Visible #5 - Chile / Uruguay

Director Integra Escuela, Uruguay PABLO GIMÉNEZ

“LA PROYECCIÓN DE TENDENCIAS 2024 NOS LLEVA DIRECTO HACIA UN NUEVO CAMBIO DE PARADIGMAS EN DONDE LA MODA NO ES AJENA”

Enesta nueva edición de Visible queremos resaltar e introducirnos en una de las corrientes del nuevo latir mundial desde una mirada regional, pero sin dejar de lado la globalidad como contexto. Este 2022, el macrotema elegido fue Naturverse, alineándose así con esta marea creciente que nos lleva directo hacia un nuevo cambio de paradigmas en donde la moda no es ajena.

WGSN define Natureverse como una corriente en la que “el mundo natural y el metaverso se unen, en la que la estética física y la digital se difuminan con un enfoque de diseño centrado en la ecología se une a la tecnología y la innovación”.

En ese marco, comenzamos a explorar el nuevo entorno digital, sus posibilidades expresivas y conceptuales así como sus limi taciones técnicas, en un contexto donde el contacto y la profundi zación de los vínculos humanos se vuelve impostergable luego de una recesión emocional vivida durante la pandemia.

De esta forma, nuestras estudian tes y docentes se han sumergido en los beneficios de las nuevas herramientas digitales, asegurando que los ricos contenidos puedan ser replicados en otros formatos, sin dejar de lado el meticuloso y tradicional trabajo de campo, explorando el territorio y sus pro tagonistas, tanto en Santiago de Chile como en Montevideo.

Imagen de fondo: Francisco Meneses (DMNC)

Biomaterial

En moda, textil ecológico y biodegradable, derivado de lo orgánico.

Colaboración

Proceso de dos o más personas que trabajan juntas para completar una tarea o alcanzar una meta.

Digital

Todos aquellos sistemas que representan, almacenan o usan la información en sistema binario.

Dirección de arte

Forma en que se construye una estética particular para un propósito de comunicación visual.

Diseño multimedia

Rama que engloba las áreas audiovisual, fotográfica, digital y gráfica, entre otras, y permite explorar nuevos formatos como la animación y las piezas 3D.

Entrevista

Conversación que un periodista mantiene con una persona y que está basada en una serie de preguntas o afirmaciones que plantea el entrevistador, y sobre las que el sujeto entrevistado da su respuesta o su opinión.

Metaverso

Ambiente virtual en el que los usuarios experimentan una interacción 360° que tiene como finalidad conectar, comprar, navegar y vivir en comunidad en el ciberespacio.

NFT

Unidad de valor o “token” que permite la comercialización de piezas o archivos digitales en bloque mediante una moneda digital, con codificación única e intransferible.

Producción de moda

Lenguaje común entre los diferentes oficios, la comprensión de los mercados, las técnicas y los procesos creativos, el análisis y estudio de la evolución y las tendencias proyectivas del sector.

Realidad Virtual

Entorno de escenas y objetos de apariencia real, generado mediante tecnología informática, que crea en el usuario la sensación de estar inmerso en él.

Sustentable

En moda, cuando en la producción de una prenda se toma en cuenta su durabilidad, impacto ambiental y el trabajo de quienes la manufacturaron.

“TODO

Guido Vera, Director Creativo y diseñador

GUIDO VERA:

“Estoy empacando todo porque el próximo domingo me voy a París”, dice Guido Vera, y con esa frase in augura la charla. Está en su showroom, en un segundo piso por escalera en algún rincón de Providencia, rodeado de percheros con piezas perfectamente organizadas por color, línea y tempo rada, y ordena meticulosamente las prendas con las que cruzará el Océano Atlántico para participar en la Paris Fashion Week.

Con 30 años, Guido es uno de los nombres que hoy suena fuerte en la es cena de la moda chilena. Su propuesta está atravesada por la simplicidad, el minimalismo y la sustentabilidad. Esos conceptos y una inspiración que viene directamente de Chile, sus paisajes y características, se vuelcan en piezas sin género para, como él los define, “nómadas de la nueva era”.

En medio de esa vorágine y en la previa a su participación en la feria Tranoï de uno de los mayores eventos de moda del mundo, Guido recibe con mucha calidez al equipo de VISIBLE, para charlar sobre sostenibilidad y nuevo lujo.

UNA MIRADA SUSTENTABLE EN LA CREACIÓN DE MATERIALES BIOTECNOLÓGICOS TUVO COMO CAPITAL INTERNACIONAL LA FASHION WEEK DE PARIS 2022

“VOL IV: Micromundos” Guido Vera

¿Cómo toma el público francés tus diseños?

Los aman. Creen que fueron confeccionados allá, que hago mis fotos allá, o que directamente vivo en Francia. Pero no, todo esto es hecho en Chile, con materiales latinoamericanos —trabajo con materiales importados de México, Perú y otros países regionales—. Es parte de la identidad de la marca: mostrar no solamente a Chile, sino a Latinoamérica completa. Que crean que mis diseños son franceses siento que es algo bueno: finalmente los compran porque asumen que están bien hechos. De todas formas, me genera sentimientos encontrados. Por otro lado, les encanta que la marca trabaje con materiales sustentables, porque el lujo tradicional no es lo que les interesa. Con este tipo de marcas es difícil, porque debes agradar a un público que es muy exigente. El comprador que está en las tiendas, los coleccionistas, tienen un ojo gigante, y sigo en proceso para llegar a esa gente, generando contactos, cerrando reuniones, etc. Todavía me ven muy pequeño, tengo 30 años y recién en 2018 empecé con la marca.

¿Tus colecciones son anuales? Sí, trabajo con temporadas. Los volúmenes (las colecciones anuales) son saldos, ediciones limitadas, ya que se trabaja el tipo de materialidad de telas vintage donde la sustentabilidad radica netamente en que son telas de descarte, de fábricas que ya no existen, por lo cual eventualmente se agotan. De igual manera, en mi colección permanente, que está en constante crecimiento, se utilizan telas sustentables, y se le agregan piezas de colecciones pasadas y actuales.

Todas mis colecciones me representan, representan momen tos de mi vida. Y mi inspiración va mutando en base a lo que voy viviendo, aunque siempre me pasa lo mismo: todo lo que veo lo relaciono con Chile.

“VOL IV: Micromundos” Guido Vera

“VOL IV: Micromundos” Guido Vera

“VOL IV: Micromundos” Guido Vera

“TODAS MIS COLECCIONES ME REPRESENTAN, REPRESENTAN MOMENTOS DE MI VIDA. MI INSPIRACIÓN VA MUTANDO EN BASE A LO QUE VOY VIVIENDO”

¿Te proyectas instalándote en Europa?

Sí. En París a la gente le gusta mi trabajo, lo aprecia; a mis precios los ven muy bajos, pero yo sé que en Chile causan revuelo. De todas formas, revivir la cultura del “hecho en Chile” es lo que me motiva a seguir trabajando así, yendo y viniendo. Todo esto es muy nuevo para Chile. Como se aniquiló la industria durante la dictadura, no llegó a madurar, quedó a medias. Y me gusta trabajar con aquellos que se vieron afectados por este hecho y tuvieron que cerrar sus fá bricas. Siento que desde el fondo estoy ayudando a la industria del país.

“VOL IV: Micromundos”

Guido Vera

“VOL IV: Micromundos”

Guido Vera

Contame sobre la transparencia de la marca en relación a la sustentabilidad.

Comencé trabajando mucho en retail, y estaba harto. Hice estilismo de marcas, fotos todas las semanas, 50 looks en un día, y me dije: “Es hora de salirme”. Esto también influyó en comenzar esta idea de marca sustentable.

