Revista Cult Cinema

CULT CINEMA

Culto: m. Conjunto de ritos y ceremonias litĂşrgicas con que se tributa homenaje.

adj. Dotado de cualidades que provienen de la cultura o instrucciĂłn.

Persona culta. Pueblo, lenguaje culto.

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Cine de Culto ¿Cine para hipsters? ¿Cine malo? Para considerar una película como de culto debe pasar por diversos grupos de personas con gustos muy particulares.

Directores de Culto

CULTO

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Top 7 Películas de

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Los grandes maestros y fundadores de este género. Se necesita más que suerte y talento para entrar en este selecto grupo de cinematógrafos.

La mejor selección de películas para volverte un cinéfilo experto en esta rama.

Muchos dicen ser conocedores del género pero que pocos pueden apreciarlo.

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CINE DE CULTO

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MÁS QUE UNas películas

underground

En la actualidad, muchas películas son anunciadas como “Cine de culto”. Pero…¿Qué es en realidad el cine de culto? ¿Qué criterios se siguen para considerar que una película es digna de pertenecer a ese selecto grupo? ¿Y quién decide qué películas forman parte de él?

U

sualmente los intelectuales y cinéfilos son quienes lo siguen, debido a lo difícil que en ocasiones resulta su trama y la abstracta visión del director.

Son películas para un público que gusta de un tipo de cine “raro o diferente”, no son películas para una audiencia masiva, se llaman así porque esa gente rinde “culto” (culto a la cultura), al argumento de la misma, a la dirección, y a los

actores que a veces no son conocidos.

Algunos ejemplos de esto, se manifiesta directamente en ciertos sectores culturales y sociales, un ejemplo interesante de ello es el movimiento de los Darks, una de sus películas de culto es “El Cuervo”; no le fue tan bien en taquilla, pero el personaje principal es un icono de ese movimiento o tribu urbana.

De forma errónea se relaciona al cine de culto únicamente con las producciones de bajo presupuesto o “Clase B”

(participas actores principiantes, no reconocidos o en decadencia, por lo que se asocia comúnmente a producciones de baja calidad), o con películas que como expresiones marginales son rechazadas por la mayoría del público e ignoradas por la crítica y la historia oficial, y que sólo encuentran su nido de audiencia en un grupo reducido. Una película de culto puede tener espíritu trasgresor, ser subversiva o underground.

Observemos el caso de “The Rocky Horror Picture Show” (1975), que hoy es considerada como la primera película de culto de la historia. Durante su exhibición la gente huía escandalizada de los cinemas por ser un musical demasiado atrevido, pues combina elementos de ficción científica, terror, travestismo, incesto y homosexualidad. Sin embargo, desde el momento en el que la quitaron de la cartelera hasta día de hoy, se ha seguido proyectando en cines adaptados especialmente para sus fans (los horroritas).

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QUENTIN

TARANTINO

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EL LEGADO

posible retiro

Se ha convertido en uno de los cineastas contemporáneos más destacados y es reconocido por producir algunas de las películas más importantes de las últimas décadas, que han pasado a formar parte del cine de culto del siglo XX y XXI.

(Knoxville, Tennessee, 1963) Director de cine estadounidense. Con su primera película, Reservoir Dogs (1992), se erigió en director de culto y creó suficientes expectativas hasta la llegada de su segunda obra, Pulp Fiction (1994), un producto con parecidos punto de partida y desarrollo pero envuelto en un reparto de lujo y una producción millonaria, que ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes (1994) y le valió el Oscar al mejor guión original.

Aficionado al cine desde niño, Quentin Tarantino fue un mal estudiante; a los 22 años empezó a trabajar en un videoclub de Manhattan Beach, y se matriculó para tomar clases de interpretación. El videoclub se convertiría en su escuela de cine, y pronto empezó a redactar guiones.

Tarantino ha navegado por varias temáticas en sus producciones, siempre respetando su propio estilo. Este se destaca por ser particular y extravagante: sus películas contienen narrativas no lineales, protagonistas mujeres fuertes y un gusto por mostrar el lado estético de la violencia.

Para los espectadores que recién se estrenan en el mundo tarantinesco, las películas suelen resultar en un principio incómodas y extrañas, pero luego esta sensación desaparece y se comienza a captar el verdadero sentido y el mensaje de la obra.

Tarantino llevó el lenguaje cotidiano al cine desde su primera película. Los diálogos de sus guiones son tan reales que consiguen que su ficción resulte creíble.

El director consiguió un estilo propio a

partir de las influencias más dispares. Blaxploitation, Kung Fu, Spaghetti Western... El cineasta remezcló géneros olvidados y recuperó para la opinión pública películas mal clasificadas como Serie B. Pero no adelantemos acontecimientos tan rápido. De niño, Tarantino creció bajo el influjo de los nuevos antihéroes que protagonizaban las películas de los años ‘70. Volemos por unos momentos a aquellos primeros años en los que el cine cimentó la personalidad del futuro director.

