27,000 a単os
de arte
De la
Prehistoria al
Primer Renacimiento Una obra relevante de: escultura, pintura y arquitectura Prehistoria; Mesopotamia; egipto; grecia; Roma; Paleocristiano; Bizantino; Islámico; Románico; Gótico y Primer Renacimiento.
Por: Yandina González, Docente: Rita de Franco Historia del Arte I, Facultad de Diseño & Comunicación, Universidad Americana Junio 2014
PREHIS
STORIA
Pintura La llamada “Capilla Sixtina del Arte Cuaternario” fue pintada hacia el 15,000 a.C. y se halla en Santillana del Mar, en el norte de España. Joya del arte pictórico rupestre y fuente histórica directa, forma parte del Patrimonio de la Humanidad desde 1985. Aunque los moradores de Altamira solo utilizaron pigmentos ocres y negros para realizar sus murales, el raspado y lavado del interior de los dibujos, junto con el grabado de los contornos, permitió que los dibujos adquirieran efectos de policromía y volumen. Los colores naturales -ocres y carbón-, una vez molidos se aglutinaban con agua para permitir su adherencia a la roca soporte. Las paredes eran de caliza amarilla.
Para trabajar en el interior de las cuevas, encendían hogueras o quemaban grasa animal en candiles hechos de piedra.
Bisonte de Altamira Ocre y carb贸n sobre caliza amarilla 1,40 x 1,80m aprox Gran Sala - Cueva de Altamira
Arquitectura El congunto megalítico de Stonehenge constituye una de las construcciones prehistoricas más importantes de Europa. Las dataciones con radiocarbono demuestran que fue contruido varias veces entre el Neolítico y la Edad del Bronce, por lo que su función podría haber variado con el tiempo.
166
piedras constituían originalmente el congunto megalítico. Las 82 piedras azules de menor tamaño procedían de Malborough, 30k N. Las 84 restantes del lejano país de Gales
Menhir Piedra alargada
40
toneladas es el peso de la piedra más alta (9m) del círculo de piedras adinteladas que delimita el perímetro exterior del megalito.
Carnac Menhires alineados
400
túmulos con enterramientos se hallan en las proximidades. Datados entre 2000 y 1500 a.C., sus ricos ajuares confirman la intesa actividad comercial del pueblo que construyó el conjunto megalítico.
Dolmen Carnac con menhir horizontal
Stonehenge Formado por grandes bloques de piedra distribuidos en cuatro circunferencias concĂŠntricas 104m de diĂĄmetro Salisbury, Sur deInglaterra
Escultura
Entre las primeras expresiones artísticas creados por la mano del hombre aparecen estas pequeñas figuras femeninas, fabricadas casi siempre de piedra o hueso, que se han encontrado en diversos lugares de Eurasia. Se caracterizan por tener pechos y nalgas exagerados, lo que, según se cree, está relacionado con el culto a la fecundidad.
La Venus de Willendorf fue hallada en un yacimiento paleolítico cerca de Willendorf (Austria), a la orilla del Danubio, en 1908 por el arqueólogo austriaco Josef Szombathy.
Venus de Willendorf Tallada en piedra caliza oolĂtica, tinta ocre rojo 11,1 x 5,7cm Museo de Historia Natural de Viena.
ME SO PO TA MIA
Arquitectura Fundada hacia el 3800 a.C., la ciudad de Ur se convirtió, a mediados del III milenio a.C., en uno de los principales centros culturales y comerciales de Mesopotamia. En el interior de las Tumbas Reales aparecieron un sinfin de pequeños objetos relacionados con la vida cotidiana de los primeros reyes y reinas de Sumeria. Entre ellas:
Cabeza de León Probablemente un amuleto Plata, lapislázuli y conchas Altura: 12 cm
Tarro con forma de huevo Utilizado en las ceremonias Oro, lapislázuli y piedra caliza Altura: 14,6 cm
Casco de guerra Perteneció al principe sumerio Meskalamdug Aleación de plata y oro
Tocado de reina Puabi Corona y pendientes Oro y lapislázuli Diametro: 17 cm
En Sumeria existia la costumbre de enterrar a los reyes y reinas junto con su séquito. En la cámara funeraria se depositaba el cuerpo del soberano, mientras que los acompañantes se repartían por las dependencias contiguas y los túneles de acceso.
