Un desierto para la danza 2015 Programa General

programa general

programa Jueves 16 20:00 horas, Teatro de la Ciudad Compañía Gilles Jobin Dirección: Gilles Jobin Suiza Viernes 17 20:00 horas, Teatro de la Ciudad tumàka’t danza contemporánea Dirección: Vania Durán Mérida, Yucatán Sábado 18 20:00 horas, Teatro de la Ciudad Antonio Salinas México, D.F. Domingo 19 18:00 horas, Plaza Zaragoza Antares Danza Contemporánea Dirección: Miguel Mancillas Hermosillo, Sonora 20:00 horas, Teatro de la Ciudad Foco alAire Dirección: Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy México, D.F.

Lunes 20 18:00 horas, Salón de Convenciones, Centro de las Artes de la Universidad de Sonora Magdalena Leite y Aníbal Conde Uruguay-México 20:00 horas, Teatro de la Ciudad Producciones la lágrima Dirección: Adriana Castaños Hermosillo, Sonora Martes 21 20:00 horas, Salón de Convenciones, Centro de las Artes de la Universidad de Sonora Jóvenes coreógrafos en Sonora Carolina Ferrá, Mireya López, Jorge Motel y Emmanuel Pacheco Producción especial de Un Desierto para la Danza 23, en colaboración con Quiatora Monorriel Miércoles 22 18:00 horas, Salón de Convenciones, Centro de las Artes de la Universidad de Sonora

Margarita Danza Aquí Dirección: David Barrón Hermosillo, Sonora 20:00 horas, Teatro de la Ciudad SinLuna Danza Punk Dirección: Rosa A. Gómez Mexicali, Baja California Jueves 23 20:00 horas, Teatro de la Ciudad Quiatora Monorriel Dirección: Evoé Sotelo y Benito González Hermosillo, Sonora Sábado 25 18:00 horas, Salón de Convenciones, Centro de las Artes de la Universidad de Sonora Colectivo Qualquer Dirección: Luciana Chieregati e Ibon Salvador Brasil-España 20:00 horas, Teatro de la Ciudad Hiroaki Umeda Japón

ACTIVIDADES COMPLEMENTARIAS Jueves 16 17:00 horas, Auditorio del Museo de Arte de Sonora (Musas) Conferencia Coreografía cuántica, Gilles Jobin Lunes 20 y martes 21 Intervenciones urbanas Foco alAire México, D.F.

Miércoles 22 18:00 horas, Plaza Hidalgo (frente al ISC) Presentación del libro La otra piel, de Marcela Sánchez Mota Jueves 23 y viernes 24 Intervenciones urbanas Crónico Xalapa, Veracruz

Viernes 24 20:00 horas, Terraza sur, Casa de la Cultura de Sonora Charla pública Perspectivas de la danza actual (diálogo abierto entre coreógrafos y público asistente)

CURSOS Y TALLERES Reflexión en el desierto.

Posibilidades de resistencia en la coreografía, Nadia Lartigue (México, D.F.) Del viernes 17 al sábado 25, 15:30 a 17:30 horas, Sala Luis López Álvarez, Casa de la Cultura de Sonora Taller de creación de Foco alAire, Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy (México, D.F.) Del lunes 20 al miércoles 22, 14:30 a 17:30 horas, Salón Beatriz Juvera, Casa de la Cultura de Sonora

Improvisación libre y experimentación sonora, Fernando Vigueras (México, D.F.) Del lunes 20 al viernes 24, 13:00 a 15:00 horas, Estudio 3 de la Licenciatura en Artes Escénicas, Centro de las Artes, Universidad de Sonora Cursos de técnica clásica y danza jazz, Guillermo Maldonado (México, D.F.)

Del lunes 20 al viernes 24, 9:00 a 10:30 horas (Técnica clásica) y 10:30 a 12:00 horas (Jazz), Escena Ballet (Matamoros y Jalisco, colonia Centro) Máquinas de colaboración-Laboratorio de creación coreográfica, Luciana Chieregati (Brasil-España) Del martes 21 al jueves 23, 13:00 a 17:00 horas, Estudio 5 de la Licenciatura en Artes Escénicas, Centro de las Artes, Universidad de Sonora

El cuerpo de la danza, territorio diverso de expresión y discusión

Y

llegó abril nuevamente. Hermosillo festeja, como es ya tradición en nuestra tierra, el mes de la danza en el mundo con la Muestra Internacional Un Desierto para

la Danza.

En ésta, la 23ª edición, diez días de encuentro entre coreógrafos, intérpretes, maestros, alumnos y público de todas las edades, propiciarán el vínculo estimulante con la experiencia de la danza contemporánea. Por vez primera, tendremos una programación que integra dos funciones en un solo día, y un día específico para la presentación de una selección de jóvenes coreógrafos de la región. Invitados internacionales de Suiza, España, Japón y nacionales de Yucatán, Veracruz, Distrito Federal y Hermosillo, expondrán sus obras y charlarán al finalizar cada función, en una oportunidad inédita de acercamiento franco y relajado con el público asistente.

Un Desierto para la Danza 23 apuesta este año al diálogo y a la diversidad, dos importantes condiciones para la auténtica producción artística de nuestro tiempo. De acuerdo a ello, podremos participar de una depurada selección de talleres y cursos de muy distinta índole: técnica de movimiento, coreografía, reflexión y análisis de la danza e improvisación sonora, dirigidos a artistas de la danza y otras disciplinas y público interesado en participar activamente de estos territorios abiertos al intercambio de ideas y a la expresión libre de la creatividad, el pensamiento y el juego; todos ellos aspectos ineludibles que conforman el cuerpo expresivo de la danza actual.

En la ciudad, una serie de intervenciones urbanas tendrán lugar provocando otras formas de interacción, apreciación y entendimiento de la

danza, el cuerpo y el espacio escénico. El acontecimiento expresivo de los cuerpos que fracturan la monotonía del ir y venir diario, sorprenderán la vida cotidiana de Hermosillo en horarios y lugares inesperados. ¿Por qué ahora ya no bailan? ¿Que implica el término “danza contemporánea” en nuestros días? ¿Qué atributos definen a un bailarín o a un coreógrafo? y cualquier otra pregunta que esté necesitada de respuesta podrá ser motivo de debate dentro de la Charla Pública incluida en la programación de esta muestra. Un grupo de artistas participantes en esta edición de Un Desierto para la Danza intentarán, si no resolver, sí dinamizar el pensamiento colectivo en torno a estas interrogantes que –aún– son motivo de controversia y debate dentro del universo de espectadores y seguidores fieles de Un Desierto para la Danza. Después de más de dos décadas de ejercicio como hacedores y espectadores de danza, nuestras inquietudes, dudas, opiniones, se han acumulado; justo es dedicar un espacio específico para el ejercicio de la reflexión colectiva comprometida, que promueva la expansión y actualización de nuestras nociones en torno a la danza y al cuerpo escénico.

Un Desierto para la Danza privilegia este año el ejercicio continuo de “socializar” la danza que vemos, la danza que hacemos, la danza que experimentamos todos. La idea es apropiarnos del acontecimiento de los cuerpos en la escena (teatral y urbana); hacerlo nuestro para desarmarlo, cuestionarlo, escucharlo y entonces, penetrar más profundo: ahondar en la experiencia de ver y hacer danza y permitirnos ser desarmados, cuestionados y escuchados por ella.

Evoé Sotelo Quiatora Monorriel / Grupo Anfitrión *En la 23ª edición de la Muestra Internacional Un Desierto para la Danza, contamos con la valiosa participación de la Universidad de Sonora, quien albergará una parte significativa de la programación de este año en el Salón de Conferencias y la licenciatura en Artes Escénicas del Centro de las Artes.

GILLES JOBIN Suiza

Jueves 16 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

Quantum es el resultado de una residencia artística en el laboratorio de física de partículas más grande del mundo: CERN en Ginebra. Durante su residencia en CERN, el coreógrafo suizo Gilles Jobin aprendió que todos somos polvo de estrellas flotando en el espacio, que la gravedad es la fuerza más débil en el universo – un verdadero shock para un bailarín contemporáneo cuyo trabajo se enfoca en el contacto con la tierra. Ahí también conoció al artista visual alemán Julius von Bismarck.

debutó en 1997 en el Foro de Arsenic en Lausanne, y presentó dos años después en el Montpellier Danse Festival. Después se mudó a Londres y estrenó Macrocosm en The Place. En 1999, produjo Braindance, que abrió la temporada 2000-2011 del Théâtre de la Ville en París.

Sus radicales direcciones artísticas y su reconocimiento internacional, lo han convertido en precursor de una nueva generación de coreógrafos europeos. En 2001, su coreografía The Moebius Strip debutó en el Théâtre de la Ville en París y en 2002, presentó Under Construction en el Schaubühne de Berlín. En 2003, sorprendió de nuevo al aceptar una comisión del Ballet du Grand Théâtre en Ginebra y creó Two-Thousand-And-Three, una pieza para veintiún bailarines. En 2004, creó Delicado para el Ballet Gulbenkian en Lisboa sobre la música de Cristian Vogel, quien sucedió a Franz Treichler como compositor oficial.

