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katalog / catalogue
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Wien / VIENNA / 2013
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Ausstellung
Realismus der Farbe exhibition
Realism of Colour
katalog / catalogue
{ de } Das Künstlerhaus mit seiner Lage im Zentrum Wiens, 1868 errichtet und bis heute im Besitz der Gesellschaft bildender Künstlerinnen und Künstler Österreichs, versteht sich als Plattform für nationale und internationale Kooperationen in allen Bereichen der aktuellen Kunst, der Architektur und des Designs. Die Präsentation von Werken aus der Sammlung des Nationalen Kunstmuseums der Ukraine bildet einen weiteren Höhepunkt in der Zusammenarbeit mit bedeutenden Kunstinstitutionen aus Osteuropa. Eine Künstlervereinigung, die 2011 ihr 150-jähriges Bestehen feierte und seit ihrer Gründung das Kunstleben des Landes wesentlich mitgestaltet und bereichert, ist in schnelllebigen Zeiten etwas Außergewöhnliches und ganz Besonderes. Bereits in den Anfängen der damaligen „Genossenschaft bildender Künstler Wiens“ waren die Grenzen des Künstlerbundes offen und mit benachbarten, auswärtigen Institutionen und Vereinen wurde kooperiert. Das Künstlerhaus ist dazu in mehrfacher Hinsicht prädestiniert und grenzt sich grundsätzlich von musealen und kommerziellen Institutionen ab: Mit seinem vielfältigen Kulturangebot (Kino, Theater, Ausstellungshaus, Aktivitäten am Kunstplatz Karlsplatz, Gastronomie) und der interdisziplinären Vereinsstruktur einer unabhängigen [6]
Künstlervereinigung bildet es den geeigneten Freiraum, brisante Fragen künstlerisch zu thematisieren und in kreativen Prozessen zu forcieren. Alle führenden Künstlerpersönlichkeiten der Zeit waren im Künstlerhaus Mitglied und lehrten an den Akademien, wie Georg Ferdinand Waldmüller, Gustav Klimt, Anselm Feuerbach und der Meister der gestischen Malerei und Monumentalkomposition, Hans Makart, letzterer von 1881–82 Präsident, ebenso wie der bedeutende Architekt und Stadtplaner Otto Wagner. Animiert durch regelmäßige Kooperationen, hier sei u.a. auf die Jahresausstellung der Universität für Angewandte Kunst verwiesen und ein offenes, diskursives Programm, sind es vor allem Absolventinnen und Absolventen der Kunstuniversitäten, der „Bildenden“ und der „Angewandten“, die den Weg zu uns als ein Forum der Kommunikation und des Diskurses suchen.
Michael Pilz Präsident des Künstlerhauses
{ eng } Künstlerhaus (The House of Arts), located in the heart of Vienna, built in 1868 and still owned by the Society of Artists of Austria, is a platform for national and international cooperation in all fields of contemporary art, architecture, and design. Presentation of works from the collection of the National Art Museum of Ukraine is another significant event in working with major arts institutions from Eastern Europe. Association of artists that celebrated its 150th anniversary in 2011 and has been significantly involved in shaping and enriching the artistic life of the country since its founding is something unusual and special for our fleeting time. Even on an early stage, at the time of the “Society of Vienna Artists”, the borders of the artistic union were open to all, allowing foreign institutions and associations to cooperate. Künstlerhaus is perfect for this from all points of view. It fundamentally dissociates itself from the museums and commercial institutions; and its diverse program of cultural events (cinema, theater, exhibitions, and events in the art space Karlsplatz) together with its multi-disciplinary structure as the independent association of artists makes it a specially adapted space for discussion on important issues concerning art. [7]
All the leading figures from the art world, such as Georg Ferdinand Waldmuller, Gustav Klimt, Anselm Feuerbach, master of easel painting and monumental compositions Hans Makart (Künstlerhaus’ president in 1881-1882), and prominent architect and town planner Otto Wagner, were members of Künstlerhaus and taught in the academies. The annual exhibition of the University of Applied Arts and open discussion program is visited mainly by graduates of art schools, looking for a forum of communication and discourse.
Michael Pilz President of Künstlerhaus
{ de } Der Name der Ausstellung «Realismus der Farbe» geht auf die Theorie des Avantgardisten Viktor Palmov und widerspiegelt die Haupttendenzen in der ukrainischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Die Theorie Palmovs entwickelte sich im Mainstream der innovativen Prozesse der 1920er und basierten auf den Errungenschaften der Physik und auf Gedanken über die Eigenschaften der Farbe und ihrer Bedeutung in der Erziehung der Kinder. Nach seiner Theorie ergänzen heilender Subjekt und Objekt des Gemäldes die Farbe, anstatt sie keineswegs zu begrenzen so, wie in der Musik, wo der Inhalt nicht durch das Motiv, sondern durch das Willen ausgedrückt wird, das der Autor mit Hilfe der Töne wiedergibt. Das analytische Herangehen Palmovs an die Verbindung von Realität und Realismus in der Kunst lag vollkommen im avantgardistischen Denken und mit den Ideen europäischer Künstler und Theoretiker. Aber in der ukrainischen Kunst der 1910er bis 1980er Jahre, die sich unter der spezifischen Bedingungen des sowjetischen Systems mit dem Diktat der Ideologie, der Kontrolle des Staates über den schöpferischen Prozess und sogar das Leben des Malers, einzigen offiziellen „Methode des sozialistischen Realismus“ (anstelle der Vielfalt von schöpferischen Individuen und [8]
stilistischen Tendenzen) entwickelte, gewann das Thema Realismus eine besondere Bedeutung. Die Ursprünge der ukrainischen eng mit dem Leben und der überzeugenden Darstellung der Umwelt verbundenen Darstellungskunst gehen auf die Ideen der Renaissance und des Barocks auf die Ikonenmalerei des 16. Und 17. Jahrhunderts zurück. Die Schönheit von Gotteswelt erschien in Gestalt von erkennbaren Abbildern der Natur, in die Ereignisse des Alten und Neuen Testaments eingebracht wurden. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, nachdem sich der Realismus als eigene künstlerische Richtung weltweit verbreitet hatte, arbeiteten in der Ukraine Mykola Pymonenko, Serhii Vasylkivskyi, Serhii Svitoslavskyi und andere prominente Meister. Schon in dieser Zeitperiode waren spezifische Eigenheiten der ukrainischen Kunst die vorherrschende Behandlung des Genres Landschaft, die aufmerksame Beobachtung des nationalen Lebens und des lokalen Kolorits und die Schaffung einer Galerie der Volkstypen. Der von romantischen Reminiszenzen stark beeinflusste Realismus bestimmte in vieler Hinsicht die weitere Entwicklung dieser Strömung. Eine Besonderheit des künstlerischen Lebens in der Ukraine war die Tatsache, dass eine höhere Ausbildungsstätte die Ukrainische Akademie der Künste (später Kiewer Kunsthochschule und jetzt Nationalakademie der darstellenden Kunst und Architektur) in Kiew erst im Jahr 1917 gegründet wurde. Von Anfang an schlossen sich ihr die führenden Maler des frühen 20. Jahrhunderts an, unter ihnen Oleksandr Muraschko und Fedir Krychevskyi. Meister, die sich unter
