Periodico Cinematográfico

Cine

Ecuatoriano Con mi Corazón en ARGUMENTO es una película ecuatoriana de género documental, dirigida por la cineasta ecuatoriana María Fernanda Restrepo Arismendi.Trata sobre la desaparición de sus hermanos Santiago y Andrés Restrepo en 1988, bajo el gobierno del Ing. León Febres-Cordero Ribadeneyra y caso que fue declarado crimen de Estado. El film contiene material nunca antes

EL ESTELAR

visto sobre este caso.Ganó el premio cultural Augusto San Miguel en el 2009, en la categoría Documental.Ha ganado varios premios a nivel mundial.

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Ejemplar 1 Fecha: 8 de julio del 2014

Que hay de

Frente A etnerF HITCHCOCK

Nuevo

DJ: ¿Qué película de terror lo marcó de pequeño, y en particular a Frankenweenie?

T. B.: No puedo mencionar una en particular, es algo acumulativo. Puedo mencionar alguna como Toho o Hammers, las de Universal. Esta película es una mezcla entre Frankenstein y Abott y Costello.

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Charles Chaplin

“Es gracioso, para mí la mayoría de las escuelas de cine no te enseñan lo que necesitas para crear tu propia estética, tu propio estilo. Y en realidad parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo. Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de

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edición o “Oh, puedes hacer esto con una cámara” y te mostrarán algunas películas.

Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas “me gusta esto, pero no me gusta esto otro...”. Pero luego empiezas a darte cuenta de la diferencia entre un buen trabajo y un mal trabajo.

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Ya podemos ver nuevas

imágenes del filme Transformers 4 : La Era de la Extinción, que llegará a las salas de cine españolas el próximo mes de agosto. Ayer te mostrábamos en melty.es el póster inédito de Transformers 4. y hoy ya puedes ver el segundo tráiler oficial. La cuarta entrega de la saga tendrá acción, violencia, amor, persecuciones… y promete ser uno de los taquillazos del próximo verano. El personaje principal, Cade Yaeger (interpretado por el actor Mark Wahlberg), es un inventor, padre soltero, que verá cómo su vida cambia al encontrar un transformers enterrado. En la trama, este hombre tendrá que salvar la vida de su familia y se verá envuelto en una intrigante aventura.

El reparto de la cinta, dirigida por Michael Bay, estará compuesto por Mark Wahlberg, Nicola Peltz, Stanley Tucci entre otros componentes de Transformers 4. ¡No te pierdas las imágenes de la película !

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Frente a Frente con Tobe Hooper

los detalles pecuniarios. Posteriormente, Spielberg ofreció la redacción del guión a otros guionistas, cuya versión no le complació y, según él, finalmente rescribió el guión simplemente acompañado por Hooper, siendo el acompañamiento más físico que intelectual, ya que, de nuevo según Spielberg, la labor de Hooper consistió en merodear más o menos a su alrededor mientras él escribía el borrador.

En contra de la versión de Spielberg, nos encontramos con la mala fama de la que goza de apropiarse de ideas o trabajos previos de otros directores o guionistas, para luego ponerle su marchamo. Sin embargo, en su favor está la existencia de historias de su infancia, aparentemente bien documentadas, que pueden avalar la incubación de la base fundamental del guión. Sólo a modo de curiosidad, es necesario citar que la historia le debe mucho a un capítulo de la serie de televisión creada por Rod Serling, Dimensión desconocida (The Twilight Zone), concretamente al episodio “Little Girl Lost”, basado en un relato corto de Richard Matheson y emitido por televisión el 16 de marzo de 1962 en los Estados Unidos.

Otros detalles argumentales de la película pueden detectarse en otra obra de Matheson, como es el relato “A través de los canales”. Con todo, el propio Spielberg ya dirigió con anterioridad una película, el telefilm Algo maligno (Something Evil, 1972), que semeja un borrador de la presente.

A

hora que se cumplen veinticinco años de la realización de una de las películas más famosas del irregular Tobe Hooper, para algunos también la más infame, parece buen momento para adentrarse en las interioridades de este producto de autoría más que dudosa, donde la sombra de Spielberg parece alargarse más de la cuenta; paradigma donde se materializa toda aquella época en la que la coletilla “producida por Steven Spielberg” significaba tantas cosas y que como último y significativo ejemplo tenemos a Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers, 2006, Clint Eastwood).

Nos enfrentamos a una obra que ya desde su nacimiento como proyecto cinematográfico viene manchada por la polémica; incluso existen versiones divergentes acerca del origen mismo de la idea que luego se desarrolla en la película.

Por un lado, tenemos la versión de Tobe Hooper, que defiende que la idea surgió mientras trabajaba en La casa de los horrores (The Funhouse, 1981), en el despacho que le

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había cedido la Universal. Dicho despacho había sido anteriormente ocupado por Robert Wise, quien había realizado años atrás, para otro estudio,La mansión encantada [tv: La casa encantada] (The

cual ambos comenzaron a trabajar en un preguión, vía correo.

