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Cinematografía
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Tecnología -Pixar recurre a nuevas tecnologías. Pag 22 - Big Hero 6: The series. Pag 23
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-Isla de Perros. Pag 06 -Entrevista a Phi Collins. Pag 10 -‘Ian,’ el corto animado. Pag 12 -‘Corto Circuito’, el Festival de cortos latinos. Pag 13 -Guía de Peliculas 2018. Pag 14 -Pixar Animation. Pag 17
Música
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-Gorillaz . Pag 26 -Los mejores videos musicales animados 2018.
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Pag 32
Televisión
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El clásico del mes. Pag
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-Las fantásticas animaciones de Overwatch. Pag 42 -20 años de Tomb Raider. Pag 44 - Triple Platino. Cuphead. Pag 48
Lo nuevo del mes. Pag
Videojuegos
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-Adult Swim. Pag 34 -Entrevista a Dwayne Johnson “La Roca” . Pag 38 -Series animadas en Netflix. Pag 40
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Calendario. Pag
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CI NEMATOGRAFÍA
I S L A
D E
PERROS
Wes Anderson vuelve al cine de animación en stop motion con la obra Isla de Perros después de casi una década de espera del público tras estrenar el ahora clásico del cine de animación Fantastic Mr. Fox (2009).
W E S
A N -
El nuevo filme, al igual que su predecesor son obras en las que se luce lo mejor de la fantasía y refinamiento artístico del realizador de Houston, Texas. Si bien es cierto que entre ambas obras Anderson realizó dos largometrajes de acción en vivo: Moonrise Kingdom (2012) y The Grand Budapest Hotel (2014), además de varios cortometrajes, es la animación el lugar donde la visión del director se plasma definitivamente.
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D E R S O N
L
a obra pregunta: ¿Qué pasó con el mejor amigo del hombre en un archi piélago japonés distópico, 20 años en el futuro? Un brote de “fiebre de hocico” ha infectado a todos los perros en el país y el alcalde Kobayashi (Kunichi Nomura), de la ciudad de Megasaki, emite un decreto de expulsión y aislamiento de todas las bestias de cuatro patas a un terreno en cuarentena que llaman Isla Basura. Spots es la primera mascota alejada de su dueño, un niño huérfano llamado Atari (Koyu Rankin) que es sobrino del propio Alcalde Kobayashi. El jefe del Partido de la Ciencia, el profesor Watanabe (Akiraito), cree que los perros pueden curarse y pide seis meses para terminar de desarrollar un antídoto, pero las masas apoyan a Kobayashi traicionando a sus antiguos amigos domesticados en la era de la obediencia, los perros.
Pero el conflicto de la dinastía Kobayashi que ama a los gatos y odia a los perros data de tiempos míticos, cuando un niño guerrero traicionó a su especie en desacuerdo al asedio arremetido contra los desvalidos perros y decapitó al líder de los Kobayashi y juró su espada con el haiku de guerra: “Mi espalda la doy a la humanidad”. Por supuesto Atari, el sobrino de Kobayashi, emprenderá un viaje de aventura a Isla Basura en busca de su perro Spots y será ayudado por una temible manada de perros alfa que domina en la isla. De esta manera inicia el noveno largometraje de Anderson, probablemente su filme con ma yores implicaciones políticas.
toda idea es neutra o debería serlo; pero el hombre la 8 PIPELINE
anima, en ella sus demencias.
Lo notable en el tratamiento del tema y que puede apreciarse en la hechura de la obra, es que el realizador no se propuso hacer un cine con implicaciones políticas, en el sentido del deber ser que cree que tiene la obligación de decir algo a propósito de un teme pendiente en la sociedad. Por el contrario, probablemente Anderson quería hacer una pelí cula que dialogara con lo mejor del cine japonés (Kurosawa, Miyazaki, Ôtomo, entre otros), teniendo como protagonistas a cinco perros alfa. Sin embargo, el proceso largo y colaborativo de escritura, que crea el mundo en el que la ficción cobra vida al ser encarnada por los personajes que pueblan la historia, lo fue llevando a ampliar el espectro de voces y pers pectivas plantadas en el filme, requiriendo meticulosidad en el diseño y un proceso de investigación arduo que culminó dando verosimilitud a la obra. Y este gesto de dejar surgir a la obra de ella misma sin cargarla de preconceptos, sino tratando de estar a la altura de lo que surge, con las consecuencias e implicaciones que exige, creo que es uno de los elementos más llamativos de Isle of Dogs.
Cioran escribió a propósito de la genealogía del fanatismo algo que nos sirve de referencia en estos apuntes dedicados a Isla de Perros: “En sí misma, toda idea es neutra o debería serlo; pero el hombre la anima, proyecta en ella sus llamas y sus demencias; impura, transformada en creencias, se inserta en el tiempo, adopta figura de suceso: el paso de la lógica a la epilepsia se ha consumado. Así nacen las ideologías, las doctrinas y las farsas sangrientas”. El segundo elemento digno de mención está referido al acabado de la obra, al aspecto pictórico y poético del filme del que poco se habla. Wes Anderson es conocido por sus convicciones formales a lo largo de toda su obra que por supuesto se lucen para deleite de los ojos en Isle of Dogs. Sin embargo, es llamativa la proximidad del arte japonés con su propia estética cinematográfica, por lo que resulta natural que finalmente se hayan encontrado en esta obra particular.
También resulta natural que Anderson haga animación en stop motion porque dota a su obra de un carácter artesanal acorde a su sensibilidad estética. Este gesto de volver a lo esencial hace del lenguaje cinematográfico de Isle of Dogs una invitación, una ventana abierta para mirar lo que hay adentro. En este punto salta la obsesión del director por el detalle, que a primera vista podría parecer una contradicción a lo dicho previamente, pero en realidad es su complemento porque cada centímetro de cada cuadro en pantalla te mira y desea encontrar tu mirada.
