, y en especial por ser una tierra abundante en música que emana encanto y provoca al cuerpo. El país apenas completó su independencia del Reino Unido en 1962, pero su cultura se encuentra completamente entreverada con sus expresiones, que en la música encuentran su principal nexo en el idioma y el uso de ciertos instrumentos como la guitarra eléctrica.

• ntes de que cualquier otra cosa, para armar una fiesta en Kingston se recurre a un sound system, que en su concepción más básica se compone de un amplificador, un par de tornamesas y un buen puñado de vinilos. Precisamente a través de uno de ellos comenzó a hacerse famoso Clement "Coxsone" Dodd, un hombre que debe ese apodo a su habilidad infantil para jugar cricket —otra herencia british— y el apellido de Alec Coxsone, estrella de los años 40.

Inicialmente lo usó para darse a conocer como sonidero. Al frente de Sir Coxsone Downbeat, Clement no se daba abasto con sólo un equipo, por lo que llegó a tener hasta cinco tandems para animar las juergas y pachangas jamaiquinas (en ellos harían sus pininos figuras legendarias como Lee "Scratch" Perry, Prince Buster y U-Roy).

Para ganar la competencia entre colegas (sobre todo con Arthur "Duke" Reid de Trojan Records), acostumbraba viajar a los Estados Unidos para comprar lo mejor de la música bailable, lo que tiempo después se convirtió en una práctica común, por lo que se vio ante la necesidad de crear temas inéditos,

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que fueran además del entero gusto del público local. Así fue que decidió editar sus propias producciones con lo que se inició una leyenda de música cadenciosa y adictiva.

• ás que un sentido artístico puro, lo que movió a Dodd fue su intuición comercial, y así fue que en 1959 lanzó World Disc, apadrinando a gente como Clue J & His Blues Blasters, Derrick Morgan, Clancy Eccles, Don Drummond y Roland Alphonso.

Como no paraba de producir, por las calles circulaba material etiquetado por otros sellos —también de su autoría y propiedad—, con el fin de que los DJ´s no vieran su nombre en tantos discos y se negaran a comprarlos. A fin de cuentas en la variedad está el gusto.

• nticipó su vocación tocando discos para los clientes de la licorería propiedad de su padre cuando adolescente; buscando halagar y estimular al escucha. Así fue que este nacido en Kingston, Jamaica, el 26 de Enero de 1932, allanó su lugarcito en la historia musical de Jamaica al ser el primer negro propietario de un estudio de grabación.

Fue durante 1963 que fundaría, en un predio de Brentford Road, Jamaican Recording and Publishing Studio, que a la postre sería conocido entre la gente como Studio One, igual que el sello que desarrolló a partir de ese momento. Se insiste en que Clement creó algo similar a lo que Berry Gordy en Detroit con Motown; una especie de taller o factoría de la música donde confluían distintos expertos (músicos, arreglistas, ingenieros y gente de marketing), para abarcar cada uno de los aspectos requeridos sin descuidar un solo detalle. Studio One funcionaba como un sistema, como una cadena de montaje, que no paraba de prensar discos (a la fecha no

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hay una cifra exacta ante el alud de producciones en versiones oficiales y con otros apelativos).

• nsertarse en la liga de los inmortales no es un asunto fácil, pero fue gracias a las audiciones que llevaba a cabo cada domingo que en una de ellas descubrió a The Wailing Wailers, una banda en la que militaba un joven Robert Nesta Marley, a quien el mundo conocería como Bob Marley, y junto al que catapultarían al reggae hacia una nueva era.

Dodd los firmó por cinco años, y en un año estaba sonando Simmer Down, que arrasó en las listas de popularidad. Coxsone también produjo y grabó la inmortal One Love, que se suma a una lista enorme de éxitos de reggae, ska y rocksteady. Por sus instalaciones y labores de producción pasan también Delroy Wilson, Marcia Griffiths, Ken Boothe, Toots & The Maytals, The Heptones, The Ethiopians, Jackie Mittoo, Lee "Scratch" Perry y Bob Andy. Además de otra de las agrupaciones esenciales del Caribe, The Skatalites, que fungen de banda de estudio.