Sin embargo, parece que Spielberg, de forma paralela, había contactado con Stephen King para contratarle

Según declaraciones del propio Spielberg, citadas literalmente en la interesante biografía escrita por John Baxter (Steven Spielberg, Biografía no autorizada, TB Editores, 1998): “Tobe no es el tipo de persona a la que se la pueda poner al mando. Simplemente no tiene una presencia lo suficientemente fuerte en el rodaje de una película. Si se formulaba una cuestión y no se daba respuesta de forma inmediata, yo saltaba y decía lo que había que hacer.

Haunting, 1963, Robert Wise).

Hooper encontró allí un libro sobre una historia de espíritus, a los que se les llamaba poltergeists, lo que le dio la idea de proponer a Spielberg un thriller paranormal, tras lo

con el objeto de redactar el guión, esto, sin el conocimiento de Hooper; pero las conversaciones entre ambos reyes midas, el del cine y el de la literatura, no llegaron a buen puerto ante la falta de acuerdo en

Si nos adentramos en la fase de rodaje, ahí la polémica suscitada es aun mucho mayor, hasta el punto de que tanto aficionados, críticos, e incluso la propia industria, consideran a Steven Spielberg como el auténtico director de la película, a pesar de su no acreditación como tal. Sin duda el aficionado experto, carente de información más allá de la que se obtiene del visionado mismo de la película y sus créditos oficiales, reconoce el mundo propio de Spielberg de principio a fin. La esperanza de la autoría de Hooper sí está, al menos, en alguna de las escenas más truculentas, como por ejemplo la descomposición a trozos de una cara frente al espejo, que sin embargo se desvanece cuando el responsable de los efectos especiales de maquillaje, Craig Reardon, comenta que esa idea se le ocurrió a Spielberg mientras él preparaba la falsa cara.

Según declaraciones del propio Spielberg, citadas literalmente en la interesante biografía escrita por John Baxter (Steven Spielberg, Biografía no autorizada, TB Editores, 1998): “Tobe no es el tipo de persona a la que se la pueda poner al mando. Simplemente no tiene una presencia lo suficientemente fuerte en el rodaje de una película.

Si se formulaba una cuestión y no se daba respuesta de forma inmediata, yo saltaba y decía lo que había que hacer. Tobe se mostraba de acuerdo y esto se convertiría en

el proceso de colaboración”. Esto parece resumir de forma cristalina la situación, al menos desde el punto de vista de Spielberg. También en el libro de Baxter se citan declaraciones de Craig Reardon: “Tobe Hooper siempre estaba allí, pero la guía esencial del film era la poderosa mano de Steven. Como él dijo en una entrevista, Steven quiere hacer el trabajo de todo el mundo tan bien como ellos lo hacen, pero reconoce que necesita ayuda”.

Podríamos preguntarnos qué ganaba Spielberg con todos estos embrollos, los cuales podía haber solucionado simplemente despidiendo a Hooper y asumiendo la dirección de la película, cosa que extraoficialmente ya hacía. Pues bien, la Directors Guild of America (Asociación de Directores de América), como to1que tomó una importancia fundamental el mundo de los modernos efectos especiales (fue nominada a los mejores efectos visuales en los Oscar del año 1982, pero siendo la ganadora otra de las nominadas, E.T. el extraterrestre, creados igualmente por ILM; todo queda en casa).

La relación entre Spielberg y Lucas pasa también al terreno del homenaje; si en su película anterior, La casa de los horrores (The Funhouse, 1981), Hooper homenajeó a los monstruos clásicos de la Universal, aquí la modernidad y el amiguismo se imponen: los muñecos y pósters que decoran la habitación infantil de turno son productos de merchandising (otro invento de Lucas) tanto de La guerra de las galaxias (Star Wars, 1977, George Lucas), como de la más reciente El imperio contraataca (The Empire Strikes Back, 1980, Irvin Kershner); como vemos, Spielberg está por todos lados.

La historia narrada en Poltergeist se enmarca en uno de los idealizados barrios residenciales de clase media tan queridos por Spielberg, tanto que parece una obsesión, siendo el escenario habitual de muchas de sus producciones (ya sea como director o simplemente, si se puede hablar así en su caso, como productor). Spielberg parece buscar y representar de forma testaruda la imagen de un hogar confortable, de una seguridad material y afectiva que para él parece simbolizar la familia, el hogar.

Sin duda el ser hijo de padres separados le marcó tanto que no tiene ningún pudor en remarcar una y otra vez en su filmografía la búsqueda del amor familiar y de la comodidad material, a pesar de que siempre estas virtudes se vean atacadas y en riesgo de profanación por malvados elementos externos (¿o serán internos?); aquí, los dichosos poltergeists. Sirva resaltar, para el lector que aún no lo haya notado, que aunque este artículo se dirija a analizar un trabajo de Tobe Hooper, es inevitable, por razones ya expuestas y obvias, que no dejemos de hablar de Steven

con Tim Burton DJ: ¿Qué película de terror lo marcó de pequeño, y en particular a Frankenweenie?

T. B.: No puedo mencionar una en particular, es algo acumulativo. Puedo mencionar alguna como Toho o Hammers, las de Universal.

Esta película es una mezcla entre Frankenstein y Abott y Costello.

DJ: ¿Qué tipo de películas ve?

T. B.: Cuando estoy trabajando tengo muy poco tiempo libre y no veo ninguna, pero cuando tengo tiempo me inclino más por las de terror, quizás por eso tengo problemas para dormir [risas].

DJ: ¿Cuál es su película favorita de todos los tiempos?