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De esta manera, se nos presenta una obra de perros y gatos, de resentimientos ancestrales, de sometimiento de los débiles, de teorías conspiratorias, de juegos de poder (donde los que están al centro hacen de su alteridad periferia) y de amor fraternal en el que la inocencia triunfa y el honor restaura la integridad de quienes tienen la humildad de retroceder en la dureza de sus convicciones.
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P H I L
C O L L I N S
De hecho, aunque todo el mundo lo reconoce como músico, Collins comenzó su carrera como actor en el musical “Oliver!” Fue en la secundaria donde aprendió a tocar la batería, habilidad que lo llevaría más tarde a integrar Genesis. Pero cuando el voca lista del grupo, Peter Gabriel, dejó la banda, en 1975, él no dudó en pasar al frente a cantar. “Fue entonces cuando mi percepción de la música cambió”, contó en entrevista durante la promoción de “Tierra de osos”, film que se estrenará el próximo jueves en la Argentina para el que compuso la banda de sonido y escribió seis canciones, una de ellas cantada por la legen daria Tina Turner, intima amiga de Collins. “Yo estaba acostumbrado a escuchar la música desde la batería y de repente me encontré cantando. Me di cuenta de que la gente escucha lo que uno canta; para mí siempre todo había girado en torno de cómo sonaba la banda. Fue así como empecé a escribir canciones”, apuntó en su impecable acento londinense, totalmente vestido de negro, casi pelado y con unos pequeños anteojos sin marco, durante la entrevista en el hotel Essex House de Manhattan. A los 52 años, “Tierra de Osos” representa la segunda participación de Collins en la música de una película de dibujos animados de Disney, tras el éxito que tuvo “Tarzán” en 1999. Aunque vive semi recluido en Ginebra, donde dirige una fundación para
MÁS ALLÁ DE CIERTO PUNTO, LA MÚSICA YA NO ES MÍA. ES TUYA. chicos con su tercera esposa, Orianne Cevey, asegura que sigue escribiendo mientras prepara el musical de “Tarzán” que se estrenará en Broadway en el 2005. “Me encanta escribir canciones para películas de chicos; me gusta mucho la animación en general -confesó-. Y los films de Disney son una forma artística en sí mismos; están llenos de corazón, son muy emotivos.” Siguiendo la tradición de “El rey león” (1994), “Tierra de osos”, codirigida por Aaron Blaise y Bob Walker, vuelve a enfocar la historia desde el punto de vista de los animales en vez del de los humanos.
La película, ambientada en algún rincón del noroeste de Norte américa poco después de la era glaciar, sigue los pasos de un adolescente de la tribu inuit, Kenai, que sale a vengar a su hermano mayor, Sitka, muerto en las garras de una osa. El otro hermano de Kenai, Denahi, intenta detenerlo enseñándole que la venganza no llevará a nada y que es un gran pecado contra la naturaleza asesinar a un oso. Pero el joven inuit, cegado por la ira, mata finalmente al animal y, como castigo, los espíritus de la naturaleza lo convierten en un oso. Así, en cuatro patas, verá el mundo desde otra óptica, ayudado por un simpático osito llamado Koda y una amplia galería de curiosos animales. “En realidad hacía tiempo que yo quería hacer la música de alguna película. Estuve a punto de hacerlo para “El cliente”, pero el director, Joel Schumacher, eligió a otra persona. ¡Y eso que yo ya había escrito bastante! Pero está todo bien. Después intenté otras veces, pero nadie quería arriesgarse con alguien que jamás había hecho algo parecido. Pero de repente vino la gente de Disney y me lo ofreció; querían profundizar en el terreno que habían abierto con Elton John. Para mí era una cuestión de ampliar mis horizontes, probar algo distinto y aprender de ello. Mi carrera como músico pop está saliéndose del foco y en la medida en que me hago más viejo mis álbumes ya no venden los millones de copias que solían vender. Quería hacer algo nuevo, algo que me entusiasmara. Y la gente de Disney me dio la oportunidad. Si me hubieran preguntado en qué tipo de pe lícula me hubiera gustado trabajar, no hubiera dicho un dibujo animado de Disney, son parte de mi vida, de la de mis hijos, es como demasiada responsabilidad.” nos contó Phil Collines.
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A
Phil Collins le gusta que se lo vea como un artista en cons tante movimiento; no quiere quedar encasillado. Para él, componer canciones para pelí culas de dibujos animados de Disney es tan experimental como la música que hacía con la banda Genesis.
CI NEMATOGRAFÍA
“IAN”, EL CORTO ANIMADO En el Festival participaron un total de 333 cortos de 23 países y se desarrolló en LA LIVE Regal Cinemas, desde el 25 de julio al 2 de agosto. En la sección de “Animación” compitió con trabajos de Blizzard Entertainment, Dreamworks Animation, Cartoon Network, Level -5 y Sega of America, entre otros
El corto se basa en un hecho real. Ian (9) tiene encefalopatía crónica no evolutiva, un desorden generado por un defecto o una lesión -en su caso, falta de oxígeno durante el parto- que repercute en la movilidad y el lenguaje. Fue la segunda persona en Argentina en usar un avanzado sistema de comunicación llamado Tobii que le permite manejar una computadora con los ojos y, así, interactuar con el mundo que lo rodea.
M E J O R A N I M AC I Ó N EN EL L.A. S H O R T S
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“Me emociona saber que el trabajo que hicimos en MundoLoco y junto a Sheila Graschinsky, Gastón Gorali y Abel Goldfarb, puede tener ese impacto universal que siempre soñamos. Desde el principio, lo único que nos importaba era transmitir el mensaje de una manera en que los padres y los chicos pudieran aprender, comprender y sentir juntos, a través de una historia que atrajera tanto visual como narrativamente a ambos extremos de la familia. Estoy muy feliz de ver que funciona”, señaló Juan José Campanella.