En marzo de 2005 creó Steak House. En 2006, se convirtió en artista asociado de la Bonlieu Scène Nationale Annecy en Francia, donde estrenó las producciones Double Deux (2006), Text To Speech (2008) y Black Swan (2009).

En Le Chaînon Manquant - The Missing Link (2010) creó una pieza en la que dejó afuera el “movimiento orgánicamente organizado” para escribir una compleja danza, y en Spider Galaxies (2011), redefinió el movimiento con el soporte de una impresionante base de datos iconográfica. En 2011, volvió a presentar A+B=X con nuevos bailarines. Para el final del mismo año, después de una propuesta de David Greilsammer y la Geneva Chamber Orchestra, creó su primera pieza con música ya existente e interpretada. Un trío y un septeto de cuerdas interpretó en vivo Shaker Loops de John Adams, que fue preestrenada en La Gaîté lyrique de París y estrenada en Ginebra para la temporada inaugural de L’OCG en BFM. En marzo de 2012 fue reconocido con el primer premio Collide@CERN-Geneva en Danza e Interpretación por su propuesta de explorar mediante intervenciones y danza, la relación entre mente y cuerpo en el laboratorio de física de partículas más grande del mundo. En 2013, creó Protokids en La Batie Festival en Ginebra para nueve jóvenes bailarines de la Cie Virevolte Manon Hotte.

También produjo Quantum, una pieza para seis bailarines que ha recibido el apoyo del programa New Settings de la Hermès Foundation por la colaboración entre Jobin y el artista visual Julius von Bismarck, cuya instalación Versuch Unter Kreisen es utilizada como iluminación y escenografía. Von Bismarck también desarrolló la maqueta para WOMB, una película de danza en 3D de Jobin, bajo la dirección artística de Sylvie Fleury, con música de Franz Treichler y vestuario de Jean Paul Lespagnard.

Además de sus propias producciones, Gilles Jobin ha hecho de su compañía y su base en Studios 44 en Ginebra, un lugar pionero para el reconocimiento de la danza contemporánea en Suiza, a través de intercambios internacionales, entrenamientos diarios para bailarines, actividades educativas y desarrollo de capacidades, talleres, residencias artísticas, así como proyectos con países del hemisferio sur.

Artistas entre científicos, el coreógrafo y el artista visual se adentraron en un universo de números y abstracciones durante meses antes de regresar a Berlín y Ginebra, respectivamente, para trabajar en la altamente sofisticada Quantum, una oda a la física de partículas para seis bailarines, para finalmente juntarse y combinar su trabajo in situ.

Para el programa New Settings, apoyar a estos artistas en su viaje fue una experiencia emocionante. Ambos enfrentaron el mismo reto de inyectar lo físico a lo abstracto: el coreógrafo que relacionó su propia visión del movimiento con el principio físico de desarmar y escalar, y el artista visual quien, con la ayuda de los reconocidos investigadores de CERN, implementó una impresionante escultura activada por luz, consistente en cuatro lámparas colgando en un constante movimiento circular, la instalación resalta las principales leyes de la física y responde a las imperceptibles fluctuaciones, resultado de una meticulosa programación que sigue la coreografía; las lámparas y los bailarines abordan los misterios de la antimateria, y la mezcla de visuales y danza visten las leyes de la física en un velo de belleza.

Brigitte Jais para The Hermès Foundation (Fondation d’entreprise Hermès) Quantum Duración 50 minutos Coreógrafo Gilles Jobin Bailarines Stéphanie Bayle, Ruth Childs, Susana Panadés Díaz, Bruno Cezario, Stanislas Charré, Adriano Coletta Iluminación Julius von Bismarck Ingeniero Martin Schied Música Carla Scaletti Jefe de producción Marie Predour Vestuario Jean-Paul Lespagnard Asistente Léa Capisano Consejeros científicos Michael Doser, Nicolas Chanon (físicos del CERN) Asistente de coreografía Susana Panadés Díaz Producción Cie Gilles Jobin - Ginebra Administración Rosine Bey Dirección técnica Marie Predour Gilles Jobin (1964) vive y trabaja en Ginebra, Suiza. Ha sido reconocido internacionalmente desde quitar su primera coreografía para tres bailarines A+B=X con la que

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TUMAKA’T DANZA CONTEMPORANEA Mérida, Yucatán

Viernes 17 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

La danza me ofrece un medio para expresar mi imaginación de una manera no verbal. Es una forma de arte corporal y por lo tanto produce respuestas corpóreas, las cuales pueden ser físicas, instintivas, psicológicas y emocionales. Muy frecuentemente experimentamos la danza de una forma sensorial lo cual nos permite apreciar el verdadero significado de una ejecución, casi sin la necesidad de una descripción con palabras. Esta emocionante y compleja transacción entre el ejecutante y el público representa el centro de mi trabajo; lo que me interesa es la producción de significado y su comunicación a través de la ejecución.

en el 2007, bajo la dirección de Vania Durán. tumàka’t ha promovido proyectos innovadores en el estado, por ejemplo, el acercamiento a la danza contemporánea a la comunidad desde la edad preescolar, el impulso al desarrollo de jóvenes bailarines locales a través del Programa de talleres tumàka’t, la impartición de clases en su sede y la apertura de una fuente de trabajo para profesionales del área. La compañía fue seleccionada para participar en el Encuentro de las Artes Escénicas - Cervantino 2011, 6ª. Muestra de las Artes Escénicas del DF, 1er. Circuito de Artes Escénicas de la Zona Sur, y dentro de los festivales: Lila López, San Luis Potosí; Un Desierto para la Danza, Hermosillo; Cuerpos en Tránsito, Tijuana; Entre fronteras, Mexicali; Ensenada Danza También, entre otros. Además, se ha presentado en Belice, Venezuela, Festival de Artes Escénicas en Panamá, Festival Impulsos en Bogotá, Colombia, y en España: Festivales Cádiz en Danza – MOV-s, Dies de dansa en Barcelona, Trayectos en Zaragoza, Lekuz Leku en Bilbao, y Museo Reina Sofía en Madrid. Recibió el apoyo del Programa Iberescena 2012 para la creación de El lagarto de humo –obra dirigida al público infantil- con Leandro Kees y en el 2011 para la creación de la obra Números irracionales con Diana Szeinblum; también de Eprodanza, Beneficios para la producción de danza nacional del Conaculta-INBA 2012, y del Programa de fomento a proyectos y coinversiones culturales del Fonca 2013 y 2014, para la realización del Programa de Talleres tumàka’t.

Partiendo del tema de las fronteras (límites que son físicos al igual que psicológicos), la pieza utiliza múltiples elementos teatrales, tales como las acciones musculares y coreografiadas de un cuerpo entrenado, el entorno físico dentro del cual se desarrolla esta acción, la banda sonora, la utilería, el diseño de luces y el vestuario. Con estos elementos, intentamos conectarnos con las emociones del público y examinar la tendencia humana a separar y clasificar a las personas utilizando distintas estructuras ya sea mediante una puerta, pared o el nombre de una calle.

- Fernando Melo Rua do Lavradio o La distancia más larga entre dos puntos Concepto y dirección Fernando Melo Coreografía Fernando Melo Bailarines Melisabel Correa, Verónica Santiago, Patricia Marín, Manuel Fajardo y Christian Ramírez Música Jacob Kirkegaard, Stars of the Lid, Steve Reich, Paul Lansky y Glenn Branca Diseño de iluminación, escenografía y vestuario Mauricio Ascencio tumàka’t danza contemporánea Dirección Vania Durán Duración 50 minutos Obra producida por el Festival Internacional Cervantino, estrenada el 10 de octubre de 2014, en el Teatro Cervantes, Guanajuato

Fernando Melo, coreógrafo Nació en Río de Janeiro, Brasil. A los 16 años dejó su ciudad natal para estudiar en la Escuela de Ballet de la Ópera de Viena donde fue becado. Ha construido su carrera como bailarín y coreógrafo en Europa, y sus obras han sido muy bien recibidas en todo el mundo. Entre las compañías para las cuales ha creado obras se encuentran: Göteborg Operans Danskompany (Suecia), donde actualmente es director de ensayos; Deutsche Opera am Rhein Dusseldorf, Staatstheater am Gärtnerplatz Munchen (Alemania), Introdans (Holanda), Luzerne Theater (Suecia), Luna Negra Dance Theater (Estados Unidos) y Norrdans (Suecia). También dirige y coreografía obras de video danza. Su más reciente video danza Nonstop, se presentó en Cinedans en Holanda. Mahjong se ha proyectado en festivales internacionales de cine y recibió el Premio del Público 2010 en el Festival de Danza de San Francisco. Además, realiza coreografías para ópera.

