Isabel Galaz
Historia del
arte
©2020 LCI MONTERREY Hidalgo 380 Pte. Monterrey, México, 6400 www.lci.com.mx Primera edición Historia del Arte Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, por cualquier medio, sin permiso expreso de los editores. Concepto y coordinación general: Juan Alberto Caraballo Gamboa Diseño: Lidanid Ballesteros Lozano & Daniela González Arellano
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El mundo está lleno de pequeñas alegrías: el arte consiste en saber distinguirlas. Li Tai-Po
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Contenido O6
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Introducción
Barroco
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Prehistoria
Rococó
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Mesopotamia
Precolombino
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Egipto
Neoclásico
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Grecia
Romanticisimo
Roma
Realismo
Bizantino
Impresionismo
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Románico
Postimpresionismo
Islámico
Vanguardias Siglo XX
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Gótico
Conclusión
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Renacimiento
Bibliografías
Manierismo
Infografías
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I ntroducciรณn O6
El arte está presente hoy en día. Este es otra manera de comunicarnos. Es poreso que los artistas plasman sus sentimientos y emociones en cada una de sus pinturas. Con el paso del tiempo se ha notado claramente la evolución del arte y cómo este se puede llegar a representar de muchas maneras. Acontinuación, conoceremos la historia del arte, como este ha evolucionado con el tiempo, etc. Historia del arte
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P P rehistoria O8
Arte Rupestre
piedras, cavernas, todo aquello que tenga superficie rocosa. Los primeros humanos pintaban en paredes de piedra animales, plantas hasta escenas o momentos de como vivían en su día a día. Estos dibujos son considerados como las manifestaciones o pensamientos más antiguos. Esto significa que los primeros pobladores de la historia utilizaban esto como su diario. En Europa a mediados del siglo XIX, se descubrió artículos prehistóricos hechos de piedra o huesos con dibujos de animales que fueron grabados en ellos dentro de cuevas. En 1879 fue el año en que se encontraron las primeras pinturas rupestre. En ese mismo año, un hombre llamado Marcelino Sanz y su hija María, descubrieron unos dibujos de bisontes grabados en el techo de la cueva. Este descubrimiento fue en Altamira, actualmente Santander España.
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El arte es otra manera de comunicarnos y expresarnos. Hoy en día usamos lápices de madera, plumones, pinceles, pintura en acrílico, acuarela, etc. Pero alguna vez te has preguntado ¿Como llegamos hasta esto? ¿Cómo es que existen estas alternativas para pintar o dibujar? ¿A quién le debemos de dar gracias por todo lo que tenemos para pintar hoy en día? Pues, respondiendo a todas estas preguntas, todo lo que conocemos como arte o pintura se lo debemos a los primeros pobladores o humanos de la historia, ya que ellos crearon lo que hasta hoy en día se conoce como “Arte Rupestre”. Si alguna vez has escuchado el término “arte rupestre” y no tienes muy claro lo que realmente significa ese término, pues respondiendo a tu pregunta: el arte rupestre son huellas o imágenes que ha dejado la humanidad, las cuales son grabadas o pintadas en
En 1880, cuando se presentó este descubrimiento en la sociedad científica, fue negado porque no hacía relación con la capacidad técnica ni mental que tenían los hombres prehistóricos. El panorama o vista del hallazgo cambió gracias a que se descubrieron más y más lugares que pertenecías a la prehistoria. Uno de ellos que se oponía a este descubrimiento fue Cartailhac de origen francés, quien terminó admitiendo el descubrimiento. Hasta hoy
en día, la sociedad científica no ha dejado de buscar más y más pinturas rupestres alrededor del mundo. Se dice que el descubrimiento de dichas pinturas había marcado un avance durante el estudio de la edad prehistórica, pero realmente esas pinturas ya eran conocida desde hace muchos siglos atrás. ¿Alguna vez te has preguntado que es un petroglifo? Pues, un petroglifo, es una imagen grabada en rocas.
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¿Alguna vez te has preguntado qué es una pictografía? O ¿Te suena la palabra pictografía? Pues, la palabra pictografía viene del latín “pictum” de pintar y del griego “grapho” de trazar. Las pictografías son gráficos o imágenes grabadas en piedra hechas a base de pigmentos, a éstos también se le conoce como arte rupestre.
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La belleza comienza cuando decides ser tú misma. - Coco Chanel
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La palabra petroglifo viene del griego “petros” de piedra y “gripherin” de grabar. También se le conoce como grabado o arte rupestre. Algunos de estos petroglifos se obtenían cuando el hombre picaba continuamente la roca hasta que aparecía un figura grabada en ésta. Otros petroglifos se obtenían cuando el hombre prehistórico rallaba con el filo de una roca con mucha fuerza la roca hasta obtener una figura grabada. Los petroglifos se pueden distinguir a simple vista. Éstos son grabados con puntos muy pequeños que si se visualizan dede una gran distancia, éstos no se distinguen hasta que te acercas. Éstos hoyos se distinguen por espirales (circular o cuadrada), hileras de puntos o rostros triangulares, cuadrados o circulares. ¿Alguna vez te has preguntado qué es una pictografía? O ¿Te suena la palabra pictografía? Pues, la palabra pictografía viene del latín “pictum” de pintar y del griego “grapho” de trazar. Las pictografías son gráficos o imágenes grabadas en piedra hechas a base de pigmentos, a éstos también se le conoce como arte rupestre.
Los pigmentos para realizar las pictografías se obtenían de minerales (óxidos, hierro, magnesio, cinabrio, carbón, etc.), animales (sangre, huesos, huevos, etc.) o vegetales (grasas, colorantes, etc,). Los pigmentos se utilizaban con las manos u otros instrumentos que representaran pinceles. Muchas de las pictografías se realizaban con pinceles o hisopees. Hoy otro tipo de pintura que se llama negativa y se realiza soplando con la boca los pigmentos en polvo y con esto queda una imagen plasmada en la roca.
Hoy en día se ha conservado más y más la pintura rupestre, ya que los pigmentos con los que se ha realizado éste son muy delicados. El arte rupestre se puede encontrar en Europa, África, Oceanía, Asia y América. ¿Te has preguntado que es el arte levantino? Pues el arte levantino tiene antigüedad desde
(Rupestreweb, s.f.)
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hace 8,000 a.C. éste arte se puede encontrar al aire libre. En este arte se pueden representar escenas de la vida cotidiana de aquella época, ya sea caza, trabajo agrícola, domesticación de animales, etc. Hasta el momento, no se sabe precisamente cuándo se creó el arte rupestre. En muchas partes del mundo se han esforzado por conocer o saber en que
momento preciso de la historia se creó el arte rupestre o prehistórico. Tampoco se sabe con precisión que lo realizaba, solo se sabe que eran realizados por os primeros grupos de la humanidad.
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DespuĂŠs de saber todo acerca del arte rupestre, ahora ya sabemos a quiĂŠn le debemos de dar gracias por tener el acceso a la pintura, ahora sabemos que hay detrĂĄs de lo que hoy conocemos como arte. Por eso siempre que viajemos, tratemos de visitar lugares que hayan pertenecido a la prehistoria.
(Rupestreweb, s.f.)