Zigurat de Ur Hecho de ladrillo cosido en el exterior y adobe en el interior 61 Ă— 45,7 m y 15 metros de altura Antigua ciudad Sumeria, Irak actualmente
Escultura
La estatua del príncipe Gudea de Lagash es una de la veintena de estatuas que lo representan. La cabeza testimonian por su estilo la existencia de una escuela palaciega, de modo que reproducen ciertos rasgos comunes sin alcanzar nunca la técnica del retrato. Las personas con jerarquía social cubrían su cabeza con un sombrero o turbante de forma circular, calado por delante hasta el nacimiento de los cabellos y por detrás hasta la nuca, pero que dejaba visible las orejas. Este sombrero, trabajado en trama geométrica, sugiere un material rizado, probablemente el vellón de oveja.
En la estatua aparecen inscripciones en las que se explica que la estatua es una ofrenda a la deidad sumeria Ningizzida.
Estatua sedante del prĂncipe Gudea 2120 a.C. Escultura en diorita excavado en Telloh, Irak 46 x 33,2 cm Museo del Louvre
Pintura
Fue estrictamente decorativa. Se utilizó para embellecer la arquitectura. Carece de perspectiva, y es cromáticamente pobre: sólo prevalecen el blanco, el azul y el rojo. Se representan figuras geométricas, personas, animales y monstruos. Se emplea en la decoración doméstica. No se representaban las sombras. En la pintura y los grabados, la jerarquía se mostraba de acuerdo al tamaño de las personas representadas en la obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a comparación con el resto.
Los temas eran escenas de guerras y de sacrificios rituales con mucho realismo.
El rey y ordenador de sacrificios 1750 a.C. Palacio de Mari Acualmente: Museo de Louvre
EGIPTO
Arquitectura
Esta cámara funeraria abarca unos 50 m² y tan solo alberga un sarcófado vacío de granito rojo, ya que fue saqueada sin piedad desde antiguo. El peso de los bloques que forman su techo es soportado por cinco compartimientos; en uno de ellos figuran escritos los nombres de dos grupos de esclavos que trabajaron en su construcción.
5.750.000 2.300.000 100.000 toneladas es el peso aproximado de la pirámide de Keops, construida en 23 años de trabajo.
bloques de piedra componen la pirámide. El peso medio de cada uno de ellos es de 2,5 toneladas.
trabajadores y escalvos participaron en las tareas de construcción de la Gran Pirámide, según Heredoto.
Evolución de los templos funerarios
Mastaba Eran cámaras funerarias subterráneas. Sobre ellas se construía una capilla de una sola planta para las ofrendas rituales.
Pirámide Surgió de la superposición de distintos pisos en las mastabas. Atestigua los primeros problemas de inclinación.
Hipogeo Tanto la cámara funeraria como la capilla se escondian en grandes cuevas bajo tierra.
Pir谩mide de Keops Siglo XXVI a.C. Giza, Egipto 230 m
146,6 m
N
orientaci贸n a los puntos cardinales
Escultura
El busto no tiene ninguna inscripción, pero fue identificado como Nefertiti porque era la corona característica que se conoció que Nefertiti llevaba puesto. Al busto le falta de una pupila y parte de los lóbulos de las orejas. Se dice que estos últimos fueron encontrados pero la pupila no. La pupila del ojo derecho es cuarzo insertado con la pintura negra y fue fijado con cera de abejas. Su piel es bronceada lo cual es muy diferente a los típicos rostros femeninos en el Antiguo Egipto donde todas llevaban tonos amarillentos. Neferiti es una de las caras mas hermosas de la antiguedad. Ha sido considerada como el busto mas famoso del arte antiguo, un ejemplo de la perfección, comparable sólo por la máscara de Tutankhamun.