Sus proyectos más recientes incluyen Die Schöpfung de Joseph Haydn, para Vocal Futures en Londres, Inglaterra y Daphne de Richard Strauss en Toulouse, Francia. Como bailarín, ha participado en obras de Stijn Celis, Tero Saarinen, Wim Vandekeybus, Nacho Duato, William Forsythe, Johan Inger, Jirí Kylián y Mats Ek. (www.fernandomelo.com)

Contacto Directora general Vania Durán Casademunt Coordinador técnico Mauricio Ascencio, Daniel Szhiper Dirección Calle 51 # 475 A por 54 y 52, colonia Centro, Mérida C.P. 97000, Yucatán, México, teléfono / (52) 999 9231852, Celular (52) 1 999 2713311 info@tumakat.com / tumakat@gmail.com www.tumakat.com tumàka’t danza contemporánea es una compañía joven dedicada a impulsar y promover la danza contemporánea en el sureste de México a través de la creación, producción y difusión de obras coreográficas, la docencia y el fomento al intercambio artístico. La compañía se formó

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ANTONIO SALINAS México, D.F.

Sábado 18 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

La fiebre del oso polar Espectáculo unipersonal de Antonio Salinas que integra la danza, el canto, el teatro y el video.

Antonio Salinas, artista multidisciplinario y uno de los bailarines más destacados de México presenta un espectáculo híbrido que hace al público reflexionar sobre el efecto que las acciones del ser humano han tenido en su propio bienestar, y que explora la conexión entre los humanos y otros seres vivos, vegetales y animales, con quienes compartimos la Tierra.

La fiebre del oso polar pretende explorar por qué, a pesar de las similitudes genéticas, hay una diferencia tan vasta entre lo humano y la naturaleza que lo rodea.

Para entender el mundo en que vivimos hemos tenido que dividir a los organismos en categorías, lo cual nos aleja irremediablemente de animales, plantas, elementos como la tierra e incluso y de otros humanos.

Salinas hace preguntarnos: ¿por qué no derribamos las paredes que hemos construido para aislarnos del resto del universo?, al mismo tiempo que nos invita a celebrar las similitudes entre organismos para que, de esta forma, alcancemos la armonía indivisible con la naturaleza.

“Qué trágico debe de ser pensar, qué trágico debe de ser pensar sobre lo pensado, qué trágica capacidad, una capacidad de ordenarlo todo, de separar la realidad de lo pensado y luego pensar sobre lo pensado y después olvidar la realidad que lo produjo” 1 La fiebre del oso polar* Acción escénica unipersonal, de Antonio Salinas Espectáculo unipersonal multidisciplinario Danza, teatro, video, multimedia, canto y acción De Antonio Salinas Performer Antonio Salinas Asistente de dirección y Producción ejecutiva Juan Cabello Diseño de iluminación y espacio Mauricio Asencio Videoasta y diseñador de espacio Zaba Zantcher Producción 39ª edición del Festival Internacional Cervantino y Antonio Salinas Ejecuta iluminación en gira Ingrid SAC Ejecuta videoproyecciones en gira Zaba *Obra co-producida por el Festival Internacional Cervantino en su edición 39 y por Antonio Salinas.

1 Fragmento del Discurso del oso polar. La fiebre del oso polar de Antonio Salinas

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ANTARES DANZA CONTEMPORANEA Hermosillo, Sonora

Domingo 19 / 18:00 horas, Plaza Zaragoza

Asistente de dirección Alexis Escobell Coreografía y dirección Miguel Mancillas(2) Producción Antares Danza Contemporánea A.C.(3)

Antares Danza Contemporánea, compañía independiente de Hermosillo, Sonora. Se caracteriza por una exigente preparación física al servicio de una expresividad intensa, por momentos inquietante. Indaga en las pasiones y la animalidad del alma humana para derramarlas luego sobre el escenario, en una puesta en escena impecable.

Ha participado en festivales en Europa, Asia, Canadá, Estados Unidos y América del Sur, y obtenido diversos premios entre los que se encuentran el XVIII Premio INBA-UAM y 4to. Concurso Continental de Danza, Premio Miguel Covarrubias y el SOMEC-VITARS. Mantiene constantes intercambios pedagógicos internacionales y Núcleo-Antares escuela de danza contemporánea es un importante centro de formación dancística.

(1) Suplente (2) Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte emisión 2013 (3) Grupo apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes dentro del programa de apoyo a grupos profesionales México en Escena 5ta emisión Amigos de Antares Casa de la Cultura de Sonora, Luis Fresnedo, Ana Teresa Lucero, Celia Ruth Mancillas, Marcela Fernández de Gándara, Alma Sofía García, Gabriel Rodríguez, Escuela de Ballet Ángeles Martínez, Raúl Iniesta, Guillermo Maldonado, Sonia, Luz y Mimí Juárez, Bárbara Garza y Emanuel Pohls, Soledad Valenzuela, Francisco Morales, Alejandro Ortega.

Dirección artística Miguel Mancillas inicia en la danza en 1980 en Sonora.

Sus estudios comprenden danza contemporánea, clásica, folclor mexicano, teatro y artes plásticas. Bailó durante dos años con la Montreal Dance Company, de Canadá.

Una encuesta realizada dentro del gremio lo consideró uno de los diez mejores bailarines del siglo XX en el libro México: su apuesta por la cultura, co-editado por la revista Proceso y Random House Mondadori México. Con una labor constante e ininterrumpida, se le considera uno de los más importantes coreógrafos de su generación.

Antares Danza Contemporánea A.C., Duraznos No. 6, colonia Fuentes del Mezquital, Hermosillo, Sonora Teléfono/fax (662) 2 124637 correo electrónico antaresdanza@yahoo.com www.antaresdanza.com / www.facebook.com/antaresdanza

Desatados (2015) Desatados comienza en un encuentro fortuito de personajes comunes que se hacen presentes para, desde sus visiones, preguntarse sobre la pareja y la diversidad de posibilidades para vivir, o no, las relaciones.

Antares Danza Contemporánea A.C Director Miguel Mancillas / miguel@antaresdanza.com Asistente de director Alexis Espinoza de los Monteros Escobell Relaciones públicas Isaac Chau / isaac@antaresdanza. com Diseño gráfico Lic. Eduardo Murrieta Joel Durazo Entrenamiento Miguel Mancillas Entrenamiento complementario Athletic Fitness Pro Studio Pilates Fotografía Edith Reyes y Ricardo León Realización de vestuario Sonia Juárez MA.GO. Traducciones Lic. Alicia Morales - Servicios Integrales de Migración Corporativa, S.C Lic. Ana Teresa Verdugo

Intérpretes Ulises Corella, Marlene Coronel(1), Isaac Chau, Joel Durazo, Alexis Escobell, Paula Ornelas, Omar Romero, David Salazar, Diana Salazar Variaciones sobre la música de grandes bandas Maquillaje GOC Make up artist, Jorge Rubio Peinados Angélica Juvera Diseño de vestuario MAGO Realización de vestuario Sonia Juárez Fotografía Edith Reyes y Ricardo León

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FOCO alAIRE producciones México, D.F.

La audición Domingo 19 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

a cantantes únicos y memorables: esa voz, y con ello, animarlos, darles vida por medio de la interpretación de otro ser, de otro cuerpo vivo. La suprarrealidad que deja al desnudo a las almas y los cuerpos que viven tan solo a través de esa voz que no es la suya. El canto como un elemento perturbador del entorno y de los observadores para exponer, de manera cruda, la tremenda fragilidad del ser humano y con ella, incidir en la reverberación de los deseos del que los mira y escucha.

Foco alAire producciones Fundada en Alemania en 1999, se ha configurado como una compañía cuyo trabajo creativo está sustentado en la reflexión y el cuestionamiento de la representación escénica, y el papel que juega en ella el lenguaje del cuerpo. La dirección artística de Foco alAire está bajo el concepto y dirección escénica de Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy quienes, desde el 2007, colaboran estrechamente en sus montajes escénicos y coinciden en su búsqueda de replantearse la escena.

En el 2010, inician la creación de Idea de una pasión en la que fusionan la experiencia de ambos y logran traspasarlo a un solo lenguaje escénico. Las piezas de Foco alAire fueron finalistas en el Premio INBA-UAM; han sido seleccionados para numerosas muestras de artes escénicas y diversos festivales nacionales e internacionales. Con LOStheULTRAMAR, se hicieron acreedores del Premio INBA-UAM –UNAM 2012. En el año 2013, obtuvieron el apoyo de Fomento y Coinversión del Fonca cuyo resultado es su más reciente obra laAUDICIÓN.

