Tesis Universitaria sobre el trabajo de Ivan Castro en el libro Las Maravillas de Guatemala

Universidad Rafael Landivar Facultad de Arquitectura y Diseño Departamento de Diseño Gráfica

Análisis de la fotografía paisajista de Iván Castro para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala” de Banco Industrial de Guatemala Portafolio Académico. Área de Investigación

Mariajosé Fonseca Micheo Carné: 2628507 Guatemala, Enero 2011 Campus Central

Universidad Rafael Landivar Facultad de Arquitectura y Diseño

Análisis de la fotografía paisajista de Iván Castro para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala” de Banco Industrial de Guatemala Portafolio Académico, Área de Investigación.

Presentado al Consejo de la Facultad de Arquitectura y Diseño Por:

Mariajosé Fonseca Micheo Previo a optar al título de:

DISEÑADORA GRÁFICA En el grado de:

LICENCIADA Guatemala, Enero 2011 Campus Central

LISTA DE AUTORIDADES: AUTORIDADES UNIVERSIDAD RAFAEL LANDIVAR: P. Rolando Enrique Alvarado López, S.J.

Rector

Dra. Lucrecia Méndez de Penedo

Vicerrectora Académica

P. Carlos Rafael Cabarrús Pellecer, S.J.

Vicerrector de Investigación y Proyección

P. Eduardo Valdés Barría, S.J.

Vicerrector de Integración Universitaria

Lic. Ariel Rivera Irías

Vicerrector Administrativo

Licda. Fabiola De La Luz Padilla Beltranena

Secretaria General

AUTORIDADES FACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO: MDI Ovidio Morales Calderón

Decano

Arq. Julián Montes De Oca

Asistente de Decanatura

Arq. Oscar Echeverría Cañas

Vicedecano

Arq. Alice María Becker

Secretaria de Facultad

Arq. Rodolfo Castillo Magaña

Director Depto. De Arquitectura

Lic. Andrés Del Valle Sinibaldi

Director Depto. De Diseño Industrial

Lic. Ana Regina López De la Vega de Ceballos MA.

Directora Depto. De Diseño Gráfico

ASESOR: Licda. Patricia Villatoro, M.A.

Asesora Proyecto de Investigación

Licda. Dania Mollineado

Asesora Proyecto de Estrategia

Lic. Gustavo Ortiz, M.A.

Asesor Portafolio Académico

TERNA EVALUADORA: MA. Rosario Muñoz

Área de Investigación

Lic. Christian Montenegro

Área de Estrategia

Lic. Carlos David Cifuentes

Área Digital

CARTA DE APROBACIÓN DEL ASESOR:

CARTA DE AUTORIZACIÓN DE GRABACIÓN:

ÍNDICE: 1. Introducción…………………….……………………………………………………….……. 1.

2. Planteamiento del problema ….…………………………………………………….……... 2.

3. Objetivos de investigación …………………………………………………………….…… 5.

4. Metodología …………………………………………..……………………………….……... 6.

4.1 Sujeto de Estudio 4.2 Objetos de Estudio 4.3 Instrumentos 4.4 Procedimientos 5. Contenido teórico y Experiencias de diseño ………………………………………….…. 9.

5.1 Contenido teórico 5.2 Experiencias de diseño 6. Descripción de resultados …………………………………………………………….…… 58.

6.1 Guía de entrevista 6.2 Guía de observación 7. Interpretación y síntesis ………………………………………………………………….… 76.

8. Conclusiones y Recomendaciones …………………..………………………………….... 97.

9. Referencias ………………………………………………………………………………….. 103.

10. Anexos ……………………………………………………………….…………...………… 107.

10.1: Guía de entrevista 10.2: Guía de observación

RESUMEN: El siguiente estudio, realizado como proyecto de investigación para Portafolio Académico, se baso en la fotografía paisajista de Iván Castro para el proyecto de “Las Maravillas de Guatemala” del banco industrial. Se presenta información recopilada a través de diferentes fuentes sobre la fotografía en general como también sobre la fotografía paisajista, sus características y temas más comunes. Además se contó con el apoyo de Iván Castro quien proporcionó 15 fotografías para poder ser analizadas. Al mismo tiempo aportó información respecto al tema a través de una guía de entrevista. La información recopilada va desde el proceso de producción hasta la post producción o manipulación de las imágenes y sus técnicas.

Esta información reunida permitió realizar una confrontación y análisis de la misma como respuesta a los objetivos planteados al inicio.

INTRODUCCIÓN: La fotografía ha sido un medio de expresión a lo largo del tiempo, la cual ha logrado fusionarse con otras artes, como lo es el diseño gráfico. Ambas se han entrelazado para presentar soluciones visuales, comunicativas que transmiten mensajes específicos a un público determinado. Como respuesta a esta demanda la fotografía se subdivide en diferentes ramas especializadas en un tema en específico. Una de estas es la fotografía paisajista, la cual en Guatemala no ha sido explotada en su totalidad, por lo que al observar el trabajo de Iván Castro Peña en el Proyecto “Las Maravillas de Guatemala” del Banco Industrial, se determinó realizar un proceso de investigación que identificara lo que es la fotografía paisajista, como las técnicas y procesos que se llevan a cabo en los procesos de producción y post producción de la misma.

Para esto se contó con el apoyo de Iván Castro, fotógrafo profesional, quien a lo largo de su corta carrera ha obtenido reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional, su objetivo principal y razón por la que se inició en la fotografía paisajista es el mostrar la maravilla de la tierra guatemalteca y despertar en el espectador el interés y amor por su país.

Se plantea un análisis a partir de la información recabada y de la observación a quince de las fotografías de este artista, el cual, a través de una guía de entrevista, proporciono la información necesaria sobre la fotografía paisajista, sus procesos y técnicas de las que se vale para crear sus obras. La presente investigación enriquecerá la comprensión sobre los aspectos que definen una buena fotografía paisajista tomando como referencia el trabajo profesional de Iván Castro al capturar algunos de los lugares de la belleza de Guatemala, para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala”.

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PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA: La fotografía a través de la historia ha sido el medio por el cual las personas han logrado capturar la historia y esencia de un país. La fotografía en la ultima década ha dado grandes pasos en cuanto a tecnología, anteriormente el sistema para obtención de imágenes era a través de fijar una imagen en material o soporte sensible a la luz, todo esto por medio de reacciones químicas que permiten la fijación de las mismas, conocido como revelado, para lo cual se utilizaba un cuarto oscuro, lo que es conocido como fotografía analógica. Este proceso fotográfico ha quedado atrás y ha sido sustituido por la fotografía digital, la cual ha permitido ampliar el lado artístico y creativo de la fotografía, dando además la ventaje de la rapidez.

La fotografía digital en Guatemala ha sido utilizado como medio de apoyo y comunicación en el área del diseño gráfico y ha permitido a fotógrafos capturar la esencia y riqueza de Guatemala, a través de lo que se conoce como fotografía paisajista. Anteriormente al proceso digital, fotógrafos guatemaltecos haciendo uso del sistema analógico han logrado capturar imágenes de Guatemala que logran transmitir al mundo la esencia y riqueza del mismo. Como pionero en esta área se puede mencionar al fotógrafo Ricardo Mata, quien enamorado de su país, logra retratar lo mejor, con imágenes que han dado vuelta al mundo en publicaciones en casi todos los medios del país y contratado por la National Geographic.

Ricardo Mata ha sido una fuente de aspiración y admiración de muchos fotógrafos en Guatemala, tal es el caso del fotógrafo Iván Castro, quien a través del uso de la fotografía digital paisajista ha logrado retratar escenas Guatemala.

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Cada una de las fotografías capturadas por Iván Castro demuestran el amor a su país, como también la esencia y riqueza que caracterizan a Guatemala. Estas fotografías han sido publicadas en varios medios de comunicación de Guatemala, como Revista D de Prensa Libre, Revista Gerencia, Revista Revue, y Revista Recrearte. Uno de sus principales trabajos es el proyecto “Las Maravillas de Guatemala” patrocinado por el Banco Industrial. Este tuvo sus inicios como un concurso para que las personas de los 22 departamentos nominaran las Maravillas de Guatemala. El concurso consistió en que cada departamento debía nombrar y votar por los lugares mas sobresalientes del área para que estas formaran parte de la campaña. Luego de haber determinado Las Maravillas de cada uno de los departamentos fueron seleccionados 3 fotógrafos para las fotografías de estos lugares siendo uno de ellos Iván Castro, quien realizó un viaje capturando fotografías por toda la región Guatemalteca.

Además de esto Iván Castro cuenta con varios reconocimientos. Sus fotografías han sido utilizadas en diferentes campañas publicitarias a nivel regional.

La fotografía de Iván Castro demuestra un alto nivel de originalidad, planificación y creatividad. Cada una de las fotografías capturadas para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala” han tenido un proceso, que inicia con la determinación de los lugares, luego las diferentes técnicas de la fotografía digital y por último el retoque de las mismas utilizando diferentes técnicas y herramientas. Todo este proceso, da como resultado una serie de fotografías que transmiten al espectador la esencia y belleza de Guatemala.

Por ser un tema poco explorado y documentado es importante analizar todos los aspectos relacionados al proceso de producción y post producción de la fotografía paisajista en esta propuesta.

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Todos esto lleva a plantear las siguientes interrogantes:

PREGUNTAS: • ¿Qué aspectos técnicos y procesos se toman en cuenta para tomar las fotografías paisajistas en el proyecto “Las Maravillas de Guatemala?

• ¿Qué procesos post-producción se llevan a cabo para la selección y retoque de las fotografías paisajistas en el proyecto “Las Maravillas de Guatemala?

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OBJETIVOS: • Identificar el proceso y aspectos técnicos que toma en cuenta Iván Castro en el momento de tomar fotografías paisajistas de Guatemala para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala”.

• Analizar los procesos de selección y retoque de las fotografías paisajistas del proyecto “Las Maravillas de Guatemala” que llevo a cabo Iván Castro en la etapa de post-producción.

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METODOLOGÍA DE INVESTIGACIÓN: Sujeto de estudio: Por ser una investigación de tipo descriptiva y en búsqueda de resultados cualitativos, se realizó una selección por ámbito para investigar la fotografía paisajista de Iván Castro, para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala” del Banco Industrial, las técnicas utilizadas y procedimientos pre y post-producción que lleva cada una de sus fotografías. La selección por ámbito fue debido a que Iván Castro es el único sujeto de estudio, ya que fue el único fotógrafo que realizó el viaje por toda la región Guatemalteca con el objetivo de capturar “Las Maravillas de Guatemala”.

Iván Castro Peña Teléfono: 5528-6031 E-mail: ivanaire@gmail.com Pagina Web: www.ivancastroguatemala.com Portafolio: www.flickr.com/ivancastroguatemala Iván Castro proporcionó información sobre los aspectos técnicos que se consideran y se llevan a cabo en la fotografía paisajista, como también sobre el proceso post producción de las mismas, para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala”.

Objetos de estudio: Se realizó un análisis y selección, de quince fotografías capturadas para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala” en donde se hayan utilizado diferentes técnicas, tanto el proceso pre-producción como en el proceso post producción de las

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fotografías y que al mismo tiempo muestren lo maravilloso de Guatemala a través de la fotografía paisajista de Iván Castro, sujeto de estudio.

Instrumentos: Para conocer sobre el sujeto de estudio y tener conocimiento sobre el tema de investigación, se utilizaron los siguiente instrumentos.

Guía de entrevista: Se llevó a cabo una entrevista dirigida al sujeto de estudio, Iván Castro para lograr así recopilar la información necesaria sobre la fotografía paisajista, el proceso y técnicas utilizados en el proceso de producción y post producción de las mismas.

Guía de observación: Se seleccionaron 15 fotografías del archivo del sujeto de estudio, capturadas para el proyecto de “Las Maravillas de Guatemala” las cuales fueron analizadas de acuerdo a la información recopilada.

Los parámetros que se observaron son: Características de una fotografía paisajista, aspectos técnicos, temas, planos, ángulos, composición utilizada, entre otros.

Procedimiento: 1. Planteamiento del Problema 2. Planteamiento de Interrogantes y objetivos de la investigación 3. Redacción de la Metodología. a. Sujeto de Estudio b. Objetos de estudio c. Instrumentos d. Procedimientos

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4. Investigación y desarrollo del contenido teórico y experiencia de diseño 5. Desarrollo de instrumentos 6. Aplicación de instrumentos 7. Presentación de resultados .

8. Interpretación y síntesis de los resultados obtenidos a través de la entrevista, guía de observación y contenido del marco teórico.

9. Redacción de conclusiones y recomendaciones 10. Clasificación y Redacción de referencias 11. Introducción

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CONTENIDO TEÓRICO Y EXPERIENCIA DE DISEÑO: Contenido teórico Fotografía: La fotografía se puede definir como el arte y la ciencia de capturar y reproducir imágenes por la acción de luz, en un material sensible a esta, gracias a procesos fotoquímicos que logran fijar la imagen. El término fotografía esta conformado por dos palabras de raíces griegas que al unirlas significan escritura, según Enciclopedia Barsa (1964).

Historia de la fotografía: Según Bauret (1992) la historia de la fotografía se basa en parte en la evolución de tres fundamentos técnicos principales: la luz, condición de la fotografía, la existencia de un soporte en el que se materializa la imagen y diferentes formatos que sirven de base a la composición de esta misma imagen. En cada uno de estos tres niveles, de manera más o menos matizada se puede considerar esta historia como fruto de una interacción. Por un lado, la aparición de nuevos instrumentos produce nuevas imágenes, por el otro, exigencias y necesidades en el plano de la creación visual favorecen y alientan algunos descubrimientos técnicos.

Las primeras fotografías datan de comienzos del siglo XIX. Desde entonces hasta acá la fotografía ha tenido grandes cambios y avances tecnológicos en sus procedimientos empleados, guardando siempre los principios que surgieron desde el inicio de la fotografía. En la historia y desarrollo de la fotografía no existe un único inventor al que se le pueda atribuir este descubrimiento. En 1802 Tomas Wedgwood, reveló que había tratado de hacer fotografías sobre papel por medio de la cámara oscura. En 1827 el francés Joseph Nicéphore logró las primeras imágenes con la vista del patio de

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su casa utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de judea y fijadas con aceite de lavanda. Utilizó una cámara oscura modificada plasmando así la primera fotografía permanente de la historia.

De acuerdo a Fotonostra (2010) en 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones. En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.

Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Kodak.

En 1923 aparece la primera cámara de 35mm, creada por Oscar Barnack. Una cámara que era versátil y ligera, la cual permitía un fácil manejo, por lo que rápidamente se hizo famosa. En el año 1948 aparece la primera cámara que tenía la característica de obtener un revelado en 60 segundos, conocida como fotografía instantánea creada por Polaroid. En 1990 se da inicio a lo que se conoce como fotografía digital.

Fotografía digital: La fotografía digital ha venido a revolucionar y abrir las puertas de la fotografía al mundo entero. Según Ang (2001) la fotografía digital no es sólo una nueva forma de captar imágenes, además proporciona nuevas técnicas para modificarlas después de la toma. Su aparición cambió el modo de entender el proceso fotográfico como se conocía. La velocidad y la comodidad son las ventajas principales de ésta, además de que se pueden generar un número ilimitado de imágenes sin necesidad de papeles o productos químicos.

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La fotografía digital hace uso de un equipo electrónico para crear y almacenar imágenes que se captan por medio de un sistema de lentes. Si se utiliza una cámara digital durante la toma, el proceso por consiguiente será totalmente digital, desde el inicio hasta el momento de su reproducción o impresión. En una cámara digital, una serie de censores electrónicos se encargan de convertir la luz en cargas electrónicas, luego un circuito electrónico mide las cargas y las codifica para que un ordenador las pueda leer sin problemas. ¿Qué es una imagen digital?

