PAULA SCHER Carmen Iranzo Irene GarcĂa Montiel
Paula Scher nació el 6 de octubre de 1948 en Washington DC. Es diseñadora gráfica, pintora y profesora de diseño. Estudió en la Escuela de Arte Tyler en Pensilvania, y obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en 1970. En enero de 1970, Paula Scher conoció a Seymour Chwast en la Escuela de Arte Tyler. Se conocieron a través de una entrevista organizada por un director de arte llamado Harris Lewin. En 1973, ella y Chwast se casaron, aunque lamentablemente este matrimonio apenas duro cinco años. Se volvieron a casar en 1989. Seymour Chwast ha sido una figura pública en el diseño desde su temprana carrera. Su estilo de diseño comunica con el público contemporáneo a través del uso de la iconografía pop, música y el cine. Su trabajo ha sido publicado internacionalmente y sus aportaciones al diseño de campo son numerosas. Su trabajo como socio de Pentagram continúa inspirando a la nueva generación de diseñadores. Se trasladó a la ciudad de Nueva York y comenzó su primer trabajo como diseñadora para la editorial de libros para niños de Random House. En 1972 fue contratada por CBS Records en el departamento de publicidad y promociones. Y, dos años más tarde, por Atlantic Records, donde se convirtió en el director de arte. En ambas compañías diseñaba las portadas de los discos. En 1975 volvió a Scher CBS como directora de arte. Durante sus ocho años en CBS Records, se le atribuyen hasta 150 portadas de discos. Algunos de los diseños de portada de álbum icónicos son Boston (Boston), Eric Gale (Ginseng mujer), Leonard Bernstein (Poulenc Stranvinsky), Bob James (H), Bob James y Earl Klugh (uno a uno), Roger Dean y David Howells (el último álbum de la cubierta del álbum) y Jean-Pierre Rampal y Lily Laskin (Sakura: melodías japonesas para flauta y arpa). Además de sus diseños fueron Reconocidos con cuatro nominaciones al Grammy.
No paso mucho tiempo hasta que decidió formas su propia compañía de diseño en 1982. Scher desarrolló una solución tipográfica basada en el Art Deco, el constructivismo ruso y la tipografia victoriana surgida de la necesidad de descartar la helvética, su gran enemiga.
En 1984 fue co-fundadora Koppel y Scher con el diseñador editorial y compañero graduado Tyler Terry Koppel. Durante los siete años de su asociación, produjo identidad, envases, cubiertas de libros, y la publicidad, incluyendo famoso cartel de Swatch.
En 1991, después de que el estudio entrara en una crisis y Koppel tomara el cargo de director creativo de la revista Esquire, Scher se unió a Pentagram como socia en la oficina de Nueva York, siendo la primera figura femenina del equipo. Desde entonces, ha sido la directora de esta oficina. En 1992 comienza a dar clase en la Escuela de Artes Visuales (SVA) de Nueva York. Recibió más de 300 premios de asociaciones internacionales de diseño, así como una serie de premios de la American Institute of Graphic Design (AIGA), El Type Directors Club (Nueva York), Nueva York Art Directors Club y el Consejo de Diseño del paquete.
Pertenece a la Alianza Gráfica Internacional (AGI) y su obra forma parte de las colecciones del MoMA de Nueva York, la Biblioteca del Congreso en Washington, DC, el Museum für Gestaltung, Zurich y el Centro Georges Pompidou ".
En 1994, Scher creó la primera campaña de carteles para el Festival de Shakespeare de Nueva York en la producción de Central Park de Las alegres comadres de Windsor y dos caballeros de Verona. Algunos de los posters del Festival de Shakespeare de Nueva York en el Central Park r: Nueva York Shakespeare Festival en el Parque Central: Las alegres comadres de Windsor y dos caballeros de Verona / El primer proyecto Scher hizo por el Public Theater / Pentagram: Paula Scher / EE.UU., 1994
New York Festival de Shakespeare en Central Park Poster: The Tempest Troilo y Crésida y / Pentagram: Paula / EE.UU., 1995
New York Festival de Shakespeare en Central Park Poster: Cymbeline y la piel de Thornton Wilder de nuestros dientes / Pentagram: Paula / EE.UU., 1998
New York Festival de Shakespeare en Central Park Poster: La fierecilla domada y Tartufo / Pentagram: Paula / EE.UU., 1999
New York Festival de Shakespeare en el cuento de cartel central Winter Park y Julio CĂŠsar / Pentagram: Paula / EE.UU., 2000
New York Festival de Shakespeare en Central Park Poster: Medida por medida y La Gaviota / Pentagram: Paula / EE.UU., 2001
Festival de Shakespeare de Nueva York en el Central Park Poster: Como gustĂŠis y dos caballeros de Verona / Pentagram: Paula / EE.UU., 2005
Festival de Shakespeare de Nueva York en el Central Park Poster: Hamlet y Cabello / Pentagram: Paula / EE.UU. de 2008
Festival de Shakespeare de Nueva York en el Central Park Poster / Pentagram: Paula / EE.UU. de 2010
Festival de Shakespeare de Nueva York en el Central Park Poster / Pentagram: Paula / EE.UU. de 2013
Festival de Shakespeare de Nueva York en el Central Park Poster / Pentagram: Paula / EE.UU. de 2016
Allí conoce a George Wolf, para quien trabajara diseñando una nueva identidad y sistema de gráficos para el “Public Theater”, un programa que será de gran influencia para el diseño gráfico posterior y que sentará las bases de un lenguaje visual global que llegó a definir el Teatro Público para el resto de la década y más allá. Basado en el reto de aumentar la conciencia pública y la asistencia en el Public Theater junto con tratar de atraer a un público más diverso, Scher reforma los posters de Paul Davis y crea un lenguaje gráfico propio. El primer logo que diseñó era una amalgama de diferentes tipos en madera. Está inspirado en una disposición que se muestra en el libro de Rob Roy Kelly, American Wood Type. El logo se encuentra organizado dándole énfasis a la palabra PUBLIC, ya que es la que mejor expresa el espíritu de la institución. Se puede leer el rango completo de pesos tipográficos, pasando desde la P -bien pesada- a la C -angosta y liviana-. La misma Scher afirma sobre este logo: “Presentamos varias propuestas, y esta era la más arriesgada. Era osado, no tenía ningún tipo de precedente en la historia del diseño de identidades para instituciones culturales, y podía quedar anticuado pronto. Así y todo, el cliente lo eligió. Y ahora en retrospectiva, los otros diseños se ven tímidos y ordinarios.”