Creo que lo más importante para ser transparente con el pú blico es comunicar, mostrar y poner en la página web acerca de la sustentabilidad, cuánto tarda la marca en trabajar el producto, etc. Estoy en vistas de certificar las cosas, ya que trabajo con la mayoría de los materiales sustentables.

¿Qué es la sustentabilidad para Guido Vera? Viví en una de las ciudades más sustentables de Chile (Punta Arenas). Recuerdo que sacaron las bolsas de plástico de todos los comercios, y los micros que siguen funcionando a gas salen 50 pesos. Siento que lo sostenible es un conjunto de muchas cosas, y tenemos la opción de plasmarlo en la ropa y en las telas.

Mi mayor referente en moda sustentable en Chile es María Cornejo, radicada en Nueva York. Comenzó el negocio sus tentable en el país hace 20 años, y gracias a ella hoy existe una corriente que busca aspirar a algo similar.

En mi caso me interesa mucho el rescate de telas, creo que conforma una parte importante en la marca. Además, uso materiales completamente certificados, que están bajo el margen de la regulación de plástico y de las importaciones.

Pero incluso dentro de esta cadena de producción puede haber sectores no tan sustentables. Por ejemplo, la marca ocupa el algodón Pima, que usa agua, a diferencia del cuero de cactus que se riega con agua de la lluvia. Otro ejemplo es el vinilo, que está hecho con PET reciclado, pero al final igual se termina biodegradando.

A futuro tengo planes de seguir estudiando. Formarme, informarme mucho más sobre lo que es la sustentabilidad en la moda, poder hablar con conceptos reales, tener seguridad. Cuando yo comencé con esto la sustentabilidad solo era un tema, pero ahora hay conceptos que al momento de comuni car hay que poder fundamentar. No hay que parar de estudiar. Estudio para competir conmigo mismo, con mi mente.

¿Cómo fue tu primer acercamiento con el cuero de cactus?

Mi mamá vio una noticia en Facebook y me etiquetó. Antes de eso ya tenía ganas de que hubiese un material así, pero todavía no estaba hecho.

Es sabido que este cuero orgánico no funciona de la misma forma que el cuero típico, que tiene esa durabilidad que uno puede probar. Nosotros no sabemos cómo va a ser el proceso de esa misma cartera hecha en un cuero vegetal, porque no podemos adelantarnos 20 años y ver cómo va a quedar; es completamente un misterio. Como proyección en lo sostenible, me gustaría poder lograr generar un material orgánico propio.

“VOL IV: Micromundos”

Vera

“VOL IV: Micromundos” Guido Vera

¿Qué es para vos el nuevo lujo?

El saber hacer a través del rescate de los oficios, que no lo reemplacen las máquinas. Que los consumidores en tiendan que detrás de ese buzo tejido hay una persona que lo hizo y que su trabajo vale. Ojalá que el mundo llegue a entender eso, que cambie. Yo creo que va a cambiar, y aunque no lo podré ver, estaré orgulloso de haber sido parte del cambio.

Por otro lado, me encargo del manejo de las redes de la marca, estudié Co municaciones y tengo una especie de diplomado en Google Adword, y aplico esos conocimientos de manera orgáni ca en mi trabajo. Me encanta el vínculo que genero con los clientes, el trato directo que tengo con ellos. Es lo más importante para mi, que me conozcan, que los compradores se sientan parte, que entiendan que me conocen y hablaron conmigo. Creo que desde ahí comienza todo esto del nuevo lujo.

“CREO QUE EL NUEVO LUJO SE TRATA DE QUE LOS COMPRADORES SE SIENTAN PARTE, QUE ME CONOZCAN Y GENERAR UN VINCULO”

“VOL IV: Micromundos” Guido Vera

Martin Luttecke, Director Creativo y diseñador

MARTIN LUTTECKE:

AW22 “Futuros Errores” Martin Lüttecke

”Busco hacer una alternativa a esta idea de sensualidad o sexualidad clásica que conocemos, siempre pensando en cómo se puede ser uno mismo sin limitaciones”, dice Martín Lüttecke a modo de presentación. Diseñador chileno con importante pro yección internacional —ganó el premio Lab Scene de la Semana de la Moda de París—, la propuesta de Martín se basa en la sustentabilidad y la inclusión, se caracteriza por el ritmo lento y por lo que él define como “full digital”. “Como marca nos paramos fuerte

mente contra cualquier manera de discriminación, apoyando toda forma de diversidad e inclusión: corporal, racial, orientación sexual, de género e ideológica”, defiende en su manifiesto.

Martín, que recibe a VISIBLE mientras muestra algunas de sus increíbles co lecciones y cuenta sobre sus procesos, e incluso mientras atiende a algunos de sus clientes —siempre con el objetivo de que se sientan cómodos con lo que llevan puesto—, supo que la moda era una forma de expresión desde sus

primeros años. “Mi mamá nos vestía siempre con looks increíbles”, cuenta.

Luego vinieron la “obsesión” por el mundo de la indumentaria, los años de estudio en su Chile natal y las pasantías en Europa, donde su proyecto comen zó a tomar forma.

“Siempre quise estudiar moda y como acá no había, y mis papás son un poco clásicos, querían que estudiara en la Universidad Católica que es la más tradicional de Chile”, cuenta. “Al

contarles que mi deseo era estudiar en Europa me dijeron que me apoyaban, con la condición de que antes terminara la universidad acá. Cuando terminé esa etapa mandé muchos emails y la mayoría me rechazaron, pero un par sí me aceptaron. Un mes después ya estaba en Londres”.

En su tiempo en marcas como la londinense Wales Bonner o la del diseñador belga Haider Ackermann, Martín supo ser el único latino de los grupos, una ex periencia que vivió como algo “duro” y de la que finalmente salió enriquecido. “Al principio sentía que no pertenecía o no tenía el entrenamiento suficiente, buscaba estar siempre a la altura. Pero me fui dando cuenta de que lo que yo tenía para entregar como latinoamericano era lo que a ellos les interesaba, y por lo que me habían elegido. Hacíamos research con las nuevas colecciones, yo les entregaba trabajos con una fuerte identidad latina, y ellos se volvían locos, les encantaba. Entendí que lo que uno puede aportar desde lo original es mucho más fuerte que lo que uno quiera aportar desde un lugar de pretender ser”.

Todos los procesos son de aprendizaje. De la pandemia, por ejemplo, el diseñador salió con la necesidad acentuada de hacer todo aquello que tuviera ganas. “Sentí esa sensación de libertad y de querer mostrar algo distinto”, resume.

Atravesó ese período sin bloqueos creativos, probablemente por el reglamento que se impuso hace ya un tiempo: trabajar hasta las cinco de la tarde y luego dedicarle tiempo a leer, ir al cine y estar en contacto con el mundo, con los otros. “Entendí que ese espacio de no trabajar también es parte de mi trabajo, porque estoy viendo cosas que me inspiran, soy muy curioso, quiero estar todo el tiempo observando. Es importante salir y ver lo que pasa. Y si no me surge algo, traigo a gente para hacer colaboraciones. No hay que frustrarse en hacer todo solo, de repente hay que abrirse a otra persona y ver cómo es su interpretación. Hay tiempos y tiempos; el proceso creativo —cuando parto y estoy empezando una colección— es muy tranquilo, es empezar a bocetar y a dibujar, pero sin ninguna presión. Los últimos dos meses son muy intensos, después se acaba y de nuevo me tomo un tiempo”, explica. “Ahora estoy terminando ese tiempo de tranquilidad y ya debería partir con algo nuevo”.

Apasionado, decidido y con gran calidad humana, Martín charla con VISIBLE e inspira a perseguir las metas propias.

AW22

“Futuros Errores” Martin Lüttecke

¿Qué aprendizajes te llevaste de tus prácticas europeas?