Durante una conferencia de Adobe Max en San Diego, el director Quentin Tarantino anunció que después de realizar su décima película se retirará definitivamente de la industria cinematográfica para enfocarse en su vida personal. En la conferencia, Tarantino habló de como definiría el éxito para sí mismo, diciendo que espera ser considerado uno de los mayores cineastas que han vivido jamás. Y más aún, un gran artista, no solo un cineasta.

los mejores personajes

Muchos guionistas piensan que lo más importante a la hora de escribir una película son los personajes. No importa lo emocionante que sea tu historia, lo dinámico que sea tu diálogo o la maestría técnica que demuestre tu equipo de filmación. Si al público no le interesan los personajes, todo lo demás no tendrá efecto.

Es obvio que Quentin Tarantino es consciente de esto. Es un maestro a la hora de construir personajes excelentes, con los que la audiencia pueda empatizar.

Marcó un estilo y estableció el comienzo de su discurso como autor. También conoce el catalizador para esta tarea: escoger a los actores correctos. Individuos capaces de entender su visión y ejecutarla a la perfección. Hay incontables ejemplos de esto en su filmografía.

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STANLEY 8

KUBRICK

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EL GRAN CONTROLADOR HAY DIRECTORES QUE, CON POCAS PELÍCULAS, CONSIGUEN CONVERTIRSE EN DIRECTORES DE CULTO Y AUTÉNTICAS LEYENDAS. NO HAY DUDAS EN QUE, DENTRO DE ESTA LISTA DE DIRECTORES DE CULTO, SE ENCUENTRA EL GENIAL STANLEY KUBRICK, UN AUTÉNTICO “MAGO DE LA CÁMARA” QUE NOS DEJÓ HACE JUSTO 17 AÑOS.

(Nueva York, 1928 - Harpenden, Reino Unido, 1999) Director de cine estadounidense. Fotógrafo de la revista Look desde los diecisiete años de edad, realizó su primer cortometraje en 1951 y su primera película en 1953. Sin embargo, no gozó del aplauso unánime del público y de la crítica hasta el estreno de Senderos de gloria (1957), filme antibelicista en el que describió un célebre caso de fusilamientos por supuesta deserción durante la Primera Guerra Mundial.

En 1968 asombró al mundo con 2001: una odisea del espacio, basada en un relato corto del escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke y en la que el director dio rienda suelta a su inigualable sentido estético en el marco de una historia de fuerte contenido metafísico y especulativo que destacó por sus perfectos efectos especiales y la poderosa carga simbólica de algunas de sus imágenes.

CENSURANDO EL ARTE

Tres años más tarde estrenó su filme más polémico, censurado durante años en múltiples países, La naranja mecánica (1971), descarnada reflexión sobre la violencia individual y colectiva. Sus siguentes obras, Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980), película de terror basada en la obra homónima de Stephen King, y La chaqueta metálica (1987), abundaron en un esteticismo abrumador por el que fue acusado de una excesiva frialdad. En 1997 inició el rodaje de Eyes wide shut, poco antes de cuya finalización le sobrevino la muerte.

EL MAGO

Stanley Kubrick logró el ansiado “control total” en sus películas para poder ofrecer esa “coherencia artística” que visualizaba en todos sus trabajos; sus películas son una perfecta armonía de todos sus componentes (escenas, fotografía, ambientación, banda sonora...) y, gracias a esta forma de entender el cine, abrió una punta de lanza para transformar, por completo, el significado del oficio de director de cine.

La obra de Stanley Kubrick siempre se caracterizó por su precisión técnica; Kubrick era un “gran controlador” y ejercía tanto de director de la cinta como de director de fotografía, productor, guionista, operador de cámara, responsable del montaje, diseñador de efectos visuales, director de sonido y hasta asesor de iluminación.

Este sello de calidad técnica y perfección es algo que hemos podido comprobar en títulos como “Paths of Glory” o “2001: A Space Odyssey” que se caracterizaron por su fotografía o sus efectos especiales. La ambientación, la estética y el simbolismo también marcaron una carrera que nos regaló una filmografía compuesta por 13 largometrajes entre los que se encuentran películas míticas que todo el mundo debería ver, al menos, una vez en la vida.

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HERMANOS 10 CULT CINEMA

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coen

MENTES

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brillantes

acidos en 1951 y 1954 respectivamente, Joel y Ethan Coen parecen trabajar como una sola persona, a tenor de las declaraciones de los actores que han trabajado con ellos. Sin embargo, por las reglas de la Directors Guild of America no pudieron aparecer juntos como directores de sus películas, quedándose sólo Joel en los créditos. Los hermanos debutaron en 1985 con 'Sangre Fácil' ('Blood Simple'), consiguiendo pronto el éxito de la crítica, que mantienen hasta el día hoy; el público se fue sumando poco a poco, aunque su cine no va destinado ni interesa a las masas. Con 'No es país para viejos' ('No Country for Old Men', 2007) obtuvieron su mayor éxito, logrando el Oscar al mejor guión, director(es) y película.