En 1995, Paula Scher continuo diseñando campañas en el equipo de Pentagram de promoción de la producción como por ejemplo “Bring in'Da noise, bring in 'Da Funk que contó con los tipos de letra utilizados en la identidad del Public Theater. Scher se inspiró en el americano Rob Ray Kelly y el cartel del teatro de estilo victoriano, fotografías, siluetas y colores brillantes planas para carteles y la cartelera del teatro. Scher limita sus colores a dos o tres de relieve, mientras que el título y el logotipo de teatro de la obra que rodeaba al artista en grifo y tipográfico be-bop. El diseño era para atraer a una amplia audiencia de las ciudades del interior a los barrios exteriores, especialmente los que nunca habían estado allí. De 1993 a 2005, Scher trabajó estrechamente con George C. Wolfe, productor del público y Oskar Eustis, que se incorporó como director artístico durante el quincuagésimo aniversario en 2005 en el desarrollo de pósters, anuncios y identidad distinta. Como parte de la campaña de aniversario, la identidad se volvió a dibujar usando la fuente Grotesk Akzidenz. La palabra "teatro" se cayó y se hizo hincapié en la palabra "público". Para el año 2008, la identidad era aún más definitivo, ya que utiliza una fuente llamada nocaut Hoefler y Frere-Jones que proporcionó producciones asequibles y accesibles. Carteles del Teatro Público: Bring in ‘da noise, bring in ‘da funk:
La diva es despedido / Pentagram: Paula Scher / EE.UU., 1994
Un puto, una versiรณn contemporรกnea de La letra escarlata, cartel / Pentagram: Paula Scher / EE.UU., 2002
En 2000, Paula Scher creado un diseño interior para el New Jersey Performing Arts Center. En el diseño, hay palabras que se ejecutan a lo largo de las paredes; tubos y que refleja con amplios balcones que las letras y con alegría da efecto para representar los espectáculos de rendimiento en el edificio. Fue firma y gráficos del medio ambiente para el Centro de Lucent Technologies para la educación artística, una escuela afiliada a NJPAC.
Un trabajo ejemplar de esta diseñadora del que no he encontrado el año comenzó cuando el vencindario de North Side en Pittsburgh le encargo que diseñara un logotipo para su sección de la ciudad. Esta parte de la ciudad está en el lado norte de una serie de vías de ferrocarril y pasos subterráneos que rompen la ciudad de Pittsburg y en el otro lado se encuentra el Museo Warhol, y el río. Nadie quiere aventurarse bajo los sombríos pasos inferiores al otro lado donde casi solo encontramos negocios. En lugar de diseñar un logotipo se proponen una serie de instalaciones que reformar. Pensando que era lo más característico del lugar pensó que iba a reformar justo los elementos que apartaban al vencindario, los pasos subterráneos y puentes. Los envuelve con luces, graffitis, señales, etc para convertirlos básicamente obras de arte que atrajeran a la gente a través de ciudad.
Para el año 2004, El Museo de Arte Moderno (MoMa) contacta con Pentagram para que rediseñara su imagen, ya que, no estaba mal diseña, pero le falta que todos los campos pertenecientes al museo (web, impresión, entradas…) fueran más unificados con el fin de tener un mismo espíritu de la institución más potente y completo. Para crear un nuevo enfoque que moderniza la imagen de la institución, Paula Scher diseñó una metodología completa, desde un banner exterior hasta un anuncio impreso en el periódico. Scher diseñó una cuadrícula fuerte para la colocación uniforme de imágenes y tipos. Una imagen en particular se selecciona como el foco de firmas para una exhibición y la lista de los próximos eventos no relacionados con el texto presentado en un bloque. El negro en el logotipo blanco colocado en la posición vertical siempre que sea posible y siempre sangra fuera de un borde.
En 2006 Paula Scher y Julia Hoffman diseñaron la nueva identidad para el Metropolitan Opera. El Administrador General Metropolitano Peter Gelb les propuso un cambio de marca de la institución para llegar a un público más amplio. La identidad se establece en Baskerville y Avenir y la campaña cuenta con las actuaciones de "Madama Butterfly". La campaña de publicidad impresa en marcha el 20 de agosto, supuso un éxito en ventas según Thomas y Michel, directores de marketing de la Metropolitana.
En este mismo año, Paula Scher pintó dos mapas de 2,74 x 3,66 metros. Decidió producir serigrafías de 'El Mundo' que contenía imágenes a gran escala de las ciudades, estados y continentes. Está lleno de errores y faltas de ortografía y alusiones visuales a los estereotipos de lugares como América del Sur, pintados con colores cálidos y tiene dos ovarios en los laterales.
Por ejemplo: África Representado en una gama de colores blanco y negro rígido, haciendo alusión a y torturado pasado colonial.
En 2007, Paula Scher había creado serigrafías de NYC Transit y Manhattan que se imprime en el papel de Lana Quarell lujo hechos a mano. NYC Transit interpreta a la isla de Manhattan como un destino ocupado atravesado por un sistema de metro de las líneas descabellado, codificadas por colores y las estaciones.
En 2008 da a conocer un mapa impresión de la edición limitada de China. El mapa es de 48,5 x 40 pulgadas, impreso en papel de lujo Lanaquarelle, hecho a mano en la región de los Vosgos de Francia. Colaboró con Alexander Heinrici para poder transmitir en el mapa (pintado a mano) el rápido crecimiento económico, la industria en auge, el éxito de la candidatura olímpica, y la condición de superpotencia en China.
Otros de sus trabajos más famosos han sido la creación del logo de Citi Bank, Coca-Cola, el logotipo de Windows 8, y la Filarmónica de Nueva York.
Paula Scher diseñó una nueva identidad y una campaña promocional para el Ballet de la Ciudad de Nueva York, uno de los más grandes y bien conocida compañía de danza fundada en 1933 por Lincoln Kirstein y George Balanchine. Este trabajo lo diseña Scher junto con Lisa Kitchenberg de Pentagram y Luis Bravo del NYCB. Crean una identidad que une el legado y la ubicación de la empresa a una nueva estética moderna y dramática. La paleta se compone de grises, negros, blancos y plata. Los colores, junto con las gradaciones de color y las imágenes recortadas de los bailarines de ballet de la ciudad crean tensión y drama en la imagen. La nueva identidad y gráficos aparecieron en parada de autobús, metro carteles, revistas y anuncios de periódicos y programas de la empresa y el sitio web, y en gráficos del medio ambiente en el Teatro del Estado de Nueva York en el Lincoln Center.
En 2010 Pentagram y Paula Scher crean un programa de medioambiente grafico para ayudar a la escuela secundaria Achievement First Endeavor de Clinton Hill, Brooklyn, a tener un mejor ambiente de aprendizaje. Ella creó un espacio vibrante con la tipografía en negrita y la fuente de Rockwell pintar simple para cambiar la vida de sus estudiantes. Con la ayuda de Rogers Marvel Architects, que diseñó la escuela como una remodelación y ampliación del edificio existente. El diseño se basa en la filosofía de enseñanza de Endeavor y una serie de consignas de motivación utilizados por sus profesores. Scher ha ampliado estos conceptos en supergráficos que ayudan a definir los espacios interiores. Los gráficos aparecen como una forma de ecuaciones ( "Educación = Choice", "Educación = Libertad") en los pasillos y las citas que se ejecutan alrededor de la pared del gimnasio y la escalera que animar a los estudiantes a hacer mejor y crear un ambiente único de los suyos.