‘CORTO CIRCUITO’, EL FESTIVAL DE CORTOS LATINOS “La animación en Colombia ha tenido una presencia constante, aunque una producción irregular. Tuvo grandes maestros como Fernando Laverde y Carlos Santa, animadores perseverantes como Nelson Ramírez con sus comerciales de televisión en la década del ochenta, María Paulina Ponce con sus teatrinos de exquisitos detalles o Hernán y Diego Zajec con sus series de contenido más comercial, queriendo llegar a grandes públicos. Sin embargo, es en los últimos años que ha visto una explosión de historias en largometrajes (Gordo, Calvo y Bajito; Virus Tropical, Desterrada, El Libro de Lila) y cortos(Un 9 de Abril, Agosto y Sinfonía del viaje a la luna) en donde las nuevas generaciones buscan lenguajes propios de este cada vez, más popular género”, señala Diana Vargas, la directora artística y fundadora de Corto Circuito, Latino Short Films Festival NY.
para esta edición el invitado de honor es la animación Por ese motivo la 4 edición del festival en Cali está dedicada a resaltar la labor del animador con la presencia de un destacado director y animador indepen diente, el argentino Juan Pablo Zaramella. Todos sus cortos han sido premiados alrededor del mundo. En 2010, el Festival de Animación de Annecy hizo un programa especial con sus trabajos. Su cortometraje Luminaris es el más premiado de la historia, con 326 premios en todo el mundo, incluyendo el del público y el de la crítica en Annecy 2011, y estuvo en el shortlist para Oscar a Mejor Corto Animado en 2012.
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El Festival de cortos latinos de Nueva York en Cali va hasta el 1 de septiembre. Es la cuarta edición del festival de cortos latinos de Nueva York
CI NEMATOGRAFÍA
GUÍA DE PELÍCULAS 2018
Ca pe
Es imposible perder los estrenos que se vienen esto año. En un género donde abundan las secuelas, dentro de nuestro top 5 sólo 1 de las elegidas será continuación de películas anteriores.
JUSTICIA DEL ÁRTICO. Sinopsis oficial: Swifty, el zorro ártico (Renner) sueña con convertirse en un famoso perro de trineo para Arctic Blast Delivery Service. !
Captura del trailer de la película Pie Pequeño
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PIE PEQUEÑO.
Portada de pelicula Peter Nalli
La leyenda de Bigfoot se pone de cabeza cuando un joven y brillante Yeti encuentra algo que creía que no existía: un ser humano. Simple comunidad Yeti en un alboroto sobre qué más podría haber en el gran mundo más allá de su aldea nevada.
EL GRINCH. Sinopsis oficial: con una cueva equipada con inventos y artilugios para sus necesidades cotidianas, Grinch solo ve a sus vecinos en Whoville cuando se queda sin comida. Cuando los Whos declaran que van a hacer la Navidad tres veces más grande este año, el Grinch se da cuenta de que solo hay una forma de que gane paz y tranquilidad: debe robar la Navidad.
aptura del trailer de la elícula El Grinch
WIFI RALPH Sinopsis oficial: Wreck-It Ralph 2 deja atrás el video arcade de Litwak, aventurando en el inexplorado, expansivo y emocionante mundo de Internet, que puede o no sobrevivir a la ruina de Ralph. Captura del trailer de la película Wifi Ralph
Sinopsis oficial: los productores Phil Lord y Christopher Miller, las mentes creativas detrás de The LEGO Movie y 21 Jump Street, aportan sus talentos únicos a una nueva visión de un universo diferente de Spider-Man, con un estilo visual innovador que es el primero de su tipo. En Spider-Verse presenta al adolescente de Brooklyn, Miles Morales, y las posibilidades ilimi tadas del Spider-Verse, donde más de uno puede usar la máscara. Teaser poster, Phil Lord
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HOMBRE ARAÑA
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EL PROCESO DE CREACIÓN
P I X A R
A N I M AT I O N
T
odos alguna vez han visto una película de Disney Pixar, y es que no sólo están hechas para niños, sino que también para padres, esto por el mensaje valórico que entregan a través de los personajes y las historias.
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“Buscando a Nemo”, “Toy Story”, “Monster Inc.”, “Cars” y “Up” son algunas de las películas animadas más emblemáticas de la sociedad Disney Pixar. Son disfrutadas por grandes y chicos que asisten al cine no sólo a ver cualquier película animada, sino que a ver animaciones hechas computacionalmente por expertos que pasan horas y horas dibujando.
Si bien es un arduo trabajo diseñar cada bosquejo de los personajes, Disney Pixar quiso compartir con los fanáticos los borradores donde diseñan a los personajes de la película “Monster Inc.”, específicamente los de la precuela “Monster University”.
Los personajes se colocan sobre la base de los ángulos de la cámara y son animados para que quepan en los disparos.
El sitio web Reddit compartió una serie de imágenes en donde se muestran las 6 repeticiones que debe realizar Disney Pixar para crear una sola escena de la película “Monster University”.
La animación y la simulación les da vida a los personajes. Todo, desde el fondo de la escena hasta el pelo del personaje se moverá con naturalidad como si fuera real.
Las 6 etapas se clasifican como: storyboard, guión de color, proceso de modelado, proceso de diseño, animación y simulación, e iluminación y resultado final de la imagen. La primera fase que es el storyboard, sería el bosquejo donde se realizan las primeras líneas del dibujo que luego dan paso a la segunda fase que es el guión de color. Acá es la primera vez donde se utilizan lápices de colores para identificar el diseño con los tonos que irán en la película, consigna el HuffPost. Luego viene el modelado que es donde se perfeccionan detalles de color y se agregan sombras para dar más dimensión al dibujo. Esta fase requiere más precisión y tecnología, y es realizada por directores técnicos.
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La cuarta parte que es el proceso de diseño, se realiza completamente en un computador ya que también se utilizan cámaras virtuales.
Para terminar el proceso falta la iluminación, que es considerado uno de los más importantes, ya que ayuda a que todos los personajes funcionen de forma natural. Luego de ver como se llega al diseño final, es difícil creer como comenzó todo, desde un simple bosquejo a una animación completamente digitalizada.