Aprendí toda la disciplina de tener una marca, la gente cree que solo es estar di bujando y creando, pero todo el proceso comercial y llevar a cabo las colecciones es muy metódico. Allá la moda se toma muy seriamente, los ritmos de trabajo son muy fuertes. Me quedó grabada esa idea de generar una marca de moda que fun cionara bien y poder darle ese ritmo que requieren las colecciones. Cada colección son seis meses de prototipo, de probar distintas cosas y generar una historia que tenga sentido.

¿Tu marca estuvo relacionada con lo digital desde el principio?

Full digital desde el principio: yo nunca he hecho un desfile, por ejemplo. Soy de la idea de hacer algo a una escala más chi ca, pero más controlada. En ese sentido, lo digital te entrega esa herramienta.

AW22 “Futuros Errores” Martin Lüttecke

¿Cómo aplicas esa visión futurista o digital en tu trabajo?

Me gusta jugar con los prints. En la última colección tra bajamos con glitch de imágenes de reality shows. En la pandemia vi de vuelta “Las Kardashian”, y me fui dando cuenta de que entre las imágenes se generaban errores digitales. Al principio creí que mi internet estaba mal, y después se volvió a repetir y me pareció muy interesante. Archivé e hice pantallazos de todo hasta que, en 2019, me decidí a hacer algo con esto. Hay una obsesión muy fuerte por lo perfecto, por el pixel de muy alta calidad, y yo quise hacer todo lo contrario.

¿Cómo sería una colección tuya en el metaverso? Lo he pensado e investigado mucho. El proceso de ir evolucionando es muy importante, todas estas cosas me llaman mucho la atención, pero primero me gustaría me terme y ver qué siento viviendo la experiencia, porque es una manera distinta de diseñar. Además, plantea muchas preguntas: ¿qué es nuestro y qué no?, ¿cuál es nuestro cuerpo y cuál no?, ¿cómo uno se presenta en un espacio inventado?, ¿va a existir la diversidad de cuerpos?

AW22 “Futuros Errores”

Martin Lüttecke

AW22 “Futuros Errores” Martin Lüttecke

AW22 “Futuros Errores” Martin Lüttecke

¿Por qué considerás que la inclusión es tan relevante?

Uno va creando identidad. Considero que hoy en día falta un poco de esa representatividad de poder tener confianza en ti mismo sin tener que ser un cliché de lo que conocemos. Deberíamos darle una vuelta a lo que nos hace sentir cómodos. Es difícil que esto sea replicable en todas las marcas porque en realidad se trabaja con una talla estándar y se producen prototipos, pero cuando uno empieza a trabajar con cuerpos diversos, tiene que trabajar específicamente para un cuerpo. Pienso que debería ser para todo el mundo. Quizás el problema es que la talla estándar es una talla mode lo, pero si fuera una talla más normal, la variación hacia una talla más grande o más chica no sería tan radical.

¿Cómo fue evolucionando tu público?

Al principio mi público era más clásico porque pensaba que era ahí donde me iban a comprar más, pero con el tiempo me di cuenta de que tenía que encontrar otro espacio, porque me es taba limitando al momento de crear. Y así el cliente cambió a un estilo mucho más queer. Fue muy bonito, porque co mencé a darle un significado a la ropa: la hago yo, pero cobra vida cuando el resto la empieza a usar.

Tu proceso de producción es lento. ¿Creés que tu público está prepa rado para una marca con este tipo de trabajo?

Yo creo que prefieren el fast fashion sí o sí, ya que hay marcas que no tienen procesos transparentes, entonces si uno va a una tienda y compra algo muy barato, no se cuestiona nada.

Se deberían esclarecer y visibilizar los procesos, y así mucha gente diría: "Wow, igual sí es fuerte estar contribu yendo a algo que en verdad es dañino a un nivel social".

En el futuro, ¿creés que podrías ser cien por ciento sustentable? Es difícil. Hay un cliché que entiende a la sustentabilidad solo por el uso de las telas naturales, pero tiene muchas otras ramas: por ejemplo, que sea un trabajo producido localmente y que sea bien remunerado. Para mí es imposible ser totalmente sustentable, pero se trata de decir: "Hago esto, pero voy a hacer 20 prendas muy bien confeccionadas y de buena calidad que van a durar 30 años". Ahí está la responsabilidad del equilibrio.

“CONSIDERO QUE HOY EN DÍA FALTA UN POCO DE ESA REPRESENTATIVIDAD DE PODER TENER CONFIANZA EN TI MISMO SIN TENER QUE SER UN CLICHÉ DE LO QUE CONOCEMOS”

AW22 “Futuros Errores” Martin Lüttecke

AW22 “Futuros Errores” Martin Lüttecke

“Direccionalidad Desarticulada” Belén Sanhueza

Desde la Universidad del Desarrollo en Chile, los estudiantes de Taller y Gestión de Moda trabajaron en la creación de textiles bajó los lineamientos sistemáticos de lo que implica una posible producción.

Natalia Yañez

El desafío consideró el reino animal como campo de observación para el desarrollo de superficies volumétricas textiles experimentales, pues creemos ineludiblemente que constituyen el mejor referente para el desarrollo sostenible. Su fisionomía, compor tamiento, conductas y mecanismos de defensa o supervivencia, son los disparadores inspiracionales que con sideró este grupo de estudiantes para el desarrollo de sus proyectos.

CRÉDITOS

Docentes UDD: Natalia Yáñez, Jaime Ramírez.

Alumnos Chile: Catalina Brauning

“Reconstrucción Incipiente”, Belén Sanhueza

“Direccionalidad desarticulada”, Victoria Pey

“Memoria Regenerativa Autónoma”, María José Covarrubias “Fusión Superpuesta”

Modelos: Val Cisternas, Martina García, José Queirolo, We Love Models.

Fotografía: Valentina Muñoz.

Maquillaje y peinado: Alison González, Franchesca Huentecura.

Enel caso del proyecto “Recons trucción Incipiente” de Catalina Brauning, es un pequeño reptil de entre 2 a 6 pulgadas de tamaño, llamado Gecko Satánico Cola de Hoja, el que da vida a esta experimenta ción textil que desde el upcycling textil comunica la erosión y unión que podemos observar en la piel de este animal perteneciente a la familia de los gecónidos y que podemos encontrar en distintos puntos de Madagascar. Ar ticulando piezas de denim reciclado, se exacerban los cortes a través del des hilachado y los colores contrastantes de sus costuras para volver a una visión del mundo centrada en la aceptación de la imperfección, tal como plantea la estética japonesa Wabi-Sabi.

“Reconstrucción incipiente” Catalina Brauning

Zoom textura “Reconstrucción incipiente” Catalina Brauning

“Reconstrucción incipiente” Catalina Brauning

“Direccionalidad desarticulada”, proyecto de Belén Sanhueza considera como referente al Janolus Fuscus, luminosa babosa marina que pertenece a la familia de los nudibranquios y se caracteriza por unas antenas que cu bren su lomo, iluminando y expeliendo sustancias tóxicas a sus depredadores como técnica de defensa.

Y es a partir de su cuerpo invertebra do y no segmentado, que se destacan los conceptos desarticulación, densi dad y movimiento para dar vida a un textil tejido, que integra en su trama y urdimbre cordones y cables eléctricos para permitir deformarlo o modelarlo libremente por parte del usuario final.

PROYECTO VISIBLE

“Direccionalidad desarticulada” Belén Sanhueza

“Direccionalidad desarticulada” Belén Sanhueza

PROYECTO VISIBLE

Por último, el proyecto “Memoria Regenerativa Autónoma” de Victoria Pey se inspiró en la observación del Pulpo, proponiendo un tejido modular que a través de la unión y el recorrido representa la memoria del proceso regenerativo que poseen los tentáculos de este reconocido molusco cefalópodo y octopodiforme. Sumando cambios de escala y separación de puntos en mate riales monocromos como lana, plástico e hilos metalizados, se proyectan mó dulos capaces de articularse libremente entre sí a través de uniones tejidas a crochet y palillo, potenciando la idea de autonomía y complementariedad obser vada en este fascinante animal.

