Papercut: los esenciales de Jose A. Roda para Iniciarse en esta técnica Lo maravilloso de la ilustración es que permite acercamientos desde varias técnicas: analógicas, digitales, con pintura, lápices, tinta e, incluso, con papel y bisturí. El papercut es una técnica que permite crear composiciones increíbles utilizando herramientas de lo más básicas y fáciles de conseguir.
2. papercut.com
José Antonio Roda (@josearoda) es ilustrador y hace no mucho decidió probar las posibilidades de crear con papel; sus trabajos de papercut son impresionantes y por eso se ha convertido en un perfecto exponente de cómo dar volumen a los dibujos con una técnica 100% manual. José A. Roda comenzó en el papercut de manera autodidacta; para ahorrarte muchos errores con los materiales le hemos pedido que nos hable de sus esenciales y sus favoritos para trabajar o iniciarse en el mundo del papercut. Estos son sus consejos sobre papeles, herramientas y primeros pasos en papercut: que gramajes muy pequeños, son muy frágiles y es mucho más difícil ejercer control sobre el papel. Tienes que ser mucho más del-
icado y preciso. Por eso, en términos generales, lo ideal es un papel que no sea ni muy fino, ni muy grueso. Lo ideal es que sea un papel con el que nos resulte cómodo trabajar. No hay un papel concreto que sea el adecuado. Dependerá de ti y del proyecto que vayas a realizar. Para mí esa sería la característica más importante: la comodidad con respecto al papel. En cualquier caso, sí que es importante tener en mente que gramajes muy grandes son difícilzes de trabajar porque cuesta mucho cortarlos; de la misma ¿Qué tipos de papeles usas tú para trabajar? Yo suelo trabajar con cartulinas de colores. Concretamente con los papeles Iris de Canson, de gramaje 185. Están en casi todas las papelerías, no es un material difícil de encontrar en absoluto. Tienen bastante variedad de colores y para el tipo de trabajos que yo hago me resultan bastante cómodos. Me recuerdan mucho a las cartulinas que usábamos en el colegio de pequeños y eso me encanta. El universo del papel es infinito y poder investigar y jugar con distintos papeles, procesos y resultados es muy divertido. ¿Por qué elegir un tipo de cuchilla u otra? Dependiendo del tipo de corte que tengas que hacer, las dimensiones, los materiales, etc. En cualquier caso, yo hasta el momento he trabajado siempre con el mismo tipo de cuchilla porque me resulta más cómodo, ya que ya estoy acostumbrado a ella. Como explico en el curso, al final el papel es sólo una pequeña parte de mi trabajo como ilustrador, una herramienta más, así que hasta el momento, con el bisturí estándar me puedo apañar perfectamente.
variedad y calidad en tus materiales y herramientas tus trabajos van a ser profesionales ni mejores, ni tú vas a ser un dios del papercut. Creo que es más importante que pienses bien lo qué quieres hacer y cómo puedes hacerlo con recursos corrientes de fácil acceso. Yo al principio, para dar volumen a mis composiciones, trabajaba con unas hojas de espuma en vez de cartón pluma. Nadie me dijo que tenía que trabajar con esas hojas, igual que nadie me dijo que dejase de hacerlo y probase con otros materiales como el cartón pluma; hubo un momento que dejaron de resultarme válidas para mi trabajo y decidí cambiar. Quizás a ti que lees esto, trabajes con ellas y te resulten óptimas. No hay una sola forma de hacer las cosas ni un solo proceso ni un solo material válido.
“Lo ideal es que investigues cuáles son los tuyos, cuál es tu lenguaje y cómo lo construyes. ¡Si yo puedo hacerlo, tú también!”