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Pixar: exposición de 25 años de animación Museo de Patrimonio de Hong Kong
TECNO LOGÍA
PIXAR RECURRE A NUEVAS TECNOLOGÍAS Ahora en Monsters University, los genios de Pixar le han puesto una raya más al grado de dificultad. Con tal de hacer de esta la más ambiciosa película que jamas hayan realizado en términos de iluminación, simulación y render. Es así que ahora abundan personajes peludos, y la nueva propuesta en iluminación añade mucho más realismo a la película.
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Para tener una idea del gran trabajo y la magnitud del pro yecto, para Monsters University se necesitaron 100 millones de horas de render, lo que equivale a 10,000 años de render si se hiciera en una sola computadora. En promedio cada cuadro tomaría 29 horas en finalizar si fuera rendereado en una sola maquina. Debido a estas exigencias y para cumplir con las necesidades de la producción, la granja de render de Pixar (Render Farm) casi se duplicó en tamaño, a comparación de la utilizada en Brave.
Para iluminar una película animada es necesario simular la física del comportamiento de las luces en una escena. En el mundo real la luz entra y rebota infinitamente en cada una de las superficies que hay en un lugar, esto es algo imposible de calcular por lo que se tiene que simplificar el proceso de alguna manera. Global Iluminación per mite a los realizadores utilizar fuentes de áreas de iluminación (en lugar de cientos de luces individuales) para dar un efecto realista y físicamente más exacto. Antes el sistema de Iluminación Global (o Global Illumination) se limitaba
a un solo rebote de iluminación, pero para Monsters University se duplicó el poder de procesamiento para poder llevar el rebote de luces a todos los elementos de la escena (pasto, árboles, agua, pelo, tela, etc). Este sistema permite iluminar una escena en unos días en lugar de dos o tres meses.
BIG HERO 6: THE SERIES En agosto se anunció la colaboración entre Unity Technologies y Disney Animation para crear una serie de cortos basados en Big Hero 6: The Series y ahora te ofrecemos un vistazo exclusivo del producto final.
“Los resultados del ritmo de trabajo paralelo y no lineal de Unity y el renderizado en tiempo real nos ha permitido realizar Baymax Dreams en la mitad de tiempo, permitiéndonos destinar la otra mitad en experimentación y proceso creativo”.
Los tres cortos titulados “Baymax Dreams” utilizan el software de renderizado en tiempo real de Unity (tradicionalmente usado para el desarrollo de video juegos), el cual, según el comunicado de prensa de Disney, “ofrece a los estudios la libertad de añadir capas, combinar animaciones, luz, efectos especiales, renderizaciones y composiciones en un mismo lugar, al mismo tiempo”, lo cual acelera el proceso de animación considerablemente. “Trabajar en Unity es como tener cada departamento al alcance de tus dedos - revoluciona por completo el proceso de producción”, afirma el director de Baymax Dreams, Simon J. Smith.
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Arriba os dejamos un vistazo en exclusiva al primer corto, “Baymax Dreams of Evil Sheep”. Los tres cortos se publicarán el 15 de septiembre en DisneyNOW y el canal de YouTube de Disney.
CORTOS INDEPENDIENTES INDISPENSABLES VINCENT (1982) TIM BURTON Y RICK HEINRICHS
MADAME TUTLI-PUTLI (2007)
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CHRIS LAVIS Y MACIEK SZCZERBOWSKI
ALMA (2009) RODRIGO BLAAS
EL PEQUEÑO DRAGÓN (2009) BRUNO COLLET
DAY & NIGHT (2010)
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TEDDY NEWTON
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2D es un apodo que se deriva de las abolladuras que el personaje tiene en cada fractura de ojo causando el tono negro, (el apodo viene abreviando en 2D las palabras Two Dents en ingles, que significan Dos Abolladuras en español). ambas causadas por accidentes con el vehículo de Murdoc. Su verdadero nombre es Stuart Pot, la mayoría del tiempo acortado a Stu-Pot. Se decía que su nombre es Tusspot, pero ya que esta palabra se utiliza como un insulto, su padre decidió acortarlo solo a Pot. Nació en el año de 1978 en Crawley, Inglaterra, pero creció en Hertfordshire, Inglaterra.
2D
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V O C A L I S TA P R I N C I PA L DE LA BANDA
Su padre, David Pot, trabajó como mecánico y propietario de ferial de la Tosspot. Su madre, Rachel Pot, era una enfermera que suministraba a Stu-Pot píldoras de dolor de cabeza. Stu-Pot nunca demostró una gran aptitud o interés en sus estudios en la escuela. Él era conocido como una persona amable y había un general amor por la música. Él se golpeó la cabeza al caer de un árbol a la edad de once años, que causó que su cabello empezara a caerse.
En el sitio Web de Gorillaz reveló que 2D, fue obligado a cantar para sus nuevas canciones. Su habitación se encuentra en el piso B2. Cuando se entraba en su habitación se le encontraba temblando. Si se le hablaba, él pregunta quién es usted. También afirma que Murdoc ha drogado y secuestrado a varios cantantes, forzándolos a estar en el álbum. Cuando preguntas por qué se ve asustado, dice que cierren la cortina para que él no se asuste de las ballenas.
NOODLE Cuando tenía 10 años, Noodle llegó a Gorillaz en una caja de FedEx, en respuesta a que el anuncio colocado por un guitarrista en new musical express. Ella no sabía hablar inglés, la única palabra que podía decir era “Noodle” (Traducido como “Fideo”), con lo que se gana su alias. Ella rápidamente se instaló en Inglaterra con Gorillaz y fue aceptada como el cuarto miembro de la banda.
GUITARRISTA P R I N C I PA L DE LA BANDA
Noodle, nacida el 31 de octubre de 1990 (26 años) se encuentra a cargo de la guitarra, así como de dar voz en algunos de los fragmentos principales de ciertas canciones. De carácter tranquilo y muy inteligente, es la persona más normal en el grupo y la voz de la razón, por lo que los demás le tienen mucho respeto. Además de talentosa compositora y artista marcial, es quien generalmente está detrás de todo el proceso artístico de los discos .