T. B.: Eso es complicado, pero quizá The Omega Man. Ha tenido mucho impacto en mí. Aún hoy en día la veo.

DJ: ¿Qué es lo que más le llama la atención de esa película?

T. B.: Todo. Hay varias versiones, la de Vincent Price, Charlton Heston, hace poco hicieron otra con Will Smith (Soy leyenda). Mi favorita es la de Heston. Pero aparte de esa película hay otras miles que me encantan. Esta es una que elijo ahora mismo por darte un nombre.

DJ: Estudió en Cal Arts, una de la universidades de arte más importantes, y acudió en la misma época que gente como John Lasseter y

Brad Bird. ¿Se encontraron, se llevaban bien?

T. B.: Ellos iban un año por delante pero todos formábamos parte de la familia Disney, creadora de Cal Arts. Tanto John como Brad fueron de la primera promoción en graduarse. Yo estaba en la segunda, había mucha gente con talento, aunque llevó un tiempo para ver resultados. Creo que si hubieran sido más listos podían haber tenido el éxito que tuvieron diez años antes porque la gente era muy talentosa.

DJ: La gente de Disney no estaba convencida con sus dibujos, eran algo diferente a lo que estaban buscando...

T. B.: En otras palabras, eran malos [sonríe]. Lo cierto era que mis dibujos no tenían nada que ver con lo que estaban buscando, eran un poco ofensivos.

DJ: ¿Qué quiere decir con que eran un poco ofensivos?

T. B.: No era el estilo de Disney.

No eran monos. No estaba haciendo lo que ellos pedían. Por ejemplo, si pintaba un zorro, no tenía pinta de zorro de Disney.

DJ: ¿Cuáles son las ventajas y desventajas de trabajar y vivir con su esposa Helena Bonham Carter?

T. B.: La verdad es que creo que, como ella antes de estar conmigo había tenido una carrera muy exito-

sa, ya lo ha visto casi todo y eso le ayuda a lidiar con un tipo como yo. Hemos aprendido a respetarnos y a saber cuáles son nuestros límites. Nos damos mucho espacio y tenemos buen sentido del humor. Cuando algo se atraganta en nuestro oficio, hay que pensar lo absurdamente afortunados que somos y lo frívolo de quejarse cuando haces algo que te gusta. La gente tiene verdaderos problemas, muchos de ellos peores de los que yo pueda tener haciendo una película.

DJ: ¿De dónde viene su amor por el cine?

T. B.: Creo que a todos los niños les gustan las películas. No es algo raro. No creo que fuera el hecho de criarme en Burbank, al lado de Hollywood. No me sentía más cercano a la industria del cine por el hecho de estar físicamente más cerca. Creo que hubiera dado lo mismo si me hubiera criado en Idaho. Pienso que es simplemente un amor genuino.

- La historia de ‘Frankenweenie’ nace a partir de un cortometraje que realizaste en acción real en 1984, ¿cómo surge la idea de vol-

ver a tus comienzos, recuperar la historia y hacer este largometraje?

Cuando hice el cortometraje original lo planté en acción real pero con el paso de los años regresé a mis dibujos originales descubriendo que podía tratarlo mejor con stopmotion. Dado que es un proyecto muy personal para mí, comencé a recordar mis años de colegio, los niños de mi clase, los profesores

extraños que he tenido y lugares específicos de Burbank (California), mi ciudad natal. La idea central y la creatividad se mantuvieron intactas, tan solo cambié la estructura inicial centrada en la historia de Frankenstein y añadí nuevos personajes y monstruos.

- Pero viendo la oscuridad de tus películas y el diseño habitual de tus personajes, ¿tan desagradables son

con Alfred Hitchcock

Sí, en efecto. Van al cine, se sientan y dicen: «Muéstreme.» Luego, sienten deseo de anticipar: «Adivino lo que va a suceder.» Y yo me veo obligado a recoger su desafío: «¡Ah, sí! ¿Conque eso cree?

Bueno, vamos a ver.» En The Birds (Los pájaros) he procedido siempre de tal manera que el público no pueda adivinar cuál será la escena siguiente.

F.T.: Supongo que la idea de los pájaros que agreden a la gente en el campo le fue inspirado a Daphne du Maurier por hechos reales, ¿no es cierto?

A.H.: Sí, eso ocurre de vez en cuando y esta originado por una enfermedad de los pájaros, concretamente la rabia, pero era demasiado horrible para ponerlo en la película, ¿no cree?

F.T.: Demasiado horrible, sin duda,

y seguramente menos bonito.

A.H.: Mientras rodaba en Bodega Bay, leí una pequeña noticia en un periódico de San Francisco que hablaba de unos cuervos que habían atacado a unos corderos y aquello ocurría muy cerca del lugar en que rodábamos. Me entrevisté con el campesino que me explicó cómo los cuervos habían descendido para matar a sus corderos, atacándoles a los ojos, y esto me inspiró la muerte del granjero, con los ojos arrancados.

El film comienza en San Francisco, con nuestros dos personajes principales, y les hago ir después a Bodega Bay. La casa y la granja las reconstruimos, reconstituyendo fielmente las habitaciones existentes; era una vieja granja rusa, edificada en 1849, pues en aquella época algunos rusos vivían en esta parte de la costa y, a ocho millas de Bodega, se encuentra una ciudad que se llama precisamente Sebastopol, al norte de la bahía. Cuando los rusos ocupaban Alaska, bajaban hasta allí para pescar focas.