Zoom Textura “Memoria Regenerativa Autónoma” Victoria Pey

“Memoria Regenerativa Autónoma” Victoria Pey

Otro de los proyectos destacó por traspasar técnicas ancestrales como el gofrado al desa rrollo de esta superficie volumétrica textil pero abordado desde una mirada super contem poránea. Tiene que ver con el entendimiento de la ciudad, con lo urbano, y cómo nosotros los habitantes somos capaces de mimetizar nos con la ciudad así como lo hace el animal seleccionado. Por lo tanto realiza una síntesis visual del mapa de Santiago pero también lo proyecta a las distintas ciudades del mundo. Logra transmitir la identidad regional lleván dola a lo urbano y contemporáneo.

Estos proyectos, son sólo una pequeña muestra de los resultados inspirados en la extraordinaria diversidad del reino animal.

Los entornos virtuales están en pleno desarrollo y las marcas, los artistas y la moda lo saben. Una mirada al momento actual del metaverso

Reportaje Belen Vaz

Los entornos virtuales están en pleno desarrollo y las marcas, los artistas y la moda lo saben. Una mirada al momento actual del metaverso.

La proyección es esta. De cara a la llegada del metaverso, ese espacio de realidad aumentada que hoy revoluciona las plataformas digitales y la inteligencia artificial, la compañía de pronóstico de tendencias WGSN asegura: “Nuevas herra mientas están empoderando a las personas a imaginar y crear protopías, futuros en los que el mañana es realmente mejor”. La pregunta es: ¿estamos, como sociedad, preparados para adentrarnos de lleno en un universo sintético?

Según el informe Natureverse 2024 de WGSN, la creatividad artificial ya está cambiando la forma en que percibimos la rea lidad, y la influencia de las plataformas virtuales ya predomina en los medios de comunicación globales.

Un ejemplo de la transformación que puede darse en terrenos meramente digitales es el de la compañía Epic Games, fundadora de Fortnite y a la que se puede considerar pionera en la creación de un videojuego con particularidades que se

Realidad Sintética Shooting inspirado en la tendendencia metaverso de Magadalena Giacoia y Belen Vaz

Realidad Sintética Shooting inspirado en la tendendencia metaverso de Magadalena Giacoia y Belen Vaz

asemejan a la idea de un metaverso. En alianza con la marca Balenciaga, la empresa lanzó una colección — Balenciaga Fit— para el mundo virtual de sus jugadores. Así, los usuarios pueden actualizar los uniformes de los personajes (los “skins”) en una tienda inspirada en la vida real a través del centro comunitario del juego.

En la misma sintonía, empresas como Nike, Gucci y Prada ya tienen su pro pia sede para la compra de prendas virtuales en el metaverso.

Quizás hoy suene fatídico imaginar un terreno completamente digital en don de las personas interactúan, trabajan, e incluso compran indumentaria que no pueden poseer físicamente.

Sin embargo, un informe de la empre sa Gartner, inmersa en la investigación de nuevas tecnologías, plantea que para 2026 “se espera que el 25% de las personas pasen por lo menos una hora al día en el metaverso para traba jar, comprar y navegar en portales de entretenimiento y redes sociales”.

Es que los escenarios se estructuran “como un espacio virtual colectivo, que tiene como resultado la convi vencia de la realidad física y digital pero mejorada”, con el propósito de brindarle a las personas la posibili dad de establecerse y relacionarse

en comunidad en un nuevo nivel alcanzado por internet. Funcionan con independencia de los dispositivos y no son estrictamente propiedad de un solo proveedor, lo que genera una economía autónoma que habilita únicamente el uso de billeteras digitales.

Con toda esta estructura web que las marcas visualizan como una oportuni dad para globalizar sus productos de forma virtual, emergen los NFT, “un tipo de token poderoso que permite representar activos digitales en una cadena de bloques, y se comercializan en altos montos que solo se adquieren en un tipo de moneda digital”, según define la empresa Forrester, especia lista en inteligencia artificial.

En otras palabras, los NFTs y las crip tomonedas son el tipo de cambio que validará la compra y venta efectiva de todo, absolutamente todo, en los metaversos: desde un skin para videojuego y una obra de arte hasta una entrada para un desfile en Decen traland, uno de los metaversos mejor desarrollados hasta el momento.

Pero más allá del impacto que ya están teniendo estas plataformas, to davía están alejadas de lo que podría ser un un mundo virtual similar al de la vida real.

DMNC Artista

“El diseño 3D es un recurso donde po demos crear casi todo. En un momento estamos en Marte y en la siguiente escena estamos bajo el mar. Es amplio y complejo”, explica a VISIBLE el el diseñador multimedia y 3D chileno Francisco Meneses, popularmente conocido como DMNC.

Francisco, que ha vendido NFTs propios en Foundation, una plataforma de nicho para aquellos que buscan adentrarse en el universo del cryp toarte, vivió la experiencia de crear un mundo virtual en la agencia en la que se desarrolla como diseñador y artista. “Es como crear un juego, un second life con proyectividades y recursos afines”, dice tras haber visitado y explorado diferentes plataformas.

CRÉDITOS

Modelos: Mateo Cousillas, Sabrina Mier

Fotografía: Adriana Navarro

Maquillaje: Guadalupe González

Estilismos y arte: Belén Vaz, Magdalena Giacoia

Producción y dirección: Belén Vaz, Magdalena Giacoia

Docente: Paula Moore

Agradecimientos: H&M, Symphorine, Crocs Uruguay, Montevideo Shopping

Agradecimiento: Francisco Meneses

Ruido Francisco Meneses (DMNC)

Para producir sus NFTs, este diseñador tiene una metodología bastante clara. Primero genera la pieza digital desde el modelado, montaje o animación que busca construir. Luego lo sube a la web y escoge el precio para cada ítem y, posteriormente, el tipo de moneda virtual. Lo último es ingresar a un marketplace donde se compra o se su basta. Esta clase de obras se valúan en un principio a 0.1 Ethereum, alrededor de 350 dólares americanos.

Francisco menciona que, en Chile, pocas son las marcas que buscan desarrollar proyectos 100 % digitales en la actualidad. “Falta una inyección de información sobre estas nuevas tecnologías como los NFT, la web 3.0, las billeteras virtuales, y vidrieras que acompañan lo que es la realidad aumentada”, asegura. También entiende que algunas compañías pueden estigmatizar los nuevos formatos como un pasatiem po o algo que está de moda, pero desde su punto de vista, esta es una novedad que vino para quedarse: “Se va a mover por fuera de las líneas po pulares y a futuro va a generar redes alrededor del mundo.”

En el mundo del arte, el museo MOCO —en Ámsterdam y Barcelona— se adhiere a estas nuevas modalidades y

presenta obras detalladas en 3D sobre monitores, y es ahí donde se mimetizan la tecnología y lo formal. “Estos forma tos son positivos para las manifesta ciones digitales y abren un paradigma de hacia dónde va la creación”, cierra Francisco. “Cuando se empiece a inter nacionalizar y todos los países apliquen este tipo de tendencias, es posible que la moneda cambie y todos nos veamos inmersos en Bitcoins o Etherium”.

Su mirada abre preguntas sobre una hipotética globalización radical de la moneda del futuro. Y si bien los metaversos no están desarrollados en su totalidad, es posible que la realidad aumentada se parezca cada día más al espacio físico que habitamos. La sensación de presencia que generan es tos portales, puede brindar la posibilidad de interactuar en varios espacios a la vez y así trabajar, comprar, conectar. En definitiva, vivir en comunidad.