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Recuperado su capacidad para hablar Inglés, junto con sus recuerdos, fue el primer miembro de Gorillaz para volver a los Kong Studios. Ella estaba sola en los estudios de Kong durante casi seis meses, durante ese tiempo fue componiendo la mayoría de temas del álbum Demon Days. Su composición del álbum elabo raba un mensaje específico, lo que explicaría el más “elaborado” el sonido a ese álbum, en contraste con el debut que estaba integrado por Murdoc y 2D, que era de sonido más siniestro y espontáneo. Ella era probablemente la menos vocal de la banda, pero se convirtió en la más vocal de la banda cuando se trata de describir el álbum, sus temas y lo que significa.
MURDOC NICCALS Murdoc Niccals nació el 6 de junio de 1966 es bajista de la banda . Es de carácter sádico, agresivo y malvado, también completamente macabro. Desde un principio, su único interés fue el dinero, pero éste en verdad aprecia a su banda, le gusta torturar a 2D y casi nunca admite cuando se equivoca.
En su infancia fue dejado en la puerta de la casa de su padre y fue víctima de una larga serie de abusos. Le han propuesto que sus muchas adicciones y su actitud se debieron por lo vivido durante su niñez. Su padre, es un rencoroso borracho quien a menudo abusaba verbalmente y explotaba a sus hijos. En el bar local había una rutina de talentos en la que Murdoc era obligado a participar, pero el dinero siempre terminaba en alcohol para el padre.
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CREADOR Y BAJISTA DE LA BANDA
Murdoc tocó en varias bandas antes de Gorillaz pero nunca fueron a ninguna parte. Una de ellas era una banda de metal sin nombre que constaba de seis personas, entre ellas Murdoc en el bajo. Murdoc parece ser cata logado como “El artista de la banda.” No mucho se sabe acerca de estos personajes ni su paradero a pesar de que aparecen en algunas piezas de arte oficial de Gorillaz y muy especialmente en el folleto mencionado anteriormente; así como en los Kong Studios, donde una imagen de Crunch, Billy Boy y Tiny se puede ver en la pared en la sala de instrumentos.
RUSSEL HOBBS Nació en Brooklyn, Nueva York. Conocido por sus buenos modales y buen habla, asistió a la Escuela Xavier para Jóvenes Talentos, pero fue expulsado luego de atacar a varios estudiantes estando poseído por un demonio. Estuvo en coma los siguientes cuatro años y finalmente el demonio fue exorcizado de su cuerpo por el Padre Merrin.
B AT E R I S TA Y VOCALISTA DE LA BANDA
Tiempo después del incidente, Russel fue enviado a Reino Unido para que esté a salvo viviendo con su tío en Belsize Park. Consiguió un trabajo en Big Rick Blacks’ Record Shack en el área de Soho, Londres. Allí tuvo su primer encuentro con Murdoc Niccals. Mientras le preguntaba sobre un record de los años 50, Murdoc puso una bolsa sobre la cabeza de Russel y lo obligó a salir del local. Russel fue llevado a rastras a los estudios Kong. Al quedarse impresionado por la música en la que Murdoc estaba trabajando, decidió quedarse.
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Una noche lluviosa a las fueras de una tienda 7-Eleven, los amigos de Russel fueron asesinados en un asesinato por una pandilla (“gangbangers”) que conducían un Humvee negro. Todos llevaban puestos buzos rojos, excepto uno que usaba uno de color negro al que Russel pudo identificar como The Grim Reaper. Luego del tiroteo, los espíritus de los amigos de Russel tomaron residencia en su cuerpo y el más prominente era Del, el mejor amigo de Russel.
M ÚSICA
LOS MEJORES VIDEOS MUSICALES ANIMADOS 2018 En los días de presupuestos interminables e imaginaciones salvajes, grandes videos musicales animados pero la tecnología, por supuesto, ha cambiado desde entonces. Ahora daremos un visazo a los mejores de hoy.
BURN THE WITCH RADIOHEAD
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¿Te acuerdas de la clásica película navideña de plastili na, Rudolph, el reno de la nariz roja? ¿Qué pasa con el año sin
Papá Noel? Ambos parecen inquietantemente similares a un video del nuevo sencillo de Radiohead, “Burn the Witch”,
del muy esperado álbum de este año, A Moon Shaped Pool. Pero créenos, no son vaca ciones especiales.
CLINT EASTWOOD GORILLAZ Los Gorillaz no son Alvin y las Ardillas y probablemente pertenecen a un planeta com pletamente diferente a The Archies, pero son una increíble banda virtual formada por personajes de dibujos animados de ficción.
DYE El músico electropop francés DyE saltó a la fama cuando el video animado de su sexy single de 2011, “Fantasy”, se volvió viral. Creado por el ar tista Jérémie Périn, el muy tintineante giro del clip hace
que sea difícil no hacer clic. Comienza con una nota alta de nostalgia, cuando un grupo de adolescentes irrumpe en una piscina, esperando divertirse un poco de una manera no tan inofensiva. Eventualmente, las hormonas alcanzan a dos de los niños, transformándolos en horribles monstruos llenos de lujuria, que devoran a su ató nito amigo.
PROFESSIONAL RAPPER
LIL DICKY
A Lil ‘Dicky le encanta parodiar el género y es extremadamente inteligente en su sátira. En “Pro fessional Rapper”, escupe rimas acerca de hacer una entrevista de trabajo con Snoop Dogg en “Rap Game Inc.” Si puede ganarle a este legendario ge rente de contratación, podría ser contratado como un maes tro de ceremonias legítimo.
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FANTASY
Los verdaderos genios crea tivos detrás de estos colori dos músicos son el vocalista de Blur Damon Albarn y el dios del cómic británico Jamie Hewlett (que creó la famosa tira cómica Tank Girl).
TELEVIS IÓN
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xisten personas que todavía están tratando de descubrir cómo Adult Swim se clasifica constantemente entre los 10 principales canales de televisión por cable básicos en Estados Unidos, cuando su primer bloque de pro gramación protagonizó un batido, un cartón de papas fritas y un fajo de carne cruda. Creado y operado por el gerente de programación Mike Lazzo, Adult Swim surgió de los intentos anteriores de Cartoon Network de emitir contenido ade cuado para adolescentes y adultos jóvenes que podrían estar viendo el canal después de las 11:00 pm.