{ eng } The name of the exhibition “Realism of Colour” is related to the theory of avant-garde artist Viktor Palmov and reflects the main trends in Ukrainian art of the 20th century. Palmov’s theory developed in the mainstream of innovative processes of 1920s and was based on the achievements of physics and ideas about the healing virtues of colour and its significance in children’s education. According to this theory, the subject and objects of the painting should be complementary to colour, not restrictive to it, in a similar way as the meaning of music is not perceived through the plot, but though the exertion of will, conveyed through sounds. Palmov’s analytical approach to relations between reality and realism lay entirely within the frame of avant-garde thinking and was consonant to ideas of modern European artists and theorists. However, in Ukrainian art of 19101980s, that developed under specific conditions of the Soviet system with ideological dictate, state control over artist’s creative expression and even life, a single official “method of socialist realism” (instead of the diversity of individuals and stylistic trends), the topic of realism has acquired special significance. The origins of Ukrainian figurative painting, with its close connection to life and convincing depiction of the environment, are in the icon painting of the 16th – 17th centuries, influenced by ideas of Renaissance and Baroque. The beauty of God’s world arose in recognizable images of nature, of which events of the Old and New Testament were an organic part. In the second half of the 19th century, when realism has spread over the world as a separate art current, in Ukraine worked Mykola Pymonenko, Serhii Vasylkivskyi, Serhii Svitoslavskyi and other prominent artists . Already at that time the specific features of Ukrainian art were prevalence of landscape genre, attentive fixation of characteristics of national life and local flavor, creation of the gallery of folk characters. Strongly influenced by romantic reminiscences realism determined the further development of this current in many ways. The peculiarity of the artistic life in Ukraine was the fact that a higher education institution – Ukrainian Academy of Art (later Kyiv Art Institute and now National Academy of Art and Architecture) – has been founded in Kyiv only in 1917. From the very beginning the leading painters of the early 20th century, including Oleksandr Murashko and Fedir Krychevskyi were engaged in Academy’s activities. Masters, who developed within the frame of European art nouveau, found their own way, combining new tendencies with knowledge of the nature and its real plastic forms. Fedir Krychevskyi played a special role in the formation of Ukrainian art of the 20th century. He was not only a teacher for many leading artists of the middle and second half of the century, thus building a bridge of high art tradition between classics and contemporaries, but also a founder of socialist realism in Ukraine. Socialist realism strictly rejected any modernist tendencies, especially abstractionism, and returned to the obsolete principles of academism with emphasis
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dem Einfluss der europäischen Sezession entwickelt hatten, fanden einen eigenen Weg, indem sie neue Tendenzen mit ihrem Wissen über die Natur und ihrem Verständnis von plastischen Formen verbanden. Fedir Krychevskyi spielte eine besondere Rolle bei der Entstehung der ukrainischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Er war nicht nur Lehrer für viele führende Künstler der Mitte und der zweiten Hälfte des Jahrhunderts und baute auf diese Weise eine Brücke der Tradition der hohen Kunst von Klassikern zu Zeitgenossen, sondern auch einer der Begründer des sozialistischen Realismus in der Ukraine. Der sozialistische Realismus lehnte jegliche modernistische Tendenzen, insbesondere den Abstraktionismus, kehrte zu veralteten akademischen Prinzipien mit der Betonung auf dem thematischen Bild zurück und schuf so seine eigenen künstlichen Genres (wie zum Beispiel die historischrevolutionäre Malerei, die industrielle Landschaft und Porträts von der Vorarbeitern und Parteiführern), die das mythologische Wesen der in der Sowjetunion realisierten Utopie so glaubwürdig wie möglich vermitteln sollten. Die optimistische Begabung Krychevskyis widerspiegelte sich in verschiedenen Genres der Kunst. Wie auch andere Künstler seiner Generation beschäftigte er sich mit der Suche nach einer nationalen Form, wobei er immer der [ 10 ]
dekorativen Verallgemeinerung der Farben, Energie und Bündigkeit der Malerei, treublieb und der Wiedergabe der materiellen Schönheit der Welt. Er machte keine spektakuleren Striche, sondern modellierte die Form mit Kurzstrichen, die ineinander übergehen, wobei er das Volumen mit der Energie eines Bildhauers schuf und gleichzeitig die grafische Ausdruckskraft von Umrissen und Silhuetten benutzte, dabei aber immer nach der Verbindung aller Komponenten in eine einheitliche synthetische Ordnung strebte. In der schöpferischen Tätigkeit Krychevskyis kann man zwei nebeneiander existierende Linien unterscheiden: Werke mit dicker Textur und plastischer Modellierung der Volumen und die mit Temperatechnik geschaffenen Werke in denen weite dekorative Flächen von Farbe ihre Monumentalität verstärken, und die Formen in Linearen Rhythmen aufgelöst werden. Diese dekorative Linie in der Malerei war nicht fremd für Oleksii Shovkunenko der sein Talent als großer Meister der Farbe in Landschaftsbildern und Porträts zeigte. Der Mensch und die Natur, ihr Kontakt und die Anwesenheit des Menschen in der Natur bestimmen den Inhalt seines Schaffens. Der Künstler schuf ganze Galerien von Bildern wobei er eine eindrucksvolle Wahrhafttigkeit des Bildes erreicht, gleichzeitig aber auch Arbeit mit einer gewissen Unvollständigkeit, Leichtigkeit und Frische hinterlässt. Shovkunenko selbst erkannte keine «immaterielle Malerei, immaterielle Farbe» an; seiner Meinung nach sieht der Betrachter «in der materiellen Malerei und Farbe eine der Manifestation der Wahrheit und des Realismus».