Las imágenes digitales son el resultado de una mezcla de colores cada uno definido por una serie precisa de números.

Una imagen digital esta formada por millones de pequeños cuadros llamados pixeles. Estos bloques están dispuestos en una matriz, denominada mapa de bits. Cada pixel está formado por su código de color original, semejante a una fórmula o receta de color. Cuando las ondas de luz alcanzan los censores o las células individuales del captador (CCD o CMOS), el resultado es un pixel por cada censor (Daly 2004).

ASPECTOS TÉCNICOS DE LA FOTOGRAFÍA: Sensibilidad ISO: De acuerdo a Daly. (2004) el acrónimo ISO (International Standards Organization) es un término usado en fotografía convencional para indicar la sensibilidad de la película a la luz. Para poder trabajar con diferentes niveles de iluminación, se fabrican emulsiones de distinta sensibilidad, por ejemplo, ISO 50, 100 y 800. Al doblar el valor de este índice, el material sensible precisa sólo la mitad de luz para registrar una misma imagen. Si el valor ISO se divide por dos, ejemplo de 400 a 200 se necesita el doble de luz. La mejor calidad de imagen se consigue con los valores ISO más bajos. El ruido es uno de los elementos de la imagen digital que está estrechamente relacionado con el valor ISO. Cuando se seleccionan ajustes ISO elevados y se registran imágenes con niveles bajos de iluminación, la falta provoca la aparición de pixeles erróneos, llamados ruido. El capturador crea pixeles rojos o verdes para rellenar los datos perdidos.

Un número elevado de ellos produce una apreciable pérdida de detalle y nitidez.

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Abertura y niveles de iluminación: Para poder fotografiar en diferentes condiciones de iluminación, los objetivos incorporan un diafragma que regula la abertura efectiva. Esta abertura se mide según una escala internacional: f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22. Cuando los niveles de iluminación son bajos se debe seleccionar una abertura grande, y, cuando la iluminación es muy intensa, una abertura pequeña. El diafragma esta fabricado con precisión para dejar pasar la cantidad exacta de luz.

Profundidad de campo: Gallotti (1980). indica que, es la zona dentro de la cual el objeto u objetos fotografiados aparecen con mayor nitidez en la fotografía.

Profundidad de campo es un término que indica la zona de suficiente nitidez por delante y por detrás del plano de enfoque. La profundidad de campo depende de dos factores: el valor de abertura seleccionado y la distancia de la cámara al motivo. Los diafragmas cerrados, como f/22 crean una profundidad de campo mayor que los diafragmas abiertos, como f/2.8 (Daly. 2004).

Profundidad de campo reducida: Este efecto se usa para emborronar el detalle del fondo y dar mayor énfasis al motivo principal. Se consigue ajustando un diafragma abierto, como f/2.8, o f/4, y cerrando el encuadre del motivo. Los fotógrafos de naturaleza usan esta técnica para centrar la atención en el motivo.

Gran profundidad de campo: Se consigue ajustando diafragmas cerrados, como f/16 o f/22. Es útil cuando se quiere registrar con nitidez toda la escena, desde el primer plano hasta el fondo. Esta técnica la emplean principalmente, los fotógrafos de arquitectura y de paisajes.

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El obturador: Éste controla el tiempo que el captador está expuesto a la luz. Las velocidades de obturación se miden sobre una escala estándar en fracciones de segundo, en vez de usar valores decimales. La numeración va del siguiente modo: 1/1.000, 1/500, 1/250, 1/125, 1/60, 1/30, 1/15, 1/8, 1/4, 1/2 y 1. A 1/1.000 de segundo, el extremo superior de la escala, el obturador permanece abierto durante muy poco tiempo, mientras que a 1/2 segundo, el obturador permanece abierto durante más tiempo.

Velocidades lentas:

Para crear intencionalmente imágenes borrosas hay que seleccionar una velocidad lenta. El

movimiento puede usarse para dar sensación de actividad y acción.

Velocidades rápidas: Para congelar el movimiento en escenas de acción, la velocidad de obturación es esencial. Como las velocidades rápidas exponen el captador durante un período de tiempo muy breve, es necesario ajustar un diafragma muy abierto para compensar. Si la cantidad de luz es insuficiente para seleccionar velocidades rápidas, puede incrementarse el valor ISO, por ejemplo de 200 a 800.

La Luz: Para Edward Weston, citado por Shaw (1997). “El elemento mas importante con el que el fotógrafo debe lidiar es la luz.

La cámara, los lentes, la película y el papel de impresión tienen un solo propósito: capturar y presentar la luz”.

La gran fuente natural de luz es el sol. La luz blanca que produce este, es una mezcla de los colores rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul y violeta. Cada tiempo del día tiene sus propias características y cualidades en cuanto a la luz, como también en el clima y las estaciones. Estas características producen en las fotografías diferentes escenas, sensaciones y sentimientos (Nightingale. 2009).

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De acuerdo a Freeman (2003) la luz es la esencia del paisaje. La calidad de la luz diurna es lo que da o quita vida a cualquier paisaje y contribuye a su atmosfera más que ningún otro factor. Varía con la hora del día, la estación y el tiempo, y si se sabe sacar el máximo provecho, las posibilidades serán ilimitadas.

Por la mañana cuando el sol no ha asomado en el horizonte, se tiene una tonalidad gris para el ojo humano, lo cual se da por la luz del sol reflejada en el cielo azul, las fotografías poseen una dominante azulada, por lo que las imágenes adquieren una tonalidad fría. A medio día con el sol en el cenit, el color es más neutro, aunque la iluminación suele ser dura, y por la tarde la luz se vuelve rojiza y cálida.

En la fotografía paisajista lo que determina la calidad de la luz es parte objetivo (como la textura de las rocas o de los campos, o los colores y los reflejos de estos) y en parte subjetiva. La luz oblicua, que en paisajes planos significa que el sol esta cerca del horizonte, es objetivamente útil, y en general tiende a gustar al espectador. Con tiempo claro, poco después de la salida y antes de la puesta, es bastante posible que la luz ilumine todo el paisaje, dependiendo si se dispara con el sol detrás, a un lado o delante. La luz suave de un día lluvioso puede ayudar a saturar los colores, es ideal para fotografiar jardines y zonas verdes.

Dirección de la luz: Este factor es decisivo en el registro de imágenes. La luz se propaga a través de un medio, a través del aires, la cual se propaga en línea recta, pero cuando choca con la superficie de un cuerpo o encuentra otro medio, la luz puede ser reflejada o rebotada hacia su medio original, transmitida la cual sigue propagándose a través del nuevo medio, o absorbida cuando es convertida en el nuevo medio de energía, como el calor.

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Intensidad: Es la cantidad de luz que emite una fuente luminosa en la unidad de tiempo. Uno de los retos de iluminar en medios visuales es el de lograr la intensidad de luz necesaria. Todas las cámaras requieren cierta cantidad de luz para logar su desempeño óptimo.

Tipos de luz: Luz principal o key light: Es la fuente principal de luz. Ofrece el efecto principal de modelaje del sujeto y satisface los requerimientos básicos para la toma de fotografías. Para algunos es el punto de referencia en base al cual se colocan y ajustan las luces. Por su ubicación la luz principal crea inevitables sombras en el lado opuesto a su ángulo. En el caso de la luz natural (sol) la luz directa frecuentemente hace los objetos planos, pero si se coloca el sol en un leve ángulo sobre la dirección del hombro en lugar de tener la luz directamente atrás, crea sombras, contrastes y texturas en la composición fotográfica. Este tipo de luz generalmente resalta los colores en los paisajes y permite capturar mejor los detalles (Freeman. 2003).

Ubicación: Se coloca frente al sujeto, un poco lateralizada o en diagonal con respecto a la posición de la cámara, y en ángulo de elevación con respecto a la línea de unión entre la cámara y el sujeto. Normalmente se recomienda buscar un ángulo de 45º.

Luz de relleno o fill light: Es usada para suavizar las sombras que produce la luz principal. Si se eliminan completamente las sombras producida por la luz principal, destruirán el efecto de modelaje de que produce la luz principal, por lo que se producirá una imagen plana.

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Ubicación: Se coloca del lado de la cámara, opuesto a la luz principal en ángulos de alto y ancho iguales a los usados en la luz principal, a fin de lograr los mejores resultados, lo ideal es que la luz de relleno sea difusa y no direccional.

Luz lateral: La luz lateral puede crear efectos dramáticos que llamen la atención en una fotografía. Se logra iluminando completamente uno de los lados del objeto y fundiendo la otra parte en una sombra profunda. La luz natural permite acentuar y resaltar formas y patrones.

Contraluz o back light: Forma un halo de luz alrededor de la cabeza y hombros del sujeto, ilumina los lados y provoca así la captación de una tercera dimensión o profundidad. Tiene la función también de separar el sujeto del background. La luz natural solar, en el momento de estar ubicada en la parte de atrás del sujeto u objeto, produce siluetas. Cuando se fotografía un amanecer o un atardecer siempre se esta capturando una escena con contraluz.

Ubicación: Se coloca detrás del sujeto.

El flash: El flash es una herramienta que puede ser utilizada para dar luz a diferentes objetos en la composición. Al momento de hacer uso de éste se debe considerar en lo mucho o en lo poco de luz que se desea añadir. En interiores con poca luz, el flash añade un breve destello que elimina el efecto de la luz ambiente, lo cual produce imágenes planas.

En el caso de la utilización del flash como relleno, se consigue aumentar la saturación cromática de los objetos que se encuentran situados en el primer plano de la composición. La mayoría de los flash utilizados actualmente poseen características que permiten ajustar la salida (Daly. 2004).

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Bracketing: Cuando se habla de luz en la fotografía paisajista, normalmente va acompañado de una de las técnicas más utilizadas en la fotografía paisajista en el proceso de producción, el “Bracketing”. Esta técnica de acuerdo a Caputo (2007) consiste en realizar una serie de tomas con diferentes exposiciones usando varias velocidades con la misma apertura. Esta técnica es utilizada por los fotógrafos cuando se considera que los valores correctos de exposición no se alcanzan, es decir existe una sobre exposición o sub exposición. Usualmente se realizan tres tomas, cada una con diferentes valores de exposición, la primera con una exposición OEV (valor de exposición), la segunda con +2EV y la ultima con -2EV, estos valores pueden variar de acuerdo al objetivo y composición que se desea.

PhotoShop (2007) indica los pasos que se deben llevar a cabo en el momento de producción haciendo uso de esta técnica: • Colocar la cámara en un trípode.

• Tomar suficientes fotografías con distintas exposiciones. El número mínimo de fotografías debe ser tres.

• Variar la velocidad del obturador para crear distintas exposiciones. Al cambiar la apertura se modifica la profundidad de campo de cada exposición y puede producir resultados de menor calidad. Cambiar el valor ISO o la apertura también puede provocar ruido o viñetas en la imagen.

• Como norma general, no utilizar la función de horquillado automático (Automatic Bracketing) de la cámara, porque los cambios de exposición suelen ser demasiado pequeños.

• Las diferencias de exposición entre fotografías deben ser de uno o dos pasos EV (valor de exposición), que equivale a uno o dos números f de apertura del diafragma (F-Stop) aproximadamente.

• No variar la iluminación; por ejemplo, no tomar una fotografía con flash y la siguiente sin flash.

• Asegurarse de que no hay ningún elemento en movimiento en la escena.

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Exposición: +2EV

Exposición: 0EV

Exposición: -2EV

Fuente: Vincent Bockaert (2010)

El lente y sus diferentes tipos: Para Shaw (1194) La fotografía es una forma de ordenar el mundo que rodea al ser humano. Al tomar una fotografía, se enfatiza en un aspecto de la experiencia, eligiendo exactamente lo que se desea retratar, aislando el tema, y decidiendo cuánto incluir en el marco, en la composición. Se le da importancia a ese tema a través de las elecciones que se hacen, el punto de vista de la fotografía, y las herramientas que se utilizan. El principal de estos instrumentos es el lente, el cual tiene la propiedad de afectar el punto de percepción en una fotografía.

Los dos aspectos mas importantes en un lente son: la amplitud o longitud focal y su apertura máxima; este último indica la velocidad de apertura. La longitud focal se define como la distancia entre el centro óptico del lente o plano nodal posterior y el foco (o punto focal) cuando se enfoca al infinito. Esta distancia es casi siempre medida y expresada en milímetros. Cualquier lente con una longitud focal numérica mayor que la estándar de 50mm, es llamado generalmente “teleobjetivos” y los menores del valor estándar son denominados “gran angulares”.

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Existe una relación directa entre la longitud focal de un lente y dos subproductos: el ángulo de visión del lente, y el tamaño de imagen que produce. Ángulo de visión se refiere a cuánto ve, cuánto de una escena abarca y captura desde cualquier lugar de disparo determinado, es el ángulo de visión. Cuando el ángulo de visión disminuye la longitud focal aumenta, en cualquier ubicación o posición mientras mas larga sea la longitud focal, el lente capturará menos porción de la escena.

Lente de 24 mm.

Lente de 35 mm.

Lente de 50 mm. (Shaw. 1994)

Lentes gran angulares: Los lentes gran angulares como su nombre lo indica toman un amplio campo de visión, todos lo lentes gran angulares van desde 35mm y menores. Tienen la cualidad de descomprimir un paisaje, haciendo que los objetos distantes se vean aún más lejos mientras al mismo tiempo acentúa y resalta los objetos más cercanos, enfatizando el espacio entre el primer plano y el fondo. Las fotografías paisajistas en su mayoría son tomadas utilizando este tipo de lente por la simple razón que se logra captar más en una escena (Shaw. 1994).

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Lentes normales: Según Martínez (2008) en el formato de 35 mm, un lente de 50 mm a 55 mm se considera "normal".

Un lente normal ofrece un ángulo de visión aproximadamente igual al del ojo. Excepto en primeros planos exagerados, un lente normal genera fotos de aspecto "natural" o en perspectiva, sin distorsión. La escena de una fotografía se parece mucho a como se recuerda. Antes de que los lentes con zoom se hiciesen tan populares, casi todas las cámaras se vendían con un lente de 50 mm. Algunos fotógrafos todavía lo utilizan ya que es útil cuando hay poca luz y produce una calidad de imagen excelente.

Lentes teleobjetivos: Los lentes teleobjetivos tienen el efecto contrario que los gran angulares, éste tipo lente hace que los objetos se vean más cerca y grandes, además comprime la distancia que existe entre el fondo y el objeto. Tiene un ángulo de visión estrecho en comparación con un lente normal o gran angular, por lo que capturan un área menor de la escena. Los lentes teleobjetivos pueden ir desde 85mm hasta 600mm o más. Los lentes teleobjetivos pueden hacer que el sujeto o objeto llene el marco de la composición, además acentúa las líneas guías, texturas y patrones del mismo, permite también excluir todos aquellos elementos que no se desean dentro de la escena.

Lente normal

Lente teleobjetivo (Shaw, 2010)

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COMPOSICIÓN: Punto focal: El punto focal es el sujeto principal de una fotografía, ya sea que se trate de un edificio o una persona. En otras palabras, el punto focal es el punto en el que se posa la vista, por atracción natural, en una fotografía. Cuando el sujeto es demasiado grande como para que se le considere el punto focal (como sería el caso un paisaje, por ejemplo) se debe intentar detectar otro punto focal que le de mayor relieve a la imagen a la vista del espectador. Los puntos focales segundarios añaden interés a los paisajes.

