Jeffersonq revista

M INIM ARQ

FEBRERO

2016

G L O S A R I O

PÁGINA 4

MINIMALISMO PÁGINA 6

RICHARD MEIER PÁGINA 12

TADAO ANDO

MINIMA El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya

sido

reducida

a

lo

esencial,

despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen

sus

pertenencias

físicas

y

necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo.

Este significado queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo.

Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.

Según la última versión del diccionario de la Real Academia Española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales,etc.

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LISMO ESCULTURA Y PINTURA MINIMALISTA El minimalismo se desarrolló en el campo de la escultura cuyos representantes principales son: Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris. La pintura minimalista

CARACTERÍSTICAS Abstracción

tiene influencias del constructivismo y sobre

Economía de lenguaje y medios

todo del planteamiento reduccionista de Ad

Purismo estructural y funcional

Reinhardt.

Algunos

pintores

son:

Robert

Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin.

Orden Geometría elemental rectilínea Precisión en los acabados Reducción y síntesis

DISEÑO MINIMALISTA

Sencillez

El término minimalismo también se utiliza para describir una tendencia en el diseño y la arquitectura, donde la estructura se reduce a sus

elementos

necesarios.

El

Concentración Desmaterialización

diseño

minimalista ha sido muy influenciado por el diseño tradicional japonés y la arquitectura.

Además, los trabajos de los artistas de De Stijl es una importante fuente de referencia para este tipo de trabajo. De Stijl ha ampliado las ideas que se podría expresar mediante el uso de elementos básicos tales como líneas y planos organizada de manera muy particular.

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BIOGRAFÍA Richard Meier (1934) es un arquitecto

Nació en Newark, en el estado de Nueva

estadounidense galardonado entre otros

Jersey. Estudió arquitectura en la Universidad

con el Premio Pritzker y la Medalla de oro

Cornell, donde se graduó en 1957. Al terminar

de American Institute of Architects. Sus

sus estudios viajo por Europa donde tuvo la

obras se han centrado principalmente en

ocasión de conocer a Le Corbusier que

museos, grandes mansiones, templos y

influiría mucho en su arquitectura. A su vuelta

oficinas, en los que destaca la luz de sus

a

espacios y el uso del color blanco, en

despachos de arquitectos, entre ellos los de

donde los espacios armonizan con la

Skidmore, Owings and Merrill y Marcel Breuer,

naturaleza circundante.

hasta que en 1963 abrió su propio estudio.

Estados

Unidos,

trabajó

en

varios

Premios Premio Pritzker Medalla de Oro del AIA

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ESTILO Desde el principio, Meier ha seguido una línea determinada y permanente en sus proyectos. Ha dejado de lado las tendencias pasajeras y las modas, y se ha mantenido fiel a sus ideas. Aunque sus

edificios

más

recientes

muestran

un

refinamiento respecto a los iniciales, siguen siendo de un mismo estilo inconfundible, en los que Meier concede siempre la misma importancia a la claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización de sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su entorno, y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y exteriores. En su inmensa mayoría, los edificios de Meier son blancos, el color que considera el más puro ya que reúne a todos los demás y va cambiando de tonalidad durante el día.

Según manifiesta Meier, Le Corbusier ha ejercido una gran influencia sobre él, al igual que Frank Lloyd Wright. Pero también otros arquitectos han sido una referencia para su trabajo. No obstante, considera que la arquitectura es una disciplina que se encuentra en un continuo flujo, por lo que van cambiando con el paso de los años los arquitectos que marcan estilos y que influencian a los demás.

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"Cuando me preguntan en qué creo yo, digo que creo en la arquitectura.

Arquitectura es la madre de las artes. Me gusta creer que la arquitectura conecta el presente con el pasado y lo tangible con lo intangible."

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En perspectiva: Richard Meier 12 Octubre, 2015 por Katherine Allen Traducido por Karina Duque

"Cuando me preguntan en qué creo yo, digo lealtad por la arquitectura moderna y por la que creo en la arquitectura. Arquitectura es la forma pura, que recuerda a la obra de Le madre de las artes. Me gusta creer que la Corbusier entre los años 1920 y 1930. Ellos arquitectura conecta el presente con el pasado fueron llamados comúnmente "los blancos", un y lo tangible con lo intangible."

guiño a su propensión al fuerte tono.