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JARDINES COLGANTES DE BABILONIA Todos alguna ves hemos tenido jardines en nuestra casa, lo hemos arreglado muy bonito, colocando flores y plantas de todo tipo, decoración para exterior, etc. Pero, ¿alguna vez has oído la palabra “jardín colgante”?, te has preguntado ¿Qué es?, ¿Cómo es posible que haya jardines que cuelgan? Pues sí, respondiendo a las múltiples preguntas, sí, existen o existieron jardines colgantes, estos eran originarios de la gran ciudad de Babilonia. Los jardines colgantes eran considerados como una de las maravillas del mundo en el siglo IV a.C. En ese entonces, Babilonia y todo el pueblo que la rodeaba ya eran ruinas. Hoy en día existen dos teorías acerca de los jardines colgante: • Primera Teoría: Se dice que Nabucodonosor II fue quien construyó los jardines colgantes, esto fue como un regalo que le hizo a su esposa en el
siglo VI a.C. • Segunda Teoría: Se dice que esta maravilla del mundo se le atribuye a Semiramis (asiria) en el siglo IX a.C. Los jardines colgantes eran terrazas que tenían escalones, estaban hechos de piedra, donde se colocaba tierra para plantar árboles, flores, plantas, etc. Su base medía más de 100 metros de largo y de ancho. Con el paso de tiempo, estos jardines iban creciendo más y más hasta llegar a medir 90 metros de alto. Estos jardines también contenían árboles, los cuales podían admirarse desde el otro lado de la ciudad. Para llevar agua a los jardines colgantes, se usaban una máquina como la noria hidráulica y esto ayudaba a que el agua subiera hasta los jardines. Los canales que llegaban del río Éufrates eran exclusivamente para los ríos y estos corrían día y noche sin parar. Hoy en día, los arqueólogos que trabajan en esa zona, encontraron un
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Todavía te quedan dudas de los jardines colgantes? ¿Hay controversia sobre esto? ¿Te preguntas si en verdad existieron estos jardines de los que tanto se habla? Bueno, hoy en día ya no queda ningún rastro de esta herencia prehistórica, se dice que hay pruebas en el río Éufrates pero todavía no se puede ir al fondo de manera segura.
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pozo donde estaba el agua que llegaba hasta los jardines. Este hallazgo fue en la ruinas del Palacio del Sur. Hoy en día, faltan muchas pruebas de que en verdad hayan existido estos jardines de los que tanto se habla. Unos dicen que estos jardines son leyendas. Los jardines colgantes desaparecieron con el tiempo ya que hubo un incendio gracias a Evemero al tratar de conquistar Babilonia en el año 125 a.C. Todo este conflicto causó que la gran ciudad de Babilonia quedara en ruinas justo antes de que llegara Alejandro Magno.
(Morales, 2019)
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(Morales, 2019)
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Se dice que Nebucodonosor mandó a construir estos jardines para hacer de Babilonia una ciudad muy poderosa y avanzada económica y socialmente en la época antigua. Los jardines colgantes son un claro ejemplo de una bioconstrucción o construcción ecológica. Ahora que ya sabemos sobre los jardines colgantes, podemos ver como era increíble lo que se hacía en aquella época y eso que en esa época toda
vía no existían las herramientas que usamos hoy en día para la construcción. Los babilonios nos dejaron un gran legado del que tenemos que estar agradecidos, ya que gracias a él existen los jardines.
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(Morales, 2019)
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EL ROL DE LA MUJER EN EL ANTIGUO EGIPTO tiempo. En aquella época, la mujer también podía poseer bienes, establecer un negocio propio y trabajar más allá que el labor doméstico. Tanto las niñas como los niños, estudiaban en la Casa Jeneret, un instituto que estaba al lado del palacio. Ahí las mujeres tocan el arpa, el laúd o la flauta y también bailaban. Para los egipcios, los instrumentos eran herramientas que se usaban para calmar a las divinidades. En el área laboral, las mujeres tenían muchas posibilidades, podían ser sacerdotisas o adoratrices, mano del Dios o esposas del Dios, estaban al servicio de los Dioses Amón y Hathor. Esta labor no les impedía casarse o tener hijos. Otros roles laborales que podía tener la mujer es que podían ser escribas, plañideras (acompañaban al cortejo fúnebre con bailes), campesinas, comadronas, tejedoras o artistas.
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Hoy en día, la mujer y el hombre, ambos hacen las mismas actividades, mantienen a la familia. Desde hace muchos años se ha luchado para que la mujer tenga los mismos derechos que el hombre, para que sea tomada en cuenta. Esto es a principio de 1900, pero te has preguntado, ¿Cuál era el rol de la mujer en el antiguo Egipto? En las antiguas sociedades, el rol de la mujer no era el mismo que conocemos hoy en día, ya que en cada civilización era diferente de acuerdo a la religión, costumbres y cultura de la civilización. En el antiguo Egipto, no era considerada inferior al hombre, sino que era considerada su compañera, su apoyo. Así como lo es hoy en día, en aquella época, la mujer y el hombre eran iguales frente a la ley, no había diferencia alguna. Más adelante cuando llegaron otros pobladores a estas tierras, el rol de la mujer, fue desapareciendo con el
Con esto podemos ver un pedacito del rol de la mujer en aquella época. Todos sabemos como es el matrimonio en nuestros días, pero, te has preguntado ¿Cómo era el matrimonio Egipcio? Al igual que hoy en día, las mujeres egipcias podían decidir con quién casarse, no había quien decidiera por ellas, nadie era dueño de ellas. Al momento de decidir casarse, las mujeres pedían la aprobación de la familia, esto era un
símbolo de necesidad social. El matrimonio en aquella época no tenía alguna función religiosa ya que era una manera de convivir y separar los bienes con alguien. Después del casamiento, la mujer se convertía en Nebt Het (ama de casa), esto significa que ella era quien administra el patrimonio. En cuanto al divorcio, este era totalmente legal y tanto hombres como mujeres podían solicitarlo. Las causas del divorcio podían ser adulterio, fertilidad hasta fealdad.
(Play, 2019)
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Durante el transcurso del tiempo, podemos ver cómo ha evolucionado el rol de la mujer ya que es muy importante porque con él se logra un equilibro en los derechos tanto del hombre como la mujer. Debemos de darle gracias a todas esas mujeres que lucharon para que se nos dieran los mismo derechos que al hombre, para que pudiéramos votar, trabajar y tener la misma libertad que los hombres.
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En el ámbito de la religión y el gobierno, la mujer como figura de poder, estaba más presente. Debido a que la religión egipcia es politeísta, la presencia de las diosas era totalmente normal y se relacionaba tanto con la fertilidad como la vida. Algunos ejemplos de esto son: Ma - at - diosa de la verdad, Hathor - diosa del hogar, danza y arte musical, Bastet - protectora del hogar e Isis diosa de la maternidad y el nacimiento. Esto es en el ámbito de la religión. Por el ámbito del gobierno tenemos como ejemplo a Hatshepsut, Cleopatra VII y Nefertiti. Con esto podemos ver lo importante que es el rol de la mujer en la sociedad del antiguo Egipto.
(Play, 2019)
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CERÁMICA GRIEGA
Las cerámicas pintadas eran usadas para narrar historias, por ejemplo: acontecimientos míticos, para ello se utilizaba un método muy difícil que hacía referencia a los dioses. Éstas, mostraban cómo era la cultura y la tradición de aquella época, eran un medio para conocer la historia de la antigua Grecia. Un ejemplo muy claro de la cerámica son las vasijas. Las vasijas se caracterizan mucho por su forma y por su decoración. Las formas de la vasija eran diseñadas de diferente forma y con mucha precisión, a las cuales se les colocaban figuras que son muy frágiles, esto se hacía gracias al uso del metal. Cada figura dependía del uso que se le diera y se le daba un nombre de acuerdo a ello. La pintura que se realizaba en las vasijas estaba directamente relacionada con la cultura griega contemporánea.
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En todo hogar hay una o más vasijas de vidrio o de otro material. Pero, te has preguntado, ¿De dónde viene lo que conocemos como vasija? La vasija como la conocemos hoy en día viene de la antigua Grecia, este arte pertenece al periodo neolítico. En la antigua Grecia, la cerámica también era considerada como arte. Este arte se usaba cuando se hacían monumentos funerarios y también se usaba como premio a los campeones de los juegos olímpicos. Por un lado, la cerámica que no era decorada, se utilizaba para la cocina y usos del hogar. Por otro lado, la cerámica que si estaba decorada se utilizaba en lugares especiales como Corinto y Atenas. La cerámica que se utilizaba en ambos lugares, estaban hechas de arcilla roja y amarilla, ambas eran finas.