Regla de los tercios: Johnson (1999) indica, que la regla de los tercios puede ayudar a dotar a las fotografías de cierto equilibrio. Si se trazaran líneas en una fotografía para dividirla en tres partes, la imagen se dividiría en nueve zonas, con cuatro ángulos interiores completos. Estas esquinas son los “puntos estratégicos” de la fotografía. Si se coloca algo, por lo general el sujeto, en las líneas de los tercios o directamente en uno de los puntos estratégicos, seguramente se conseguiría una composición interesante.

Encuadrar la fotografía: Muchos tipos de fotografía lucen bien si se les encuadra con base en algún elemento presente en la escena. Tal elemento puede ser un objeto natural, como un árbol o algo hecho a mano, como una puerta.

Normalmente se debe buscar que el elemento de encuadre este enfocado de igual manera que el sujeto, de manera que es preciso enfocar a partir del objeto más distante y aplicar una abertura reducida. No obstante, a veces conviene permitir que el encuadre esté desenfocado.

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El horizonte: Según Johnson (1999) el horizonte no debe colocarse en el centro la imagen, puesto que el horizonte es un elemento muy importante en muchas fotografías, es razonable situarlo en la línea horizontal superior o inferior de la fotografía. Si la imagen es un paisaje con cielo, la lógica impone ubicar el horizonte en la línea horizontal inferior. Las imágenes marítimas suelen beneficiarse de la colocación del horizonte en la línea horizontal superior.

Las líneas para dirigir la mirada del espectador a través de la fotografía: Las líneas pueden generar una sensación de profundidad y perspectiva que a menudo se pierde en la fotografía bidimensional. Se les puede formar en casi cualquier situación: una fila de árboles, la forma de un rascacielos desde abajo, el trayecto que sigue una cerca, etc.

Usar el frente para equilibrar el fondo: Si se pretende fotografiar un sujeto distante, como un paisaje natural o urbano, puede servirse del clásico truco de colocar algo de interés al frente para suscitar una sensación de equilibrio. Los ojos del espectador se dirigirán de inmediato al objeto del frente, desde donde se desplazaran posteriormente al fondo, técnica muy eficaz para agregar profundidad, perspectiva y escala a una fotografía.

El espacio negativo: El espacio negativo se refiere al espacio vacío entre el elemento o sujeto y el marco. Pero este espacio negativo tiene la cualidad de reforzar y enfatizar el objeto o punto de interés. El espacio negativo se utiliza para dar una sensación de aislamiento y soledad. El fotógrafo debe pensar en este espacio como uno más de los elementos dentro de la composición.

Diseños y patrones: La naturaleza presenta gran cantidad de diseños y patrones, grandes, pequeños, de todas las formas y colores. Estos elementos hacen que una fotografía sea más dinámica e interesante. El diseño o patrón de un objeto puede llegar a convertirse en el tema de la fotografía o pueden reforzar el punto de interés para el espectador (Caputo. 2007).

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Simetría y asimetría: La composición mas sencilla es la simétrica, en la que elementos de idéntico impacto visual se colocan a cada lado de una línea vertical imaginaria, como si uno fuera el reflejo del otro. Tiene un aspecto serio, completo y a veces solemne.

Un buen punto de partida consiste en colocar los elementos principales de una

composición en el centro del encuadre hasta conseguir un equilibrio a lo largo del eje horizontal o vertical. La simetría es muy utilizada en la fotografía arquitectónica y paisajista.

La asimetría, por el contrario, en una composición, el lugar exacto del eje no es perceptible. Se logra cuando los elementos no se sitúan en forma simétrica a ambos lados del eje imaginario. El éxito en una composición asimétrica está en la falta de conformidad.

Tipos de planos: Normalmente el plano se clasifica tomando como referencia la figura humana. Así los planos más usuales toman el nombre de la parte del sujeto que encuadran.

Gran plano general o panorámico (Extreme Long Shot): Encuadra un amplio paisaje en el que, el escenario es protagonista por encima de la figura humana. Es una vista muy amplia donde lo que predomina es el paisaje.

Castro (2009).

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Plano general o completo (Long Shot o Full Shot): Presenta al sujeto de cuerpo entero en el escenario que se desarrolla la acción. Este plano se encuentra determinado por la altura que cubre al personaje o a los personajes completos de la cabeza a los pies.

Castro (2009).

Plano americano (Knee shot o American shot): El encuadre corta al sujeto por la rodilla o por debajo de ella. Este acercamiento permite una clara identificación del personaje.

Plano americano (Castro 2009).

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Plano medio (medium shot): Cortan al sujeto justo por debajo de la cintura. Encuadra la figura desde la cintura para arriba y la reducción del entorno es mayor que la anterior.

Plano medio (Castro 2009).

Primer plano (Close-up): Encuadra la figura humana más o menos del cuello hacia arriba y esta porción ocupa casi todo el cuadro. Éste es el plano expresivo por excelencia.

Primer plano (Close – up)

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Primerísimo primer plano (extreme close up): Encuadra un detalle del rostro, los ojos, labios, etc.

Primerísimo primer plano (extreme close up) Castro (2009).

Ángulos de toma: Los ángulos de una fotografía dependen de la posición de la cámara en relación con el objeto o escena.

Xatakafoto (En Red 2010)

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Frontal o normal: Este ángulo de toma indica, una visión racional y segura. Está muy asociado con las visiones “normales” y familiares propias de la vida cotidiana, por lo cual, su abuso en medios visuales puede dar por resultado versiones perceptualmente empobrecedoras. Por otra parte no incrementa la impresión de tridimensionalidad.

Picado: Con la representación de arriba hacia abajo, se minimizan los detalles del objeto o personaje reproducido. Las imágenes que resultan de estos ángulos de toma ofrecen una visión poco familiar de la realidad, y desde un punto de vista subjetivo, pueden significar debilidad, opresión, devaluación.

Plano frontal

Picada, Castro (2009).

Contrapicada: De abajo hacia arriba, acentúa el tamaño: personajes u objetos aparecen proporcionalmente como de mayores dimensiones. Desde el punto de vista subjetivo, el efecto que producen es de engrandecimiento.

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Nadir: La cámara esta en posición de contrapicado extremo.

Contrapicada (Castro, 2009).

Nadir

Cenital: La cámara está en el cenit es una posición picado extremo.

Castro, (2009).

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FOTOGRAFÍA PAISAJISTA: Shaw (1994) indica que la fotografía paisajista abarca el entorno que rodea al ser humano. Puede ser una fotografía de un gran paisaje, un horizonte distante, un paisaje muy íntimo capturado a corta distancia, con el primer plano inmediatamente delante de la cámara, incluso podría ser una serie de fotografías de una cantidad de detalles y cosas pequeñas que visto en su conjunto, constituyen dos puntos de vista: Los paisajes están en todas partes, alrededor del ser humano; el hombre se mueve a través de un caleidoscopio en constante evolución de las imágenes escénicas.

Freeman (2003) comenta que el paisaje es uno de los motivos fotográficos más populares, no solo porque encierra la historia del tiempo, también porque invita a la contemplación y evoca sentimientos. Uno de los atractivos de la fotografía paisajista es la posibilidad de realizar interpretaciones personales. Casi todas las vistas fotográficas se pueden tratar de forma nueva, la clave es reconocer exactamente qué es lo que atrae de un paisaje, como por ejemplo la frescura de los campos al amanecer, la exuberante vegetación de un bosque, etc.

Según Digicamhelp (2010), fotografía paisajista no es tanto acerca de lo que figura en la imagen, pero lo que representa alrededor de un lugar. Una fotografía del paisaje puede ser una imagen de gran ángulo de un antiguo lago o una puesta de sol del océano, podría muy bien ser una planta en suspenso en un estanque de invierno. Si el lago, la puesta del sol y la imagen latente de cada planta revelan algo importante sobre un lugar, sus habitantes, o de sus condiciones y provoca una respuesta emocional en el espectador, califican como fotografías de paisajes.

Una fotografía paisajista es mucho más que un mero registro de un lugar que se visitó una vez, porque siempre implica una perspectiva individual. No hay tal cosa como una fotografía de paisaje puramente objetiva. El tomar una foto debe implicar una serie de decisiones conscientes que pueden controlar la percepción de los espectadores de la escena. El

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fotógrafo puede elegir exactamente qué fotografiar y qué parte de esa incluir en el cuadro, en efecto, le está diciendo al espectador lo que es importante acerca de una escena mediante la limitación de lo que él o ella pueden ver (Shaw, 1994).

Para Caputo (2007), una excelente fotografía paisajista, celebra y resalta la magnifica diversidad del planeta tierra, es representar la tranquilidad y al mismo tiempo la majestuosa belleza. Cada bosque, desierto, planta, océano o pantano tiene sus propias características y cualidades que lo diferencian de los demás. El fotógrafo paisajista debe ser capaz de captar esas cualidades y características únicas del lugar, debe además capturar el sentimiento que transmite. Una fotografía paisajista no es únicamente de un lugar, es sobre el lugar. El lugar o locación tiene sonidos, olores, se puede sentir, en ocasiones hasta tiene cierto sabor, como la brisa del océano, una fotografía paisajista debe evocar todos los sentidos en el espectador.

Al momento de seleccionar la escena se debe pensar en adjetivos, como por ejemplo una ceiba majestuosa, una casa vieja o desolada, un exuberante jardín, etc. Luego buscar la forma de enfatizar sus características tomando en cuenta los aspectos técnicos y la luz que permitirán transmitir el espíritu como la esencia del lugar. Cundo se observa un paisaje, el ojo viaje a través de éste y se enfoca en un elemento que parece interesante. El campo de visión del ser humano abarca una gran porción de la escena, el ojo y el cerebro son capaces de ignorar los elementos que no son interesantes, pero el lente y los censores de una cámara no pueden hacer esto por ellos mismos, por lo que necesitan ayuda. La fotografía paisajista necesita de una investigación previa para poder determinar el lugar de trabajo, además la investigación debe continuar en el área, se debe inspeccionar, descubrir los puntos clave que permitirán una buena fotografía. El tiempo dedicado a este proceso es la mejor inversión en la fotografía paisajista.

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Principales temas en la fotografía paisajista: Según Caputo (2007), los temas principales de la fotografía paisajista son: Agua corriendo: Cuando se está fotografiando un paisaje en donde un arroyo lo recorre, se debe pensar primero en la característica principal de éste y como será transmitida al espectador. Un río con una corriente lenta se mira y se siente de diferente manera a un río con una corriente fuerte, recorriendo una montaña. En una fotografía el agua puede ser el centro de interés, o puede servir como un elemento en la composición, como una diagonal o una línea guía horizontal, o como una figura que complementa otros elementos en la composición.

A la hora de fotografiar una corriente se determina primero la característica o cualidad más importante, puede ser claridad o su velocidad mientras choca contra las piedras, luego se determina la velocidad de la toma y la apertura del lente.

Para mostrar la claridad del agua se toma en una velocidad de disparo alta para evitar la difuminación, pero además se debe tener profundidad de campo para poder captar los otros elementos que lo acompañan. Si por el contrario es velocidad lo que se esta tratando de transmitir, se utiliza una velocidad de disparo lenta, que permita que el agua se difumine.

Castro, (2008).

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Bosques: El fotografiar bosques presenta ciertos retos para el fotógrafo. Primero se debe analizar la escena, pensar en el sentimiento que se quiere representar en la imagen, si se quiere dar un sentimiento de oscuridad o por el contrario se quiere representar un bosque iluminado y con viento, luego como cualquier otra foto buscar un punto de interés que puede ser desde un tronco caído hasta la entrada de luz en la cima de los árboles, lo cual guiará al espectador. Se deben buscar además elementos como líneas, patrones o texturas que le darán un interés extra a la composición. En este tipo de fotografía se recomienda utilizar lentes gran angulares como teleobjetivos que permitan mejores efectos.

Castro, (2009)

Llanuras y praderas: Los espacios abiertos como las llanuras y las praderas son de los temas más complicados en la fotografía paisajista, ya que normalmente carecen de un punto obvio de interés y se debe recordar que el espectador necesita de algún elemento en el cual enfocarse. Para solucionar esto se debe buscar un elemento peculiar que transmita una idea del lugar y que pueda ser usado como elemento para determinar la escala del lugar. En este tipo de fotografía es importante recordar la regla de los tercios y del horizonte.

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Ley del Horizonte Castro, (2009).

Desiertos: En el desierto el problema mas grande es el calor y el sol tanto para el equipo como para el fotógrafo. En este caso se debe buscar capturar la naturaleza única del lugar y la belleza del desierto. A la hora de medio día se puede utilizar un lente teleobjetivo que capture las olas producidas por el calor. En este caso también se recomienda utilizar lentes gran angulares que transmitan la grandeza del lugar, o teleobjetivos que muestren la naturaleza luchando por sobrevivir.

Castro, (2009)

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La costa: En la fotografía de la costa de los océanos, de igual manera que en cualquier fotografía se debe pensar en qué es lo que se quiere transmitir, una escena de una isla con arena blanca y tranquila, o las olas provocadas por una tormenta rompiendo contra las piedras, o una agitada playa turista. Además en este caso la luz es de suma importancia, por lo que se debe analizar cuál es la mejor hora para poder capturar el sentimiento y esencia del lugar.

Castro, (2009).

Montañas: Usualmente para fotografiar una montaña conlleva escalar y buscar los puntos más interesantes para logar transmitir ese sentimiento de grandeza al espectador. En el caso de la fotografía de montañas los lentes gran angulares y teleobjetivos son de gran utilidad. Los ángulos en la composición y la luz juegan un papel muy importante, estos elementos reflejan el espíritu de la montaña.

Castro, (2009)

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Aéreas: Las fotografías aéreas permiten captar la extensión y geografía de un lugar. Éste tipo de fotografía permite tener otro punto de visión de ciertas cosas familiares; un ángulo al cual el ojo del ser humano no está acostumbrado. Este tipo de fotografía tiene un grado de dificultad ya que normalmente el fotógrafo esta en movimiento a la hora de capturar la escena, pero igualmente debe tener en mente todos los aspectos técnicos como las reglas de la composición.

Usualmente las fotografías áreas revelan patrones y diseños que resultan interesantes al espectador. Para tomar fotografías aéreas la velocidad del disparador generalmente debe ser alta, depende de la altitud en la que se encuentre, ya que si la altura es mayor la velocidad puede ser reducida.

Castro, (2009).

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Presencia humana: Dentro de la fotografía paisajista no se puede dejar de lado la presencia humana, la cual puede ser buena ya que muestra un contraste entre el paisaje natural y las cosas humanas. Además los caminos de trenes, carreteras, postes, cercas y caminos pueden ser útiles como líneas guías para la composición.

Castro, (2009).

Las estaciones y el clima: Los lugares se pueden ver y sentir diferentes en distintas épocas del año, las cualidades de cada una de las temporadas puede ser utilizada para reforzar el mensaje en una fotografía paisajista. La esencia y sentido de una escena puede cambiar dramáticamente dependiendo de la estación. Cada época o estación posee diferentes elementos, como lo es la luz; la luz de invierno es completamente diferente a la de verano tanto su intensidad como su dirección, la vegetación al igual cambia de acuerdo a la estación, por lo que éstas características permitirán al espectador ubicarse en el tiempo.

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Días soleados: Las fotografías de días soleados son las más comunes en la fotografía paisajista, son el tipo de fotografía que atrae a una persona, y normalmente éstas fotografías se miran y se sienten bien. Es importante tomar en cuenta los aspectos de la luz en el día, se aconseja tomar las fotografías con la luz de la mañana o por la tarde, la cual permitirá obtener mejores imágenes, harán que el paisaje sea percibido mejor. Esta regla no es general, de igual manera se pueden tomar fotografías al medio día, que darán un efecto más severo y fuerte.