Duración sin intermedio: 80 minutos Concepto y dirección artística Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy Intérpretes Marsel Toledo, Arely Delgado, Inés Herrera, César René Pérez, Edgar Espinosa, Ángel Lara Diseño de iluminación Foco alAire producciones Realizador de iluminación Jésica Elizondo Video escénico Nicolás Chirokoff Música Youtube. Orquestación y diseño sonoro: Foco alAire producciones(1) y Joaquín López Chapman Chas(2) Producción Foco alAire producciones Diseño de vestuario Foco alAire producciones

laAUDICIóN En esta propuesta escénica, sus directores Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy se han planteado la recreación de imágenes ficticias y metafóricas para ofrecernos su particular visión de la escena. En esencia, la resignificación de una voz a través del juego de sustraer

(1) Beneficiario del Programa a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes 2014 (2) Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte

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FOCO alAIRE producciones

México, D.F.

LOStheULTRAMAR, intervención urbana Lunes 20 y martes 21

LOStheULTRAMAR aparecieron en nuestro horizonte como seres que fusionan en su ser los elementos más disímbolos en apariencia. En ellos convive lo más precario hasta la civilidad más recalcitrante. Ese hombre alienado producto de la historia contemporánea, producto de la comunicación digital que convive con el sentido gregario y primitivo del sí mismo y persiste en cada uno de nosotros. LOStheULTRAMAR conforman una obra que propone rescatar la arqueología humana en varios sentidos: compartir, confrontar y establecer el diálogo de todo ser con respecto al otro, al compañero, al contrincante, al colectivo, a lo existente, a los espacios, al bosque, a la calle, al edificio, a la ciudad. Así, caminan LOStheULTRAMAR y recorren el mundo y los espacios. Su fisonomía proviene de lo tribal, de congregarse, de agruparse para festejar la vida a pesar de los males del mundo y sobrevivir a ello.

LOStheULTRAMAR recorren la geografía y la historia. El gran tocado que portan sobre la cabeza simboliza la industrialización inhumana, al tiempo que se asemeja y conversa con diversas estéticas.

Establecen un diálogo con la arquitectura del lugar, producen un inquietante efecto en el entorno. La exposición de esta tribu posmoderna frente a la fachada de uno o de los varios edificios que la rodean, sería una forma de rendirle el máximo tributo a la arquitectura, a la ciudad, a su grandiosidad, a su gente.

Hacerla convivir con un transeúnte que ha perdido su capacidad de asombro ante obras arquitectónicas. Al tiempo que el bailar y compartir este acto con el público, con el amigo o con el ciudadano común, podrá engendrar una experiencia impar en los observadores, que felizmente, terminarán bailando. MSMOTA. Duración de la obra: Intervenciones 30 minutos Concepto y dirección artística Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy

Realizador de Iluminación Jésica Elizondo Intérpretes Verónica Macías, Marsel Toledo, Arely Delgado, Inés Herrera, César René Pérez, Edgar Espinosa y Ángel Lara

Producción Foco alAire producciones Diseño de iluminación Foco alAire producciones Diseño de vestuario Foco alAire producciones Música Banda de pueblo; Los Mirlos Marcela Sánchez Mota. (Ciudad de México). Estudió Sociología en la UNAM en donde fue académica. Realizó estudios de danza clásica y contemporánea. Fue miembro fundador de la compañía Utopía Danza-Teatro donde fue intérprete, coreógrafa y escritora. Fue becada por el Tanz Projekt en Colonia, Alemania.

Es especialista en máscara corporal (Lecoq). Es egresada de la Escuela Dinámica de Escritores de Mario Bellatín. Ha colaborado con sus relatos en revistas literarias: Blanco Móvil, Farenheit, Unomasuno. Obtuvo el Premio Virginia Fábregas; el Premio de Cuento Casa Lamm; el Premio de Cuento Erótico Ojos y Tactos, de la UNESCO, y recibió Mención Honorífica de cuento en la Universidad de Nuevo León. Es autora del poemario Luz de serpiente, ganador del Premio Chamán de Literatura. Fue colaboradora de la columna de danza de la Jornada Semanal, y como ensayista de danza en la Revista DF. Colaboró con la Revista de la Universidad de México, en el suplemento Hoja x Hoja, y en el libro México: una apuesta por la cultura. Desde el 2007, es co-directora de Foco alAire producciones y co-autora de las piezas: Idea de una pasión, LOStheULTRAMAR y laAUDICIÓN o SalóN ConTinenTaL de reciente estreno, que obtuvo Fomento y Coinversión del FONCA. Imparte talleres de máscara corporal, así como diseño y realización de máscaras. Recientemente fue galardonada con el Premio de Bellas Artes Juan Rulfo para Primera Novela 2010. En 2012, ganó el Premio Nacional 13

de Danza INBA-UAM-UNAM, con la pieza LOStheULTRAMAR en co-autoría con Octavio Zeivy. En 2013 y 2014, con Foco alAire, dirigió y estrenó la pieza laAUDICIÓN (SalóN ConTinenTaL) con el apoyo del FONCA. Octavio Zeivy. (Ciudad de México) Con una rigurosa carrera dentro de la danza clásica en México, Cuba, Estados Unidos y Japón. Desarrolló trabajos de creación coreográfica dentro de las compañías en las que trabajó como intérprete. En 2008 se integró a la Universidad Folkwang Hochschule en Essen, Alemania, donde fundó la compañía Foco alAire Producciones en 1999. Egresado del Institute for the Arts, Hogeschool voor de Kunsten Arnhem (HKA) en Holanda.

Durante esta intensa formación como artista escénico se especializa también, en cine/video, diseño sonoro e iluminación. Regresó a México en 2004; al año siguiente realiza la obra Are you really lost? que se presenta en los principales teatros de México, así como en el Festival Internacional de Buenos Aires FIBA 2009. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA emisión 2005 y 2011. Finalista en el Premio INBA-UAM 2007 y 2008. Recibió Mención Honorífica y Premio a Mejor Iluminación con la pieza Doña Gloria.

En 2009 se estrena la obra Doña dot “G” Neu-Lite. Al siguiente año el Premio Chilango-FMX nomina a Foco alAire producciones por su propuesta innovadora y de vanguardia en las artes escénicas en la Ciudad de México. Desde el 2007 colabora con Marcela Sánchez Mota actual co-directora de la compañía. En 2010 crean Idea de una pasión, pieza con más de 50 representaciones en el D.F y en varias ciudades de la república. En 2012 ganan el Premio Nacional de Danza INBA-UAM-UNAM, con la obra LOStheULTRAMAR. En 2013 Foco alAire producciones recibe el apoyo de Fomento y Coinversión a Proyectos Culturales del FONCA, para realizar “laAUDICIÓN” obra de reciente estreno.

MAGDALENA LEITE Y ANIBAL CONDE Uruguay-M茅xico

Lunes 20 / 18:00 horas, Sal贸n de Convenciones, Centro de las Artes Unison

DANCE DANCE DANCE* Es un experimento escénico en donde se cruzan el lenguaje del cine con el de la danza. Se trata de darle vida a un material de movimiento que fue creado para ser filmado. Para esto se seleccionó una serie de danzas de películas que fueron estudiadas y aprendidas tomando en cuenta cada plano y corte para luego llevarlas a escena. La pieza propone un contrapunto entre las representaciones del cuerpo en el cine, medio en donde la danza es asociada con la ilusión y evasión de la realidad, con el cuerpo presente y concreto, como archivo vivo, contenedor y a su vez presa de todas esas representaciones.

da. Como miembro del Colectivo AM recibió apoyo de Eprodanza para llevar a cabo el proyecto Pulpo durante el 2013. En 2010 obtiene la beca danceweb para asistir al Festival ImpulsTanz, en Viena, Austria. Entre su trabajo más reciente cabe mencionar DANCE DANCE DANCE, obra seleccionada para la temporada 2014 del Teatro de la Danza y del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, presentando avances en la Judson Church en Nueva York y estrenada en el MUAC (2013), y de Cover (2010/2013) proyecto coreográfico que se ha presentado 26 veces en diversos espacios y festivales como el Aunts Chain Curation en la ciudad de Nueva York; el Laboratorio Arte Alameda en México, D.F.; el Akbank Center de Estambul, Turquía; FIDCU 2012, Montevideo, Uruguay, entre otros.

Se desempeña como docente de Extensión Académica del Cenart desde el 2010. Colabora regularmente con ensayos y reseñas de obra en la revista de arte contemporáneo La Tempestad. Desde diciembre de 2009 integra el Colectivo Inquietando, ahora Colectivo AM. (http:// cargocollective.com/magdalenaleite)

*Producción coreográfica realizada con el beneficio derivado del Artículo Cuadragésimo del presupuesto de egreso de la Federación 2012.