Probablemente los multiversos digitales se adecuarán a las necesidades de una exigente audiencia, que tarde o tempra no se verá sumergida en una dualidad que ya no diferenciará drásticamente entre el mundo sinóptico y la vida real. La pregunta sigue siendo la misma: ¿estamos preparados para adentrarnos de lleno en un universo sintético?

“EL DISEÑO 3D ES UN RECURSO DONDE PODEMOS CREAR CASI TODO, EN UN MOMENTO ESTAMOS EN MARTE Y EN LA SIGUIENTE ESCENA ESTAMOS BAJO EL MAR, ES AMPLIO Y COMPLEJO.”

La calma antes de la tormenta Francisco Meneses (DMNC)

Serpientes Francisco Meneses (DMNC)

CRÉDITOS VISIÓN ÍNTEGRA

Conducción: Paulina Introini

Co-conducción: Juana Blanco y Belén Vaz

Edición: Magdalena Giacoia

Guion y producción: Belen Vaz

Diseño Gráfico: Juana Blanco

CRÉDITOS PROYECTO FUSIÓN

Docentes UDD: María Cecilia González Milevcic. Docente Integra: Guzmán Bergereau. Alumnos Uruguay: Micaela Cáceres, Agustina Fernández, Agustina Sánchez, Lucrecia Cardozo, Bárbara Sabido, Lucia Laborde.

Alumnos UDD: Leyla Yarú, Catalina Baghetti, Julieta Aguilera, Gabriela Matte, Gala Cifuentes, Isadora Sales, Angeles Medina, Antonia Mercado, Antonia Von Teuber, Javiera Araya, Isabel Pfeffer, Juan Pablo Lavalle, Sofía González, Emilia Villalobos, Mayza Sarras, Carolina Gamboa, Nicole Mahuzier, Antonia Gutierrez, Josefina Arancibia, Emilia Battaglia, Sofía Maira, Maite Salgado, Elisa Sutil.

VISIÓN ÍNTEGRA: LA TECNOLOGÍA Y NATURALEZA CONVIVIENDO EN UN MISMO PRONÓSTICO

Enesta nueva temporada de podcasts nos adentramos en el proyecto Fusión. Una experiencia de intercambio virtual internacional entre alumnos de Integra Escuela y Universidad del Desarrollo. En el trans curso de cinco episodios indagamos y entrevistamos a los alumnos quienes generaron una ardua investigación para la creación de un kit de supervivencia. El proyecto es una experiencia académi ca de intercambio virtual internacional.

En esta oportunidad participan alumnos de Ilustración de Moda de la Universidad del Desarrollo de Chile, junto a los alumnos de Introducción al lenguaje estético plástico de la Escuela Integra Pablo Giménez, Uruguay.

El trabajo implicó un desafío creativo, en el que los estudiantes debieron elaborar estampados digitales. Estos debieron aplicarse a un kit de vestuario concep tual, que se adapte a los lineamientos de una macrotendencia elegida. ¿Qué pasaría si nos despertáramos el día de mañana en un universo alternativo? Este fue el disparador para crear el kit y que se convirtiera en una proyección a futuro de una pieza funcional.

Se tomó como disparador del proyecto un kit de supervivencia para la era de Natureverse. Bajo este criterio, los equi pos trabajaron con diversas estampas que se convirtieron en las superficies

de estos kits. Para lograrlo se generó una investigación artesanal con tinta textil y tinta de sublimación.

Cuando hablamos de kit, nos referimos a la manera de llamarle a un sistema de piezas textiles que se ensamblan entre sí a través de avíos y enganches como cierres, velcros, botones y broches, que permiten llegar a una morfología única que logra conectarse en configura ciones diversas, trascendiendo de una prenda convencional.

Este proyecto fue una excusa para ex plorar storytelling, materiales y maneras creativas de acercarse al cuerpo.

En el primer capítulo de la temporada, presentamos a Exilio Permanente, equi po que se sumergió en un manifiesto clave, “la hermosa y sorprendente sim biosis entre lo tecnológico y orgánico”. Para este proyecto se hizo hincapié en el desconcierto, sin espacios ni tiempos permanentes, la inteligencia emocional pasó a primer plano y la percepción fue uno de los agentes fundamentales para la creación y construcción.

Para el segundo episodio, introducimos Re cuperar, proyecto que nació con el claim de la “tecnología y naturaleza conviviendo en un mismo pronóstico”. Es por eso que tomaron materiales que hayan tenido otra vida y reminiscencia “donde la frontera entre lo físico y digital se difumina”.

Es así que llegamos al tercer podcast, en donde conversamos sobre Simbiosis Natural, donde priman las especies surrealistas. Con una investigación de arte digital, se inspiran en las dualida des de estos universos alternativos que propone la tendencia Natureverse.

Por otro lado, en una misma sinergia, el equipo Ambientalismo tomó la misma inspiración de esta microtendencia. Sin embargo, el proceso que realizaron fue explorar el medio ambiente y los recursos naturales para componer las estampa, dando por concluído el penúltimo capítulo de Visión.

Para finalizar con este formato periodís tico introducimos a Fora, grupo que se inspiró en las protopías “un estado que es mejor hoy que ayer”. A partir de un personaje que crearon para direccionar el kit, se habla de cómo sería habitar vida en otros planetas.

Estos proyectos fueron el proceso de un semestre completo en congruencia con los estudiantes de Chile. Según los estudiantes, fue un tratamiento en riquecedor para todos debido al inter cambio intercultural de ambos países, generando un espacio de intercambio que cruzó fronteras.

Te invitamos a escuchar todos los episodios en el canal de Spotify de Visión Íntegra.

REDISEÑA

NidoSofia Castillo y Julieta Roldan

Enun contexto post pandémico donde el cambio climá tico es real, son cada vez más los usuarios que eligen adaptar su estilo de vida a una conducta sustentable y amigable con el planeta. El concurso Rediseña busca pro mover la concientización sobre la importancia del cuidado medioambiental, con hincapié en el reciclaje.

Impulsado por Montevideo Shopping, el certamen invita a los consumidores a reflexionar sobre las alternativas sosteni bles para reducir el impacto ambiental de los desechos tex tiles y mobiliarios. En consecuencia, estudiantes de diversos centros educativos presentan colecciones creadas a partir de materiales fuera de circulación, bajo la técnica de upcycling, y con materia prima donada por las marcas adheridas.

El upcycling propone el desglose de artículos textiles e industriales para realizar un ensamble innovador y creativo que emerge en un nuevo producto. Gracias a este tipo de procesos se resignifican desperdicios, materiales que iban a ser descarta dos, y se apunta a formar parte de una economía circular.

El concepto “home”, presente en las ediciones anteriores, acompañó el ADN del concurso a partir de la incorporación de la carrera de Diseño Industrial. La pandemia consolidó esa búsqueda de desarrollar piezas pensadas para las necesidades del hogar.

Docentes: Guzmán Bergereau, Valentina De Llano, Pablo Giménez

Sin embargo, tras integrarse nuevas instituciones educativas con otras orientaciones como Artes Visua les, Diseño Gráfico, Comunicación Audiovisual y Diseño de Interiores, ese concepto comenzó a despegarse de los lineamientos del hogar; lo mismo aplicó a la identidad de Rediseña. Cada concurso ha tenido un dispa rador creativo que representa un hilo conductor, con el propósito de man tener la coherencia de las colecciones y a la vez transformarlas en una única colección Rediseña.

La Senda Catalina Cosentino y Tomas Hackenbruch

G96 Belén Bértola, Candelaria Gómez Barros y Camila Cabral.

