Enciclopedia del Rock Nacional Argentino - 30 años

Rock Argentino Rock Argentino en los '70s

Abuelo & Nada Contraluz Montes Agnus Cuero Montesano Alas Crucis Nebbia, Litto Almendra Díaz, Kubero La Pesada Alma y Vida Ensamble Musical Buenos Aires Pescado Rabioso Aquelarre Espíritu Piel de Pueblo Arco Iris Gabis, Claudio Pinchevsky, Jorge Aucan

Haerle, Rodolfo Porchetto, Raúl Ave Rock Horizonte Rayuela Los Barrocos Invisible Redd La Banda del Paraíso La Cofradía de la Flor Solar Relax Bubu La Máquina de Hacer Pájaros Rockal y la Cría Búsqueda Lebón, David Sacramento Carola Los Gatos Síntesis Caballo Vapor Manal Soluna Miguel Cantilo y Grupo Sur Materia Gris Spinetta, Luis Alberto Color Humano M.I.A. Sui Generis Medina, Alejandro Vox Dei Recopilaciones

Agradecimientos: a mis amigos "Rebelisteros" por sus enseñanzas sobre el rock argentino y gran parte de las imágenes que se ven en esta sección. a Vox Dei maniaco y a todos los que han aportado parte del material no reeditado. a los autores de "The Magic Land" por tan maravillosa obra. a Miguel Grinberg, por su esclarecedor libro "Como vino la mano".

Black Moon Abuelo & Nada Abuelo & Nada (78), grabado en 1974. Los Abuelos de la Nada en su primera formación solo editan un simple con los temas "Diana Divaga" y "Tema en Flu sobre el Planeta". Aparecen además en "La Estación" en el compilado

"Mandioca Underground". Abuelo (Miguel Ángel Peralta) como solista publica además dos simples: "Oye Niño"/ "¿Nunca te Miró una Vaca de Frente?" y "Hoy seremos campesinos" /"Mariposas de Madera". Sin haber registrado un álbum Miguel Abuelo emigra a Europa, y es en Francia, durante 1974 que con un grupo llamado Hijos de Nada graba su primer LP. Participan Daniel Sbarra en guitarra , Carlos Beyris en cello, Pinfo Garriga en bajo, Diego Rodríguez en batería, Gustavo Kerestachi en sintetizador y Juan Dalera en flauta y quena. Las cuatro primeras composiciones pertenecen a Miguel Abuelo. "Tirando piedras al río" combina la energía roquera de la guitarra y el delicado clasicismo del cello, (instrumentos coprotagonistas del álbum), que complementan la excelente voz de Miguel que pasea desde su máxima potencia a variados ejemplos de sutileza. Como en otros temas no faltan aproximaciones a Led Zeppelin. "El largo día de vivir", otro hermoso tema sumergido en una atmósfera hippie. La guitarra acústica se ensambla con el cello y flauta ofreciendo un encantador marco a la voz de Abuelo. "Estoy aquí parado, sentado y acostado" un clásico , con su clima onírico, son aquí las percusiones las que tercian con el cello y la guitarra en el inicio del tema, que va desarrollando una creciente intensidad. "El Muelle" que contiene fragmentos de poesía de Rumi, poeta del siglo XIII, continúa la ensoñación, y ahora se acompañan de sonidos de clavicordio, un pasaje de pesadilla precede al dramático final. Los tres temas finales pertenecen a el guitarrsta Sbarra. "Señor carnicero" es un tema de rock duro ornamentado con un adictivo arreglo de cello. "Recala Sabido Forastero" es una tranquila canción con toques barrocos y acompañamiento de Moog. Finalmente "Octavo Sendero" otro ejemplo de rock ornamentado con excelente acoplamiento, otra vez, entre la guitarra y el cello con una agradable arreglo de voces. Álbum absolutamente recomendable. Entiendo que existe una edición en cd, aunque no es fácil de conseguir.

Agnus Luis Sáez: guitarra, voz Ricardo Tersse: bajo Ricardo Bonetto: Cecilia Glaria: flauta Laura Fazzio: teclados, voz, flauta Chela Cassano: voz Mercedes Robledo: voz, flauta Graciela Girotti: voz Archi Basílico: guitarra, voz Alejandra Bernie: voz Enrique Schussler: violín Pinturas y Expresiones (80)Agnus existe desde 1974 sin embargo la banda graba este álbum recién en 1980, cuando solo el guitarrista Luis Sáez permanece como miembro original. Oriundos de la provincia de Santa Fe, al igual que MIA y Redd apuestan a la producción independiente.

Comunicaban sus presentaciones por teléfono o correo y entregaban a sus seguidores una credenciales que posibilitaban obtener descuentos en los shows. En los primeros años las presentaciones eran acompañadas de exhibiciones de otras expresiones artísticas (ballet, pintura, fotografía). Dividido en cuatro temas con pasajes de enorme sutileza en los que se pasa de una delicadeza casi pastoral al rock progresivo intenso, aunque nunca estridente. Es muy buena la participación del violín y abundan los tramos con predominios alternativos de coros femeninos y flautas. Sin embargo es el trabajo de la superlativa guitarra de Sáenz lo que más llama la atención.

Excelente y muy recomendable trabajo.

Alas Gustavo Moretto: Voz, Teclados, Vientos, Violín Carlos Riganti: Batería, Percusión Alex Zuker: Bajo, Guitarra. Reemplazado por Pedro Aznar en "Pinta Tu aldea" Alas (76)Conformado como trío de bajo, batería y teclados son inevitables las comparaciones con EL&P. De hecho las influencias de la banda británica no están ausentes. Sin embargo el peso de otras vertientes convierten a Alas en un grupo de fusión donde convergen también el folklore y el tango, este último desde una concepción más cercana a Piazzola que a la tradicional. Temas largos divididos en secciones para ajustar los cambios rítmicos. "Buenos Aires solo es piedra" ocupa todo el lado 1 del LP original. Las secciones tienen nombres de intención evidente como Tango, Trompetango ó Soldó. No faltan pasajes de improvisación y de instrumentación poderosa. El bandoneón estubo a cargo de Rodolfo Mederos.

El lado 2 abre con "La muerte contó el dinero" dónde los aportes folklóricos pesan más que los tangueros (las secciones se llaman Vidala, Galope o Mal-ambo). En el momento de hacer críticas me surgen dos reclamos. Uno es que la voz de Moretto es muy limitada, y el otro es no haberse separado más del sonido de EL&P. La edición original del LP duraba poco más de media hora. La edición en CD de Progressive Rock trae dos bonus tracks. En mi opinión este álbum es altamente recomendable.

Pinta tu aldea (77)Alex Zuker se aleja e ingresa en su reemplazo Pedro Aznar, que también tocará sintetizadores. Moretto se hace cargo también del bandoneón.´El despliegue de teclados es mayor. La ejecución del bajo es impresionante. Aparecen más claramente aportes de jazz en "A quienes sino". No ocultan en nada la devoción por Piazzola en "Pinta tu aldea" tema en el que toman más de un par de notas del renovador del tango. En "La caza del mosquito" alcanzan un alto nivel interpretativo con los pianos y vientos de Moretto y el bajo sin trastes de Aznar. En la misma línea, aunque con un sonido algo más intimista está "Silencio de aguas profundas" donde junto al piano se destaca el aporte de guitarra acústica.

En este álbum puede decirse que Alas adquiere personalidad propia, ya no está tan visible la influencia de EL&P. Moretto ha dejado de cantar, convirtiéndose la banda en puramente instrumental. Si bien el primer álbum es una buena opción para introducirse, considero a éste la obra más trascendente de Alas.

Almendra Luis Alberto Spinetta: Voz, Guitarra Edelmiro Molinari: Guitarra, Voz Emilio Del Guercio: Bajo, Voz Rodolfo García: Batería y Percusión Almendra (69) Este álbum ha sido considerado ha través de los años como el mejor disco de rock producido en Argentina. Si tenemos en cuenta que es también uno de los primeros discos del movimiento, este concepto no hablaría nada bien del rock argentino, si no fuera porque es muy poco frecuente encontrarse con tanta belleza en un disco. Quienes busquen rock progresivo encontrarán poco interesante esta música. Quienes se dejen llevar por las buenas melodías la disfrutarán ampliamente, si están dispuestos a contemporizar la poesía inocente que contiene.

"Muchacha (ojos de papel)" es probablemente junto con "La Balsa" de Los gatos una de las canciones más populares del género en la Argentina. "Figuración", "Fermín" ó "Plegaria para un niño dormido" no le van en saga y son para mi gusto tan buenas ó mejores canciones. Es de notarse

ya el algunos temas, como por ejemplo "Plegaria..." la peculiar acentuación de Spinetta, poniendo el énfasis en la última sílaba. La composición de Edelmiro Molinari "Color Humano" y "Ana no duerme" son los momentos en el que el disco se libera permitiéndose expresar mayor intensidad.

Quien quiera comprender el rock argentino debe escuchar este álbum. La edición en CD, "Cronología I" contiene los primeros singles y los temas que faltan álbum doble en "Cronología II".

Almendra II (70) Almendra venía anunciando la realización de una ópera rock, sin embargo esta obra no vio la luz y en su lugar producen este excelente aunque heterogéneo álbum en el que las diferentes personalidades de sus integrantes producen obras que permiten vislumbrar cual será el destino musical del desmembramiento de esta banda seminal del rock argentino. Edelmiro Molinari ha crecido como compositor y en temas como "Mestizo" ó "No tengo idea" aparecen muestras de lo que será su banda Color Humano. Analógicamente "Camino difícil" ó el instrumental "Carmen" nos muestra cuál será el aporte de Emilio del Guercio a su fabulosa banda Aquelarre. Sin embargo puede decirse que Luis Alberto Spinetta continúa siendo el alma creadora capaz de producir canciones de una belleza inusual como "Para Ir", "Parvas". Sin la belleza pueril del primer álbum, con la incorporación de prolongados pasajes instrumentales (Agnus Dei dura más de 14 minutos), más inclinado hacia el rock, el segundo disco de Almendra es otro imprescindible. La edición en CD conocida como "Cronología II", lamentablemente recorta la obra, pasando a figurar los temas en "Cronología I".

Alma y Vida Bernardo Baraj: saxos, flauta, ocasionalmente teclados Juan Barrueco: guitarras, voz Alberto Hualde: batería, percusión Carlos Mellino: teclados, voz Mario Salvador: trompeta (solo en el primer simple) Carlos Villalba: bajo Gustavo Moretto: vientos, teclados, voz (entre el primer y el cuarto LP) Osvaldo Lacunza: vientos (último LP) Alma y Vida (71)Alma y Vida surge de la reunión de un grupo de músicos orientados al jazz que frecuentaban la mítica Cueva de Passarotus con el ex miembro de la banda beat The Seasons, Carlos Mellino. Se comenta que en sus origenes eran la banda acompañante de un conocido músico. Graban un simple, cuyo tema "Niño de Color Cariño" puede escucharse en la recopilación "Pidamos Peras a Mandioca. Como curiosidad puede comentarse que en este registro participa en trompeta Mario Salvador, quien pronto se retira de la banda, pero vuelve a ocupar el puesto en la reunión del grupo 30 años después. Inmediatamente ingresa a la banda Gustavo Moretto y registran el primer álbum titulado simplemente "Alma y Vida", en donde se observan las influencias de bandas como Chicago y Blood, Sweat & Tears. La sección de vientos tiene un rol preponderante junto a la particular y poderosa voz de Mellino, quien canta en casi todos los temas. Moretto lo hace solo en su tema "La Morada", tema que incluye un atractivo arreglo barroco protagonizado por los vientos. De este disco salen hits como "Mujer, gracias por tu llanto"(tema en que Ricardo Lew figura como co-autor) y "La Gran Sociedad", sin embargo hay temas muy atractivos como el intenso "Veinte Monedas" (Con en actor Esteban Mellino, hermano de Carlos como autor de la letra) o el lamentablemente breve jam de "Y…Esto…?".Las letras alternan temáticas amorosas con otras de neto compromiso social y político, elementos que serán característicos en las líricas del grupo.