Dejó de transmitirse en el año 2000, volvió en 2012 con motivo delvigésimo aniversario de Cartoon Network, perma neciendo en sintonía hasta la actualidad, puede que no parezca haber un método para esta locura, pero ha estado allí y todavía funciona.
‘Thee Oh Sees’ “Devil Again” de la compilación de Adult Swim: Garage Swim
animaciones incorrectas, en el canal correcto. Aunque inicialmente Adult Swim no era más que un bloque emitido las noches de domingo a jueves en Cartoon Network, Turner Broadcasting System decidió separarlo en una cadena propia a principios de 2005, para que Nielsen Media Research pudiese medir sus ratings y lo tratase como una red independiente, debido a que su público objetivo es distinto.
Tumblr fan art, Jaylen Bryce
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Adult Swim se estrenó oficialmente el 2 de septiembre de 2001 con la emisión del episodio “Director’s Caut” de la serie Películas caseras, tras lo cual combinaron sus shows originales con programas animados de 13 capítulos producidos por la misma Warner Bros. como Mission Hill o Los Oblongs. Cowboy Bebop fue el primer anime emitido en el bloque, en la noche de su estreno.
Primera Serie sólo Online, J.J. Villard’s ‘King Star King’
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En Cartoon Network de Latinoamérica, los primeros intentos de emitir cosas similares empezaron con la emisión de Fantasma del Espacio de costa a costa a las 21:00 en 1997, que luego fue movido a las madrugadas en el año 2001 hasta 2002, aunque se emitió varias veces al mediodía e incluso un episodio se estrenó en el bloque Cartoon Cartoons, esto por ser un programa original. La serie tuvo tanto éxito que Fantasma del Espacio se volvió la mascota del canal y conduciría un especial deportivo anual llamado Copa Toon. Con el tiempo, la señal latinoamericana emitió cortos,
promos y comerciales de corte adulto, la mayoría utilizando personajes de Hanna-Barbera donde se parodiaban distintos clichés de varios personajes, superhéroes y mostrando aspec tos de sus vidas nunca antes vistos. Como ejemplo, podemos citar a los cortos de “Biografía Toon” (una parodia al programa de The Biography Channel, Biografía) que mostraban un biopic animado de los personajes de Cartoon Network. Entre estos se incluía también a El Fantasma del Espacio, donde se relataba su historia de como supuestamente había renunciado a la acción, antes de conducir su propio talk-show. Asimismo, se produjeron cortos de “Los Mármol”
(un reality show derivado de Los Picapiedra) donde aparecía Pablo Mármol profiriendo obscenidades en varias escenas, editadas con un bip de censura. De igual modo, se produjo otro corto donde aparecía Fred Jones (personaje de la franquicia). Adult Swim tiene una forma peculiar de presentar sus programas la cuál es muy característica de esta productora y que no se desvía para nada de su personalidad. Son nada más y nada menos que las famosas cortinillas, que funcionan de la siguiente manera: Inicia con un aviso de contenido dirigido.
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staba emocionado de asistir al evento de prensa de Moana y de entrevistar a Dwayne Johnson, él le habló al semidiós “Maui” en la película de animación número 56 de Disney, Moana. Nuestro grupo de bloggers tuvo el placer de entre‑ vistarlo en una hermosa tarde de domingo en Santa Mónica.
Dwayne es medio samoano y medio negro, quería ser parte de Moana porque sentía que era una gran manera de mostrar la cultura polinesia al mundo. No estaba seguro de que alguna vez tuviera la oportunidad de mostrar su rica cultura de esta manera. Jugar a Maui le dio la oportunidad de empujarse y probar algo nuevo, especialmente cantar y rapear en la canción “You’re Welcome”. Disney pone el listón muy alto con el elemento de la música. Dwayne sabía que era afortunado de estar rodeado de gente musical magistral como Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i y Mark Mancina para ayu darlo a guiarlo en el proceso musical. Él le da crédito a Lin-Manuel por encontrar un rango cómodo en el que pueda cantar. Lin-Manuel también presionó un poco a Dwayne, pero pasaron un buen rato.
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LA ROCA J O H N S O N
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Para que los animadores dieran forma a los modales de Dwayne, como su ceja levantada, como parte de Maui, se colocaron varias cámaras alrededor de la sala cuando estaba grabando sus líneas. Estas cámaras capturaron sus gestos para los animadores. El mayor desafío para Dwayne al jugar a Maui fue que tuvo que trabajar de una forma completamente nueva. Sin embargo, tenía un gran sistema de apoyo para guiarlo en el uso del temperamento, el tono y la entonación correctos cuando era necesario. Dijo que “fue una experiencia realmente fascinante”.
SERIES A N I M A DA S DE NETFLIX. Estos originales de Netflix demuestran que la animación no es solo para niños, definitivamente no te los puedes perder.
Captura del trailer de la serie BoJack Horseman
BOJACK HORSEMAN. BoJack Horseman es una serie dual: es comedia y es drama del mismo modo que es al mismo tiempo rea lista y completamente surrealista. El protagonista es un caballo que actuaba en una serie familiar de los 90 y que hace tiempo que no levanta cabeza. Te va a hacer sentir muchas cosas. La historia de los Murphy,
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Captura del trailer de la serie F is For Family
F IS FOR FAMILY. una familia estadounidense de los 70. Sí, te vas a reír, pero no esperes ‘Los Simpson’ o ‘Padre de familia’, porque en algunos momentos se pone muy seria.
Concept art para la serie Paradise PD, Netflix
PARADISE PD
Captura de la serie Neo Yokio
La serie se ubica en la ciudad ficticia Paradise donde seguiremos las aventuras del departamento de justicia, el cual está encabezado por el jefe Randall Crawford (Tom Kenny). Pero la falta de dinero ha formado a un grupo de policías ineptos para su labor, y las cosas empeoran cuando Kevin (David Herman), hijo del jefe, quiere ser un policía como su padre.