Repertorio 0- Entrar al vacío, Gaspar Noe 1- La naranja mecánica, Stanley Kubrick 2- Mulholland Drive, David Lynch 3- Belleza americana, Sam Mendes 4- Gotas que caen sobre rocas calientes, François Ozon 5- Banda aparte, Jean-Luc Godard 6- Una mujer es una mujer, Jean-Luc Godard 7- Pulp fiction, Quentin Tarantino 8- Fiebre de sábado por la noche, John Badham 9- El gordo y el flaco en el oeste, James W. Horne 10- Flashdance, Adrian Lyne 11- Napoleón Dinamita, Jared Hfess 12- El agüjero, Ming-Liang Tsai 13- El humano perfecto, Jorgen Leth

Aníbal Conde Tacuarembó, Uruguay, 1982. Artista visual, performer.

En 2014 finalizó su documental Jack Toste, la suerte está echada, sobre el proceso de montaje de la pieza de danza de igual nombre, de la coreógrafa Magdalena Leite, filmado en Valparaíso, Chile. Colaboró en el proyecto Videoclip, llevado a cabo en el Centro Cultural de España, en Montevideo, Uruguay, con el apoyo de Iberescena.

Participó como intérprete en la obra Experiment X5 (Dirección: Magdalena Leite), en el marco del Encuentro Nacional de Danza, en Guadalajara, México. Crea N una plataforma para web desarrollada con fines de investigación artística y educativa, sin ánimos de lucro, destinado a exhibir y compartir documentales de procesos creativos de diferentes áreas artísticas. En 2013 su documental Condensación es seleccionado para ser presentado en el Festival Creative Commons de la Ciudad de México. Ese mismo año trabaja en colaboración con Magdalena Leite en la creación e interpretación de la pieza coreográfica DANCE DANCE DANCE, de la que se presentaron avances en el Centro de las Artes de San Luis Potosí en abril de 2013, en la Judson Church en Nueva York en junio de 2013, y que fuera estrenada dentro del concepto Arrecife del Colectivo AM, en el MUAC en agosto de 2013. Esta obra fue seleccionada para formar parte de la temporada 2014 del Teatro de la Danza y del Teatro de la Ciudad, (México, D. F.); para la programación 2014 de Punto de Encuentro del Ministerio de Educación y Cultura (Montevideo, Uruguay), y también del Encuentro Interfaz en la ciudad de Culiacán, Sinaloa. En 2012 trabajó como intérprete en las obras de danza: Me sitio (Dirección: Paula Giuria) y Secciones (Dirección: Martín Lanz, Santiago Turenne y Miguel Jaime). Fue seleccionado para participar en un taller intensivo de técnica corporal impartido por David Zambrano. En sus inicios estudió teatro y cursó paralelamente la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación. (http://cargocollective.com/anibalconde)

Concepto, coreografía e interpretación Magdalena Leite y Aníbal Conde Duración 45 minutos Iluminación Jesica Elizondo Sonido ANIMALE Dramaturgia Magdalena Leite y Aníbal Conde Producción ejecutiva Jesica Elizondo Curaduría Alejandra Labastida Una producción de Colectivo AM, Eprodanza y MUAC Con el apoyo de Laboratorio Condensación (México), Cante, Centro de las Artes y Nuevas Tecnologías (San Luis Potosí), Movement Research (Nueva York), Coordinación Nacional de Danza (México), ADM (México).

Este trabajo fue comisionado por el MUAC y estrenado en el marco de Arrecife del Colectivo AM. Magdalena Leite Montevideo, Uruguay, 1977. Es licenciada en Coreografía por la ENDCC, México. Recientemente recibió apoyo del Programa Iberescena para desarrollar el proyecto coreográfico Videoclip (2014). Su obra Experimento X5 resultó finalista en el Premio de Coreografía Guillermo Arriaga 2014. En 2013 es invitada a presentar Cover en el Akbank Center de Estambul, Turquía, en la exposición The life of others bajo la curaduría de Alejandra Labasti-

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producciones la lagrima Hermosillo, Sonora

Lunes 20 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

Yonke, viaje a No Land Para realizar esta pieza, recurrimos a un archivo de pasos de baile que fuimos coleccionando a lo largo de varios años: gestos donados, posturas robadas en espacios públicos, pasos rescatados de una que otra danza de la que no queremos desprendernos. Con este material ajeno, y con el espíritu de la fiesta encima se construyó Yonke, viaje a No Land, deshuesadero de bailables inconexos en una era incomprensible.

lazar (Culiacán), Gyovane Román (Culiacán), Ana Karen Lara (Culiacán). producciones la lágrima, A. C., es un colectivo artístico sin fines de lucro que trabaja en residencia con la Licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad de Sonora.

Contacto: contactolalag@gmail.com Dirección: Real no. 10, colonia Villa Satélite C.P. 83200 Hermosillo, Sonora, México. Teléfono: 52 (662) 2162638. Celular: 52 (662)2334655 www.facebook.com/produccioneslalagrima Twitter @prod_la_lagrima

Coreografía y dirección general Adriana Castaños Diseño de escenografía e iluminación Alejandro Luna Intérpretes Jessica Félix, Emmanuel Pacheco, Alejandra López Guerrero, Benjamín Lozano, Dariana Sánchez, Kenia Noriega, Rodolfo Nevárez, Isaac Peña, Adilene Holguín, Marcos Juárez Diseño sonoro* Isaac Peña *A partir de música de Juan Magan, Gabriel Jiménez, Daniel Candón de la Campa, Franco Ceballos, Rey Pirin y de la canción cardenche Asistente de dirección Nataly Peña Asistente de iluminación Nicolás Rivera Fotografía José de Jesús Covarrubias, Adrián Cervantes y Alejandro Carbajal Ayudantía Raymundo Osuna Entrenamiento de banda de guerra Andrea Fraijo Producción Coordinación Nacional de Danza INBA, Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Sonora, producciones la lágrima A.C.

producciones la lágrima sustenta su trabajo artístico en procesos de exploración vinculados a la experiencia personal de sus integrantes, en un minucioso estudio del gesto y en un lenguaje que responde a las particularidades de los temas que aborda. Desde su fundación en 1997 colabora estrechamente con la Licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad de Sonora, con el festival Un Desierto para la Danza y con otras instancias culturales en proyectos de formación, actividades de difusión y producciones coreográficas. El intercambio con agrupaciones escénicas y artistas de distintas disciplinas ha sido una fuente de contaminación constante para sus integrantes, bajo esta premisa el grupo ha colaborado artísticamente con: Le Groupe Dance Lab de Canadá, San Diego Dance Theater; con los costarricenses de Dikis Tikis, Rolando Beattie Dance Ensamble en Oaxaca, y con artistas como Alejandro Luna, Joaquín López Chas, David Barrón, Benito González, Germán Noriega, Isaac Peña, David Huerta, Alberto Cruz-Prieto, Jesús Maldonado y la coreógrafa Becky Hilton, entre otros.

Agradecemos la desinteresada donación de pasos de danza de: Verónica Luis García (Oaxaca), Gerardo Rodríguez Pacheco (Oaxaca), Payasito Din Don (Oaxaca), Sergio Villegas (D.F.), Enrique Madrid (D.F.), Inés Hernández (D.F.), Dariana Sánchez (Hermosillo), Melissa Mariscales (Hermosillo), José Manuel Lira (D.F.), Evoé Sotelo (Hermosillo), Sofía Castillo (D.F.), Edgar Pol (D.F.), Liliana Durazo (Cananea), Jesús Velarde García (Tepache), JuanFran Maldonado (D.F.), Mariana Arteaga (D.F.), Javier Liee (D.F.), Juan Manuel González (D.F.), Alberto Levet (D.F.), Ali Padilla (D.F.), Rosellys Castillo (Hermosillo), Ramón Nevárez (Hermosillo), Paola Carrillo (Hermosillo), Mabel Mada (Hermosillo), Karla Loreto (Hermosillo), Armando Castrejon (Hermosillo), Liliana Vázquez (Hermosillo), Mayra Ríos (Hermosillo), Ramsés Gaona (Hermosillo), Oscar Mayoral (Ensenada), Diana Molina (Hermosillo), Irma Ramírez (Hermosillo), Marisol Franco (Hermosillo), Carlos Manuel Castaños (Durango), David Cortés (Querétaro), Paula Pérez (Ensenada), Aída Guevara (Ensenada), Lizet Pérez (Ensenada), Ana Soto (Ensenada), Regina Tutti (Mexicali), Ana Ongay (Mexicali), Carolina Zavala (Mexicali), Aída Corral (Mexicali), Oliver Saavedra (Mexicali), Salvador Guzmán (Tijuana), Adrián del Riego (Tijuana), Sergio Vázquez (Tijuana), Alejandro García (Tijuana), Ángel Arámbula (Tijuana), Ángel García (Mazatlán), Maximiliano Corrales (Cosala), Claudia Lavista (Mazatlán), Hugo Rojo (Mazatlán), Luis Héctor Morán (Culiacán), Izcalli Sa-

Adriana Castaños Inicia su trabajo profesional como coreógrafa en 1981; de entonces a la fecha ha realizado más de setenta obras, algunas de las cuales se han presentado en diversas partes de México, Estados Unidos, Canadá, Ecuador, Venezuela, Costa Rica, España, Italia, Sarajevo, Suiza e India. Ha recibido diferentes reconocimientos, entre ellos: el Premio Nacional de Danza en 1988, Reconocimiento al Talento Artístico en 1994 otorgado por la CANACOSonora, el Premio Guillermina Bravo en 2002 por su trayectoria artística, el VII Premio Internacional de Coreografía, Monterrey 2009, y la Medalla Bellas Artes en 2014. De 1987 a la fecha desarrolla una intensa labor de creación, educación y difusión de la danza en Sonora. Fue miembro fundador y coordinadora de Antares de 1987 a 1994. Coordina la elaboración de los planes de estudio de la opción danza de la Licenciatura en Artes de la Universidad de Sonora, instancia a la que se integra desde 1996. En 1997 funda en Hermosillo producciones la lágrima, organismo dedicado a la creación, educación y promoción del arte escénico en donde continúa su trabajo coreográfico e interpretativo.