La carrera de Paula Scher está constituida por una gran cantidad de trabajos cargados de tipografía, en diferentes ángulos, tamaños y colores. Con ella representa todo lo que necesita, solo a veces y con un único elemento introduce una imagen o dibujo, pero siempre procurando que no eclipse al texto o marca. Paula Scher me ha parecido una mujer muy valiente, porque deja de lado los estilos que imperaban en su época para dar paso a algo nuevo. Gracias a su odio hacia la helvética descubre otros caminos más interesantes si cabe, con lo que ha podido ayudar a abrir la mente de miles de personas e inspirar a nuevas generaciones de diseñadores. Es increíble que solo con la tipografía pueda transmitir casi cualquier cosa y que además incite a fijarnos más en los carteles que nos rodean y que ejercen un importante papel sobre nosotros. Por último mencionar su video video titulado “Paula Scher se pone seria” en el que diferencia seriedad de solemnidad me haencantado e incluso tranquilizado. En el dice que sus mejores momentos y trabajos han sido aquellos para los que no estaba cualificada, por que son en los que verdaderamente a aprendido y ha hecho algo totalmente nuevo. Concluyo con una frase suya: “Mi trabajo es jugar, y juego cuando diseño, porque cuando hago mi trabajo soy como una niña arriesgando todo mi tiempo”
JIM FLORA Carmen Iranzo Irene García Montiel 2º Producto
Bellefontaine, Ohio 1914 Rowayton, Connecticut, Estados Unidos 1998 Pintor, comerciante de arte, ilustrador, escritor de libros infantiles y realizador de grabados. Formación: Academia de Arte de Cincinnati. Vida personal: En 1933, a los 19 años, se le otorga la besa de la Liga de Arquitectura de Boston, sin embargo no logra asistir a clases por una depresión y el no encontrar un trabajo que le permitiera pagar sus gastos. Desanimado por si experiencia en Boston regresó a Ohio. En 1935 asiste a la escuela de arte de Cincinnati donde conoció al escritor Robert Lowry, entonces un estudiante en la Universidad de Cincinnati, y los dos se puso en marcha El Hombrecito de prensa, una serie limitada de la prensa de copiar publicaciones de edición, para los que la flora suministra ilustraciones, diseño, y el diseño. Ellos colaboraron en Little Man Pulse hasta 1942. En 1941, se casó con su novia de la universidad, el artista Jane Sinnicksen. Tras un breve periodo, luchando como artista comercial en Cincinnati, flora fue contratado en $ 55 a la semana por Columbia Records en 1942, momento en el cual las floras trasladó a Westport, Connecticut, desde que el Columbia se basa entonces en Bridgeport. En 1945, la pareja se trasladó a Rowayton, Connecticut, donde vivieron el resto de sus vidas. Tuvieron cinco hijos. En 1985 después de una grave enfermedad murió Jane y en 1986 se casa con Patricia Larsen.
Actividad profesional: Jim Flora uno de los más importantes ilustradores y diseñadores del siglo XX, Con un prolífico trabajo que se puede constatar en campos tan diversos como la publicidad, las publicaciones periódicas, cuentos infantiles o los discos de jazz, estos últimos trabajos con bastante repercusión y reconocimiento por muchos amantes del Jazz, coleccionistas de discos y de lo vintage. Ampliamente conocido por sus ilustraciones divertidas, desenfrenadas y diabólicas, con un endiablado sentido del humor y un toque yuxtapuesto entre lo lúdico, lo absurdo y la violencia. Ilustró portadas de álbumes para grandes del mundo discográfico como Columbia Records (finales de 1940) y RCA Victor (1950). En estos años causó estragos con las leyes de la física, la evocación de los músicos que vuelan, los instrumentos que levitan y perspectivas tridimensionales tambaleantes.
Flora fue un artista versátil y podemos encontrar en sus obras trabajos de serigrafía, acrílicos, tempera y lápiz, grabado sobre madera, collage, entre otras técnicas. Sus primeros montajes están repletos de balas, cuchillos y criaturas extrañamente serpenteantes, yuxtapuestas en medio de torres de palillos retorcidos. Trombones que se aferran a las manos como si fueran nudos de estibador. Flora iba más allá, pues quería provocar con su humor y su alboroto de imágenes, sensaciones complementarias y paralelas a las que suscitaba la música. Además, los personajes sufren, es decir, están afectados por el artista. Con esa energía y ese caos ordenado, leyendas como Sinatra, Benny Goodman, Louis Armstrong o Gene Krupa, se verían retratados de forma descabellada con sus rostros verdes y morados. Pero no todos los diseños de Jim Flora fueron tan desenfrenados como los que realizó para los sellos discográficos mencionados, entre 1955 y 1969, también hizo maravillosas incursiones en la ilustración de cuentos infantiles con el editor de libros para niños de renombre Margaret McElderry en Harcourt Brace. Llenos de vitalidad y colorido que evoca la nostalgia de la niñez y negligencia en el cumplimiento de la responsabilidad adulta. Hay payasos, gatitos y soles con caras radiantes. Entre los que podemos destacar The Day the Cow Sneezed (1957), Kangaroo for Christmas (1962), The Great Green Turkey Creek Monster (1976), y Grandpa’s Ghost Stories (1978).
Después de que se retiró de trabajo comercial a finales de 1970, la flora dedicó el resto de su vida artística a la pintura y el dibujo, donde muestra una fascinación por la vida marina, especialmente los barcos, buques de vapor y los puertos. Sus telas náuticas se han utilizado ocasionalmente exhibidos, y él comercializados carteles de algunas de sus obras relacionados con los buques de gran escala. Un tema artístico secundario fue su pasión por México (donde él y su familia vivieron en 1950 y '51) incluyendo la arquitectura de ese país, tradiciones festivas, y la cultura salado.
Rasgos de su obra: Sus ilustraciones son de estilo divertido y excéntrico, son atrevidas y un tanto particulares. A mi parecer transmiten su pasión por la pintura y el disfrute que esta le ofrece. Para el la ilustración no era un trabajo, el solo dibujaba. Referentes: Estuvo influenciado por Miró, Picasso y Klint. Proyección: Su estilo de ilustración temprana ha influenciado a muchos artistas contemporáneos, entre ellos, Derek Yaniger, Pelusa (Josh Agle), Tim Biskup, el libro de niños autor Lane
Smith ("Siempre he inspirado en la espontaneidad y la animaciรณn en la obra de la flora"), y Pixar animador Pete Docter, junto con ilustradores tales como JD king, Michael Bartalos, J. Otto Seibold, Phillip Anderson, y Terry Allen.