Días nublados: En muchas ocasiones se piensa que en los días nublados no se pueden tomar buenas fotografías, pero estos días intensifican el paisaje. Los días nublados pueden evocar un sentimiento muy diferente al de los días soleados. En éste tipo de fotografía se pueden buscar nubes y patrones en el cielo que pueden ser incluidos en la composición. Se debe tener cuidado además a la hora de medir la luz, ya que el medidor de la cámara puede dar subexposición.

Lluvia: La lluvia puede producir imágenes llamativas y bellas. La lluvia le agrega a la escena cierta atmosfera, especialmente en fotografías que transmitirán un sentimiento. Primero se debe pensar como se desea que la lluvia sea percibida. Las gotas de lluvia normalmente no salen bien cuando tienen únicamente luz de fondo, deben tener algo oscuro en el fondo para que puedan ser percibidas. Si en cierto caso se desea que la lluvia aparezca como congelada, detenida en el tiempo se debe usar una velocidad de por lo menos 1/125. Si lo que se desea es que aparezcan como líneas verticales cayendo debe estar a 1/60, las cuales se harán más grandes en relación a la disminución de la velocidad.

Niebla o bruma: En la fotografía paisajista existen muchas razones para levantarse temprano y aprovechar las cualidades de esta hora del día. La niebla o bruma es una de las razones. La niebla que envuelve un bosque o la bruma que se levanta de un lago, río o pantano pueden dar a la imagen dimensión y un sentimiento de misterio. Se

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debe tener mucho cuidado al medir la luz, se pueden utilizar tarjetas neutras o grises que permitirán una mejor medición, dependiendo del tema u objetivo.

Tormentas: Éste es uno de los principales temas que los fotógrafos paisajistas esperan que se de en algún momento. Con las tormentas se producen cielos dramáticos, fuertes vientos y la lluvia horizontal hacen más dramática una imagen. En la mayoría de estos casos el tema principal es el cielo, en donde se puede llegar a dar la sensación de poder y grandeza. Para poder capturar el fuerte movimiento que produce el aire se debe utilizar una velocidad alta.

Amaneceres y atardeceres: De acuerdo a Shaw (1994), muchos fotógrafos suelen encontrar problemas a esta hora del día, por lo que se debe realmente analizar la situación en la que se llevará a cabo la composición.

Usualmente esta hora permite capturar siluetas de los objetos, teniendo de fondo un cielo iluminado con diferentes tonalidades.

Caputo (2007), indica que se debe tener mucho cuidado en medir la iluminación, ya que en la mayoría de los casos indicará una subexposición. En el caso que la composición incluya la circunferencia completa del sol, la medición no debe ser directa, se debe buscar por tonos más bajos, aproximadamente a 45º alejado del sol.

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MANIPULACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA (PROCESOS POST PRODUCCIÓN): Una buena toma es el comienzo de una fotografía esplendida, pero para llegar a una presentación impecable suele ser necesario un pequeño trabajo posterior. La edición creativa es también una opción.

Fier (2007), comenta que el proceso post producción en la fotografía tiene sus inicios en la fotografía análoga, cuando los fotógrafos editaban sus imágenes en cuarto oscuros, recortaban, corregían, redimensionaban, etc. proceso que les tomaba una gran cantidad de tiempo. Este proceso vino a ser

sustituido por la fotografía digital y el tiempo post

producción se redujo en gran manera.

Según Marshall (1993), luego de haber llevado a cabo una sesión fotográfica, no todo queda ahí, se puede realizar una post manipulación de las imágenes capturadas. Por medio de distintas técnicas mecánicas y digitales. Se puede realizar un re encuadre, redimensionados, técnicas especiales de copiado y aplicación de filtros, entre otras. Uno de los retoques mas utilizados por los fotógrafos es el re encuadre, ya que en algunos casos existen espacios o áreas que no favorecen a la fotografía. Por otro lado con la aparición de distintos programas para la edición digital de la fotografía, se pueden manipular distintos detalles de la imagen como la iluminación, los brillos, fotomontajes, balance de blancos, etc. Se pueden aplicar filtros y dar un toque artístico a las fotografías.

De acuerdo Fier (2007), cuando una imagen es editada se altera la información de esta, es decir los pixeles. Cuando existe mayor número de pixeles en la información de una fotografía mas opciones y flexible será para su manipulación.

Esto depende tanto de la cámara y del formato en que sea guardado. El formato seleccionado dependerá en cuanto detalle de la imagen se desea obtener. Los formatos utilizados en la fotografía son JPG, TIFF, PSD y RAW.

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Tiff: es uno de los formatos de almacenamiento sin pérdidas que usan muchas cámaras digitales. También se usa en los programas de retoque de imágenes digitales. Es un formato de almacenamiento de la más alta calidad. Admite una profundidad de color de 64 bits, aunque gracias al uso de un algoritmo de compresión sin pérdidas consigue reducir su nivel de espacio.

Raw: este tipo de formato equivale a los negativos de una película fotográfica. Consiste en almacenar directamente la información que procede del censor de la cámara digital. La mayoría de fotógrafos paisajistas hacen uso de este tipo de formato ya que les permite no perder tanta información de las imágenes en el proceso de post producción.

Jpeg: es uno de los formatos más populares, siendo uno de los más usados también en Internet. Permite almacenar y transmitir las imágenes ocupando muy poco espacio, aunque con pérdidas de calidad. Aún con los niveles de calidad más altos en JPEG el ahorro de espacio es considerable frente a, por ejemplo, un formato TIFF. Psd: se trata del formato nativo del conocido programa de retoque fotográfico Photoshop. Admite capas, texto y almacena el estado de edición / manipulación en que puede haber quedado una imagen. Permite almacenar las imágenes con la calidad más alta, aunque a costa del uso de un gran espacio en disco.

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PROCESOS Y TÉCNICAS POST PRODUCCIÓN (Edición): Según Fier (2007), existen una serie de programas digitales creados para la edición y manipulación de las imágenes. Uno de los programas más reconocidos y utilizados para el retoque de fotografías es PhotoShop. Este programa contiene un amplio rango de opciones para la manipulación y mejora de las imágenes. Dentro de estas las más utilizadas son: Recortar y modificar el tamaño: Cuando se observan las fotografías capturas, en ciertas ocasiones el fotógrafo se dará cuenta que existen elementos en la composición que no fueron percibidos en el momento de la toma y afectan o obstruyen el objetivo deseado de la toma, por lo que se puede realizar un corte de estos elementos, es decir borrar o eliminarlos. Es simplemente cortar las porciones de la imagen que crean distracción.

Al hablar de modificar el tamaño, se refiere a hacer ésta más pequeña o más grande, modificar sus dimensiones en la pantalla o la hora de la impresión. Se debe tomar en cuenta que a la hora de agrandar una imagen se pueden obtener resultados negativos en cuanto a la resolución; por el contrario, el hacerla mas pequeña no afectara su resolución.

Ajustar los colores y el contraste: En muchas ocasiones las cámaras suelen capturar imágenes planas, sin contrastes; los colores capturados no son los que se observaron en el lugar o no son vivos por lo que no logran transmitir el mensaje deseado. Haciendo uso de PhotoShop esto puede ser modificado de acuerdo a la escena real que se observo en el sitio de producción. Entre las herramientas más utilizadas se encuentran: Niveles: Usando el ajuste de niveles se puede designar los pixeles mas claros y mas oscuros en una imagen, haciendo esto photoshop es capaz de resaltar los valores existentes entre estos dos puntos.

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Curvas: Permite modificar con mucha exactitud el equilibrio tonal de una imagen o incluso modificar un canal por separado. Se puede elegir el canal a modificar RGB o CMYK, toda la imagen, o un color por separado.

Brillo y contraste: De acuerdo a PhotoShop (2007), esta herramienta permite modificar las áreas obscuras y claras de una imagen. Si ya la imagen esta subexpuesta a través de esta herramienta puede ser corregida.

Color automático: Esta herramienta corrige rápidamente el equilibrio de color de una imagen a través de la identificación de las sombras, medios tonos y brillos neutralizándolos automáticamente.

Tono y saturación: Ajusta los valores de tono, saturación y luminosidad de toda la imagen o de componentes de color individuales.

Filtro de fotografía: Realiza ajustes de color simulando los efectos de usar un filtro Kodak Wratten o Fuji en la lente de una cámara. A través del uso de esta herramienta permite dar a una imagen una tonalidad mas calida o fría.

Estas herramientas desarrolladas por photoshop permiten mejorar las imágenes de acuerdo a las carencias o defectos que el fotógrafo observa. Pero además de esto existe una técnica que permite obtener imágenes de amplio rango, es decir con el máximo detalle de la composición seleccionada, la cual es conocida como fotografía HDR (High Dynamic Range), (Alto Rango Dinámico)

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FOTOGRAFÍA HDR: El rango dinámico (proporción entre las áreas oscuras y claras) del mundo visible supera con creces el rango de la visión humana y de las imágenes impresas o mostradas en un monitor. Sin embargo, el ojo humano puede adaptarse a muchos niveles de brillo distintos, mientras que la mayoría de cámaras y monitores de ordenador sólo pueden capturar y reproducir un rango dinámico fijo. Los fotógrafos, cineastas y otros profesionales que trabajan con imágenes digitales deben ser selectivos a la hora de decidir qué es importante en una escena porque trabajan con un rango dinámico limitado.

Las imágenes de alto rango dinámico (HDR) abren todo un mundo de posibilidades porque pueden representar todo el rango dinámico del mundo visible. Dado que todos los valores de luminancia de una escena real están representados proporcionalmente y quedan almacenados en una imagen HDR, ajustar la exposición de una imagen HDR es como ajustar la exposición al tomar una fotografía de una escena real. Ésta capacidad permite crear desenfoques y otros efectos de iluminación del mundo real que parecen realistas (PhotoShop, 2007).

Correll (2009), indica que las cámaras fotográficas son incapaces de capturar completamente lo que el ojo humano ve en una escena, por que haciendo uso de esta técnica se logra crear imágenes mucho mas reales. Para llevar acabo esta técnica es necesario hacer uso del Bracketing (capturar varias imágenes con exposiciones distintas de la misma escena).

Luego del proceso de producción se procede a la unión y acoplamiento de cada una de las imágenes. Para llevar a cabo este proceso existen varios programas (software) que permiten la creación de fotografías HDR. Algunos de estos programas han sido creados específicamente para la aplicación de esta técnica. Uno de estos y el más utilizado es Photomatix, con una amplia gama de herramientas y funciones. En Segundo lugar se FDR Tools y por ultimo Photoshop,

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el cual introdujo hasta su versión CS2 la opciones de crear este tipo de imágenes, pero a pesar de esto, su evolución le ha permitido competir con los 2 anteriores.

A continuación se describen los pasos a seguir, haciendo uso de Photoshop.

• Primero se seleccionan las imágenes a utilizar, a través de estas dos opciones: (Photoshop) Elija Archivo > Automatizar > Combinar para HDR. (Bridge) Seleccionar las imágenes que se desean utilizar y elegir: Herramientas > Photoshop > Combinar para HDR. • En el cuadro de diálogo Combinar para HDR, hacer clic en Explorar, buscar y seleccionar las imágenes y hacer clic en Abrir. Para quitar un elemento, seleccionar en el cuadro de diálogo Combinar para HDR y hacer clic en Quitar.

• (Opcional) Seleccionar la opción Intentar alinear automáticamente las imágenes de origen, si se sujetó la cámara con las manos al tomar las distintas fotografías.

• Haga clic en OK. Un segundo cuadro de diálogo, Combinar para HDR muestra miniaturas de las imágenes utilizadas en el resultado combinado, una previsualización del resultado combinado, el menú Profundidad de bits y un regulador para definir la previsualización de punto blanco.

• En caso necesario, realizar una de las siguientes acciones para definir las opciones de visualización para la previsualización del resultado combinado: Hacer clic en los signos más o menos que se encuentran debajo de la imagen de previsualización para aumentar o reducir la imagen.

Seleccionar un porcentaje o modo de visualización en el menú emergente que se encuentra debajo de la imagen de previsualización.

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• Seleccionar una profundidad de bits para la imagen combinada en el menú Profundidad de bits. Asegurarse de elegir 32 bits/canal si se desea que la imagen combinada almacene todos los datos de rango dinámico de la imagen HDR. Los archivos de imagen de 8 bits y 16 bits por canal no pueden almacenar el rango total de valores de luminancia de una imagen HDR. • Mover el regulador que aparece debajo del histograma para previsualizar la imagen combinada. El regulador sólo ajusta la previsualización de la imagen. Todos los datos de imagen HDR permanecen intactos en el archivo de imagen combinado. Si se pretende guardar la imagen combinada con 32 bits por canal, el ajuste de previsualización se almacena en el archivo de imagen HDR y se aplica siempre que el archivo se abra en Photoshop. Siempre se puede acceder al ajuste de previsualización eligiendo Vista > Opciones de previsualización de 32 bits, donde también se puede ajustar como sea preciso.

• Hacer clic en OK para crear la imagen combinada. Si decide guardar la imagen combinada como una imagen de 8 bits o 16 bits por canal, esto aparece en el cuadro de diálogo Conversión de HDR. Luego realizar las correcciones de exposición y contraste necesarias para producir una imagen con el rango dinámico (gama tonal) deseado.

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En el siguiente ejemplo, se muestra tanto el uso de la técnica de Bracketing como de HDR. El resultado final se obtuvo haciendo uso de los programas FDR Tools en combinación con PhotoShop.

Proceso de Bracketin (producción)

Resultado final. Unión de las tres fotografías anteriores y proceso de retoque. (Post producción) Parks, (2000).

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EXPERIENCIA DE DISEÑO: ANSEL ADAMS (1902-1984) Breve biografía: De acuerdo a la biografía de Turnage (2009), Ansel Easton nació en San Francisco, California en 1902. Hijo de Charles Hitchcock Adams, hombre de negocios y Olive Bray. Nieto de uno de los adinerados barones de la Madera. La fortuna de la familia no duró mucho, ya que en el año 1907, el año de la recesión económica su fortuna colapsó. Su padre pasó la mayoría de su vida tratando de rehacer su fortuna, mientras su madre pasaba el tiempo en casa cuidando de su único hijo. Ansel Adams en la escuela era definido con un niño hiperactivo y con cierto grado de dislexia, sus padres continuamente lo buscan la manera que logara mejorar, pero Adam llego únicamente hasta 8vo. grado. La niñez solitaria y diferente de Adams, formó en él un interés y amor hacia la naturaleza que duró hasta sus últimos días. Sus padres normalmente lo encontraban dando largas caminatas a través del Golden Gate o escalando alguna montaña, o en las orillas de las playas Baker.

Ya desde pequeño mostró un gran interés por la fotografía cuando su padre le regaló una cámara Brownie Box en una de las excursiones al Parque Nacional de Yosemite. Más adelante sus fotografías en blanco y negro de dicho parque, así como las de la costa californiana y otros enclaves naturales se convirtieron en su sello de identidad. En su calidad de fotógrafo paisajista, Adams pasó una parte importante de su vida en los parques nacionales norteamericanos, sobre los cuales publicó más de 24 álbumes. En éste aspecto, no se limitó a las labores de fotógrafo: su trabajo despertó el interés del público por los parques nacionales, contribuyendo así a protegerlos y a crear otros.