Las primeras vasijas que se realizaron tenían evidencia de influencia egipcia, las cuales se realizaron en el periodo minoico. Llegó un punto en el que los egipcios llegaron a adquirir los vasos de Creta para colocarlos en sus tumbas. Entre los años 2500 y 400 a.L.C. se realizaron vasos áticos. En aquella época, cerca de Atenas, había un lugar llamado Kerámicus (de aquí viene la palabra cerámica), dicho nombre del lugar es gracias al
dios Keramo. En este lugar, los artesanos creaban obras como lecitos o frascos para el aceite, ánforas de dos asas para vino o miel, nenoco o jarro de vino, cilix o copa, hydria o jarra de agua, y crátera o vaso para crear mezclas. Los artesanos firmaban estas obras y las compartían. Etapas de la cerámica griega:
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(Decorar Con Arte, 2019)
Minoica: Se establece en el periodo neolítico a principios del segundo milenio a.C. Las vasijas de esta etapa tienen motivos marinos y floral. Micénica: Se establece alrededor 1600 a.C. tiene influencia de la minoica ya que también motivos marino
y vegetal. Estilo Protogeométrico: En esta etapa hay un descanso cultural ya que en las vasijas la decoración era más simple.
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Estilo Geométrico: Se establece entre los siglos IX y VIII a.C. Este periodo rompe con la tradición minoica y micénica. En él, las figuras son triángulos, meandros, entre otros. Estilo Orientalizante: Se establece en el siglo VIII a.C.. Este estilo muestra que tiene contacto con Oriente. Esta ciudad se convierte en el mayor exportador de cerámica a Grecia. En este estilo entran nuevos motivos: esfinges, grifos, leones, lotos o palmetas.
Estilo Figuras Negras: Se desarrolla entre 570 y 525 .C.. Este estilo en Atenas alcanza el punto de mayor perfección. Este estilo tiene como influencia a corinto. El motivo de este estilo son los animales. Estilo Figuras Rojas: Se desarrolla en 530 a.C. Los dibujos de este estilo se realizaban con arcilla roja. Los motivos de este estilo son figuras humanas.
(Decorar Con Arte, 2019)
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(Decorar Con Arte, 2019)
Con esto, podemos ver lo increíble que es que en algo tan simple se puede contar una historia y que estas obras griega siguen siendo más y más famosas con el paso del tiempo. La historia de los antiguos pueblos se debería repasar para así darnos cuenta que
gracias a todo lo que pasó en esas épocas estamos aquí.
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COLISEO ROMANO
“Coloso de Nerón”. Este anfiteatro fue parte de las construcciones que se hicieron en todo el imperio romano, fue el más grande de ellas y el más grande que se haya construido en la antigüedad. Este edificio era tan grande que medía 48 metros de altura, 188 metros de largo y 156 metros de ancho. Fue construido usando bloques de travertino, madera, ladrillo, piedra, hormigón, estuco y mármol. Era tan grande que tenía capacidad de 50,000 hasta 65,000 personas, con 80 filas. Solo las personas que tenían poder estaban sentadas en primera fila. Mientras iban subiendo los asientos se colocaba la sociedad. Las personas podían entrar y salir fácilmente ya que el recinto tenía pasadizos y salidas rápidas. Su construcción fue de 70 D.C durante el régimen Vespasiano hasta 80 D.C. durante el régimen del emperador Tito.
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Todos alguna vez hemos visitado algún anfiteatro, hemos disfrutado diferentes eventos en él. Todos hemos oído hablar del famoso Coliseo Romano. Pero, ¿Qué es lo que fue el Coliseo Romano? El coliseo romano, también llamado “Anfiteatro Flavio”, fue un anfiteatro que fue construido bajo la orden del emperador Vespasiano en el siglo I, para honrar a su imperio. Éste gran edificio fue inaugurado por su hijo Tito en 80 a.C. En el coliseo romano hubo muchos eventos durante 100 días, en los cuales muchos gladiadores y leones perdieron la vida. El nombre “Anfiteatro Flavio” se debe a la dinastía Flavia, quienes fueron los que mandaron a construir. Años más tarde se le cambió el nombre y lo llamaron “Colosseum” ya que durante el régimen del emperador Nerón, se construyó una estatua a lado del coliseo en su honor a la que llamaron
Cuando comenzó la caída del imperio romano, el coliseo dejó de usarse para espectáculos y se utilizó como refugio o fortaleza y luego más tarde se usó para extraer material para realizar nuevas construcciones en la ciudad. En el siglo XVII fue nombrado como santuario por el Papa XIV, porque se creía que ahí murieron muchas personas cristianas y esto evitó la extracción de material.
En el siglo XIX, se comenzó el trabajo de restauración del coliseo. El coliseo estuvo activo durante 500 años, en él hubo muchísimos eventos, por ejemplo: pelea de gladiadores, naumaquias, caza de animales, ejecuciones, representaciones de antiguas guerras y obras de teatro acerca de mitología. Para Roma, el coliseo es un ícono que representa su pueblo y uno de los edificios más conservados de la época antigua.
(Castillo, 2020)
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(Castillo, 2020)
Hoy en la actualidad, el coliseo es uno de los principales atractivos en Roma. En 1980 la UNESCO lo declaró como una de las siete maravillas del mundo moderno.
Es impresionante cómo los edificios de aquella época se construían cuando no había tanta tecnología como la de hoy en día. Esto es una demostración de cómo hemos evolucionado con el paso del tiempo, cómo el hombre va innovando más y más.
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MOSAICO BIZANTINO
muy pequeñas, que al verlas de lejos se podía ver un rostro humano muy claro. Ésta técnica viene se Mesopotamia y luego se extendió hasta Grecia, donde se desarrolló un poco más en 200 a.C. Gracias a este desarrollo, se implementó mármol, caliza, teselas o pedazos de mármol de colores, barro cocido hasta oro. Al hacer esto se lograba crear una vista muy clara y colorida del mosaico. Cuando se realizaba este arte, las teselas adoptaban la forma de la figura que se quería realizar. Lo que caracteriza a este arte es que tiene un sentimiento religioso y totalmente espiritual que hacer ver que no es necesario materializar las cosas sino que darle un contexto irreal. La base del mosaico se basa en cuatro etapas:
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Cuando nos preguntan, ¿Para tí, qué es arte?, inmediatamente decimos que la pintura, el baile, etc. Pero, ¿Sabías que el mosaico también es arte? El mosaico también es arte y viene de la época bizantina. A este arte también se le conoce como “Arte Cristiano Bizantino”. El mosaico es una de las representaciones más famosas del arte bizantino y de la época bizantina. Este arte también es un seguimiento del mosaico paleocristiano. En la época bizantina, este arte se utilizaba para decorar las paredes en lugar de decorar el suelo como lo hacían en el imperio romano. Este arte fue una de las mejores representaciones de las prácticas helénicas heredadas por Grecia. También fue una manera de para transmitir el mensaje religioso de esa sociedad y también fue una manera de expandir el imperio bizantino. Para realizar este arte, se utilizaban la técnica de realizar retratos con piedras
Capa Statumen: Se realizaba con pedazos grandes de ladrillo o cerámica Capa Rudus: Se realizaba mezclando escombros y cal. Capa Nucleus: Se obtenía mezclando cal y pedazos pequeños de ladrillo. Capa donde se colocaba el mosaico: Se obtenía mezclando cal molida y polvo de ladrillo.
En la superficie húmeda, el artista hacía líneas rectas para marcar dónde iban colocados los pedazos. Para hacer esto, utilizaba cuerdas, clavos y compás. Para hacer la tésera, el artista usaba un martillo y cuchilla para cortar un pedazo muy pequeño de material. Cuando el artista terminaba, el resultado era impresionante, porque se podía ver la figura desde lejos de una manera muy clara. Con colores brillosos que lo hacían resaltar.
(Gómez, s.f.)
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(Gómez, s.f.)
Con esto nos damos cuenta lo increíble que puede ser una obra juntando piezas tan chiquitas como piedras, que al verlo de cerca no se ve clara la figura, pero si se aleja es impresionante lo que los ojos ven. Hasta hoy no acaba de impresionarme todo el arte
de aquella época. Es increíble cómo con las herramientas tan simples que había, hagan tan increíbles obras que hasta hoy en día son famosas y las tenemos presentes.