ALEX TROCHUT Carmen Iranzo Irene GarcĂa Montiel
Barcelona, 1981. Diseñador gráfico, ilustrador y tipógrafo. Formación: Escuela ELISAVA (Barcelona), Actividad profesional: estudios MONITEURS (berlín), estudios XPLICIT (Berlín), y estudio de diseño TOORMIX (Barcelona), estudio VASAVA; desde 2007, se establece en Nueva York y trabaja por cuenta propia. Rasgos de su obra: “Su obra se caracteriza por la importancia que otorga a la tipografía, convirtiéndola en un elemento de expresión gráfica, así como la variedad y cambios de técnica en cada proyecto, manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas” Otra característica es la fluidez con que se mueve de un medio a otro, trabajando en una línea continua de experimentación de diferentes lenguajes visuales. Le importa más el mensaje que el medio. Él mismo reconoce: “Mi filosofía de trabajo tiene mucho que ver con la variedad y el cambio de técnica a la hora de abarcar un proyecto, aunque al final se puede ver una manera de hacer, busco un estilo que sea lo más variado posible. Por eso, para mí es importante no basar mi trabajo en sólo una manera de visualizar, siendo la manera de mostrar algo muchas veces el objetivo en sí del proyecto”. Según Pablo Delgado, Trochut se centra “en la potencialidad de un lenguaje expresivo como medio visual, empujado este a través de las letras como máxima expresión, a unos límites casi abstractos junto con volúmenes pronunciados y colores vivos que hacen de su estilo una marca totalmente diferenciadora, convirtiendo así texto e imagen en la gran expresión unificada.”
Fruto de esa constante experimentación, de ese fluir (no extraña su recurso habitual a lo líquido), es la patente de una técnica llamada Binary Prints, por la que podríamos imprimir dos imágenes diferentes sobre una superficie, que serían visibles una de ellas con luz, y otra con oscuridad. Su estilo podría resumirse en una combinación de geometría, color, y tipografía. Ha sido calificado como diseño líquido. Por eso se trata de un diseñador muy versátil que, dada la inclusión casi constante del texto en sus obras (a través de la tipografía) se mueve en cualquier ámbito del diseño, puesto que el diseño nunca deja de ser comunicación: prensa, publicidad, editorial, tipografía, cartelería, diseño gráfico (muy a menudo carátulas de discos de bandas musicales)...
Referentes: Picasso, Dali, Miró, Vasarely. En una entrevista para la revista Graffica reconoce la influencia de diferentes autores: Diseñador gráfico y director de arte: Jonathan Zawada, MM Paris, Mat Maitland y NonFormat. Tipógrafo: Christian Schwarz, Íñigo Jerez, Toni Dispigna y Ale Paul. También reconoce la influencia de su abuelo Joan Trochut, impresión y tipógrafo catalán. En otra entrevista, preguntado por sus influencias, responde: “El tsunami constante de ideas al que uno se ve sometido diariamente hace que la lista de inspiración sea inabarcable, creo que la inmensidad que internet nos permite no tiene fin. La combinatoria de posibilidades se ha ampliado y acelerado muchísimo debido al rápido acceso que tenemos a todo. Me siento a menudo perdido, y a la vez muy libre. Creo que una parte clave de un creativo hoy en día es saber navegar y acceder a la fuente de inspiración adecuada en cada momento. Conocer bien tu biblioteca mental, y saber llegar rápido a tus fuentes para crear más relaciones entre conceptos.”
Trabajos:
DAVID CARSON Carmen Iranzo Irene García Montiel 2º Producto
Corpus Christi, Texas, en 1955. Diseñador gráfico, director de arte y surfista. Formación: Universidad de Arizona, Universidad Estatal de San Diego. Oregon College of
Comercial Art. Vida personal: Debido a su padre, viajó por toda América, viaje que le afectó profundamente. A muy pronta edad mostró los primeros destellos de talento; sin embargo, hasta 1980 no tendría su primer contacto con el diseño gráfico. Ocurrió en un curso en la Universidad de Arizona. Tres años más tarde, mientras se preparaba su licenciatura en Artes de Sociología, fue a Suiza a realizar un trabajo de tres semanas como diseñador gráfico como parte de su carrera. Fue allí donde conoció a Hans-Rudolf Lutz, su primera gran influencia y que más tarde se convertiría en su profesor. Los años 60 fueron decisivos para David Carson, quien pudo vivir la lucha desarrollada por Martin Luther King contra la discriminación racial La Nueva Izquierda acuñó entonces el término de "contracultura" para abolir todo valor propio de la sociedad norteamericana anterior. Carson fue partícipe de esta posición que sufrió varias críticas, creando seudónimos como el de "la cultura de la droga". Profesor de sociología y surfero profesional durante los 70, a finales de los 90, pasó de una subcultura surfista a trabajar para Nike, Levis, y Citibank. En 2000, Carson cerró su estudio en Nueva York y siguió a sus hijos a Charleston, Carolina del Sur , donde su madre los había trasladado. Desde entonces ha vivido en San Diego, Seattle, Zurich y Tortola. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.
Actividad personal:
Dirigió artísticamente varias revistas de música, monopatines y surf durante los 80, siendo la más conocida Ray Gun (1992-1995), con la que captó la atención alrededor del mundo.
En 1983, empezó a experimentar con el diseño gráfico y se encontró inmerso en la bohemia y artística cultura del sur de California En 1995 fundó su propio estudio, David Carson Desing, en Nueva York, y ésto atrajo a un mayor número de clientes de todo Estados Unidos. Durante los tres años siguientes, Carson trabajó para Nike, Ray Ban, Pepsi Cola, Budweiser, Microsoft y Giorgio Armani, entre otros.
Sus trabajos más sobresalientes fueron una verdadera sorpresa pues fueron los que él mismo dirigió en las revistas Transworld Skate Boarding (19831987), Musician (1988), Beach Culture en sus seis números (1989-1991), Surfer (19911992). En 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine. Carson continúa con su carrera artística lanzándose al diseño de revistas y comenzó con una revista de culto llamada Beach Culture (San Diego) y en 1989 se convirtió en director de arte de esta famosa revista. Las bases que utilizaba para diseñarla rompían con todos los esquemas del diseño gráfico editorial de su época. Aunque BC sólo tuvo 6 números, ganó premios al Mejor Diseño y Mejor Diseño de Portada por La Asociación de Diseñadores Editoriales de Nueva York.
Nombró y diseñó el primer número de la revista de estilo de vida aventura Blue , en 1997. David diseñó el primer número y las tres primeras portadas. El diseño de portada de Carson para el primer número fue seleccionado como una de las "40 portadas de revista de todos los tiempos" por la Sociedad Americana de Editores de Revistas.
En 2004, Carson se convirtió en el director creativo freelance del museo de Gibbes del arte en Charleston. Ese año, también diseñó la edición especial de "Exploración" de Surfing Magazine.
Y dirigió una variedad de comerciales de televisión, incluyendo Lucent Technologies , Budweiser , American Airlines , Xerox , UMPQUA Bank y muchos otros. En 2011 Carson trabajó como director creativo mundial para Bose Corporation.
También se desempeñó como Director de Diseño para el concurso Quiksilver Pro Surfing 2011 en Biarritz, Francia, y diseñó la marca para el Quiksilver Pro 2012 en Nueva York.
Diseñó un conjunto de tres carteles para el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en España.