Esposa repudiada Aproximadamente hacia el año 12 de su reinado, el faraón Akhenatón repudió a su esposa, la reina Nefertiti, y concedió la categoría de “primera dama de la corte” a su hija primogénita.
Busto de Nefertiti Elaborado por el Escultor Real Tutmose 1345 a.C. Caliza y Yeso Altura: 47 cm - Peso: 20kg Museo egipcio de BerlĂn
Pintura
Nebamun es un funcionario real. En esta escena se encuentra cazando sobre su canoa. Toma las características de un faraón (venciendo a la muerte). A su derecha está su esposa( de menor tamaño). Debajo de Nebamun, sentada sobre la canoa, se encuentra su hija, se la reconoce por ser de menor tamaño que la mujer y por tomar de la pierna al funcionario, que se interpreta como un gesto de cariño. Ambas mujeres tienen una flor de loto en la mano lo cual tiene que ver con la resurrección.
El arte de los egipcios es representativo y a la vez simbólico, transmite muchos mensajes que se relacionaban con sus Dioses, Faraones y más personajes que son representados en sus imágenes.
Frescos de la tumba de Nebamun Siglo XV a.C. Temple 46 x 33,2 cm Museo britรกnico de Londres
Arquitectura Es el monumento más grandioso de la Atenas de Pericles y refleja en la arquitectura el extraordinario florecimiento cultural, de las artes y del pensamiento que alcanzó Atenas durante el siglo V a. C. que culminó con la implantación de la democracia. El Partenón es uno de los ejemplos más significativos del orden dórico griego, aunque combina elementos de orden dórico y jónico por lo que el resultado es una nueva forma arquitectónica que podría llamarse ática. El templo es de planta rectangular, períptero (con columnas en todo su perímetro) octástilo (con la clásica proporción de 8 columnas al frente y 17 en los laterales), anfipróstilo (flanqueado por dos pórticos) y con doble cella. Las columnas no tienen basa, asientan directamente sobre el estilóbato. Los capiteles son también dóricos y están formados por equino y ábaco; se unen al fuste por medio de una moldura cóncava denominada collarino y sobre ellos descansa el entablamento.
La cubierta es dintelada a dos aguas. El tejado es de madera y las tejas de mármol pentélico.
Parten贸n de Atenas V a.C. Arquitectos: Ictino y Cal铆crates, dirigidos por el escultor Fidias 12m altura x 19m de ancho Atenas, Grecia
Escultura Su nombre, Victoria, evoca un triunfo militar. Sus alas de plumas parecen referirse a la libertad que da el vuelo. Su cuerpo pétreo, vestido con una sutil tela, y sus insinuantes curvas femeninas tienen algo de erotismo. La posición adelantada de su pierna derecha denota firmeza pero, al mismo tiempo, confiere levedad a la figura. El gusto por pegar los ropajes al cuerpo, hasta hacer evidentes algunas de sus partes, documenta una técnica a la que ya había recurrido Fidias durante el siglo V a.C Entre los detalles existe una abundancia de pliegues en la parte inferior de la escultura, y se organizan en distintas direcciones, dando idea de que la Victoria se enfrenta a un verdadero remolino ascendente que quisiera atraparla.
Quienes encargaron la Victoria de Samotracia no sólo conmemoraban un triunfo bélico; también hacían todo un canto a las fuerzas de la naturaleza, al viento y al mar.
La Victoria de Samotrรกcia Siglo III a.C. Original de mรกrmol de paros 46 x 33,2 cm Museo del Louvre
Pintura
Se desarrolló en platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia. Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas que apenas se destacaban sobre la superficie. Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen; es entonces donde aparecen los primeros dibujos de plantas y animales. En el período arcaico ( VII y VI a. C. ), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de la representaciones mitológicas.