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Arquitectura Románica
los arquitectos confiaban más en la capacidad de los muros y bóvedas que en el equilibrio como se creía anteriormente. En la arquitectura románica, se puede ver que en los monumentos ya no se usan decorativos y que en ella se puede ver un desprendimiento del método de utilizar una proporción como la anterior. Al llegar el estilo románico, hay una ruptura del presente y el pasado, dando paso a nuevas técnicas de construcción. De alguna manera u otra este tipo de arte tiene una gran influencia del arte romano, bizantino e islámico. Una característica que hace única a la arquitectura románica son las catedrales, monasterios y castillos. Algunas de las características de la arquitectura románica, a pesar de la que se mencionó son:
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Todo estilo de arte, es fundamentada con la religión. La religión utiliza el arte para representar a Dios y a los santos. Hay muchos temas dentro del arte románico, pero se hablará específicamente de la arquitectura románica. Antes de conocer más sobre la arquitectura románica, se debe tener claro de la palabra románico. El término románico viene del latín “romances”. La arquitectura románica, al igual que las demás artes, es vinculada con la religión cristiana medieval. Durante la época del románico, se creó un templo que tenía una bóveda, la cual estaba muy lejos de ser basílica. Este templo estuvo en evolución desde el periodo gótico hasta el periodo renacentista. Partiendo de este edificio, se creó uno nuevo, el cual fue el monasterio. Este edificio se creó para satisfacer las necesidades monacales. En aquella época,
• Los edificios son austeros, sencillos y sólidos: Con esto se refiere a que los edificios de este tipo de estilo, son sencillos, es decir, no están tan cargados de elementos como los góticos y los anteriores estilos. • La planta de los edificios tiene forma de cruz latina, esta es conformada por muchas naves, gracias a esto es más grande que las plantas laterales.
• Las bóvedas de cañón se usan continuamente este estilo. Estas se conforman por arcos de medio punto. • La decoración de este estilo se basa principalmente de los pilares, esto hace que los edificios sean altos. Los elementos que conforman la arquitectura románica son:
(Masdearte, s.f.)
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• Arcos de medio punto: Como anteriormente se mencionó, estos se usan para mantener el techo de los edificios equilibrado. • Paredes gruesas: Para realizar los edificios románicos, se usan paredes que sean gruesas y así reemplazar
contrafuertes. • Arcadas: Estas se conforman por arcos de medio punto y se mantienen firmes ya sea por pilares o columnas, dependiendo del tamaño.
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(Masdearte, s.f.)
• Techos: Los techos de estos edificios primero se construían a base de madera y conforme iba evolucionando el tiempo, se hicieron de piedra. • Torres: Estas son principalmente características de las iglesias góticas. Estas fueron adoptadas por el estilo románico. • Planta: Esta, como anteriormente se mencionó, tiene forma de cruz latina conformadas por naves las cuales se podían cruzar a través de una
nave mayor llamada crucero. Algunos de los edificios que pertenecen a este estilo son: • La Catedral de Santiago de Compostela • Las Murallas de Ávila • La iglesia de Santo Domingo de Silos • La iglesia de la abadía de Cluny
(Masdearte, s.f.)
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Mezquitas Islámicas
El oratorio (haram): Es un espacio donde se unen los creyentes para rezar. Este espacio esta unido a un patio que se llama “riuaq”. Toda mezquita tiene un estanque con puede contar con o sin fuentes para que los creyentes hicieran rituales previos al rezo. Dicho estanque es grande para que pueda ser usado por muchas personas. Este está en el centro del patio. Alminar: Es una torre ya sea cuadrada o circular, ubicada al norte del patio. En ella se encuentra el “muezzin”, quien es el que llama a oración (adhan), esto se realiza cinco veces al día. Todo creyente musulmán debe tener un muro que esté ubicado hacia la meca (Qibia). En el centro de la mezquita, se encuentra un nicho (mihrab). Dentro de él se encuentra la decoración más valiosa. El mihrab no representa un lugar sagrado, sino que es para indicar la dirección del rezo que este sí es sagrado
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Cada una de las religiones tiene su templo donde los creyentes acuden a adorar a sus dioses. Cada una tiene su manera de rezar, sus oraciones etc. Lo único que las une son que todas las religiones parten de una base. En este caso, se enfocará en las mezquitas, las cuales son templos de la religión Islámica. Antes de saber que es una mezquita, se debe de tener claro el significado de la palabra mezquita. Mezquita viene del árabe “Masyid” que significa lugar para arrodillarse. Ya que se sabe esto, ahora sí se puede hablar de su función. La mezquita no solo es un lugar para rezar, sino que esta es un símbolo para la religión y civilización musulmana. Los elementos que conforman la mezquita son:
para la religión musulmana. Minbar: Se ubica a la derecha del mihrab. Este es un armazón de madera, al que se puede entrar a través de una escalera que llega a una plataforma con cubierta. El “imam” es quien dirige la oración a los creyentes. Este elemento se puede ver cada vez que se viste alguna mezquita. Macsura: Este es un lugar para proteger la vida del imam, quien, durante los comienzos del islam, él era el califa o líder. Esto lo ponía en
riesgo de muerte. La macsura es una plataforma con vallas de madera de protección. Esta se fue desarrollando más y más con el paso de los años. La mezquita se puede identificar muy fácilmente por su dirección a La Meca, la cual es la ciudad sagrada para la religión musulmana. También se puede identificar por las galerías dentro del oratorio, sus arcadas tienen bases corridas.
(Orange Smile, s.f.)
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Ya que se sabe sobre la mezquita. Es importante cuales son las mezquitas más impresionantes y famosas del mundo. Entre las 5 más famosas están: Sheikh Zayed (Emiratos Árabes): Su nombre es en honor al presidente de dicha nación Zayed bin Sultan Al Nahyan. Esta mezquita se construyó durante once años y se abrió por primera vez en el año 2007. Dicha mezquita tiene un área de 5, 627 y una altura de
107 metros. Sultanahmet Camii (Turquía): Esta mezquita es conocida como “la mezquita azul”. Esta tiene seis minaretes más dos que son sobrantes. Esta es la mezquita principal de la ciudad de Estambul.
(Orange Smile, s.f.)
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(Orange Smile, s.f.)
Hassan II (Marruecos): Fue construida en 1933. Su minarete mide 210 metros de altura. Esta tiene un rayo láser que funciona como faro, el cual trabaja durante la noche. Esto no es muy común verlo en las mezquitas a las que se visita. Por esto, la mezquita se
construyó a la orilla del mar. Jumeirah (Emiratos Árabes): Se construyó en 1979, bajo la orden de Sheikh Rashid bin Saeed Al Maktoum. Aunque esta mezquita se haya construido hace tiempo, sigue siendo moderna y fresca, gracias a que se utilizó tecnología y materiales
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de gran calidad. El principal material que se usó para su construcción fue arenisca rosada. Mezquita (España): Su territorio es de 24,000 metros cuadrados. Esta se salvó durante la edad media. Su construcción duró de 785 hasta el siglo XI. Su riqueza se basa en su estilo arquitectónico único y en la decoración que hay en el interior. En conclusión, estas obras arquitectónicas tienen
mucho que enseñar sobre su historia. Con esto se puede observar la magnitud de estos edificios y la riqueza que hay en ellos. No se pierde nada en leer y tener un poco de cultura general.
(Orange Smile, s.f.)
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Vitral Gótico
permiten que entre la luz a través de ellos. Función didáctica: Los vitrales, además de tener como función dejar entrar la luz, también tienen función simbólica y didáctica. Estos vitrales, sirven para dar a conocer las enseñanzas de Cristo. Estos también se usaban para contar relatos bíblicos y plasmar santos. Atmósfera bíblica: Como anteriormente se dijo, los vitrales, tienen un valor o significado simbólico. En ellos hay un contraste que hace que las personas que visiten la iglesia o catedral, se den cuenta que están entrando a un mundo distinto. Con los vitrales son una manera para convertir la vida cotidiana en una experiencia dentro de la religión. Algunos de los vitrales más famosos son: Sainte – Chapelle: Esta capilla es conocida como “la joya de la época gótica”. Esta capilla tiene 15 vitrales, los cuales miden 15 metros de altura.