NEO YOKIO Enlutado por la muerte de una rela ción reciente, un cazador de demonios elegante y de moda lucha por mantenerse a flote en la sociedad de elite de Neo Yokio.
BIG MOUTH
Captura del trailer de la serie Big Mouth
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Big Mouth es una comedia creada por Nick Kroll, Andrew Goldberg, Mark Levin y Jennifer Flackett basada en los años de intercambio de Kroll y Goldberg en el condado de Westchester, Nueva York, con Kroll expresando su yo ficticio.
VI D EOJUEGOS
LAS FANTÁSTICAS ANIMACIONES DE OVERWATCH
S
iempre he considerado que gran parte del éxito de ‘Overwatch’ se reduce al carisma de sus personajes. Blizzard lleva muchos años entregando animaciones alucinantes que empezaron con aquellas intros CGI que nos maravillaban y ahora son parte del juego.
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David Gibson, uno de sus animadores, nos muestra ahora en vídeo todo el proceso de creación de una de las animaciones de presentación de Mei en Maya. Alucinante la cantidad de trabajo que hay detrás y el buen resultado que se consigue con una mezcla de calidad y mimo que va desde la posición de la cámara hasta los párpados del personaje.
Por descontado nada de eso sería posible sin un diseño de personajes a la altura y un esqueleto que puede ser modificado hasta la extenuación, pero el último punto, el de dotar de vida a un personaje, es el que puede cata pultar todo el proceso o acabar echándolo por tierra. Como veréis en el siguiente vídeo, también de David Gibson, los personajes con los que jugamos a diario le deben mucho a este animador. Además del arte, la programación o la música, entre otros departamentos y tareas, la animación es uno de los procesos más complejos. Overwatch es un ejemplo de buen hacer, precisa mente, en animación, y ahora podemos ver cuál es el proceso que se sigue para crear las animaciones de un personaje.
En un hilo en Twitter, Adams explicó que tardan bastante poco en crear uno de estos mapas. El equipo de diseño trabaja con el de arte desde el principio para controlar todo el proceso creativo, y en unas dos semanas pueden tener algo jugable sobre lo que seguir añadiendo elementos. En total, son unos dos meses hasta que el equipo tiene un mapa con el que están cómodos, y una vez está listo, siguen trabajando en él hasta el momento del lanzamiento.
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20
AÑOS DE
T O M B RAIDER En octubre de este año, Lady Lara Croft cumplirá 20 años entre nosotros. 20 años buscando tesoros. 20 años siendo un icono, un estilo. 20 años de juegos junto a un mito que creó, definió y asentó un género. 20 años junto a Tomb Raider
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El estudio Eidos Montreal acaba de desvelar los primeros detalles del próximo Shadow of the Tomb Raider, el cierre de una trilogía que comenzó en 2013 de la mano de Crystal Dynamics. En esta trilogía observamos la transformación de Lara Croft, uno de los personajes más emblemáticos del mundo de los videojuegos, y presenciamos además el proceso que tuvo que seguir hasta llegar a ser la famosa arqueóloga y guerrera que todos conocemos. Ha tenido que recorrer un largo camino hasta llegar a este punto.
TOM RAIDER Con ella se definieron y cimentaron los géneros de las aventuras 3D. Con ella se impuso un estilo que marcó una época, pegó con fuerza en la cultura popular (Prodigy se retrasó con la grabacion de un disco y lo reconocieron, U2 usó a Lara en un concierto), y le dio a la aventura una profundidad en tres dimensiones en la que perderse literalmente. Hace 20 años Eidos y el estudio Core Design con Toby Gard de creativo hicieron historia. Hace 20 años conocimos a Lara Croft, la saqueadora de tumbas que modernizó la aventura estilo Indiana Jones.
1996
THE LAST REVELATION Core tenía que dar algo nuevo, o al menos hacer que la vieja fórmula tuviera vigores renovados. Y en el mismo año que nos llegó la peli de La Momia, Lara se fue a Egipto en un título que por primera vez escogió un tipo de escenario y se asentó en él. TR IV es enorme, es gargantuesco en algunos momentos, con instantes de hacer backtracking dos y tres escenarios atrás (maldito salto en moto), partidas a un ajedrez egipcio contra un Dios, y ascensos por una pirámide engañosa.
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1999
TOM RAIDER LEGEND
Aparcando para pena de muchos de nosotros su saga Legacy of Kain/Soul Reaver, Crystal Dynamics recibió el encargo de rehacer la niña de los ojos de Eidos. Y de primeras llamaron a Toby Gard, que aceptó encantado el reto. En manos de este estudio, TR Legend fue tanto una vuelta a los orígenes como la acertada inyección de modernidad jugable que la serie necesitaba. Es un Tomb Raider con sus plataformas, disparos y puzles, pero adaptado a la fluidez y ritmo que el siglo XXI demandaba. Una Lara Croft intensa y llena de energía con garfio nuevo que mantiene la adrenalina alta
2006
Nueva versión: Shadow of the Tomb Raider
TOM RAIDER RELOADED
RISE OF THE TOMB
Siete años. Nunca habíamos pasado tanto tiempo sin Lara, pero fueron siete años los que estuvimos sin ella. Tanto que prácticamente el juego llegó a finales de la pasada generación e inicios de la actual. Divisorio por razones obvias, no sólo Crystal Dynamics reinició al personaje de nuevo, sino que reinició el gameplay y prácticamente todo. En esos 5 años Uncharted había renovado el género y asentado un nuevo estilo, y es innegable que este reboot bebió de una saga que bebió a su vez de los anteriores Tomb. Pero Lara supo encontrar su propio camino, sobre todo por el gran acierto del estudio de presentarnos a un personaje que no es la saqueadora curtida, sino una rookie asustada, que debe forjarse. a cambio tenemos supervivencia pura con caza y evolución incluida.