Alma y Vida Vol.2 (72) Algunas actitudes de la banda, particularmente el presentarse en ámbitos no aceptados por parte del público y particularmente por la prensa sectaria, hacen que la banda sea discriminada y caratulada como "complaciente". En contraposición a esta supuesta "deserción" la banda hace temas como "Hoy Te Queremos Cantar" escrito por Gustavo Moretto que la gente inmediatamente asocia con la figura del Che Guevara. En el resto de las letras se aprecian referencias contestatarias en forme reiterada. Esteban Mellino es nuevamente autor de letras como la de "Don Quijote de Barba y Gabán" y "Un Sonido Final". Incorporan arreglos más interesantes, los temas se prolongan dedicando más espacio a lo instrumental, se aprecia más el interesante trabajo de Barrueco en la guitarra eléctrica y hay más exposición de los teclados. Un paso adelante en el desarrollo musical del grupo.

Del Gemido de un Gorrión (73)El tercer disco es el único que lleva como título un nombre y no una sigla. El camino que se vislumbra en el Vol II parece querer reanudarse en este disco. Se incluyen arreglos más arriesgados, como el inusitado pasaje casi experimental que rompe el clima de balada de "Bussi a las 3 y Media", temas más roqueros como "Carna, Rock y Suficiente" con una atractiva participación de la guitarra eléctrica de Barrueco (al igual que en en final de "Vos te Equivocaste Amigo") y alcanzan su mayor compromiso sociopolítico en cuanto a letras en "Es la Hora". Claro que la hermosa canción que presta titulo al álbum es de las más recordadas por los seguidores de la banda. En lo personal me gusta el álbum aunque creo que estos músicos daban para más en ese momento.

Alma y Vida Vol. 4 (74) Un rotundo cambio en la banda. Evidentemente ellos son los primeros en considerarlo según las notas internas de la tapa del vinilo en la que se habla de matar un avieja etapa y renacer. Las dudas que generaba el anterior disco quedan disipadas. El álbum abre con el impresionante "Sin Rendición, El Jugador" compuesto por Baraj-Barrueco con un excelente solo de saxo de Bernardo Baraj acompañado por una machacona guitarra rítmica que ocupa buena parte de los casi 9 minutos del tema. "Cadenet" es una de las más recordadas baladas de la banda, nuevamente con letra de Esteban Mellino y muy apropiado arreglo de teclados. "Fábula del Super Ratón y el Pueblo" un tema con humor y compromiso dentro de un esquema habitual del grupo, "Ajedrez" categorizado como vals, agradable aunque poco arriesgado. Los más de 10 minutos del tema de Moretto "Alguien se Va" son responsables de gran parte de las virtudes del disco. Intenso, cambiante, con un germen de lo que haría en Alas en algunos de los pasajes; sin duda uno de los temas más logrados en el historial de Alma y Vida. El cierre pertenece a otro de los más recordado temas, el excelente "Salven a Sebastián". En mi personal opinión el mejor trabajo de este grupo.

Alma y Vida Vol. 5 (76) Moretto se va del grupo para trabajan en otro proyecto que lo tendrá en un rol más protagónico: Alas. Se incorpora en su lugar Osvaldo Lacunza para ocuparse de los vientos, quedando los teclados solo en manos de Mellino. La ausencia de Moretto se hace sentir y el álbum se siente como una regresión si se lo compara con el anterior. Sin embargo tiene algunos buenos temas como el instrumental "Ritmo Loco Baraj" un intenso jam, y "Mercado del Reptil" un rock con riffs y los clásicos arreglos de vientos. Mellino decide partir para una carrera solista y la banda se desarma. No existen reediciones en CD de los discos originales de Alma y Vida. Solo puede encontrarse en este formato una edición recopilatoria llamada Cronología.

Aquelarre Emilio Del Guercio: Voz, Guitarra, Bajo Héctor Starc: Voz, Guitarra

Hugo González Neira: Teclados Rodolfo García: Voz, Batería Aquelarre (72) El álbum abre con “Canto”, un tema con riffs de guitarra distorsionada en contrapunto con los teclados, órgano, piano y clavinet que caracterizarán el sonido del grupo. Sigue con “Yo seré animal, vos serás mi dueño”, donde se adelantan en su concepto a trasnochados filósofos de los noventa, pero con la visión de la convulsionada época dicen: Vayan a luchar / La historia se murió / Mamá no quiere dar a luz un niño / porque dice que / con sus manos va / a salir a matar por las calles. Aventura en el árbol es un blues progresivo con guitarras a lo Kraut o mejor a lo Hendrix y órgano. El lado 2 abre con “Jugador, campos para luchar”, una bella melodía de teclados que se rompe con el duro riff de guitarra. Del Guercio canta recordándonos mucho a Luis Alberto Spinetta, su compañero de Almendra, pero ¿quién influenció al otro?. Sigue “Cantemos tu nombre”, una melodía folk con guitarra acústica y la inquietante voz de Gonzalez Neira. Intenso final con “Movimiento” con los infalibles teclados y el infaltable riff.

Candiles (72) Un año después sacan el segundo álbum llamado “Candiles” El disco es algo menos “progresivo” que el primero. Cruzando la calle es un rhythm and blues con instrumentación de teclados, con solo algunos pasajes que recuerdan el rock sinfónico, cantan: Cruzando la calle,/ cruzando la puerta del corral / tu hermano se muere / mi hermano no puede esperar / la muerte te ronda/ la muerte nos quiere ganar. En “Soplo nuestro” cuentan una historia de protagonista femenina, temática también recurrente en Aquelarre. En hermana vereda incluyen una improvisación de sonido poco habitual en el grupo y “Cuentos tristes” es una canción no demasiado trascendente. El lado 2 abre con el poderoso “Miren a este imbécil”, delicado inicio de órgano y voz que se rompe, cuando no, por un riff de guitarras: Miren a este imbécil,/ como se justifica./ El miedo que me tiene / Mata hermanos en la casa / donde debe vivir. “Patos trastornados”es un poderosísimo instrumental. Cierre con “Iluminen la Tierra”, muy hermosa canción con la voz de Neira.

Brumas (74) En 1974 aparece la tercera obra del grupo llamada “Brumas”. La banda se había afianzado mucho debido a la enorme cantidad de recitales dada por el país. El nivel de este disco se diferencia de los otros. La música de Aquelarre ha adquirido un nivel de refinamiento del que pocos grupos pueden hacer gala, sin dejar de sonar poderosa, fundamentalmente gracias a la guitarra de Starc. Las letras continúan siendo comprometidas, aunque ahora envueltas en una atmósfera surrealista. Dice Emilio del Guercio: “La Poesía es real a partir de si misma, no a partir de su traducción”. Desfilan temas más complejos, incorporan ritmos latinos.

Pocos temas en la historia del rock suenan tan sinfónicos como “Brumas en la bruma”. Pocas veces suenan tan poderosos como en “Milagro de Pueblo”.

Cantan en “Aves Rapaces”: Gente del valle que se va / buscando el fruto que les da la paz / Cercana la cordillera / la fiebre se despereza./ Las aves rapaces nacerán / de la noche. Es obvia la alusión la dictadura de Pinochet.

Siesta (75) En 1975 sale el último disco de Aquelarre llamado “Siesta”.

Disco bellamente instrumentado, más reposado que los anteriores. Abren con el clásico “Pájaro de la Locura” y pasan una serie de temas de calidad constante. En “Canto cetrino” aparece otra vez la protagonista femenina: Para que preparas tu sonrisa de medianoche / nena que caminas a estas horas por la vereda./ Cuantos sentimientos ateridos / por ese miedo./ Si en tu cuerpo encuentran algo hermoso / por esta noche./ Y en el reflejo de sus ojos creíste que estabas viva. Luego de este álbum la música de Aquelarre estaba consolidada y se habían ganado un lugar de prestigio en el panorama argentino. Como otros grupos de su época dieron gran importancia a la poesía, en este caso acompañada de una base musical progresiva. Fueron a España y durante 2 años giraron por Barcelona, Ibiza y Madrid. Fueron teloneros de Soft Machine y de la Premiata Fornería Marconi sin embargo no llegaron a grabar salvo la aparición en un compilado. A fin de 1977 con Carlos Cutaia en lugar de González Neira se despidieron del público con un recital en Buenos Aires.

Arco Iris Gustavo Santaolalla: Voz, Guitarra Ara Tokatlián: Vientos Guillermo Bordarampé: Bajo Horacio Gianello: Batería y Percusión Arco Iris (70) Arco Iris todavía esta lejos de sus mejores álbumes, sin embargo se vislumbran los elementos que posteriormente desarrollarán: blues, rock, jazz, con canciones pop y un recurrente aire pastoral. Todavía sin Gianello, con la colaboración de Alberto Cascino en la batería, los habituales integrantes de Arco Iris utilizan flautas, saxos, cellos y diversos instrumentos de percusión no habituales en ese momento en el rock argentino. La reedición en CD contiene los primeros singles de la banda.

Para completistas del rock progresivo.

Tiempo De Resurrección (71) Suite Nº1 (71) Sudamérica o El Regreso a La Aurora (72) Excelente álbum doble desarrollado en el formato denominado "Opera Rock". El folklore se integra, pero no a la manera de Los Jaivas, quienes parecen tomarlo como punto de partida, sino que es aquí un ingrediente más junto al rock y al jazz. Se distinguen también algunos giros piscodélicos y ciertos guiños a otras Operas Rock. El trabajo instrumental es de muy buena factura, Santaolalla con una guitarra eléctrica decididamente ácida en muchos momentos, Tokatlián ocupándose no solo de los vientos sino también de los teclados. La base muy sólida con Bordarampé en el bajo y Horacio Gianello en batería adaptándose a todos los estilos que desfilan al o largo de la obra. La edición original venía con una lujosa caja, con letras y el argumento de una obra con contenido telúrico, místico y cósmico. Una de

las producciones más relevantes durante los 70s en el rock argentino.

Inti Raymi (73) Inti Raymi tiene un contenido musical muy bueno, pero uno tiene la sensación de estar escuchando la continuación de Sudamérica. Probablemente sean temas que quedaron fuera del anterior álbum. Por lo tanto todo lo que pueda decirse de aquél disco encaja en la descripción de éste. Decepciona un poco la repetición de ritmos y estilos empleados aunque quienes disfrutamos con la ópera rock Sudamérica también pasamos buenos momentos con esta secuela.

Agitor Lucens V (74) Otra obra fundamental de esta magnífica banda y la última con la formación clásica. Nuevamente un doble vinilo (no reeditado en CD hasta dónde tenga conocimiento). Con menor, aunque no ausente contenido folklórico, igualmente nos deleitan con esas zambas y malambos eléctricos que saben hacer. No dejan de utilizar instrumentos regionales aunque el protagonismo de los vientos y teclados en manos de Tokatlían y la personal guitarra de Santaolalla es predominante. Impecable como siempre en trabajo de Gianello en la batería apoyado por los otros miembros en la percusión. Luego de este álbum Santaolalla y Gianello se separan de la banda. Un par de años después editarán junto a otros músicos el álbum de Soluna "Energía Natural"

Aucan Eugenio Pérez: Voz, Guitarra, Teclados Diego Pérez: Batería, Percusión Pablo Pérez: Voz, Bajo, Cello y Teclados.

Miguel Perez (luego reemplazado por Guillermo Frachetti): Voz y Guitarra Aucan (77) El dúo Miguel y Eugenio debutó en 1973 en el Acusticazo y llegan a editar un LP de música acústica en el sello Trova. Años después integran a sus hermanos menores y forman Aucán. Esta formación produce este primer disco con incursiones folklóricas y baladas, predominantemente en una corriente acústica con interesantes aportes eléctricos. Hermosas melodías, con delicadas instrumentaciones, buenos trabajos de teclados generalmente como colchones pero a veces liderando a la banda y algunos pasajes con guitarra eléctrica de sonido elegante. Hay que destacar los aportes del cello de Pablo Pérez, que al juntarse con los teclados producen ciertos acercamientos a una línea sinfónica. Hay participaciones de Gustavo Moretto y del grupo vocal Buenos Aires 8. Como es de esperarse se destaca el trabajo vocal.