JOSÉ GURVICH FUE UN ARTISTA URUGUAYO LITUANO NACIDO EN JIEZNAS, LITUANIA EN 1927.

G96

La particularidad de esta séptima edición es que, con la intención de reinventarse y brindar inspiración a los participantes, se incorporó, como punto de partida para los proyectos, a la obra de un artista uruguayo de referencia: José Gurvich, que marcó el camino a través de sus distintos períodos, su paleta de colores repre sentativa, sus conceptos y su identidad visual. Del desafío formaron parte la ORT, la Escuela Universitaria Centro de Diseño, Integra Escuela y la Universidad Católica del Uruguay.

Nacido en Jieznas, Lituania, en 1927, Gurvich emigró a Montevideo con su familia cuando apenas tenía cinco años. En 1944, mientras estudiaba Bellas Artes, comenzó a tomar clases en el taller de Joaquín Torres García, decidido a dedicarse al arte plástico. Muchos de lo que plasmó en su obra estuvo inspirado en los viajes que realizó a Nueva York, Europa e Israel a lo largo de su vida.

Con su inclusión en el certamen fue imprescindible que los participantes de Rediseña realizaran una visita al museo del artista, con el fin de elegir entre los períodos característicos de su trabajo. Las etapas identificadas como “El Cerro”, “Mundos Fantásticos” y “Nueva York” fueron, al final, las seleccionadas por los estudiantes para sus proyectos.

“Este nuevo rumbo es disruptivo y propone la incorporación de la historia del arte uruguayo y un acercamiento entre diferentes actores sociales, que impactarán directamente en la formación de los nuevos diseñadores del país”, comenta Carolina de León, Gerenta de Marketing de Montevideo Shopping. “José Gurvich nos dió la posibilidad de dar este primer paso gracias a su magnífica obra, dentro de las diver sas técnicas en las que se destacó en sus diferentes etapas creativas, que sirven a la perfección como inspiración de la colección 2022 de Rediseña”.

Uno de los mayores desafíos del concurso fue generar colec ciones auténticas en cuanto al trabajo consciente y sustenta ble, aprovechando al máximo los materiales otorgados. Por lo tanto, fue clave comprender que estos productos a posteriori iban a comercializarse en un pop up dentro del shopping.

Así, con el foco en recuperar e inspirar, Rediseña busca ser un ámbito colaborativo en donde los estudiantes puedan intercambiar experiencias, acercarse a marcas de referencia del mercado y explorar la realidad comercial a la que debe rán insertarse a futuro otorgando la posibilidad de visibilizar sus trabajos. Todo, esta vez, de la mano del arte, los colores y las ideas de Gurvich.

(Derecha)

Equipo de diseño y comunicación: Tomas Hackenbruch y Catalina Cosentino

LA SENDA

Tras seleccionar la etapa de José Gurvich en Nueva York, Tomás Hacken bruch y Catalina Cosentino inspiraron su colección en “Hombre señal”, una obra en la que el protagonista es repre sentado de forma exagerada a través de distintos indicadores urbanos.

Para un público joven y nocturno, “La Senda” es un mix entre lo street, lo glamoroso y lo extravagante, tres características que representan a la ciu dad que nunca duerme. El nombre del proyecto significa “camino” y hace refe rencia a la dirección, en dicha ciudad, de las personas y del propio Gurvich, quien durante todo su recorrido se caracterizó por ser nómade.

Luego de dos años de trayectoria en la escuela y con esta como su segunda experiencia en Rediseña, el equipo aplicó nuevos conocimientos acerca de la tipología del material para reversionar

el patchwork. Los patches son hechos de cero y a tono para cada prenda, respetando los tejidos y el uso más eficiente del material. La incorporación de moldería y detalles de brillos elevan las piezas y llevan al consumidor a un lugar diferente.

La colección se basa en tres prendas: camisas, bombers hechas de tejido, y pantalones de jean con terminaciones en lentejuelas con una impronta noctur na. La paleta de colores es tomada de la obra misma: azul, rojo, amarillo y blanco.

Tomás y Catalina afirman que hoy el valor agregado es la mano de obra, y sostienen que las marcas deben llegar a su público mostrando quién está detrás de cada prenda y producción. Así, aseguran: “Lo artesanal es el nuevo lujo”.

Materliadad

Jean estampado a mano, lana teñida de forma natural, popelina de camisas.

G96 nace bajo el marco de Rediseña a raíz de las ideas de las productoras y comunicadoras de moda Belén Bértola, Candelaria Gómez Barros y Camila Cabral.

A partir de la realización de un trend hunting, investigaron sobre el cuerpo y cómo se manifiesta en las distintas eta pas del arte, tras tomar Mundos Fantás ticos, una de las etapas de la obra de José Gurvich, como inspiración.

Para representar a ese Gurvich obrero que viaja para reconectar con sus orígenes, G96 se dirige a un público de mentalidad obrera, que toma el arte como trabajo y tiene ganas de viajar.

La moldería de las prendas se basó en las siluetas vistas en la obra “Pareja cósmica” de 1966. Desde la compo sición del hombre y la mujer que se observa en la pintura, se pensaron diseños unisex en los que la durabi lidad, la comodidad y el dinamismo

estuvieran presentes. Dichas cualidades las lograron a partir de los materiales elegidos: telas de bandera y cartelería.

A través de un proceso creativo extenso y rico en conocimientos, las estudian tes aprendieron sobre la confección, y lograron bajar a tierra sus ideas y transformarlas en productos sin ser co nocedoras del área de diseño. “Nosotras armamos todo un brief específico de lo que queríamos, y en ese momento fue como: ‘Ta, está perfecto esto que tene mos. ¿Cómo lo pasamos a la realidad?’”, cuentan. “Pasar esas ideas a un textil fue la parte más desafiante y compleja”.

De cualquier modo, correrse de su rol de comunicadoras hacia el de dise ñadoras fue un desafío que pudieron disfrutar. Cuenta Belén: “No fue difícil. Nosotras estamos acostumbradas a un determinado proceso creativo que es totalmente diferente al de la producción de las prendas en sí. Pero fue distinto, no difícil. Es más, estuvo genial”.

Materialidad Tela de bandera y de cartelería.

Equipo de diseño y comunicación: Belén Bértola, Candelaria Gómez Barros, Camila Cabral

Equipo de diseño y comunicación: Sofía Castillo y Julieta Roldán

En un mundo post pandemia en el que comenzamos a darle un mayor valor al hogar, Sofía Castillo y Julieta Roldán se inspiraron en la etapa “Nueva York” de José Gurvich, en la que el artista comienza una búsqueda para conectar con su refugio interior.

Así nació NIDO, que es sinónimo de hogar, de refugio, y es la marca que busca brindarle, a todos aquellos que se sientan agobiados y asfixiados por el exterior, una sensación de confort per sonal, en la que prevalecen las raíces y el encuentro con uno mismo.

Para reforzar el concepto de upcycling, las diseñadoras decidieron crear sus piezas con una combinación de dife rentes materiales como la lana, el tejido de punto y el jean, con los que a su vez buscaron reflejar ese concepto de calidez del lugar propio.

Tomaron, además, algunas figuras de las obras de Gurvich, y las plasmaron

en sus piezas para enfatizar la refe rencia al compromiso del hombre, del humano, consigo mismo.

Trabajaron con técnicas como el bor dado y el patchwork, y así produjeron tres prendas principales: un suéter de punto —la pieza principal de la colec ción—, un chaleco puffer y un chaleco de punto con bordados.

Así como Gurvich buscaba conectar con sus raíces hebreas, búsqueda que figura en sus obras a través de ele mentos del folclore y la fantasía, Sofía y Julieta conectaron con su cultura y la identidad uruguaya para poder llevar a cabo este proceso.