on genre painting, creating its own artificial genres (such as revolutionary painting, industrial landscape, portraits of pace-makers and party leaders), intended to express the mythological nature of realized Utopia of Soviet Union in the most credible forms. Krychevskyi expressed his optimistic talent in many art genres. As other artists of his generation, he sought for a national form, but always remained faithful to decorative generalization of colours, energetic and laconic painting, and expression of material beauty of the world. He did not make sweeping spectacular strokes but modeled the form by short superimposed ones, revealing the volume with the energy of a sculptor, and in the same time used means of graphic expressiveness of outlines and silhouettes, always seeking to combine all the components into a single synthetic system. In Krychevskyi’s work we can distinguish two lines that naturally coexist: paintings with thick texture and plastic modeling of volumes, and tempera works, where broad decorative planes of colour strengthen their monumentality and form is dematerialized in linear rhythm. This decorative line in painting was not alien for Oleksii Shovkunenko, who revealed his talent as a great master of colour in landscape and portrait. Man and nature, their contact, human presence in nature constitute the content of his work. The artist created whole galleries of images, achieving an impressive veracity of image and in the same time leaving work with some incompleteness, etude lightness and freshness. Shovkunenko himself did not acknowledge “intangible painting, intangible colour”, in his opinion, a viewer “fairly sees one of the manifestation of truth and realism in tangibility of painting and colour”. Mykola Hlushchenko and Serhii Shyshko worked mainly in landscape genre, marked with emotionality and intensive sonority of colours. Acknowledged by official artistic milieus, artists “justified” decorative qualities of their works by appeal to the tradition of folk art and folk worldview, allowed for socialist realists in 1960-1970s. By a happy coincidence, optimistic colours of their works corresponded to ideological course of showing positive aspects of Soviet life, and artists’ temperament was not constrained by genre limitations, freely expressing in non-industrial landscape and floral still lives. Another feeling of “realism of colour” was characteristic for Anatolii Lymarev, the representative of non-official art. The artist appealed to typical themes and images of socialist realism, but gave them a completely different implication. His works were either censored or not allowed to official exhibitions. He worked for many years on each painting, seeking for the maximum credibility in reproduction of the state of man or nature, achieving the boundary intensity of colour, and demanding from paints to create the same effect that reality made on him.
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Mykola Hlushchenko und Serhii Shyshko arbeiteten überwiegend im Genre der Landschaftsmalerei das von Emotionalität und intensiven Tönen der Farben charakterisiert ist. Anerkannt durch offizielle Künstlerkreise „rechtfertigten“ die Maler die Dekorativität der eigenen Werke mit der Verwendung der Tradition der Volkskunst und des Volksempfindens, das den sozialistischen Realisten erlaubt war. Durch einen glücklichen Zufall entsprach der Optimismus der Farben auf ihren Bildern dem ideologischen Kurs in Bezug auf die Darstellung der positiven Seiten des sowjetischen Lebens, und das künstlerische Temperament wurde durch Genregrenzen nicht eingeengt und konnte sich in nicht-industriellen Landschaften und Blumenstilleben frei entfalten. Ein anderes Erleben des «Realismus der Farbe» war typisch für Anatolii Lymarev, den Vertreter der nicht offiziellen Kunst. Der Maler wandte sich an die für den sozialistischen Realismus typischen Themen und Bilder, gab ihnen aber völlig unterschiedliche Bedeutung. Infolgedessen unterlagen seine Werke der Zensur oder wurden zu den offiziellen Ausstellungen nicht zugelassen. An jedem Gemälde arbeitete er viele Jahrelang, wobei er nach der höchstmögliche Glaubwürdigkeit der Wiedergabe von Mensch und Natur strebte und dabei höchste Farbintensität erreicht, in dem er an die Farben der Anspruch stellte, auf ihn denselben Effekt wie die Realität auszuüben. [ 12 ]
Nicht nur Limarevs Schaffen, sondern auch seine theoretischen Gedanken über Problem der Realität und des Realismus erneuerten die Verbindung mit der im sozialistischen Realismus «vergessenen» Kunst der Moderne. In diesem Zusammenhang sind seine Worte bedeutsam, dass «Malerei nicht funktionieren kann ohne die Frage der Abstraktion zu lösen, gelangt es ihnen, weil wir abstrakt denken, abstrakt gestalten, uns abstrakt auf die Arbeit vorbereiten, und später erscheint sie plötzlich real …» Bei der Ausstellung «Realismus der Farbe» sind Werke ausgestellt, die ihre Schöpfer vor allem als herausragende Meister der Farbe und der realistischen Form charakterisieren. Ihr Realismus hatte nichts Gemeinsames mit dem herkömmlichen Naturalismus, Wahrnehmung der Welt der mechanischen Widerspiegelung, sondern erschienen als schöpferische, individuelle, emotionelle. Obwohl sie unter dem Diktat der sowjetischen Kunst gezwungen waren, sich an lebensnahe Formen zu halten, fand jeder von ihnen seinen eigenen Weg zur Vertiefung des Bildes und wandte sich Grenze zu, die in der offiziellen Kunst kein Prestige hatte, wie zum Beispiel lyrische Landschaften, Kammerporträts oder Blumenstilleben. Sogar im engen Rahmen des ideologischen Verständnisses von Realismus, der Nivellierung der künstlerischen Qualität des Werkes, angesichts der Unmöglichkeit der plastischen Suche und der Isolierung von den Prozessen der weltweiten Kunstszene gelang es ihnen, einen bleibenden Eindruck im Bereich der Freilichtmalerei zu erzeugen, ihr künstlerisches Niveau hochzuhalten und ihr Recht auf Meinungsfreiheit zu verteidigen.. Oksana Barshynova
Not only Lymarev’s works, but his theoretical thinking on problems of reality and realism restored the connection with “forgotten” in socialist realism modernist art. At this point, very significant are his words that “painting can’t go without solving the question of abstraction, because we devise abstractedly, compose abstractedly and prepare for work abstractedly, and only later it suddenly emerges in reality…” The exhibition “Realism of Colour” represents works that characterize their authors primarily as outstanding masters of colour and realistic form. Their realism had nothing to do with ordinary naturalism, mechanical reflection, but instead appeared as creative, individual, emotional perception of the world. Though in Soviet conditions these artists were forced not to deviate from similar to life forms, each of them found a way to deepen the image, appealing to genres, which were of no prestige in the official art, such as lyrical landscape, chamber portrait or floral still life. Even within the strict frames of ideological understanding of realism, levelling of the artistic quality of the work of art, in the situation of impossibility of plastic searches and isolation from the world art processes, they managed to say their word in the field of plein air painting, keep high artistic level, and defend the right for private statement. Oksana Barshynova