Y las portadas de las revistas Huck , Little White Lies y Monster Children .
Referentes: Hans-Rudolf Lutz (profesor), Jackson Boelts, profesor de un curso de dos semanas que supuso su primer contacto con el mundo del diseño. El realmente no tuvo referentes por que no estudio nada de diseño. Como dijo en una entrevista para Clarín, él conoció los movimientos y artistas importantes mucho más tarde. Rasgos de su obra: Sus diseños se hicieron característicos por el uso de imágenes fracturadas o distorsionadas, lo que les hacía casi ilegibles. Los elementos que componen cada página aparecen descolocados; bloques de textos girados, columnas de diferentes formas y tamaños se llegan a cruzar e incluso aparecen juntas, lo que dificulta su lectura. A finales de los 80, había desarrollado su característico estilo, usando una tipografía "sucia" y con técnicas fotográficas no muy conocidas. Más tarde, sería reconocido como el "padre del grunge". En sus diseños busca continuamente la atracción y seducción del público, por eso los titulares están cargados de expresividad y emotividad por lo que los hace destacar ya que para él, los considera como el elemento primordial para que el lector se fije y continúe leyendo el artículo
DAVID HOCNEY Carmen Iranzo Irene García Montiel 2º Producto
Bradford, 1937 Pintor, grabador, dibujante, fotógrafo y escenógrafo.
Formación: Universidad de Bradford de Arte y en el Royal College of Art en Londres. Vida personal: Ha vivido en muchos sitios distintos a lo largo de su vida entre los que están, Los Angeles, Londres, París y Nueva York. Era homosexsual y lo reflejaba en sus obras sin pudor, como por ejemplo “Nosotros dos muchachos juntos y apegados”. Nació con sinestesia. Las personas sinestesicas asimilan sensaciones que corresponden con un sentido diferente al que debería. Como por ejemplo oler colores o ver sonidos. Dicen que esto le ayudó mucho sobre todo en el campo de la escecnografia.
Actividad profesional: el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House, Royal Academy. Toca muchos campos artísticos diferentes. En el campo de la pintura trabajo el óleo, el acrílico y la acuarela. Uno de sus cuadros más importantes es Bigger Trees Near Warter de 2007. Ocupaba cincuenta lienzos que habia pintado in situ en invierno.
Un tema característico en el son los retratos en acrílico. Solían ser gente conocida, sus padres amigos o amantes. Fueron alrededor de ochenta retratos, todos con el mismo estilo, la misma silla y las mismas dimensiones. Los realizaba en tres días, una media de veinte horas por cuadro.
Dentro de la acuarela, podemos destacar algunas obras que hizo en un viaje que duro dos semanas en el 2004 por andalucia. Se dejo seducir por la aquitectura islámica y el sur de España.
Cerca del 2010 descubre la aplicación “brushes” de Mac y comienza a pintar los cuadros en formato digital, cosa que le encanta, para poder enviárselo a sus conocidos.
Los grabados tambiĂŠn le apasionaban. En 1976 hizo una serie de grabados inspirados en los poemas de Wallace Stevens quiĂŠn a su vez se inspirĂł en Picasso.
El hombre con la guitarra azul
Y tiene una serie dedicada a seis cuentos de los hermanos Grimm.
En la fotografía usaba fotos de las cámaras polaroid para luego hacer collage. Estuvo un tiempo largo dedicado a ello bajo el nombre de joiners, pero luego se frustro porque pensaba que la fotografía tenía muchos límites y volvió a la pintura.
Kasmin 1982
My Mother, Bolton Abbey, 1982
Pearblossom Highway
En el campo de la escenografía Hockney utilizaba todos sus recursos y técnicas que hemos nombrado antes. Solía recrear primero las escenas en pequeñas maquetas para comprobar que todo fuera un conjunto.
The Rake´s Progress 1975
The Rake´s Progress 1975
En 1981 diseño las escenografías para tres óperas producidas por la Metropolitan Opera de Nueva York; Parade (1916), Los pechos de Tiresias (1947) y El niño y los sortilegios (1917-1925). Siguió trabajando en este campo con muchas óperas y ballets y más tarde volvió a trabajar con la Metropolitan en las obras La consagración de la primavera (1913), El ruiseñor (1914) y Oedipus Rex (1927).
La mujer sin sombre 1919
Rasgos de su obra: El estilo de Hockney se engloba dentro del Pop Art y el arte contemporáneo neoyorkino, aunque ha pasado por muchas etapas en las que su estilo ha ido variando. El mismo escribió en una ocasión: “Yo pinto lo que quiero, cuando quiero y como quiero”.
Referentes: Uno de sus referentes clarísimo es Pablo Picasso y el cubismo sobre todo en la fotografía. Usa las diferentes perspectivas que luego aúna en forma de collages. Además en sus comienzos podemos decir que está influenciado por el expresionismo y por Bacon por su austeridad.
Proyección: Él también ha servido de referente para otras personas como por ejemplo: Christopher Bailey (Burberry), centró toda su colección primavera/verano de caballero alrededor del artista. Jack Hazan en 1974 filmó la pelicula A Bigger Splash cuyo tema principal giraba en torno a Hockney. Hockney también sirvió de inspiración para el artista Billy Pappas en el documental Waiting for Hockney (2008), que debutó en el Festival de cine de Tribeca del 2008.
CHARLOTTE REINIGER [Escriba el subtÃtulo del documento] FAMILIA MONTIEL
Berlín en 1899 Creadora de siluetas. Formación: grupo de teatro de Max Reinhardt Vida personal: Conoció a Carl Koch en el Instituto de Investigaciones culturales, con quien se casaría en 1921, y que colaboraría con ella en casi todas sus películas. Vida laboral: Le interesó el cine desde su adolescencia, especialmente las películas de Georges Méliès, por sus efectos especiales; y más tarde las del actor y director Paul Wegener, hoy recordado por sus dos versiones de Der Golem. En 1915, la joven asistió a una conferencia de Wegener y quedó entusiasmada ante las posibilidades del cine de animación. Consiguió convencer a sus padres para que le permitieran entrar en el grupo de teatro de Max Reinhardt, al que pertenecía Wegener (1916-17). En un intento de llamar la atención deWegener, se dedicó a confeccionar las siluetas de los otros actores del grupo en sus respectivos papeles. Logró el efecto deseado, y pronto empezó a trabajar con él, realizando siluetas para los rótulos intercalados de las películas: Rübezahls Hochzeit ("La boda del gigante Ruebezahl", 1916) y Der Rattenfänger von Hameln ("El flautista de Hamelín", 1918); así como los decorados y accesorios de la película Die schone prinzessin von China ("La bella princesa de China", 1916). Gracias al éxito de su trabajo y a la recomendación de Wegener, consiguió ser admitida en el Institut für Kulturforschung (Instituto de Investigaciones Culturales), un estudio berlinés dedicado a las películas de animación experimentales. Allí realizó su primera película de siluetas, Das Ornament des verliebten Herzens ("El ornamento del corazón enamorado", 1919). En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con producción y fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios (la agencia de publicidad Pinschewer) contrató a varios animadores abstractos durante la República de Weimar y en los efectos especiales de varios largometrajes de imagen real (en particular, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época, Reiniger se convirtió en el centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores alemanes.