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Historia del arte
Toda iglesia que se visita está decorada con vitrales. Estos, al iluminarse con la luz del sol, se ven brillosos, con tonos muy vívidos. Antes de hablar sobre los vitrales, se debe tener claro el significado del término “vitral”. Dicho término viene del francés “vitrail” y llego a traducirse al castellano como su nombre lo dice “vitral”. Desde que comenzó la época gótica, los vitrales se han realizado con pequeños trozos de vidrios de diferentes colores. El origen de los vitrales es muy antiguo ya que, durante la época del imperio romano, ya se utilizaban para decorar el interior de los templos religiosos. Los vitrales no solo eran utilizados para decoración, sino que también se utilizaban para relatar historias de la religión. Gran tamaño: Los vitrales góticos, son mucho más grandes que los vitrales románicos. Estos, tienen pequeños pedazos de vidrio que
Cada uno de ellos, plasma un relato bíblico hechos con colores de diamantes y detalles que juntos los conformaban. Capilla del King’s College: Esta capilla ubicada en la universidad de Cambridge, se construyó desde el XV y XVI. Esta capilla es conocida por sus vitrales. En ellos se plasman relatos bíblicos y reales. La Sagrada Familia: Esta catedral ubicada en Barcelona, fue diseñada por Antoni Gaudí en el siglo XIX. Esta es una de las principales atracciones en Barcelona. Esta catedral es famosa también por sus vitrales.
Estos vitrales mostraban lo expresiva y lo grande que era la visión de Gaudí. Chapelle du Rosaire: Esta capilla ubicada en Vence, Francia, fue diseño de Henri Matisse. Su construcción se llevó a cabo de 1943 a 1949.
(Casa Sáastun, s.f.)
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Cuando la luz del sol entra por estos vitrales, en ellos se muestra una estética abstracta, la cual es característica de Matisse. En conclusión, con esto podemos ver los increíbles que pueden llegar a ser obras de arte como los vitrales. Es increíble cómo se ven los tonos del vitral al pegar la luz detrás de él.
Estas obras son las que debemos cuidar y conservar para que las siguientes generaciones puedan admirarlas y conocer un poco sobre la antigüedad.
(Carlo, s.f.)
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r
r enacimiento O53
La Piedad
cual se pagaría. Dicho precio fue de 450 ducados. Esta obra está hecha solamente de mármol, la cual es en escala natural. La escultura muestra a la Virgen María sosteniendo a su hijo Jesús después de ser bajado de la cruz, en ella se puede ver la mirada triste de la Virgen. El título de esta obra se fue desarrollando más y más durante la época de la edad media hasta llegar a como hoy la conocemos “La Piedad”. Esta obra se realizó con un solo bloque de mármol y en base a ello se fue creando la obra. Como anteriormente se mencionó, “La Piedad” está hecha en escala natural, la cual mide 195 centímetros de ancho y 174 centímetros de alto. Actualmente en nuestros días, en el área fotográfico, un fotógrafo llamado Jon Henry, realizó un proyecto fotográfico llamado “Strange Fruit”. El título se debe a la canción “Strange Fruit” de Billie Holiday.
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Historia del arte
Miguel Ángel es uno de los artistas renacentistas más famosos y reconocidos a nivel mundial. Él ha hecho increíbles obras, algunas son famosas que ha hecho réplicas de ellas. Muchas son exhibidas en muchos museos famosos. Todo aficionado al arte ha visto o conoce la famosa obra de Miguel Ángel “La Piedad”. Esta obra fue realizada por Miguel Ángel en 1499. Cuando el artista creó su obra tenía tan solo 24 años de edad. Actualmente, “La Piedad” se ubica en la capilla del crucifijo en la basílica de San Pedro en Roma. Esta obra se creó bajo el encargo del Cardenal Saint – Denis, Jean Bilhéres de Lagraula, quien tenía quiso colocarla como anteriormente se mencionó en la basílica de San Pedro. En 1498, se realizó un contrato en el que se indicaba el material que se usaría, el tema del que trataría, los plazos que llevaría y el precio por el
Dicha canción hace referencia a cuando durante la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos, los afroamericanos eran colgados a la vista de todos. Este proyecto fotográfico muestra lo que está ocurriendo hoy en día en Estados Unidos. En dicho proyecto aparecen mujeres afroamericanas sosteniendo a sus hijos asesinados por policías. Al mirar esta serie de fotografías, el fotógrafo nos hace vincular las imágenes con “La Piedad”, ya que en ambas se observa a una madre sostener a su hijo muerto.
Se observa la mirada triste en ellas. En conclusión, Miguel Ángel nos demuestra que para obtener un gran resultado como “La Piedad”, se debe trabajar arduamente para llegar a ello. Al relacionar la escultura de “La Piedad” y el proyecto fotográfico de Jon Henry, podemos darnos cuenta que “La Piedad” puede ser representada de muchas maneras. Con este texto, nos damos cuenta que el renacimiento fue una época en la que se crearon nuevas formas para llevar a cabo el arte, nuevas tecnologías, etc.
(Imaginario, s.f.)
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m manierismo O56
Las Cuatro Estaciones
Detrás de una gran colección, está un gran pintor. Dicha colección de la que se habla es “Las Cuatro Estaciones” del artista Giuseppe Arcimboldo. La carrera de Giuseppe comienza en Milán y termina ahí mismo. Al principio, Giuseppe trabajaba para Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II, quienes eran los herederos del imperio Romano Germánico. Una de las obras más famosas de Giuseppe, es la colección de “Las Cuatro Estaciones”. Esta colección consiste en retratos, estos no son como los clásicos. Estos tienen algo un aspecto que los hace únicos. Ese aspecto es que cada retrato esta hecho de acuerdo a una estación y las cuatro están hechas por muchos elementos. Estas obras están hechas en óleo sobre lienzo. Sus medidas son 76 cm x 64 cm, esto quiere decir que son inmensas.
Los elementos que conforman estas obras, son elementos que hacen diferente a cada una de ellas. • Primavera: En esta obra se observa el rostro de una mujer que está conformado por rosas como símbolo de belleza y juventud. Su cabello está conformado flores de diferentes colores y tamaños. Abajo en el pecho, se puede observar una flor de iris, la cual simboliza renacimiento de la tierra después de pasar por el invierno. Su torso está formado por verduras, estas simbolizan la abundancia. • Verano: En esta obra, aparece el rostro de un hombre. Dicho rostro, está conformado por frutas como duraznos, cerezas, ciruelas y peras. El pecho del hombre está conformado por ajos, pepinos, trigo y alcaucil. En este retrato específicamente, Giuseppe plasma su firma en el cuello y la fecha en que realizo la obra en la manga.
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• Otoño: En esta obra, hay un segundo rostro de hombre. Este está conformado por muchos tipos de hongo, vides, cebollas, calabazas y pimientos. • Invierno: En esta obra, a diferencia de las anteriores, muestra un rostro con inquietud. Este está conformado por troncos secos y raíces. El pelo está conformado por pequeñas hojas. Su cuello se conforma por limones y naranjas. Esta obra, fue encargada
por Maximiliano II, como anteriormente se mencionó, Giuseppe trabajaba para él. Esta obra fue entregada como obsequio a un electo de Sajonia. Dicha obra, manifiesta el régimen de la familia Habsburgo. Esto con el fin de advertir que esta dinastía duraría tanto como las estaciones del año.
(El 9 de Julio, 2015)
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(Wikipedia, s.f.)
Esta obra fue tan exitosa que llegó hasta la corte, ya que estaba en un periodo en el que solo se presentaban las ideas a través de un capricho. Gracias al éxito de esta, se realizaron múltiples copias de ella. Una de esas copias se encuentra en Bérgamo y otra se
encuentra en el museo de Louvre. Es increíble como con algo tan simple como las frutas, verduras, plantas etc. se pueden realizar obras como esta. Giuseppe fue un artista tomó riesgos, a pesar de la época en la que le tocó vivir.