Brotes Del Alba (80) Tres años más tarde, con Guillermo Frachetti reemplazando a a Miguel Pérez (uno de los dos miembros del dúo acústico Miguel y Eugenio), Aucán saca su segundo y último trabajo, producido por León Gieco, quien había acompañado al grupo en diversas presentaciones en vivo actuando como cantante en algunos temas. La línea del disco es similar a la del primero. Canciones suaves, ritmos folklóricos y

combinación de ritmos e instrumentos folclóricos con rock de corte sinfónico. Las letras cuidadas y los buenos vocales son una constante en el grupo. Probablemente algo más volcado al sonido sinfónico que el anterior me parece un poco menos inspirado aunque también muy aceptable.

Ave Rock Francisco Aguirre: Voz, Guitarra Federico Sainz: Voz, Guitarra Oscar Glavic: Voz, Bajo Héctor Ruiz: Batería Alfredo Salomone: Teclados Ave Rock (75) En gran parte de este álbum Ave Rock intenta lograr un sonido sinfónico a partir del blues y el rock. Los resultados son parcialmente satisfactorios, teniendo los mejores momentos cuando se alejan de estos ritmos. Es en estos pasajes donde se notan algunas influencias de bandas como Yes. Si bien son fundamentalmente instrumentales, las voces parecen más bien corresponder a un grupo de hard rock que a uno progresivo. Buenos contrapuntos de teclados y guitarra. Se adelantaron a Espíritu y a Crucis en hacer un rock progresvo de corte más europeo, pero tuvieron menos éxito que ellos.

Espacios (77) Segundo y último disco de Ave Rock. Instrumentación más refinada y con un sonido aún más europeo. Solo tres temas, el primero, "Pausa en Espacios" ocupaba todo el lado 1 del LP original, presentando cambios rítmicos, prolongados tramos instrumentales, uno sonido casi pop en las partes cantadas y hasta algo de experimentación. "4:30 en el Universo" continúa en la misma vertiente, pero es un tema demasiado corto para lo que quisieron mostrar y como en el tema final "Surcos en el Aire" lo más flojo son las voces. Un álbum con momentos muy buenos y otros aceptables. Se les puede atribuir demasiada cercanía con el sonido de Yes, aunque no se los puede tildar imitadores.

La Banda del Paraiso, Idem (73) Los Barrocos Alfredo Campanelli: Voz, Guitarra José Luis Hernández: Batería Héctor Guerrero: Violín Oscar Paulino: Voz , Guitarra Agustín Gutiérrez: Bajo, voz Sin Tiempo ni Espacio (74) Banda formada alrededor del año 70 y que durando hasta el 75, lamentablemente produce solo este muy buen álbum.

Fuera de la Argentina se los ha comparado en ocasiones con Curved Air,

sin embargo tal semejanza solo reside en que ambas bandas hacen un uso intensivo del violín, orientado hacia un sonido clásico, dándole a Los Barrocos, particularmente en los temas más melódicos ciertos puntos de contacto con los británicos. Sin embargo la música de esta banda en la mayor parte de la obra es de un sonido típicamente argentino, con gran despliegue de guitarras y abundancia de riffs. Son particularmente sabrosos los pasajes en que las dos guitarras juguetean entre sí y con el violín. Durante los últimos tiempos de existencia de la banda fueron un trío sin violín. Lamentablemente no hay reedición en CD.

Bubu Sergio Polizzi: violín Cecilia Tenconi: flautas Win Fortsman: saxo Petty Guelache: voz Eduardo Rogatti: guitarra Edgardo Folino: bajo Eduardo Corbella: batería Daniel Andreoli: arreglos y composición Anabellas (78) Bajo este inocente nombre se esconde una de las bandas más interesantes, autora del que probablemente sea el álbum más complejo y mejor elaborado en la Argentina de los 70s. Esta obra, poco conocida en Argentina ha alcanzado el reconocimiento de la crítica especializada internacional. Reúne a músicos de escuela con otros provenientes de ámbitos más populares. Junto a Daniel Andreoli o Win Fortsman participan P. Guelache que venía de participar en el segundo álbum de Orion´s Beethoven, Polo Corbella que participaría en la versión pop de Los Abuelos de la Nada o Sergio Polizzi que intervendría en Soluna. La música de Bubu, además de intensa, compleja y refinada es sumamente original, aunque pueden encontrarse dentro del rock algunas referencias en King Crimson o tal vez en Magma particularmente en los coros . En los primeros compases parecen adentrarse incluso en el rock de cámara de Univers Zero. Logran atmósferas alternativamente oníricas, tenebrosas, plácidas y caóticas. El trabajo de los vientos es excepcional. Los contrapuntos de violín y guitarra son realmente fascinantes. Consta de solo tres temas: " El Cortejo de un Día Amarillo" de 19:25 min de duración el lado A del vinilo y "El Viaje de Anabelas" (11:12 min) y "Sueños de Maniquí" ( 9:16) en el lado B. Imprescindible.

Búsqueda, Ídem (78) Único trabajo de esta banda integrada por Jorge Fernández Molina en guitarra, teclados y voz, Alfredo Muñoz en en bajo y voz, Daniel Carrizo en batería y Tommy Loidi en guitarra y voz. Las comentarios periodísticos de la época se dedicaban a destacar lo poco imaginativo de la tapa en lugar de destacar la belleza melódica del álbum.

Hay quien ha comparado a la banda con los italianos Celeste por las

tranquilas melodías y el trabajo de teclados, pero honestamente no encuentro demasiado asidero a estos comentarios. Los temas están erigidos alrededor de agradables baladas, cantadas con voz suave e intimista acompañada de una recurrente guitarra acústica con muy buenos aportes de teclados (pianos, órgano y melotrón y sintetizador) y delicadas guitarras eléctricas. Un disco que encuentro recomendable para los amantes del rock progresivo sinfónico sin estruendos.

Carola, Damas Negras (73)

Cavallo Vapor Cavallo Vapor (72) Conformado por Juan C. Torres en guitarra, José A. Torres en batería, Luis Corzo en bajo, una sección de vientos integrada por Fracisco Nisivoccia, Eduardo Kohan y Aldo Montilla. En el rol de cantante participa Antonio J. Sánchez, luego más conocido como Johnny Allon, cantante complaciente, conductor de televisión y empresario relacionado a vertientes musicales de misérrimo pelaje. El álbum, si bien es muy apreciado por los coleccionistas contiene 9 temas poco atractivos, entre ellos una insustancial versión de “La Balsa” de Los Gatos (hay que aclarar que sobre el final del tema hay un pedido de disculpas por el atrevimiento). Se trata en general de temas de rock and roll adornados con muy poco imaginativos arreglos de vientos. No existe reedición en CD. No recomendable.

Miguel Cantilo y Grupo Sur Miguel Cantilo y Grupo Sur (75) Miguel Cantilo se traslada al sur dela Argentina, más exactamente a El Bolsón, para continuar la experiencia comunitaria iniciada en la casa de la calle Conesa de Buenos Aires. La experiencia desarrollada en este periodo está relatada en el libro ¡Chau Loco! (ver sección publicaciones). Junto a uno de sus compañeros, Kubero Díaz (La Cofradía de la Flor Solar, La Pesada), escribe la mayor parte de los temas que conformarán el álbum. Sin embargo Kubero no será de la partida a la hora de grabarlo durante 1973. Lo reemplaza en la guitarra Willy Pedemonte (Piel del Pueblo) quien realiza un intenso y encantador trabajo. Junto aellos participan Jorge Pinchevsky en violín, Alejandro Marassi en bajo y Diego Villanueva en batería. Si bien no faltan los temas de corte folk, en este caso inmersos en una atmósfera psicodélica, en contra de lo que podría pensarse, la atmósfera rural, parece haber electrificado los conceptos musicales de Cantilo, quien ha comentado que estaba muy atraído por el sonido de bandas como Led Zeppelín, y presenta temas como “Sur Alabanzas” o “La Leyenda del Retorno”. En este último hay una evidente y muy comentada alusión al regreso del líder justicialista Juan Domingo Perón. La voz de Miguel se encumbra a alturas desgarrantes,

la guitarra de Pedemonte es deslumbrante y las apariciones de Pinchevsky son de las más interesantes de este periodo. No conozco edición en CD, de este altamente recomendable disco.

Color Humano Edelmiro Molinari: guitarra y voz.

Rinaldo Rafanelli: bajo y voz.

David Lebón: batería (1er álbum) Oscar Moro: batería (2do álbum) Color Humano (72) Luego de la separación de Almendra sus miembros toman diferentes caminos que culminarán en la aparición de tres nuevas bandas: Pescado Rabioso con L.A. Spinetta, Aquelarre con Rodolfo García y Emilio del Guercio y Color Humano (nombre de uno de los temas del primer álbum de Almendra) con Edelmiro Molinari. Sin embargo la historia no fue tan sencilla.

En principio Edelmiro y Spinetta se unieron a Carlos Cutaia en teclados y Pomo Lorenzo en batería para formar una banda, Cutaia se retira y se conforma el trío Tóraz, pronto también se va Spinetta.

Entonces Edelmiro intenta formar una banda llamada Pistola junto a otros dos guitarristas: Pappo y Claudio Gabis. Esta y otro grupo llamado Viento no prosperan y finalmente Color Humano ve la luz. El estilo de la banda puede adivinarse a través de las composiciones de Molinari en Almendra (por ejemplo "Mestizo"). Rock y blues elaborados con letras surrealistas, si bien lejanas al nivel de las de Spinetta, no por eso poco interesantes. Se notan influencias de Jimmy Hendrix, pero sin embargo desarrollan un estilo personal y fascinante con frecuentes cambios rítmicos y climas oníricos. Todo el disco tiene un excelente nivel y está protagonizado por la guitarra y la voz de Molinari. "Padre sol, madre sal", un tema acústico cuenta con la participación en voz de Gabriela, esposa de Edelmiro. En el intenso "Introducción polenta" Rafanelli toca además el órgano. En la pelicula "Rock hasta que se ponga el sol" grabada durante el B.A. Rock III Se puede ver a la banda tonando "Larga vida al sol" con Moro en batería en lugar de Lebón. La tapa del CD que se ve aquí no es la misma que la del vinilo, en la cual figura el nombre de la banda con fotografías montadas en las letras.

Color Humano 2 (73) Pensado originariamente como un doble álbum fue editado originariamente en forma separada durante 1973. La reedición en CD presenta la intención original de la banda. Moro en la batería ofrece un aporte de mayor calidad técnica. Rafanelli y Molinari suenan más sueltos. El primero de los dos álbumes, a pesar del progreso del grupo en lo instrumental carece de temas de la calidad del anterior. Estos son menos emocionales y presentan menor variación rítmica. Sin embargo el segundo disco reúne maravillosos temas junto a la mejor ejecución de la banda, "Hombre de las cumbres", "Hace casi 2000 años", "Cosas Rústicas" están llenos energía y a la vez no carecen de sutileza. Este último tema es el que aparece en la apertura de "Rock hasta que se ponga el sol" con el nombre de "Coto de caza". Una excelente obra para finalizar la historia de esta banda.

Contraluz Carlos Barrio: Guitarra Néstor Barrio: Batería Alvaro Cañada: Canto Alejandro Barsi: Flauta traversa y voz

Diego Prochnik: Bajo Americanos (73) Única producción durante los setenta de una banda que mereció más suerte debido a sus intenciones musicales y sin embargo quedó relegada a la categoría de grupo de culto.