En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, que realizaría en un estudio construido encima de su garaje, cerca de su casa de Potsdam. El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed ("Las aventuras del príncipe Achmed"), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva, con una trama que es una mezcla de varias historias relacionadas con Las mil y una noches. No tuvo ningún referente ya que era totalmente innovadora en este campo, pero si predecesores, Reiniger se anticipó en una década tanto a Walt Disney como a Ub Iwerks en utilizar la cámara multiplano para ciertos efectos. Además de contar con las siluetas de Reiniger como actores del film, la obra se beneficiaba de los oníricos decorados de Walter Ruttmann, que había colaborado con Reiniger en la secuencia antes citada de Die Nibelungen, y de la música de Wolfgang Zeller. Algunos efectos adicionales corrieron a cargo de Carl Koch y Berthold Bartosch. Palabras de Reigner: “Si bien hasta la fecha sólo había hecho películas de ese tipo de diez minutos de duración, Las aventuras del príncipe Achmed debían durar más de una hora, por lo que para el guión tuvimos que emplear muchos otro argumentos del rico tesoro que albergan las Mil y una Noches. Al Príncipe Achmed mismo hubimos de dar una forma humana, dibujarlo, recortarlo, darle movimiento, iluminarlo, moverlo y grabarlo. Fue bastante complicado ya que cada segundo de una película semejante deben tomarse 24 imágenes individuales. Cuanto más duraban las tomas para el Príncipe Achmed, tanto más exigente eran sus deseos”. El éxito de Die Abenteuer des Prinzen Achmed dio a Reiniger la oportunidad de realizar el mediometraje Doktor Dolittle und seine Tiere ("El doctor Dolittle y sus animales", 1928) basada en la primera de las novelas de la serie dedicada al personaje por el autor inglés de literatura infantil Hugh Lofting. La música fue compuesta en esta ocasión por Kurt Weill, Paul Hindemith y Paul Dessau. Un año más tarde, Reiniger codirigió, con Rochus Gliese, su primera película de imagen real, Die Jagd nach dem Glück ("La búsqueda de la felicidad", 1929), un relato sobre una compañía de teatro de siluetas. En la película interpretaban papeles Jean Renoir y Berthold Bartosch, e incluía una representación de siluetas de 20 minutos, diseñada por Reiniger. Por desgracia, el filme se terminó cuando el sonido acababa de llegar a Alemania, y su estreno tuvo que demorarse hasta 1930 para añadir las voces de los actores. El doblaje fue tan malo que terminó por arruinar la película. Reiniger proyectaba un tercer largometraje, basado en la ópera de Ravel L'Enfant et les Sortilèges, pero no consiguió hacerse con los derechos de la obra.
Con la llegada al poder del partido nazi, Reiniger y Koch tomaron la decisión de emigrar, pero ningún estado les concedió los visados necesarios para establecerse de forma permanente. Como resultado, la pareja pasó los años entre 1933 y 1939 viajando de un país a otro, permaneciendo en cada uno todo el tiempo que el visado les permitía. Durante esta época, produjeron unas doce películas. Entre las más conocidas están Carmen (1933) y Papageno (1935), basadas respectivamente en las óperas Carmen de Bizet y La flauta mágica de Mozart. Al no poder conseguir un nuevo visado, se vieron obligados a quedarse en Alemania. Pasaron la Segunda Guerra Mundial en Berlín. Intentaron un nuevo proyecto, que iba a titularse Die goldene Gans ("La oca de oro"), que no pudieron concluir por falta de medios. En 1949, Reiniger y Koch pudieron por fin trasladarse a Londres. Tras realizar algunos proyectos para la Oficina General de Correos, crearon la empresa Primrose Productions. Carl Koch murió en 1962, pero Lotte Reiniger siguió trabajando. Durante esta época, realizó veinte películas de siluetas, la mayoría de ellas para la BBC, y casi todas basadas en cuentos de hadas clásicos. En 1976 se desplazó a Canadá, donde realizó la película Aucassin et Nicolette para el National Film Board. En 1972 recibió el Deutscher Filmpreis y luego en 1979, la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania. Murió en Dettenhausen, Baden-Wurtemberg, Alemania, el 19 de junio de 1981, a los 82 años.
CHARLOTTE REINIGER Irene Gacía Montiel 2º Producto
1899-1981
ALEMANIA GRAN BRETAÑA
Georges MÊliès
Voyage dans la lune
Paul Wegener
Der Golem
Max Reinhart 1873-1943
La boda del gigante Ruebezahl", 1916 La bella princesa de China", 1916 "El flautista de HamelĂn", 1918
Institut fĂźr Kulturforschung (Instituto de Investigaciones Culturales)
Carl Koch El ornamento del corazĂłn enamorado
1892-1963
Agencia Pinschewer Die Nibelungen, Fritz Lang
Louis Edmund Hagen 1916-2000 "Las aventuras del prĂncipe Achmed" 1926
Walt Disney
Ub Iwerks
C Á M A R A M U LT I P L A N O
Walter Ruttmann 1887-1941
Wolfgang Zeller 1893-1967
Escenografia
MĂşsica
Berthold Bartosch 1893-1968
Carl Koch 1892-1963
Efectos
El doctor Dolittle y sus animales", 1928 Doktor Dolittle und seine Tiere
Autor: Hugh Lofting
La búsqueda de la felicidad", 1929 Die Jagd nach dem Glück
Partido nazi
1933-1939
Carmen 1933
Papageno 1935
II GM 1945 BerlĂn
"La oca de oro" Die goldene Gans
1949
1962
Carl Koch
1976
Aucassin et Nicolette National Film Board
1972
1979
Orden del MĂŠrito de la RepĂşblica Federal de Alemania
Realizaciรณn
Otras imagenes
Las películas de Walt Disney están hipertecnificadas. Lo esencial no es la técnica, sino la inventiva para servirse de medios simples en el descubrimiento de nuevos caminos y para ellos, una película de siluetas constituye, en su sencillez, una buena escuela. Una película de siluetas es una película de figuras negras de contornos claramente definidos, una película de recortes a tijera. De inspiración en el teatro de sombras chinescas, las películas de siluetas tienen una técnica muy precisa, sólo son necesarias unas tijeras, cartón negro, papel de calcar, hilo o alambre, algo de plomo, una cámara, bombillas, una placa de vidrio, madera para construir una mesa de fotografía y… mucha paciencia. (Lotte Reiniger)
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Dmytro y Iuliia
LA LA LAN
EL ARTE DE REININGER
HOMENAJE GOOGLE
WEBGRAFIA http://www.elmundo.es/cultura/2016/06/02/574fa0b4468aebc04a8b46fa.html http://www.lavozdegalicia.es/noticia/informacion/2016/06/01/lotte-reinigersombras-precedieron-universo-disney/00031464800380949106672.htm http://www.mujeresenlahistoria.com/2016/01/la-magia-de-las-sombras-lottereiniger.html http://www.paraquetuveas.com/lotte-reiniger http://www.juguetessomosnosotros.com/cultura/los-cuentos-magicos-de-lottereiniger/ http://lafilmosfera.blogspot.com.es/2014/03/lotte-reiniger-animando-sombras.html
http://bandasonoradondeelcineseescucha.blogspot.com.es/2016/ 07/las-aventuras-del-principe-achmed-die.html http://lafilmosfera.blogspot.com.es/2014/03/lotte-reinigeranimando-sombras.html
https://beckyannewatts.wordpress.com/2015/07/21/level-4subject-biographies-lotte-reiniger-her-story/ http://www.filmaffinity.com/es/film365539.html
JENNY HOLZER Carmen Iranzo Irene GarcĂa Montiel
Gallipoli, Ohio, 1950. Artista conceptual norteamericana. Formación: Duke University (Durham), Universidad de Ohio, Universidad de Chicago, Rhode Island School of Design. Vida personal: De su vida personal no se sabe gran cosa, dicen que es una mujer de pocas palabras. Vida profesional: Durante sus estudios de máster en 1975 es cuando comienza a interesarse principalmente por el lenguaje, la instalación y el arte público, tomando desde el principio el espacio urbano como marco para sus proyectos. Comienza a utilizar medios de comunicación no tradicionalmente artísticos, desde carteles y pancartas en la vía pública, hasta anuncios electrónicos y spots televisivos. Adoptará los letreros electrónicos por lo que es conocida hoy: esculturas de señales electrónicas led que reproducen sus mensajes o textos en un constante bucle. Durante los últimos años ha desarrollado principalmente proyectos a gran escala para lugares públicos, con proyecciones de luz que iluminan igualmente fachadas en entornos urbanos, como ríos o montañas.