¿Y adhesivos? A la hora de utilizar un adhesivo u otro lo que marca mi decisión es si la parte que tengo que pegar va a ser una parte visible o va a quedar escondida dentro del trabajo. Si es visible utilizo un adhesivo en spray reposicionable libre de ácidos (en la web americana de 3M tienen un apartado para que encuentres el tipo de adhesivo que necesitas dentro de sus productos según los materiales que vayas a pegar, muy útil. Es conveniente que sea libre de ácidos para evitar que aparezcan manchas con el paso del tiempo. Si la parte que voy a pegar no se va a ver utilizo el adhesivo más resistente, fuerte y definitivo que tenga disponible, priorizando la resistencia más que la pulcritud. No tengo preferencias, sólo uno que pegue mucho y ya. A veces, también utilizo cinta de carrocero o de doble cara si es conveniente. ¿Qué otros materiales y herramientas recomiendas a alguien que se inicia en el papercut? Evidentemente, una buena tabla de corte siempre es necesaria. Los básicos serían la tabla de corte, el papel y bisturí. El resto ya depende más de cada uno. Personalmente las herramientas que más me interesan y que creo que son más útiles son la imaginación y la paciencia. “El hábito no hace al monje”; no por mucha
3. papercut.com
2D y stop motion se combinan en esta animación llena de curiosas criaturas Island es un cortometraje dirigido por el animador Max Mörtl y producido por Robert Löbel. Un proyecto que combina la animación en stop motion con la 2D para contar una historia que nos presenta la vida de diversas criaturas y su búsqueda para encontrar nuevos compañeros. En el particular universo de Island, la música y el ritmo parecen la única forma de comunicación. Así, decenas de pequeños personajes van contribuyendo con su voz particular para formar una curiosa sinfonía: la lava se levanta para moverse en el aire, pequeños tubos similares silban con el viento, un ser con plumas disfruta en los árboles... La apariencia de cada una de estas criaturas es muy llamativa, casi nos gustaría poder tocarlas gracias a sus hermosas texturas, formas y colores. Así, el cortometraje acaba creando una propuesta divertida y especial por su mezcla de realismo y abstracción.
4. papercut.com
Lo que más destaca de Island es el minucioso trabajo de animación: siguiendo la regla de que “menos es más”, el poder de la simplicidad convierte la producción en algo hermoso. La mezcla entre 2D y stop motion combina dibujos con seres de papel, bolitas de algodón y arcilla, todos ellos elementos que terminan por ser entrañables gracias al diseño de sonido de David Kamp, que editó melódicamente cada uno de los ruidos de las criaturas, dándoles distinción y personalidad:
“En nuestra isla todo se mantiene unido por el lenguaje visual de formas abstractas y geométricas. Buscamos un estilo nuevo y reconocible, y terminamos en una mezcla de stop motion y animación 2D que une pinceladas digitales, formas y estructuras con elementos hechos a mano con papel, plastilina, styrodur y pintura. Diseñamos muchos personajes equipados con formas corporales extrañas para darles habilidades especiales de producir sonido, creando un importante proceso de desarrollo que permite una influencia mutua de la imagen y el sonido
5. papercut.com
Lobulo y el universo del diseño en papel Deja de lado el ordenador, hazte con papeles y bisturí y embárcate en el mundo del lettering volumétrico. Quien piense que no pueden hacerse diseños actuales, rompedores y llamativos con las manos es porque no conoce el trabajo de Lobulo (@lobulo). Este ilustrador y diseñador deja completamente de lado el ordenador poara centrarse en trasladar sus ideas de directamente de su cabeza al papel y darles forma en tres dimensiones. En el cur-
6. papercut.com
so Lettering a todo volumen enseña a sus alumnos a crear signage letterings increíbles únicamente con papel. La versatilidad del papel se presenta desde la gama de colores y texturas, hasta las infinitas posibilidades que brida su utilización volumétrica. Un lettering de papel 3D puede ser utilizado para todo tipo de proyectos, desde cartelería y publicidad a ilustración editorial.
El papercut digital de Eiko Ojala Eiko Ojala es un ilustrador y diseñador gráfico que pasa su vida entre Estonia y Nueva Zelanda. Sus ilustraciones pueden parecernos hechas de papel a simple vista, pero en realidad la gran mayoría es obra de la técnica digital.
Echando un vistazo al trabajo de Eiko Ojala resulta casi evidente que es un maestro del papercut, sin embargo, la gran mayoría de trabajos de este artista, que vive y trabaja a caballo entre Estonia y Nueva Zelanda, está hecho enteramente de manera digital. Esto quiere decir que todos esos pliegues y superposiciones han sido creados sin echar mano del cúter, como cabría pensar a priori.
8 . papercut.com
Eiko abraza el minimalismo en sus ilustraciones digitales y maneja las luces y sombras a su antojo para lograr un efecto que, por momentos, consigue engañar al ojo haciéndole pensar que se encuentra ante un trabajo de papercut. No obstante, trabajar sus diseños de esta manera le permite incluir muchos detalles y texturas que, con una técnica manual, le sería prácticamente imposible obtener. Por su carácter y expresividad, las ilustraciones de Eiko Ojala casan a la perfección con los contenidos editoriales, aunque son numerosos los clientes con los que ha colaborado en este y en otros campos; entre ellos se encuentran: Monocle, HBO, Air France, IBM, Le Monde, New York Times, The New Yorker, Wired o Taschen.