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b b arroco O60
Colegio de Las Vizcaínas
establecer un lugar donde se pudiera dar refugio y educación a las mujeres que vivían en la calle. El trabajo de construcción estuvo a cargo del arquitecto Lorenzo Rodríguez. Las alumnas que acudían a esta academia eran exclusivamente españolas, solo a las mujeres mulatas, negras y metidas se les impedía el acceso. En el colegio, las clases que se impartían era escritura, música, bordado y clases para que las mujeres pudieran manejar la casa de una manera correcta. Ya que se sabe un poco de su historia, se hablará de su arquitectura. Este edificio esta ubicado donde se colocaba el mercado del barrio de San Juan. Su fachada tiene ventanas rectangulares en la planta de abajo, en la planta de arriba tiene ventanas de forma octagonal. Cuenta con tres accesos, dos laterales que son iguales, uno de ellos tiene un escudo, al mismo San Ignacio de Lozoya junto con dos ángeles y la
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Historia del arte
El barroco es un estilo que es muy característico, ya que este busca que haya dinámica y expresionismo en sus obras. Cuando se visita un edificio de dicho estilo, lo primero que llama la atención es la fachada, ya que en este estilo las fachadas son muy elaboradas y estas contienen columnas de estilos, ya sea griegas o romanas. Ya que se sabe un poco del estilo barroco y un poco acerca de la arquitectura, se hablará de un edificio de estilo barroco novohispano, dicho edificio es el Colegio de San Ignacio de Lozoya Vizcaínas, conocido también como el Colegio de Las Vizcaínas. Antes de hablar de su arquitectura, se debe conocer un poco de su historia. La construcción de este edificio inició en 1734 y terminó en 1752 y se abrió el 9 de septiembre de 1967. Este fue fundado por tres españoles de origen vasco en 1732, ya que los tres querían
virgen de Aránzazu. La puerta principal de este edificio tiene pintados dibujos orgánicos. En la parte de arriba de la puerta, en el nicho, están las figuras de San Ignacio de Lozoya al centro y a ambos lados están las figuras de San Luis de Gonzaga y San Estanislao Kostka. El colegio contiene 9 grandes patios cada uno para un uso diferente. El patio principal, tiene una fuente y esta se alimenta del Salto del Agua, este patio esta rodea por
arcos de medio punto. Otro de los patios, “el chocolatero”, también conocido como el patio de los azulejos, este también tiene una fuente, la cual es de color blanco y azul, a lado de ella, hay un árbol enrome llamado fresno que cubre con sombra gran parte del patio. Otro de los patios es el patio de los cedros, en este, solo queda un árbol de esta especie. Otro patio es el patio de los arcos.
(Misceláneo, 2017)
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Historia del Arte
(Misceláneo, 2017)
En este patio se encuentran los baños que se utilizaban en la época de la Nueva España, estos baños conectan ambos patios, el de los arcos y el principal. En conclusión, ya que se sabe sobre el colegio de las vizcaínas, se puede observar
la herencia que ha dejado la época de la Nueva España en México. Si alguna vez se visita la Ciudad de México, es recomendable visitar los edificios barrocos para admirar de cerca los detalles del barroco.
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R rococรณ O64
El Palacio Catalina
cuando la zarina Catalina le encargó al arquitecto Johan Friedrich, de origen alemán, que construyera un palacio al cual ella pudiera acudir para alejarse del movimiento que estaba ocurriendo en San Petersburgo. Treinta años después, cuando sube la emperatriz Isabel al poder, y ve el palacio, se da cuenta que el estilo de este, no se adaptaba la moda de aquella época, por lo que mandó a destruirlo y volverlo a construir por segunda ocasión. Esta segunda construcción estuvo a cargo del arquitecto Bartolomeo Rastrelli. Para realizar esta segunda construcción se gastó una fortuna, ya que en él había muchas esculturas, enormes jardines, fuentes, etc. Tiempo después, sube al poder la emperatriz Catalina II y al ver la segunda construcción, se dio cuenta que fue una ridiculez gastar tanto dinero en ello. Por lo que mandó a hacer una tercera construcción, la cual fue de un estilo más
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Historia del arte
El rococó es un estilo que nació en Francia. Este se caracteriza porque en él se utilizan colores claros, en él no se utilizan contrastes. Este estilo buscar ser agradable, exótico, refinado, etc. En la arquitectura rococó, el interior de los edificios rococó, están cargados con muchos elementos. A diferencia del exterior, la fachada es más sencilla, con menos elementos y está rodeada por jardines. Después de saber un poco sobre el estilo rococó, se hablará de un edificio muy característico del estilo rococó. Dicho edificio es el Palacio Catalina, también conocido como Tsarskoe, este nombre se traduce al español como “pueblo del tzar”. Este se ubica en la ciudad de Pushkin, ubicada a las afueras de San Petersburgo Rusia. Este edificio se utilizaba como casa de verano para los zares rusos. Este edificio tuvo varias construcciones, la primera fue en 1717
clásico y sencillo, este estilo fue neoclásico. Esta tercera construcción estuvo a cargo del arquitecto Charles Cameron. Durante la construcción de este edificio, se crearon habitaciones en honor a la emperatriz, llamadas “Habitaciones Ágatas”. Además de estas habitaciones se crearon otras llamas “Enfilada Dorada”. Estas, ademas de ser habitaciones eran cubículos. Una de estas habitaciones era el salón principal, este se construyó entre 1752 y
1756. En él se llevaban a cabo fiestas, ya que este medía mil metros cuadrados. Otras habitaciones que se crearon fueron dos comedores, el blanco y el de cortesanos. El comedor de cortesanos eran más elaborado que el comedor blanco, ya que este tenía esculturas impresionantes hechas a base de oro. Otra habitación que se creó fue la “Cámara Ámbar”.
(Fernández, 2015)
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Historia del Arte
(Fernández, 2015)
Esta habitación estaba compuesta por muchas placas de ámbar, las cuales medían 50 x 5 metros cuadrados. Otra habitación se creó fue el “Salón Dorado”, en ella se encontraba el trono. Esta habitación se utilizaba para llevar a cabo eventos importantes como bailes,
cenas, mascaradas, etc, ya que medía 1,000 metros cuadrados. A diferencias de las habitaciones anteriormente construidas, era del estilo barroco ruso.
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En conclusión, es increíble como tantas habitaciones de diferentes estilos pueden conformar un increíble edificio como el palacio de Catalina. La verdad es que vale mucho la pena visitarlo, por lo menos unas vez en la vida, ya que puede ser enriquecedor y puede contribuir a que se tenga un poco de cultura general.
(Fernández, 2015)
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p
p recolombino O69
Calendario Maya
muchos calendarios, los más conocidos son el “Haab” y el “Tzolk’in”. Otro calendario que crearon los mayas fue de la “Cuenta Larga”, el cual se utilizaba para saber cuando iban a ocurrir eventos mitológicos e históricos. El calendario de la Cuenta Larga, también conocido como “Rueda Calendárica”, esta compuesto por la mezcla de dos calendarios que anteriormente se mencionaron, el “Haab” y el “Tzolk’in”. Al juntar estos dos calendarios en uno mismo, se creó un periodo de tiempo de 52 años. En el calendario de la Cuenta Larga, el ciclo 13 de baktún, para nosotros dura 1,872,000 días, para los mayas dura 5,125,366 años tropicales. Esto quiere decir que es el ciclo más longevo en el calendario maya. Este ciclo tan largo, concluye el 21 de diciembre de 2012, este nuevo ciclo que comienza se le llama el “Solsticio de Invierno”.
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Historia del arte
Los calendarios son un herramienta muy útil, ya que estos permiten llevar una cuenta de los días y meses del año. Hoy en día, con la tecnología es más fácil saber la fecha en la que se está. Alguna vez te has preguntado cómo nuestros ancestros llevaban una cuenta de los días, como eran sus calendarios. Pues en este texto se hablará del calendario maya. Antes de hablar del calendario, se debe saber un poco de la cultura maya. Los mayas eran un civilización que fue experta en la astronomía, matemáticas, etc. Está, al igual que la cultura azteca, eran las culturas más fuertes que hubo en México. Los, mayas, debido a que tenían los conocimientos de astronomía, pudieron crear un calendario con el sistema más exacto de la humanidad. Este calendario, es el calendario maya. Los mayas tenían una afición por los ciclos del tiempo. Esta cultura creó
El periodo del Haab, dura 365 días, lo que dura un año, como actualmente lo conocemos. Este periodo, debido a que dura 365 días, este se acerca al sol. Para los mayas, el calendario del Haab contiene 19 meses, para los mayas, los llamaban “uinal”, 18 de ellos tenían 20 días y uno tenía 5 días, dicho uinal que contenía 5 días, se llamaba “Wayeb”. Hablando matemáticamente, si se realiza la operación 18 x 20, el resultado es 365, que es lo que conforma el calendario completo. Los mayas utilizaban jeroglíficos para representar los
meses en el calendario. Algunos de ellos, tenían un glifo, el cual se llamaba “variante”. Los mayas pintaban los variantes de color turquesa.