Después de pasar una etapa como pintora abstracta, en 1977, coincidiendo con su traslado a Nueva York, inicia su fase como artista conceptual con la serie Truisms, Living” y “Survival estampando sus frases en camisetas y carteles que distribuyó por la ciudad, en unos principios en los que todavía no se consideraba como una artista sino como una activista política.
"Yo trataba de mostrar que las verdades tal como son experimentadas por los individuos son válidas. Quería dar el mismo peso en sus posibilidades a cada afirmación". Eso dijo esta artista norteamericana en una entrevista hablando de la serie Truisms (Tópicos).
El punto de inflexión en su carrera llegaría en 1982, cuando sus frases aparecieron en Times Square utilizando como soporte una pantalla electrónica en la que aparecían frases como Protect me from I want (Protégeme de lo que quiero), Abuse of power comes as no surprise (El abuso de poder no llega de sorpresa), Absolute submission can be a form of freedom (La sumisión total puede ser una forma de libertad).
En 1993, con la guerra de Bosnia en pleno apogeo, la portada de la revista del periódico alemán Süddeutsche Zeitung publicó un mensaje de Holzer en el que se mezclaba la tinta con la sangre de mujeres bosnias que decía: Donde mueren mujeres, estoy totalmente alerta. La consecuencia fue un escándalo de grandes dimensiones. Con este trabajo y con la serie de fotografías recogidas bajo el título Sex Murder (1993-1994), con frases escritas directamente sobre la piel de mujeres, la artista quiso llamar la atención sobre las violaciones y vejaciones de todo tipo que estaban sufriendo las mujeres en Bosnia.
Referentes: En su etapa de arte abstracto, estaba claramente influenciada por artistas como Mark Rothko o Morris Louis. Una vez que desarrolla su tendencia conceptual-lingüística, se sitúa en la órbita de artistas como Barbara Kruger. En la etapa actual, que algunos clasifican como tendencia neoconceptual, se alinea con artistas como Haim Steinback y Rosemary Trockel. Proyección: A su vez, la obra de Jenny Holzen se ha proyectado sobre el mundo del espectáculo. Ejemplos: Dennis Hopper, o U2 (en el montaje ZooTv). Rasgos de su obra: Sus inicios la sitúan en la corriente abstracta, pero a raíz de instalarse en Nueva York en la década de los '70, pasa a trabajar con textos. Utiliza los textos como vehículo de introducción en los medios de comunicación y transmitir un mensaje de rebelión contra la injusticia. Los textos de la artista son directos posiblemente por esto mismo son criticados; por esconder una supuesta ambición moralizante y didáctica a la vez. Mediante estos, Jenny Holzer transmite mensajes, sentencias, tesis y sobre cuestiones tabúes como sexo, violencia, amor, guerra y muerte.
“Usé el lenguaje porque quería ofrecer a la gente contenido – no necesariamente a los interesados por el arte – que pudiera entender”.
MARTA CERDÀ Carmen Iranzo Irene García Montiel
Barcelona, 1980. Ilustradora y diseñadora gráfica. Formación: Escuela ELISAVA Vida personal:
Iba para psicóloga, pronto reconoció en el diseño su verdadera vocación, razón por la que entró en Elisava para formarse en diseño gráfico. Vida laboral:
Después de ganar el premio ADC Young Guns en 2008 y haber trabajado en Londres, Berlín y Alemania toma la decisión de montar su propio estudio. A viajado a Nueva York, y, desde que dio el paso de visitar la gran manzana ha trabajado para grandes empresas como Coca-Cola, Rayn Ban, y revistas como Penguin Books, Chicken House, The Guardian o Businessweek Magazine.
Además ha colaborado con bandas musicales como Manel, Dave Matthews Band o MF Doom. Con sus propuestas ha llegado a un público internacional. Rasgos de su obra: En su vida personal se considera muy directa pero us diseños son muy meditados, como si buscara una claridad indiscutible a prueba de los críticos y de las modas pasajeras. Sobre un concepto sólido suele tener una ejecución más barroca, como un artesano. Ella insiste en que “no tiene ninguna pretensión moral de explicar nada al mundo”. Y es cierto que en sus trabajos la intención lúdica brilla más que la intención moral.
Cree más en las horas trabajadas que en la inspiración.
En la portada para la revista de EspaĂąa de Arte y cultura dice que comienza con formas muy claras y reconocibles para luego trabajar de una manera mĂĄs abstracta.
En una entrevista para creativebloq dice: “En las letras tengo mucho respeto por todo lo que se hace detrás de nuestro tiempo, aunque sea en tipografía o en caligrafía. En mi diseño para Átomos para la paz, tuve referencias como Raymond Morrone y Gun Larson Brunsbo, que hizo grandes letras de Spenserian en los años 70, y George Bickham el Viejo, el maestro de la caligrafía de lengua inglesa y grabador del siglo XVIII. Entonces pongo mi propio giro en él.”
Esta letra tiene una condensación realmente extrema, y el ornamento es bastante rígido. Buscaba algo entre hecho a mano y algo hecho por una computadora, y más adaptado al momento tecnológico de hoy.