Pintura Griega Cerรกmica
Roma
Arquitectura El anfiteatro Flavio, más conocido como Coliseo por la cercanía de una colosal estatua de Nerón, fue inaugurado por Tito en el año 80. Daba cabidad a 50,000 espectadores, ávidos de carreras de cuádrigas, naumaquías y luchas de gladiadores y fieras. Está construido con mortero. Se recubrió, en primer lugar, con ladrillo y después con mármol. Es una arquitectura de tipo civil, que tenía un carácter práctico, ya que era el lugar donde se celebraban las representaciones de luchas sangrientas. Sobre la planta se realiza una construcción de cuatro pisos. Por lo tanto, se construyen unos muros que cierran el espacio. Estos muros se refuerzan con 560 pilares, de tal manera que se produce una alternancia continua de pilar y vano. Los pilares van unidos por arcos de medio punto. En los muros se utilizan columnas adosadas a los pilares con fines decorativos, y en esas columnas se da una superposición de ordenes.
En el centro de la planta está la arena equivalente a la escena del teatro griego que es donde se realizaban las luchas.
Anfiteatro Flavio 70-80 Iniciado bajo mandato del emperador Vespasiano 189 x 156 de ancho, altura: 48 m Roma, Italia
Escultura Nos encontramos ante una representación humana, que describe con gran realismo la procesión de la Pax Augusta, celebrada en el año 13 a.C. Este realismo se refleja muy bien en los rostros de las personas: se puede observar que aparecen personas de diferentes edades, todas ellas caracterizadas muy bien. Además, este relieve presenta efectos de perspectiva bastante interesantes: las figuras están talladas en diferentes planos. Concretamente, en este relieve hay tres planos distintos. En el primero de ellos aparecen los personajes más importantes, que destacan sobre el resto, y parecen más próximos a nosotros. En el segundo plano, las figuras aparecen con distintas posiciones y actitudes; en este plano destacan mujeres, niños y hombres. Y, por último, en el tercer plano, aparecen los personajes de menor importancia.
La procesión de los frisos laterales representa a Augusto, su familia, amigos, magistrados y senadores, componiendo un magnífico conjunto de retratos
Ara Pacis 9 a.C. talla en mรกrmol 11,65 x 10,62 x 4,60 metros Roma
Pintura
Las técnicas empleadas en Roma fueron principalmente el fresco, el estuco y la encaústica. La pintura al fresco era aplicada sobre la pared aún húmeda, por lo que los colores penetraban en ella profundamente. También se utilizó la técnica del falso fresco, que consistía en dar los colores diluidos en cal sobre la pared seca. En este fragmento de la Casa de Brazalete se consigue gran realismo y detallismo, es un jardín espléndido: aves, palmeras, frutos y flores. Es como si la sala no tuviese pared y una naturaleza exuberante y primaveral se mostrase en todo su esplandor.
Esta pintura nos permiten apreciar su frondosa vegetación y la disposición de los diferentes elementos.
Fragmento de la Casa Brazalete Fresco Pompeya
Paleocristiano
Arquitectura
Responde al modelo de edificio centralizado, alternativo a la basílica, que fue utilizado para baptisterios, mausoleos, martyria (restos sepulcrales de mártires), y que debían sus plantas circulares o poligonales a la necesidad de hacer accesible el objeto o persona venerada. El edificio se estructuraba en 3 círculos concéntricos: una columnata exterior hoy desaparecida; un segundo círculo, delimitado por un macizo muro cuyo paramento se ve aligerado por los numerosos nichos abiertos en él, cubierto por bóveda de cañón y separado del tercero por una doble columnata; y un tercer círculo, presidido por una cúpula, que acogía en el centro el lujoso sarcófago de la princesa. El edificio, planteado como una rotonda, responde a una concepción espacial diferente de la del Panteón romano.
Erigido por el emperador Constantino para albergar los restos de su hija Constanza.
Mausoleo de Santa Constanza 350 Columnas de mármol verde y rojo 29m de diámetro con un círculo central de 11 ½ m Roma
Escultura
Junio Basso fue un rico patricio romano, praefectus urbi durante el gobierno de Constancio II y reci茅n convertido al cristianismo antes de su muerte. Es un sarc贸fago trabajado en relieve en tres de sus caras. La frontal contiene 10 escenas cristianas en altorrelieve, repartidas entre dos pisos y separadas por una estructura arquitect贸nica de columnas. Las caras laterales representan escenas en bajorrelieves en dos pisos de amorcillos realizando la vendimia. Pose铆a una tapa figurativa, pero quedan muy pocos restos.