(Maya, s.f.)
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El calendario más sagrado para los mayas fue el Tzolk’in, ya que este tenía la lengua maya. Este calendario, a diferencia del Haab, que está compuesto por meses, está compuesto por glifos. Estos glifos tienen 20 días, los cuales se combinan con números del 1 al 13, al combinarlos, resultan 260 días. Hablando matemáticamente, si se realiza la operación 20 x 13, el resultado es 360, que es de lo que está compuesto el calendario Tzolk. Alguna de estas
combinaciones se puede repetir ya que han pasado los 260 días. El periodo del Tzolk’in va de la mano con los nueve ciclos de la luna y el periodo de gestación del ser humano.
(Maya, s.f.)
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Historia del Arte
(Maya, s.f.)
Este calendario, también hace conexión con el movimiento del sol y el periodo del crecimiento del maíz. Actualmente, cuando pasan los 260 días del calendario maya, la cultura Arj’ijab, de Guatemala, hace una ceremonia de año nuevo en la que realizan los
nuevos contadores del calendario. Esta ceremonia se llama “Waxjaquib’B’atz”.
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En conclusión, es increíble como los cálculos de los mas eran tan exactos. Después de saber un poco acerca del calendario maya, se puede notar la gran diferencia de que el calendario maya contiene 19 meses y el calendario que actualmente utilizamos contiene 12 meses y ambos tienen de diferencia 5 días. Con todo esto, podemos concluir que México es rico culturalmente.
(Maya, s.f.)
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N N EOCLÁSICO O75
Venus Victoriosa
mujer que posó para Canova fue Paulina Borghese, hermana de Napoleón Bonaparte. Esta obra se hizo bajo el encargo del príncipe Camilo Borghese en 1804, ya que él quería tener un retrato de su esposa. En esta obra, Canova mezcla lo real con lo mítico, ya que Paulina representa a la Diosa Venus. Canova hace esta mezcla porque está recreando el mito del juicio de París. En la obra se observa como la mujer está acostada, con una mano sosteniendo la cabeza y la otra mano la tiene en la pierna. La mujer aparece desnuda de la cintura para arriba. Su cabello está recogido en una coleta suelta. La obra se realizó con la técnica bulto redondo. En ella, se puede observar que hay movimiento. En la obra se pueden observar perfectamente los detalles del diván donde la mujer reposa. Por el gesto de ella, se puede notar que está tranquila, pero a la vez
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Historia del arte
El neoclasicismo, fue un movimiento que llegó a Europa durante el XVIII para romper la estética tan elaborada del barroco, el cual estaba presente en aquellos tiempos. Este movimiento nació en Paris, allí se podía ver este estilo en todos lados. Gracias a esto, Paris le quitó el lugar a Roma, como capital artística. Este estilo se caracteriza por que en él se siguen viendo elementos grecorromanos, como por ejemplo columnas, cúpulas, Frontones, etc. Ya que se sabe un poco de este estilo, se hablará de una escultura que pertenece al neoclásico. Dicha escultura es La Venus Victoriosa. Esta escultura se fue hecha entre 1805 y 1808 por Antonio Canova. La obra esta hecha totalmente de mármol. En la obra, se utilizó la técnica de la trapo mojado, ya que se pueden observar claramente las arrugas como si la ropa de la mujer estuviera mojada. Cabe destacar, que la
distraída. La luz fría, hace que brille el mármol y permite que se puedan ver los claroscuros de la obra. En conclusión, es increíble como en la escultura también se puede realizar detalles como las arrugas en la ropa, los gestos en los personajes, etc. Con esta obra, se puede notar que siguen estando presentes los aspectos grecorromanos. Es increíble todo lo que se puede aprender del arte, por más simple que sea.
(Fernández, La Guia, 2012)
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R
R OMANTICISMO O78
La Vendimia
y 1788. Cabe destacar que el tema de las cuatro estaciones es muy característico del Rococó. En la vendimia está plasmada una escena en la que un noble ofrece un racimo de uvas a una mujer y junto a ellos está un niño de espaldas al espectador, estirándose queriendo agarrar el racimo. Detrás de ellos está un vendedora de uvas. La mujer carga con una canasta de uvas en la cabeza. Se puede observar por el gesto de la mujer, que ella está esperando si agarran otro racimo. En el fondo de la pintura están los campesinos encargados de recoger los racimos. Uno de ellos, se distrae y mira hacia los tres personajes, el caballero, la vendedora y la mujer. Cabe destacar que las canastas que aparecen en la pintura, están realizados como bodegón, el cual es muy característico en la pintura española.
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Historia del arte
El romanticismo es un movimiento artístico que Nación en Alemania y Gran Bretaña. Esto ocurre, ya que los artistas ya no querían saber más del realismo, el cual estaba presente en esa época. El romanticismo es muy característico, ya que en las obras se puede ver que hay sentimientos hasta ciertos defectos plasmados en ellas. Al llegar el romanticismo, se puede ver que regresar el barroco, ya que en las obras hay drama y violencia. Ya que se sabe un poco de este estilo, se hablará de una obra que pertenece a este estilo, esta obra fue realizada por Goya. Esta obra es La Vendimia. Goya realizó una colección de trece pinturas llamada “Cartones” para que fueran puestas en el comedor de los príncipes de Asturias. El tema de esta colección es las cuatro estaciones. Una de estas trece pinturas es la Vendimia la cual representa el Otoño. Esta pintura se realizó entre 1786
La vendimia es una de las pinturas más completas de Goya, ya que en ella se plasma una escena popular y un mensaje simbólico. En la pintura se puede notar que las pinceladas de Goya son suaves y rápidas, que impiden ver los detalles, como por ejemplo el cuello de los personajes, las medias, los bordados, etc. El espectador, al ver esta pintura puede llegar a sentir calma, paz y alegría, ya que los colores, la iluminación y los
espacios, en conjunto generan un ambiente pacífico. La luz natural y suave en la pintura, permite que resalten la ropa de los personajes principales. Si se analizan bien los colores en el primer plano, en él están varios tonos de amarillos y otros colores tostados. Estos colores son muy característicos del otoño, es por eso que Goya escoger la vendimia para representar el otoño. Actualmente, la vendimia se encuentra en el Museo Nacional del Prado
(Postres Originales, 2018)
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en Madrid. En conclusión, es increíble como una obra puede evocar tantas emociones gracias a sus componentes. Con todo lo que se habló anteriormente, se puede observar cómo es que con el paso del tiempo las técnicas de la pintura van cambiando, pero en ellas hay
herencias de los estilos anteriores. Esto es una evidencia de que Goya es un gran artista que ha logrado sacar emociones del espectador.
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Historia del Arte
(Postres Originales, 2018)
R REALISMO O82
El Viejo Músico A su derecha se observa a una niña cargando al bebé. Y a lado suyo hay otros dos niños pequeños. Detrás de ellos se observa a un hombre de sombrero, quien es Colardet. Él es un recolector de trapos. A su derecha se observa a un hombre con turbante y barba blanca, el cual es un judío. Los gestos y la ropa de los personajes están inspirados de las obras de Diego Velazquez. En la pintura se puede observar que la luz cálida permite al espectador ver más claro ls detalles en la ropa de los personajes. Para esta obra, Manet utilizó tonos de grises, amarillos, café, algunos tonos de azul y un poco de rojo, un poco de verde, etc. Esta pintura, al vela, evoca tranquilidad, serenidad, ya que en ella hay un ambiente pacífico. En conclusión, es increíble como una obra puede evocar tantas emociones solo por los colores que se utilizan en ella y por el ambiente que hay.