Richard Meier, el Premio Pritzker y ganador Meier es quizás el más conocido del grupo por AIA de la medalla de oro, 12 de octubre el uso del color blanco en sus diseños, que, cumple 81 años. Con influencias como Bernini según él, mejora las cualidades de la luz en el y Borromini, así como Le Corbusier y Louis espacio: "la blancura permite que las ideas Kahn, este gran arquitecto es bien conocido arquitectónicas entiendan más claramente la por su arquitectura abstraída, a menudo diferencia entre opacidad y transparencia, blanca, e implacable filosofía de diseño sólido y vacío, estructura y superficie ", personal.

Poco

después

explica. "Ellos tienen una mayor claridad." de

haber

recibido

su Durante su medio siglo de práctica, Meier ha

Licenciatura en Arquitectura de la Universidad acumulado un enorme portafolio de obras y de Cornell el año 1957, tomó trabajos con recientemente fue objeto de una exposición Skidmore Owings y Merrill y Marcel Breuer. Él retrospectiva. A pesar de que comenzó con comenzó su propia práctica privada en Nueva proyectos más pequeños, como la Casa York en 1963 y saltó a la fama arquitectónica Douglas y la Casa Rachofsky, ahora diseña en la década de 1970, después de haber sido edificios nombrado como uno de los "New York Five".

cívicos

de

gran

escala

casi

exclusivamente. Incluidos entre estos están

Los "New York Five" eran un grupo de cinco el

Centro

Getty,

el

Museo

de

Arte

arquitectos de Nueva York (Richard Meier, Contemporáneo de Barcelona, el Museo del Peter Eisenman, Charles Gwathmey, Michael Ara Pacis y el Paley Center for Media.

Graves, y John Hejduk) que compartían una

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13 de septiembre de 1941 (74 años)

Premios Premio Pritzker Medalla de Oro del AIA Medalla de Oro del RIBA Praemium Imperiale

Tadao Ando es un arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos.

Tiene un hermano gemelo, aunque fueron criados por separado.

En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara. Dice: Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto.

En 1970 se estableció en Osaka con "Tadao Ando Architect & Associates", empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe. En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya. Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido,1 la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka,2 el Museo de los Niños (1990) en Himeji.

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Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el

empleo

indiscriminado

de

la

arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales

tradicionales

japoneses,

sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.

En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en

sus

proyectos

los

materiales

característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua.

Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.

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Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas. Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.

Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos: Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos.

Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios,

y

lo

hago

basándome

en

criterios

humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.

Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, el Praemium Imperiale en 1996,4 el Premio Kioto, el Premio Carlsberg y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker, comparable al premio Nobel.5 También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.

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PENSAMIENTO DE TADAO ANDO El pensamiento de Tadao Ando está basado en la construcción con formas geométricas simples las cuales con el uso de la luz y los materiales pueden crear espacios trascendentes, como dice él mismo: Pienso que la arquitectura se torna interesante cuando se muestra este doble carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la complejidad de que pueda dotársela.

Hace mucho énfasis en la incorporación de la naturaleza dentro de las construcciones para dejar fuera el caos de las ciudades y crear un espacio de meditación, serenidad y espiritualidad. Su filosofía está dirigida a pensar que el espacio puede ser una fuente de inspiración y ha logrado plasmar esto en sus construcciones. También piensa que el objetivo de todas las religiones es similar, y el de la suya es la espiritualidad, por lo tanto intenta expresar esta espiritualidad de una forma arquitectónica.

Su arquitectura no distrae a la hora de la meditación sino contribuye a la introspección.

"Creating architecture is to express representational aspects of the real world, such as nature, history, tradition and society, in a spatial structure, which is an abstact concept, composed by clear tranparent logic".6 Como la cita lo menciona sus espacios buscan desarrollar expresiones, por lo que crea un diálogo entre el usuario y el arquitecto, llegando a tomar niveles espirituales. En otras palabras sus espacios están relacionados con la humanidad.

El uso limitado de materiales, y las texturas expuestas, crea una articulación confusa de la función que tiene el espacio. Por lo que busca dar énfasis en las texturas mismas, para así lograr una interacción con elementos naturales como los son la luz y el viento.

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