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Ansel Adams creo el "sistema de zonas" un método de medición y revelado que utilizaba para dividir la gradación de luz de una escena en 10 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión. Junto a Edward Weston, Imogen Cunningham y Willard Van Dyke fundó el grupo f/64, una influyente organización de fotógrafos que se caracterizaba por realizar fotografías directas de gran nitidez. También ayudó a fundar el departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), el primer departamento de esta clase en un museo. Ansel Adams publicó numerosos libros tanto de sus fotografías como técnicos.

Murió en abril de 1984.

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SU TRABAJO:

MOONRISE Hernández, New México, 1941 Ansel Adams

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La realización de esta fotografía, es sin duda una de las más famosas, comenta Ansel Adams, sobre la misma en su libro Examples, The Making of 40 Photographs, (1983): “Sentí en ese preciso momento que podría llegar a ser una fotografía excepcional, se veía una escena poética, y se sentía un sentimiento profético a la hora de disparar a cierta exposición y capturar esa magnífica escena.

Llevaba varios días fotografiando en el Valle Chama, al norte de Santa Fé. Ese día había estado tratando de capturar ciertos temas del área, pero por alguna razón la visualización que deseba no se producía, por lo que luego de varias horas de estar probando decide regresar a Santa Fé, es difícil aceptar la derrota especialmente cuando se a concebido cierta imagen y no se a podido lograr, pero la derrota llega ocasionalmente a todos los fotógrafos como también a los políticos, y no hay que quejarse. Íbamos a través del camino de regreso a Santa Fé, cuando cerca de la Española visualice a la izquierda una situación extraordinaria, ¡una fotografía inevitable! Detuvimos el carro inmediatamente y salté fuera para instalar mi cámara 8 x 10.

Empecé a gritar a mis acompañantes que me trajeran cosas del carro, yo luchaba por cambiar mi lente Cooke Triple Convertible. Tenía una clara visualización de la imagen que quería, pero cuando mi filtro Wratten No. 15 y el soporte para la película estaban en su lugar, no podía encontrar mi medidor de exposición Weston. La situación era desesperante: el sol bajaba, estaba rozando el borde de las nueves en el oeste, y la oscuridad pronto borraría lo blanco de las nubes. Yo estaba en desventaja en el tema de los valores de la luminiscencia, y confieso que pensé en hacer bracketing (varias tomas con diferentes exposiciones) cuando de repente me di cuenta que sabia la luminiscencia de la luna 250 c/ft2.

Haciendo uso de la fórmula coloqué la luminancia en una Zona VII, 60 c/ft2, por consiguiente cayó a una Zona V, y la exposición con el factor del filtro de 3x era de un segundo a f/32 con una película de ASA 64. Además no tenia idea de los valores del primer plano, pero tenía la esperanza que escasamente cayera en medio de la escala de exposición. Al

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momento de presionar el obturador me di cuenta que poseía una foto inusual que merecía un negativo duplicado. Pero el tiempo no me permitió esto, cuando me di cuenta las nubes habían desperecido, por lo que únicamente poseía una copia.

Al llegar a mi cuarto oscuro en San Francisco estuve pensando mucho en el proceso de revelado, pero decidí utilizar un diluyente D-23 y 10 secuencias de revelado y luego al agua, 30 segundos en el diluyente revelador y 2 minutos en al agua sin agitarla. Al utilizar 10 secuencias evité que saliera un cielo desigual. Luego éste negativo fue un poco complicado de imprimir, pero varios años después decide intensificar el primer plano para crear mas contraste. Lo primero que hice fue arreglar y lavar el negativo y luego tratar la sección baja de la fotografía con una solución diluida conocida como Kodak IN-5 intensificador. Sumergí el área que se observa por debajo del horizonte, en una secuencia de meter y sacar por un minuto, las sacaba y enjaguaba con agua, este proceso lo repetí aproximadamente 12 veces hasta que alcance lo que me parecía una alta densidad. Luego de esto el proceso de impresión fue más fácil, auque sigue siendo un reto.

Años después los historiadores y fotógrafos me han preguntado por la fecha y la hora exacta de la toma de ésta fotografía, pero por desgracia esta fotografía fue tomada antes que me diera cuenta que debía llevar un record en cada una de mis fotografías. Pero el Dr. David Elmore del observatorio High Altitude Observatory de Boulder, Colorado, haciendo uso de la computadora y analizando la posición de la luna en la fotografía determinó que la fotografía fue tomada aproximadamente a las 4:05 PM. En octubre 31 del año 1941.

Esta fotografía en comparación con cualquier otra, ha causado y provocado discusiones a lo largo del tiempo, ya que logré representar y capturar una situación inusual en cuanto al contenido y efectos. Para mi es un momento emotivo y romántico en el tiempo”.

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Ansel Adams, fotografiando el parque Yosemite National Park, desde el techo de su carro en 1942 (New York Times. En Red 2010).

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SILVERTON Colorado, 1951 Ansel Adams

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“En este ocasión me encontraba viajando con algunos amigos entre Durango y Ouray, en un viaje a través de San Juan.

Caminando a través de Silverton con mi cámara, cundo visualicé un paisaje en donde la arquitectura y la naturaleza presentaban un paisaje como ningún otro que había observado. Esta imagen para mi era única, presentaba un antiguo pueblo del oeste. Éste espectacular paisaje presentaba un espectáculo de colores que se realzaban por la luz en la altitud y la paz del lugar, me pareció irresistible. Anteriormente había pasado por este punto en la mañana sin haber tomado ninguna fotografía, pero temprano en la tarde observé como la luz revelaba las formas y figuras de este lugar, y rápidamente visualicé como reproducir esta escena.

La vigorosa configuración de las figuras geométricas de las casas y la imponente montaña en el fondo, me permitieron sin mayor esfuerzo captar la esencia del lugar. La óptima posición de la cámara era obvia desde el principio y además por casualidad tenía mi lente de I0-pulgadas Kodak Ektar gran angular para mi cámara 8 x IO. El lente de I2-pulgadas Dagor abarcaba un ángulo de vista muy estrecho, y al hacer la cámara para atrás para acomodar el lente arruinaba la energía de la perspectiva en la composición. El tema era obvio en este escena, el contraste. La profunda oscuridad de la cerca cayó en una zona II, por lo que usé un filtro amarillo número 12 que aclara un poco ciertas áreas. En este caso se llevó a cabo un revelado menos-uno-normal lo cual dio como resultado un buen rango de densidad en el negativo, lo cual permite una excelente impresión en un papel como el Oriental Seagull grado 2. La impresión no es fácil de realizar, un balance entre la luminiscencia y brillos es necesario.

En este tipo de fotografía yo aconsejo que se hagan pruebas antes con la cámara en diferentes posiciones. En este caso si me hubiera acercado más, utilizando el mismo tipo de lente, se hubiera reducido el área de las casas y aumentaría la apariencia de estas en relación a su tamaño. En cuanto a la montaña, el tamaño no tendría mayor variación por la profundidad o distancia donde se encontraba. En el caso contrario si me hubiera alejado del objetivo las casas se

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hubieran visto más pequeñas en relación con la montaña. Para lograr un fuerte efecto de perspectiva, yo recomiendo utilizar un lente gran- angular acercándose mas al sujeto.

En muchas ocasiones me han preguntado porqué retrato estructuras viejas, en lugar de retratar cosas nuevas y modernas. No es que sea un hombre que le gustaría vivir en el pasado, me considero un hombre del futuro. No creo además que mis trabajos tengan una tonalidad nostálgica, no es este mi objetivo pero a pesar de esto la gente siente nostalgia al verlas. Lo único que puedo decir a todo esto es que yo fotografío lo que a mi vista parece estéticamente bello y lo que merece ser creado a través de una fotografía, para mi y espero que para otros también”.

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Moon and Half Dome Yosemite National Park, California, 1960 “En cuanto observé que la luna salía a través de la colina supe que tenía mi composición” Ansel Adams

Nevada Fall Yosemite National Park, c. 1947 “El Objetivo en esta fotografía era retratar el arco iris que se produce enfrente de la catarata” Ansel Adams

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Clearing Winter Storm Yosemite National Park, 1940 “Para mi esposa, mis 2 hijos y yo, Yosemite fue nuestra casa por mucho tiempo” Ansel Adams

Winter Sunrise Sierra Nevada, from Lone Pine, California, 1944 “Después de 4 días frustrantes de estar esperando que las montañas se despejaran, finalmente un brillante amanecer con nubes claras y viento del sureste me permitió capturar este momento” Ansel Adams

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DESCRIPCIÓN DE RESULTADOS: A continuación se muestran los resultados obtenidos tanto de la guía de entrevista, pasado al único sujeto de estudio Iván Castro Peña, como el instrumento de observación aplicado a 15 de las fotografías del sujeto de estudio.

Guía de entrevista: 1. ¿Cómo define a la fotografía? Es uno de los medios más importantes e impactantes para expresarse, es arte, es mi forma de escaparme y dar a conocer mi punto de vista sobre las cosas.

2. ¿Qué diferencia existe para usted entre fotografía análoga y digital, y qué benéficos ha encontrado en cada una de estas? La fotografía análoga tiene mucho mejor calidad que la digital por el momento, lo que nos ha dado lo digital es mayor flexibilidad, ahora nosotros podemos cambiar cualquier ajuste sin tener que cambiar de rollo, podemos ver la imagen segundos después de tomada y hasta podemos enviarla inmediatamente sin tener que revelarla, además hay muchas opciones para la postproducción.

3. ¿De acuerdo a su experiencia, cuál es el concepto y función de la fotografía paisajista? Considero que es el tipo de fotografía que más le gusta a la gente, es un tipo de fotografía muy positivo ya que en la mayoría de los casos se pretende mostrar lo bueno de los lugares. Paisaje no quiere decir solo montañas y nubes, es todo lo que gira alrededor nuestro. Hace un tiempo participé en una exposición paisajista donde podías ver fotos del paisaje del cuerpo humano.

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4. ¿Cómo inicio con la fotografía paisajista? Mis primeros intentos en la fotografía los hice hace 3 años en el lago Amatitlán, me levanté temprano y fue una experiencia hermosa, los primeros rayos del sol le dieron vida a mis fotos, me sentí muy agradecido por eso y siempre busco vivir la misma experiencia.

5. ¿Por qué se interesó en la fotografía paisajista? Para mí es importante que el ser humano valore lo que tiene, que de gracias por el regalo y el milagro que sucede todos los días y que la mayoría de veces ni le prestamos atención, todos los días amanece, todos los días hay nubes hermosas, todos los días los árboles y los animales cumplen ese trabajo estético. Quiero que mis fotos sean un recordatorio, pero a la vez una evidencia del mundo tan bello en el que vivimos. En el caso de Guatemala quiero que la gente abra sus ojos y vean que nuestro país es perfecto.

6. ¿Qué tipo de investigación previa se lleva a cabo para determinar el lugar? Me informo mucho sobre cómo llegar, trazo rutas en mapas y en gps, estoy pendiente de que lado va a salir el sol y también el tipo de clima del lugar, veo muchas fotos en el Internet para no hacer el mismo trabajo que otros han hecho antes, socializo mucho con las personas del lugar porque ellas siempre saben donde se ven mejor las cosas.

7. ¿Qué aspectos determinan el punto exacto para tomar la fotografía? Me encantan los primeros planos, si hay un árbol o una piedra de cerca es el lugar perfecto, también debo alejarme de todo factor contaminante como cables eléctricos, basura o cualquier elemento que no contribuya a la foto.

8. ¿Qué elementos toma en cuenta en la composición de una fotografía? Primeros planos, la ley de tercios, la ley de horizonte, busco siempre que se pueda el factor humano aunque algunas veces me arriesgo y rompo todas las reglas.

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9. ¿De los temas de la fotografía paisajista cual es el de su predilección y por qué? Amo los amaneceres, me he dado cuenta que para la gente es algo único pues no todos se levantan temprano y se pierden de ese espectáculo, me gusta mucho los colores del cielo a esa hora y también el hecho de que no hay gente eso da un punto de vista muy puro de las cosas.

10. ¿En base a qué toma la decisión de incluir presencia humana en la fotografía paisajista? En realidad siempre que puedo lo hago, el factor humano te permite tomar una dimensión sobre el tamaño de las cosas, además le da un toque familiar al paisaje, mi regla en ese caso es que la persona debe armonizar con el lugar, no hay nada como un nativo en medio de su entorno.

11. ¿Cuánto tiempo le lleva el proceso de componer y tomar una fotografía paisajista? No mucho, sólo con estar allí por lo general se lo que quiero, en segundos tengo lista la cámara en la posición correcta, me he dado cuenta que a muchos colegas les pasa igual, lo interesante es que nos pasamos horas pues siempre hay un mejor lugar y una mejor técnica para sacar mas fotos.

12. ¿Qué tipo de iluminación utiliza en la fotografía paisajista que realiza? En alguna ocasión hace uso del flash: es muy raro que use iluminación para la fotografía paisajista, para otro tipo de fotografía si uso pero prefiero hacer exposiciones largas y en algunos casos aumentar el ISO con tal de no perder la atmosfera del lugar, para mi es muy importante que el lugar mismo cuente la historia con su propia luz. He usado el flash para exposiciones largas para iluminar un árbol o una casa pero eso es muy raro y lo hago cuando no hay nada de luz.

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13. ¿Qué efectos produce la luz del día en sus diferentes horas en sus composiciones? Esta pregunta me encanta! En realidad lo es todo! Puedes tomar fotografías a distintas horas en el mismo lugar y la diferencia va a ser abismal. Mi objetivo siempre son amaneceres y atardeceres pues los colores son hermosos y las sombras suaves, pocas veces tomo fotografías después de las 10am por el problema de las sombras, aunque a esa hora el cielo tiene colores muy contrastados y eso es bueno.

14. ¿Cómo logra la exposición correcta en la luz del día? Midiendo la luz, la cámara tiene un medidor interno (fotómetro) y en segundos te permite evaluar la luz y tomar decisiones en base a ella.

15. En ciertos casos no se logra la exposición deseada, ¿qué técnica utiliza para solucionar esto? HDR amo esa técnica, consiste en tomar dos o más fotografías a distintas exposiciones y luego juntarlas y así vas a tener la exposición correcta de cada elemento en tu foto, debes usar trípode y nunca cambiar la apertura, solo la velocidad.

Esa técnica la defiendo pues aunque deja de ser una sola foto, la razón por la que lo hago es porque seria imposible en la mayoría de los casos que todos los elementos salgan bien debido a las limitantes de las cámaras.

16. ¿Qué factores determinan la orientación de la fotografía? Los elementos que tienes enfrente, en mi caso hago distintas fotografías con diferentes orientaciones y luego elijo la mejor.

17. ¿Qué ángulo es el que más utiliza en la composición de sus fotografías paisajistas? Siguiendo la ley del horizonte hago picados y contrapicados, es muy raro que haga ángulos normales, me gusta mucho inclinar mi cámara hacia los lados procurando hacer Dutchs.

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18. ¿Qué factores determinan la selección de un lente? La calidad de los vidrios, la apertura máxima, la distancia focal y el peso. Mi lente predilecto es el 10mm pues es muy amplio, tiene buena apertura máxima F3.5, no pesa mucho y es de buena calidad.

19. ¿Cómo logra darle a sus fotografías la percepción de un tercer plano? Esa es la meta! La idea es dividir la foto en diferentes planos o distancias, busco poner un árbol o una persona muy de cerca, otra cosa a media distancia y el cielo al fondo.