Elaborados guiones, personajes extravagantes, humor negro, violencia, cuidada puesta en escena y gusto por lo clásico. Éstos podrían ser los principales ingredientes de la obra de estos hermanos tan particulares. A lo que hay que sumar los nombres de sus colaboradores habituales, desde el compositor Carter Burwell a los actores Steve Buscemi, Frances McDormand (casada con Joel Coen), John Goodman o John Turturro, de quienes los Coen consiguen sacar siempre lo mejor.

I DON'T CARE

DE LA COLECCIÓN SELECTA El Gran Lebowski (1998)

Fargo (1997)

El holgazán Jeff "The Dude" Lebowski se involucra en una vorágine de eventos cuando lo confunden con otro Lebowski multimillonario.

Un hombre decide contratar a dos delincuentes para que secuestren a su mujer con el fin de montar un negocio propio con el dinero del rescate.

Sin Lugar para los Débiles (2007) Nunca imaginó al tomar el dinero que tendría tras sus pasos a un siniestro asesino que haría lo imposible por atraparlo.

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EL

LOCO WATERS

PAPÁ DEL John Waters es hijo de Pat y John Waters. Después de trabajar como APODADO POR EL ESCRITOR DE LA GENERACIÓN marionetista para niños Waters grabó en el instituto sus primeras pelícuBEAT WILLIAM BURROUGHS “EL PAPA DEL TRASH” las. Allí, junto a un puñado de amigos, JOHN WATERS SE CONVIRTIÓ EN UN DIRECTOR creó un grupo al que denominó The DE CULTO GRACIAS A SUS COMEDIAS INMUNDAS, Dreamland Players y con una cámara de 8 mm. comenzó a rodar historias GROSERAS E IRREVERENTES. CON TÍTULOS COMO que intentaban subvertir los valores “PINK FLAMINGOS" EL DIRECTOR, GUIONISTA, del ciudadano medio estadounidense.

PRODUCTOR DE BALTIMORE ES UN REFERENTE BÁSus primeros trabajos presentaban, SICO DEL CINE UNDERGOUND MÁS SUCIO, FRESbajo una estética marcadamente camp, personajes encatadoramente indecenCO Y DESVERGONZADO. tes en situaciones escandalosas, con la ayuda de unos diálogos exagerados y llenos de excentricidades. Tres clásicos de esta época, Pink Flamingos, Female los para que éstas se comieran su maquillaje.

Trouble, y Desperate Living, forman la Trash En “Roman Candle” aparecía por primera Trilogy,(Trilogía Basura), que presionó dura- vez en sus películas Divine (Harry Milstead), mente los límites del decoro, lo convencional drag queen que se convirtiría en asiduo de sus y, desde luego, la censura cinematográfica. producciones, al igual que intérpretes como

EL LADO GROTESCO

Es particularmente célebre la escena final de Pink Flamingos, añadida al final de la cinta sin aparente continuidad con la trama pero sí con el personaje. Fue rodada en una sola toma sin efectos especiales, un pequeño perro defeca en la calle y Divine se come los excrementos del animal.

Influenciado por gente tan diversa como William Castle, Federico Fellini, Russ Meyer o Andy Warhol, Waters realizo y escribió cortos a mediados de los años 60. Entre ellos “Hag in a black leather jacket” (1964), “Roman candles” (1966), “The Diane Linkletter Story” (1969) o “Eat your make up” (1969), film rodado en 16 mm con un curioso argumento que seguía a unos secuestradores que raptaban a mode-

David Lochary, Mary Vivian Pearce o Mink Stole. También intervenía en “Roman Candle” la actriz Mona Montgomery, quien fue durante un tiempo pareja sentimental de John Waters hasta que éste rompió su relación para iniciar un noviazgo con John Liesenring, actor que aparecía en su primer largometraje, “Mondo Trasho” (1969), comedia negra rodada con los 2.000 dólares que le prestó su padre en la cual Waters se ocupaba de todos los aspectos técnicos.

Antes había acudido a la Universidad de Nueva York pero en el centro duraría más bien poco. Un día lo pillaron fumaron marihuana y al siguiente ya estaba de patitas en la calle con una carta en la que sus profesores le recomendaban a los padres de Waters que su hijo necesitaba acudir a un psiquiatra.

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pelĂ?culas indispensables

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ROCKY HORROR

PICTURE SHOW

CONSIDERADA LA PRIMER PELÍCULA DE CULTO DE LA HISTORIA, NARRA LAS AVENTURAS DE UNA PAREJA QUE SE VE OBLIGADA A PASAR UNA NOCHE EN LA MANSIÓN DEL DOCTOR FRANK-N-FURTER, QUIEN SE DISPONE A CELEBRAR SU CREACIÓN “ROCKY HORROR”, UN HOMBRE PERFECTO CUYO CEREBRO PERTENECIÓ A UN DELINCUENTE JUVENIL.