Como la dialéctica musical no se mantiene estática, los estilos cambian y los gustos con ellos. Tras la fiebre del reggae y el ska vino una tendencia hacia el dub durante la década de los 70. Dodd probó con versiones de su catálogo encargadas a algunos de sus productores más avezados, Sylvan Morris, Syd Bucknor y Overton "Scientist" Brown, e incluso asumiendo un seudónimo más: Dub specialist. Aunque no lograron la misma repercusión, no dejaron de editar a figuras importantes: Burning Spear, Horace Andy, Dennis Brown, Dennis Alcapone y Freddie McGregor. En los 80 llegó el dance hall y aunque probaron con Sugar Minott y Johnny Osbourne, entre otros, las ventas no

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prosperaron. Además, la situación política se tornaba inestable y difícil. Para cambiar de aires y asumir un ritmo más pausado de trabajo, Clement se mudó a Nueva York, abrió un estudio y una tienda en Brooklyn. Produjo algunos trabajos y regresaba periódicamente a Jamaica, pero con discreción.

• lement “Coxsone” Dodd fue el centro de dos conciertos con los que se celebraba, en 1991, treinta y cinco años de actividad ininterrumpida y en los que participaron una constelación de estrellas nativas; pero se trató de una felicidad pasajera, ya que emprendería una batalla legal que duró varios años para reclamar tanto los derechos como ciertos pagos por los samples utilizados sin autorización en muchísimas piezas de hip hop. Él, junto a James Brown, probablemente fueran los principales proveedores de “muestras” para los creadores de nuevo cuño.

• rribó Dodd a Jamaica en 2004 para asistir a la ceremonia oficial que convertía a la artería vial conocida como Brentford Road en el flamante Studio One Boulevard.

Se trataba de un reconocimiento de la alcaldía de Kingston que animó al hombre a permanecer unos cuantos días más en la isla. Una tarde charlaba con unos amigos en el estudio cuando comenzó a sentirse mal y sufrió un ataque. Lo trasladaron de inmediato a un hospital pero los médicos determinaron que llegó muerto debido a un paro cardiaco. Falleció el 5 de mayo, a los 72 años de edad pero su legado es inmenso, por lo que todavía en 2007 le fue impuesta de forma póstuma la orden de distinción por todo el bien que su labor generó para el país y la región.

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Chetes Monterrey, Nuevo León

Por Silvia V. Dueñas •

Carlotta Cardana

Con tan sólo 30 años de edad, el músico y compositor regiomontano, Chetes, está cumpliendo quince años de trayectoria artística, y lo festeja en grande con el lanzamiento de su tercer álbum denominado Hipnosis, en el que experimenta cosas nuevas y enfrenta la responsabilidad de realizarlo casi en su totalidad por sí mismo.

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Luego de darse a conocer por los extintos Zurdok Movimiento, el músico, compositor y productor, Gerardo Garza, mejor conocido como Chetes, continuó dentro de la escena musical con Vaquero, un proyecto que definitivamente lo llevó a expandir sus territorios.

En 2005, con la necesidad de crear algo propio, el regiomontano comenzó su carrera solista con el lanzamiento de Blanco fácil, producción en la que refleja una vida plena e incluye un dueto con su esposa Carmella. En 2008 editó Efecto dominó, disco con el que empezó una nueva etapa más introspectiva. Recientemente, el compositor regresó a la escena musical con el lanzamiento de su álbum Hipnosis, un disco con el que consolida su carrera, pues Chetes funge en él como productor, ingeniero de grabación y de mezcla.

En entrevista para Indie Rocks!, Chetes habló profundamente sobre este momento de su vida: «El álbum es la culminación de todo lo que he aprendido desde que empecé, ya había hecho algunas producciones —incluso material para películas—, pero nunca había hecho un álbum completo yo solo. Fue una gran experiencia hacerlo de esta forma, es catártico hacerlo todo, exactamente como lo quería hacer. De hecho, armé todo un estudio de grabación, hasta compré una grabadora análoga de 16 tracks y aprendí a calibrarla —sé que es un proceso que nadie tiene que aprender, pero yo quería hacerlo y realmente toda enseñanza sirve—, aparte que le da un sonido superior a los sistemas digitales de hoy en día. Creo que ésta ha sido la experiencia que más me ha dejado, porque me dio la certeza de todo lo que puedo hacer de hoy en adelante. Estoy completamente seguro que nadie más en el mundo va a tener tanto interés en su propio disco que uno mismo».