Las personas que tratan de adivinar F.T.: En el género de películas que usted suele hacer hay algo particularmente ingrato, porque el pública acostumbra a sentir placer viéndolas, pero tiene tendencia a demostrar que no es un ingenuo y esto le obliga, a veces, a hacer ascos a su placer.

A.H.: Sí, en efecto. Van al cine,

se sientan y dicen: «Muéstreme.»

Luego, sienten deseo de anticipar: «Adivino lo que va a suceder.» Y yo me veo obligado a recoger su desafío: «¡Ah, sí! ¿Conque eso cree? Bueno, vamos a ver.» En The Birds (Los pájaros) he procedido siempre de tal manera que el público no pueda adivinar cuál será la escena siguiente.

La jaula dorada de Melanie Daniel F.T.:Yo no creo que se intente anticipar tanto en The Birds. Lo único que se adivina es que los ataques de los pájaros van a hacerse cada vez más graves. En la primera parte se contempla un film normal, psicológico, y sólo el último plano de cada escena evoca la amenaza de los pájaros.

A.H.: Debía hacerlo de esta manera porque el público se siente influido por la publicidad, los artículos, las críticas... El público oye hablar de la película por los rumores que se pasa unos a otros. No quiero que se impaciente esperando a los pájaros, pues entonces no prestaría bastante atención a la historia de los personajes. Esas alusiones al final de cada escena, es como si dijera al público: «Tenga paciencia, tenga paciencia. Ya vienen.» Ahora bien, seguramente hay matices que permanecerán desapercibidos, pero son totalmente necesarios pues enriquecen el conjunto y el dan más fuerza. Al comienzo del film, tenemos a Rod Taylor en la tienda en

que se vende los pájaros. Atrapa el canario que se había escapado, lo devuelve a su jaula y, sonriente, dice a Tippi: «Te devuelvo a tu jaula dorada, Melanie Daniel.» Añadí esta frase durante el rodaje, porque pensé que servía para definir al personaje de la muchacha rica y mimada. De esta manera, luego, durante el ataque de las gaviotas al pueblo, cuando Melanie Daniel se refugia en la cabina telefónica, mi intención es mostrar que es como un pájaro en una jaula. No se trata de una jaula dorada, sino de una jaula de desdicha, y esto señala también el comienzo de su prueba de fuego. Asistimos a la inversión del viejo conflicto entre los hombres y los pájaros y esta vez los pájaros están fuera y el ser humano está en la jaula. Ahora bien, cuando ruedo cosas como ésta, no espero que el público lo comprenda todo.

F.T.: Aunque la metáfora no se haga consciente, la escena esta ahí, con toda su potencia. En el mismo orden de ideas, me parece perfecto haber rodado el diálogo de la escena de la pajarería en torno a la búsqueda de los pájaros de amor «love birds», porque después el film pondrá en escena pájaros de odio. A lo largo del film estas referencias a los «love birds» tienen un carácter muy irónico.

A.H.: Irónico y necesario, porque el amor sobrevive a todas estas 3

con Christopher Nolan

Lo que trato de hacer es darles cualquier proceso que necesiten. Tal vez no sea lo que ellos creen que necesitan, y de hecho puede que hasta sea contraproducente, pero realmente trato de ser diferente (y adaptarme) a cada actor, trato de hacerlos sentir cómodos, trato de sacarles lo mejor. Vos escuchás historias de directores que deliberadamente hacen sentir incómodos a los actores, pero yo siempre hago que el actor sienta que tiene lo que necesita para explorar una escena. Mi tío, John Nolan, es actor y estuvo en varias de mis películas. Cuando tuve que hacer Following, él estaba enseñando actuación así que le pregunte lo que yo necesitaría saber.

P

ara ser honesto, siempre hice películas y nunca paré del todo, empezando con pequeños experimentos en stop-motion usando la cámara de Super 8 de mi papá. Dentro de mi mente, es todo un gran continuo sobre el cine y nunca he cambiado. Solía jorobar con la cámara pero no fui a una escuela de cine.

Estudie Letras en la Facultad y seguí una orientación absolutamente académica, mientras que hacia mis propias películas y queriendo hacer todavía más. Financie mi primer película, Following, solo y la hice con amigos. Todos teníamos trabajos de tiempo completo, así que nos juntábamos todos los fines de semana durante un año, filmando alrededor de 15 minutos de material crudo todos los sábados, una o dos tomas de todo, y tal vez sacando cinco minutos de película utilizable de todo eso. Fuimos con la película al Festival de Cine en San Francisco y Zeitgeist Films la levantó y se hizo cargo de la distribución, lo que me ayudo a que Memento pudiera arrancar. Me pagaron por dirigir esa película, tenía millones de dólares en camiones y cientos de personas trabajando, y todo y no miré para atrás desde entonces.

P: ¿Qué beneficios había en ser autodidacta en vez de ir a una escuela de cine?