Tras la gigantesca debacle que levantó el reboot, la saga continuó en la misma dirección con el mismo estilo visual y jugable. Aquí exploramos más tumbas ocultas, Al igual que TR II, Rise of the Tomb mejoró y construyó sobre la fórmula del anterior, consiguiendo por méritos propios uno de los mejores juegos del año pasado. El azar y la exclusividad temporal que Microsoft pidió a Square Enix han querido que su estreno en PS4 vaya a ser en octubre de 2016, justo a tiempo para el 20 aniversario de la serie. 20 años saqueando tumbas y buscando tesoros a su lado cuando el mayor tesoro de Tomb Raider siempre fue, siempre ha sido y siempre será Lara Croft.
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2013
2015
VIDEO J U E GOS
T R I P L E P L AT I N O
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CUPHEAD
Studio MDHR ha anunciado que Cuphead se ha convertido en un título Triple Platino, es decir que ha logrado vender más de tres millones de unidades en Xbox One y en PC. Apenas pasamos la mitad de 2018 y estamos honrados de anunciar que Cuphead ya ha alcanzado más de 3 millones de copias vendidas. Es difícil para nosotros expresar lo agradecidos que estamos con todos los que han jugado y disfrutado nuestro pequeño juego con los extravagantes personajes. Cuphead es un título independiente que ha tenido un gran recibimiento por parte de los jugadores a pesar de su dificultad relativamente alta, y es que la combinación de su atractivo estilo visual con la genial jugabilidad al estilo de la vieja escuela lo han convertido en el favorito de muchos. Para celebrar este logro el estudio ha anunciado que Cuphead tendrá un 20 por ciento de descuento por los próximos días, más específicamente se puede adquirir por USD $15.99 en la tienda de Microsoft y en Steam.
solo el 7% de los jugadores de cuphead lo han terminado
Fue a finales del año pasado cuando se anunció que Cuphead había alcanzado la cifra de 2 mi llones de unidades vendidas, así que no cabe duda que ha tenido un gran ritmo de ventas en lo que va de este año.
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Cuphead está disponible en versiones para Xbox One y PC, y en 2019 recibirá el DLC “The Delicious Last Course” que fue anunciado en la pasada E3.
LO NUEVO DEL ME S
MIRACULOUS, LAS AVENTURAS DE LADYBUG La noticia de que tras el éxito de esta serie se estaba desa rrollando una Ova en 2D; y, al investigar un poco más de esta iniciativa desarrollada por Zag Entertainment en conjunto con Toei Animation quise darle un vistazo.
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Por múltiples razones no pude empezar a hacerlo sino hasta hace poco, y a decir verdad, creo que lo más llamativo del proyecto es ese equipo formado por una empresa occidental con una de las grandes casas de Japón.
La premisa de la serie es suma mente simple, dos chicos fran‑ ceses quienes, por un motivo que hasta ahora no se ha develado, tiene superpoderes gracias a unas criaturas parlanchines. Sí, algo totalmente novedoso. Pues la animación está bien cuidada y a pesar de que el 3D luce muy irreal y evidente, al menos nos muestra secuencias fluidas, sobretodo en las batallas; es justo resaltar que las escenas de acción están muy bien hechas y se nota que hay un buen trabajo de dirección.
En conclusión, si buscan una serie con una gran trama y personajes entrañables, Miraculous Ladybug debe estar fuera de la lista; ahora bien, si lo que se quieren es un programa para pasarse un buen rato y echar algunas risas, entonces no estaría demás que le dieran una oportunidad.
CLÁS ICO DEL ME S
CORALINE Y LA PUERTA SECRETA
Fue la primera película en ser producida por los estudios de animación Laika.
Coraline recibió la aclamación universal por la crítica, e hizo 16.850.000 dólares durante el primer fin de semana de estreno, ocupando el tercer lugar en la taquilla. En septiembre de 2009, la película había recaudado más de $124 millones a nivel mundial. Coraline ganó los premios Annie a la mejor música, diseño de personajes, y el diseño de producción y recibió nominaciones al Óscar y al Globo de Oro como Mejor Película Animada.
Coraline es una adolescente que se muda con sus padres a una casa de campo. Sola y sin la atención de sus padres – inmersos en su trabajo- Coraline descubre un pasadizo secreto a otro mundo en el que las cosas son como ella lo hubiera deseado, pero pronto descubrirá que en esa fantasía se esconde también la maldad que convertirá el sueño en pesadilla.
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Coraline (conocida en España como Los mundos de Coraline y en Hispanoamérica como Coraline y la puerta secreta) es una película de animación estadounidense escrita y dirigida por Henry Selick, basada en la novela de Neil Gaiman Coraline (novela publicada en 2002) y estrenada por primera vez en salas de cine el 6 de febrero de 2009 en Estados Unidos y el 5 de junio en España.
SEPTIEMBRE
8 Long Beach Comic Con Sept. 8-9 | Long Beach, CA
13
4 Pixelatl Festival Sept. 4-8 | Cuernavaca, Mexico Fantoche Int’l Animation Film Festival Sept. 4-9 | Baden, Switzerland
7
ACE Fair Sept. 13-16 | Gwangju, S. Korea IBC Conference & Exhibition
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Sept. 13-18| Netherlands
Toronto Int’l Film Festival Sept. 7-17 Canada
|
Toronto,
ON,
Amsterdam,
19
21
Ottawa Int’l Animation Festival/ TAC Sept. 19-23 | Ottawa, Canada
ON,
Raindance Film Festival
WW Madison Comic Con
Sept. 19-30 | London, U.K.
Sept. 21-23 | Madison, WI
20
25 Ars Independent Festival
Nordisk Panorama Sept. 20-25 | Malmo, Sweden
Sept. 25-30 | Katowice, Poland
LA Film Festival
Encounters Short Film & Animation Festival
Sept. 20-28 | Los Angeles, CA
Sept. 25-30 | Bristol, U.K.
26 DIGILITY / Photokina
Animasyros Festival
Int’l
Animation
Sept. 26-30 | Hermoupolis, Syros Isl., Greece
Ottawa Int’l Animation Festival Sept. 26-30 | Ottawa, ON, Canada
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Sept. 26-29 | Cologne, Germany
SUSCRร BETE
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