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JOVENES COREOGRAFOS EN SONORA Hermosillo, Sonora

Martes 21 / 20:00 horas, Sal贸n de Convenciones, Centro de las Artes Unison

Carolina Ferr谩

Emmanuel Pacheco

Jorge Motel

Mireya L贸pez

Cuatro modulaciones sobre degradación Producción especial de Un Desierto para la Danza 23, en colaboración con Quiatora Monorriel (QM).

Medina (Desarrollo de la creatividad por medio del movimiento y la danza). Actualmente forma parte del colectivo VisOut Festival 2015.

Tomando en cuenta la creciente cantidad de jóvenes que hay en Sonora interesados en profesionalizarse en la danza y la coreografía, la dirección del ISC y QM, grupo anfitrión, tomamos la iniciativa de realizar una producción especial que los contemple dentro de la programación general de Un Desierto para la Danza 23.

Código violeta Coreógrafa Mireya López Intérpretes Sharon Castillo y Ramiro Airola Música Alva Noto Vestuario MAYA, Mireya López Mireya López es bailarina, maestra y coreógrafa. Su desarrollo en la danza incluye ámbitos diversos, como la dirección de videodanza, talleres de expresión corporal, danza clásica y yoga. Actualmente dirige su compañía, que está dedicada a la creación de puestas en escena, performances e instalaciones que abordan el sentir del ser humano por el movimiento, el encuentro consigo mismo, el arte de la creación y de la existencia. Como colectivo colabora con artistas escénicos, escenógrafos, músicos, artistas circenses y de teatro, para generar una combinación interdisciplinar que reviva la intuición del quehacer artístico. Este grupo, que inicia en el año 2009, explora necesidades artísticas en espacios inusuales para presentar danza, e investiga sobre variados estilos de movimiento, plástica y concepto que practican otras compañías a nivel nacional e internacional. Como bailarina ha colaborado con reconocidos coreógrafos como Adriana Castaños, David Barrón, Ernesto Contreras, Rodrigo Angoitia, entre muchos otros.

En esta ocasión convocamos a cuatro de los muchos jóvenes que han iniciado en los años recientes una trayectoria coreográfica consistente en el Estado y, partiendo del concepto “degradación”, cada coreógrafo desarrolló una línea de investigación en particular. El resultado de esta experiencia se conjunta ahora en este programa, bajo el título Cuatro modulaciones sobre degradación.

Esperamos que el espacio que hoy se abre para las nuevas voces de la danza en Sonora se consolide y permanezca en las siguientes ediciones.

Evoé Sotelo y Benito González / QM- directores motel 2 Coreógrafo Emmanuel Pacheco Intérpretes Marco Iván Ochoa, Cristina López, Ramiro Airola y Alejandra López Guerrero Música Geyss

Rechina Walters Coreógrafo Jorge Motel* Diseño sonoro quéchulada Intérpretes Marco Iván Ochoa, Cristina López, Ramiro Airola, Alejandra López Guerrero y Sharon Castillo Iluminación Jorge Motel Agradecimientos especiales para Evoé Sotelo, Benito González, Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Sonora, Centro Cultural Universitario Miguel Ángel Montaño, Base Estudio Profesional de Danza y Colegio Superior de las Américas.

Emmanuel Pacheco ingresa a la Licenciatura en Artes de la Universidad de Sonora, en 2005. Obtuvo Mención Honorífica en el Concurso Regional de Coreografía Contemporánea 2009 con la obra Haima, y el premio a la mejor coreografía en la edición 2010 del mismo concurso, por l.u.v. En 2007 se integró a la compañía producciones la lágrima dirigida por Adriana Castaños, y en 2012 a la planta docente de la Licenciatura en Artes Escénicas de la Unison. En 2012 presentó avances de su obra numb, en la sede de Lucy Guerin Inc. en Melbourne, Australia.

Fue beneficiario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes 2012-2013, categoría Joven Creador, y coreógrafo invitado a Plataforma IN 2013.

*Beneficiario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en el programa Jóvenes Creadores 2014.

Distonía Coreógrafa Carolina Ferrá Peralta Intérpretes Sharon Castillo y Ramiro Airola Diseño sonoro Isaac Peña Flores

Jorge Motel es originario de Los Mochis, Sinaloa. Realizó la Licenciatura en Artes Escénicas, opción Danza, de la Universidad de Sonora. En 2010 se integra al grupo de danza contemporánea Parámetro Ciego, dirigido por Ernesto Contreras, donde tuvo la oportunidad de participar en diversos festivales y muestras internacionales de danza. En 2012 funda al lado de María Isabel Rangel el colectivo giren IO, donde realiza sus primeras investigaciones coreográficas. Fue beneficiario por el FECAS dentro del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico 2012-2013. En 2014 presentó la coreografía Atrozzozobra en la temporada Emergencia Coreográfica, realizada en el Teatro de la Danza de la Ciudad de México. Actualmente es miembro activo de Quiatora Monorriel y es beneficiario del Fondo Nacional para Cultura y las Artes (FONCA) como Joven Creador 2014-2015. Su última obra coreográfica TOGO: sistema de referencias, fue seleccionada para representar a Sonora en el Concurso Regional de Coreografía Contemporánea 2015.

Carolina Ferrá Peralta realiza estudios en el CEDART José E. Pierson (2002) y posteriormente concluye la Licenciatura en Artes en la Universidad de Sonora. En 2012 y 2013 forma parte de la Selección Estatal de Coreografía Contemporánea con las obras Cesantes y Como si ya lo hubiera visto, respectivamente. En 2014 crea la videodanza Cesantes, a dance short film en colaboración con MLDTS FILMS, estrenada en Hermosillo en mayo de 2014. Dicha obra fue seleccionada y proyectada en el Festival Cuerpo Digital Bolivia 2014 y en el Festival de Videodanza Ecuador 2014. Fue beneficiaria del FECAS 2012-2013, en la categoría Talleres artísticos-coreografía. Ha tomado talleres de capacitación en la Ciudad de México, con las maestras Alejandra Ferreiro y Gabriela

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MARGARITA DANZA AQUI Hermosillo, Sonora

Mi茅rcoles 22 / 18:00 horas, Sal贸n de Convenciones, Centro de las Artes Unison

Margarita Danza Aquí presenta a: Claudia Carrillo, Luisa Castro y Zahaira Santa Cruz, con el programa coreográfico Serie de margaritas en el jardín del desconcierto.

Coreografía y dirección general David Barrón* Diseño sonoro Lenin Peña Diseño de vestuario Miguel Ríos Música Federico Chopin y Léo Delibes Participación especial Juan Manuel Loch Margarita Danza Aquí es un proyecto de David Barrón en el que realiza de manera independiente sus propias inquietudes coreográficas. Desde el 2002 a la fecha ha presentado diferentes programas coreográficos: Margarita Danza Aquí, BLEU nostalgia heredada y ¡Ay…esta pasión!. Participó en el Premio Nacional de Composición Coreográfica Miguel Covarrubias INBA-UAM en el 2007 con la obra Alergia de David Barrón, obteniendo el primer lugar y los reconocimientos a la mejor música original de Lenin Peña, la mejor iluminación y efectos especiales para Jesús Maldonado y mejor interpretación femenina para Claudia Carrillo. Fue la compañía anfitriona del festival Un Desierto para la Danza 2008.