DIRECTOR: JIM SHARMAN CALIFICACIÓN:

PREMIOS:

37

años

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DR. FRANk-N-FURTER TE INVITA A SU

TRANSEXUAL TRANSILVANIA LA PELÍCULA FUE CONSIDERADA INMEDIATAMENTE DE CULTO POR SUS ESTRECHAS REFERENCIAS A LA FERVIENTE IDEOLOGÍA DE LA JUVENTUD DE LOS AÑOS 70, QUE BUSCABA FIESTA Y LIBERTAD SEXUAL, SIENDO ESTOS, LOS TEMAS TRATADOS EN EL FILME.

gustos culposos La película The Rocky Horror Picture Show primero fue un espectáculo de Broadway y después fue una un trabajo para cine, dirigido por Jim Sheridan, y que fue estrenado en el año de 1975.

The Rocky Horror Picture Show es una cinta que se considera de culto para el Rock , pues se estrenó en plena fiebre del Glam, y contó con el aval de personajes ilustres como David Bowie y T-Rex, entre otros.

El filme está basado en el musical The Rocky Horror Show, de Richard O’Brien, y es reconocido por una escena emblemática, en la que el Dr. Frank-N-Furter, un extravagante científico travesti que sobre riffs limpios y machacones, nos dio versos sucios en ‘Sweet Transvestite’, lo que es el detonante para que el Horror se volviera rosa.

INICIOS DEL GLAM

Pese al gran éxito que había tenido la obra teatral en los escenarios, la película, que se estrenó en 1975, resultó ser un fracaso de taquilla.

Sin embargo, años después en una sala de Nueva York, en la función de media noche, empezó

a llegar gente vestida como los personajes de la película, incluso algunos de los asistentes se sabían de memoria los diálogos. El cine se había convertido en el lugar de reunión de las criaturas de la noche de aquella época.

Poco a poco, la gente empezó a desinhibirse e interactuar frente a la pantalla mientras pasaba la película: Un mito había nacido.

En las grandes capitales del mundo creció un mito underground que se propagó hasta convertir al RHPS en un clásico de culto. A más de una década de su estreno, la función de media noche del RHPS sigue siendo una experiencia única. El show se presenta actualmente en Paris, Londres, Sidney, Tokio, Munich y un sin número de ciudades de Estados Unidos.

El elenco que actúa está a siempre constituido de aficionados, fanáticos que perpetúan el mito. Es gente extrovertida del público que sueña en convertirse por una noche, en un extraño ser, caracterizados por ser voluntariosos al confeccionar ellos mismos sus trajes. Anualmente se realizan convenciones en las que se reúnen todos los fanáticos del RHPS. Existen cientos de sitios de internet, canales de chat y todo lo relacionado con la película se ha convertido en objeto de coleccionistas.

El maquillaje, la actitud y la extravagante estética de la película ha influenciado a varios artistas y shows de televisión llevándoles a rendir homenaje a la obra adaptada en el cine; la serie de televisión Glee dedicó un episodio completo a rendirle tributo. También por más de cuarenta años en cada obra teatral, gay parade y halloween vestirse de Dr. Frank N. Furter, Riff Raff, Rocky, Columbia y Magenta se ha transformado en un rito fundamental.

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2001: DIRECTOR: Stanley kubrick CALIFICACIÓN:

PREMIOS: 18 CULT CINEMA

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ODISEA EN EL ESPACIO 2001 podría ser el ejemplo de película amada y odiada partes iguales por los espectadores. Incomprensible para muchos, filosófica, existencialista, extraña, absorbente... todos los calificativos son pocos. Fue estrenada en 1968, hace 47 años. Has leído bien. 1968. Hoy en día hemos podido disfrutar de grandes cintas recientes sobre el espacio como Interstellar o Gravity pero llegar a realizar una película tan bien rodada de este tipo en aquella época fue todo un hito que consagró a Kubrick como cineasta de élite.

DE LA FICCIÓN

AL CULTO

2001: Odisea del espacio trata del pasado el hombre y su futura vida en el espacio. Trata de la preocupación de la jerarquía del hombre en el Universo, que probablemente es muy baja. Es sobre las reacciones de la humanidad ante el descubrimiento de inteligencia superior en el Universo.

Cuando en 1964, Kubrick le propuso a Clarke crear en conjunto “la proverbial película de ciencia ficción” nadie pudo predecir el resultado: Desde su estreno hace más de 50 años 2001: odisea del espacio pasó de la incomprensión casi general a ser película de culto de amplia difusión, imprescindible los amantes del cine de arte y la buena ciencia ficción fílmica.