“Buscamos que a través de nuestras prendas tengan la posibilidad de sen tirse en su hogar constante”, explican, y así se presenta NIDO, una marca que intriga al consumidor y lo invita a formar parte de la experiencia.

Materliadad Jean, tejido y lana.

Autoretrato Paloma Correa

Nohay nada que la uru guaya Paloma Correa no pueda hacer. O casi nada. Comenzó su carrera como artista plástica en la adolescencia y nunca miró atrás. Ahora, trabaja como directora creativa, fotógrafa, diseñadora 3D, pero su talento no parece tener límites.

Tampoco ella busca limitarse. Si tiene ganas de colaborar con algún creativo, lo menciona en Instagram, no importa si es un colega chileno, una marca parisina o un actor de Hollywood. Es que, Paloma ha forjado su carrera en base a talento, esfuerzo y una

pizca de desfachatez. No le teme a nada. Actualmente reside en Chile, donde entiende que valoran más su trabajo en relación a Uruguay y dice, sin pelos en la lengua, que en su país natal “son ratas”.

Paloma Correa nos recibe en el estudio de We Love Models, mientras montaba el set para su colaboración con Visible. Vestida con un jean de tiro alto y piernas anchas, camiseta blanca y gorro de la marca francesa Jacquemus, la artista no teme a tirarse al sue lo, saltar o correr con tal de lograr la foto perfecta.

¿Qué cambiarías de la industria del arte?

El trato de los clientes; todos somos personas y nadie es más que nadie.

¿Cómo te proyectas en la actualidad digital?

En Chile está cada vez más pre sente la actualidad digital.

Hoy en día diseño NTFs para marcas y realidades virtuales. Lo digital es un tema de globalización que va a cerrar muchas bocas y traseros a nivel mundial.

¿Qué posibilidades te dio Chile como creadora?

En Chile cuando sos extranjero te quieren un montón y más siendo uruguaya. Y este país me abrió muchas puertas porque es otro público. En Uruguay solía trabajar siempre con las mismas marcas y se volvía monótono, además no estaban dispuestos a invertir en

mi trabajo. Acá hay mucho más presupuesto en las áreas de moda, música, diseño, plástica y expo siciones. Si bien tiene problemas de desigualdad social, económi camente está bien posicionado en parte gracias a sus tratados comerciales con varios países, entre ellos Estados Unidos.

¿Solés quedar conforme con tu trabajo?

Lo que hago nunca me gusta, o me gusta al tiempo. Creo que estamos acostumbrados a hacer tanto arte tan rápido, tanta cosa, que uno se aburre. No es como antes, que Picasso estaba pintan do un cuadro por 10 años. Ahora todo tiene que ser ya, ya, ya.

A tus 26 años, ¿cómo ves tu crecimiento profesional?

Me veo cada día mejor, soy bas tante seria en temas de trabajo.

Shotting Colaboración

Paloma Correa

Soy selectiva con mis clientes. Al que no me respeta, y no respeta a mi equipo, lo mandó a lavar las patas. Pero la verdad es que trabajo de lo que me gusta, y eso merece respeto y diversión. No es solo sacar una foto y hacer una campaña, se trata de pasarla bien.

¿Qué te gustaría hacer que no hayas hecho?

Películas, ese es mi destino. Quie ro ser directora de cine, cortome trajes, eso es lo que más me gusta.

¿Cómo fue tu transición de artista plástica a creativa multidisciplinaria?

Una cosa lleva a la otra. Empecé bastante chica a pintar, a los 15 años. Unos años después, un amigo me sugirió que presentara mis obras en una exposición en el Prado. Luego lo hice en Argentina, donde comencé a definirme a mí misma como artista plástica, hasta que en una exposición alguien me

dijo que al ponerme una etiqueta me estaba limitando. Ahí empecé a hacer de todo un poco, a expe rimentar, y acá estoy. El artista lo que busca es hacer y expresarse de diferentes maneras.

¿Tenés algún referente?

Gaspar Noe —es bizarro, es crudo pero a la vez medio romántico que me encanta—, Sofia Coppola y Wes Anderson, sobre todo por su dirección de arte y fotografía.

¿Qué aprendiste trabajando en el exterior? Qué ningún país es mejor o peor que otro, todos tienen su esencia, su cultura. Por eso, me gusta trabajar con personas de diferentes nacionalidades y viajar. Por ejemplo, hice una campaña para Marc Jacobs que involucró a 13 países y la dirigí en inglés, español y portugués.

¿Volverías a vivir en Uruguay? Por ahora no, voy solo por mi familia. Me encanta Uruguay, es mi país, lo amo, y cuando voy de vi sita habló con diferentes personas para colaborar en proyectos más artísticos. Sin embargo, las marcas de allá no están dispuestas a pagarme lo que yo cobro en Chile. En Uruguay hay mucha plata, pero se la quieren meter en el bolsillo.

Shotting colaboración Paloma Correa

CRÉDITOS

Modelos: Steevens Benjamín, Daniela Mun, We Love Models. Fotografía: Paloma Correa Maquillaje: Juan Ignacio Ormeño Estilismos: Belén Bértola Producción: Belén Vaz, Magdalena Giacoia. Agradecimientos: Guido Vera, Moda Chile, Savia Textil, Copper Studio.

Shotting Colaboración Paloma Correa

Shotting Colaboración Paloma Correa

SANTIAGO DE CHILE

BARRIO BELLAS ARTES / LASTARRIA

Esun oasis de cultura y diversión en pleno centro de Santiago. Increíble barrio con arquitectura patrimonial neoclásica, tiendas de diseño, ferias de antigüedades, centros culturales, gastronomía moderna, museos, cines, librerías y tiendas de música, Lastarria es la puerta de entrada al Cerro Santa Lucía y al Parque Forestal.

Con un estilo tranquilo y residencial pero con una activa vida bohemia e intelectual, el barrio cuenta con numerosas construcciones diseñadas por los más destacados arquitectos del siglo XX. Allí están monu mentos históricos como La Posada del Corregidor, el Palacio Bruna, la Iglesia de la Vera Cruz y la Basílica de la Merced, todos elementos que suman a ese carácter especial que caracteriza a su entorno.

Además del Museo de Arte Contemporáneo, en Lastarria destacan el Museo de Bellas Artes, el Museo Arqueológico y el Museo de Artes Visuales, ubicados en la Plaza Mulato Gil de Castro; y el Centro Cultural Gabriela Mistral.

UN RECOMENDADO: Ver una película de autor en el Cine Arte El Biógrafo, o ver una obra de teatro en el Teatro Ictus.

1.Feria artesanal Diseño y arte de barrio

Creada con el objetivo de abrir la vida del Barrio Lastarria a la comunidad, y de mostrar los encantos propios de uno de los sectores emblemáticos de Santiago, hoy cuenta con una amplia gama de opciones gastronómicas, tiendas de alto diseño, una arquitectura única y habitantes emprendedores y talentosos, mucho de ellos jóvenes que se dedican al diseño.

Como la mayoría de esos jóvenes diseñadores no tiene un lugar físico donde vender sus productos, y opta por hacerlo a través de internet, esta feria se transformará en una nueva vitrina para sus creaciones personales.

Los expositores realizarán una nutrida muestra de vestuario y accesorios, vestuario pintado a mano, orfebrería y artes visua les (fotografías y cuadros), entre otras interesantes propuestas. Además se ofrecerán producciones visuales y vintage, con descuentos para quienes tengan la tarjeta Club Viva Santiago.

Los locatarios del sector, como cada fin de semana, manten drán abiertos sus restaurantes y cafés, esos que le aportan un sello característico al barrio.

La feria se realiza de jueves a domingos desde las 10 de la mañana, en el paseo peatonal de la calle Lastarria.