En la música de Contraluz se aprecian contenidos folklóricos e incluso tangueros pero no como ornamentaciones musicales o debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino como evidencia de su formación cultural que inevitablemente aparece en las composiciones. Caracteriza a la música de Contraluz una poderosa base en manos del bajista Diego Prochnik y del dúctil baterista Néstor Barrio, un guitarrista, Carlos Barrio que puede ser sutil en unos pasajes y enérgico en otros, el reiterado protagonismo de la flauta transversa, ejecutada por Alejandro Barsi que hizo que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de Jethro Tull, calificación injusta, no porque en algunos momentos no se asemejen a la banda británica sino porque cercena la amplitud musical de un grupo que ya en ese momento tenía personalidad propia y que daba evidentes muestras de estar en la búsqueda de una madurez que no pudimos apreciar por ver truncada su evolución. La voz de Alvaro Cañada llega a extremos que con un estilo diferente son explorados por ejemplo por cantantes como Francesco Di Giacomo de Banco. Escuchar el álbum nuevamente después de 25 años me produjo una profunda emoción que probablemente me reste objetividad, pero no creo equivocarme al decir que temas como "Indios sin Prisión", "Sin Trabajo" o "La Sarna del Viento" están entre los mejores que se han producido en Argentina. Ya desde los títulos se aprecia el compromiso de sus letras. Contraluz recientemente se ha reunido y editado un nuevo álbum llamado "El Pasaje". Es de esperarse que esto motive la reedición en CD de esta obra.

Cuero Tiempo Después (73) Nacho Smilari, quien había participado de La Barra de Chocolate, Vox Dei sin llegar a grabar al salir Jordi Godoy, y que luego integrara Piel de Pueblo junto a Pajarito Zaguri, encara un proyecto más personal. Para esto cuenta en la batería con su ex compañero de Piel de Pueblo Carlos Calabró y un ex La Joven Guardia Enrique Masllorens. Estos músicos le ofrecen a Smilari una base más que contundente para que pueda desarrollar un rock duro y algo de blues de netas proporciones psicodélicas. Las voces enrarecidas dejan amplios tramos libre para disfrutar del manejo instrumental. El trabajo de la guitarra es alucinante, exhibiendo toda la gama de recursos de Smilari. Masllorens se encarga de llenar todos los espacios que puedan quedar libres poniendo el bajo bien al frente. Un disco absolutamente recomendable para quienes gocen de las vertientes duras del rock argentino. La banda se separa luego de este álbum debido a un viaje de Smilari a USA. Crecimiento (74) Durante su viaje Smilari se entusiasma con la música de fusión y a su regreso reforma la banda, esta vez con otros integrantes. Bernardo Baraj de Alma y Vida en vientos, Adalberto Cevasco en el bajo, Raúl Parentella en teclados, Joe Coco en percusión y el ex Los In, Osvaldo López en batería. La música también presenta un enorme cambio, si bien conserva la fuerza y cierta atmósfera psicodélica, se sumerge en la fusión afrolatina con alguna semejanza a Santana pero más inclinada hacia el jazz con extensos pasajes instrumentales. Nuevamente la labor de Smilari es sobresaliente pero deja suficiente espacio para los aportes de los vientos y el lucimiento de la sección rítmica (el bajo de Cevasco suena maravillosamente). En un estilo totalmente diferente encuentro este segundo y último disco de Cuero tan recomendable como el primero. No conozco de la existencia de reediciones.

Crucis Gustavo Montesano: Voz, Bajo Pino Marrone: Guitarra Gonzalo Farrugia: Batería Anibal Kerpel: Teclados Crucis (76) Contando con el apoyo de Jorge Alvarez y Charly García (quién se llevó al bajista original, José Luis Fernandez a su banda "La Máquina de Hacer Pájaros"), Crucis aparece en la escena argentina en 1976. El camino de un rock influenciado claramente por corrientes europeas iniciado por Ave Rock, y seguido por Espíritu, mostrando en Bubu su mejor exponente, tiene en Crucis el representante más popular en Argentina y posiblemente con mayor reconocimiento internacional entre los seguidores del género. Formado por cuatro excelentes instrumentistas que supieron equilibrar sus roles evitando la preponderancia de un líder absoluto, tan frecuente en nuestro rock. Marrone, dueño de una espectacular técnica, inusual velocidad y a la vez capaz de extraer las notas más sentidas de su guitarra. Farrugia, asombroso baterista uruguayo, que ya había demostrado su enorme capacidad en Psiglo (ver la sección Rock Uruguayo). Kerpel, capaz de moverse con igual eficacia entre los diferentes teclados y dueño de una parafernalia infrecuente en este país en aquellos años y Gustavo Montesano un bajista capaz de dejar de ser solo un complemento en la base, cuya contra es que le tocó cantar, en una banda que tal vez debería haber optado por ser instrumental. Siete excelentes temas con uno de los mejores sonidos logrados hasta ese momento. Tapa de Juan O. Gatti. Absolutamente recomendable.

Los Delirios Del Mariscal (77) En el segundo álbum los miembros de Crucis presentan composiciones personales. Montesano con "No me separen de mí" en la misma línea de los temas del primer disco, y afortunadamente único segmento cantado. Kerpel con el tema que da nombre al álbum, que si bien presenta varios de los lugares comunes del rock sinfónico, está tan impecablemente ejecutado que uno trata de disimular este defecto. En "Pollo frito" de Marrone podemos disfrutar de la enorme calidad técnica del guitarrista, acompañado ajustadamente por el resto de los miembros, teniendo que destacar el irreprochable trabajo de Farrugia en la sucesión de cambios rítmicos. "Abismo terrenal" es la única composición grupal y para mi gusto lo mejor del álbum, un collage sonoro, sorprendente en cada segmento, con liderazgos alternativos de cada uno de los instrumentos, pero con el consabido equilibrio característico de la banda. Grabado en Argentina y Mezclado en Miami, arte de Juan Gatti. La edición en CD presenta ambos álbumes en un solo compacto.

Díaz, Kubero Kubero Díaz y La Pesada (73) El ex guitarrista de La Cofradía de la Flor Solar realiza su correspondiente álbum solista con los miembros de La Pesada, de la misma forma que lo hicieran, el violinista Pinchevsky, el bajista Medina y el guitarrista Claudio Gabis. Acompañado por estos miembros y por Isa Portugheis en batería y Miguel Cantilo en voz realiza un disco con temas que por momentos recuerdan a la obra de La Cofradía, pero en general más orientado a un rock más poderoso, matizado con un par de tonadas orientadas al folk. Díaz produce un catálogo de impresionantes sonidos con su guitarra y el trabajo de Pinchevsky alcanza el mejor nivel en temas como el espectacular "Algo esta por Suceder" ó el instrumental "Colgado de la nubes". Un disco recomendable.

Ensamble Musical de Buenos Aires La Biblia (71)De las varias versiones de La Biblia de Vox Dei que se han realizado, esta es probablemente la menos digna. Para la realización de este álbum se reúnen una serie de músicos que giran alrededor de Billy Bond y Jorge Alvarez. Se acompañan por una orquesta dirigida por Pedro Ignacio Calderón con arreglos de Gustavo Beytelman. El resultado no podía ser mas desalentador. La orquestación, nunca bien amalgamada con el resto de los músicos suena muy lejos de las experiencias desarrolladas por bandas italianas en los primeros 70s (Il Rovescio della Medaglia, New Trolls). Tal vez la referencia más concreta sean los trabajos de John Lord con Deep Purple a fines de los 60s, aunque los resultados distan enormemente de los del grupo inglés.

Participan miembros de La Pesada, Sui Generis, Espíritu y otros. Los miembros de Vox Dei ni siquiera fueron invitados a participar, Mi sugerencia es que lo dejen pasar.

Espíritu Osvaldo Favrot: Voz, Guitarra Fernando Berge: Voz Claudio Martinez: Bajo Carlos Goler: Batería y Percusión Gustavo Fedel: Teclados (reemplazado por Ciro Fogliatta en Libre y Natural) Crisalida (75) Grupo famoso por sus presentaciones en vivo, con un sonido pocas veces escuchado en Argentina, lujosas iluminaciones y vestuario seleccionado por Juan Gatti, quien se encargaba también del arte de la tapa de los discos.

Contaban con el apoyo de Jorge Alvarez que fuera fundador del sello Mandioca. Desde el punto de vista musical el álbum presenta temas excelentemente instrumentados en un estilo que tiene cierto punto de contacto con bandas como Yes. La música de esta obra conceptual es bastante fastuosa aunque monótona en algunos pasajes, especialmente en los cantados. Sin embargo hay momentos instrumentales bastante interesantes en temas como "Eterna Evidencia" dónde predominan los sintetizadores y la guitarra o en "La Casa de la Mente" dónde el trabajo de guitarra es de muy buen nivel. Lamentablemente en la mayor parte de los temas la banda suena demasiado contenida en mi opinión.

Libre y Natural (76) Luego de participar en la nueva versión de La Biblia los integrantes de Espíritu graban su segunda obra que sería la última previo a una separación que duró 6 años. Esta obra, también de corte conceptual los encuentra más sueltos en los pasajes instrumentales, aunque continúan pecando de monótonas y algo insípidas las partes cantadas. La incorporación de Ciro Fogliatta le aporta más energía a la instrumentación aunque solo de a momentos los teclados cobran protagonismo por sobre la guitarra de Favrot. La composición que según los créditos del anterior álbum era colectiva, recae ahora totalmente en la dupla Berge - Favrot.

Nuevamente lo mejor del álbum son los interesantes pasajes instrumentales en los que la banda suena afianzada ("Obertura del Desierto Luminoso","Deselectriza tu Mente", "Final de Sol Ardiente"). De los dos discos de los '70s este me parece más recomendable aunque Yes este tal vez demasiado presente, y Fogliatta algo incómodo en el rol de Wakeman.

Espíritu (82) En Movimiento (83) Claudio Gabis Claudio Gabis y La Pesada (73) Luego de la separación de Manal, Gabis viaja a Brasil. A su vuelta, Jorge Álvarez del mítico sello Mandioca le ofrece grabar un álbum. Para ello se reune con los músicos de La Pesada: Alejandro Medina (su ex compañero de Manal) en bajo, Jorge Pinchevsky en violín, Isa Portugheis y un músico llamado Jimmy en batería, Kubero Días en guitarra y voz y por supuesto, Billy Bond en voz y manejo de la consola de grabación. Bajo la influencia de autores como Algernon Blackwood, E. A. Poe y H. P. Lovercraft hace parte de las letras. Otras como "El Blues del Terror Azul" están inspiradas en la realidad sociopolítica del momento.

Musicalmente el album se pasea desde el rock furioso al folk psicodélico, pasando inevitablemente por el blues con ingredientes de improvisación libre y ritmos brasileños. Uno de los temas "El Viaje de Lord Dunsany" (otro escritor de literatura fantástica) es presentado en otra versión en la banda sonora de "Rock Hasta que se Ponga el Sol". Excelente tapa a cargo de Juan O. Gatti.

Claudio Gabis (74) Para este nuevo álbum Gabis cuenta con Medina, Pinchevsky y Billy Bond nuevamente y se incorporan algunas figuras invitadas como David Lebón en voz, Charly García en teclados, contando con Juan Rodriguez y Black Amaya, ambos en batería. Predomina el blues y las instrumentaciones folk. El álbum no tiene la fuerza ni los aportes de improvisación y psicodelia que se dejan ver en el primer disco. Tal vez lo más destacable son los fabulosos solos de guitarra de Gabis, pero seguramente el álbum no resultará tan interesante como el anterior, salvo para los amantes del blues.