UNIVERSO DE ENIGMAS Uno de los problemas con los que se encuentra el espectador la primera vez que ve 2001: una odisea del espacio es la dificultad para comprender el sentido de muchos de los elementos del argumento. La película está narrada de forma muy abstracta y tiende a dejarnos con muchas dudas pendientes una vez concluye el metraje. ¿Qué son los monolitos negros? ¿Por qué se rebela el ordenador HAL 9000? ¿Qué es la extraña habitación de hotel que aparece al final del film? ¿Por qué el astronauta Dave Bowman se

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transforma en un feto? El propósito del presente artículo es ayudar a entender todos estos asuntos, paso a paso, y siempre como una forma de animar al lector a disfrutar de un film que, sí, es difícil, pero que también puede convertirse en una magnífica experiencia si se sabe cómo interpretarla. cabe aclarar que aquí nos centraremos en el argumento de la película de Stanley Kubrick; aunque la novela de Arthur C. Clarke tiene un argumento prácticamente idéntico, existen algunas pequeñas diferencias.

TRAMA 2

TRAMA 1

La trama principal narra historia de la evolución humana a lo largo de varios millones de años; una evolución que en la película es dirigida por algún tipo de inteligencia extraterrestre cuya naturaleza no se especifica en ningún momento.

El instrumento que esta inteligencia utiliza para “manipular” a la raza humana es el célebre monolito negro. Aparecen cuatro monolitos a lo largo del film, con funciones distintas cada vez. Analizaremos la trama principal dividiéndola en cuatro partes, usando la aparición de cada uno de lo cuatro monolitos como hito argumental.

La segunda trama es la historia del ordenador HAL 9000 y su rebelión frente a sus creadores. Esta subtrama gira también en torno al concepto de la evolución y la inteligencia, pero como ya hemos dicho no tiene realmente relación con la trama principal, más que de una manera puramente tangencial. La subtrama de HAL es un “accidente” que sucede dentro de la trama principal pero que no afecta su curso.

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perros de

RESERva En 1992 un joven cineasta impactรณ con su รณpera prima, una cinta que descollรณ por su humor negro, ingeniosos diรกlogos y crudas escenas de violencia.

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DIRECTOR: quentin tarantino CALIFICACIÓN:

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PERROS QUE NO LADRAN Quentin Tarantino, un joven y desconocido empleado de un videoclub de Los Ángeles y fanático del cine desde los 7 años, comenzó a escribir un guión de una película de maleantes a la que tituló “Reservoir Dogs”. Cinta que, según el mismo Tarantino, debía ser como “La Pandilla Salvaje de los años 90”, y que pensaba filmar con algunos amigos en 16 mm, en blanco y negro y con un escuálido presupuesto de 30 mil dólares. Sin embargo, por azares del destino, el guión llegó a las manos del actor Harvey Keitel quien decidió coproducirla y aumentar su presupuesto a 1.2 millones de dólares, consiguiendo así el reparto conformado por el mismo Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Michael Madsen y Lawrence Tierney.

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una historia

convencional En un restaurante típico de Estados Unidos, ocho individuos comen y dialogan sobre sus canciones favoritas y discuten sobre el hecho de dar propinas a las meseras, todos ríen y disfrutan del momento, seis de ellos usan traje negro, mientras que el más viejo de todos revisa una libreta y el otro viste un colorido pants, uno de ellos paga la cuenta y todo se retiran del lugar. Una escena tan normal en la vida como esta es contrastada por la realidad de “Perros de reserva”, pues estos seis hombres que visten trajes negros y lentes oscuros, en realidad fueron contratados por los otros dos, Joe Cabot y su hijo Eddie para el robo de una joyería, un trabajo que aparentemente será muy sencillo, sin embargo, ellos no conocen lo que les depara el destino y es que no se conocen entre sí, pues por órdenes de Joe Cabot, todos deben mantenerse en el anonimato y para esto, tienen asignados nombres de colores los cuales son Sr. Rosa, Sr. Blanco,

Sr. Naranja, Sr. Marrón y Sr. Rubio, uno de

estos colores es un infiltrado de la policía.

Con este reparto y un guión inigualable, Quentin Tarantino presenta su irreverente e impactante estilo de presentar ciertos aspectos de la sociedad y sus bajos mundos mediante escenas violentas y a la vez repletas de humor negro, asimismo, los diálogos y sus temas logran profundizar en la esencia de cada uno de sus personajes y como es que se desarrollan en un mundo criminal, sin olvidar que cuenta con un soundtrack con artistas como Steven Whright, Joe Tex y Blue Swede; todos estos elementos mezclados a la perfección han colocado a esta película independiente en el gusto del público y en pocos años se ha convertido en una película de culto para muchos.

ARTE EN EL GUIÓN Si algo tiene Perros de reserva, es un guion trabajado y pulido, los diálogos y los personajes son completa y totalmente humanizados, para muestra un botón el dialogo inicial de los ladrones tomando un café en un restaurante, ¿Cuántas veces nos hemos sentado así a hablar de banalidades sin sentido?, todos los días, a cada hora, el merito de Quentin es que lo cotidiano lo transforma en cine.