Serie de margaritas en el jardín del desconcierto es un conjunto de seis “solos” y un “dueto” coreográfico, sobre ciertos estereotipos de lo femenino y los resultantes de lidiar con ellos. Cada una de las piezas tiene características muy distintas y diferentes intérpretes; en esta ocasión se presentarán tres de ellas, interpretadas por Claudia Carrillo, Luisa Castro y Zahaira Santa Cruz. La música pertenece al género romántico en un diseño sonoro de Lenin Peña. *(Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, Fonca – Conaculta)

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SINLUNA DANZA PUNK

Mexicali, Baja California

MiĂŠrcoles 22 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

I love Buchomp El movimiento alterado nace en 2009 en Culiacán, Sinaloa, y paralelamente en Los Ángeles, California. Los iniciadores de este movimiento son Los cuates Valenzuela y su principal portavoz es El Komander. Más allá de su impacto y proliferación como género musical, el movimiento alterado constituye hoy un estilo de vida. Con usos y costumbres propios y un gran número de elementos simbólicos únicos y representativos, de alguna manera constituyen la “evolución” de lo que en la primera década de este siglo conocimos como narco cultura. Esta puesta en escena, debe ser consumida como una crónica histórica de los sucesos que han marcado la historia reciente de la frontera norte de México y la comunidad latina del sur de los Estados Unidos.

Coreografía Rosa A. Gómez Intérpretes Rosa Andrea Gómez Zúñiga, Mónica López Aceves, Rodolfo Raúl Díaz Álvarez, Cristina Villavicencio Solorzano, Manuel Alejandro Gudiño Covarrubias, Luis Alejandro Bastida Moreno, Vicente Serrato López, Yazmin Gutiérrez Díaz, Inés Herrera Campa Música original Miguel Equihua Diseño de iluminación Ernesto Contreras Orduño Video Polen Audiovisual Producción Dr. LAOF Instituto de Cultura de Baja California Dirección Rosa A. Gómez y Dr. LAOF Inspiración Ana Chelsea Ongay Agradecimientos David García Prieto, El Komander, Twins enterprises, ICBC SinLuna Danza Punk Nace en 2004 con el nombre de Luna-Luna bajo la co-dirección de Rosa A. Gómez y Dalel Bacre. A lo largo de una década, el proyecto creativo de SinLuna Danza Punk ha estado marcado por la necesidad de retratar la vida en el noroeste de México, desde una perspectiva que busca alejarse de los estereotipos construidos sobre los norteños en el centro y sur del país. Actualmente, bajo la co-dirección de Rosa A. Gómez y Dr. LAOF SinLuna incorpora al punk como elemento ideológico con respecto a la danza.

Nuestro punk no es ideológico, no es político, no quiere ser original ni tiene como objetivo caerle bien a alguien. Nos gusta el ballet y nos gusta el piso, nos gusta el piso, amamos el piso, siempre queremos estar en él y permanecer enterrados, queremos que la luz traspase el piso, queremos fotosíntesis en nuestra danza.

Rosa A. Gómez Nace en Mexicali, Baja California en 1982, e inicia su formación en la danza a la edad de tres años con los maestros Carmen Bojórquez y Tulio de la Rosa. En 1998, a la edad de 16 años, se integra como ejecutante al grupo de danza contemporánea Paralelo 32 de Mexicali B.C., donde trabajó con reconocidos coreógrafos del país y del extranjero. En ese mismo año, es nombrada como la mejor bailarina del festival internacional de danza contemporánea de San Luis Potosí. Ha sido reconocida en distintas ocasiones por el Pecda de Baja California en la categoría Jóvenes creadores y por el Fonca en la categoría de intérpretes. Actualmente, es becaria del Fonca - Jóvenes creadores; es directora, bailarina y coreógrafa de SinLuna Danza Punk e imparte clases en el Ceart BC y en la Licenciatura en Danza de la Universidad Autónoma de Baja California.

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QUIATORA MONORRIEL Hermosillo, Sonora

Jueves 23 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

ATO BOMBA está compuesto de doce piezas coreográficas cortas que emulan el toque áspero y elemental de una maqueta sonora. El programa se construye como si se tratase de un álbum de alguna banda de rock pop, solo que en versión demo: desde la burdeza en el planteamiento de las ideas y el desarrollo aún sin pulir del material, hasta la selección del vestuario y el nombre y duración de las escenas.

Quiatora Monorriel (QM) es un proyecto escénico dirigido desde 1992 por los sonorenses Evoé Sotelo y Benito González.

A lo largo de su trayectoria, esta agrupación se ha distinguido por proponer una perspectiva crítica en torno a los potenciales expresivos y conceptuales del cuerpo, alejados por convicción de las voces tradicionales en el arte.

La personalidad artística de QM se caracteriza por su vocación hacia la investigación y experimentación continua dentro del vasto territorio significante del cuerpo y la escena. Debido a su incesante interés en la naturaleza de lo ambiguo, lo incierto y lo inasible del discurso corporal, QM frecuentemente motiva la discusión y el desconcierto y se ha convertido en un constante punto de referencia para las nuevas generaciones de artistas escénicos a nivel nacional.

ATO BOMBA se presenta sin adornos, ni progresiones elaboradas, sin embargo, al igual que en las maquetas, las ideas se encuentras claras y precisas, en su estado más esencial.

ATO BOMBA 1.- Fandango 2.- Reprise 3.- Alienteaghurkin 4.- Aeropuerto 5.- NT 6.- Los nuevos pescadores 7.- Metabolisma 8.- Plistanbrinman 9.- Puros triunfos 10.- Cuatro tonos 11.- Fat burner, senza esigenza 12.- M (para Coco)

QM ha buscado, desde sus inicios, una “contaminación disciplinaria” que, a lo largo de más de 20 años, ha expandido y enriquecido los dominios y las referencias estéticas y conceptuales que dan lugar a su discurso. Su voz se encuentra plena viajando en sentidos diversos y a la vez concomitantes. El gozo de explorar en la expresividad del cuerpo da lugar al deseo frecuente de migrar a los territorios del teatro, el video y la fotografía, o a los ámbitos de la composición sonora, la intervención y la instalación. QM entiende a cada nueva obra como el resultado del espacio compartido entre la danza y otras disciplinas que permean -tácita o explícitamente - en la naturaleza de la pieza. Debido a ello, el carácter “disciplinario” de su discurso artístico se desdibuja, dando lugar a la construcción de un espacio significante abierto, complejo y siempre irreductible a todo principio que demande el consenso y la estabilidad en sus efectos.

Coreografía Benito González Intérpretes Marcela Armenta, Estefanía Iglesias, Jorge Motel*, Javier Tapia Edición y diseño sonoro Conasupo Diseño de iluminación Evoé Sotelo / Nicolás Rivera Diseño de vestuario Benito González Diseño gráfico Vistagorda Producción QM / Benito González Agradecimientos Casa de la Cultura de Hermosillo, Bárbara Garza (Escena Ballet), Instituto Municipal de Cultura, Arte y Turismo (IMCATUR) e Instituto Sonorense de Cultura (ISC)

Sotelo y González han sido distinguidos con importantes reconocimientos por su labor artística, entre los que destacan el Premio Nacional de Danza INBA-UAM en dos ocasiones, así como múltiples apoyos del FONCA para la producción, difusión y promoción de QM y el desarrollo artístico de sus directores. Sobresalen en este sentido las becas para Intérpretes y Jóvenes Creadores, así como los soportes de los programas de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales, México en Escena y el Sistema Nacional de Creadores de Arte. La propuesta coreográfica de Quiatora Monorriel ha sido presenciada en los más importantes foros y festivales de México, así como en Estados Unidos, Costa Rica, Chile, Bolivia, Argentina, Alemania y Bélgica. Sotelo y González son licenciados en coreografía por la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea.

QM Directores Evoé Sotelo y Benito González quiatoramonorriel.weebly.com www.youtube.com/user/qmono www.facebook.com/quiatoramonorriel www.vimeo.com/benitogo *Jóvenes Creadores / FONCA / 2014-2015

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CRONICO Veracruz

23 y 24 / Intervenciones urbanas

En nuestra vida hay una guerra, donde cada día nos vemos bombardeados por los medios de comunicación, mutilados por los estereotipos, tratando de defender nuestra individualidad… Un mundo estandarizado. En la guerra hay armas físicas, pero existe otro tipo de armas igual de fuertes y letales, se llaman ideas; quien logra implantar una idea en la mente de otro gana terreno en la batalla, ¿qué papel jugamos?, ¿somos el capitán o simples soldados? La respuesta no importa mucho, los dos están programados para seguir órdenes, entonces… ¿quien nos controla?, ¿somos los dueños de nuestras decisiones o somos los muñequitos que alguien compró? ¿Realidad o imaginación? ¿Guerra o juego? ¿Negro o… verde?

El verde es vida se ha presentado en distintos festivales internacionales y encuentros de danza, entre ellos el 8 Encuentro Nacional de Estudiantes de Danza Contemporánea en donde obtuvo el primer lugar en el concurso de composición coreográfica; primer lugar en el Concurso Plataforma Capital Escénico, 10 Festival Danzaextrema y CAMP_IN 2014.