Haerle, Rodolfo Situaciones (76) Álbum de corte intimista que cuenta con el fundamental aporte de Litto Nebbia, quien en lo que a instrumentación se refiere se encarga de teclados, bajo, batería y coros. También intervienen los músicos del "Trio" Néstor Astarita en batería y Jorge González en bajo entre otros invitados. Además de Nebbia, participan en coros Alejandro de Michelle y Miguel Angel Eurasquín de Pastoral. Estilísticamente el álbum no difiere de la producción de Litto Nebbia en esa época. El aporte poético de Haerle es como ya comenté, intimista y sin poseer una gran voz sale airoso cantando. Buenas melodías y sin desmerecer los temas donde estas predominan prefiero los que se extienden en las partes instrumentales como "Simpleza del Amor por la Ciudad " ó "Crónicas de la Madrugada". Recomendado para amantes dela música de Litto Nebbia. No conozco de alguna reedición en CD.

HorizonteSergio Vainikoff: teclados Rubén Bloise: batería Mario Vannini: guitarra, charango, quena Hugo Ojeda: percusión, voz Jorge Alfano: bajo Horizonte (78) La banda estaba en actividad desde 1975. Luego de tres años y repetidas presentaciones en público logran grabar su primer álbum recién en 1978. Al igual que Arco Iris o Aucán incorporan decididamente ritmos folklóricos empleando incluso instrumentos típicos como percusiones, quena o charango. Sin embargo Horizonte se diferencia de estas bandas al darle una fuerte presencia al rock progresivo muchas veces de orientación sinfónica, siendo fundamental en esta característica el rol de los teclados de Sergio Vainikoff manejados con destreza y gran delicadeza. La música de la banda es dinámica pero nunca estruendosa, siempre con un muy agradable componente melódico. Las letras tienen contenidos localistas como se delata a través de títulos como "Tierra del Indio", "Trigo maduro" o "Vidala del Corazón". Altamente recomendable.

Señales sin Edad (79) Un año más tarde Horizonte vuelve a sorprender con un trabajo probablemente superior al demostrado en el disco debut.

Conservando los elementos autóctonos de su música que explora los ritmos latinoamericanos, acentúan el camino progresivo de su música. La fuerte presencia de los teclados de Vainikoff del primer disco gana en calidad y logra un excelente acople con los vientos y las guitarras. También el bajo de Alfano hace notar su presencia entre las ajustadas percusiones de Ojeda y Bloise. El ensamblaje entre los ritmos folklóricos y los componentes modernos nunca se siente forzado y la música parece fluir naturalmente particularmente en los muy buenos pasajes instrumentales. Definitivamente Horizonte tiene un sonido propio claramente diferenciado de agrupaciones como Los Jaivas o Arco Iris. Como el primer disco, una obra muy recomendable.

Invisible Luis Alberto Spinetta: Guitarra Carlos "Machi" Rufino: Bajo Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería Ingresa como cuarto integrante Tomás Gubitsch en guitarra en "El Jardín de los Presentes" Invisible (74) Fabuloso álbum para el debut discográfico de la nueva banda de Spinetta. Temas complejos con variedad de cambios rítmicos con fuerte presencia del bajo y un excelente trabajo de batería. La guitarra muestra una ductilidad que no se había podido apreciar en Pescado Rabioso. Los pasajes musicales están perfectamente estructurados en base al equilibrio entre los instrumentistas, sin que Spinetta sea el protagonista absoluto.

Como ya es costumbre las letras describen imágenes oníricas ó relatan historias surrealistas. Cada uno de los temas es excelente sin que se pueda destacar uno sobre otro. Desde los jazzeados "Jugo de Lúcuma" ó "Irregular" hasta el instrumental "Tema de Elmo Lesto", pasando por el clásico "Azafata del Tren Fantasma", en el que presentan elevada intensidad a pesar de que Spinetta toca una guitarra acústica, me es imposible destacar alguno como favorito. La maravillosa tapa corresponde a una obra de Escher. La edición en CD contiene los dos pesados temas del simple que venía adosado al vinilo original "La Llave del Mandala" y "Lo que nos Ocupa es esa Abuela, la Conciencia que Regula el Mundo" y otros cuatro temas de simples de la banda.

Durazno Sangrando (75) Si bien el disco presenta excelentes pasajes en "Encadenado del Anima" (es particularmente hermoso el final de la primera parte con el sintetizador String Ensemble sobre la muy buena melodía) ó el clásico acústico "Durazno Sangrando", me impresiona como una transición entre dos excelentes álbumes. En "Encadenado.." utilizan una poesía del padre de Spinetta, Luis Santiago, en "Pleamar de Aguilas" Machi Rufino se ocupa de la primera voz. Un buen disco, aunque no tan recomendable como los otros dos.

El Jardín De Los Presentes (76) "El anillo del Capitán Beto": un clásico del rock argentino (durante años pensé que estaba dedicado a un jugador de futbol del equipo favorito de Spinetta)."Los libros de la buena memoria": una estremecedora melodía de cuatro acordes, un bandoneón y una letra onírica movilizadora de emociones a través de las imágenes relatadas. "Alarma entre los ángeles": Spinetta relega su protagonismo permitiéndonos apreciar la increíble calidad técnica y artística de Gubitsch. Cierra el lado 1 "Ruido de magia": un tema acústico sin demasiada trascendencia. El lado 2 abre con "Ruido de magia" muy buena canción de ritmo con cambios sutiles y el aporte de un mellotron a las dos guitarras. En "Doscientos años" reaparece el clima onírico en cuanto a letra y melodía. "Niño Condenado" es el tema más fuerte del disco alternando tramos apacibles con otros de gran intensidad. Vuelta al tango y final con "Las golondrinas de Plaza de Mayo", aunque todos sabemos que son palomas y no golondrinas. Un hermoso álbum para la despedida de otras de las magníficas bandas de Spinetta.

La Cofradía de la Flor Solar La Cofradía de la Flor Solar (71)La ciudad de La Plata es la capital de La Provincia de Buenos Aires, República Argentina. Una de sus substanciales particularidades está dada por reunir jóvenes del interior del país en la Universidad Nacional de La Plata. A fines de los sesenta la dictadura

militar de turno, comandada por el infame Onganía produjo el desgraciado incidente llamado La Noche de Los Bastones Largos. Luego de esos infortunados sucesos se cierra el Comedor Universitario y se inicia la persecución de los estudiantes.Un grupo de jóvenes de ambos sexos de la Facultad de Bellas Artes decide iniciar una experiencia comunitaria.

Alquilan una casa y fundan La Cofradía de la Flor Solar. Una de las actividades de la agrupación era la música. La mayor parte de sus miembros eran de Entre Ríos y deciden invitar a otros músicos de la región. El 21 de septiembre de 1968 debutan en público. Gracias a las conexiones de una de los integrantes de la comunidad logran grabar una cinta el Buenos Aires, pero los sellos discográficos de la época no se interesan en el estilo de la banda. Sin embargo el ambiente de vanguardia incorpora a la Cofradía y es así que pronto llegan a montar un espectáculo en el reducto avant garde por excelencia, el Instituto Di Tella. La obra se llamó La Mezcladora de Cemento. Mientras se narraba musicalmente la historia que trataba de como una misión extraterrestre sucumbía ante el consumismo, se proyectaban audiovisuales. Gracias a esta aventura consiguen grabar un simple con los temas: “La Mufa” y “Sombra Fugaz por la Ciudad”. La falta de promoción hizo que los temas pasaran desapercibidos. Quedan ligados por un tiempo a un contrato, que por fortuna finalmente se rescindió.Conocen a Billy Bond, un cantante pop de aires rebeldes que gozaba de cierta popularidad y que finalmente torna hacia el rock. Gracias a sus relaciones logran publicar el tema Juana en un compilado del mítico sello Mandioca. Cuando Billy Bond logra reconocimiento con su banda llamada La Pesada del Rock and Roll los continúa apoyando hasta que llegan a conseguir 20 horas de grabación en el sello Microfón. En este módico tiempo graban un LP. En el álbum tocan Kubero Díaz en guitarra y canto, Morcy Requena en bajo y voz, Manija Paz en batería junto con un grupo de colaboradores. Blues psicodélico, improvisación (zapadas), canciones pastorales, rock con intensos riffs, letras oníricas y climas lisérgicos con la guitarra de Kubero omnipresente. La Cofradía había logrado tocar en varios shows y festivales durante 1969 y 1970, logrando por fin la merecida aprobación del público. El álbum ve la luz en 1971. Realizan la presentación del LP en Buenos Aires. Finalmente, mientas iban en ascenso la intolerancia hace que la policía allane la casa de la Cofradía. La vida en comunidad no estaba bien vista en una ciudad como La Plata. Se extravían los instrumentos y fundamentalmente la comunidad que daba el sustento inspirador a la banda se desbarata. Los miembros del grupo no logran reunirse para continuar el proyecto musical y La Cofradía de la Flor Solar se transforma en un mito del rock argentino.

La Maquina de Hacer Pájaros Charly García :Voz, Piano, Teclados Gustavo Bazterrica:Voz, Guitarra José Luis Fernández: Voz, Bajo Oscar Moro: Batería Carlos Cutaia: Teclados La Maquina De Hacer Pájaros (76) En el último álbum de Sui Generis, Charly

García muestra claramente su inclinación hacia el rock progresivo. Con temas nuevos y algunos compuestos durante la existencia de SG, García encara un trabajo ubicado plenamente en la vertiente progresiva. Para esto se une a Oscar Moro, ex baterista de Los Gatos, Carlos Cutaia, ex Pescado rabioso, José Luis Fernández, quién era guitarrista del proyecto original que posteriormente dio a luz a Crucis y al guitarrista Gustavo Bazterrica.

Juntos gestan esta obra fundamental de la progresiva argentina. "Bubulina" era un tema de SG, con una muy buena melodía y una instrumentación dónde se destaca el trabajo de dos teclados y el poderoso bajo de Fernández.""Como mata el viento norte" cuenta en coros con Nito Mestre, cantante de SG, lo que junto a las características del tema no lo alejan mucho de los temas de la última etapa del dúo. exploran una vertiente más energética en "Boletos, pases y abonos" y el poderoso final ("Crucial") cuenta con la colaboración de guitarra de Pino Marrone, de Crucis. Los teclados se apartan un poco para el lucimiento de la base rítmica y la guitarra en otro tema potente llamado "No puedo verme". "Rock" define muy bien al tema que sigue, que se inicia con una corta y delicada melodía para dar paso a un rock and roll básico con algunos pasajes de instrumentación de teclados. "Por probar el vino y el agua salada" es un tema inclinado hacia lo acústico, que también podría ser considerado típico de SG. El final lo marca "Ah te ví entre las luces" o como era su título original "Sh", con su suave melodía inicial que progresivamente se intensifica a través de hermosos arreglos instrumentales para dar paso a un final dónde toda la banda trabaja con gran intensidad. Uno de los momentos más elevados y bellos en la producción del controvertido Charly García.

Películas (77)

Lebón, David David Lebón David Lebón integró la primera formación de Pappo's Blues como bajista, participó del primer álbum y de "Buenos Aires Blues" con La Pesada, fue baterísta del primer Color Humano y nuevamente bajista en Pescado Rabioso (luego sería guitarrista y cantante de Polifemo y Serú Girán, y brevemente participaría como tecladista de Espíritu). Con estos antecedentes era de esperarse un disco al menos interesante. Sin embargo más allá de una intensa zapada ("Envases de Todo") y un casi hit ("Dos edificios dorados", en versión menos atractiva que la aparecida en "Música del alma"), el disco no alcanza en ningún momento un gran nivel aportando blues y rocks básicos y canciones, algunas agradables y otras insípidas como "Tema para Luis" en la que hace públicas sus diferencias con su ex compañero de Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta. Participan músicos de la órbita de La Pesada como Alejandro Medina en bajo, Isa Portugheis y Black Amaya en batería, además de Pappo en guitarra y Charly García en teclados.