Las obras de Eiko Ojala a primer golpe de vista dan la impresión de estar hechas con recortes de papel. En cambio, si nos fijamos o investigamos sobre el artista, descubrimos que en realidad lo que predomina en sus ilustraciones es la técnica digital. Gracias a programas como Photoshop consigue dar este aspecto a sus obras, haciéndolas lo más realistas posible.
Eiko Ojala ha trabajado para clientes como National Geographic, The New Yorker, The New York Times, HBO, Le Monde, The Washington Post, etc. También ha conseguido numerosos premios como el “YNC professional Award” en 2013, el bronce en los New Zealand Best Design Awards de 2016 por “Wellington Summer City”, el premio al mérito por el Art Directors Club Illustration de 2017 por su obra “Olympic Catastrophe” y muchos más. Ha presentado sus obras en numerosas exhibiciones de Reino Unido, Estonia, Grecia, Emiratos Árabes, Estados Unidos… Finalmente, ha colaborado en li-
En la distancia, muchas veces podemos pensar que en sus ilustraciones hay un único elemento. En cambio, si prestamos atención a la imagen, cada vez encontraremos más detalles que nos permitirán descubrir nuevos matices y significados ocultos en sus obras.
bros como “Directory of Illustration 33” de 2016, “Creative Pool Annual” de 2016, “Papercut Cut” de 2014, “Paradise of Paper Art” de 2013, etc. Para llevar a cabo estas elaboradas ilustraciones en papercut, Eiko Ojala se sirve de la fotografía, el papel o el 3D. Durante este trabajo, lleva a cabo un intenso estudio de las formas y sus estructuras, así como también de la luz y la sombra, fundamentales en toda su obra. No obstante, a pesar de la gran cantidad de detalles minúsculos con los que cuenta cada ilustración, es capaz de mantener un efecto minimalista en sus dibujos.
9. papercut.com
Réplicas de cámaras fotográficas hechas con papel Atrás quedaron los tiempos en que tomar una fotografía requería un ritual en el que se veían envueltos objetos prácticamente en extinción como un carrete fotográfico o una pesada cámara con cientos de mecanismos en su interior. Hoy en día cualquiera puede sacarse del bolsillo el teléfono en cuestión de segundos y disparar tantas veces como quiera sin necesidad de esperar días para ver el resultado revelado. Sin embrago, todavía quedan románticos a los que les gusta echar la vista atrás y recordar los artilugios del pasado.
Hace no demasiado descubríamos a Gian Luigi Carminati, un italiano de 76 años que dedica su vida al arte perdido de reparar cámaras analógicas, pero el trabajo de lee jihee es diferente. Esta artista coreana hace réplicas exactas de antiguas cámaras fotográficas valiéndose únicamente de tijeras y papel de colores. La habilidad de lee jihee con el papel es excepcional. Sus cámaras y todos los objetos que construye utilizando la técnica de papercraft son increíblemente fieles a la realidad. Estas antiguas cámaras fotográficas construidas con papel jamás conseguirán inmortalizar ninguna escena y convertirla en una fotografía, pero tienen todas las papeletas para convertirse en objeto de deseo de cualquier amante de la fotografía.
12. papercut.com
13. papercut.com
El zoológico de papel de Gonzalo Calvo
La palabra origami tiene origen en los vocablos japoneses ‘ori’, que significa doblar y ‘kami’, que es la palabra que usan los nipones para designar al papel. Aunque la profesión principal de Gonzalo Calvo es la de músico, su habilidad con el papel es asombrosa. Plegando con infinita paciencia ha creado su propio zoológico de papel en el que conviven seres mitológicos y reales. Japón es una potencia mundial cuando hablamos de papiroflexia, nos llevan siglos de ventaja a todo el resto de civilizaciones; la palabra, sin embargo, es universal. Se usa en muchos otros idiomas para describir al arte de crear esculturas de papel a través del simple plegado, sin usar tijeras ni pegamento. Muchos comenzamos nuestra andadura en este noble arte en el colegio, confeccionando rudimentarios avioncitos que, en el mejor
14. papercut.com
de los casos, terminaban aterrizando en el cogote del compañero de dos filas más adelante, los mortales más avezados logran construir grullas o incluso ranitas que brincan. Pero lo que hace Gonzalo Calvo es de otro planeta. Cualquiera diría que este madrileño no se dedica full time a plegar papeles hasta dar con la forma adecuada, pero Gonzalo Calvo en realidad es músico y las figuras de origami no son para él más que un pasatiempo del que se ha vuelto profesional. Jugando con los, ya de por sí maravillosos trabajos que hace con el papel y la luz de un estudio improvisado, consigue dar vida a pequeños animales que, como en la película Toy Story, parecen haberse congelado cuando se han percatado de que un humano ha entrado en la habitación y deben parecer inertes. Resulta increíble la expresividad que consigue alcanzar simplemente plegando papel.