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Oleksandr Murashko 1875 - 1919
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Studierte an der St. Petersburger Akademie der Künste bei dem prominenten Realisten Ilya Repin, von dem er die malerischen Prinzipien geerbt hat: einen freien Stil des Malens, einen geschwungenen ImpastoPinselstrich und eine plastische Ausarbeitung der Formen. Während seines Aufenthalts in Paris und München 1901–1903 hat sich Murashko neuen Trends im europäischen Post-Impressionismus und der Secession erwärmt. Das Gemälde „Karussell“ (1906) gewann die Goldmedaille in der Internationalen Kunstausstellung München und brachte weltweite
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Anerkennung für den Künstler. 1911-1912 nahm der Künstler an Ausstellungen der Münchener „Secession“ teil. Ab 1909 unterrichtete Murashko an der Kiewer Kunstschule, die er 1912 wegen des Konservatismus der Geschäftsführung verließ. Im folgenden Jahr eröffnete er sein eigenes Studio, wo man zusätzlich zu der akademischen Zeichnung und Malerei über die Geschichte und Philosophie der Kunst doziert hat. 1917 wurde ein alter Traum von Murashko umgesetzt: in Kiew wurde die Ukrainische Akademie der Kunst gegründet, wo er das Maleratelier angeführt hat. Murashko malte vor allem Porträts und Erzählkompositionen, in denen er immer die Realität des Lebens als die höchste Manifestation von Schönheit in der Welt beibehalten hat. In Portraits kombinierte er die Tiefe der psychologischen Interpretation mit der Dynamik der Komposition. Seine individuelle Malweise ist durch Expression, dekorativen Reichtum der Farbe, generalisierten und ausdrucksstarke Formen charackterisiert.
{ eng }
Studied in the St. Petersburg Academy of Arts under the lead of the
Oleksandr Murashko 1875 - 1919
prominent realist Illia Repin, from whom Murashko inherited free style of painting, sweeping stroke, and plastic form. During his stay in Paris and Munich in 1901-1903 Murashko developed an interest in new European trends of post-impressionism and art nouveau. Painting “Carousel” (1906) won the gold medal at Munich International Exhibition and brought worldwide recognition to the author. In 1911-1912 the artist participated in exhibitions of Munich “Secession”. In 1909 Murashko started teaching in the Kyiv Art College and in 1912 left it due to the conservatism of the administration. Next year he opened his own studio, where lectures on history and philosophy of art were held in addition to the lessons of academic drawing and painting. In 1917 the long dream of Murashko was fulfilled: Ukrainian Academy of Arts was opened in Kyiv and Murashko became the Head of the painting workshop. Murashko painted mainly portraits and narrative compositions, always claiming the reality of life to be the highest manifestation of the world’s beauty. In portraits he combined deep psychological interpretation with dynamic composition. His painting style is marked with expression, decorative richness of colour, generalized and expressive forms.
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Porträt der Kinderfrau | 1916 | Öl auf Leinwand | 79,5 х78,5 cm Portrait of the nurse | 1916 | Oil on canvas | 79,5 х78,5 cm
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Porträt von L. Kuksina | 1909 | Öl auf Leinwand | 120х88 cm Portrait of L. Kuksina | 1909 | Oil on canvas | 120х88 cm
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Verkündigung der Geburt Christi | 1907 – 1908 | Öl auf Leinwand | 198x169 cm Annunciation | 1907 – 1908 | Oil on canvas | 198x169 cm
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Portrait von K. Mukalova | 1910 | Karton, Kohle, Rötel, Kreide | 102,5х71 cm Portrait of K. Mukalova | 1910 | Charcoal, sanguine, chalk on cardboard | 102,5х71 cm
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Porträt der Künstlerin L. Kovalevska | 1915 | Pastell auf Karton | 95х77 cm Portrait of the painter L. Kovalevska | 1915 | Pastel on cardboard | 95х77 cm
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Porträt von S. Filipson | 1910 | Graues Karton, Kohle, Rötel und Kreide | 96х77 cm Portrait of S. Filipson | 1910 | Charcoal, sanguine, chalk on grey cardboard | 96х77 cm
Fedir Krychevskyi
{ de }
1879 - 1947
Absolvierte die Moskauer Hochschule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, sowie die St. Petersburger Akademie der Künste. Während der jährlichen Europa-Tournee besichtigte Krychevskyi Berlin, Wien, Paris, Rome u.a. Als Krychevskyi in Wien war, haben die Kunstwerke von Gustav Klimt seine kreativen Linienführung und Weltanschauung stark beeinflusst. Nach seiner Rückkehr unterrichtete er in der Kunstschule Kiew und der ukrainischen Akademie der Künste (später umbenannt in Kiewer Kunstinstitut), und war einer der Gründer und erster Rektoren der Akademie. Krychevskyi wurde zum Gründer des sozialistischen Realismus in der
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Ukraine, der ihn auf den Spitzenplatz im künstlerischen Leben der 1930er Jahre gebracht hat. Im Laufe des Zweiten Weltkriegs blieb er in Kiew und war der Vorsitzende des Künstlerverbands der Ukraine. Er versuchte gemeinsam mit Deutschen nach Westen zu flüchten, was ihm aber nicht gelang. Er wurde von dem Volkskommissariat für innere Angelegenheiten verhaftet, verhört und wurde all seiner Vorkriegs-Insignien und Unterrichtsmöglichkeiten beraubt. KrychevskyierleichtetesichunterdemEInflüssderfürdieJahrhundertwende typischen Trends des späten Akademismus und Sezession. Sein ganzes Leben lang erforschte er die ukrainische Volkskunst und Ikonographie, die seine Malweise definiert haben. In seinen geschehensbetonten Werken tendierte der Künstler eher zu universellen Themen, den architektonisch ausgewogenen Kompositionen und der farblichen Harmonie. Krychevskyi war auch ein hervorragender Meister des Porträts, dessen Ursprünge in den Kosakenporträts des 18. Jahrhunderts mit ihrer Monumentalität und Unterstreichung der menschlichen Würde waren.