Nebbia, Litto Litto Nebbia (70) Huinca (72) Este álbum no lleva el nombre de Nebbia, debido a problemas de contractuales con la RCA, incluso en la tapa del álbum puede vérselo de espaldas. Integran Huinca Gabriel Ranelli en teclados, Cacho Lafalce en bajo y voz y Oscar Moro en batería, junto a Nebbia en voz, guitarra y armónica. Los elementos más característicos de esta etapa del compositor, el jazz, el folklore y el rock ya están presentes aunque estos ingredientes no están demasiado fusionados sino que predomina uno u otro en forma neta en cada uno de los temas. No faltan tampoco temas de fuerte ascendiente pop, herencia de los Gatos (por ejemplo "Yo soy tu voz", "Chocolates"), aunque con instrumentaciones algo más elaboradas y complejas. Es de destacarse que Nebbia hace un interesante despliegue en la guitarra eléctrica sin tocar teclados. El órgano de Ranelli protagoniza airoso algunos pasajes y suena particularmente interesante en "Gritar y amar es luchar". En el brevísimo "Postludio", participa Mario Tenreyro en corno.

Despertemos en América (72) De los ya nombrados elementos que suele incorporar Nebbia a su música se destaca en este álbum el folklore. Para remarcar este predominio se destaca el aporte del percusionista Domingo Cura (a quién puede verse junto a Nebbia en el film "Rock hasta que se ponga el sol"). La música tiene además un balance hacia lo acústico que no se ve en anterior álbum.

Además de Nebbia y Cura participan nuevamente Lafalce en el bajo y Bernardo Baraj (Alma y Vida) en vientos, Cacho Arce y Juan C. Alegre en batería y Chino Rossi en percusión. Nebbia vuelve a encargarse de los teclados además de la guitarra. Se destacan el excelente "Despertemos en América" y "Cada uno es lo que quiere ser" en dónde se logra una muy agradable mixtura entre la guitarra acústica, el órgano y la percusión de Cura. Este álbum y el anterior se ha editado en un solo CD. Muerte en la catedral (73) Nebbia compone este álbum, según sus propias palabras en base a la integración lograda con el bajista Jorge González y el baterista Néstor Astarita. Sin embargo cuenta con la colaboración de un importante número de músicos: Roque Narvaja (ex La Joven Guardia) en guitarra, Gustavo Moreto y Bernardo Baraj ambos de Alma y Vida en vientos, Oscar Moro en batería, Ciro Fogliatta en teclados y una orquesta de cuerdas encabezada por Antonio Agri y dirigida por Rodolfo Alchurrón. Nebbia además de cantar, toca piano y guitarra. La música pasea por el jazz, el folklore y el rock elaborado. El nivel del álbum es parejo aunque se destacan el jazz rock de "El revólver es un hombre legal", el excelente tema que da nombre al álbum muy bien instrumentado con una agradable melodía y la elaboración del brillante "Dios es más". También es excelente y conmovedora la melodía de "El otro cambio, los que se fueron" en la que Nebbia canta y toca el piano apoyado por la orquesta de cuerda. La maravillosa tapa es de una obra de Peres Celis, realizada a pedido de Nebbia.

Melopea (74) Nebbia logra formar un grupo estable con el que trabajará durante 6 años.

En denominado "Trío" participan Néstor Astarita en batería, Jorge González en bajo y Litto en guitarras, teclados armónica y voz. En este álbum las letras pertenecena Mirtha Defilipo (que también canta en "Memento Mori").

Nebbia comenta las dificultades que tuvo para musicalizar poemas de otro autor, sin embargo eso no le hace perder calidad a sus características melodías. En Melopea predominan las canciones y, a pesar del muy buen nivel de los músicos, son escasos los pasajes puramente instrumentales estando casi omnipresente la voz de Litto. Hay sin embargo temas como "Los lunes de la humanidad" son un hermoso trabajo de cuerdas a cargo de Rodolfo Alchourron y participación de Rodolfo Mederos en bandoneón y Héctor Fingert en saxo. Ya no hay protagonismo alguno del folklore aunque Nebbia demuestra que su habilidad para hacer melodías pop sigue intacta en "La ventana sin cancel" ó en "Restaurant del Diablo". Como ingrediente hay algunos pasajes que parecen influenciados por el bossa, que si se buscan, ya aparecían en anteriores trabajos.

El Vendedor de Promesas (77) Litto Nebbia tiene una gran cantidad de material que no ha sido reeditado y de todas las obras que solo pueden gozar los afortunados poseedores de los vinilos originales, es esta una de las que ya quisiera disfrutar digitalizada. Se trata de una suite dividida en dos partes con cuatro tramos cada una. Sobre las letras, dice la autora Marta Defilipo: "Es como una larga parábola sobre el destino humano". En cuanto a la música, los responsables de instrumentar la composición de Nebbia son el ya comentado trío conformado por Jorge González en bajo eléctrico y contrabajo con arco, Néstor Astarita en batería y percusión y por supuesto, el mismo Litto, esta vez detrás de un arsenal de teclados (piano, piano eléctrico, sintetizadores, ARP String Ensemble), encargado además de las guitarras.

Los distintos movimientos giran en torno a la canción ornamentada, el rock progresivo y el jazz, ofreciendo una obra de enorme calidad y que recomiendo ampliamente.

Cosas que no Quieren Morir (76) Confeccionado sobre la base de material que quedó afuera de otros álbumes, temas de una cantata llamada "La Historia de Un Hombre" compuesta conjuntamente con Rodolfo Alchourrón y las canciones principales de una película llamada "Bobeta, ilusión y despertar". Se trata como es de esperarse de un álbum bastante heterogéneo en el que participan gran cantidad de músicos. La belleza de la melodía de "Ellos, los mares" ya justifica la existencia del álbum. "Amor", "Niñez" y "Vejez" son también tres buenas canciones en las que participa Alchourrón en guitarra y

arreglos orquestales. En "Tema de Amor" y "Tema de los Titulos" participa el ya clásico trío acompañado de Gustavo Moretto en trompeta. En el primero de estos temas suena un bandoneón pero el responsable no figura en los créditos. Como cierre del disco aparece una grabación de Nebbia en 1955 cantando "Quiéreme Siempre" y más allá de lo anecdótico sirve para apreciar que la peculiar forma de cantar de Litto ya estaba desarrollándose en plena infancia. No editado en CD. Toda Canción será Plegaria (79) La obra fue publicada en México, aunque la grabación fue realizada en Argentina. Salvo por la participación de Domingo Cura en percusión y Norberto Minichilo en marimba, cada uno en un tema, el resto de la instrumentación está en manos de Nebbia, quien ejecuta diversos teclados (piano, piano eléctrico, sintetizadores) y bajo. Las roles vocales se reparten entre Nebbia y Marta Defilipo, quien en esta época de la trayectoria de Litto era la encargada de poner letra a los temas. En la tapa puede leerse: "...son dos argentinos que intuyeron una posibilidad y la hicieron propósito: revelar la afinidad secreta entre música y poesía.

Conspirando con nuevas armonías, melodías y textos. intentar renovar las posibilidades del lenguaje de la canción popular". En una tónica intimista que no impide apreciar un exquisito trabajo de teclados se desarrollan 14 breves temas (entre el minuto y medio y los cinco minutos) con un nivel parejo. Lamentablemente no existe reedición en CD.

Manal Javier Martinez: batería, voz.

Alejandro Medina: bajo y voz Claudio Gabis: guitarra, órgano y voz.

Manal (69) Manal es uno de los grupos fundacionales de rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. Si bien se desarrollaron dentro del blues, no se deben dejar de apreciar las visibles raíces autóctonas. Como todas las bandas de los 70s cantaban en castellano, pero además las líricas estaban orientadas hacia temas netamente argentinos y más que tangencialmente relacionadas al tango. La descripción urbana de "Avellaneda Blues" o "Avenida Rivadavia", el relato de "Una Casa con 10 Pinos", que habla del lugar hacia donde los músicos de la banda solían escapar, el discorfomismo juvenil de "Jugo de Tomate" ó "Todo el Día me Pregunto" con la inconfundible voz de Martínez acompañando a una instrumentación de batería, bajo y guitarra casi básica pero de impecable ejecución, en ocasiones matizada por Gabis en órgano. En 1973 se reedita el álbum original con los temas contenidos en los simples que fueron editados en el mítico sello Mandioca, conformando el conocido álbum doble de Manal (que tiene versión en CD), destacándose temas clásicos como "No Pibe" ó "Para ser un Hombre Más". Quienes busquen instrumentaciones orientados a lo progresivo, deben dejar pasar este

álbum. Pero quienes quieran comprender el fenómeno musical argentino tiene aquí un ítem imprescindible.

Materia Gris Julio Presas: guitarra, voz Omar Constanzo: bajo, voz Eduardo Rapetti: guitarra, voz Carlos Riganti: batería Ohperra Vida de Beto (72) Este álbum es la única producción de la banda. Presentada con el formato de ópera rock, se destaca el muy buen trabajo instrumental de los miembros. Un base muy ajustada con Riganti, quien posteriormente sería el baterista de alas y Constanzo que no deja un hueco libre con su insistente bajo. Rapetti presenta interesantes solos. Si bien aparecen invitados como Litto Nebbia en teclados y Bernardo Baraj en vientos, el predominio de las guitarras es neto. Rock de intenciones progresivas con algunos aires psicodélicos y ocasionales ritmos folklóricos. Un disco muy recomendable.

MIA Liliana Vitale: Voz, Flauta, Batería Lito Vitale: Voz, Teclados, Flauta, Batería Nono Belvis: Voz, Bajo Alberto Muñoz: Voz, Guitarra Daniel Curto: Percusión Juan Del Barrio: Teclados Transparencias (76) "Reencontrando el camino" es un tema con Bevis en bajo, Vitale en batería y del barrio en piano acústico. En el "Casamiento de Alicia" Vitale cambia el rol con del Barrio y toca órgano y sintetizador al mejor estilo de los tríos de bajo, batería y teclados, pero demostrando una personalidad propia y una brillante capacidad en la ejecución. En "Imagen II" no participa del Barrio y si Curto en guitarra acústica y Liliana en flauta y percusión. Es un tema delicado que incluye una cita del Preludio #1 de Bach. Vuelven a la formación de trío con teclados en "Contrapunto rítmico", con Vitale en batería y del Barrio en teclados, incluye solo de bajo de Belvis y de batería de Vitale. En estos temas más energéticos no pierden el objetivo de jerarquizar la línea melódica. Para la sonata cíclica "Transparencias" de más de 20 minutos de duración se incorpora Liliana en batería, flauta y voz. Se escuchan pasajes pastorales, clásicos, electrónicos y un final de sonido

"Floydiano". Si hay algo criticable es la voz de Liliana que no se integra al contexto de la obra. La edición en CD trae 4 bonus tracks con un total de más de media hora, tomados del álbum "Conciertos" de 1978. Tres son temas de piano solista en manos de Vitale y el cuarto un tema de fuerte inclinación jazzistica con Bevis en bajo y Kike Sanzol en batería.

Mágicos Juegos Del Tiempo (77) El segundo álbum de la asociación cooperativa MIA, relata en el lado 1 del LP original "las últimas vivencias de una niña, antes de su paso a la adolescencia", es por lo tanto una obra introspectiva con canciones de una textura delicada aunque con un aporte melódico no totalmente logrado y con demasiada presencia de voces. El lado B "presenta dos de los temas pertenecientes a Elegías y romanzas y otros dos pertenecientes a la Cantata Profana Saturno". El primero de estos temas muestra la inclinación al jazz de los integrantes de MIA, el segundo es una canción casi pastoral de aires españoles, con mellotron y un pasaje más intenso con sintetizadores. El último tema es una arreglo coral con Viatle en órgano.

En mi opinión el álbum más flojo de esta agrupación. Poseo edición en vinilo e ignoro el contenido del CD en cuanto a bonus tracks.

Cornonstipicum (77) La agrupación llega a una madurez compositiva.

Desfilan a lo largo del álbum una serie de temas con ingredientes de jazz, música clásica, rock e incluso de folklore en una perfecta amalgama difícilmente clasificable que personalmente incluyo dentro de la mejor música progresiva. La calidad interpretativa de los músicos también se ha afianzado enormemente, las voces esta vez funcionan a la perfección.