Los diminutos escenarios cinematográficos de Mar Cerdá La ilustradora española Mar Cerdá crea con papel y acuarelas diminutos escenarios cinematográficos que recrean fielmente y con todo lujo de detalles las escenas más míticas del cine.
Esta ilustradora española recrea espacios y escenas de cine en tamaño XXS a base de papel y acuarelas dentro de lugares tan pequeños como un caja de puros. Mar Cerdá se ha dedicado durante años a ilustrar libros para niños, pero su nombre ha sonado en diferentes partes del mundo gracias a los dioramas y escenificaciones de las películas de Wes Anderson que se han expuesto en galerías internacionales. Ha replicado escenas de Grand Budapest Hotel, Darjeeling Limited y The Royal Tenenbaums con todo detalle, para esta última incluso creó a dos de sus personajes (Margot y Etheline Tenenbaum)
16. papercut.com
en una de las escenas más celebres protagonizadas por Gwyneth Paltrow y Anjelica Huston. El nivel de detalle de los trabajos de Mar Cerdá es impresionante, tanto que podrían superponerse ambas escenas y resultaría complicado discernir cuál es la imagen original y cuál la creada a partir de papel y acuarelas. Su formación en cinematografía y como directora de arte le ha servido para desarrollar un extraordinario ojo para los detalles que es la base y a la vez el punto de partida para esta serie de homenajes a algunas de las películas más visualmente atractivas de todos los tiempos.
Pero precisamente lo que Mar Cerdá pretende expresar con este trabajo cinematográfico es mostrar el protagonismo que los paisajes y los entornos tienen en los largometrajes. Resulta muy sencillo adivinar la película e incluso visualizar la escena concreta de la película que ha recreado sin necesidad de ver a ningún personaje. Pero su trabajo no se limita a los escenarios cinematográficos; dentro de cajitas y diminutas latas de sardinas es capaz de recrear habitaciones y espacios de todo tipo a imagen y semejanza de la realidad. Plantas, mobiliario, telas... todo lo crea a partir de papel en un proceso artesanal que trata con tanto mimo y cuidado como si fuese a vivir en él.
17. papercut.com
Noelia Lozano y los mundos de papel Haciendo uso del papel y cargada de paciencia, esta diseñadora española construye mundos de papercraft. Profundidad, volúmenes… A Noelia Lozano le pirra todo aquello que parece salirse del papel. «Siento cierta necesidad de que mis trabajos no solo sean agradables a la vista sino que den la sensación de poderse tocar o coleccionar», indica. Antes de ilustradora y directora de arte, la donostiarra trabajó como delineante proyectista en una ingeniería. El 3D se convirtió en una herramienta esencial en su día a día. Y aún hoy sigue siéndolo. «Lo
18. papercut.com
utilizo sobre todo como instrumento que me ayuda a visualizar bodegones, para hacer bocetos para los clientes». Aunque también lo usa como herramienta casi exclusiva en no pocos proyectos. Cuando no trabaja en 3D, recurre al lápiz, el papel, las tijeras, el pagamento… «No sé si denominar a mi trabajo como artesano o artístico. Prefiero quedarme con ‘manual’».
Los clientes, dice, suelen pedirle sobre todo papel «porque me conocen más por eso». Son los proyectos personales los que le permiten hacer lo que realmente le gusta: mezclar. «Me encanta combinar lo real con lo digital. Crear un set a mano y luego añadir cosas con el ordenador. Y jugar así con la mirada del espectador, a ver si es capaz de detectar lo que es real y lo que no, y que no sepa cómo se ha llegado hasta ahí».