{ eng }
Graduated from the Moscow School of Painting, Sculpture, and Architecture and St. Petersburg Academy of Arts. During one-year
Fedir Krychevskyi 1879 - 1947
European tour Krychevskyi visited Berlin, Vienna, Paris, Rome etc. In Vienna was impressed by Gustav Klimt, whose influence affected both his artistic manner and worldview. After returning to Ukraine, he taught in the Kyiv Art College and Ukrainian Academy of Arts (later renamed to the Kyiv Art Institute), being one of its founders and first rectors. Krychevskyi became the founder of the socialist realism in Ukraine, thus acquiring the leading position in the artistic life of the 1930s. During World War II he stayed in Kyiv, was the head of the Union of Artists of Ukraine. Krychevskyi tried to go to the West along with Germans but did not manage to do it. After that he was arrested by NKVD (People’s Commissariat for Internal Affairs), interrogated, and deprived of all his pre-war regalia and the possibility to teach. Krychevskyi grew under the influence of typical fin-de-siecle trends of late academism and art nouveau. His studies of Ukrainian folk art and icon painting defined his painting style. His narrative works tend to universal themes, architectonic composition, and harmony of colours. In addition, Krychevskyi was an outstanding master of portrait, inspired by the Cossack portrait of the 18th century with its monumentality and emphasis of human dignity.
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Verträumte Katherina | 1937 – 1940 | Tempera auf Leinwand | 177х99,5 cm Kateryna fallen in dreams | 1937 – 1940. Tempera on canvas. 177х99,5 cm
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Gegenschwager | 1926 | Öl auf Leinwand | 166х158 cm Matchmakers | 1926 | Oil on canvas | 166х158 cm
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Dämmerstunde. (Landschaftsbild. Poltawa Gebiet) | 1923 – 1924 | Öl auf Sperrholz | 49х80 cm Twilight. (Landscape. Poltavschyna.) | 1923 – 1924 | Oil on plywood. 49х80 cm
Portrait von Natalie Krychevska, der Frau des Künstlers | 1926 | Öl auf Leinwand | 145х126 cm Portrait of Natalia Krychevska - the wife of the artist | 1926. Oil on canvas. 145х126 cm
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Portrait des Sohnes | 1910 | Öl auf Leinwand | 120х105 cm Portrait of the son | 1910 | Oil on canvas | 120х105 cm
Viktor Palmov
{ de }
1888 - 1929
Studierte an der Moskauer Hochschule für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Als Avantgarde-Künstler entwickelte er sich im Umkreis der russischen Futuristen. 1920-1921 bereiste er Sibirien, das Fernen Osten und Japan zusammen mit David Burlyuk, dessen Geschichten er das Interesse für die Ukraine verdankt. 1925-1929 lebte der Künstler in Kiew und war als Professor des Kiewer Kunstinstituts tätig. Die späteren Werke von Palmov sind von futuristischen und primitivistischen [ 30 ]
Tendenzen geprägt. In Ablehnung des bildnerischen Naturalismus forderte der Maler auf, die neuen Sichtweisen der Kunst im „Realismus der Farben zu suchen, die mit ihrem Spiel diejenigen begeistern, die nach einer munteren Aspiration streben»; er betrachtete „die Farbenhandlung als Realismus der Gegenwart». In seinen unerschöpflichen Vorrat an Aufrichtigkeit fand der Künstler in den anonymen Volksgemälden und Zeichnungen von Kindern, in denen Weltumspannendes und Privates natürlich kombiniert sind. In Kiew wurde Palmov Teil der Diskussionen über die neue Destination der Tafelmalerei im täglichen Leben des Proletariats. Seiner Meinung nach sind die formalen Eigenschaften durch ihre Funktion bedingt. Inspiriert von der Hoffnung der Revolution und beeindruckt von ihren Tragödien ist „kolioropys“ die Farbenmalerei von Palmov, ein dramatischer Zusammenstoß der hellen Farben des Lebens, der Kunst der Metamorphose und der täglichen Ereignisse mit der Welt der ursprünglichen Energien.
{ eng }
Viktor Palmov 1888 - 1929
Graduated from the Moscow School of Painting, Sculpture, and Architecture. Developed as an avant-garde artist in the milieu of Russian futurists. In 1920-1921 Palmov travelled through Siberia, the Far East and Japan together with David Burliuk, whose stories evoked in Palmov the interest in Ukraine. In 1925-1929 he lived in Kyiv and taught in the Kyiv Art Institute. Mature Palmov’s works are marked with combination of futuristic and primitivist tendencies. Rejecting “figurative naturalism”, the artist suggested to seek new ways of art in “realism of colours, the play of which arouse the will of those who seek for vigorous aspiration” and viewed “colour action as the realism of the present”. Inexhaustible supply of sincerity the artist found in anonymous folk paintings and children’s drawings, where cosmic and private are naturally combined. In Kyiv Palmov became involved in the discussions about new function of easel painting in the daily life of proletariat. According to Palmov, the formal features of the painting are determined by its function. Inspired with revolutionary hopes and shocked by revolutionary tragedies, “kolioropys” (colour painting) of Palmov is a dramatic collision of bright colours of life, art of metamorphosis, juxtaposition of the daily events with the world of primeval energies.