Vitale en los teclados demuestra que está lejos de envidiar a los mejores exponentes del rock progresivo internacional a pesar de sus dieciséis años y da muestras de un virtuosismo infrecuente. La calidad de los temas del disco es constante, pletórico de cambios rítmicos y armonizaciones complejas, es un álbum imprescindible para los amantes del género que no se conforman con convencionalismos. La edición en CD de Ciclo 3 trae cuatro Bonus Tracks extraídos del álbum "Conciertos", grabado en vivo en el teatro Santa María en 1978.

Medina, Alejandro Alejandro Medina y La Pesada (74) Varios de los miembros de La Pesada tuvieron su propio disco, y en mi opinión estas producciones superaron en general a los que llevaron como crédito de tapa a Billy Bond y La Pesada. Acompañado con es lógico por Gabis y Kubero Díaz en guitarras y Jorge Pinchevsky en violín, con bateristas como Pomo y Juan Rodríguez y , por supuesto, con Billy Bond como técnico, logra un álbum que presenta desde un rock a veces desquiciado y envolvente hasta tonadas folk pasando por psicoblues con toneladas de guitarras y distorsiones. La gruesa voz de Medina se desgarra en los momentos de mayor excitación, aunque debe decirse que no se nota una mayor preocupación en las letras. Recomendable para amantes de rock duro y el blues. Tapa por Juan O. Gatti.

MontesJorge Montes: Guitarra Alberto Oneto: Bajo Juan Carlos Policastro: voz Carlos Salazar: Batería Cuando brille el tiempo (74) "Cuando brille el tiempo" es el único LP producido por esta banda liderada por Jorge Montes (también conocida como Montes Mahatma). Una realización con altibajos, orientada hacia el rock que cuenta con una sólida base en manos de Oneto y Salazar, sobre la que Montes despliega su potencial en la guitarra, donde demuestra algunas influencias de Hendrix (los efectos del tema final parecen homenajearlo).

Lamentablemente algunos de los temas son bastante insípidos ("En el Camino de Dios hacia el Sol", "Arde Roma") y solo sobresalen los pasajes instrumentales con los solos de guitarra, quitándole coherencia a la obra.

Prefiero temas como "Cuando Brille el Tiempo" ("Hoy") ó "Arco Iris dónde Estás" con sus introducciones baladísticos que migran al pleno desarrollo energético. Aparecen como invitados Alex Zucker (luego en Alas) en bajo, Eduardo Pipman en batería y Sergio Goffar en piano eléctrico.

Montesano, Homenaje (77)

La Pesada Billy Bond y La Pesada (71) Billy Bond era a fines de los 60s un "rockero rebelde" de saco y corbata que solía aparecer en el programa de TV "Escala Musical". Poco tiempo después, siendo uno de los dueños del mítico reducto "La Cueva", establece relaciones con numerosos músicos. Con ellos graba el primer álbum de La Pesada: Pappo, David Lebón , Nacho Smilari y otros en guitarra; Javier Martínez, Cacho Arce, Pomo y otros en batería; Vitico, Spinetta y otros en bajo. Billy Bond se encarga de las voces y de la grabación. Marcelo Camerlo en su libro da cuenta del plagio a Hendrix en "Cada día somos más". Dejando esto de lado el álbum es variado e interesante, con abundante rock, blues en una recurrente atmósfera psicodélica, con letras sarcásticas. Las composiciones se reparten entre la enorme cantidad de músicos que aparecen en el álbum además de algunas letras de Pedro Pujó, Pajarito Zaguri y Jorge Álvarez.

Buenos Aires Blus (72) Presentado como La Pesada a secas (sin el Billy Bond en título, aunque sí con su presencia) con una formación integrada por Kubero Díaz y David Lebón en guitarra, Black Amaya y Jimmy en Batería, Rinaldo Rafanelli y Alejandro Medina en bajo, Billy Bond, Javier Martínez y la cantante de jazz Donna Carol en voz y Oscar López Ruiz en arreglos orquestales y varios invitados. Comienzan con un excelente "Toda de Gris", combinación

de jazz y blues con toques tangueros y arreglos orquestales con Carol en la voz. Se asoman a la experimentación en "Linda Ciudad" y a partir de aquí salvo por un tema con sobregrabaciones callejeras y de programas radiales de tango, insisten en una serie de blues dentro de lo que se puede destacar "Entonces qué" con la voz del ex Manal Javier Martínez muy bien acompañado con piano y saxo. Terminan con "Ruca" una parodia a las letras de las bandas "complacientes" de la época. Uno se queda pensando por que no redondearon con mayor originalidad el álbum luego de su excelente introducción.

Billy Bond y La Pesada. Vol 2 (72) Ahora con Medina en bajo, Pappo y Kubero Díaz en guitarra, Martínez y Gambolini en batería y Pinchevsky en violín. Rocks + Blues + Rocks + Rocks = Billy Bond y La Pesada, reza la tapa, y no miente, ese es el contenido. Algunos temas se destacan por su potencia y en general por la muy buenas guitarras de Kubero y Pappo ("La Pálida Ciudad" y particularmente " La Máquina de Matar"), el resto no es muy trascendente. Entre los temas se reitera una cortina con Pinchevsky en vilín y Pappo en piano. Cierran con una versión de la Sanmartiniana "Marcha de San Lorenzo".

Tontos (72) Billy Bond y La Pesada. Vol 4 (73)

Pescado Rabioso Luis A. Spinetta: Voz, Guitarra Osvaldo Frascino: Bajo Black Amaya: Batería Carlos Cutaia: Teclados David Lebón: Bajo Desatormentándonos (72) Para este álbum intervienen Frascino, Amaya y Spinetta. Cutaía solo como invitado y con escasa participación, tocando solo en "Serpiente", uno de los mejores momentos del disco. El contenido musical está inmerso en una atmósfera psicodélica, pero variando desde la energía rockera de "Algo Flota en la Laguna" o "Blues de Cris" (dedicado a la "Muchacha Ojos de Papel" de Almendra) hasta el clima reposado de "Dulce 3 Nocturno". Spinetta demuestra su placer en ejecutar riffs de guitarra, probablemente producto de su relación con Norberto "Pappo" Napolitano. Definitivamente Spinetta no está en su punto más alto con las líricas. Muy buen arte de tapa de Jorge Visñovezky, acorde al contenido del disco. La edición en CD contiene temas de dos simples posteriores, todos clásicos de la banda: "Me gusta ese Tajo", "Despiertate Nena" y "Post Crucifixión". Estos dos pueden verse en vivo en el film "Rock hasta que se Ponga el Sol" o escucharse en su banda sonora.

Pescado Rabioso 2 (73) Es difícil hablar en pocas palabras del contenido de este álbum. Por eso me limitaré a decir que es una de las obras más representativas del rock argentino y por ende de la música de Spinetta en los 70s. La banda ahora con Lebón en bajo y la incorporación de lleno de Cutaía, desarrolla un estilo iniciado en el anterior álbum, pero aquí con mayor vuelo y despliegue. A esto hay que agregar la definitiva adscripción de Spinetta a esa peculiar forma de surrealismo en sus letras. El álbum es parejo en calidad aunque por nombrar algunos temas puedo decir que la intensidad de "Petiribí" o "Sombra de la Noche Negra" son desbordantes con un exitante interjuego de guitarra y órgano. Me apena que Spinetta mismo calificara luego de años como "aberración" a este último tema ( ver libro "Como Vino la Mano" de Miguel Grimberg). Los mejores momentos de reposo se pueden escuchar en "Madreselva" y el pasajes de la hermosa "Cristálida", con arreglos orquestales de Cutaía. Originalmente concebido como doble vinilo, está reeditado en un solo CD con el contenido completo de la obra.

Imprescindible.

Artaud (73) ¿Pescado era solo Spinetta?¿Los músicos eran sólo instrumentos del "Flaco"? El porqué de firmar el álbum con el nombre de PR en lugar de con su propio nombre nunca se ha aclarado. La música es despojada pero conserva la esencia, el sentido y un anacronismo comparable al que tiene Barrett fuera de Pink Floyd. La exploración poética de Spinetta más que nunca recala en el surrealismo y de a momentos la música parece sólo un envase para contener sus palabras (escuchar "Por"). Es cierto que el Pescado de los anteriores discos retorna en "Superchería" o en "Cementerio Club" pero la introspección predomina y la guitarra acústica es el instrumento preferido. Sin embargo Spinetta se da el gusto de experimentar con el sonido en "Starosta, el Idiota", donde incluye un sampler (ahora de decimos así) de The Beatles en una elección para nada casual. Por si todo esto fuera poco "Bajan" es uno de los temas más hermosos que he escuchado. La cubierta original tenía la forma de la imagen que aparece en verde, tratando de reflejar la peculiar visión de la realidad contenida en el álbum. Decir que este es un álbum progresivo es tan complejo como afirmar que la obra toda de Spinetta es progresiva.

Piel de Pueblo Rock de las heridas (72) Pajarito Zaguri: Voz y guitarra Willy Pedemonte: Bajo Nacho Smilari: Guitarra Carlos Calabró: Batería Pajarito Zaguri es un personaje presente en el rock argentino desde sus inicios, aunque no haya logrado un reconocimiento masivo. Miembro de los míticos Beatniks y las más tarde de otra banda legendaria: La Barra de Chocolate, se reencuentra con su antiguo compañero en este último grupo Nacho Smilari, quien tuvo un paso por Vox Dei luego de la salida de Juan Carlos Godoy. Sobre una correcta y en momentos muy buena base de rock brindada por la dupla Calabró - Pedemonte, dan rienda suelta a la

expresividad de la guitarra eléctrica con todo tipo de aditamentos.

Generalmente Zaguri se encarga de la guitarra rítmica, pero los mejores momentos son aquellos en los que se animan al duelo de guitarras enfrentando sus solos. En dos de los temas participa Héctor López Furst en violín, otorgando un toque de sutileza ante tanto rock duro. Zaguri se las arregla para darle expresividad a sus letras politizadas. Más que aceptable para amantes de esta vertiente del rock.

Pinchevsky, Jorge

Porchetto, Raúl Cristo Rock (72) Billy Bond y La Pesada, abarcaron en aquellos años cuanto estilo podía imaginarse dentro del rock: la canción para adolescentes de Sui Generis, el engendro sinfónico de la nueva versión de La Biblia, el rock & roll de los álbumes de Billy Bond, o la fusión blues-tango-jazz en el álbum Buenos Aires Blues. El eclecticismo de esta agrupación queda reafirmado en este proyecto de resultado irregular con muy buenos momentos debidos a la participación de Charly García en órgano y Claudio Gabis con su guitarra endemoniada (si vale el termino en un álbum que lleva semejante título). Fuera de estos interesantes pasajes de rock progresivo la obra presenta algunas canciones de corte pastoral, baladas orquestadas y ciertos intentos de experimentación. Letras que tratan sobre la tergiversación del mensaje de Jesús. Debo admitir que no me gusta como canta Porchetto y me resulta algo molesto tanto manierismo. Cuenta la leyenda que la obra fue compuesta en tres días (y no tengo motivos para no creerlo). Participan además de los nombrados Alejandro Medina y Cacho Lafalce en bajo, Moro y Jimmy en batería, Kubero Díaz en guitarra y otros.

Los arreglos de cuerdas pertenecen a Charly García y la dirección orquestal a Gustavo Beytelman.

Porchetto (76) Segundo álbum solista de Porchetto realizado en forma más o menos contemporánea al proyecto Por Sui Gieco, en el que participa junto a los miembros de Sui Generis y León Gieco en una suerte de "supergrupo" acústico, y posteridad a Reino de Munt, banda que no llegó a a grabar.