20. ¿Qué proceso de selección utiliza para determinar las fotografías a utilizar? No me tardo mucho tiempo decidiendo, siempre me he sentido culpable pues se que en mis archivos hay mejores fotos de las que he publicado, pero desde el momento en que tomo la foto se que esa es la que quiero y allí es donde las demás pasan a ser parte del archivo, es algo muy intimo pues hasta se el nombre que la foto va a tener.

21. ¿Qué factores determinan los procesos post-producción que requieren las fotografías? En el caso de la fotografía paisajista tu objetivo es impresionar, quieres colores vivos, quieres contrastes marcados, quieres llamar la atención hacia un punto.

22. ¿Qué procesos y técnicas utiliza en el proceso de post-producción? Por lo general varío colores, no me gusta mucho borrar cosas a menos que llame mucho la atención, tomo fotografías en RAW y eso me permite corregir la foto sin perder tanta calidad, mis ajustes favoritos son: contraste, temperatura, saturación y viñeta.

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23. Descripción del proceso completo en 2 fotografías del proyecto: A. Fotografía Basílica de Esquipulas al amanecer: llegué a las 4 de la mañana a la Basílica tuve que convencer al guardia de seguridad para que me dejara entrar. Ya me había informado de qué lado iba a salir del sol y era detrás de la iglesia. Puse mi trípode frente a la iglesia y medí la distancia y la altura para que pudiera verse todo el templo. Use un lente 10mm que es un gran angular que te da una distorsión muy buena que hace que todo se vea imponente, esperé poco más de una hora para que salieran los primeros rayos del sol, hice una exposición larga de 2 segundos, la apertura la ajuste a F8 para lograr mayor nitidez.

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B. Fotografía Banco Industrial Quetzaltenango: siempre he sido un amante de las velocidades bajas y cuando es de noche y estoy en una ciudad, amo ver las luces de los carros ser plasmadas en una foto, este es el caso de ésta foto. Use un lente de 10mm gran angular, trípode, una apertura muy cerrada de f22 con el fin de oscurecer la foto y una velocidad de 30 segundos, debes esperar a que pasen los carros y es un buen reto para fotografiar.

Banco Industrial Quetzaltenango

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24. ¿Qué aspectos definen una buena fotografía paisajista? Una buena luz, buena composición, que te den ganas de tener esa foto en tu sala.

25. ¿Qué mensaje busca transmitir con sus fotografías? Quiero que la gente agradezca el mundo que tiene, que este orgulloso de eso y que lo respete, el paisaje es mi manera de ver a Dios y si alguien lo ve a través de mis fotos me siento feliz.

26. ¿Cuál es el propósito de las fotografías paisajistas realizadas para este proyecto? Dar a conocer a Guatemala, que la gente se enamore y lo visite, dar identidad.

27. ¿Cómo logra despertar los sentidos del espectador a través de una fotografía paisajista? Aún me pregunto eso, en realidad aún no entiendo como mis fotos le pueden gustar a alguien, no hay nada que me emocione, cuando tomo una foto la hago para mi, es a mi a quien quiero enamorar, busco encontrarme, busco enseñarme y si en alguien mas logro despertar una emoción, es un gran regalo.

28. ¿Considera que la fotografía paisajista juega un papel importante en la publicidad? De eso me mantengo de un tiempo para acá, la fotografía paisajista es excelente pues hay muchos productos que promueven la identidad de un pueblo o país, es una fotografía bien pagada y valorada pues son pocos los que se preocupan por hacerlas.

Mi objetivo es tener un gran archivo para que cuando un cliente solicite determinado lugar yo tenga esa foto lista, no seria lo mismo tener que organizar un viaje y tener que esperar por la fotografía.

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29. ¿Cree usted que la fotografía paisajista puede contribuir en la percepción positiva o negativa de un lugar?

Históricamente lo ha hecho, la fotografía realmente tiene un impacto en la forma de pensar de la gente, he recibido muchos correos de gente que me ha dicho que se siente orgullosa de su país y otros que han decidido visitar los lugares que he fotografiado, puede afectar positiva y negativamente en mi caso me quedo con la primera, ese es mi objetivo.

30. Podría contarnos algunas anécdotas sucedidas en la toma de las fotografías para el proyecto de “Las Maravillas de Guatemala”: Muchas veces pensamos que los días soleados son los mejores para tomar paisajes, cuando llegué a Semuc Champey tuve el peor clima que pude haber imaginado, no soy una persona atlética y agregando el clima fue toda una pesadilla subir hasta el mirador, pues había mucho lodo, me caía constantemente sin embargo saqué fotos de todo el recorrido arriesgando la cámara pues se mojó toda, pero valió la pena.

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Guía de observación: Las siguientes 15 fotografías fueron el objeto de la guía de observación.

1. La Cruz de San Agustín

2. Dentro de una Pintura,

3. Basílica de Esquipulas

Quiché

4. Semuc Champey

5. Zaculeu Huehuetenango

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6. Panajachel Guatemala

7. Sobre los Cuchumatanes

10. Utatlán Quiche

8. Laguna de Llotenando, Quiché

11. Baja Verapaz, Guatemala

9. Semuc Champey

12. Volcán de Agua, Antigua Guatemala

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13. Santiago, Atitlán

14. Salto de Chilascó

15. Los Cuchumatanes, Huehuetenango

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GUÍA DE OBSERVACIÓN: 1. ¿Las fotografías, cumplen con las características de una fotografía paisajista? a. Revela algo importante sobre un lugar b. Revela algo sobre el lugar y sus habitantes c. Comunica sobre las condiciones del lugar d. Provoca una respuesta emocional en el espectador

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

A.

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B.

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C.

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D.

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2. ¿Qué tipo de lente fue utilizado en cada una de las fotografías paisajistas seleccionadas?

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

Gran

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Angular Normal

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Tele objetivo

3. ¿Qué tipo de luz fue utilizada en cada una de las fotografías?

No.1.

Luz Principal

No.2.

No.3.

No.4.

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No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

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Luz de Relleno

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

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Back Light Luz Natural

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Flash Otras Fuentes

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4. ¿Qué reglas básicas de la composición fueron utilizadas en cada una de las fotografías?

No.1.

Regla de los

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No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

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No.9.

No.10.

No.11.

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No.12.

No.13.

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No.14.

No. 15.

tercios Punto Focal

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Ley del Horizonte

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Líneas Guías

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5. ¿Qué tipo de equilibrio se puede observar en la serie de fotografías seleccionadas?

Simetría Asimetría

No.1.

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No.3.

No.4.

No.5.

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No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

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No.11.

No.12.

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No.13.

No.14.

No. 15.

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6. ¿Qué aspectos técnicos de la fotografía fueron utilizados en cada una de las fotografías?

Exposición

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No.15.

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a la luz Obturación Gran Profundidad de campo Profundidad de campo reducida Velocidades

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Lenta Velocidades

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Rápida X

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Velocidad Media

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7. ¿Cuáles son los planos utilizados en las fotografías paisajista de Iván Castro?

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15

Gran Plano General o

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Panorámico Plano general o completo

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Plano Americano Plano medio Primer Plano Primerísimo primer plano

8. ¿Qué ángulos fueron los utilizados en la serie de fotografías seleccionadas?

No.1.

Frontal o normal.

No.2.

No.3.

No.4.

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No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

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Picada.

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No.11.

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No.13.

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No.14.

Cenital.

X X

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No. 15.

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Nadir.

No.10.

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Contra picada.

Dutch

No.9.

X

9. ¿Cuáles son los temas de las fotografías seleccionadas?

No.1.

No.2.

Ríos, Lagos, Lagunas.

No.3.

No.4.

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No.5.

No.6.

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No.7.

No.8.

No.9.

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Montañas, Volcanes.

No.10.

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No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

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Llanuras, Valles..

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Costa o Cielos

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Aéreas.

Monumento

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Arquitectura

10. ¿En qué fotografías se encuentra el tema de presencia humana No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

Hay

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presencia humana.

No se

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observa presencia Humana.

No. 15.

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INTERPRETACIÓN Y SÍNTESIS El siguiente análisis es el resultado de la confrontación de información entre el contenido teórico, la guía de observación y la guía de entrevista proporcionada por el sujeto de estudio Iván Castro Peña, tomando en cuenta los dos objetivos que se persiguen alcanzar con esta investigación.

Aspectos técnicos y procesos que se toman en cuenta para capturar las fotografías paisajistas en el proyecto “Las Maravillas de Guatemala”.

La fotografía a lo largo de la historia ha llegado a formar parte vital e importante como herramienta para capturar momentos de la vida y el planeta, como de los cambios y sucesos que transcurren a lo largo del tiempo. La fotografía en general ha tenido grandes avances en cuanto a tecnología. Tuvo sus inicios con la fotografía análoga la cual requería de un proceso fotoquímico para su reproducción, pero actualmente los avances en la ciencia como en la tecnología han permitido el surgimiento de lo que se conoce como fotografía digital, la cual vino a acelerar todo el proceso de pre y post producción que se conocía.

Freeman (2003). comenta que la fotografía es heredera de una larga tradición pictórica, siendo la diferencia más importante la posibilidad de captar la imagen en un instante.

De acuerdo a Ang (2001), la fotografía digital permite la aplicación de diferentes técnicas para modificar cada una de las tomas. Según Iván Castro en la guía de entrevista realizada, la fotografía análoga, proporciona mejor calidad, pero las ventajas de la fotografía digital como la rapidez, flexibilidad y gran variedad de opciones de modificar la imagen en el proceso de post-producción, han venido a sustituir ésta. Pero a pesar de ésto no se puede dejar de lado a los grandes

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maestros de la fotografía análoga como lo fue Ansel Adams, quien a través de sus estudios y técnicas utilizadas creó impactantes fotografías paisajistas que a la fecha no han logrado ser superadas por la fotografía digital, por lo que no se puede desechar por completo el uso de la fotografía análoga.

El sistema de fotografía análoga capturó las primeras fotografías paisajistas. Bauret (1992), comenta que Joseph Nicéphore en 1827 haciendo pruebas con uno de sus inventos, capturó las primeras imágenes de su jardín. La fotografía paisajista ha sido un tema de interés a lo largo de la historia. Shaw (1994), indica que la fotografía paisajista abarca el entorno que rodea al ser humano, los paisajes están en todas partes, alrededor del ser humano; el hombre se mueve a través de un caleidoscopio en constante evolución de las imágenes escénicas. Iván Castro reafirma que la fotografía paisajista es todo lo que rodea al hombre, todo su entorno, por lo que se puede decir que la fotografía paisajista abarca un amplio campo.

Una fotografía paisajista es mucho más que un registro de los lugares que se visitan una vez, implica una serie de sentimientos y emociones producidos por el lugar, un olor, los colores algún recuerdo, etc. Shaw (1994), afirma que ninguna fotografía paisajista puede ser simplemente objetiva.

Para Iván Castro una fotografía paisajista debe mostrar el lado positivo de un lugar, es la evidencia del entorno del ser humano; una fotografía es la forma de expresar una idea, una emoción un sentimiento, es la forma o medio de expresión mas impactante. Caputo (2007), concuerda con Iván Castro en que una fotografía paisajista celebra y resalta la magnífica diversidad del planeta tierra, es representar la majestuosa belleza que rodea a una persona.

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Ansel Adams Unicorn Peak,

Iván Castro, La Paz Bolivia 2010

Robert Caputo, Orinoco Venezuela

Thunderclouds, 1967

Fotografía digital

Fotografía digital

Fotografía Análoga

Las fotografías anteriores muestran un ejemplo de la fotografía paisajista de tres de los autores mencionados anteriormente, en donde se puede observar las diferencias entre una fotografía digital y una análoga, en este ejemplo se rectifica la observación de Iván Castro en donde comenta que la fotografía análoga muestra una mejor calidad en comparación con la fotografía digital, la cual a la hora del proceso post producción y a través de las diferentes técnicas utilizadas en esta etapa logra adquirir una mejor calidad.

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Cada uno de estos ejemplos y cada uno de los autores demuestran y ejemplifica lo que una fotografía paisajista es, captan las características y cualidades únicas del lugar. Crean una imagen que resalta la belleza que rodea al hombre en el planeta tierra y que al mismo tiempo logra despertar los otros sentidos, además de la vista, evoca un olor, un sentimiento, una sensación, un recuerdo, etc.

Caputo (2007). comenta que las fotografías paisajistas deben ser sobre un lugar no solamente el lugar, deben mostrar las características y cualidades únicas de ese lugar. Para lograr esto el fotógrafo o artista hace uso de diferentes técnicas, métodos y reglas de la fotografía. Anteriormente a todo este proceso se debe llevar a cabo un proceso de investigación. Éste proceso inicia con un estudio del lugar, de rutas, climas, lugares interesantes, etc. Iván Castro comenta que antes realiza un estudio sobre el lugar, busca mapas del área, se informa sobre el lugar de donde saldrá el sol, factor de suma importancia a la hora de tomar una fotografía a temprana hora, ya que en la fotografía paisajista la principal fuente de luz el sol.

Además de esto Iván Castro sugiere relacionase con las personas del área ya que ellas conocen mejor que nadie el lugar o área que se pretende retratar. Conjuntamente con éste proceso de investigación se debe indagar sobre el trabajo de otros fotografías que han trabajado en la misma área para no repetir una imagen, si no por el contrario mostrar un punto diferente he interesante.

Una fotografía paisajista conlleva el análisis y observación de las diferentes circunstancias que afectan y se mueven alrededor del objeto o lugar que se pretende fotografiar, por lo que una fotografía paisajista conlleva dedicar suficiente tiempo, ya que muchas veces para lograr el efecto que se desea se deba esperar a cierta hora del día, o en diferente clima.

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Ansel Adams para poder crear una fotografía realizaba el viaje hasta el punto y dedicaba a este días y semanas para lograr la composición y el efecto deseado, lo cual también muchas veces no lograba por diferentes factores impredecibles del planeta. Pero estos factores pueden ser tomados como ventaja para la composición, un ejemplo de ésto es la siguiente fotografía del artista Ansel Adams, quien comenta en su libro “Examples The Making of 40 Photographs” que para poder lograr esta fotografía llego al lugar antes del amanecer y esperó los primeros rayos del sol para lograr el claroscuro y las sombras que se observan, pero estando en lugar las nubes no permitan una imagen completa de las montañas, por lo que estuvo esperando aproximadamente 4 horas hasta que se despejara el cielo, en el momento justo, al presionar el botón de disparo el caballo que hacia varias horas estaba allí se voltea y muestra su perfil, lo cual logra que la imagen obtenga una composición mucho más interesante, el caballo llega a ser un punto de interés en la imagen y al mismo tiempo transmite una idea de las dimensiones del lugar.

Ansel Adams, Winter Sunrise Sierra Nevada, Lone Pine, California, 1944 Fuente: Ansel Adams, (2001)

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Caputo (2007), indica que los dos aspectos más importantes en una fotografía paisajista es el observar detenidamente y pensar, si lo que se observa en el pequeño rectángulo de la cámara es lo que se imagina para un cuadro o una revista, si realmente logra impactar, si esta composición capta la esencia y espíritu del lugar. Si la respuesta fuera negativa a estas interrogantes, se debe pensar en talvez esperar otro momento del día para tener otro tipo de luz, o talvez cambiar de ángulo o de lente. Estos aspectos determinarán una buena fotografía, todos los lugares son fotogénicos, puede ser que algún lugar sea más fácil que otros, pero está en la experiencia, conocimiento y habilidad del fotógrafo el poder encontrar la esencia y espíritu del lugar, y poder capturarlo en una imagen.

Como en cualquier tipo de fotografía existen reglas y aspectos técnicos que deben seguirse para obtener los mejores resultados. El principal aspecto en la fotografía es la luz, este elemento lo es todo en una fotografía. La luz tiene la facultad de transformar un objeto e influir en la forma que se perciben.