R: Un acercamiento muy orgánico respecto del entender todas las partes que conforman el oficio. Estoy interesado en cada pedazo de la realización porque tuve que hacerla toda yo ––desde la grabación del sonido y la regrabación hasta el montaje y la música. Me siento muy afortunado en ser miembro de la que es probablemente la última generación que editó en una empalmadora Steenbeck, pegándolo todo junto físicamente y haciendo a un lado distintas tomas. Me dio una muy buena base en entender que tiene que ir técnicamente dentro de una película que fuera verdaderamente valioso. Y significó que absolutamente todo lo que hacía era simplemente porque me apasionaba y quería intentar distintas cosas. Vos nunca vas a aprender algo tan profundamente que cuando lo aprendes puramente de curiosidad.

P: Sos un gran fanático de las novelas policiales, que a menudo utilizan flashbacks y otros mecanismos temporales. ¿De ahí viene tu fascinación por las narrativas no-lineales?

R: Bueno, tuve un par de grandes influencias. Cuando tenía 16 años yo leí una novela de Graham Swift, Waterland, que hizo cosas increíbles con líneas de tiempo paralelas, y contó una historia en diferentes dimensiones que era extremadamente coherente. Alrededor de la

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misma época, me acuerdo de cuando The Wall, de Alan Parker, salía por la tele, que hace una cosa muy similar puramente con la imagen, usando memorias y sueños que se entrecruzan con otros sueños, etc.

The Man Who fell to Earth y Performance de Nicholas Roeg fueron también influencias. Estas se quedaron en mi cabeza, del mismo modo que muchas otros autores del genero policial ––James Ellroy, Jim Thompson–– y películas de cine negro como Out of the Past, de Jacques Tourneur, que era simplemente asombrosa. Luego, de alguna manera, me hice con el guión de Pulp Fiction antes de que se estrenara y quede fascinado con lo que Tarantino había hecho.

P: Dijiste bastante seguido que tu película favorita es Blade Runner. ¿Qué significado en especial tiene para vos?

R: Cuando miras películas de chico, vos te percatas gradualmente de que hay detrás de ellas. Empezás como cualquiera, pensando que a los actores se les ocurre el dialogo y hacen la película ellos solos. Así que cuando yo era joven y miraba Alien y Blade Runner, pensé que estas eran diferentes historias, con diferentes escenarios, diferentes actores, diferente en todo––pero hay una fuerte conexión entre esas dos películas, y se trata de su director, Ridley Scott. Recuerdo el haberme dado cuenta de eso y pensé que este es el trabajo que quería.

La atmósfera de Blade Runner era también importante, ese sentimiento de que había todo un mundo afuera del encuadre de la escena.

Realmente sentías que había cosas que pasaban afuera de esos cuartos donde la película tuvo lugar. Eso es algo que siempre intenté llevar conmigo. Toda película debe tener su propio mundo, una lógica y un sentimiento para ello que se expanda más allá de esa imagen exacta que está viendo el público.

P: En tus primeras películas vos escribiste, filmaste, editaste y hasta diseñaste la escenografía––lo único que no hiciste fue actuar. ¿Qué proceso utilizás al trabajar con actores?

R: Lo que trato de hacer es darles cualquier proceso que necesiten.

Tal vez no sea lo que ellos creen que necesitan, y de hecho puede que hasta sea contraproducente, pero realmente trato de ser diferente (y adaptarme) a cada actor, trato de hacerlos sentir cómodos, trato de sacarles lo mejor. Vos escuchás historias de directores que deliberadamente hacen sentir incómodos a los actores, pero yo siempre hago que el actor sienta que tiene lo que necesita para explorar una escena. Mi tío, John Nolan, es actor y estuvo en varias de mis películas.

Cuando tuve que hacer Following, él estaba enseñando actuación así que le pregunte lo que yo necesitaría saber. El me dio un par de libros de Stanislavski ––La preparación del Actor fue uno de esos libros–– y me dijo que me enseñarían lo básico. Él también me hablo sobre algunas cosas y me dio un mayor entendimiento del oficio.

P: ¿Cómo acomodas en una misma película a aquellos actores que tienen distintos métodos de trabajo?

R: En Insomnia, a Al Pacino le gustaba ensayar minuciosamente, coreografiar sus movimientos y hacer muchas tomas. Su primera toma seria perfecta, pero el realmente le gustaba hablar mucho las cosas,

mientras que Hilary Swank no quería ensayar demasiado. Ella quería guardárselo, y entonces hacer lo que iba a hacer en una o dos tomas, no más. Como director, tenés que encontrar la manera de balancear esas cosas, porque vos querés que ambos sientan que se les está dando una base en la medida de lo que necesitan hacer. Lo que amo sobre los grandes actores es cuando los tenés en un Plano de Dos y pensás que sus diferencias van a ser un problema y no lo es, porque se adaptan al proceso el uno del otro, se sienten el uno al otro, se escuchan el uno al otro.

P: ¿Como fue el pasar de un presupuesto de 45 millones para hacer

Insomnia, a disponer de tres veces esa cantidad para Batman Inicia? ¿Cuan intimidante fue ese salto?

A: No sé si la experiencia de otros se parece a la mía, pero para mí, la diferencia entre filmar Following con un grupo de amigos usando nuestra propia ropa y con mi mamá haciéndonos sándwiches, a gastar 4 millones del dinero de otra persona para hacer Memento y tener un equipo de cientos de persona es, al día de hoy, por amplio margen el salto más grande que he hecho. Era un poco como aprender a nadar una vez que te pasas de tu profundidad: No hay mucha diferencia si estas 2 metros o 100 metros más cerca del suelo ––o te ahogás, o no.