El verde es vida Dirección y coreografía Jorgito Córdoba Co-dirección e Iluminación Luis Vallejo Intérpretes Citlali Méndez, Astrid Valencia, Jesus Malpica, Alex Ortega y Michel Ortega Música Edith Piaf, Us Silence Service, Bridge on the River Kwai, Doctor patient – Meredith Monk Fotografía Luis Graillet Vestuario Astrid Valencia y Citlali Imelda Contacto crónico.colaboraciones@gmail.com / Facebook: Jorgito Córdoba

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COLECTIVO QUALQUER

Brasil-España Sábado 25 / 18:00 horas, Salón de Convenciones, Centro de las Artes Unison

GAG Concepto Coletivo Qualquer: Luciana Chieregati (BR) e Ibon Salvador (ESP) Creación e Interpretación Luciana Chieregati Co-dirección Ibon Salvador Acompañamiento Idoia Zabaleta, Rosa Casado, Rafael Lamata, Jaime Vallaure Texto Luciana Chieregati en colaboración con Ibon Salvador, Camila Telléz , Idoia Zabaleta, Rosa Casado, Mike Brooks Sonido Eduardo Zallio Luz Antón Ferreiro Foto Camila Telléz Agradecimientos Luisa Castro, Ignacio de Antonio, Iara Solano, Mike Brooks, Ixiar Rojas, Carolina Campos, Sofia Ascencio, Germán de La Riva, Itsaso Irribaren, Vivian Chieregati Costa, Paulina Chamorro, Carlos Marquerie, Antón Ferreiro, Cris y todos los que en algún momento cruzaran el proceso de investigación de GAG. gag* gag es una pregunta, es un intento de puesta de un problema en escena (problema: algo lanzado ahí delante -arrojar una dificultad a la escena- de la conferencia de Diego Agulló). Una invitación que tiene que ver con la atribución de significados a las cosas, en este caso a un cuerpo que se mueve. Un intento de generar un territorio de imposibilidad de significar desde un exceso de interpretación - ¿vaciamiento?, ¿potencia?, ¿aburrimiento?. ¿Serán los significados una construcción o serán ellos inherentes a la materia que significan? ¿Qué se produce en la sobredosis de significados que interrumpen una lógica de relaciones de superposición entre el cuerpo y las palabras? ¿Qué cuerpo? gag es una pregunta acerca de un cuerpo bailando en escena hoy. *Del término que indica sobre todo algo que se mete en la boca para impedir la palabra, y después la improvisación del actor para subsanar un vacío de memoria o una imposibilidad de hablar.

El Coletivo Qualquer surge en el 2008 en Lisboa a partir del encuentro de Luciana Chieregati e Ibon Salvador, ambos investigadores y coreógrafos. Durante estos años su interés se centra en elaborar piezas de danza en cruzamiento e intersección con la filosofía contemporánea. Invierten energía en la elaboración de trabajos limítrofes y sobre todo investigan la creación de lenguajes desde la coreografía.

Esta preocupación por la organización de los espacios no solo físicos sino también imaginarios y ficcionales, esta preocupación por cómo se inventa “lo real”; es lo que hace que los creadores transiten por diferentes propuestas como la coordinación del espacio de residencias artísticas Seu Vicente en Lisboa y la participación en el Máster en Prática escénica y cultura visual en Madrid, y en talleres, seminarios y encuentros con diferentes coreógrafos contemporáneos. Actualmente el colectivo se afinca en Bilbao y entre otros proyectos está dedicado a la creación de la pieza OVER. www.coletivoqualquer.blogspot.com

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HIROAKI UMEDA Jap贸n

S谩bado 25 / 20:00 horas, Teatro de la Ciudad

Hiroaki Umeda nació en 1977 y actualmente vive y trabaja en Tokyo. Estudió fotografía en la Universidad Nihon Japón y decidió comenzar a bailar a la edad de 20 años.

En 2000, fundó su propia compañía, S20, con la que ha creado piezas originales. Una de ellas, While going to a condition, fue presentada en el Rencontres Chorégraphiques Internationales (Francia) y fue descrita como “una experiencia visual y sensorial, el descubrimiento de un joven artista, tanto original como prometedor”. También presentó Finore (2003) en el Festival FIND (Canadá) y Dúo en el Festival de Danza Panorama (Brasil). Tras una residencia en el Chaufferie (el espacio de ensayo de Philippe Decouflé), interpretó Accumulated Layout en 2007 en el Théâtre National de Chaillot, París. Estas piezas han sido presentadas en importantes festivales alrededor del mundo, como el Kunsten festival des arts (Bélgica), Berbican Centre in Mime (Inglaterra), Festival Rome Europa (Roma), y Festival d’Automne (Francia), entre otros.

altamente abstracta ha sido diseñada para percibirse con la vista periférica. De vez en cuando, este fondo se sincroniza con los sonidos de batería digitalmente generados, que recuerdan ritmos primigenios, y también se sincronizan con los frenéticos y líricos movimientos del bailarín, colocado al centro del escenario.

Con el paso del tiempo, con la coalición de elementos, el valor energético del espacio drásticamente se eleva para alcanzar un punto crítico de densidad de energía. Umeda inicia con el movimiento más general, estar parado, gradualmente toma impulso y en un momento trasciende el estatus físico ordinario para alcanzar un aura física extraordinaria. De lo ordinario a lo extraordinario, y de vuelta a lo ordinario. La audiencia estará viviendo una transformación de distintas formas de estados físicos.

2.- Adapting for Distortion Coreógrafo Hiroaki Umeda Bailarín Hiroaki Umeda Diseño de sonido S20 Diseño de imagen Bertrand Baudry, S20 Coproducción Le Studio – Le Manège, Scène Nationale Maubeuge, Romaeuropa Festival Año 2008

Desde su primera pieza en grupo con bailarines finlandeses en 2008, empezó a dirigir a otros bailarines, lo que llevó a su futuro proyecto de 10 años. En 2010, trabajando con bailarines de hip-hop, presentó 2. Repulsion en Francia. También ha comenzado a trabajar en una pieza con video, sonido e instalación como extensión de su proyecto de solista.

En su trabajo anterior, Accumulated Layout, Umeda afirmó que las texturas físicas en el escenario podían percibirse de manera diferente dependiendo de la delicada articulación de las luces, incluso cuando los movimientos del cuerpo son exactamente los mismos. Continuando con este experimiento óptico, explora más allá de las posibilidades del reconocimiento visual humano. En el piso, en la pantalla y en las mitades derecha e izquierda del cuerpo del bailarín, numerosas líneas moviéndose en diferentes velocidades y direcciones son presentadas en múltiples proyectores.

Hiroaki Umeda es una artista multidisciplinario: coreógrafo, bailarín; diseñador de sonido, imagen e iluminación. Su trabajo es mínimo y radical, sutil y violento, y es creado para ser vivido. Hoy en día es reconocido más como un artista visual que coreógrafo, y más como alguien que se mueve que un bailarín.

Hiroaki Umeda desarrolla un proyecto coreográfico a 10 años, lanzado en 2009, cuyo propósito principal es crear una lógica de movimientos y establecer su propio método de danza.

En este espacio geométrico, infinidad de líneas se cruzan y parpadean –horizontalmente, verticalmente y diagonalmente– y termina en la generación de una visión distorsionada del cuerpo del bailarín mediante una ilusión óptica. Por ejemplo, en proporción contraria a la expansión del espacio entre las líneas proyectadas en la pantalla, el cuerpo se miniaturiza, o de acuerdo al cambio de tamaño del patrón proyectado en el cuerpo, la perspectiva del fondo es distorsionado. El título indica la doble ilusión específica de la visión humana. Para llevar nuestra vida diaria, el ojo humano frecuentemente se ajusta a la verdadera realidad, a una realidad comprensible. Sin embargo, precisamente por esta función de ajuste, la realidad tiene una parcialidad física. Por ende, los humanos reconocen una realidad distorsionada al corregir las distorsiones de la realidad. En esta pieza, varios patrones de ilusiones ópticas son utilizados para representar este complejo proceso receptivo y desarrollar una experiencia que le habla a los sistemas de reconocimiento neuronal de la audiencia.

En este periodo de 10 años: Etapa inicial: Materializar movimientos de la fuerza natural.

Segunda etapa: Basándose en estos movimientos, descubrir elementos e investigar maneras en las que un bailarín puede compartir el espacio.

Tercera etapa: Descubrir e investigar el orden de los elementos y los materiales.

Etapa final: Perseguir cualidades de espacio de ese orden.

1.- While going to a condition Coreógrafo Hiroaki Umeda Bailarín Hiroaki Umeda Diseño visual y de sonido S20 Año 2002 Luz, sonido, imagen y cuerpo – todos estos elementos se mezclan en una unidad híbrida- para exhibir lo que el artista describe como “imágenes de un estado de energía distintivo”. Desde su primer trabajo solista con éxito internacional, la esencia del principio artístico de Umeda está presente. El artista coloca sobre el escenario un lienzo electrónico de luces que parpadean a gran velocidad. Geométrica y monocromática, esta imagen

¿El ojo humano percibe la realidad correcta o, más bien, es todo una ilusión? La exactitud del reconocimiento visual humano es retado.

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