De tecnisismos hay mucho que alabarle a la película, su ritmo narrativo es perfecto, los flashback que normalmente llegan empalagar en la mayoría de películas aquí son utilizados de

una manera ejemplar, la agonia y frialdad de los personajes es sentida en carne viva por el que ve la película, y esto es por que Tarantino es un titiritero experto en sacarle lo mejor a su reparto, antes de perros de Reserva quien conocía a un Tim Roth o un Michael Madsen, este ultimo haciendo un inolvidable papel de asesino psicópata como Mr Blondie, quien puede olvidar a Steve Buscemi en un elaborado y entrañable Mr Pink, y esto pasa por que los personajes a pesar de ser asesinos que matarían hasta su madre por dinero, son increíblemente adictivos y divertidos.

Perros de reserva te lleva al extremo con una simplicidad visual increíble, es el inicio de una carrera prodigiosa y soñada de un director que no se quedo soñando si no que hizo lo que fuera para cumplir su ideal, Perros de reserva debe ser vista obligatoriamente por los amantes del cine, un clásico de los noventa hecho con la simplicidad y pasión.

Mr.Orange "EL Nuevo"

Mr.PINK

"EL INTELIGENTE"

Mr.BROWN

"EL HABLADOR"

Mr.BLONDE "EL SOCIÓPATA"

Mr.WHITE

AMABLE" CULT CINEMA"ELNOV 25

¿quéMr. pasóPink con?

TRAS EL SANGUINARIO TRIÁNGULO DE FUEGO, EL SR. ROSA TOMA LOS DIAMANTES Y HUYE DEL ALMACÉN, PERO LUEGO NO VOLVEMOS A SABER NADA DE ÉL. ¿CONSIGUE ESCAPAR CON LOS DIAMANTES? ¿LO DETIENE LA POLI? ¿CONSIGUE SER EL ÚNICO SUPERVIVIENTE DEL GRUPO?

H

ay muy diferentes versiones al respecto. En la versión doblada al español es imposible discernir nada porque no aparece, pero parece ser que en la versión original se oyen ciertos diálogos y sonidos de lo que ocurre fuera del almacén. Estos diálogos se escuchan muy bajo, y por si fuera poco quedan cubiertos por las palabras de Blanco y Naranja en sus últimos momentos de agonía. Hay sin embargo un testimonio discutiblemente fiable de un sujeto denominado Wowie Zowie, que mandó al newsgroup de Tarantino una crónica de cómo con la copia de la película en laser-disc y amplificando el sonido en un 400% podía uno enterarse de lo que sucedía. Al parecer, se oye el sonido del Sr. Rosa entrando en un coche y arrancando.

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Posteriormente se oyen sirenas y disparos que advierten de la presencia de la policía.

A continuación, se oyen los gritos de éstos hacia el Sr. Rosa ¡Fuera del coche!, ¡Las manos sobre el capó y la respuesta del Sr. Rosa No disparen, ¡joder, me han dado! Los policías articulan algún otro sonido más ¡No te muevas! ¡Mierda, que no te muevas! ¿Eres un asesino de policías? ¿Has matado a alguno?

Para finalmente acabar arrestando al Sr. Rosa ¡Las manos en la espalda!. Evidentemente, todos estos diálogos están en inglés y hace falta tener oídos biónicos para oírlos, además de la dudosa veracidad de estas afirmaciones.

"I HOPE THAT WHEN THE WORLD COMES TO AN END, I CAN BREATHE A SIGH OF RELIEF, BECAUSE THERE WILL BE SO MUCH TO LOOK FORwARD TO..."

DONNIE DARKO CULT CINEMA NOV

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DIRECTOR: RICHARD KELLY CALIFICACIÓN:

PREMIOS:

JUEGOS

MENTALES DONNIE DARKO ES UNA DE LAS PELÍCULAS DE CULTO MÁS DESTACADAS HASTA LA FECHA. PARA ENTENDER ESTA PELÍCULA, NO SOLO HACE FALTA VERLA MÁS DE UNA VEZ, SINO QUE SE RECOMIENDA VER EL MONTAJE DEL DIRECTOR, ASÍ COMO LAS ENTREVISTAS QUE ESTE PRESENTA. 28 CULT CINEMA

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E MADNESS

sta interesantísima película escrita y dirigida por Richard Kelly y estrenada en el 2001 fue subvalorada en su momento, considerada una cinta adolescente. Nada más alejado de la realidad, aunque existe el ambiente estudiantil, el film es sumamente original, onírico, intrigante, inteligente, con dirección y guión de altura.