Las escenas de la parte central de ambos registro aluden al triunfo de Cristo sobre la muerte y su aspecto divino.
Sarc贸fago de Junio Basso Mediados S IV d.C. M谩rmol de Carrara 234 x 142 cm Museo del tesoro de San Pedro
Pintura
La pintura paleocristiana era profundamente religiosa, el arte se usaba en aquella epoca para transmitir la religion cristiana prohibida por los romanos, por lo que la pintura estaba cargada de un gran simbolismo que siempre va a prebalecer sobre las formas. Se destaca el esquematismo y la ingenuidad de las figuras, as铆 como su posici贸n, mirando al espectador, propias de la pintura paleocristiana. Se puede apreciar la policromia en los colores utilizados para la pintura.
Las figuras pierden el realismo y la representacion la belleza.
Bautismo Siglo III Fresco paleocristiano Catatumbas de San Calixto Roma
Bizantino
Arquitectura
PLANTA. Toda la construcción se inscribe en un rectángulo al que precede, como es normal en el arte bizantino, un doble nártex. ALZADO. Se encuentra en gran parte condicionado a la sujeción de la gran cúpula central. Para su apoyo se crean cuatro parejas de grandes machones sobre los que se alzan las pechinas. Al exterior, estos machones se convertirán en gigantescos contrafuertes. CUBIERTA. Sumamente original, siendo el eje de toda la construcción. El centro se cubre con una gran cúpula semiesférica construida con materiales muy ligeros (ánforas). Se encuentra dividida por nervios que separan gallones cóncavos, abriéndose en su base una línea de 40 ventanas.
Fue una antigua basílica patriarcal ortodoxa, posteriormente reconvertida en mezquita y actualmente en museo.
Basílica de Santa Sofía 532-537 d.C. Arquitecto: Isidoro de Mileto y Artemio de Tralles Materiales: interior diseños en mosaicos, exterior e interior de ladrillo revestido, cúpula de madera Estambul, Turquía
Escultura
En el centro, el emperador domina un brioso corcel como signo de fuerza y buen gobierno. Clava la lanza en el suelo celebrando una victoria, mientras un extranjero (caracterizado con el gorro frigio) toca con una mano el arma como signo de acatamiento y con la otra aclama al emperador. Una niké corona al basileus, mientras la Abundancia le toca el pie. Desde la izquierda un soldado trae otra niké (trae la victoria) al monarca, imagen que se repetiría especularmente en el panel derecho, hoy perdido. En el panel inferior, más extranjeros de todo el orbe traen todo tipo de productos como regalo o tributo.
Representa el triunfo de Zenón, Anastasio o Justiniano.
políptio Barberini Siglo VI Mármol 34,2 x 26,8 x 2,8 cm Museo del Louvre
Pintura Este mosaico está hecho con pequeñas piedrecitas de colores o teselas, empleando las habituales técnicas romanas del Opus Tessellatum (teselas cúbicas e iguales para el interior) y el Opus Verniculatum (de formas diferentes y empleadas para los detalles). En esta imagen del Emperador observamos una representación que va a ser habitual a partir de entonces. No es una imagen realista, sino una reproducción totalmente idealizada de Justiniano, que ante sus súbditos pasaba por ser una figura semidivina. Por eso todas las figuras están tan rígidas; con la misma postura repetida en todos los personajes como si fueran maniquíes; todos con los pies colocados en una postura muy forzada, en una posición en forma de “V”; todos curiosamente con las cabezas situadas a la misma altura; y todos con los rostros bastante inexpresivos. La única perspectiva que se aprecia es la jerárquica, que hace que el personaje principal (Justiniano) está el el centro, en el eje de simetría y ligeramente más elevado o más alto que el resto de personajes. Todas estas características son propias de la plástica bizantina. La pintura bizantina es la manifestación pictórica del arte bizantino. Evolucionó a partir del arte paleocristiano y fijó su carácter desde el siglo VI, continuando hasta el fin del Imperio bizantino en el siglo XV.
Mosaico de Justiniano Siglo VI d.C. 1era edad de oro del arte bizantino 46 x 33,2 cm Museo del Louvre
Arte Islรกmico
Arquitectura Islámica La cúpulas son un elemento importante de la arquitectura islámica, proceden de la arquitectura Sasánida y de las tradiciones paleocristianas. La primera mezquita monumental se conoce con el nombre de cúpula de la Roca , un espacio centralizado de planta octogonal rodeado por dos deambulatorios y cubierto por una gran cúpula. Su parte más interna, la que rodea la roca, es un cuerpo circular estructurado con cuatro pilares y doce columnas, agrupadas de tres en tres. Este núcleo circular está circundado por un doble deambulatorio, separado por un muro octogonal de ocho pilares que alternan con 16 columnas, agrupadas de dos en dos. Todas las columnas y capiteles del interior, de mármol, son elementos reaprovechados de construcciones más antiguas. El muro que cierra el conjunto también describe un octógono, y en él se abren las cuatro puertas de acceso al recinto, situados en los puntos cardinales.
La mezquita de la Roca está decorada con mosaicos coloristas, tanto en su interior como en el exterior y alberga la piedra desde la que, según la tradición musulmana, Mahoma ascendió al cielo.
Mezquita de la Cúpula de la Roca Finales del siglo VII 20 m diámetro x 25 m altura Jerusalén
Pintura Islámica
La pintura islámica, en comparación con la arquitectura islámica, es una de las ramas artísticas menos desarrolladas. Se utiliza sobre todo como elemento decorativo en las edificaciones. El color se usaba de un modo arbitrario, el pintor buscaba plasmar una gran diversidad de tonos pero no representar los matices del mundo real. Es por esta razón que el cielo aparece en muchas ilustraciones de color oro o las nubes son de color verde. Tampoco se representaban sombras y hasta que no se desarrollo la pintura mogol no se hacia distinciones entre el día y la noche.
La pintura no fue muy desarrollada en el arte islámico debido a las prohibiicones que tenían de representar figuras humanas o animales.
Joven y pretendientes 1556 Irรกn
arte romรกnico
Arquitectura El Románico de la Toscana conserva su máxima expresión en el conjunto catedralicio de la ciudad de Pisa denominado “Campo Dei Miracoli” (Prado de los milagros), abarcando las construcciones de la Catedral, la famosa Torre inclinada, el Baptisterio, Camposanto y los museos de la Opera y la Sinopia. Se fundieron en ella elementos estilísticos diversos, clásicos, lombardo-emilianos, bizantinos y en particular islámicos para probar la presencia internacional de los mercaderes pisanos de aquellos tiempos. El aspecto actual del complejo edificio es el resultado de repetidas campañas de restauración que se sucedieron en diversas épocas. Las primeras intervenciones radicales se realizaron tras el incendio de 1595: se elaboraron las puertas de bronce de la fachada, obra de escultores de la escuela de Giambologna; a partir del siglo XVIII se inició el progresivo revestimiento de las paredes internas con grandes pinturas en tela
La catedral fue consagrada en 1119 por el Papa Gelasio II
catedral de Santa MarĂa Asunta Iniciada en 1063-1064 por el arquitecto Buscheto Italia
Escultura El simbolismo medieval se realiza aquí a través de un conjunto escultórico en que las figuras hablan, cantan y constituyen una verdadera atmósfera mística y religiosa. En el tímpano del arco central nos encontramos resumidas varias páginas del Apocalipsis de San Juan. Preside la escena una imagen mayestática e hierática de Cristo Salvador, indudablemente inspirada en la descripción que del Hijo del Hombre (Cristo) hace el apóstol San Juan en el Apocalipsis (Cap. 1,1-18). En sus manos y pies muestra las cicatrices de las llagas. Sus vestiduras quieren demostrar su realeza y su sacerdocio. Rodeando el trono del Salvador vemos los cuatro evangelistas en actitud de escribir el Evangelio sobre cada uno de sus animales simbólicos: San Mateo sobre el cofre de recaudador de tributos; debajo San Marcos sobre el león alado; a la izquierda San Juan sobre el águila y debajo San Lucas sobre el Toro. Junto al trono jalonándolo, dos ángeles que a ambos lados homenajean al Señor. La columna de mármol representa la genealogía humana de Jesús. De la figura de José (padre del Rey David)
El Pórtico actual no es exactamente el resultado de la obra del Maestro Mateo, ya que algunas de sus figuras originales fueron retiradas al construirse la actual fachada de la Catedral
“El gran escenario de la humanidad labrado en granito” Manuel Rivas
Pórtico de la Gloria 1168 - 1188 Maestro Mateo y colaboradores Reproducción: 4m amcho x 3m alto Catedral de Santiago de Compostela
Pintura
Se trata de una pintura mural al fresco que decora la bóveda de cuarto de esfera del ábside central del templo de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí (Lérida). Análisis formal y estilístico:
Dibujo de trazo grueso, colores planos, carencia de profundidad y luz, jerarquización de figuras y temas, volúmenes geométricos, ausencia de movimiento, e prescinde del detalle para reflejar lo escencial
Convencionalismos:
esquematismo, pies en V, pliegues simétricos, superposición de cabezas para denotar profundidad
En la pintura románica destaca la miniatura, que está realizada por gente letrada. Su objetivo era el de decorar libros para la gente que sabía leer, por lo que no tiene la intención didáctica de las demás obras.
Pantocrator San Clemente De Tahull 1123 Pintura mural, decoraci贸n al freco 46 x 33,2 cm Museo de arte de Catalu帽a
Arte G贸tico
Arquitectura
La Catedral de París esta formada por dos torres con una altura de 69 metros dando un aspecto espigado y monumental de todo el conjunto. El tipo de fechada, se denomina “armónica”, es una uniformidad en casi todas las grandes catedrales de estilo gótico, sobre todo las construidas después de la segunda mitad del siglo XII. Encuadra un espacio matemático con sus torres sólidas y simétricas, dividida horizontalmente en zonas que parece reguladas por una ecuación. Los contrafuertes de las torres constituyen las principales líneas verticales de la fachada: Los diferentes niveles de las torres de la catedral muestran las características del estilo gótico de la primera mitad del siglo XIII: las superficies murales son planas y macizas, pero el tratamiento decorativo que se impone en la fachada indica la intención del arquitecto de cavidad y ornamentación.
Lo que empezó como una pequeña basílica dedicada al cristianismo, se ha convertido en todo un lugar de culto tras las diferentes remodelaciones y ampliaciones que ha habido a lo largo de la historia.
Catedral Notre Dame 1163-1345 Arquitecto: Maurice de Sully longitud: 130m - ancho: 40m - altura mรกx 69 m Paris, Francia
Escultura
La portada en arco apuntado con un profundo abocinado está rodeada por un gablete en cuyo vértice hay un trébol, motivo que aparece mucho en la catedral de Amiens. En el parteluz la llamada Virgen Dorada (quedan restos de policromía), aparece como anfitriona, tema que se extiende por otras muchas catedrales góticas Es estilizada, está ladeada y sonriendo, inicia el modelo amanerado del s. XIV, típico de la escultura gótica francesa. También el naturalismo es acusado, la Virgen y el Niño se miran. Con la típica corona real gótica y cubierta con un doselete, lo mismo que las figuras de santos de gran tamaño de los abocinados. Sobre el dintel los doce apóstoles se vuelven y hablan entre ellos. Las figuras del tímpano, escenas del nuevo testamento, aparecen en varios niveles horizontales separados por cenefas así mismo horizontales.
Toda la iconografía habla de una visión más humanizada de la religión: amor de la virgen y sufrimiento de Cristo- hombre que con su muerte redime a los hombres de sus pecados.