En esta ocasión, Chetes decidió lanzar Hipnosis de forma independiente, a través de MUN Records, con la mera intención de mantener el control total del proyecto: «Para mí fue muy especial hacerlo de esta forma, porque no tenía ingeniero, estaba totalmente solo; a veces estaba detrás de la consola y luego como intérprete, toqué casi todos los instrumentos menos la batería y esta vez me ayudaron el ex Jumbo Enrique “Bugs” González y Beto Ramos que actualmente está con Jumbo. También colaboraron Alejandro Rosso, de Plastilina Mosh, y el percusionista Aldo García».

»Desde que estaba grabando el disco había gente que me felicitaba, incluyendo a la disquera y muchas personas a mí alrededor

Además, para los arreglos orquéstales en tracks como Hipnosis, Memoria, El siguiente nivel y Espera tu turno, Chetes trabajó una vez más con el talentoso compositor regiomontano José Antonio “Potro” Farías, quien coordinó a veinte músicos para la grabación de las mismas: «El material era bastante ambicioso, no eran canciones netamente de rock-pop, esta vez el disco tiene otro tipo de estructura y arreglos mucho más complejos, por lo que requerían de más canales y mucho más tiempo de grabación. Existen algunas canciones como Memoria que tiene muchísimos tracks, de hecho esa fue la más complicada de mezclar, porque tiene metales, vientos, xilófono y aparte lo que es rock que son las guitarras eléctricas, baterías, etc.».

Este excelente trabajo fue grabado en Mi Casa Estudios, ubicados en su ciudad natal Monterrey, Nuevo León. Sin embargo, a Chetes le preocupada la parte de la mezcla y decidió viajar a Nueva York para obtener un buen resultado: «Hubo un problema en ese aspecto porque en Nueva York encontré un ingeniero pensando que iba a llevar mi proyecto más allá y que me iba a facilitar el proceso, pero resultó todo lo contrario y no fue nada de lo que esperaba. No me gustó para nada el resultado, así que tuve que regresarme a México y empezar desde cero en mi estudio y la verdad perdí una gran parte de mi presupuesto en ese error, pero gracias a eso estuve más clavado en la mezcla que en todo lo demás y me preocupaba más por cada detalle».

Actualmente ya suenan en la radio La ciencia no es exacta, El siguiente nivel y Arena, que fue su primer sencillo. Afortunadamente todo el material ha sido recibido con muy buenas críticas: «Creo que se está hablando muy bien del sencillo Arena. Siento que es algo muy esperado y que por primera vez el material que se está filtrando sí está en sintonía con la gente. En casi todos mis discos anteriores, no sabían bien qué opinar o creo que no esperaban eso de mí, y hasta después de un año del lanzamiento del disco la gente comenzaba a apreciarlo más; ahora está sucediendo algo muy diferente, me parece que está más sintonizado en ese sentido. Me siento más seguro y, más importante aún, muy orgulloso de haberlo hecho de esta forma y bajo mis propios términos. De todos los proyectos que he tenido hasta ahora, nunca había sentido una vibra tan positiva, no sé si tenga que ver con la relación que ya tengo con la gente a través del Internet, pero ahorita siento una energía muy buena. Desde que estaba grabando el disco había gente que me felicitaba, incluyendo a la disquera y muchas personas a mí alrededor».

Durante sus años de trayectoria artística, Chetes ha colaborado con músicos internacionales como la española Amaral, para el soundtrack de la película Efectos secundarios con un cover a Miguel Bosé de Si tú no vuelves.