A caballo entre Madrid y San Sebastián, Noelia Lozano (@noelia_lozano) deja su rastro de esculturas de papel allá por donde pasa. Sus impresionantes composiciones imposibles nos obligan, muchas veces, a mirar dos veces para tratar de discernir qué técnica se habrá utilizado para crear las imágenes que crea. La respuesta suele ser siempre la misma, papercraft, aunque la diseñadora es multidisciplinar y se atreve con todo tipo de retos. Sus creaciones son una especie de trampantojo en las que no termina de quedar claro si lo que estamos viendo ha sido creado de forma física o ha intervenido la magia de los programas de edición digital. La mayor parte de los proyectos llevados a cabo por Noelia se realizan casi íntegramente a mano y ahí reside, precisamente, el valor de las imágenes que crea. Echando mano del papercraft y el modelado de otro tipo de materiales es capaz de crear mundos con los que se podría soñar. No se imaginaba esta periodista y graduada en telecomunicaciones y sistemas informáticos que ter-
minaría creando impresionantes esculturas de papercraft para compañías como Havaianas, Kiehl, Tumblr, Mini, Fast Company o Vodafone. Tras trabajar como delineante proyectista de telecomunicaciones, decidió retomar su pasión y cursar estudios de publicidad y diseño gráfico. Trabajó en el estudio Serial Cut y desde hace algún tiempo, trabaja como freelance para todo tipo de proyectos de alcance nacional e internacional.
19. papercut.com
Usando Ăşnicamente papel, este dĂşo creativo ruso crea sus propias esculturas de papercraft imitando pelucas barrocas.
20. papercut.com
Durante los siglos XVII y XVIII, coincidiendo con el auge del barroco y el rococó, las enormes pelucas empolvadas usadas por las damas de la corte era un símbolo de lujo y sofisticación. Dmitriy y Asya Kozin, un duo creativo ruso especializado en papercraft, se ha inspirado en estos escultóricos complementos para crear increíbles pelucas de papel. Usando únicamente papel, este dúo creativo ruso crea sus propias esculturas de papercraft imitando pelucas barrocas. Durante los siglos XVII y XVIII, coincidiendo con el auge del barroco y el rococó, las enormes pelucas empolvadas usadas por las damas de la corte era un símbolo de lujo y sofisticación. Dmitriy y Asya Kozin, un duo creativo ruso especializado en papercraft, se ha inspirado en estos escultóricos complementos para crear increíbles pelucas
de papel. Imitando los clásicos adornos de las pelucas barrocas, construyen con papel los diferentes volúmenes y agregan adornos como flores, frutas exóticas y vistosas plumas. Sin embargo, Dmitriy y Asya Kozin han querido actualizar el imaginario de estos postizos agregando símbolos contemporáneos como enormes rascacielos o aviones.
21. papercut.com
Si buscas motivación para mudarte a California, específicamente a San Francisco, pasa una hora con la artista Chloe Fleury . Ella dio el salto desde Francia hace unos cuatro años, persiguiendo un sueño de la infancia para vivir en el Área de la Bahía. Ella ha estado tomando el sol y las actitudes soleadas de los residentes de California desde entonces, con ese resplandor que se refleja claramente en su trabajo. z Estudió diseño gráfico mientras vivía en Aix-en-Provence, pero optó por adoptar un enfoque más práctico en el arte. “El diseño gráfico es una tendencia”, explicó, “Quería encontrar mi propio estilo a través de la ilustración”. Sus
22. papercut.com
ilustraciones son audaces, coloridas y muy detalladas. Aunque se refiere a ellos como ilustraciones, es importante tener en cuenta que las creaciones de Chloe son tridimensionales. Solo se convierten en imágenes bidimensionales cuando se fotografían y se utilizan dentro de la impresión. Viviendo en San Francisco, su trabajo fue notado por primera vez por la publicación local Bold Italic. Luego comenzó a crear carteles específicos para el vecindario, con casas en miniatura, calles y parques para lugares
como Haight Ashbury y la Misión. Estos trabajos se presentaron en una exposición en la tienda Curiosity Shoppe recientemente cerrada. Con esa exposición, su trabajo realmente comenzó a ganar impulso.
“Realmente encontré mi estilo en San Francisco. Siempre me inspiro la a rq u i t e c t u ra aquí y la gente agradable y feliz “, nos dijo Chloe.
Actualmente en su lista de tareas pendientes: una ilustración para una revista francesa con gente en miniatura en un tren y un proyecto para todas las tarjetas de felicitación. Ella siempre está produciendo conejitos de papel, que están disponibles en formas simples o con decoraciones más detalladas (piense: papel para halos de flores).
23. papercut.com