En el caso de la fotografía paisajista la fuente de luz proviene del sol, por lo que constantemente es cambiante. El fotógrafo paisajista debe estar siempre atento de los cambios y efectos que produce la luz sobre los objetos, ya que la luz natural, la luz solar tiene la cualidad de cambiar constantemente y tener diferentes tonalidades en el transcurso de un día.

Además la luz natural cambia su posición a cada minuto, lo cual afecta positivamente o negativamente una composición.

Existen tres direcciones de la luz en referencia a un objeto: esta la luz frontal, la luz lateral y contraluz. Las tres direcciones de la luz son usadas con diferentes propósitos en la fotografía paisajista. La luz frontal según Shaw (1994), es el tipo de iluminación que menos se utiliza en la fotografía paisajista ya que esta elimina las sombras de los objetos en la composición, por lo que muchas veces no se logra la tridimensionalidad. Este tipo de iluminación normalmente se da a medio día cuando el sol esta exactamente atrás del fotógrafo brillando directamente hacia la escena, por lo que si se llegara a utilizar este tipo de iluminación se debe tratar que la luz quede en la dirección del hombro, no directamente en la parte de atrás. Freeman (2003), comenta al respecto indicando que este tipo de iluminación permite capturar mejor los

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detalles y además resalta los colores de la escena, por lo que se puede determinar que uso de este tipo de iluminación puede ser utilizado siempre y cuando la dirección de esta no sea directamente sobre los objetos, o que la posición del fotógrafo no sea directamente de espaldas al sol.

La luz lateral por el contrario es el tipo de iluminaciones que más se utiliza en la fotografía paisajista. Este tipo de iluminación es la que se da cuando esta proviene de un ángulo recto con respecto a la dirección que se está fotografiando. La luz lateral tiene la ventaja de enfatizar sombras las cuales logran definir formas y texturas. En comparación con las otras condiciones de iluminación, esta tiene la cualidad de lograr la tridimensionalidad en una composición fotográfica. La iluminación lateral se normalmente al amanecer, en la salida del sol y al atardecer. Iván Castro comenta que en sus proyectos trata de realizar sus composiciones en las primeras horas de la mañana o en las ultimas horas del día, en el atardecer ya que es donde los colores son hermosos y se logran sombras y contrastes. Este comentario de Iván Castro se confirma con la guía de observación, en donde aproximadamente la mitad de sus fotografías utilizan la luz lateral. En el caso de Ansel Adams, este igualmente prefiere aprovechar las primeras horas de la mañana y las ultimas por la tarde, con esta iluminación logra resaltar los detalles y objetos en sus fotografías, lo cual es de suma importancia por el hecho de realizar fotografías en blanco y negro, en donde es necesario capturar el máximo detalle en la composición para no obtener una imagen plana.

Adams en todas sus fotografías paisajistas se vale

únicamente de la luz natural.

La fotografía de Iván Castro igualmente hace uso de la iluminación conocida como contraluz, la cual es lo contrario de la luz frontal, ya que esta se da cuando proviene de la parte de atrás del sujeto que se esta fotografiando. Shaw (1994), indica que con este tipo de iluminación se logran siluetas y tenues figuras.

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John Shaw, American Elms

Iván Castro, Mirador de Atitlán

Ansel Adams, Morning Light

Contraluz

Luz lateral, amanecer

Luz lateral.

La fotografía paisajista como se mención anteriormente hace uso en su mayoría de la luz natural emitida por el sol, pero en ciertas ocasiones el flash puede ser una herramienta para lograr los efectos que se desean alcanzar. Iván Castro comenta al respecto sugiriendo que le uso del flash debe ser utilizado únicamente en casos extremos en donde no exista nada de iluminación o como luz de relleno para suavizar ciertas formas, pero la imagen en la fotografía paisajista debe lograr transmitir su propia luz.

Las estaciones del año son otro de los factores que cualquier fotógrafo paisajista debe tomar en cuenta, ya que de acuerdo a Caputo (2007), los lugares se pueden ver y sentir diferente en distintas épocas del año, las cualidades de cada una de las temporadas o estaciones pueden ser utilizadas para reforzar el mensaje en una fotografía paisajista. La esencia y sentido de una escena puede cambiar dramáticamente dependiendo de la estación. Cada época o estación posee diferentes elementos, como lo es la luz; la luz de invierno es completamente diferente a la de verano tanto su

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intensidad como su dirección, la vegetación al igual cambia de acuerdo a la estación, por lo que estas características pueden ser utilizadas para poder ubicar al espectador en el tiempo.

La luz es el factor principal en cualquier fotografía, pero además de ésta existen reglas en una composición que permitirán obtener imágenes impactantes e interesantes. Iván Castro comenta que ésto se logra haciendo uso de la ley de tercios la cual le permite colocar el sujeto en los puntos estratégicos de una composición. Conjuntamente con esta regla existe la ley del horizonte, la cual en la fotografía paisajista es de gran utilidad, ya que esta indica que el horizonte no debe ser ubicado en el centro de la imagen, su ubicación debe ser en la línea superior o inferior de una fotografía.

Cuando la ley de horizontes no se aplica a la composición, la fotografía podría parecer partida en dos. La aplicación de ambas reglas producirá una composición correcta e impactante, como se puede observar en el tercer ejemplo.

Iván Castro

Iván Castro

Ley de tercios

Ley del horizonte

Iván Castro Ley de tercios y del horizonte

En el proyecto de “Las Maravillas de Guatemala” del Banco Industrial, se comprobó a través de la guía de observación que en el todos las fotografías se aplica la ley del horizonte y punto focal, con lo cual Iván logra crear imágenes interesantes. Al mismo tiempo haciendo uso de esto elementos en estas fotografías logra en la mayoría de ellas simetría.

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En ciertas ocasiones como en el caso de las fotografías 6 y 7 de la guía de observación, existe el uso de la ley del horizonte y de punto focal, pero no existe simetría, lo cual hace a las fotografías más interesantes.

Como se puede observar en las primeras dos imágenes de los ejemplos anteriores, en la fotografía paisajista es válido la presencia humana, muchas veces se considera que en la fotografía paisajista al incluir presencia humana, deja ser fotografía paisajista, lo cual de acuerdo a Iván Castro y Caputo (2007), no es correcto ya que el ser humano es parte del paisaje y el incluirlo le da a una fotografía la idea de la dimensión del tamaño del lugar.

Otro aspecto que debe considerarse en una composición son los ángulos y planos. En el caso de la fotografía paisajista estos dos aspectos logran dar diferentes sensaciones y percepción de un lugar y los elementos de este. Iván Castro en la mayoría de sus fotografías hace uso de los ángulos en contrapida y picada.

Ansel Adams por el contrario, en la mayoría de sus fotografías hace uso del plano frontal, en donde capta la dimensión del lugar, pero en ciertos casos para lograr ciertas sensaciones y efectos haces uso de los ángulos en picada y contrapicada como en el caso del primer ejemplo en donde aplico el ángulo en contrapicado. Este ángulo se produce cuando el punto de visión es de abajo hacia arriba. Este tipo de ángulo produce una sensación de engrandecimiento, lo cual es muy utilizado en la fotografía paisajista cuando se retratan volcanes, montañas, cataratas o árboles.

El segundo, el ángulo en picada es lo contrario al anterior y en la fotografía paisajista igualmente produce imágenes poco familiares a la visión. Iván comenta que además de utilizar los dos ángulos mencionados anteriormente, hace uso del dutch el cual al igual que el anterior produce un punto de visión que no es normal, por lo que su uso produce imágenes más interesantes e impactantes.

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Ansel Adams, Yosemite Fall

Lucas. J. Gillman, Savagre River, Costa Rica

Iván Castro

National Geographic

National Geographic

Ángulo dutch

Ángulo contrapicada

Ángulo picada

En la fotografía paisajista uno de los elementos más importantes a tomar en cuenta es la tridimensionalidad, Iván Castro indica al respecto que para poder lograr la sensación del tercer plano se debe observar el área y dividir la foto en diferentes planos o distancia. Iván busca en su composición poner un árbol o una persona muy de cerca, otra cosa a media distancia y el cielo al fondo y logra así darle a sus fotografías la percepción de un tercer plano.

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En los siguientes ejemplos se muestran fotografías de Iván Castro, en donde logra secciona su composición en diferentes planos para alcanzar el tercer plano.

Tercer plano

Segundo plano Primer plano

Iván Castro Peña, Lago de Atitlán

Iván Castro Peña, Autódromo los Volcanes

En la fotografía paisajista existen aspectos técnicos que deben ser evaluados y analizados por el fotógrafo, dependiendo de lo que se pretende retratar y los efectos que se desean lograr. La profundidad de campo es uno de estos aspectos. En la fotografía paisajista mayormente se utiliza la gran profundidad de campo, es decir que toda la imagen se registra con gran nitidez. En la guía de observación sobre las fotografías de Iván Castro, todas la imágenes fueron capturas con gran profundidad de campo, lo cual rectifica lo mencionado anteriormente.

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La gran profundidad de campo se consigue ajustando diafragmas cerrados, como f/16 o f/22. De igual manera Ansel Adams, en la mayoría de sus fotografías hace uso de la gran profundidad de campo, lo cual le permite captar imágenes espectaculares en donde el sentimiento que transmite es de grandeza. En los siguientes ejemplos se puede observar esto en dos de sus fotografías mas premiadas. Los otros dos ejemplos muestran el trabajo de Iván Castro y un fotógrafo de la National Geographic, en donde igualmente se percibe un sentimiento de grandeza. En cada uno de esto ejemplos se puede observar como la profundidad de campo captura los detalles de cada uno de los planos.

Ralph Lee Hopkin, Nankoweap Canyon, USA

Iván Castro, Laguna de Ayarza, Jalapa Guatemala

Gran profundidad de campo

Gran profundidad de campo

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Ansel Adams, Snow Mountains

Ansel Adams, Unicorn Pick

Gran profundidad de campo

Gran profundidad de campo

Otro aspecto que toma en cuenta Iván Castro en su fotografía paisajista, es el uso de diferentes lentes. Iván comenta que el lente de su predilección es el de 10mm, el cual se define como un gran angular. Este tipo de lente según Shaw (1994), toman un amplio campo de visión, tienen la cualidad de descomprimir un paisaje, haciendo que los objetos distantes se vean aun más lejos mientras al mismo tiempo acentúa y resalta los objetos más cercanos, enfatizando el espacio entre el primer plano y el fondo. Además indica que la mayoría de fotografías paisajistas son tomadas utilizando este tipo de lente por la simple razón que se logra captar más en una escena. En las fotografías del proyecto “Las Maravillas de Guatemala” doce de las quince fotografías analizadas fueron capturadas con un lente gran angular, con el objetivo de capturar la mayor parte posible del lugar, de acuerdo a la composición observada y creada por Iván Castro. De igual manera se puede observar en las fotografías capturadas por Ansel Adams, en donde en la mayoría de estas hace uso de un lente gran angular, tanto en posición vertical como en horizontal. Los tres fotógrafos coinciden en el uso de este lente

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para la fotografía paisajista, tanto por su peso liviano como comenta Iván, como también por su gran apertura y posibilidad de captar gran parte de la escena.

Esto no quiere decir que únicamente se utilice este tipo de lente, ya que en ciertas ocasiones el fotógrafo puede hacer uso de lentes normales y teleobjetivos los cuales al contrario de los gran angulares hace que los objetos se vean mas cerca y grandes, además comprime la distancia que existe entre el fondo y el objeto, es por esta razón que en la fotografía paisajista éste no es comúnmente utilizado.

Guido Tramontano, Monument Valley, Utah

Iván Castro, Isla de Margarita, Venezuela.

National Geographic

Lente gran angular

Todos los aspectos mencionados anteriormente indican el proceso, herramientas y técnicas para realizar una sesión de fotografías paisajistas. Pero en la fotografía paisajista el tema juega un papel importe para determinar todos los aspectos mencionados anteriormente. Tal es el caso del ¨agua¨, este tema conlleva observar detenidamente la composición para

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determinar las características y cualidades que se desean representar en la ésta, ya sea que esta transmita fuerza y rapidez o calma. En el caso de las fotografías del proyecto “Las Maravillas de Guatemala” el tema más retratado es el agua, en donde presenta a ésta con diferentes características. En los siguientes ejemplo se muestra como el agua puede ser representa en 2 maneras. En ambos casos hubo un análisis previo que permitió determinar la mejor forma de acuerdo al tema de la composición.

Tema: Bosques

Tema: Agua

Tema: Agua

Castro, Iván.

Castro, Iván.

Castro, Iván

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Procesos post-producción que se llevan a cabo para el retoque de las fotografías paisajistas del proyecto “Las Maravillas de Guatemala” Luego del proceso de producción de las fotografías, se procede a la parte de post producción en donde se seleccionan las fotografías y de ser necesario pasan a un proceso de retoque o manipulación de la imagen. Toda este proceso por el cual pasan los archivos es una de las principales ventajas de la fotografía digital. Es en este proceso en donde el fotógrafo perfecciona su obra a través de diferentes técnicas.

En cuanto al proceso de selección, Iván Castro comenta que esto no le toma mucho tiempo, ya que en el caso de la fotografía paisajista esto es una etapa muy íntima, desde el momento que captura la imagen sabe que esa es la seleccionada, incluso sabe el nombre que debe llevar la fotografía. Ansel Adams, indica en la experiencia de diseño, que al momento de capturar la imagen “Moonrise” sabía que esa imagen sería única, excepcional, lo cual fue realmente cierto, ya que varios fotógrafos han tratado de repetir esto a lo largo del tiempo y ha sido imposible. Ambos fotógrafos coinciden, que en la fotografía paisajista al momento de disparar y capturar la imagen se sabe cuál será la fotografía a utilizar, por lo que el proceso de selección depende completamente del fotógrafo, su percepción y sentimiento. Como se mencionó anteriormente las fotografías paisajistas no pueden ser puramente objetivas, siempre conllevan un sentimiento o una emoción tanto del fotógrafo como del espectador.

Luego del proceso de selección, estas fotografías pasan por un proceso de manipulación en el ordenador del fotógrafo utilizando diferentes técnicas y herramientas. Iván comenta que por lo general en sus fotografías varía los colores, dentro de sus ajustes favoritos están el contraste, la temperatura, la saturación y viñeta, los cuales aplica haciendo uso de uno de los programas más reconocidos para el manejo y manipulación de imágenes: PhotoShop.

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Caputo (2007), indica que la manipulación de las imágenes debe hacerse siempre pensando en la escena real que se retrató. Lo primero que se debe hacer al abrir el archivo es verificar los colores, luego ajustar la saturación y brillos. Un aspecto muy importante durante este proceso es verificar el histograma de la fotografía el cual indicará si la exposición es la correcta o si deben hacerse algunos ajustes. Ambos fotógrafos tanto Iván Castro como Caputo Coinciden en los procesos de manipulación de las imágenes paisajistas. Estos procesos permitirán la mejora de la imagen, pero en ciertas ocasiones el proceso debe ser más largo y debe iniciar desde el proceso de producción.

Cuando un fotógrafo paisajista se encuentra frente a una escena única, que la imagen que se producirá es impactante, muchas veces cuenta con muy poco tiempo para disparar antes que la composición cambie por lo que muchas veces no se consigue la exposición correcta. Pero para esto existe la técnica conocida como Bracketing u Horquillada, la cual de acuerdo a Carr (2009) es capturar una serie de imágenes con diferentes valores de exposición desde un mismo punto.