Que hay de nuevo Transformers 4

T

ransformers 4: La Era de la Extinción (en inglés Transformers 4: Age of Extinction) es una película estadounidense en pre-producción, secuela de Transformers: Dark of the Moon (2011). Será dirigida por Michael Bay, quien en un principio no quería volver a filmar una cuarta parte de la saga Transformers, pero aceptó finalmente, debido al interés

del público.5 Shia LaBeouf, quien interpretó el papel protagónico de Sam Witwicky en las tres películas anteriores, declaró que no participará en esta entrega. Está protagonizada por Mark Wahlberg, Nicola Peltz, Jack Reynor, Peter Cullen, John Goodman, Robert Foxworth.

John DiMaggio yKen Watanabe.

Antagonizada por Kelsey Grammer, Mark Ryan y Frank Welker.

Cuarentena

C

uarentena en Latinoamérica- es una película de terror estadounidense dirigida por John Erick Dowdle y protagonizada por Jennifer Carpenter y Jay Hernández. fue la última película de Screen Gems, cayeron en bancarrota rápidamente luego de completarla. La película es un remake de la española [REC].

Extrañas apariciones. La original

Cuando muchos pensaron que ningún país sería capaz de superar el terror oriental, España demostró que su cine es capaz de estremecer a cualquiera. La gran prueba de ello fue [Rec], la cual narra la historia de la reportera Ángela Vidal, quien se adentra en un edificio ignorante de que está repleto de agresivas personas infectadas con un peligroso virus. Filmado en formato de

Su estreno está previsto para el 27 de junio de 2014 en 3D. ARGUMENTO Han pasado 4 años después de la batalla y masacre en Chicago, los Transformers han desaparecido de la faz de la Tierra debido a que los humanos han perdido la confianza en ellos por la mala intención del Autobot traidor Sentinel Prime (asesinado por Optimus Prime), que quería unir a Cybertron con la Tierra y gobernar con los Decepticons y que algunos ciudadanos de Chicago hayan muerto, luego de que Cybertron fuera destruido y por eso han decidido a cazarlos para ser eliminarlos o tal vez capturarlos, y a los humanos que hicieron alianza con Autobots o Decepticons, fueron arrestados por traición. Todo volverá a ponerse en

marcha cuando el gobierno de los EE.UU. empiece a utilizar la tecnología rescatada en el asedio de Chicago para desarrollar sus propios Transformers, así como que Cade Yeager, un inventor de Texas, encuentra al líder Autobot; Optimus Prime. Este descubrimiento pondrá a él mismo, junto a su hija Tessa y al novio de su hija, Shane Dyson en su contra con el gobierno y serán perseguidos. Mientras tanto, una amenaza Decepticon pone a la Tierra en peligro por la destrucción de Cybertron.

Reparto Protagonistas Mark Wahlberg como Cade Yeager, un padre soltero e inventor que vive en el campo junto con su hija en Texas, que encuentra un camión oxidado y abandonado que al intentar repararlo, resulta ser Optimus Prime. El portará un arma cybertroniana con apariencia de pistola/ espada y él podría ser el verdadero salvador y héroe para los Autobots y al mundo. Sam Witwicky solo era

el mensajero, ya detenido y traicionado por el gobierno junto con otros en la anterior trilogía.

Nicola Peltz como Tessa Yeager, hija de Cade. Ella se dedica a sus estudios en la Universidad, pero tomará una dolorosa decisión en la batalla de Hong Kong entre su novio Shane y su padre junto a los Autobots.

Jack Reynor como Shane Dyson, el novio de Tessa y un conductor de

falso documental y en una obscuridad prácticamente absoluta,[Rec] es considerada por los amantes del género una de las cintas más escalofriantes de los últimos años.

El remake Aunque la versión americana realizó un gran esfuerzo por igualar el filme del éxito español, la cinta fracasó rotundamente porque únicamente se enfocó en el horror vivido dentro del inmueble y se olvidó completamente de situaciones determinantes, como los temas religiosos del filme original. Por si esto no fuera suficiente, el remake fue lanzado al año siguiente del estreno de [Rec], por lo que muchos la consideraron una copia apresurada –y desesperada– que únicamente pretendía explotar el éxito de su predecesora.

Mientras [Rec] sigue dando de qué hablar a través de sus numerosas secuelas, elremake sólo tuvo una segunda parte de menor calidad, aunque al menos debemos reconocer que ese filme sí tuvo un guión original. argumento La reportera Angela Vidal (Jennifer Carpenter) y el operador de cámara Scott (Steve Harris) acompañan a un grupo de bomberos en una noche como cualquier otra. Al llegar al primer lugar de alarma, descubren que la emergencia es una anciana que está encerrada en su vivienda, ya que está contagiada con un virus. Cuando intentan salir se

dan cuenta de que están atrapados por las mismas autoridades. Pronto se verán encerrados en un edificio rodeado de extraños infectados que querrán acabar con sus vidas.