2.Casona Lastarria

Un lugar para la cultura, el arte y la gastronomía

Inserta en el corazón del Barrio Lastarria, fue construida en el año 1912 con destino residencial, y fue proyectada por el arquitecto Ernesto Ried Silva como un mensaje a la ciudad.

Con fundamentos de piedra que son tradición del barrio por los desbordes del río Mapocho, la casa se eleva y abre con una galería en el tercer piso, para contemplar el Cerro Santa Lucía y el barrio, pero también para ver el horizonte. El barrio toma su personalidad definitiva en la década de 1960, época en que esta casa se subdivide en numerosos talleres de artistas y anticuarios.

Luego atravesó un largo abandono, hasta que Álvaro Flaño emprendió su reciclaje con el mismo espíritu del origen; chileno y de vanguardia. Flaño es quien tomó en sus manos la restauración del lugar y dio vida a lo que se conoció como “Café Observatorio”, un lugar de encuentro, de artesanías, libros y salas de exposiciones.

La casa también albergó al Observatorio de Lastarria, con su misión de ser —según el director de la Fundación El Obser vatorio, Miguel Laborde— “un lugar para mirar Chile”.

Hoy Casa O de Lastarria, con mas de 100 años de vida, se percibe como un lugar único, y una parada obligatoria para apreciar la excelencia de un sitio patrimonial en uno de los barrios más antiguos de la capital santiaguina.

Ubicación:

José Victorino Lastarria

Horario:

Mar. y Mie.: 13:00 a 22:00hs

J: 10:00 a 23:00hs

V y S: 13:00 a 23:00hs

D: 13:00 a 16:30hs

3.Liguria

Restaurant, bar y boliche con más de 30 años de antigüedad

Es uno de los lugares gastronómicos más emblemáticos y con más onda de Santiago. Destaca por su ambiente, su estética cargada de detalles nostálgicos, la excelente comida, los generosos tragos y la buena atención de los mozos, todo acompañado de buena música. Liguria cuenta con una carta hecha de típicos platos chilenos y algunos con un toque italiano, y con cuatro su cursales, una de ellas —la de Manuel Montt— particular mente famosa por su propuesta. No se aceptan reservas, por lo que se recomienda ir temprano y con puntualidad, pues el local se llena.

”Miramos Chile desde el cariño, la pasión, el hambre y la sed. Nos encanta la gente que viene a conversar, a tratarse con respeto, a conocer nuevos amigos. Nos encanta la gente que saluda con sincero afecto a nuestros garzones y cocineros. La comida y la bebida no son sólo alimentos: para nosotros son parte de una historia común, de un patrimonio que queremos cuidar y que queremos heredar a nuevas generaciones, porque son parte de una celebración que no queremos que nunca acabe”, se presenta Liguria. “Siempre hemos pensado que un bar es un refugio para hablar de otras cosas pero también de lo mismo, para estar con los de siempre o conocer a los nuevos, para honrar nuestro pasado o para sorprender nos con el futuro. También creemos en un Chile nuevo y distinto, más inclusivo, tolerante y acogedor.”

4.Mercado Central El museo del sabor nacional

Es una de las edificaciones más tradicionales de la ciudad de Santiago, donde además se puede tomar contacto con el verdadero carácter del santiaguino y aprender sobre sus principales tradiciones culinarias.

Se trata de un verdadero museo del sabor nacional, no sólo por los productos frescos que allí se encuentran, sino por la oferta gastronómica de los restaurantes ubicados en su interior.

El edificio cuenta con un gran núcleo central, con pilares y ar cos de marcado estilo neoclásico, y una bonita fuente central.

Las tres plantas que lo conforman ofrecen a sus visitantes desde ingredientes frescos y abarrotes hasta artesanías, aunque lo que sin duda distingue al Mercado Central es su amplia oferta de productos de mar.

Del Mercado Central se dice esto: que “la picardía chilena está presente en un ambiente criollo que relaja y alegra”.

Ubicación:

Ismael Valdés Vergara y 21 de Mayo

Horario:

L a J y D: 06:00 a 17:00hs

V: 06:00 a 20:00hs

S: 06:00 a 18:00hs

5.Museo Arte Contemporáneo Una plataforma de arte

Es el principal escenario de difusión de arte contemporáneo nacional e internacional, así como la mayor plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas chilenos.

Actualmente cuenta con dos sedes. La primera está ubicada en la parte posterior del Museo Nacional de Bellas Artes, en el Parque Forestal, y es allí donde se exhibe la colección permanente del Museo y se realizan exposiciones temporales de artistas consagrados, tanto locales como extranjeros.

La segunda sede del Museo de Arte Contemporaneo está en el Parque Quinta Normal, en el edificio Palacio Versailles, una construcción de estilo francés donde se realizan exposiciones de carácter experimental, junto a muestras de arquitectura.

Abre de martes a sábados de 11:00 a 19:00 y los domingos de 11:00 a 18:00. La entrada cuesta 600 pesos, o $ 400 para estudiantes y público de la tercera edad.

Ubicación: Matucana 464

Horario: Mar a S: 11:00 a 16:00hs S: 11:00 a 17:30hs

Arte cultural subterráneo

En las estaciones del Metro y con el apoyo de empresas pri vadas, corporaciones y el Estado, destacan las instalaciones de obras artísticas de gran formato.

Uno de los proyectos más emblemáticos de Metro de Santiago, MetroArte surgió en 1992 como una iniciativa destinada a fomentar las artes visuales en los espacios pú blicos, invitando a artistas de las más diversas tendencias a desarrollar proyectos artísticos que enriquezcan y humanicen las estaciones de subte.

Rápidamente la Corporación Cultural MetroArte fue amplian do y diversificando su oferta, con el objetivo de acercar la cultura a la comunidad, asumiendo un importante rol como agente cultural en Santiago.

Así surgieron diversos proyectos orientados a cumplir este objetivo, y acercaron aun más la cultura a un público amplio y heterogéneo. Ejemplo de ello es Bibliometro, la biblioteca subterránea formada por una red de puntos de préstamos y devolución de libros en las estaciones, que sigue aumentan do el número de lectores; o el tradicional concurso ciuda dano “Santiago en 100 Palabras”, con decenas de miles de cuentos participantes cada año.

Otras iniciativas culturales de alta convocatoria, tales como recitales, conciertos, ciclos de tertulias u obras de teatro y danza, complementan la oferta cultural subterránea.

Obra más reciente: Multicultura en movimiento por Raúl Arraigada Ubicación: Estación “Los héroes”.

Por subterráneo entre las estaciones

La Moneda y República de la línea 1

7.Parque Forestal

El paseo clásico de los santiaguinos

Es un parque urbano tradicional de la comuna y la capital de Chile. Ubicado en el sector norte del Barrio Lastarria, allí se realizan actividades culturales y recreativas, que lo confirman como uno de los principales puntos referenciales de la ciu dad. Debe su nombre a su parecido con un bosque.

Tiene cerca de un kilómetro de extensión sin cierre perimetral y cuenta con 171.910 metros cuadrados alineados entre las avenidas Cardenal José María Caro al norte, Vicuña Mackenna al este, Ismael Valdés Vergara al sur y La Paz al oeste. Integra la red de parques de la ribera sur del río Mapocho, y limita con el Cicloparque Mapocho 42K al norte, con la Plaza Baquedano al este y con el Parque de Los Reyes al oeste. Estará paralelo al Paseo fluvial Río Mapocho. Al medio está el Museo Nacional de Bellas Artes, y una sede del Museo de Arte Contemporáneo.

En la semana lo habitan escolares que pasan el rato, pare jas, deportistas y muchos turistas. Pero por excelencia, el Parque Forestal es un paseo clásico de los fines de semana de los santiaguinos.

BELÉN VAZ

JUANA BLANCO

MAGDALENA GIACOIA

PAULINA