Luego de esto en el proceso post producción se procede a hacer uso de la técnica conocida como HDR "High Dynamic Range Rendering" o HDRR (renderizado de alto rango dinámico). Iván Castro comenta que ésta es una de sus técnicas predilectas, hace uso de la misma cuando considera que la exposición no es la correcta, por lo que hace varias tomas de la misma escena con diferentes exposiciones, normalmente hace tres tomas, la primera debe ser una fotografía con una exposición normal (0EV), la segunda con una velocidad de -2EV (subexpuesta) y la tercera +2EV (sobre expuesta) luego en el ordenar procede a aplicar la técnica HDR en donde haciendo uso de los programas ya sea PhotoShop o Photomatix Pro se juntan las tres imágenes y se obtiene así la exposición correcta de cada uno de los elementos que compone a la fotografía.

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Los siguientes ejemplos muestran el uso de la técnica HDR, en las cuales se puede observar la mejora de las fotografías y como esta técnica logra resaltar cada uno de los elementos de las fotografías.

Carr Pete, (2010)

Carr Pete, (2010)

Técnica HDR

Técnica HDR

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Iván Castro, (2009), Santiago Atitlán.

Técnica HDR

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En el ejemplo anterior Iván Castro hace uso del “Bracketing”, en donde hace 2 fotografías con diferentes exposiciones. En la primera, con la exposición correcta para las lanchas, y la segunda con la exposición correcta para el reflejo. Luego estas fotografías fueron unidas haciendo uso de PhotoShop y manipulando los diferentes valores de cada una de estas.

El resultado es una fotografía única, con detalles en cada uno de los elementos de la composición.

Iván Castro comenta que esta técnica tiende a ser muy criticada, ya que muchas veces se pueden exagerar los colores y contrastes de una imagen y llegan a ser imágenes poco reales. Pero a pesar de eso Iván defiende esta técnica ya que muchas veces es imposible que cada uno de los elementos que componen una imagen salgan con la correcta exposición debido a las limitantes de una cámara, por lo que Iván Castro hace uso de esta técnica, tratando siempre de presentar imágenes reales.

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CONCLUSIONES: •

La fotografía paisajista es una de las ramas de la fotografía que abarca un amplio rango de temas. En la mayoría de ocasiones se tiene la idea que este tipo de fotografía se refiere únicamente a paisajes, cuando realmente es mucho más. En realidad este tipo de fotografía es un arte, ya que su finalidad siempre es estética y al mismo tiempo comunicativa. Se puede concluir que la fotografía paisajista conlleva mucha preparación y conocimiento, ya que las circunstancias son cambiantes en cada momento de la producción, por lo que además requiere de mucho tiempo en su producción. En la fotografía paisajista la mejor inversión es el tiempo que se le dedica desde la etapa de investigación hasta el proceso de post producción, como también el equipo, el cual va desde un trípode hasta los lentes y filtros que permitirán diferentes efectos y puntos de visión de un lugar.

En base al estudio y proceso de investigación se lograron identificar los procesos y técnicas que se llevan a cabo en la etapa de producción de una fotografía paisajista, los cuales son aplicados en las fotografías de Iván Castro.

El proceso de producción tiene sus inicios en la investigación previa que se realiza del lugar, la cual va desde la búsqueda de rutas y accesos, como también el clima, la estación en la que se encuentra, y el lugar exacto de donde provendrá la luz; en el caso de la fotografía paisajista donde saldrá el sol y donde se ocultará, lo que le permitirá al fotógrafo saber la ubicación y la hora adecuada para capturar una imagen. Luego de esto al estar en el punto correcto y la hora adecuada, se busca la composición correcta, buscando siempre que ésta sea interesante y tratando siempre de lograr los tres planos de visión.

En ciertas ocasiones se debe incluir la figura humana, la cual dará a la fotografía la idea de la dimensión del lugar.

Luego se procede a hacer uso de las reglas de la fotografía, como la ley de tercios y del horizonte para determinar

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la ubicación de cada uno de los elementos que conforman la composición; se procede a medir la luz y se determina el tipo de velocidad y abertura, los cuales dependen de lo que se pretende capturar y el efecto que se le dará a la composición. El seguir estos pasos, encontrar lugares interesantes y nuevos asegurarán una buena fotografía paisajista, como se muestra en el proyecto Maravillas de Guatemala, en donde se presentan bellos paisajes resaltando la vegetación, montañas, valles y agua.

•

Igualmente se logró determinar que en la fotografía paisajista de Iván Castro como también en general, se hace uso de diferentes técnicas y herramientas para el proceso de post producción, en donde a través de la manipulación de la imagen se pretende mejorar aquellos errores o defectos que surgieron durante el proceso de producción. Una de las técnicas que más se utiliza en la fotografía paisajista es el “Bracketing” la cual se utiliza en el proceso de producción con la idea de aplicar la técnica de “HDR” (High Dynamic Range). El Bracketing consiste en realizar una serie de tomas a diferentes exposiciones, por lo que se determinó que en este proceso para obtener mejores resultados se hace uso del trípode, ya que esto evitara que a la hora de acoplar las imágenes los elementos de la composición no casen.

En el uso de la técnica HDR, se identificaron varios programas para la aplicación de la misma. Dentro de los más utilizados están PhotoShop, del que hace uso Iván Castro y Photomatix. Ambos programas han sido creados para la manipulación de imágenes. El primero permite crear imágenes HDR, aunque sus opciones son limitadas, por lo que se determinó que el programa indicado para la manipulación y uso de la técnica HDR es Photomatix, el cual fue creado específicamente para esto y permite un mejor manejo de las imágenes.

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Estas técnicas han venido a cambiar la forma de ver una fotografía paisajista, ya que a través de ellas se logra obtener la exposición correcta de todos los elementos de la composición, por lo que a la hora de los resultados finales se obtienen fotografías con el máximo detalle y logran ser llamativas e impactantes al ojo del espectador.

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RECOMENDACIONES: •

Se recomienda que al momento de llegar al lugar se socialice con las personas originarias del área, ya que son ellas las que realmente conocen el área, los lugares su características y cualidades, lo cual ayudara a determinar el punto exacto para la producción. Es recomendable también, observar el trabajo de otros fotógrafos, personas que ya hayan visitado el lugar para poder tener una idea del área y además no caer así en la repetición de imágenes. En esta etapa se debe determinar la iluminación que se tendrá, como en dónde saldrá el sol, dónde se ocultara y como se mencionó anteriormente el clima y las estaciones ya que estas afectan el tipo de iluminación que se capturara.

El conocer todos estos aspectos ayudarán a

determinar la composición, por lo que puede ser que el proceso de capturar la escena sea mas rápido, pero igualmente se recomienda dedicar el tiempo necesario a cada composición ya que puede ser que una fotografía sea mejor por la tarde con un cielo despejado que por la mañana, por lo que talvez seria conveniente esperar ese momento.

En el proceso de producción, se recomienda tomar en cuenta cada una las reglas de la fotografía identificadas durante este proceso de investigación. Iniciando con estas reglas se puede nombrar la regla de los tercios, la cual en la fotografía paisajista permitirá resaltar objetos de importancia en la composición.

Además se recomienda tener presente en todo momento la aplicación de la regla del horizonte, esta regla es de suma importancia en la composición de una fotografía paisajista, esta permitirá que una fotografía no se vea dividida en dos. Durante el proceso de composición se debe observar y encontrar elementos que den la percepción de un tercer plano, como también se debe considerar el incluir figura humana o la

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presencia de esta, como caminos, carreteras, casas, barcos, etc. Esto dará una idea de la dimensión del lugar o de los elementos de la composición.

Se recomienda también, capturar las imágenes en formato RAW, el cual permitirá obtener un mejor proceso de post producción sin que la imagen pierda tanta calidad, ya que este tipo de formato no suele llevar compresión de la información de una imagen. Éste formato contiene la totalidad de los datos de la imagen tal como ha sido captada por el censor digital de la cámara fotográfica, por lo que es recomendable utilizar en caso la cámara lo permita.

•

En cuanto a la etapa postproducción, se recomienda como primera instancia observar las fotografías capturadas y seleccionar aquellas que muestren una composición interesante. Este proceso de selección se recomienda se lleve acabo tomando en cuenta siempre las sensaciones, olores y sentimientos que se produjeron en este lugar, éstos elementos deben reflejarse en la fotografía para que puedan ser captados por el espectador. En el proceso ya de manipulación de las imágenes es recomendable siempre realizar dos copias de la imagen, una que servirá como archivo y la segunda que será modificada, lo que permitirá en cualquier momento regresar a la imagen original.

A la hora de hacer uso de “Bracketing” se recomienda como primera instancia visualizar el área y determinar las exposiciones para cada una de las imágenes. Usualmente es recomendable hacer tres exposiciones con diferentes valores, el primero con una exposición normal, la segunda con una subexposición y la tercera con una sobre exposición. En ciertos casos existen elementos de la composición que están en movimiento, por lo que en estas circunstancias se recomienda hacer una exposición con los valores normales (0EV) y luego en PhotoShop o el programa que se este utilizando para manipular las

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imágenes, se hagan otras dos imágenes alterando la exposición en cada una para obtener una sub expuesta y la otra sobre expuesta, tratando siempre de resaltar al máximo los detalles en cada una de las imágenes, luego se procede como en el caso anterior a unir las tres imágenes y retocar aquellos detalles que lo requieran. Se recomienda siempre que al hacer uso de esta técnica no se exageren los valores de la fotografía lo cual llevara a la producción de imágenes poco reales, lo cual es valido siempre y cuando esto sea el objetivo.

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ANEXOS: Guía de entrevista: 1. ¿Cómo define a la fotografía?

2. ¿Qué diferencia existe para usted entre fotografía análoga y digital, y qué benéficos ha encontrado en cada una de estas?

3. ¿De acuerdo a su experiencia, cuál es el concepto y función de la fotografía paisajista?

4. ¿Cómo inicio con la fotografía paisajista?

5. ¿Por qué se interesó en la fotografía paisajista?

6. ¿Qué tipo de investigación previa se lleva a cabo para determinar el lugar?

7. ¿Qué aspectos determinan el punto exacto para tomar la fotografía?

8. ¿Qué elementos toma en cuenta en la composición de una fotografía?

9. ¿De los temas de la fotografía paisajista cuál es el de su predilección y por qué?

10. ¿En base a qué toma la decisión de incluir presencia humana en la fotografía paisajista?

11. ¿Cuánto tiempo le lleva el proceso de componer y tomar una fotografía paisajista?

12. ¿Qué tipo de iluminación utiliza en la fotografía paisajista que realiza? ¿En alguna ocasión hace uso del flash?

13. ¿Qué efectos produce la luz del día en sus diferentes horas en sus composiciones?

14. ¿Cómo logra la exposición correcta en la luz del día?

15. En ciertos casos no se logra la exposición deseada, ¿qué técnica utiliza para solucionar esto?

16. ¿Qué factores determinan la orientación de la fotografía?

17. ¿Qué ángulo es el que mas utiliza en la composición de sus fotografías paisajistas?

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18. ¿Qué factores determinan la selección de un lente?

19. ¿Cómo logra darle a sus fotografías la percepción de un tercer plano?

20. ¿Qué proceso de selección utiliza para determinar las fotografías a utilizar?

21. ¿Qué factores determinan los procesos post-producción que requieren las fotografías?

22. ¿Qué procesos y técnicas utiliza en el proceso de post-producción?

23. Podría describir el proceso completo en 2 fotografías del proyecto en la parte de post-producción 24. ¿Qué aspectos definen una buena fotografía paisajista?

25. ¿Qué mensaje busca transmitir con sus fotografías?

26. ¿Cuál es el propósito de las fotografías paisajistas realizadas para este proyecto?

27. ¿Cómo logra despertar los sentidos del espectador a través de una fotografía paisajista?

28. ¿Considera que la fotografía paisajista juega un papel importante en la publicidad?

29. ¿Cree usted qué la fotografía paisajista puede contribuir en la percepción positiva o negativa de un lugar?

30. Podría contarnos algunas anécdotas sucedidas en la toma de las fotografías para el proyecto “Las Maravillas de Guatemala”.

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Guía de observación: 1. ¿Las fotografías, cumplen con las características de una fotografía paisajista? a. Revela algo importante sobre un lugar b. Revela algo sobre el lugar y sus habitantes c. Comunica sobre las condiciones del lugar d. Provoca una respuesta emocional en el espectador No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

A.

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2. ¿Qué tipo de lente fue utilizado en cada una de las fotografías paisajistas seleccionadas?

No.1.

Gran Angulares

No.2.

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Normal

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

X

X

X

X

X

X

X

X

No.10.

X

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

X

X

X

X

X

Teleobjetivo

3. ¿Qué tipo de luz fue utilizada en cada una de las fotografías?

No.1.

Luz Principal

No.2.

No.3.

No.4.

X

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

X

Luz de Relleno

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

X

X

X

X

X

X

Luz Lateral

X

Contraluz o

X

X

X

X

X X

X X

X

Back Light Luz Natural

X

X

X

X

X

X

X

X

Flash Otras Fuentes

X

X

X X

X

110

4. ¿Qué reglas básicas de la composición fueron utilizadas en cada una de las fotografías?

No.1.

Regla de los

No.2.

X

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

X

X

X

X

X

X

No.9.

No.10.

No.11.

X

No.12.

No.13.

X

X

No.14.

No. 15.

tercios Punto Focal

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

Ley del Horizonte

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

Líneas Guías

X

X

X

X

5. ¿Qué tipo de equilibrio se puede observar en la serie de fotografías seleccionadas?

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

Simetría Asimetría

X

X

X

X

X

X X

X

X

X X

111

X

X X

X

6. ¿Qué aspectos técnicos de la fotografía fueron utilizados en cada una de las fotografías?

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

Exposición a

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

X

la luz Obturación Gran Profundidad de campo Profundidad de campo reducida Velocidades

X

X

X

X

X

Lenta Velocidades

X

X

Rápida Velocidad

X

X

X

X

X

Media

112

X

7. ¿Cuáles son los planos utilizados en la fotografía paisajista seleccionadas de Iván en el libro “Maravillas de Guatemala”?

No.1.

No.2.

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

No.9.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15

Gran Plano

X

X

X

X

General o Panorámico Plano general

X

X

X

X

X

X

o completo Plano Americano Plano medio Primer Plano Primerísimo primer plano

113

X

X

X

X

X

8. ¿Qué ángulos fueron los utilizados en la serie de fotografías seleccionadas?

No.1.

Frontal o normal.

No.2.

No.3.

No.4.

X

No.5.

No.6.

No.7.

No.8.

X

X

X

X

Picada.

X

No.11.

No.12.

No.13.

X

X

X

No.14.

Cenital.

X X

114

No. 15.

X X

Nadir.

No.10.

X

Contra picada.

Dutch

No.9.

X

9. ¿Cuáles son los temas de las fotografías seleccionadas?

No.1.

No.2.

Ríos, Lagos, Lagunas.

No.3.

No.4.

X

No.5.

No.6.

X

No.7.

No.8.

No.9.

X

X

X

Montañas, Volcanes.

No.10.

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

X

X

X

X

X

X

No. 15.

X

Llanuras, Valles.

X

Costa o Cielos

X

X

X

X

Aéreas.

X

X

X

Monumentos Arquitectura

10. ¿En qué fotografías se encuentra el tema de presencia humana No.1.

Hay presencia humana.

No se observa presencia

No.2.

X

No.3.

No.4.

No.5.

No.6.

No.7.

X

X

X

X

X

X

X

Humana.

No.8.

115

No.9.

No.10.

X

X

No.11.

No.12.

No.13.

No.14.

No. 15.

X

X

X

X X