Cuarentena 2 La secuela de Quarantine. Continúa la historia después del final de ésta, esa misma noche. En un avión con destinoNashville, un pasajero da muestras de una violenta enfermedad, similar a la rabia. El avión hace un aterrizaje de emergencia en un aeropuerto, momento en el que Jenny, una azafata de vuelo sin demasiada experiencia, es encargada de controlar a los pasajeros que no tardan en descubrir que están en cuarentena cuando llegan un grupo de vehículos de emergencia, unidades de policía y de CDC. Desesperada por huir, Jenny se alista para ayudar a otro de los supervivientes, Henry, e idear un plan para sobrevivir...

Fué dirigida por John Pogue -guionista de Barco fantasma- y protagonizada por Mercedes Masonh y Josh Cooke. Se estrenó directamente en DVD a principios de

REPARTO

Fechas del estreno

Estados Unidos - 27 de junio.

Colombia - 11 de julio Argentina - 3 de julio.

Chile - 10 de julio Reino Unido - 10 de julio.

Italia - 11 de julio.

Perú - 17 de julio.

Ecuador - 17 de julio.

Bolivia - 21 de julio.

España - 8 de agosto.

Japón - 8 de agosto.

Venezuela - 20 de agosto

Jennifer Carpenter - Angela Vidal Steve Harris - Scott Percival Jay Hernández - Jake Dania Ramírez - Sadie Rade Serbedzija - Yuri Ivanov Elaine Kagan - Wanda Marimon Greg Germann - Lawrence Bernard White - Bernard Columbus Short - Danny Wilensky Johnathon Schaech - George Fletcher Sharon Ferguson - Jwahir Jermaine Jackson - Nadif Marin Hinkle - Kathy Joey King - Briana Denis O’Hare - Randy Jeannie Epper - Sra. Espinoza Doug Jones - Hombre del5

Después, en 1999, los científicos Ishiro Serizawa y Vivienne Graham (Ken Watanabe y Sally Hawkings) son llamados a investigar un peculiar descubrimiento realizado en una cantera ubicada en las Filipinas: un esqueleto gigante junto con dos vainas ovoides.

L

a película inicia mostrando a modo de retrospectiva, las pruebas atómicas realizadas en las Islas Marshall en donde –aparentemente– se trataba de eliminar a una inmensa criatura que salía del océano.

Después, en 1999, los científicos Ishiro Serizawa y Vivienne Graham (Ken Watanabe y Sally Hawkings) son llamados a investigar un peculiar descubrimiento realizado en una cantera ubicada en las Filipinas: un esqueleto gigante junto con dos vainas ovoides. Al poco tiempo de descubrir que una de aquellas vainas terminó de incubarse, la Planta Nuclear de Janjira, ubicada en las cercanías de Tokio sufre una explosión que conlleva a una fuga radioactiva. Durante el incidente, el ingeniero supervisor de la planta, Joe Brody (Bryan Cranston), es testigo de la muerte de su

esposa, Sandra (Juliette Binoche).

El accidente es atribuido a un terremoto y toda el área de Janjira es evacuada y puesta en cuarentena.

Quince años después, Ford Brody (Aaron Taylor-Johnson), el hijo de Joe, se encuentra trabajan-

do para el Ejército de los Estados Unidos como un oficial del escuadrón anti-bombas y viviendo en San Francisco junto con su esposa Elle (Elizabeth Olsen) y un hijo, Sam (Carson Bolde). Cuando Joe es arrestado por intentar traspasar

el área de cuarentena, Ford se ve obligado a viajar a Tokio para liberarlo. Determinado en descubrir la verdadera causa de la explosión en la planta, Joe convence a su hijo de acompañarle de nuevo a Janjira, por la memoria de Sandra. Al llegar al lugar, se sorprenden al descubrir que no existen trazos de radiación en toda el área. Tras recuperar toda la información que Joe recopiló sobre el incidente, intentan abandonar el lugar pero son arrestados y remitidos a unas instalaciones secretas construidas sobre las ruinas de la vieja planta nuclear. El lugar está construido alrededor de lo que parece ser una crisálida (similar a la vista en las Filipinas) que está siendo estudiada por Serizawa y Graham. Al poco tiempo, la crisálida inclosiona para revelar una temible y gigantesca criatura alada que asola por completo el lugar para luego escapar. En la devastación, Joe resulta gravemente herido

y muere poco tiempo después. Ante el escape de la criatura, la Marina de los Estados Unidos se propone rastrear y destruir a la bestia antes de que provoque más daños, y se lleva consigo a Serizawa, Graham y a Ford a bordo de un portaaviones (el USS Saratoga) que servirá como su base de operaciones.

Abordo del barco, Serizawa y su equipo le revelan a Ford que la criatura que vio en Janjira es conocida como OTENI (Organismo Terrestre No Identificado); una criatura antigua que se alimenta de radiación y material radioactivo.

Conforme el nivel de radiación de la tierra disminuyó con el paso del tiempo, la criatura se guareció en el subsuelo y se puso en un estado criptobiótico. No obstante, aquella criatura se encontraba siendo cazada por un animal aún más grande que había sido despertado en 1945 por un submarino nuclear estadounidense y que habían tratado de matar (en vano) en 1954. Desde entonces, su existencia había sido ocultada del ojo público. A su vez, Ford les revela al equipo de científicos que, antes de morir, su padre había detectado una especie de ecolocación dentro del área de Janjira, lo que hizo pensar a Serizawa que el OTENI estaba tratando de comunicarse con algo más; y lo peor de todo, ese algo le había respondido al OTENI de vuelta.