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Schmied | 1926 | Öl auf Holzbrett | 70х96 cm The smith | 1926 | Oil on wood | 70х96 cm
Schicht | 1927 | Öl auf Leinwand | 63х57 cm Shift | 1927 | Oil on canvas | 63х57 cm
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Mauerer | 1927 | Öl auf Leinwand | 71х44,5 cm Quarrymen | 1927 | Oil on canvas | 71х44,5 cm
Der erste Mai | 1929 | Öl auf Leinwand | 161х161 cm The First of May | 1929. Oil on canvas | 161х161 cm
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Rendezvous | 1926. Öl auf Sperrholz | 87х71 cm The date | 1926 | Oil on plywood | 87х71 cm
Oleksii Shovkunenko
{ de }
1884 – 1974
Er absolvierte die Kunsthochschule Odessa und die St. Petersburger Akademie
der
Künste.
In
der
russischen
Hauptstadt
geriet
Shovkunenkounter unter den Einfluss einer Vielzahl von künstlerischen Trends, spürte den Einfluss des Impressionismus, des Symbolismus und des Jugendstils. Diese Trends verfeinerten das natürliche Farbtalent [ 38 ]
des Künstlers. Nach seiner Rückkehr in die Ukraine unterrichtete er in Kunstschulen in Odessa und danach etwa dreißig Jahre im Kiewer Kunstinstitut. Als virtuoser Aquarell-Meister schuf Shovkunenko in den 1930er Jahren eine Reihe von Industrie-Landschaften, was ihn zu einem führenden Vertreter des sozialistischen Realismus machte. In den Internationalen Ausstellungen 1937 in Paris und 1958 in Brüssel erhielt er die höchsten Auszeichnungen und weltweite Anerkennung für seine Aquarelle. Das Talent von Shovkunenko als Maler offenbarte sich in den Genres Landschaft, Porträt und Stilleben aus. Die frühen Porträts des Künstlers zeichnen sich durch Dekorativität und durch raffinierte Ästhetik aus. In den späteren Jahren wendete der Künstler oft der Freilichtmalerei zu, die durch lyrische Interpretation des Bildes, Leichtigkeit, Artistik und kunstvolle und temperamentvolle Malerei, breite Striche und eine meisterhafte Umsetzung von Licht-Luft-Effekte gekennzeichnet ist.
{ eng }
Oleksii Shovkunenko 1884 – 1974
Graduated from the Odessa Art College and St. Petersburg Academy of Arts. In the Russian capital Shovkunenko fell in the maelstrom of the various artistic trends, was influenced of impressionism, symbolism, and art nouveau, thus refining his natural colour talent. After returning to Ukraine he taught in Odessa art schools and later over thirty years worked in the Kyiv Art Institute. A skillful master of watercolour, in 1930s Shovkunenko created a series of industrial landscapes, which made him one of the leaders of socialist realism. At the International Exhibition in Paris (1937) and in Brussels (1953) his watercolours received the highest awards and worldwide recognition. Shovkunenko’s talent as a painter was revealed at most in the genres of landscape, portrait, and still life. His early portraits are characterized by decorativeness and refined aestheticism. In later years the artist often turns to plein air painting, marked by lyrical interpretation of the image, lightness, artistry, richness of painting, broad stroke, and masterful depiction of the light and air environment.
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Portrait von Ballerina N. Skorulska | 1947 | Öl auf Leinwand | 115х79 cm Portrait of the ballerina N. Skorulska | 1947 | Oil on canvas | 115х79 cm
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Porträt der Frau des Künstlers | 1928 | Öl auf Sperrholz | 125х70 cm Portrait of the wife | 1928 | Oil on plywood | 125х70 cm
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An einem sonnigen Tag | 1954 | ﾃ僕 auf Leinwand | 48x60 cm A sunny day | 1954 | Oil on canvas | 48x60 cm
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Stillleben mit einem Kuchen | 1940 | ﾃ僕 auf Leinwand | 70x110 cm Still-life with a pie | 1940 | Oil on canvas | 70x110 cm
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Flieder | 1955 | ﾃ僕 auf Leinwand | 86x59 cm Lilac | 1955 | Oil on canvas | 86x59 cm
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Die Frau auf einem Armsessel | ﾃ僕 auf Leinwand | 60x40 cm Woman in the armchair | Oil on canvas | 60x40 cm
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Rosen in grﾃｼner Vase | 1946. ﾃ僕 auf Leinwand | 56x44 cm Roses in a green vase | 1946 | Oil on canvas | 56x44 cm
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Kapuzinerkresse | 1952 | ﾃ僕 auf Karton | 61x86 cm Nasturtia | 1952 | Oil on cardboard | 61x86 cm
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Winter | 1960 | ﾃ僕 auf Karton | 62x88 cm Winter | 1960 | Oil on cardboard | 62x88 cm
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Zhukow Insel | 1968 | ﾃ僕 auf Leinwand | 57x85 cm Zhukov island | 1968 | Oil on canvas. | 57x85 cm
Landschaft | 1964 | ﾃ僕 auf Leinwand | 50x76 cm Landscape | 1964 | Oil on canvas | 50x76 cm
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Alte Eiche | 1955 | ﾃ僕 auf Karton | 84x62 cm An old oak | 1955 | Oil on cardboard | 84x62 cm
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Eichen | 1953 | Öl auf Leinwand | 63х88 cm Oaks | 1953 | Oil on canvas | 63х88 cm
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Mykola Hlushchenko
{ de }
1901 - 1977 Die Grundlagen der Kunst lernte der Künstler im Atelier von Hans Baluschek in Berlin, dann setzte er sein Studium an der Berliner Hochschule für bildende Kunst fort. Er war begeistert von mit der Kreativität der Künstler der Nordrenaissance. Im Jahr 1923 erhielt er die sowjetische Staatsbürgerschaft über Vermittlung von Regisseur Oleksander Dovzhenko und die Ernennung zum Chefkünstler der sowjetischen handelsindustriellen Messen im [ 54 ]
Ausland. Ab 1926, rekrutiert durch den sowjetischen Geheimdienst, sammelte er
die
wissenschaftlich-technischen
Informationen
zum
Thema
Rüstungsindustrie unter dem Pseudonym „Yarema“. Bis 1936 - dem Jahr der Rückkehr in die Sowjetunion – lebte er in Frankreich und Spanien, kommunizierte mit Romain Rolland, Henri Barbusse, Pablo Picasso, Fernand Leger und Henri Matisse. 1944 ließ er sich in Kiew nieder und war als Professor am Kiewer Kunstinstitut tätig. Von Behörden und Kunstfreunden geschätzt, arbeitete Hlushchenko hauptsächlich im Genre der Landschaftsmalerei, indem
er
die
für
sozialistischen
Realismus
nicht-kanonische
postimpressionistische Malerei behandelte. Für seine Werke typisch sind der Kontrast von hellen Farben, Dekorativität, Energie und Kraft der Komposition und optimistische Stimmung, die auch vom Einfluss der ukrainischen Volkskunst verursacht ist.