Incluso parte del material, como el brillante "La Batalla del Rey y los Angeles" pertenecen al repertorio de esta banda. Aquí Porchetto se orienta más decididamente al rock progresivo. Cuenta entre las filas de su banda con el virtuoso guitarrista Lito Epumer, ex miembro de la mítica banda Madre Atómica, Eduardo Criscuolo que se encarga del bajo, guitarras y melloton, Roberto Pardiñas en batería y flauta y Alejandro Lerner en teclados. Ha trabajado mejor las líneas melódicas de las partes cantadas disimulando algo la insistente afectación de su voz. El trabajo de Lerner es bueno y el de Epumer es sencillamente brillante. El resultado final es una obra con buenas melodías, muy agradables instrumentaciones, que el algún momento pueden recordar a Genesis, pero que en general desarrollan

un estilo bastante personal. En mi impresión lo mejor de Porchetto.

Durante el 2001 este álbum y el que le sigue, Chico Cósmico fueron reeditados juntos en CD doble bajo el nombre de "Archivos EMI, Porchetto".

Chico Cósmico (77) Un álbum de canciones delicadas unidas por un hilo conceptual. Con instrumentaciones sofisticadas, cuenta otra vez con un excelente guitarrista, en este caso Luis Borda de Ave Rock, quien además se encarga del sintetizador Moog, compartiendo la tarea con el mismo Porchetto. El bajo está a cargo de Francisco Ojsterseck, en la batería Osvaldo Valls y Daniel Volpini y en la dirección orquestal el magnífico Rodolfo Alchourron, más un extenso número de invitados. Muy buena calidad de grabación a cargo de José Soler y Carlos García. Si bien las composiciones no son tan atractivas como en el anterior álbum, la calidad de la realización las eleva, destacándose algunos muy buenos momentos como en "Luz Marrón", "Hombre intergaláctico de hace 7.000 años" o "baila Payaso".

Rayuela Rayuela (77) Integrado por Marcelo Morano en teclados, Andrés Goldstein en guitarra y voz, Willy Camping en bajo y voz, Guillermo Nojechowicz en batería y voz y Eduardo Beristein en vientos y percusión. Desarrollan en el álbum estilos que van desde baladas bellamente instrumentadas ("Los Últimos Grillos", "Vendré con el Viento, tema muy agradable") hasta fusión de jazz y rock ("Aéreo") coronado con temas de intenciones claramente progresivas ("Acaso Tu Crees, Que No Me Di Cuenta Que Te Fuiste Hace Diez Años", instrumental, uno de los puntos más altos del álbum). La calidad de la instrumentación es más que aceptable, con destacados trabajos de teclados (sintetizador, piano, órgano) y saxos. La calidad cae cuando se acercan demasiado al blues ("Vientos de Calma") o cuando en sus incursiones jazzísticas se aproximan demasiado al funk y ritmos latinos.

Encuentro recomendable este único trabajo discográfico de Rayuela. No ha sido reeditado en CD.

ReddJuan Escalante: Voz líder, teclados, percusión y batería.

Luis Albornoz: Voz, bajo, guitarras.

Esteban Cerioni: Voz, bajo y ARP String Ensemble.

Tristes Noticias del Imperio (78) La banda se formó en 1976, en la provincia de Tucumán, luego de la separación de una banda llamada "La pequeña banda de Trícupa" a la cual pertenecían Escalante y Albornoz.

Durante 1978 tocan en Buenos Aires con el auspicio de MIA y como estos editan su primer álbum en forma independiente. Para ello crean un sello al que llamaron Caboclo, con la intención de permitir grabar a otras bandas. Las críticas de la época sobre las actuaciones en vivo en la Capital fueron favorables. En cuanto al álbum presenta algunas influencias de King Crimson. Buenas instrumentaciones algo despojadas y no demasiado

arriesgadas, ciertos toques de jazz y melodías melancólicas. La voz de Escalante es correcta en algunos temas (por ejemplo "Matiné"), pero se escucha algo destemplada en otros. El álbum original tenía una duración que apenas superaba los 30 minutos. Existe una reedición en CD que presenta temas en vivo como bonus tracks.

RelaxDaniel Grasso :Voz, Guitarra, Flauta Ruben Campas :Voz, Guitarra Héctor Grasso :Bajo, Voz Juan Raúl Rodriguez : Batería, Percusión Padre (75) Varios de los temas del álbum están construidos sobre un fraseo o riff sobre el que, con algunas temáticas secundarias (Al Umbral del Futuro) o sin ellas (Correr el Tiempo) la guitarra de Grasso desarrolla solos a veces interesantes, en ocasiones solo discretos. Este tipo de construcción es algo limitante en el desarrollo musical, pero es contundente, muy "rockero" y personalmente lo disfuto. Otros temas presentan un mayor éxito expresivo a la vez que un desarrollo algo más complejo (Padre un Amigo que se Fue), es interesante escuchar el jugueteo entre las dos guitarras una haciendo solo y la otra intentando escapar del mero riff para trazar un esbozo de línea melódica. También hay algún acercamiento a ritmos jazzeros. La banda nunca alcanzó notoriedad y produjo solo este álbum. Tal vez analizando factor por factor no concluyamos en que sea una producción musical sobresaliente, sin embargo siento que visto en su conjunto es aceptable y que vale la pena escucharlo.

Rockal y la Cría, Salgan del Camino (73)

Sacramento Sacramento (72) Separados Los Gatos, el baterista Moro acompaña a Litto Nebbia en diferentes proyectos como Nebbia’s Band y Huinca. Por su parte el bajista Alfredo Toth y el tecladista Ciro Fogliatta se unen al baterista Roberto López (ex Walkers) y Ricardo Jelicié en bajo. Alfredo Toth, como en los últimos tiempos de Los Gatos, tras la salida de Pappo se encarga de la guitarra. El LP esta integrado por once temas de influencias variadas pero con una recurrente cercanía a Traffic, con buenas melodías e instrumentaciones. Toth presenta un correcto trabajo, particularmente en guitarra acústica y Fogliatta, con el piano y predominantemente con el órgano es quien conduce el frente melódico, con momentos destacados aunque estos no abunden. Un álbum bastante agradable con un lado A bastante más interesante que el B, más monótono. Se ha reeditado en CD. En el libro de Marcel Camerlo, The Magic Land, se comenta sobre la grabación de un segundo álbum que nunca fuera editado.

Seru GiranCharly García :Voz, Guitarra, Teclados David Lebón :Voz, Guitarra Pedro Aznar :Bajo, Teclados, Voz Oscar Moro :Batería, Percusión La Grasa De Las Capitales (79) Serú Giran (78) Bicicleta (80) Peperina (80) No Llores Por Mi Argentina (82) Síntesis Síntesis (76) Integrado por José A. Migoya en guitarra, Juan C. Ricci en batería, Julio Cusmai en batería, con la colaboraciones de Sergio Polizzi en violín, Mariano Zarich y Cachi Ferreyra en saxos, Santiago Aldana en clarinete, Oscar Tissera en flauta. Provenientes de la ciudad de Rosario, despliegan un rock progresivo con muchos ingredientes de jazz y blues y apenas alguna aproximación sinfónica. Las composiciones son íntegramente instrumentales y se destaca el liderazgo de la guitarra con atinados arreglos de cuerdas y vientos. Como curiosidad, este recomendable álbum se registró en dos días, el primero de ellos coincidente con el golpe militar que instalo una de las más sangrientas dictaduras que asoló a la Argentina. Los seis temas no llegan a ocupar media hora de registro. Aún así el álbum es recomendable, pero es otra de las tantas obras que no ha sido reeditada en cd.

SolunaGustavo Santaolalla: guitarras, armónica, percusión, voz.

Alejandro Lerner: teclados.

Oscar Amante: guitarra acústica, charango, percusión, voz.

Mónica Campins: coros, teclados.

Sergio Polizzi: violín.

Ricky Libman: bajo, coros.

Horacio Gianello: batería, percusión.

Roberto Valencia: percusión.

Invitados: Ch. García (teclados), M. Veber (cello), Rody Zilani (acordeón).

Energía Natural (77) Ya fuera de Arco Iris Santaolalla encara este proyecto acompañado por Gianello y un numeroso grupo. Dejan de lado los ritmos folklóricos y encaran un estilo de folk rock. La banda ensayo varios meses, bajo la estricta disciplina impuesta por Santaolalla, antes de debutar en público. Se destaca el extremo cuidado de las voces y la delicada instrumentación en la que se combinan adecuadamente las instrumentaciones eléctricas y acústicas. El trabajo de Polizzi en el

violín es excelente. Santaolalla está correcto con su guitarra que ya no suena tan ácida como en Arco Iris. Sobresalen temas como "Espérame encendida" y "Voy a hacer las pases" en donde se conjugan buenas melodías y cuidadas armonizaciones. Lamentablemente no tuvieron la repercusión esperada y al poco tiempo se separaron dejando este único álbum como testimonio.

Spinetta, Luis Alberto Spinettalandia y sus Amigos (ó "La Búsqueda de la Estrella" ó Almendra") (72) Spinetta tenía un contrato que lo ligaba a su sello grabador. Con los aportes de varios músicos amigos graba este álbum en 30 horas. Participan Pappo, Miguel Abuelo, Victor Kesselman, Elisabeth Vierner y Pomo. Fue definido años más tarde por Spinetta como "una cosa gitana, o hippie, mejor dicho". Varios de los temas son de corte experimental con altas dosis de improvisación, pasando de canciones al estilo de Almendra hacia ritmos folk ciertamente inmersos en un clima hippie. Pero también está presente el rock duro en temas como "Era de Tontos" ó "Castillo de Piedra", que posteriormente Pappo incluyera en el volumen 2 de Pappo's Blues con el nombre de "Hay Tiempo para Elegir). Spinetta está en busca de un estilo que desarrollará plenamente durante su época en Pescado Rabioso.

A 18' del Sol (77)Pasan 5 años, con Pescado Rabioso e Invisble en el medio, para que el "Flaco" realice otro álbum solista. Aunque debe tenerse en cuenta que "Artaud" no es en realidad un disco de Pescado sino una obra personal. Spinetta había tenido algunos acercamientos al jazz rock durante los tiempos de Invisible. Sin embargo esto no había pasado de un cierto coqueteo con el estilo. En este álbum puede decirse que establece una relación estrecha. Decidido a jerarquizar los pasajes musicales trabaja con Diego Rapoport en teclados, Osvaldo López en la batería Machi en bajo.

En el tema que abre el álbum, "Viento del Azur" cuenta con Marcelo Vidal en bajo y Gustavo Spinetta en batería. Sin dejar de lado las canciones nos ofrece las excelentes melodías de "Toda la Vida Tiene Música" y "Canción para los Días de la Vida" en la que retoma brevemente una instrumentación más acústica. El disco es excelente aunque muy diferente de la obra previa de su autor y un punto de inicio para la música que consolidaría en los 80s con la agrupación Jade.

Sui GenerisCharly García: Voz, Guitarra, Teclados Nito Mestre: Voz, Guitarra Vida (72) Confesiones De Invierno (73)

Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones (74) Adios Sui Generis (75)

Vox DeiRicardo Soulé :Voz, Guitarra, Violín Willie Quiroga :Bajo, Voz Rubén Basoalto :Batería Juan Carlos Godoy :Guitarra, Voz Caliente (70)A nivel popular Vox Dei fue tan importante como Los Gatos, Manal ó Almendra, aunque en pocos momentos su producción alcanzo un nivel comparable con ellos. Con la misma formación que un año más tarde grabaría La Biblia. Este álbum contenía el núcleo de temas que posteriormente regrabarían en el álbum “Cuero Caliente”. La versiones suenan más primitivas y ciertamente la calidad de grabación es deficitaria, sin embargo puede distinguirse un despliegue, probablemente algo pueril, pero en todo caso sumamente energético. Personalmente prefiero ampliamente este álbum al de 1973, donde si bien suenan más profesionales han perdido la atmósfera de espontaneidad que queda reflejada en “Caliente”.

La Biblia (71) Jeremías Pies de Plomo (72) Cuero Caliente (72) La Nave Infernal (73) Es Una Nube No Hay Duda (73) Vox Dei Para Vox Dei(74) Estamos En La Pecera (75) Ciegos De Siglos (76)