El film posee una atmósfera hipnótica, mezcla de viajes oníricos y saltos en el tiempo.Toda la trama gira en torno de Donnie, un chico dotado de gran inteligencia e imaginación. Esta película está ambientada en 1988, en el pueblo de Middlesex. Una noche una voz extraña le invita a salir de su habitación, ya fuera de casa y en pijama, escucha en el jardín: “28 días, 6 horas, 42 minutos, 12 segundos. Ese será el fin del mundo." Este mensaje fue dicho por Frank, un personaje capaz de viajar en el tiempo y que actúa como fantasma o espíritu que guía a Donnie en el universo tangente.

Donnie despierta en un campo de golf con la fecha que Frank le dijo anteriormente marcada en el brazo. Al regresar a su casa se da cuenta de que anoche un motor de avión cayó en su habitación. Frank le comunica a Donnie que, realmente, el cielo se está desplomando sobre la Tierra y que él ha sido elegido para una misión divina.

Frank le da un puñado de pistas proféticas, y le promete que en el futuro seguirán en contacto.

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LA NARANJA MECÁNICA 30 CULT CINEMA

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Tanto por su estética como por su contenido (violaciones, crítica a las técnicas conductistas, al gobierno y a la sociedad), muchos la consideran hoy en día una de las mejores películas de todos los tiempos. No obstante, su estreno en la década de los 70 dio lugar a una fuerte controversia, e incluso, llegó a ser retirada en Reino Unido.

DIRECTOR: Stanley kubrick CALIFICACIÓN:

PREMIOS:

WE CAN DESTROY WHAT WE HAVE WRITTEN BUT WE CANNOT UNWRITE IT.

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ultraviolencia E

l director y su reducido equipo, de tan solo 20 personas, utilizaron varias técnicas, cuanto menos curiosas, para poder suplir la falta de presupuesto de la película. Montaron la cámara sobre una silla con ruedas para realizar los travellings, grabaron el sonido con micrófonos en el set (fue una de las primera películas en hacerlo) y rodaron casi todas las escenas con luz natural.Pese a las críticas, La Naranja Mecánica es una de las mejores obras de Stanley Kubrick, una película impecable y digna de ver.

EL ADOLESCENTE PSICÓPATA La historia data de Álex, que es un verdadero psicópata adolescente que disfruta con la violencia y las violaciones. En una de sus agresiones comete un asesinato y lo encierran en la cárcel. Tras un tiempo entre rejas le proponen un tratamiento psicológico experimental para eliminar sus impulsos violentos y lascivos a cambio de conmutarle la pena. El tratamiento “Ludovico” consiste en sentarlo frente a una pantalla de cine donde se proyectan imágenes de ultraviolencia mientras se le administra una droga que le provoca nauseas.

Tiene la cabeza inmovilizada y unos alambres mantienen sus párpados abiertos

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para que no pueda cerrar los ojos (lo cual tiene cierto parecido con las condiciones en las cuales los prisioneros de la caverna de Platón observan las sombras que son proyectadas sobre el muro para engañarles). El tratamiento, genuinamente conductista (enseguida veremos lo que significa), trata de que el cerebro de Álex asocie el malestar físico provocado por las náuseas con la ultraviolencia. El brutal método funciona durante algún tiempo. El dilema lo plantea el hecho de que Álex no puede realizar actos violentos o sexuales, pero no porque haya entendido que no debe hacerlos si pretende poder vivir en sociedad .

HISTORIA REAL Anthony Burgess escribió en 1962 La Naranja Mecánica basándose en una dramática experiencia personal: en 1944, cuatro soldados estadounidenses robaron y violaron a su esposa, en Inglaterra, y que estaba embarazada y abortó debido a la violencia del acto.

El escritor cayó en una gran depresión e incluso intentó suicidarse, Burgess escribió la novela para extirpar el odio.

El escritor convirtió su novela en toda una experiencia literaria al usar un lenguaje inventado por él mismo llamado “nadsat”, que es una mezcla de inglés y ruso. Durante un viaje a Leningrado el escritor se inventó técnicas mnemónicas para aprender ruso, que más tarde le sirvieron de inspiración para crear el argot de la novela. Kubrick hizo uso de él, pero lo limitó para hacer la película más accesible al público.

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Pink Flamingos DIRECTOR: jOHN WATERS CALIFICACIÓN:

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¿Arte ó Basura?

Jamás en la historia del cine (estrenado en salas comerciales) nadie ha conseguido superar un ejercicio tan trash, cutre, grosero, zafio y repulsivo como lo realizó John Waters en 1972.

Waters se encargó prácticamente de todo: dirección, guión, fotografía, producción, etc.

Todo con sus amigos de Baltimore, un puñado de freaks, en una gamberrada amateur que supera todo lo antes visto. Un clásico fundador y ya convertido en cine de culto, la controversial Pink Flamingos (John Waters, 1972). El film que en plena década de los ‘70s se animó a romper esquemas cinematográficos y a derribar tabúes. La ubicamos para culminar el especial, no sólo por ser la más antigua en cuanto a época, sino por representar una influencia innegable para el venidero cine indie norteamericano.