{ eng }
Mykola Hlushchenko 1901 - 1977
Studied in the School of Hans Balushek in Berlin and the Berlin State School of Fine Arts. Admired artists of the Northern Renaissance. In 1923 through the mediation of the director Oleksandr Dovzhenko got Soviet citizenship and appointment to the position of the chief artist of Soviet trade and industrial fairs abroad. Since 1926, recruited by Soviet secret service, Hlushchenko collected technical defence information under the pseudonym of “Yarema”. Thus from 1926 to 1936 he lived in France and Spain, communicated with Romain Rolland, Henri Barbusse, Pablo Picasso, Fernand Leger, Henri Matisse. In 1944 moved to Kyiv, received the position of the professor in the Kyiv Art Institute. Treated kindly by the authorities and art admirers, Hlushchenko worked mainly in the genre of landscape painting, turning to the noncanonical for socialist realism post-impressionistic painting. His works are characterized by the contrast of bright colours, decorativeness, energetic composition, and optimistic mood, caused by the impact of Ukrainian folk art.
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Frühlingshochwasser | 1977 | Öl auf Karton | 80х100 cm Spring flood. 1977. Oil on cardboard | 80х100 cm
Frühlingsgarten | 1971 | Öl auf Leinwand | 100х140 cm Spring garden | 1971 | Oil on canvas | 100х140 cm
Frühlingsmagie | 1970 | Öl auf Leinwand | 76х108 cm Spring fascination | 1970 | Oil on canvas | 76х108 cm
Der blaue März | 1969 | Öl auf Leinwand | 97х137 cm Blue March | 1969 | Oil on canvas | 90х137 cm
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Der Garten im Herbst | 1967 | Öl auf Karton | 59,2х82,2 cm The autumn garden | 1967 | Oil on cardboard | 59,2х82,2 cm
Blühender Garten | 1970er | Öl auf Leinwand | 100х121 cm Blossoming garden. 1970s | Oil on canvas | 100х121 cm
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EntblöSSte. Schlaf | 1972 | Öl auf Karton | 80х100 cm The nude. A dream. 1972. Oil on cardboard | 80х100 cm
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Tänzerin | 1934 | Öl auf Leinwand | 86х71 cm The dancer | 1934 | Oil on canvas | 86х71 cm
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Portrait des Sohnes | 1945 (?) | 87х67 cm Portrait of the son | 1945 (?) | Oil on canvas | 87х67 cm
Serhii Shyshko
{ de }
1911 – 1997
Er studierte am Kiewer Kunstinstitut und absolvierte das Leningrader Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Shyshko wurde in der Zeit der Sowjetunion anerkannt, in der er seine schöpferische Freiheit gekonnt mit seinen Spitzenpositionen bei führenden Kunstinstitutionen vereinigt hatte. [ 66 ]
Der Name des Künstlers ist mit dem Genre der lyrischen Landschaft verbunden. Für ein Vierteljahrhundert arbeitete Shyshko an der Suite «Kiew - die geliebte Stadt», die mit Skizzen Kiews in Kriegszeiten begann. Das Leben der Stadt in den 1940er – 1970er Jahren, ihre äußeren Veränderungen und das Gefühl der neuen Rhythmen verschmolzen zu einem kompletten Bild einer sowjetischen Hauptstadt, zu einer der Chronik und einem Mythos von Kiew. In den 1970er bis 1980er Jahren arbeitete der Künstler oft mit Stilleben, besonders mit Blumenstilleben. Unmittelbar aus der Umwelt genommen, sind die Blumen in Großaufnahme dargestellt und widerspiegeln die Großzügigkeit des fruchtbaren Landes. Die Linienführung des Künstlers, die auf seiner Ukrainischen Erfahrung mit Freilichtmalerei und auf der europäischen Tradition des Impressionismus beruht, wird durch eine harmonische Kombination aus intensivem Farblicht, kraftvollen Pinselstrichen und Tiefenwirkung des Bildes geprägt.
{ eng }
Serhii Shyshko 1911 – 1997
Studied in the Kyiv Art Institute and graduated from the Leningrad Institute of Painting, Sculpture, and Architecture. Shyshko was widely acknowledged during Soviet times, skillfully combining artistic freedom and work on high positions in the leading art institutions. The name of the artist is associated with the genre of lyrical landscape. For a quarter of a century Shyshko worked on painting suite “Kyiv is a beloved city”, which started from Kyiv sketches of the wartime. City life in 1940s-1970s, changes in city’s exterior and sense of new rhythms formed a complete image of Soviet capital, a chronicle and myth of Kyiv. In 1970s-1980s the artist often works with still life, especially floral. Snatched directly from the natural environment, flowers are shown in close-up, conveying the generosity of fertile land. Shyshko’s artistic manner, which relied on Ukrainian experience of plein air painting and European impressionistic tradition, is characterized by the harmonious combination of intence spots of colour, energetic brush strokes, and relief painting facture.