Así como con Meme, de Café Tacuba, para la película Fuera del cielo con 16 de febrero (hasta participó en el controversial tributo a Bronco con Te quise una vez.) Además ha producido y compuesto rolas para Zoé, Jumbo y Cecilia Toussaint: «Todas las colaboraciones han sido especiales y se han desarrollado en diferentes situaciones, a veces las elijo porque conviene por exposición (o porque te prenden), debido a que admiras al artista, siempre depende de algo la situación. En general tiene que ser un proyecto que me interese por alguna u otra cosa; lo único que no me interesa es el éxito que

Influenciado por el rock clásico de The Beatles, Bob Dylan, The Beach Boys y Brian Wilson, Chetes comenzó tocando el piano y la guitarra a muy temprana edad; actualmente sigue escuchando a esos grandes clásicos, pero también ha sido inspirado por otros estilos de música: «Me gusta mucho el disco de Grandaddy, The Sophtware Slump, es como de los 90 y se me hace buenísimo. También me gusta mucho Kasabian, es de lo último que me ha gustado. Escucho mucho la música de los 90, el rock alternativo de la época como Blur, Nirvana, de lo más reciente estoy un poco más perdido en realidad, como que no siento que exista uno que me prenda tanto. En cuanto a la escena de nuestro país no es algo en lo que estoy especializado, la verdad no conozco la gama de grupos que existen. Escucho la música de la gente que conozco en persona y en realidad no estoy tanto al pendiente, ni de la historia en general de rock en español ni del actual. Más bien, conozco ciertas cosas que ya son muy populares, pero en general siento que es un buen momento para que los grupos hagan promoción en Internet, para que pasen cosas interesantes y la gente esté al pendiente del rock. Lo que creo que nos falta son buenas canciones, es lo que quiero

oír más que si tiene un efecto raro. Es increíble que a veces uno diga “No pegó esa rola porque no tuvo promoción”; pero si tienes una buena canción, aunque sea sin promoción, la gente va a buscarla como sea y eso es lo que falta. Además de ser originales, no tratar de estar sonando como el grupo del momento de otra parte del mundo».

El regiomontano ha sido reconocido por su trabajo en el ambiente musical y muchas veces ha sido nominado internacionalmente en premios como MTV Latino, el Premio Oye! y el Grammy Latino.

Por si fuera poco, actualmente ha sido denominado por los especialistas como uno de los mejores

músicos de México: «Me encantaría que a la gente le gustara mi música, quiero seguir haciendo lo que me gusta, pero no me considero eso, no me preocupa nada de lo que está haciendo otro artista, no me preocupa si estoy de moda o tener que moverme a lo que la gente está esperando.

Trato de darme el gusto de sentirme realizado con lo que hago y espero que a la gente le prenda y si alguien dice que soy el mejor músico de México, me parece bien padre la verdad».

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PROMOs

pueda tener, tal vez pienso en cómo va a resultar o si me voy a divertir, eso es todo».

Cortesía de Chetes: Pide uno de cinco discos Hipnosis. ¡Apúrate que se acaban!

Dinámica Lectores en general.

Asunto del correo: Chetes

Chetes presentó su álbum Hipnosis en el marco del Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino 2010, en donde tuvo a la venta una edición especial firmada y numerada en vinilo, la cual saldrá a la venta en forma física y digital el 11 de mayo. Además, el compositor comenzará sus presentaciones en su natal Monterrey y continuará alrededor de la República Mexicana: «Quiero promocionar el disco con todo y hacer muchas presentaciones alrededor del país. Además, me gustaría seguir haciendo álbumes bajo este nuevo esquema muy privado, totalmente bajo mis términos. Ya tengo el estudio, ya tengo la seguridad, siento que este disco abre una puerta para que pueda hacer más cosas en el futuro. Creo que a partir de Hipnosis, especialmente si funciona como yo estoy pensando, me va a dar la posibilidad de poder experimentar más y buscar cosas nuevas, es como un parte aguas».

Concluyendo la entrevista, Chetes alentó a la gente a que escuchen su nuevo material: «Un gran saludo, escuchen el nuevo álbum y no olviden que seguirá a la venta la edición especial firmada y numerada en vinilo, serán aproximadamente 500 copias -que son bastantes para este formato». Definitivamente en este álbum Chetes se nota más libre y demuestra su evolución personal y musical. Además crea una curiosa conexión a través de los diez tracks que conforman Hipnosis.

chetes.net

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CUADRO DE COLORES: Resaltado: Indie Rocks! recomienda.

Color general: D.F. y Área Metropolitana Rojo: Norte del país.

Verde: Centro del país.

Azul: Sur del país.

Nota: Los eventos pueden estar sujetos a cambios de última hora, dichas modificaciones son responsabilidad de las productoras u organizadores.

Jens Lissat / Red Lounge. Luis Elizondo 2811, colonia Tecnológico, Monterrey, Nuevo León / 21:00 horas Meigas / Café Iguana. Diego De Montemayor 927 Sur, Barrio Antiguo. Monterrey, Nuevo León 21:00 horas.

Rock N’ Loud: Los bunkers, Disidente, Los Daniels, Abominables, Finde, Kupper, Dirty Karma, Eby, La Banderville y muchos más Salón Rojo. Pino Suárez, colonia Universidad Toluca, Estado de México / 14:30 horas

Tonight Is Glory y Fever Unplugged Bar. Avenida Manuel J. Clouthier 478, colonia Lomas de Guadalupe, Zapopan, Jalisco 20:00 horas

Expo Fotoperiodismo (exposición) Museo Archivo de la Fotografía de la Ciudad. República de Guatemala 34, Centro Histórico, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

Cineclub / Centro Cultural Ollin Yoliztli. Periférico Sur 5141, colonia Isidro Fabela, Distrito Federal 16:00 horas

Martes 06 de julio

Fénix / Gato Calavera. Insurgentes Sur 393, colonia condesa, Distrito Federal / 20:00 horas

Todo o nada (exposición) Museo de Arte Contemporáneo.

Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

Tributo a Michael Jackson Teatro Metropólitan. Independencia 90. Colonia Centro, Distrito Federal / 13:00 horas

Taller de danza contemporánea Centro Cultural Ollin Yoliztli.

Periférico Sur 5141, colonia Isidro Fabela, Distrito Federal / 07:00 a 13:00 horas

Jueves 01 de julio

Viernes 02 de julio

Canek: Leyenda de un héroe maya (teatro) / Teatro Diana.

Avenida 16 de Septiembre 710, Zona Centro. Guadalajara, Jalisco / 20:30 horas

Lunes 05 de julio

JULIO

Oaxaca, Juan Rulfo (exposición) Museo archivo de la fotografía de la Ciudad. República de Guatemala 34, Centro Histórico, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

Domingo 04 de julio

Sábado 03 de julio Pablo Garabito / Rojo Café. Guadalupe Zuno 2027, Guadalajara, Jalisco / 21:00 horas Los Daniels y Los Bunkers Lunario del Auditorio Nacional. colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 21:00 horas

Ari Brickman / Lunario del Auditorio Nacional. colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 21:00 horas Taller de expresión corporal Centro Cultural Ollin Yoliztli.

Periférico Sur 5141, colonia Isidro Fabela, Distrito Federal / 16:30 a 19:30 horas El Mastuerzo / Bar La Tumba.

Padre Mier Oriente 827, colonia Centro, Monterrey, Nuevo León 20:00 horas

Miércoles 07 de julio

Tonight Is Glory y Fever / S22 Foro. Mérida 56, colonia Roma, Distrito Federal / 22:00 horas

Paseo de leyendas vivas de la Ciudad de México / Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez 30, Centro Histórico, Distrito Federal / 20:00 horas Hechos y delirios: soporte, materia y trabajo (exposición) Museo de Arte Contemporáneo. Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Univer-

Si estas interesado en publicar tu evento o toquín, comunícate a nuestras oficinas al (55) 5614-3760

sitario, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

Jueves 08 de julio Apocalyptica / Teatro Metropólitan. Independencia 90, colonia Centro, Distrito Federal / 21:00 horas Draw (exposición) / Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez 30, Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 horas Nonoalco y sus alrededores (exposición) / Museo de los Ferrocarrileros. Alberto Herrera s/n, colonia Aragón la Villa, Distrito Federal / 10:00 a 17:00 horas

Viernes 09 de julio Strike Master / Café Iguana.

Diego De Montemayor 927 Sur, Barrio Antiguo. Monterrey, Nuevo León / 21:00 horas Ferry Corsten / Woda. Rodolfo Gaona 3, colonia Lomas de Sotelo, Distrito Federal / 21:00 horas Apocalyptica / Teatro Metropólitan. Independencia 90, colonia Centro, Distrito Federal / 21:00 horas

Frida Kahlo, sus fotos (exposición) Museo La Casa Azul. Londres 247, colonia Del Carmen Coyoacán, Distrito Federal / 10:00 a 17:00 horas

Arte Povera (exposición) / Museo de Arte Contemporáneo. Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario, Distrito Federal 10:00 a 18:00 horas

Domingo 11 de julio

Oaxaca, Juan Rulfo (exposición) Museo Archivo de la Fotografía de la Ciudad, República de Guatemala 34, Centro Histórico, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

La nueva sangre del rock / Lunario del Auditorio Nacional, colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 17:00 horas Moldeando en barro: da rienda suelta a tu imaginación (taller) Museo de los Ferrocarrileros. Alberto Herrera s/n, colonia Aragón la Villa. Distrito Federal 10:00 a 17:00 horas

Lunes 12 de julio Taller de danza contemporánea Centro Cultural Ollin Yoliztli.

Periférico Sur 5141, Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal / 07:00 a 13:00 horas Recorrido por el Panteón de San Fernando / Museo Panteón de San Fernando, Plaza de San Fernando 17, colonia Guerrero, Distrito Federal / 09:00 a 14:00 horas

Jueves 15 de julio Nonoalco y sus alrededores (exposición) / Museo de los Ferrocarrileros. Alberto Herrera s/n, colonia Aragón la Villa, Distrito Federal / 10:00 a 17:00 horas Expo Fotoperiodismo (exposición) Museo Archivo de la Fotografía de la Ciudad. República de Guatemala 34, Centro Histórico, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

Viernes 16 de julio Barandela Big Band Orchestra Teatro de la Ciudad de México.

Donceles 36, Centro Histórico, Distrito Federal / 20:30 hora

Proyección del acervo del Museo Archivo de la Fotografía/ Museo Archivo de la Fotografía de la Ciudad. República de Guatemala 34, Centro Histórico, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 horas

Sábado 10 de julio Summer Rock Fest / Six Flags México. Carretera PicachoAjusco 1500, colonia Pedregal, Distrito Federal / 13:00 horas

Domingo 18 de julio Breaking Point Fest: Tube, Revolver, Disroder, Shamankra, Madeck, Iridion, Xel Ha, Shazu, Hollie Gan y muchos más...

Varias sedes. Apizaco, Tlaxcala 17:00 horas La nueva sangre del rock / Lunario del Auditorio Nacional. Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 17:00 horas Expo Metal Tattoo / Salón Continental, Avenida Moctezuma 914.

Colonia centro. Apizaco, Tlaxcala 13:00 horas No seas tan cavernícola (teatro) Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal / 14:00 horas

Lunes 19 de julio 10 años del Faro de Oriente (exposición) / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs.

Benito Juárez: Benemérito de las Américas / Museo Panteón de San Fernando, Plaza de San Fernando 17. Colonia Guerrero, Distrito Federal / 09:00 a 14:00

Martes 13 de julio

Arte Povera (exposición) / Museo de Arte Contemporáneo, Insurgentes Sur 3000. Centro Cultural Universitario, Distrito Federal 10:00 a 18:00 horas

Peter Pan (musical) / Teatro Diana. Avenida 16 de Septiembre 710, Zona Centro. Guadalajara, Jalisco / 20:00 horas

Martes 20 de julio

Alfonso Reyes y los territorios del arte / Museo de Historia Mexicana. Doctor Cross 455 Sur, colonia Centro. Monterrey, Nuevo León / 10:00 a 18:00 horas

Universos mínimos (exposición) Museo del Desierto. Prolongación Pérez Treviño 3745, Parque las Maravillas. Saltillo, Coahuila / 10:00 a 17:00 horas

Moldeando en barro: da rienda suelta a tu imaginación (taller) Museo de los Ferrocarrileros. Alberto Herrera s/n, colonia Aragón la Villa, Distrito Federal / 10:00

Sábado 17 de julio

Miércoles 14 de julio

Diablo Swing Orchestra / Circo Volador. Calzada de la Viga 146 Calzada de la Viga 146, Colonia Jamaica. Distrito Federal 20:00 horas

Draw (exposición) / Museo de la Ciudad de México. Pino Suárez 30, Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 horas

Pato Watson & Jokes’s / El imperial Bar. Álvaro Obregón 293.

Colonia Condesa, Distrito Federal 21:00 horas

Paseo de leyendas vivas de la Ciudad de México / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 20:00 hrs.

Nonoalco y sus alrededores (exposición) / Museo de los Ferrocarrileros. Alberto Herrera S/N. Colonia Aragón la Villa. Distrito Federal / 10:00 a 17:00 hrs.

Oaxaca, Juan Rulfo (exposición) Museo archivo de la fotografía de la Ciudad, República de Guatemala 34. Centro Histórico, Distrito Federal / 10:00 a 18:00 hrs.

ATENCIÓN: el calendario puede estar sujeto a cambios o cancelaciones por parte de sus promotores.

93

Miércoles 21 de julio La Barranca / El imperial Bar. Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal 21:00 horas Cineclub: Memorias de Antonia Centro Cultural Ollin Yoliztli, Periférico Sur 5141. Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal 19:00 hrs.

Pierre Soulages / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs.

Jueves 22 de julio Diggi y Gabo / El imperial Bar. Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal 21:00 horas Draw (exposición) / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs.

Taller de teatro: Expandiendo mis sentidos/ Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal 16:00 hrs.

Viernes 23 de julio Rebel Cats / El imperial Bar. Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal 21:00 horas

Sur 5141. Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal / 20:00 hrs.

Sábado 24 de julio Vicente Gayo / El imperial Bar. Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal / 21:00 horas

MVC, Biotech (exposición ecológica) / Museo Universitario de Ciencias y Arte, Tonalá 5.

Colonia Roma, Distrito Federal 10:00 a 17:00 hrs.

Jueves 29 de julio

Botellita de Jerez / Teatro de la Ciudad de México, Donceles 36.

Centro Histórico, Distrito Federal 20:00 horas

Taller de teatro: Expandiendo mis sentidos/ Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal 16:00 hrs.

Domingo 25 de julio

Viernes 30 de julio

El cordoncito (teatro) / Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal / 12:00 horas

Enjambre / El imperial Bar. Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal / 21:00 horas

El flojo (teatro) / Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal / 16:00 horas

Lunes 26 de julio La pequeña Camareta nocturna Centro Cultural Ollin Yoliztli, Periférico Sur 5141. Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal 20:00 hrs.

Cineclub: Alicia en el país de las maravillas / Centro Cultural Ollin Yoliztli, Periférico Sur 5141. Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal 22:00 hrs.

Draw (exposición) / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs.

Martes 27 de julio Paseo de leyendas vivas de la Ciudad de México / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 20:00 hrs.

México. Hecho a mano (exposición) / Andador Acuario del Bosque de Chapultepec, Paseo de la Reforma. Colonia Chapultepec, Distrito Federal / Todo el día.

Miércoles 28 de julio

Liran’ Roll / Lunario del Auditorio Nacional / Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal 21:00 horas Cineclub: Chicago / Centro Cultural Ollin Yoliztli, Periférico

10 años del Faro de Oriente (exposición) / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal 11:00 a 17:00 hrs.

Tue Greenfort (exposición) Museo de Arte Contemporáneo, Insurgentes Sur 3000. Centro Cultural Universitario, Distrito Federal / 19:30 a 22:00 hrs.

Sábado 31 de julio Dr. Frankenstein (ópera rock) Teatro Diana. Avenida 16 de Septiembre 710, Zona Centro.

Guadalajara, Jalisco / 20:00 horas Atmosphere Fest 6 / For por confirmar una semana antes del evento, Estado de México Todo el día.

Por Pita Lugosi • Carlotta Cardana

Guadalajara, Jalisco

Le Butcherettes

[REPORTAJE ESPECIAL]

97 Erotismos intelectuales, sensualidad liberada, sexualidad musicalizada, performances libertadores; todos estos elementos y más se decantan en el proyecto redefinido y revolucionado de Teri Genderbender, Le Butcherettes, que vienen estrenando material, bajo la supervisión del monstruo musical Omar Rodríguez.

Música para aquellos que no gustan de los convencionalismos y aún creen que el arte es una forma de liberar y hermanar a los seres humanos, evaneciendo fronteras y ligando sentimientos.

Pasaba otra de esas tardes de infernales del Distrito Federal: un calor agotador, tráfico que le pondría los nervios de punta al mismísimo Satanás, un aire de preocupación y penuria al que ya estamos acostumbrados. Yo me dirigía a la entrevista con Teri lo más rápido que podía, al ingresar al pequeño departamento en que se iba a realizar la entrevista, al entrar allí aún estaba nervioso, pues es imposible mostrar la mejor cara de poker cuando sabes que enfrentarás con preguntas a una artista tan astuta y profunda. Me senté en lo que nuestra fotógrafa terminaba su sesión (ella parecía muy emocionada por la capacidad de modelo que Teri estaba demostrando), en el inter me dejaron escuchar la versión final de Sin Sin Sin… Simplemente quedé impactado

por el cambio radical de estilos, finalmente salió Teri y pudimos comenzar.

Teri tomó un cigarrillo de la mesa y sonriendo dijo: «Voy a tomar esto, aunque no fumo, pero creo que me veo más interesante con un cigarro en la mano». En ese momento comprendí que realmente estaba frente a una persona bastante interesante; mejor aún, que ella es de las pocas personas que no hace una distinción entre su vida y lo que propone sobre los escenarios. « A mí me encanta experimentar… no, espera, no me gusta esa palabra, me encanta vomitar lo que tengo en la mente (aunque suene muy hip hop), uno puede ser lo que se le pegue la gana,

mientras no lastimes a alguien más, eso es lo que creo que es el feminismo. El punto es poder tener nuestras propias opiniones y unir lo masculino y lo femenino; no se trata de hacer otro tipo de sexismo ridículo que intente conquistar el mundo con un solo género. Se trata de generar una ideología que perdure, es el derecho de elegir, sin poner etiquetas a las cosas y sin sentirte mal; poder hacer las cosas que queremos», en ese momento me di cuenta que si bien Teri es una feminista de hueso colorado, es radicalmente diferente a la mayoría de las chicas que dicen seguir esta ideología.

No pude resistir la curiosidad e indagué más sobre la forma en la que ella entendía el feminismo, más como una acción

que crea que como una división entre ambos sexos: «En el siglo XVII las mujeres en Gran Bretaña las mujeres se cortaban los dientes en forma de protesta porque no podían votar, por eso quiero incluir dientes en las presentaciones. Porque me parece increíble que en pleno siglo XXI a las mujeres se les siga criticando por sobresalir en vez de felicitarlas, que se siga apoyando la ideología de “A los hombres se les enseña a disculparse por sus debilidades, mientras que a las mujeres por sus fortalezas”», aún atónito por esta revelación fue más claro que nunca que el simbolismo de la banda se revitalizó con el cambio.

Sólo quedaba saber qué es lo que buscaba comunicar Teri con Sin Sin Sin, si se trataba de una crítica, una denuncia, o un simple acto creador, ella contestó: «La cultura del mexicano se centra mucho en el pecado, por eso me gustó la idea de hacer un disco pro-racionalista, por eso no creo que pueda encerrarlo en un solo tema; trata de muchos temas, pero giran como en torno a esta idea errónea de la culpa. Es mejor hacer algo con lo que te sientas cómodo, la gente se da cuenta de eso; por eso el artista tiene que hacer lo que le nace, si a la gente le gusta eso es un plus, y te puede dar de comer.

Aunque quizá también me gustaría hacer algo como Gloria Trevi, al fin todo mundo me dice que me parezco bastante a ella, así que de una vez todo el paquete [risas]».

Sabiendo que había tenido en mente al crear este material, me dio curiosidad saber qué la había influenciado, la cantante nos contó: «¡Amo a Beck! Todos y cada uno de sus discos, así que es algo que definitivamente estaba escuchando mientras hacía Sin Sin Sin. Creo que también estaba viendo cosas como 8MM de Joel Schumacher, o películas de Fellinni y Jodoroswky… Aunque también estaba bien metida con esta película de Scarlett Johansson, Match Point, por todas sus intrigas y engaños, no sé, eran muchas cosas».

Platicamos por horas con Teri, por desgracia el espacio en la revista no nos da chance de reproducir las casi dos horas de entrevista que tuvimos, pero una cosa queda clara: ¡Le Butcherettes está de regreso y a lo grande!

lebutcherettes.tumblr.com/