DIVINE-MENTE

La película representa una de las primeras manifestaciones del cine queer y se posiciona como hito del cine de autor under e independiente.

John Waters oficia de director, productor, guionista, editor. Años después del controversial estreno, el film se constituiría como cine de culto, como asidero de clichés y guiños de la cultura kitsch y underground. John Waters se convirtió en ícono del cine queer y Divine en una drag queen harto reconocida del cine underground.

Para el aniversario número 25 de su estreno, al

film se le agregó una parte final donde John Waters habla del mismo. Además se condensó en un disco el llamativo soundtrack de la película.

El argumento es prácticamente simple: Divine es una drag queen reconocida como la persona más asquerosa del mundo. Frente a esto, la pareja de los Marble, quienes venden heroína en las escuelas y roban bebés para vendérselos a parejas de lesbianas, hará todo lo posible por derribarla de su trono de la más desagradable.

"el ejemplo perfecto DE que la basura y el glamour se encuentran a un paso Y Que lo repulsivo puede ser divertido."

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"No Tengo Escapatoria… Soy Un Hombre Solitario"

TAXI DRIVER DIRECTOR: Martin Scorsese CALIFICACIÓN:

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UN HÉROE

ALTCULT SU AISLAMIENTO, SU SOLEDAD Y SU COMPORTAMIENTO OBSESIVO HACEN QUE A SU PERSONAJE LO TACHEN DE PARANOICO, INCLUSO DE PSICÓPATA, PERO LA MAESTRÍA DETRÁS DE LAS CÁMARAS CONSIGUEN QUE LLEGUEMOS HASTA SIMPATIZAR CON EL PERSONAJE, HASTA EL PUNTO DE PODER LLEGAR A ENTENDER SU COMPORTAMIENTO Y JUSTIFICAR, SI CABE, SU FIN. ELEVÁNDOLO A LA CATEGORÍA DE “HÉROE AMERICANO”.

SOCIEDAD PERDIDA

E

s el quinto largometraje del director italoamericano Martin Scorsese y la segunda colaboración de un total de ocho de su gran amigo y mejor actor Robert De Niro. La película consiguió la Palma de Oro en Cannes a mejor película y cuatro nominaciones a los Oscar de 1976, en las que incomprensiblemente no figuraba la de mejor director, si la de mejor película y actor, sin obtener galardón alguno, siéndole arrebatado el Oscar por el Rocky de Stallone y un Peter Finch por Network, Un Mundo Implacable, recientemente fallecido.

El Film está considerado de culto, siendo ésta, la mejor de toda su dilatada y elogiosa carrera. Taxi Driver es un retrato socio-político de una época que aunque parezca algo lejana resulta cada día más cercana. Scorsese intenta plasmar en imágenes la degradación de una sociedad desencantada y perdida frente a la soledad de un individuo que intenta sobrevivir a todos sus fantasmas provocados por ese mismo sistema, un taxista que tras su regreso de la guerra de Vietnam sufre insomnio crónico que lo lleva a ser espectador de primera fila de esa sociedad plagada de corrupción, desde política a social, provocando en él un estado psicótico que lo impulsará a cometer actos no del todo aceptables por esa sociedad y creerse el salvador de la misma.

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Así que solo el tándem formado por un De Niro en su mejor interpretación y un Scorsese en una dirección magistral, novedosa y creativa podría conseguirlo, empatizar con un personaje como el de Travis, haciendo de esta una obra de tal calibre que la convierten en una Obra Maestra del Cine Moderno que todos deberíamos ver y que a nadie dejara indiferente.

A nivel técnico, el empleo de la cámara lenta para remarcar situaciones o gestos, algo ya habitual en sus films anteriores como posteriores (Malas Calles o Toro Salvaje), dejan la marca de uno de los mejores realizadores de los últimos tiempos. A destacar la escena final, antológica y quizás el punto de partida para sus posteriores películas como Uno de los nuestros o Casino y también el gran epílogo en el que nace el Héroe y comienza el Mito… “Adiós Matador”.

DATO CURIOSO El trabajo de De Niro fue tan riguroso, dentro siempre del famoso método Stanislavski, del cual él y muchos otros grandes de la interpretación formaron parte, que llegó a sacarse la licencia de taxista y paseo su taxi por las calles de Nueva York durante el turno de noche, al igual que su personaje y en una ocasión un joven actor subido en dicho taxi al reconocerlo exclamó: “¡Así es la vida del actor, un día ganas el Oscar y al siguiente te ves trabajando como taxista!”

ARE YOU TALKING TO

ME?

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CUANDO ALGUIEN ME PREGUNTA A CUAL ESCUELA DE CINE HE IDO,

YO RESPONDO: NO FUI A NINGUNA

ESCUELA DE CINE,

SOLO FUI AL

CINE - Quentin Tarantino

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PRÓXIMO NÚMERO

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