Algunos de sus trabajos:
STEFAN SADMEISTER Carmen Iranzo Irene GarcĂa Montiel
STEFAN SAGMEISTER Nacido en Bregenz (Austria) en 1962. Diseñador y Director de arte. Formación: Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Vida profesional: Últimamente ha fundado con Jessica Walsh la compañía Sagmeister & Walsh, en la que se dedican a la realización de campañas de publicidad, consultoría, branding, print, empaque, señalética, desarrollo de concepto, contenido, dirección de arte, curaduría, sistemas de diseño, diseño ambiental, diseño de eventos, de mobiliario, de identidad, de páginas Web y de exhibiciones. Pero la inquietud detrás de un trabajo tan sofisticado y de tan alta calidad, es en parte, el resultado de explorar exhaustivamente un tema tan cercano a la humanidad como lo es la felicidad. El estudio se enfoca en hacer un trabajo que esté claramente desarrollado por seres humanos para otros seres humanos. En el modernismo, las máquinas fueron el statu quo del diseño y la arquitectura, Sagmeister Walsh quiere cambiar ese modelo. Su propósito es la comunicación entre humanos, no en términos formales sino también en términos emocionales. Destaca por: Su actividad independiente; activismo político (grupo True Majority); su búsqueda de una conexión inmediata entre el diseño y su consumidor. Eso le lleva a un estilo directo, poco ortodoxo, crudo, provocador, que no se basa tanto en la forma (geometría, tipografías, etc...). En sus palabras, se trata de “llegar al corazón de la gente con el diseño”. Uno de sus planteamientos es el “no-estilo”. En sus palabras: No entiendo por qué un diseñador querría tener un estilo propio. ¿Por qué alguien querría eso?
Durante mucho tiempo he estado orgulloso de no tener un estilo definido, pero ya me es imposible. Si realmente intentara cambiar mi enfoque estilístico de un proyecto a otro me sería imposible terminarlo a tiempo. Diría que soy mejor conocido por mis trabajos a mano Tanto diseñadores como artistas contemporáneos admiran a este creador inclasificable, pero cuyos trabajos reflejan un estilo muy personal. Un estilo dónde la tipografía tiene gran peso específico y una expresividad, formato textural y vivencial únicos. En sus obras, Sagmeister explora todo tipo de materiales y técnicas, transgrede las normas convencionales y entiende, con cada trabajo, de una forma diferente el concepto del diseño. Jugarse la piel (incluso dejársela) en cada obra es también algo propio de un genio que busca la felicidad a través de su trabajo y su vida. En una entrevista para la revista Graffica, declara: “Diseño gráfico es una combinación de imágenes y palabras, estáticas o en movimiento, para comunicar algo”.
Referentes: Tibor Kalman, con el que trabajó en los años 80. En su búsqueda de un lenguaje artístico para el diseño, que contribuya a “crear” felicidad, Sagmeister se apoyado en investigadores sociales como Steven Pinker, Daniel Gilbert o Jonathan Haidt, o antropólogos como Donald Simons. Reconoce que si tuviera que elegir un diseñador para trabajar con él, llamaría a Alex Trochut. Sobre sus referentes, declara: Neville Brody es amigo y he salido con él muchas veces. Ha hecho trabajos muy importantes en muchos períodos de su vida, que es algo muy difícil de hacer, y también ha estado implicado en varias corrientes importantes. Milton Glaser es capaz de crear algunos íconos extremos del diseño y también de hacer cosas muy pequeñas y muy especializadas. Trabaja en muchas áreas y tiene una clase en Bondwich que es una de las mejores enseñanzas de diseño que se pueden conseguir. Y porque es, en muchos aspectos, lo que debería ser todo diseñador; tiene muchísima cultura. Con él puedes hablar del siglo XIV, de arte, de vino, de tecnología, de la influencia del modernismo… es un hombre muy cultivado
en el mejor de los sentidos, es generoso y se las ha arreglado para, al menos en EEUU, crear una conciencia del diseño que distingue entre cosas que conviene y que no conviene hacer, y habla de ello de una manera que hasta los jóvenes de 20 años pueden entender. No es el típico tío con moralina, es alguien comprometido, un hombre único. Tengo mucho menos contacto con Paul Rand porque nunca le he conocido, fue un diseñador muy bueno y muy influyente pero estoy mucho más cerca de Milton. Joachim Sauter, como diseñador olvidado. Pero en última instancia, “Tibor Kalman es la persona que más me ha influido en mi vida como diseñador y mi único héroe del diseño”. Proyección: La proyección de Sagmeister es enorme, y se pueden ver muchos estudios, diseñadores, y artistas que reconocen esta influencia. Por poner ejemplos concretos, su discípulo más conocido es Jan Wilker. También podemos citar a Javi Inglés (Director Creativo en archibald Ingall Stretton de Barcelona); la diseñadora gráfica colombiana Adriana Fajardo... Son muchísimos los que tienen a Sagmeister como uno de los referentes fundamentales del diseño actual.
Trabajos:
ROB RYAN Carmen Iranzo Irene GarcĂa Montiel
Nació en 1962 en Akrotiri, Chipre. Se dedica a hacer ilustraciones calando papel. Su estudio está situado en una callejuela en Bethnal Green, en el este de Londres, donde ha trabajado durante 20 años. Estudios: Fine Art (bellas artes) en la Trent Polytechnic (universidad politécnica de Nottingham) y en el Royal College of Art (colegio real de arte) en Londres, donde se especializó en Printmaking (grabados, gráficos, impresión) y graduó en 1987. Vida personal: Vive y trabaja en Londres, con su mujer y dos hijas. Vida laboral: Aunque él se ha visto a sí mismo principalmente como un artista de bellas artes, su complejo trabajo en papercut le ha hecho adaptarse a otros medios tales como cerámica, joyería y productos de casa (menaje). A lo largo de los años ha colaborado con otros artistas como Paul Smith, Liberty of London (es una tienda en Londres), Tatty Devine and Vogue. Su trabajo a menudo consiste en divertidas figuras emparejadas, con frases o escritos sentimentales, profundas o incluso humorísticas, que el admite ser autobiográficas. Ha realizado exposiciones (se ha podido exhibir) por todo Reino Unido e internacionalmente, y ha escrito e ilustrado muchos libros, ‘This Is For You’ (esto es para ti), ‘A Sky Full Of Kindness’ (un cielo lleno de amabilidad) y recientemente una trilogía, ‘The Invisible Kingdom’ (el reino invisible), ‘The Kingdom Revealed’ (el reino descubierto) y ‘The Invincible Kingdom’ (el reino invencible). Principalmente dibuja todo el día rodeado de libros y documentos en el piso de arriba de su estudio, el cual usa como taller. El comparte este espacio con su PA (personal assistant-asistente personal) Sarah y su asistente de diseño Liberty. Tiene una tienda donde vende sus trabajos, Ryantown, envían a todo el mundo.
Algunos de sus trabajos: