An Ode to Helvetica: El diseño tipográfico de los últimos 50 años

An Ode to Helvetica

El diseño tipográfico de los últimos 50 años

An Ode to Helvetica

© “Varios autores” © De esta edición: Escuaela Superior de Diseño de Aragón, 2012 Editorial Gustavo Gili, SL Rosselló, 87, 89 08029 Barcelona Tel. 93 322 81 61 www.ggili.com info@ggili.com ISBN: 978-84-96911-30-7 Depósito legal: Z-3679-2012 Diseño y maqueta: Jesús Bergua Diseño de cubierta: Jesús Bergua Impreso en Enero de 2012 en Escuela Superior de Diseño de Aragón María Zambrano, 3 50018 Zaragoza Tel. 976237545 www.esda.es

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No se permite un uso comercial de la obra original ni de las posibles obras derivadas, la distribución de las cuales se debe hacer con una licencia igual a la que regula la obra original.

An Ode to Helvetica

El diseño tipográfico de los últimos 50 años

El libro que tienes en tus manos habla sobre Helvetica, que es una película independiente acerca de tipografía, diseño gráfico y cultura visual, dirigida por el realizador Gary Hustwit en 2006, cuando esta fuente, -para muchos la mejor diseñada de la historia-, cumplió 50 años.

La película es una discusión fluída con diseñadores renombrados sobre las opciones y la estética detrás del uso de esta tipografía.

Helvetica abarca los mundos del diseño, de la publicidad, de la psicología y de la comunicación. Se rodó en alta definición en los Estados Unidos, Países Bajos, Alemania, Suiza, Francia y Bélgica. En ella desfila un gran repertorio de diseñadores, tipógrafos, comunicadores y otras personalidades del entorno gráfico: Erik Spiekermann, Matthew Carter, Massimo Vignelli, Wim Crouwel, Hermann Zapf, Neville Brody, Stefan Sagmeister, Michael Bierut, David Carson, Paula Scher, Michael C. Place, Mike Parker, Leslie Savan, Rick Poynor y Lars Müller, entre otros.

Sus conclusiones, se muestran a continuación.

Intro

3

Massimo Vignelli 4

Massimo Vignelli nacido en Milán en 1931, estudió arquitectura en el Politécnico Milán y en la Università di Architettura de Venecia. De 1957 a 1960, Vignelli visitó los Estados Unidos con una beca de Towle Silversmiths de Massachusetts y del Institute of Design, Illinois Institute of Technology, Chicago. En 1960, con Lella Vignelli, estableció la Oficina Vignelli de Arquitectura y Diseño en Milán.

En 1965 se traslada a Nueva York para convertirse en cofundador y director de diseño de Unimark International Corporation, que rápidamente se convirtió en una de las mayores firmas de diseño en el mundo. La empresa realizó el diseño de muchas identidades con amplio reconocimiento en mundo empresarial, incluido el de American Airlines, United Colors of Benetton, IBM, Knoll o Bloomingdale’s.

Establece la firma Vignelli Associates en 1971 junto a su mujer Lella. Durante este período, 1972, Massimo Vignelli diseñó la señalética del sistema de metro de Nueva York que ha renovado recientemente en el año 2008. Más tarde, en 1978 fundarían Vignelli Design, en 2008 donaron el archivo completo de su trabajo de diseño al Instituto de Tecnología de Rochester, que se expone en un nuevo edificio diseñado por ellos mismos: The Vignelli Center For Design Studies que abrió sus puertas en septiembre de 2010.

Su trabajo incluye diseños de identidad gráfica y corporativa, diseños de publicación, de arquitectura, de exposición, diseño de interiores, muebles y diseño de productos de consumo para muchas empresas e instituciones estadounidenses y europeas.

Bio

Massimo Vignelli - 5

Ha tenido su obra publicada y exhibida en todo el mundo y entró en las colecciones permanentes de varios museos, sobre todo, el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn y el Museo Cooper-Hewitt en Nueva York, el Musée des Arts Décoratifs en Montreal y el Die Neue Sammlung de Múnich.

Ha enseñado y dado conferencias sobre el diseño en las principales ciudades y universidades de los Estados Unidos y el extranjero. Es expresidente de la Alianza Gráfica Internacional (AGL) y del Instituto Americano de Artes Gráficas (ALGA), vicepresidente de la Architectural League, y un miembro de la Sociedad de Diseñadores Industriales de América (IDSA).

Se han emitido dos largometrajes sobre el trabajo del Vignellis en todo el mundo y una exposición monográfica de la obra del Vignellis recorrió Europa entre 1989 y 1993, ofrecida en San Petersburgo, Moscú, Helsinki, Londres, Budapest, Barcelona, Copenhague, Munich, Praga y París.

Diseño de la conocida marca de ropa United Colors of Benetton en 1995, demuestra que los diseños de Vignelli se caracterizan por su atemporalidad.

6 - Massimo Vignelli

Diseño del mapa de metro de Nueva york realizado por Vignelli en 1972 y rediseño realizado por él mismo y su equipo en 2008.

Trabajó para la firma internacional knoll durante los años 70, realizando trabajos de diseño gráfico y de diseño de mobiliario.

Massimo Vignelli - 7

Matrimonio Vignelli, MĂĄssimo y Lella trabajando en su estudio de Nueva York.

Artwork tributo: Vignelli forever poster diseĂąados por Anthony Neil Dart en Junio de 2011.

8 - Massimo Vignelli

En el reportaje, Vignelli expresa su opinión acerca del mundo de la tipografía. Su alma modernista se desnuda en un regalo de tratados propios cómo: "la vida de un diseñador es una lucha, lucha contra lo feo, cómo un médico lucha contra la enfermedad, la enfermedad visual nos rodea y lo que intentamos hacer es curarla, de alguna manera, con el diseño". Habla de la importancia de los espacios y los compara con los silencios musicales. Para Vignelli la cantidad de tipografías surgidas en la era digital generan contaminación visual, considera que un diseñador debe trabajar con 5 de las 10 o 13 tipografías que considera funcionales.

Estos principios se ven reflejados claramente en su página web: "Me gusta que el diseño sea semánticamente correcto, sintácticamente consistente y pragmáticamente comprensible.

Me gusta que sea visualmente poderoso, intelectualmente elegante y por encima de todo atemporal".

Docu

Autor del logotipo y diseño de la imagen corporativa de American Airlines en 1967, la única aerolínea que ha conservado intacta su apariencia en los últimos 50 años.

Massimo Vignelli - 9

Wim Crouwel 10

Wim Crouwel es diseñador gráfico y tipógrafo, nació en 1928 en Groningen (Países Bajos). Estudio Bellas Artes en la Academie Minerva de Groningen y Tipografía en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam.

Sus primeros trabajos fueron carteles para el Stedelijk Museum, Amsterdam. Cofundador del estudio Total Design, uno de los primeros estudios multidisciplinario de Holanda.

En 1967 el trabajo como tipógrafo que le dio gran fama fue el diseño de la tipografía The New Alplabet. No era muy legible ya que se creo basándose en una rejilla sin utilizar curvas ni diagonales, se definía con el mínimo número de información para el su uso en pantalla. Se popularizó en el mundo de la música y revistas, pero siempre modificándola. Otras de sus

Bio

Tipografía New Alphabet 1967: Tipografía construida con líneas verticales y horizontales, rejilla con ancho y alto de misma longitud.

Wim Crouwel - 11

tipografías son Fodor y Gridnik. Como diseñador creó muchas logomarcas de formas geométricas como Rabobank de 1973.

En 1972 Crouwel empieza a dar clase en Delft Technical University y en 1980 deja Total Design para dedicarse plenamente a su vida docente. Combina la docencia en la Universidad Erasmus Rotterdam con la dirección del Museo Moijmans Van Beuningen de Rotterdam.

Crouwel sigue como diseñador, sus trabajos aún resultan actuales, y participa en grandes exhibiciones de arte como la Vereniging Rembrandt Exhibition en el Van Gogh Museum en Amsterdam. En su vida profesional ha recibido múltiples premios, el último de ellos The Gerrut Noordzij Prize en 2009.

Tipografía Gridnik 1974: Tipografía geométrica, sin serifa y sin modulación de trazos.

12 - Wim Crouwel

Cartel Edward Kienholz: La textura del papel y el detalle de la tinta le dan un valor a単adido a este cartel.

Wim Crouwel - 13

Cartel de museo 1957: Ideas modernistas de Crouwel.

Usa tipografía Gill Sans sin ornamentación, sintetiza y minimiza para dar énfasis y relevancia al mensaje.

Cartel de museo 1957: Se siguen viendo las ideas modernistas y simples en donde la tipografía tienen toda la importancia visual.

Cartel Vormgevers 1968: Cartel del museo Stedelijk. Tipografía New Alphabet, amplía la retícula para formar una unidad dentro de la misma.

Detalle del cartel Vormgevers 1968: Visualización de la retícula con detalle de la forma.

14 - Wim Crouwel

Su punto de vista está abierto a la comunicación y a su objetivo final, en el uso de palabras textuales directas. Su estilo es modernista, busca claridad y legibilidad, mantener el orden y utilizar retícula para transmitir de manera optima el mensaje gráfico que contiene la composición estructural de una tipografía. Para él crear orden es crear tipografía.

Reconoce la transcendencia que surgió con el desarrollo de la Helvética, y su carácter neutral que hace que pueda ser muy utilizada y pueda funcionar en diferentes contextos. Reconoce su amplia funcionalidad comunicacional pero considera la Helvética como única solución tipográfica.

Además hace reflexionar sobre como la tecnología es simplemente una herramienta de diseño que no hace mejor a los diseñadores.

Docu

Logotipo Rabobank 1973: Logomarca de Total Design. Formas cuadradas influenciadas por el desarrollo en caja de luz.

Wim Crouwel - 15

Stefan Sagmeister 16

Nació en 1962 en Vorarlberg, Austria. Stefan Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la ‘University of Applied Arts’ en Viena.

En 1987 se mudó a Nueva York para ir al ‘Pratt Institute’ con una beca. En 1990 volvió a Austria para realizar servicios comunitarios en lugar de ir al servicio militar obligatorio.

En 1993 regresa a Nueva York para trabajar para el diseñador gráfico húngaro Tibor Kalman en M&Co. Cuando el estudio cerró ese mismo año, Sagmeister abrió su propia oficina ‘Sagmeister Inc.’.

En 1994 fue nominado para un Grammy por su portada para H. P. Zinker ‘Mountains of Madness’. En los siguientes años diseñó packaging de CDs de música para artistas como David Byrne, Lou Reed y The Rolling Stones.

Bio

AIGA poster (1999). Cartel en el que se ha tallado la tipografía sobre la piel de Stefan Sagmeister para plasmar y visualizar el dolor que acompaña a cada uno de sus proyectos.

Stefan Sagmeister- 17

En 1996 Sagmeister comenzó a desarrollar carteles para AIGA (American Institute of Graphic Arts).

Se tomó un año libre en 1999, cerrando su estudio para trabajos comerciales y concentrándose en sus propios proyectos experimentales. En 2001 publicó el libro ‘Made You Look (another self-indulgent design monograph)’.

En 2005 ganó un Grammy como Director de Arte del packaging del disco ‘Once in a Lifetime’ de Talking Heads.

Actualmente se encuentra trabajando, entre otros proyectos, en una serie de piezas tipográficas inspiradas por el trabajo de su abuelo que empezó en 2004 llamado ’20 things in my life I have learned so far’.

Levi’s, Button Fly. Se trata de un cartel que muestra una mosca común en el que la ilustración está completamente hecha de botones de Levi’s.

18 - Stefan Sagmeister

Obsessions Make My Life Worse and My Work Better. Lettering creado con monedas sobre el suelo retratando la frase “Las obsesiones hacen mi vida peor y mejor mi trabajo”.

Deitch Projects, Banana Wall. Pared creada para su exposición en “Deitch Projects” en la que crearon esta pieza con 10.000 bananas. Las bananas verdes muestran un mensaje, que con el paso de los días desapareció al volverse amarillas todas las bananas verdes.

Stefan Sagmeister - 19

Levi’s billboard “We Are All Workers”.

Ilustra la idea de que todos somos trabajadores mediante la constante rotura y reconstrucción de la tipografía colocada en ruedas dentadas que giran.

20 - Stefan Sagmeister

Decepcionado del modernismo, lo considera algo simplemente aburrido. En general se aburría eligiendo qué tipografías utilizar.

Pertenece probablemente a la última generación que fue enseñada a hacer tipografías a mano con pincel. Sin embargo supo aprovechar estos conocimientos para diseñar tipografías manuscritas para portadas de discos de música. A partir de ahí, comenzó a recibir diferentes encargos en los que utilizó este estilo de tipografías manuales, que tanto definen su estilo.

Prueba de ello es el cartel que diseñó para una de sus conferencias donde la tipografía aparece dibujada sobre su cuerpo. Este trabajo se hizo tan famoso que todo el mundo pensaba que era lo único que hacía.

“Realizar un proyecto usando sólo 2 ó 3 tipografías está bien como ejercicio, ¿pero por qué usar siempre las mismas tipografías en todos los proyectos pudiendo elegir entre tantas?

Es imposible conseguir que algo sea interesante de esta forma”.

Docu

Levi’s, The Strongest Thread. Cartel para la línea 501 de Levi’s en el que se ha creado una tipografía con el mismo material usado para crear la imagen de los vaqueros.

Stefan Sagmeister - 21

Matthew Carter 22

Nacido en Londres en 1937 es diseñador de tipos. Vive en Cambridge, Massachusetts (Estados Unidos). Ha sido testigo de la transición de los tipos de metal físicos a los tipos digitales.

De joven, cuando vivía en Londres, se tomó un año sabático antes de la Universidad y entró en una fundición de tipos en los Países Bajos gracias a su padre (Harry Carter, también diseñador de tipos). Utilizó sus habilidades para realizar su propia versión de la Dante (tipografía semi-negrita).Después regresó a Londres como profesional independiente, allí se convirtió en el asesor tipográfico para Crosfield Electronics, también diseñó muchos tipos de letra para Mergenthaler Linotype (en Nueva York). Creó tipos de letra tan conocidos como Centennial Bell, para la compañía Bell Telephone Company.

En 1981, Carter y Mike Parker crearon Bitstream Inc. aunque en 1991 abandonó esta empresa para formar el Carter & Cone (empresa de fundición) con Cherie Cone. Actualmente se centra en mejorar la legibilidad de muchos tipos de letra. Diseña específicamente para ordenadores apple y Windows. Georgia y Verdana son dos de sus tipografías más conocidas. Ha diseñado la tipografía para publicaciones como Times, The Washington Post, The New York Times etc. Es miembro de la Alianza Gráfica Internacional (AGI), es crítico de alto nivel para el programa de diseño gráfico de Yales y es miembro de la junta directiva de la Sociedad de tipográficos asociados (SOTA).

Ha ganado numerosos premios incluyendo un doctorado honoris causa en Humanidades del Instituto de Arte de Boston.

Bio

Matthew Carter - 23

Matthew Carter-1496 Matthew Carter aparece en la película hablando, en primer lugar, sobre su biografía. Habla de su padre (tipógrafo) y de cómo llegó a aprender los tipos de fundición.

Más tarde pasa a hablar de cuáles son los pasos que él sigue a la hora de crear una tipografía nueva: decide si la tipografía va a ser sans serif o serif. Comienza con una h de caja baja debido a sus líneas rectas, a que posee ascendente y respeta la altura x. Después de diseñar la h de caja baja pasa a diseñar la o de caja baja, de este modo ve el peso de la curva y lo relaciona con la recta de la h de caja baja. Tras esto pasa a la p de caja baja porque tiene una parte redondeada, otra recta y ascendente. A partir de estas letras continúa diseñando las demás. Una vez diseña todo el abecedario pasa a construir palabras ya que opina que es una prueba esencial para saber si una tipografía está bien diseñada o no.

Matthew Carter diseñó Carter América, un tipo de letra de madera nueva que fue lanzado en 2003 creado para el tipo de madera Hamilton y Museo de la Imprenta en Two Rivers, Wisconsin.

24 - Matthew Carter

Tipografía sans serif de gran legibilidad creada por Matthew Carter especialmente para ser reproducida digitalmente para Microsoft.

Tipografía creada por Matthew Carter para la compañía Bell Telephone Company para el diseño del Centenario de Bell en la década de 1970. La empresa telefónica estaba buscando un nuevo tipo de letra que pudiera incluir más caracteres por línea sin perder legibilidad.

Carter señaló a la letra con las trampas de tinta profunda, lo que mejoró su legibilidad en tamaños pequeños en papel barato, típico en la producción de guías telefónicas.

Tipografía Mantinia, diseñada durante los años 1995-97 por Matthew Carter para Microsoft, pensada para ser usada en interfaces de usuario u otras situaciones para mostrar en pantalla, particularmente en tamaños pequeños o menús de diálogo.

Matthew Carter - 25

Cartel realizado con la tipografía “Walker” diseñada por Matthew Carter en 1995.

26 - Matthew Carter

Sobre la Helvetica dice que es una tipografía hermosa, especialmente por sus terminales horizontales de la a, c, e, g, ya que toda la estructura de la tipografía está basada en estos cortes horizontales de los terminales.

En el documental, Carter comenta el origen del nombre de la Helvetica, que en un principio fue: Die Neue Haas Grotesk, ya que se cortó en la fundición Haas, al suroeste de Alemania.

Se cuenta que Eduard Hoffman , el entonces jefe de la fundición Haas, quería crear una versión moderna de la tipografía Akzidenz Grotesk. Entonces le encargó el proyecto a Max Miedinger, que era uno de los comerciales de la empresa, y éste fue quien trazó los dibujos de la Helvetica. Aunque posiblemente, Hoffman pudo tener un papel más importante de lo que se cree en la creación de la Helvetica.

Docu

Muestras de variantes de la tipografía Verdana y Georgia, creadas por Matthew Carter. Ambas diseñadas para Microsoft con el propósito de su visualización digital.

Matthew Carter - 27

Leslie Savan 28

Profesional en el ámbito de comunicación en Nueva York, scribe sobre política y medios de comunicación, centrándose en la televisión, la publicidad, el diseño y el lenguaje popular. Fue tres veces finalista del premio Pulitzer en la crítica de su columna en el The Village Voice sobre la publicidad y la cultura comercial.

Savan fue censurada acerca de sus textos informativos sobre la carrera presidencial de 2008.

Ha sido ampliamente publicitada en una grandísima variedad de medios de comunicación, en los cuales, en muchos de ellos ha participado y en 1996 le otorgaron el título “héroes del medio de comunicación” por el instituto del periodismo alternativo. Sus obras se centran principalmente en el análisis de temas sociales, la influencia del lenguaje y la fuerza de persuasión de los medios

Bio

Leslie Savan escribe una columna sobre publicidad y cultura comercial para esta publicación, una fuente de información sobre noticias, música, películas, acontecimientos… En Nueva York, durante trece años.

Leslie Savan - 29

de comunicación, principalmente televisivo, sobre la sociedad.

Analiza la manera de enfocarlos para sacar el máximo partido de ellos.

Savan ha debatido temas en diversos medios de comunicación, como la radio y la televisión e incluso ha sido partícipe como experto de comunicación en un documental televisivo sobre la tipografía helvética.

Esta famosísima publicación tuvo una segunda edición dos años después,en 2007 con innovaciones en su contenido y en las investigaciones.

30 - Leslie Savan

En esta obra, Savan analiza la imagen de los anuncios y sus campaĂąas especĂ­ficas de marketing con la finalidad de demostrar que el ĂŠxito de la publicidad funciona. Son indicadores de las tendencias y estos se filtran en la mente del consumidor.

Leslie Savan - 31

Un maravilloso libro original e informativo sobre la lengua Americana. Nos muestra cómo utilizar determinadas frases con astucia para conseguir grandes objetivos.

En este libro destaca la lengua contemporánea para descubrir lo que nuestros idiomas revelan sobre la América de hoy en día. Analiza frases y expresiones típicas americanas y las mejora para utilizarlas con el fin de vender productos, ideas…

32 - Leslie Savan

“La mayoría de los órganos institucionales utilizan tipografías de palo seco, ya que les da un aire neutral pero eficiente; la suavidad de las letras le da un carácter más humano. Esto es algo que todo empresario quiere lograr mediante su imagen corporativa. Se pretende romper con su carácter autoritario y burocrático y conseguir que la gente no los vea como grupos opresivos.

Por ello luchan constantemente contra esa imagen. Sin embargo, si usan la Helvética pueden aparecer como más accesibles, transparentes y confiables, que son tres características que todo el gobierno o corporación se supone que debe tener hoy en día. Aunque realmente no reúnan ninguna de estas tres características”

Docu

Fue finalista del premio Pulitzer en la crítica de 1991, en 1992, y en 1997.

Trabajos que realizó para el The Village Voice.

Leslie Savan - 33

Paula Scher 34

Nace el 06 de octubre 1948, en Washington. Es una diseñadora gráfca estadounidense, además de ilustradora, pintora y educadora de arte en el diseño, y la directora de la primera mujer en Pentagram.

Estudia en la Escuela de Arte Tyler, Elkins, Pennsylvania y obtiene una licenciatura en Bellas Artes (1970), un Doctorado en Bellas Artes Honoris Causa por el Colegio Corcoran de Arte y Diseño en Washington DC, por el Maryland Institute College of Art de Baltimore, y otro por el Moore College of Art y Diseño en Filadelfia.

Se traslada a Nueva York y obtiene su primer trabajo como diseñadora para libros infantiles de Random House. En 1973, se convierte en directora de arte para el expediente del Atlántico

Bio

Portada para “Time Magazine”.

Paula Scher - 35

y un año después, en la CBS consigue un puesto de directora de arte de portadas de discos durante ocho años. Más tarde se une a Pentagram Design en 1991.

En 1992, se convierte en profesora de diseño en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.

Ha recibido más de 300 premios y ha desarrollado sistemas de identidad e imagen de marca.

The Best of Jazz. Poster for CBS Records, 1979.

36 - Paula Scher

Environmental graphics for the New Jersey Performing Arts Center (NJPAC) 2001.

CatĂĄlogo de Cremaster Cycle diseĂąado por Abbott Miller para el Museo Guggenheim, de 2002.

Paula Scher - 37

Paula Scher “Pentagram” y Schnepf Michael. Diseño de un cartel para el Festival de las Calabazas anual de Nueva York, con nuestra nueva identidad para la Ciudad de Nueva York Park.

Es conocida por sus pinturas de gran escala de los mapas, cubierto de densa pintados a mano, el etiquetado y la información.

38 - Paula Scher

Paula Scher nos cuenta en el documental sus comienzos en el mundo del diseño como estudiante en Tyler School of Art. En aquella época estaba en contra de la Helvetica porque veía las grandes corporaciones enarboladas en Helvetica como sponsors de la guerra de Vietnam, y por lo tanto si usabas Helvetica estabas a favor de la guerra de Vietnam.

En ese momento, los años 70, Milton Glaser y el estudio Pushpin era la referencia del diseño vanguardista, de la moda psicodélica; sus diseños eran frescos, vivos, ingeniosos y cargados de sentido.

Cuando estaba en la Escuela de Arte Tyler, diseñaba tapas de libros y discos como proyectos de clase, y ella, nos cuenta, iba a las librerías, compraba alfabetos de letras transferibles de la Helvetica y los pegaba en las esquinas de las tapas como creía conveniente, y, lógicamente, nunca funcionaban; hasta que un día un profesor suyo llamado Zagorski, le dijo que intentara dibujar la tipografía, y a partir de ese momento sus diseños empezaron a adquirir personalidad, se dió cuenta de que tenían espíritu, y renunció de forma absoluta al uso de la Helvetica.

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Paula Scher - 39

David Carson 40

David Ray Carson, sociologo que un buen día comenzó a hacer diseño gráfico, nacido en Texas, Estados Unidos en 1956.

Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Siempre usaba un 5 al revés en lugar de una S, usaba un 3 como E. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo.

Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional.

Algunos dicen de que sus diseños son ilegibles y que no tienen estructura, otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gente y que comunican más que texto solo. En sus trabajos, suele combinar distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra.

La revista Creative Review le ha descrito como “el diseñador gráfico más famoso del planeta”.

Sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding (19831987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Raygun, los primeros treinta números (1992). En

Bio

David Carson - 41

1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine.

En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft. Ha publicado dos libros sobre diseño, The End of Print y 2nd Sight.

Anuncio de modelo de Gafas Rayban.

Se trata de anunciar un nuevo modelo de gafas “Orbs” de la marca Rayban. “Orbs” significa órbita y todo el concepto creativo del anuncio gira en torno a su significado. Carson sustituye la letra “O” por una lente de las gafas.

Cada letra está tratada de manera individual, la composición es diagonal, genera una sensación de desorden.

Son letras fotocopiadas y recortadas.

Records, 1979.

42 - David Carson

Reportaje de Ray Gun sobre Brian Eno. Apertura del reportaje a doble página sobre el músico Brian Eno. La supresión de elementos tanto en la imagen como en el texto se percibe incompleta se compara con el sonido ambiental de la música de Brian Eno. Dentro de la imagen se elimina todo el rostro poniendo especial énfasis en la boca, es decir, en la voz del cantante. Este es el elemento más importante de la imagen.

Reportaje interior de la revista Raygun.

Se trata de un reportaje que habla sobre gemelos, lo que hace Carson es duplicar la página haciendo así referencia a la palabra “gemelos”. En las dos páginas aparece la misma fotografía, los gemelos son iguales.

David Carson - 43

Estas son algunas de las portadas de la revista Raygun de la cual habla en la película. Raygun fue una revista especializada en rock alternativo que fue publicada por primera vez en 1992, en Santa Monica, California.

Dirigida por su fundador, David Carson, Raygun exploró el diseño experimental tipográfico, cuyo resultado fue un estilo caótico, abstracto, no siempre fácil de leer, pero con apariencia distintiva.

Poco antes de iniciar el nuevo milenio, Raygun se transformó en la Nylon Magazine, convirtiéndose en un generador de información multimedia.

44 - David Carson

Carson nos cuenta en el documental, que nunca recibió formación sobre diseño; se limitaba a experimentar y hacer lo que para él tenía sentido: Entonces descubrió que la gente se molestaba porque parecía que el sistema que algunas personas estaban intentando formar, él lo tiraba una y otra vez por la ventana.

Habla de que su revista Raygun es totalmente experimental, mostraba cosas nuevas, algunas funcionaban y otras no, nunca vió una prueba de impresión, esto generaba algún error y la gente escribía ensayos sobre esos errores pensando que estaban allí por algún motivo. Defiende que los mejores trabajos son los que se hacen desde la subjetividad, cuando de verdad entiendes el sentido de lo que estás haciendo y lo interpretas bien.

“No hay que confundir legibilidad con comunicación” sólo porque algo sea legible no quiere decir que comunique algo, y algo que no se lea bien y requiera un poco más de tiempo para el lector puede estar expresando exactamente lo que se pretendía. Esto para él tiene más sentido que hacer algo que sea perfectamente legible y simple ya que puede se puede perder el sentido real de lo que pone.

Docu

Se trata de un cartel de una conferencia que se celebró en Aspen.

El tema que se trató fue el diseño en la industria del cine de Hollywood.

La figura retórica más destaca quizás sea la figura de la estrella que representa a las estrellas del cine, a los actores.

David Carson - 45

Neville Brody 46

Neville Brody es un diseñador nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes donde ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años 20 y un alejamiento de las tendencias de la década de los setenta.

En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface Six, una nueva tipografía. The Face, de la mano de Brody rompió con la tradición del diseño editorial.

Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Sus principales ideas podrían resumirse como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas.

Hacia 1988 comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas que fueron distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody.

Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo E. Spiekermann, responden a un estilo más desenfadado frente a la sobriedad de su primera etapa. Su fama le ha permitido acceder a otros proyectos, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán Première.

En 1994 se publicó la segunda monografía, The graphic language of Neville Brody II, que cubre su trabajo desde 1988.

Tambien es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con sedes en Londres, París, Berlín y Barcelona.

Bio

Portada de su primera monografía sobre su obra “The graphic lenguage of Neville Brody” en 1988.

Neville Brody - 47

Diversas portadas de la revista “The Face” publicadas entre los años 1981 y 1986, periodo de tiempo en el que el diseñador británico fue director de arte de la revista.

48 - Neville Brody

Obras del diseĂąador grĂĄfico a lo largo de su carrera.

Neville Brody - 49

Muestras de fuentes tipográficas creadas por Brody.

Identidad corporativa de la televisión austríaca ORF.

50 - Neville Brody

La manera en que Brody reacciona ante algo es definido por el modo en el que se presenta, de esa forma opina que podemos presentar el mismo mensaje en tres o más fuentes diferentes y la respuesta a eso, la respuesta inmediata, va a ser diferente.

“La elección de la tipografía es el arma más importante en la comunicación. Y digo arma porque en los avisos comerciales y de marketing, la forma en la que se viste el mensaje va a definir nuestra reacción hacia el mismo. Entonces si dice ‘Compra este jean’ en una fuente grunge, te vas a esperar que sean unos jeans desgastados o que se vendan en alguna tienda under. Si ves ese mismo mensaje en Helvetica, sabes que es probablemente un anuncio de Gap. Sabes que van a estar limpios, que te van a sentar bien, que no vas a sobresalir”.

La forma de pensar de este diseñador, le hace creer que de algún modo todos nosotros somos susceptibles a los mensajes subliminales.

“De algún modo, Helvetica es un club. Es una marca; es una insignia que dice que somos parte de una sociedad moderna, que compartimos los mismos ideales”.

Docu

Neville Brody - 51

Erik Spiekermann 52

Erik Spiekermann es un tipógrafo alemán y diseñador nacido el 30 de mayo de 1947. Estudió Historia del Arte en Universidad Libre de Berlín. Entre 1972 y 1979, trabajó como diseñador gráfico independiente en Londres antes de retornar a Berlín y fundar MetaDesign con dos socios.

Es arquitecto de información, diseñador de fuentes tipográficas y autor de libros y artículos sobre tipografía. Algunos de sus diseños tipográficos son: FF Meta, ITC Officina, FF Info, FF Unit, Nokia Sans, Bosch Sans et al.

En 1979 funda MetaDesign, la firma de diseño más grande de Alemania, con oficinas en Berlín, Londres y San Francisco.

En 1988 lanza FontShop, la primera fundidora digital y distribuidora independiente de fuentes.

Es profesor honorario de la Academia de Artes de Bremen (Academy of Arts in Bremen), vice-presidente del consejo alemán de diseño (German Design Council), presidente de la Sociedad Internacional de Diseñadores Tipográficos (International Society of Typographic Designers) y miembro del directorio de ATypI. Fue presidente del Instituto Internacional de Diseño de información.

En julio del 2000, se retira de la administración de MetaDesign Berlin.

Vive y trabaja en Berlín, Londres y San Francisco, diseñando publicaciones (como la revista The Economist), sistemas complejos de diseño (como el diseño corporativo de Bosch y DB, German Railways) y más tipografías. Su nueva firma de diseño se llama UDN United Designers Network.

Bio

Erik Spiekermann - 53

Boceto de la fuente Meta. Surgió de los intentos de Spiekerman para convencer al Deutsche Bundespost de la necesidad de acabar con el caos tipográfico que presidía sus comunicaciones.

A su faceta de escritor debemos la «novela tipográfica» titulada Rhyme & Reason: A Typographic Novel, publicada primero en alemán en 1982 y después en inglés, en 1989, donde con humor expone sus ideas sobre la tipografía.

54 - Erik Spiekermann

Alfabeto de la tipografía Meta.

En este proyecto, Spiekermann chocó de frente con el conservadurismo y la incomprensión. El Deutsche Bundespost decidió no dar el visto bueno por considerarla una tipografía desordenada, cancelando así un trabajo que ya estaba en marcha. Más adelante la retomó y la digitalizó para poder usarla en las comunicaciones internas de su propio estudio.

Fuente Officina.

Fue un encargo de International Typeface Corporation y nació como una fuente intermedia entre los viejos tipos característicos de la máquina de escribir y los tradicionales de imprenta. Creada para cubrir las necesidades de la correspondencia y la documentación generadas en una oficina.

Erik Spiekermann - 55

Rediseño de la edición alemana de Le Monde Diplomatique. Spiekermann presta una especial atención a la tipografía, elegida cuidadosamente buscando en todo momento la claridad, pues trata de presentar la información de una manera sencilla para que al receptor le resulte en todo momento agradable de mirar y de leer. Cuida el espaciado entre palabras y el interlineado; preocupado por la partición de aquellas y por la forma de las líneas, no suele justificar los textos.

Cuando Spiekermann juega con superposiciones, lo hace experimentando con formas y colores pero no con efectos tipográficos que, para él, obscurecerían la información que se quiere transmitir. Suya es una frase que refleja bien su manera de pensar: «Legibilidad no es comunicación; pero para comunicar, el tipo ha de ser legible» 56 - Erik Spiekermann

“Una tipografía de verdad necesita ritmo, contraste, ya que viene de la escritura manual. La Helvética carece de todo eso.

Fue una buena fuente hace cincuenta años, que respondió a una demanda, pero ahora es una fuente por defecto, gracias en parte a la informática, ya que luego la clonaron con la Arial. Nunca desaparecerá por estar usándose en todas partes. Parece como si te obligaran a usarla.

La Helvética necesita mucho espacio en blanco, es apretada y liviana; una pesadilla. Es el estilo suizo, que hace que todas las fuentes tengan un aspecto similar. Sin embargo, una tipografía debe tener individualidad para ser interesante, supenditándose eso sí a la legibilidad.

Mis fuentes nunca son perfectas, siempre tienen un toque que aparece cuando me aburro de ellas. Hay gente que jamás usará mis fuentes, y otros que usarían todas, no porque les resulten adecuadas en ese momento concreto, si no por el hecho de ser mías. ¿Por qué? Las marcas influencian a la gente, y las tipografías son marcas. Si usaras Helvética para tu marca, nadie te reconocería.”

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Erik Spiekermann - 57

Lars M端ller 58

Lars Müller nació en Oslo en 1955 y aunque es ciudadano noruego, reside en Suiza desde 1963. Después de un aprendizaje como diseñador gráfico en Zúrich en los años 1974-1979, visitas a estudios en los Estados Unidos y una estancia en Holanda, donde asistió a Wim Crouwel en Total Design, Lars Müller volvió a Suiza en 1982 y estableció su estudio en Baden, cerca de Zurich. Sus primeros años como diseñador estuvieron profundamente influenciados por su estrecha amistad con el artista constructivista Richard Paul Lohse y el diseñador gráfico Josef Müller-Brockmann. Esto ha sido el origen de la preferencia de Müller por un diseño sencillo y funcional.

Desde 1996, Müller ha sido socio de “Integral Concept”, un grupo de diseño interdisciplinario activo en París, Milán, Zurich, Berlín y Montreal. En Integral Lars Müller ha diseñado identidades visuales para ONGs e instituciones centradas en proyectos culturales, sociales y ecológicos, y ha actuado como consultor en comunicación.

En 1983 Müller comenzó a publicar libros sobre tipografía, diseño, arte, fotografía y arquitectura y, como Lars Müller Publishers, ha producido hasta ahora unos 400 títulos.

Recientemente, se ha diversificado hacia libros de alto contenido visual, sobre temas sociales, como los derechos humanos y la ecología. Muchos libros son concebidos y publicados por el propio Müller, y la mayoría de ellos han sido diseñados en su estudio. Es autor de las publicaciones Josef Müller-Brockmann, Pionero del Diseño Gráfico suizo (1996) y Helvetica–Homenaje a una tipografía (2002).

Bio

Lars Müller - 59

Educador apasionado, Lars Müller ha enseñado en varias universidades de Suiza y otras partes de Europa. En sus conferencias llama a una conciencia política y a un sentido de responsabilidad social entre los diseñadores. Ha sido profesor invitado en Harvard Graduate School of Design desde 2009.

Müller y su esposa son dueños de la editorial Muller-Publishers, y editan libros de diseño, tipografía, fotografía y arquitectura.

60 - Lars Müller

Müller agradece que el uso de la Helvética sea tan extendido ya que la Helvética, al ser una tipografía seria, refuerza el contenido de la señalética.

Müller trabaja cotidianamente en sus estudios de “Integral Concept”.

Lars Müller - 61

Se considera al diseñador y tipógrafo alemán Lars Muller una eminencia en el conocimiento de la Helvética. Es por ello por lo que incluso defensores amateurs, utilizan su influencia para carteles que defienden también su uso.

Müller actualmente compagina su trabajo como diseñador y tipógrafo a dar charlas y conferencias de diseño.

62 - Lars Müller

Respecto a su opinión acerca de la Helvética, cree que es una letra perfecta para todos los usos cotidianos. La considera perfecta para aparecer en la calle por ejemplo, ya que según él, al ser una tipografía de aspecto amable pero serio, de alguna manera nos obliga a actuar según la norma –“no estacionar”, “prohibido atravesar por los carriles del tranvía”, “acceso prohibido para perros”…etc-, y ello es muy positivo.

Además, al contrario de cómo se cree, según Muller, la Helvética no es una tipografía del capitalismo, sino del socialismo. Su uso extendido acerca a todos al mundo de la tipografía, bien sean diseñadores amateurs o profesionales de trayectoria consolidada en el campo del diseño, y además, su evocador carácter invita a la inspiración y a la creación de nuevas tipografías.

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Así mismo, también comulga su trabajo con charlas acerca de arquitectura, campo en el que actúa de manera muy efusivamente.

Lars Müller - 63

Hermann Zapf 64

Nació el 8 de noviembre de 1918 en Nuremberg (Alemania). En 1934 comienza un aprendizaje de 4 años como corrector en la imprenta Karl Ulrich & Co. Es en 1935 cuando se interesa por la caligrafía después de visitar una exposición itinerante de los trabajos del tipógrafo Rudolf Koch y de leer los libros The Skill of Calligraphy del propio Rudolf Koch y Writing, Illuminating and Lettering de Edward Johnston.

En el año 1938, después de su aprendizaje, comienza a trabajar en el taller de Paul Koch en Frankfurt estudiando al mismo tiempo el arte de la imprenta y la grabación de punzones junto a August Rosenberg que era un maestro grabador.

Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos caligráficos titulado Pen and Graver y que fue publicado por Stempel en 1949.

En 1950 hizo los primeros bosquejos de la tipografía Optima mientras visitaba la iglesia de Santa Croce, en Florencia, viendo unas letras que fueran grabadas en el suelo en 1530. Como no tenía ningún papel a mano, tuvo que dibujar las letras en dos billetes que llevaba. En 1952, después de numerosas pruebas de legibilidad, acabó los primeros dibujos y sería finalmente cortada por August Rosenberger en 1958

Bio

Hermann Zapf - 65

Asimismo Hermann Zapf publicó una serie de libros acerca de su tema favorito, el diseño, el dibujo de letras y la tipografía.

Entre otros, podemos destacar: Manuale topigraphicum (1954); About alphabets, some marginal notes on type design (1960); Typographische Variationen (1963); Hunt Roman, the birth of a type (1965); Orbis Typographicus (1980); y Hermann Zapf and his design Philosophy (1987).

Algunos de los tipos que Hermann Zapf diseñó son: Gilgengart (1941) Palatino (1948) Michelangelo (1950) Aldus (1952) Melior (1952) Optima (1958) Hunt roman (1962) Medici (1969) Orion (1974) Zapf Chancery (1979)y Aurelia (1983).

Palatino. Una de las tipografías más admiradas y usadas de Hermann Zapf. La diseñó en 1948 basándose en las formas clásicas del renacimiento italiano. Su nombre se escogió en honor a Giambattista Palatino, uno de los grandes calígrafos del renacimiento. Funciona tanto en titulares como en texto aunque Zapf la diseñó en un principio para ser usada en tamaños grandes.

66 - Hermann Zapf

Melior(1952). Pretende ser una tipografía de alta legibilidad optimizada para su uso en periódicos.

Sus formas están basadas en la elipse encajada dentro de un rectángulo, conocida como super elipse. Basta con ver la letra “O” mayúscula para poder apreciar este concepto. Posee una apariencia robusta pero con unas formas clásicas.

Hermann Zapf - 67

Zapf Chancery(1979) Clásica y elegante tipografía caligráfica permite dar a los artículos un carácter individual. consigue transmitir una profunda sensación caligráfica sin caer en formas alternativas. Su alta legibilidad permite usarla en textos de longitud media así como en invitaciones, diplomas o tarjetas.

Aldus (1954) Esta tipografía estaba pensada en un principio para complementar la Palatino. Creada originalmente para ser empleada en titulares y aplicaciones de exhibición. Su nombre proviene del gran editor e impresor veneciano del siglo XVI Aldus Manutius.

Optima (1958) Es una tipografía muy elegante y legible, consigue un diseño humanista con formas afiladas, que recuerdan a las de la pluma caligráfica.

Era la tipografía preferida de Zapf, que la utilizó para diseñar la tarjeta de invitación de su boda. En 2002, junto con Akira Kobayashi, la rediseña de nuevo, ajustándola y expandiendo la familia, dando como resultado la Optima Nova.

68 - Hermann Zapf

Hermann Zapf destaca el buen momento para la aparición de la Helvética , como algo natural que debía pasar, así como el nombre de ésta lo considera una correcta elección en ese marco, ya que la tipografía suiza en esa época era reconocida mundialmente.

Reconoce la virtud del nombre a la hora de introducirse en el mercado La irrupción en los 60 de la tipografía Helvetica fue algo lógico y esperado. Fue el producto de un proceso inteligente; la necesidad imperiosa de dar respuesta a una demanda de la sociedad que exigía un cambio de formas, de estilo, que necesitaba una tipografía más moderna y sólida.

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Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos caligráficos titulado Pen and Graver y que fue publicado por Stempel en 1949.

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Michael Bierut 70

Nació el 8 de noviembre de 1918 en Nuremberg (Alemania). En 1934 comienza un aprendizaje de 4 años como corrector en la imprenta Karl Ulrich & Co. Es en 1935 cuando se interesa por la caligrafía después de visitar una exposición itinerante de los trabajos del tipógrafo Rudolf Koch y de leer los libros The Skill of Calligraphy del propio Rudolf Koch y Writing, Illuminating and Lettering de Edward Johnston.

En el año 1938, después de su aprendizaje, comienza a trabajar en el taller de Paul Koch en Frankfurt estudiando al mismo tiempo el arte de la imprenta y la grabación de punzones junto a August Rosenberg que era un maestro grabador.

Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos caligráficos titulado Pen and Graver y que fue publicado por Stempel en 1949.

Bio

Se trata de una mancha tipográfica que encabeza la composición total, ésta termina con unas ramificaciones en las que encontramos una lista de textos caidos.

Michael Bierut - 71

En 1950 hizo los primeros bosquejos de la tipografía Optima mientras visitaba la iglesia de Santa Croce, en Florencia, viendo unas letras que fueran grabadas en el suelo en 1530. Como no tenía ningún papel a mano, tuvo que dibujar las letras en dos billetes que llevaba. En 1952, después de numerosas pruebas de legibilidad, acabó los primeros dibujos y sería finalmente cortada por August Rosenberger en 1958 Asimismo Hermann Zapf publicó una serie de libros acerca de su tema favorito, el diseño, el dibujo de letras y la tipografía.

Entre otros, podemos destacar: Manuale topigraphicum (1954); About alphabets, some marginal notes on type design (1960); Typographische Variationen (1963); Hunt Roman, the birth of

También emplea alguna fotografía como el cartel del vaso. Son claros y concisos. El texto está incluido como un elemento más, no sobra, forma parte de la imagen, como uno más.

Así el receptor capta el mensaje más directamente.

72 - Michael Bierut

Carteles contra de la guerra. Con una fotografia de huesos forma la imagen de una pistola, una esvรกstica y un tanque. Tiene un mensaje muy directo que informa de la grabedad de las guerras.

Michael Bierut - 73

Cartel realizado por Michael Bierut sobre la tipografía Helvetica creando una composición dinámica usando el reflejo de la tipografía, utiliza un único color que unifica el motivo del cartel.

74 - Michael Bierut

“Las tipografías nos dicen cosas todo el tiempo. Expresan un estado de ánimo, una atmósfera, dan color al mundo. Vayas a donde vayas ves tipografías. Pero probablemente hay una que tiene más presencia que las demás, y esa es la Helvetica. No se sabe bien por qué pero la vemos en todos lados, está en nuestra atmósfera, es omnipresente.

La creación de la Helvetica ha sido como desempolvar un objeto viejo y devolverle toda su belleza. Los carteles e identidades corporativas de los 50 y 60, eran muy bastos. Usaban tipografías caligráficas que perdían legibilidad y falta de gusto.

En ese sentido, la Helvetica fue una evolución, un cambio que tenía que surgir para que desapareciera todo lo anterior.

Ha funcionado tan bien que es utilizada por la mayoria de diseñadores por su simplicidad, claridad y expresividad.

Además, la Helvetica no sólo fue una tipografía de moda en los cincuenta… el tiempo demostró que es la tipografía que mejor funciona para transmitir un mensaje.

Me pregunto si todavía queda por descubrir una nueva ciencia de la tipografía. Una tipografía mejorada, una que supere a la Helvética… de momento es inmejorable.”

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Como vemos a primera vista no emplea el color en ningún momento.

Intenta sacar la máxima expresión con manchas de color negras, líneas y sobre todo juega con tipografías, donde deja unas imágenes elegantes y limpias.

Michael Bierut - 75

Rick Poynor 76

Rick Poynor es un escritor y diseñador, diseño gráfico, la tipografía y la cultura visual britanico. Comenzó su carrera como periodista de las artes visuales en general, trabajando en la revista Plan de Londres. Después de la revista eye fundación,que editó desde 1990 hasta 1997, se centró cada vez más en la comunicación visual. Él es escritor en general y columnista de eye , y un redactor y columnista de” impressión” (la revista).

En 1999, Poynor fue un coordinador de la First Things First Manifesto 2000 iniciado por Adbusters. En 2003, fue cofundador de Observadores de diseño, un weblog escrito por el diseño y discusión, con William Drenttel, Jessica Helfand y Bierut Michael. Él escribió para ellos hasta el año 2005. Fue profesor invitado en el Royal College of Art de Londres desde 1994 hasta 1999 y regresó a la RCA en 2006 como becario de investigación. También ha sido profesor en la Academia Jan van Eyck en Maastricht. En 2004, Poynor comisario de la exposición Comunicar: Independiente de diseño gráfico británico desde los años sesenta en la Galería de Arte Barbican en Londres. La exposición posteriormente viajó a cuatro ciudades de China y de Zurich.

Escrito Poynor incluye tanto la crítica cultural y la historia del diseño y sus libros se dividen en tres categorías. Ha escrito varias monografías sobre importantes figuras británicas en las artes y diseño: Brian Eno (músico), Nigel Coates (arquitecto) y Vaughan Oliver y Herbert Spencer (diseñadores gráficos).

Bio

Rick Poynor - 77

Otros libros de documentar y analizar los movimientos generales en el diseño gráfico y la tipografía. Entre ellas se encuentran Tipografía Ahora, el primer estudio internacional de la tipografía digital de la década de 1980 y principios de 1990, y no más reglas, un estudio crítico de diseño gráfico y el posmodernismo. Poynor también ha publicado tres colecciones de ensayos, diseño sin límites, Obedece al gigante y Pornotopia design, que exploran las implicaciones culturales de la comunicación visual, incluyendo la publicidad, la fotografía, branding, diseño gráfico y diseño al por menor.

Poynor era un entrevistado prominente en la película Helvetica 2007 documental

Publicado por primera vez en Londres en 1990, the eye fue fundada por Rick Poynor, un prolífico escritor en el diseño gráfico y comunicación visual.

Poynor editado los primeros veinte y cuatro números (1990-1997).

78 - Rick Poynor

Imágenes sexuales explícitas desplegadas en todos los medios y en todas las superficies. Detrás de este fenómeno se encuentra la normalización de la pornografía, que junto con el giro completo en las actitudes sociales a la misma, ha sido uno de los acontecimientos más trascendentales en la vida contemporánea. En el diseño de Pornotopia, Rick Poynor explora la publicidad y el diseño reciente y la invasión de imágenes sexuales en la vida cotidiana, revelando cómo la publicidad camina por la delgada línea entre la imagen mojigata y vulgar.

Rick Poynor - 79

(ISSN desde 1.045 hasta 3717) era una revista de diseño gráfico publicado por Emigre gráficos entre 1984 y 2005, fue publicado por primera vez en 1984 en San Francisco, California, EE.UU..

Art-dirigido por el holandés nacido en VanderLans Rudy con fuentes diseñadas por su esposa, nacido en Checoslovaquia Zuzana Licko, Emigre fue una de las primeras publicaciones que utilizan los ordenadores Macintosh y tuvo una gran influencia en los diseñadores gráficos en movimiento en la autoedición (DTP).

80 - Rick Poynor

“El diseño parte de la idea de reconstruir deacuerdo con las necesidades de las personas.” Poynor, el narrador de este film nos va reconstruyendo como se van creando tipografias en particular y diseño en definitiva según la época en la que nos encontramos, como la democratización y suavidad del diseño de la posguerra, la emulsión del estilo suizo, hacen posible la aparición de la helvetica en 1957, nacida de la necesidad de un diseño racional.

“Esta es una tipografía que se puede aplicar a todo”-según dice el autor, “de forma intelegible y legible”.

En los años 70, la sociedad y el diseño piden un cambio, se lucha para romper los moldes del diseño establecido.

De forma muy exquisita Poynor nos explica que “los tipos son como envoltorios, todo lo que nos sugieren, lo que sentimos al verla son los encantos de esta”.

En la actualidad Rick argumenta que nuestra evolución hacia la comunicación audiovisual esta siendo tremendamente positiva, lo explica poniendo el siguiente ejemplo: “en las redes sociales donde creamos nuestros perfiles tenemos en cuenta todos los detalles tipografá, colores, de la misma forma que prestamos atención a como vestimos, como nos cortamos el pelo o la decoración de nuestra casa, todo esto mediante herramientas mas especificas , esto da más evolución, más evolución, más evolución…”

Docu

Este fantastico libro nos permite interactuar de una forma estraordinaria con él y desarrollar un gusto irremediable por este tipo de lectura.

Rick Poynor - 81

Michael C. Place 82

Michel C. Place nació en North Yorkshire, Inglaterra en 1969.

Se graduó en la Universidad de Newcastle en 1990 y pasó a trabajar en Bite It!, Londres, con Trevor Jackson haciendo sobre todo portadas de discos para discográficas como Champion Records o Gee Street Records. En 1992 volvió al norte a trabajar en el estudio de diseño gráfico más influyente de Sheffield, The Designers Republic (TDR).

Después, en el año 2000, Michael se tomó un descanso del mundo del diseño e hizo en un viaje alrededor del mundo durante 10 meses. A su vuelta, el 17 de septiembre de 2001, se asoció con el diseñador e ilustrador Nicky Place y comenzó su propia empresa de diseño, Build, que tiene su sede en Londres.

Build se especializa principalmente en el diseño para impresión.

Michael también ha aparecido en la película documental “Helvetica”, ha dado numerosas conferencias por todo el mundo y ha sido varias veces jurado de los prestigiosos premios mundiales D&AD.

Bio

Un ejemplo del estilo de ilustración de Place, que mezcla líneas y formas geométricas.

Michael C. Place - 83

Michael C. Place en acción realizando una obra a mano para el último anuncio del corrector Pritt, llamado “MyStyle”.

La obra para el corrector Pritt terminada.

84 - Michael C. Place

Cartel de Place inspirado en la tipografĂ­a Helvetica.

Michael C. Place - 85

Michael C. Place en la película documental de Helvetica, realizada en 2007 y en la cual numerosas figuras del mundo del diseño gráfico nos cuentan su opinión sobre la famosa tipografía.

El escritorio de Place en el estudio dónde trabaja.

86 - Michael C. Place

Michael C. Place, no se considera a si mismo un tipografo en serio, no se sabe todos los nombres técnicos usados en tipografía, sólo reacciona a ciertos impulsos, y hace lo que siente que está bien de una forma intuitiva. Le gusta coleccionar pequeñas cosas que encuentra, desde figuritas a papeles, dice que: “es como transformar en algo hermoso algo totalmente ordinario”.

Disfruta de las cosas comunes y corrientes que la mayoría simplemente pasaría por alto, él las encuentra hermosas. Desde su punto de vista lo más importante de un diseño es recibir de él alguna respuesta emocional.

Michael se casó hace 3 años. Diseñó las invitaciones de boda, y para él enfrentarse a suegras es uno de los peores y más extresantes trabajos que hay como diseñador. Entre los detalles del servicio quiso poner unos pequeños créditos para agradecer a Max Miedinger por la Helvetica, pero su esposa lo vetó y tuvo que quitarlo de la invitación. Lo recuerda como un momento gracioso.

Michael disfruta mucho usando Helvetica porque algunos usan diferentes tipografías porque pueden dar diferentes sensaciones y en cambio él disfruta con el reto de hacer hablar a la Helvetica de diferentes formas. Para él la Helvetica ha estado presente durante 50 años, y sigue tan fresca como siempre, citando al propio Michael: “obviamente, no fue pensada para ser “cool”, pero es una fuente hermosísima.”

Docu

Michael C. Place - 87

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Cómo se puede ver en este libro y en el documental, la tipografía Helvetica es querida y odiada a partes iguales, pero no deja indiferente a nadie; es un tipo respetado y que ha marcado y sigue marcando el mundo del diseño y el arte.

Ha superado la barrera de las modas y se ha instaurado cómo neutral, rodeándonos y convirtiéndose en omnipresente, nadie se da cuenta pero está en todas partes.

Si nos gusta o no, es una cuestión sin importancia, no hay ningún argumento ni teoría que puedan hacer frente a la realidad, hasta las más grandes figuras se han rendido ante la evidencia y cómo aprendices no nos queda más que aprender la lección.

Y una vez aprendida la lección, será hora de llevarla a la práctica, práctica en la que si tenemos elección.

En tus manos de diseñador tienes Helvetica, una herramienta infinita y efectiva, solo tu eres responsable de darle un uso bueno o malo. Sólo tú eres responsable de no usarla, para bien o para mal.

Epílogo

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Intro

3

Massimo Vignelli

4

Wim Crouwel

10

Stefan Sagmeister

16

Matthew Carter

22

Leslie Savan

28

Paula Scher

34

David Carson

40

Neville Brody

46

Erik Spiekermann

52

Lars Müller

58

Hermann Zapf

64

Michael Beirut

70

Rick Poynor

76

Michel C. Place

82

Epílogo

89

Índice

An Ode to Helvetica

El diseño tipográfico de los últimos 50 años

Usando el film documental Helvetica como excusa, se recoge en este libro un compendio de las biografías e ideas de los más influyentes y destacados tipógrafos y diseñadores de la segunda mitad del siglo XXI; un derroche de inspiración y doctrina.

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