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Park im Winter | 1960 | Öl auf Leinwand | 100х119,5 cm Park in the winter | 1960 | Oil on canvas | 100х119,5 cm
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Kiewer Meilenfernen | 1964 | Öl auf Leinwand | 50,5х61,5 cm The Kyiv perspectives | 1964 | Oil on canvas | 50,5х61,5 cm
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Im Sommerpark | 1975 | Öl auf Leinwand | 80х80 cm Summer in the park | 1975 | Oil on canvas | 80х80 cm
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In der Nähe eines Sees | 1971 | Öl auf Leinwand | 80х80 cm Near the lake | 1971 | Oil on canvas | 80х80 cm
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Herbst | 1967 | Öl auf Leinwand | 90х130 cm The autumn | 1967 | Oil on canvas | 90х130 cm
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Hütte. 1958. Öl auf Leinwand. 50х80 cm The huts. 1958. Oil on canvas. 50х80 cm
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Tulpen und Finger-Küchenschelle | 1978 | Öl auf Karton | 45х65 cm Tulips and mayflower | 1978 | Oil on cardboard | 45х65 cm
Sonnenblumen | 1972 | Öl auf Leinwand | 112х105 cm Sunflowers | 1972 | Oil on canvas | 112х105 cm
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Khreshchatyk | 1973 | Öl auf Leinwand | 80х90 cm Khreschatyk | 1973 | Oil on canvas | 80х90 cm
Anatolii Lymarev
{ de }
1929 - 1985
Er absolvierte das Kiewer Kunstinstitut und arbeitete an mehreren staatlichen Aufträgen für die monumentale Dekoration von öffentlichen Gebäuden in der Ukraine. [ 78 ]
Lymarev ist ein markanter Vertreter der „nichtoffiziellen Kunst“, die im Gegensatz zum sozialistischen Realismus vor allem künstlerische und nicht ideologische Ziele postulierte. Während in der Mitte der 1970er Jahre das sowjetische Kunstleben immer mehr liberaler wurde, war das häufigste Lebensmodell des «inoffiziellen» Künstlers die Arbeit zu Hause, ohne Hoffnung auf Anerkennung, sowie die Veranstaltung der Ausstellungen nur in Wohnungen, Clubs und Bibliotheken. Die gespannte Dramatik der Farbe und die aktive Textur der Malerei von Lymarev in Kombination mit der Einfachheit und der Alltäglichkeit der Motive ließen sich mit dem Kanon des sozialistischen Realismus vereinbaren. Der Künstler arbeitete viele Jahre an jedem Bild, erreichte eindrucksvolle Freiheit. Inspiriert von der europäischer postimpressionistischen Tradition überschritt Lymarev ihre Grenzen nicht nur durch seine eindrucksvolle Persönlichkeit, sondern auch durch die Übernahme der kosmischen Dimension aus Bildern der „vergessenen“ Avantgardisten.
{ eng }
Anatolii Lymarev 1929 - 1985
Graduated from the Kyiv Art Institute. Worked on several state orders for the monumental decoration of public Ukrainian buildings. Lymarev is a bright representative of “non-official” art that in contrast to socialist realism prefered to set artistic, not ideological tasks. While in the mid-1970s Soviet artistic life became more liberal, the most common model of life of an “unofficial” artist was working at home with no hope for widespread recognition, organizing exhibitions only in apartments, clubs, and libraries. Intense colour and texture of Lymarev’s paintings, combined with simplicity and commonness of its subjects did not fit into the canons of socialist realism. The artist worked on each picture for many years, achieving an impressive freedom. Inspired with European post-impressionistic tradition, Lymarev went beyond its limits not only because of his bright personality, but also because of the adoption of the cosmic dimension of images from the “forgotten” avant-garde.
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Regenbogen | 1980 | Öl auf Leinwand | 110х126 cm The rainbow | 1980 | Oil on canvas | 110х126 cm
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Pappel | 1978 | Öl auf Leinwand | 100х115 cm The poplar | 1978 | Oil on canvas | 100х115 cm
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Frühnebelwiese | 1983 – 1985 | Öl auf Leinwand | 80х99 cm Gauzy meadow | 1983 – 1985 | Oil on canvas | 80х99 cm
Laubhütte | 1982 – 1985 | Öl auf Leinwand | 120,5х150,5 cm Kuren | 1982 – 1985 | Oil on canvas | 120,5х150,5 cm
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Hlibivka | 1980 – 1984 | Öl auf Leinwand | 104х114 cm Glibivka | 1980 – 1984 | Oil on canvas | 104х114 cm
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Schälen von Pflaumen | 1985 | Öl auf Leinwand | 113х105 cm Plum peelers | 1985 | Oil on canvas | 113х105 cm
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Portrait des Bildhauers Mykhailo Grytsiuk | 1982 | Öl auf Leinwand | 100х90 cm Portrait of the sculptor M.Grytsiuk | 1982 | Oil on canvas | 100х90 cm
Ausstellung “Realismus der Farbe”, 1-24.11.2013, Künstlerhaus (Wien) Werke aus der Sammlung des Nationalen Künstlermuseums der Ukraine in Kiew und Privatsammlungen
Exhibition “Realism of Colour” 1-24.11.2013, Künstlerhaus (Vienna) Works from the collection of the National Art Museum of Ukraine in Kyiv and private collections.
Organisator Gallery Р-12 Projektleiterin Liliya Fatkhulina Ausstellungsberaterin Oksana Barshynova
Organizer Gallery P-12 Head of the project: Liliya Fatkhulina Curator: Oksana Barshynova
Katalog: Anordnung Oksana Barshynova Design Iryna Smechnova Übersetzung Nataliia Klochanina, Svitlana Tsurkan, “Fresh Translations“ Fotoaufnahme Ihor Tyshenko, Mychailo Andrieiev
Catalogue: Compiling: Oksana Barshynova Design: Iryna Smekhnova Translation: Nataliia Klochanina, Svitlana Tsurkan, “Fresh Translations” Photography: Ihor Tyshenko, Mykhailo Andrieiev