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Historia del arte
El realismo es un estilo artístico que nació en Francia a la mitad del siglo XIX. Este estilo tenía el objetivo de plasmar las cosas sin que estás fueran tan pensadas. El realismo nace como una respuesta a la pintura romántica. En este estilo, las obras denuncian los problemas que habían en esa época. Es por eso que se le llama realismo. Ya que se sabe un poco sobre este estilo, se hablará sobre una obra que pertenece a este estilo, dicha obra es El Viejo Músico. Esta obra se realizó en 1862, por el artista Édouard Manet. En ella aparecen personajes que fueron excluidos por la sociedad. Uno de ellos es un señor judío, junto con un niño y una niña. La obra plasma lo que veía Manet mientras paseaba por las calles y barrios de Polonia. En ella aparecen seis personajes reales. Uno de ellos es un bebé. El hombre que toca el violín, es Jean Lagrène, artista de música gitana.
(Painting Planet, s.f.)
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i mpresionismo O85
El Estanque de Ninfeas
Hablando un poco del nombre del cuadro, se llama así porque en el estanque había todo tipo de plantas acuáticas. Los colores que abarcan casi todo el lienzo son los tonos de verde. Para plasmar las texturas del lugar, Monet utilizó una espátula. Con esta obra, Monet logra mostrar como va cambiando la luz con el paso de las horas del día, esto utilizado las iluminaciones. Al ver la obra, el espectador puede sentir paz, armonía, tranquilidad. La obra en sí le da una idea al espectador de como es el ambiente en el estanque, fresco, debido a las plantas y árboles en él. En la obra se puede observar un puente arqueado que atraviesa el estanque. Para esto, Monet se inspiró en un puente Japonés. Monet también hizo un cuadro con este nombre.
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Historia del arte
El impresionismo es un movimiento artístico que nació en Francia en el Siglo XIX. Este estilo es muy característico, ya que este utiliza la luz para balancear la obra. También es característico porque en él se utiliza cierta distancia para que se vean las sombras pero sobretodo las figuras. Ya que se sabe un poco de este estilo, se hablará de una pintura que pertenece a este estilo. Dicha obra es El Estanque de Ninfeas. El estanque de ninfeas, es una serie de pinturas que hizo Monet. Para realizar esta obra, Monet se basó en el jardín Giverny, ya que ahí fue donde vivió junto a su familia. En ese jardín se colocó un estanque con todo tipo de plantas y fue gracias a este que Monet pudo hacer su obra. De acuerdo a lo anterior, Monet hizo muchos cuadros a cerca de este jardín, es por eso que el Estanque de Ninfeas es uno de esos cuadros.
En conclusión, es increíble como el artista puede acordarse de tantos detalles de un mismo lugar, para luego plasmarlos en el lienzo. Muchas de las obras en el ámbito del arte, no fueron famosas hasta después de la muerte del artista, cuando alguien las descubrió y las hizo famosas.
(Estanque, 2020)
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p ostimpresionismo O88
Los Girasoles de Arlés
y comenzó a trabajar ahí. Decidió mudarse a París, con su hermano, ya que su trabajo no tuvo éxito en su país natal. Con el tiempo, Van Gogh de alguna manera encontró alivio en los girasoles y es ahí donde comienza su amor por ellos. En 1888, Van Gogh ya no se sentía cómodo en París, por lo que se mudó a un pueblo llamado Arlés, situado al sur de Francia. Ahí, Van Gogh vuelve a tomar los girasoles como inspiración y vuelve a plasmarlos de una manera diferente en el lienzo. Es con esto donde comienza la colección de “Los Girasoles de Arlés”, la cual está compuesta puesta por cinco pinturas, en las que Van Gogh estudia los girasoles en jarrones. A diferencia de la colección de “Los Girasoles de París”, la paleta en la colección de “Los Girasoles de Arlés”, es mas viva. En ella se utilizan los colores típicos de un girasol, amarillo, naranja, café, verde. Los colores que predominan
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Historia del arte
El postimpresionismo fue un movimiento artístico que nació en 1890. Este es muy característico, ya que los artistas de este movimiento, buscan transmitir sentimientos al espectador a través de sus obras. Otras de las características de este movimiento es que en las obras, los temas son simbólicos, los colores que se utilizan en ellas no son naturales. Ya que se sabe un poco de este estilo, se hablará de una pintura que pertenece a él. Dicha pintura son Los Girasoles. Los Girasoles es una obra que realizó el artista Vincent Van Gogh. El artista hizo dos colecciones de esta flor, una es “Los Girasoles de París” y la otra es “Los Girasoles de Arlés” de la cual se hablará. En esta obra, se puede notar que Van Gogh amaba los girasoles. Hablando un poco sobre la vida de este artista y de como comenzó a pintar girasoles, Van Gogh vivía en los países bajos
el lienzo son los tonos de amarillo. En 1889, Van Gogh reproduce la obra original, manteniendo la misma composición, pero reduciendo los tonos y el ritmo de las pinceladas. El resultado de esto, fue que Van Gogh realizó 12 cuadros de girasoles en total. Hoy en día, solo cinco cuadros de Van Gogh son públicas. Uno de ellos está en una colección privada y otro se destruyó en un incendio en 1945.
En conclusión, en lo personal, Van Gogh es uno de mis artistas favoritos, ya que me gusta mucho la paleta de colores que utiliza. Es increíble como el artista puede trasmitir varias emociones en una sola obra. Es increíble todo lo que se puede aprender con el arte y cada día se aprende algo nuevo de ello.
(Sienra, 2019)
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s urrealismo O91
La Persistencia de la memoria manera diferente, ya que las manijas están derretidas y causa distorsión en los segundos. En la obra, solo un reloj no está derretido. En él hay hormigas. A Dalí no le gustaban las hormigas y las colocaba en sus obras representando lo inservible. Con esto, se puede notar cómo el artista hace notar su desprecio por este objeto cotidiano utilizado un mirada surrealista. Al plasmar el reloj, Dalí nos habla de lo importante e dispensable que es un objeto tan simple como el reloj en la vida cotidiana. Dalí se autorretrata en su obra, él aparece derretido, dormido y encima de él hay un reloj, que también está derretido. Con esto, Dalí nos habla que los sueños también son lugares temporales. El tiempo como se plasma en en la obra, no es precisamente el tiempo real, sino es el tiempo inconsciente, es decir ese en el que no nos detenemos para reflexionarlo.
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Historia del arte
El surrealismo es un movimiento artístico que nación en 1920, gracias a que artista como Salvador Dalí, Man Ray, entre otros, comenzaron a utilizar la técnica del automatismo. Estos autores utilizaron el surrealismo para darle un toque de creatividad a su trabajo. Los artistas del surrealismo, encontraron inspiración en las obras cubistas, expresionistas y postimpresionistas y es así como comienza en el surrealismo. Ya que se sabe un poco de este movimiento, se hablará de una obra que pertenece a él. Dicha obra es “La Persistencia de La Memoria”. “La Persistencia de La Memoria”, es una obra realizada en 1931 por Salvador Dalí. En la obra, el reloj derretido, representa como el tiempo pasa de diferentes formas. A diferencia de los relojes normales, que indican los segundos correctamente, el reloj de Dalí, marcan los segundos de
Al fondo de la obra, hay un paisaje, el cual Dalí nos muestra qué es lo que ve desde su casa en Barcelona. Con esto, el artista nos muestra la realidad, todo aquello que resta. Dalí, a través de sus obra, hace que nos preguntemos ¿Cómo es que el arte puede llegar a ser un recuerdo y no olvidarlo nunca? En conclusión, es aquí donde vemos que el arte puede contener temas en sus obras, que hacen que el espectador vea la
obra, identifique el tema y reflexione sobre él. Es increíble como el arte puede hacernos desde enamorarte de la obra hasta reflexionar sobre la vida cotidiana, valorar las cosas mínimas que hay en vida. También el arte nos transporta a otro mundo, el cual puede ser el mundo a través de los ojos de artista, eso es lo increíble del arte.
(Imaginario, Cultura Genial, s.f.)
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C Conclusiรณn O94
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Historia del arte
Con todo lo anterior, podemos ver como el arte ha evolucionado increíblemente, como han ido apareciendo más y más técnicas y materiales para llevar a cabo el arte. El arte nos ha enseñado que se puede llevar a cabo con el objeto más simple, y que este puede ser utilizado para mucs cosas aemás de comunicarnos. El arte nos invita a conocerlo más y más durante su proceso de desarrollo. Para eso, los museos, galerías, etc, están para ello, para seguir impulsando el arte.
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