P贸rtico de la Catedral de Amiens Finales XIII comienzos del XIV T茅cnica: alto relieves y otras de bulto redondo adosadas al marco arquitect贸nico. Acabado policromado Par铆s, Francia
Pintura
Este asombroso retrato doble atestigua el matrimonio de un rico mercader italiano establecido en Brujas. La pintura esta cargada de simbolismos. Para la época en que se pintó la obra, no era requerida la presencia de un sacerdote en la ceremonia, bastaba la presencia de testigos, los cuales se reflejan en el espejo, posiblemente el pintor sea una de las figuras reflejadas; la única vela en el candelabro representa el ojo de Dios que santifica la unión. El rosario de cristal era un típico regalo de compromiso que el novio daba a su futura esposa, el cristal era simbolo de la pureza de la novia. El color verde representa la fertilidad; aunque la novia no estaba embarazada, se le dibuja en estado de gravidez para aludir a su futuros embarazos.
La obra aparece firmada en caligrafía gótica y se lee “Jan Van Eyck estuvo aquí en 1934”
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa Jan van Eyck (1434) Ă“leo sobre tabla 82 x 60 cm National Gallery de Londres
Primer Renacimiento
Arquitectura Situada en el claustro, la capilla, de pequeñas dimensiones, se articula en torno a tres espacios diferenciados, la fachada y el pórtico de acceso, la capilla de planta rectangular y un ábside cuadrangular. El pórtico de entrada se divide en cinco tramos. Se trata de una estructura adintelada que descansa sobre seis columnas y cubiertas con bóveda de cañón con casetones. El tramo central se ve resaltado por el arco de medio punto que se corresponde con una cúpula con decoración de conchas. Este tipo de fachada que alterna el dintel y el arco central se conoce con el nombre de fachada serliana y el arco de medio punto central alineado con la puerta de entrada marca un eje longitudinal que contrasta con el eje transversal del pórtico. El interior es un espacio de reducidas dimensiones pero tratado con grandiosidad. Se trata de un espacio rectangular en el que, sin embargo, no quiso Brunelleschi renunciar a la cúpula como elemento de abovedamiento central. Para ello en los extremos del rectángulo crea dos tramos cubiertos con bóvedas de cañón con casetones que terminan en arcos de medio puntos
Nos encontramos ante una obra que ejemplifica el nuevo espíritu renacentista en la arquitectura.
Capilla Pazzi 1441 - 1443 Arquitecto: Filippo Brunelleschi iglesia franciscana, Florencia
Escultura Nos encontramos ante una escultura de bulto redondo de cuerpo entero de pie en la que aparece un David muy joven (adolescente) que después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su propia espada. La textura de su superficie es lisa y pulida, pues el artista parece imitar el aspecto de la piel humana, intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo cual además proporciona una cierta sensación de blandura y tersura. La escultura puede ser contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la frontalidad. La pose de la figura nos remite hacia una composición reposada y serena, casi estática, mostrando una gran serenidad interior después de haber conseguido la victoria sobre su rival.
La composición es plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un David adolescente.
David de Donatello 1445 Escultura en diorita excavado en Telloh, Irak Bronce Museo del Bargello de Florencia
Pintura El Bautismo de Cristo es una de las obras tempranas más famosas de Piero della Francesca. En ella encontramos una referencia paisajística básica para la pintura del Quattrocento ya que se acerca a la realidad que circunda al artista. Encontramos así una destacable alusión a la perspectiva, fundamental en la obra de Piero, ya que las propias figuras conforman el espacio donde se asientan. La figura de Cristo se sitúa en el centro de la composición, recibiendo el agua bendita de su primo san Juan Bautista; sobre su cabeza encontramos la paloma del Espíritu Santo y bajo sus pies las aguas del río Jordán. Las figuras están sabiamente interpretadas, obteniendo un marcado acento volumétrico gracias al empleo de la luz, resaltando el aspecto escultórico y anatómico de los personajes, especialmente de Jesucristo.
Las tonalidades no son muy vivas, al bañar las figuras con esa luz blanca y uniformemente distribuida.
Bautismo de Cristo 1448 - 50 Piero Della Francesca Pintura al temple - 166 x 115 cm National Gallery de Londres
Yandina Gonzรกlez