Conforme la marina se va aproximando a Hawái, reciben una llamada de auxilio por parte de un submarino nuclear ruso. La fuerza de reconocimiento enviada al lugar descubre al OTENI alimentándose

El planeta de los simios

T

itulada El planeta de los simios: Confrontacion en Latinoamérica y El amanecer del Planeta de los Simios en España) es una película estadounidense de ciencia ficción, acción dirigida por Matt Reeves y la octava de la franquicia El Plane-

6

ta de los Simios. Es secuela de Rise of the Planet of the Apes y se estrenara en los cines de Estados Unidos el 11 de julio de 2014.

Andy Serkis presenta el tráiler de El Amanecer del Planeta de los Simios, la continuación de El origen del Planeta de los Simios que llega-

rá a los cines en julio de 2014.

“Hola, soy Andy Serkis y estoy realmente emocionado por presentaros el primer tráiler de El Amanecer del Planeta de los Simios”.

Esta es la fugaz presentación con la que el actor que da vida a Cesar, el chimpancé que acaudilla la revolución de los simios, introduce el primer adelanto de la nueva entrega de la resucitada franquicia.

Un clip de apenas minuto y medio en el que podemos ver a algunos de los nuevos protagonistas, Gary Oldman (Drácula, El caballero oscuro) o Jason Clarke (Asalto al poder, La noche más oscura) y también a Cesar que dirige las huestes de amenazantes simios que esperan su orden para lanzarse contra los humanos.

En El Amanecer del Planeta de los Simios retomamos una década después los acontecimientos relatados en la primera entrega. En un mundo apocalíptico un grupo de simios

evolucionados genéticamente, capitaneados por Cesar, se convierte en la raza dominante del planeta tierra.

La gran amenaza para su evolución como especie reina es un grupo de humanos que han sobrevivido a un virus devastador desencadenado hace ahora diez años. Simios y humanos han llegado a una especie de pacto de no agresión, pero la paz es débil y desencadenará en una guerra abierta para determinar cuál es la especie dominante en la Tierra.

Matt Reeves (Monstruoso, Déjame entrar) sustituye a Rupert Wyatt en la silla de director en esta nueva y esperada entrega que verá la luz en los cines el próximo verano.

Argumento Una nación en crecimiento de los simios evolucionados genéticamente dirigidos por César se ve amenazada por una banda de supervivientes humanos del virus devastador desencadenado una déca-

da antes. Alcanzan una paz frágil, pero prueba de corta duración, ya que ambas partes se ponen al borde de una guerra que determinará quién va a surgir como especie dominante de la Tierra.

Reparto Los seres humanos Gary Oldman como Dreyfus.

Jason Clarke como Malcolm.

Keri Russell como TBA, la compañera de Malcolm.

Kodi Smit-McPhee como TBA, el hijo de Malcolm.

JD Evermore como francotirador.

Jocko Sims como Werner.

John R. Mangus como Dreyfus Oficial.

Rebekah Jean Morgan como Colony miembro.

Duane Cothren como Armed Colony miembro (Sin acreditar).

Mustafa Harris como Oficial # 1.

Simios[editar] Andy Serkis como César.

Judy Greer como Cornelia.

Actividad Paranormal

L

os marcados. Es la quinta entrega y el ‘Spin-off’ de la saga Paranormal Activity.

Película dirigida por Christopher Landon, guionista de la segunda, tercera y cuarta entrega de la saga Paranormal Activity, así como director del filme Burning Palms. El reparto, encabezado por Jacobs, cuenta con actores como Richard Cabral (El consejero, El mensajero), que interpretará a Arturo, Eddie J. Fernández (The Grief Tourist, Indomable) como Carlos, Kimberly Ables Jindra y Tonja Kahlens.

Con el estreno de la quinta entrega programado para el 2014, se desvía tomando una carretera secundaria y pergeñando un filme que sin participar del tronco argumental de la saga que gira alrededor del personaje de Katie, protagonista de la primera entrega Paranormal Activity. Esto permite una serie de cambios que oxigenan el carácter

de la franquicia, siguiendo las andanzas de unos jóvenes de origen mexicano que viven en unos apartamentos más bien humildes.

A pesar de que se ha intentado aumentar la audiencia después de su estreno, no fue muy bien recibida por la critica, pero se la considera

adolescente que acaba de graduarse de Bachiller, y con el dinero que le dan sus familiares para celebrarlo decide comprarse una cámara de vídeo. Él y su amigo Héctor (Jorge Diaz) empiezan entonces a grabar todo lo que hacen, por lo que deciden espiar a su extraña vecina a

trata de un ritual de magia negra.

Poco después, Jesse empieza a adquirir extraños poderes sobrenaturales y empieza a ser perseguido por fuerzas misteriosas que harán de su vida un infierno, pero días después investigan detalladamente el cuarto de la vecina mencionada anteriormente luego que ésta había muerto en extrañas circunstancias. En el cuarto encuentran estatuillas, libros viejos, herramientas de brujería, objetos y símbolos de adoración al diablo, entre ellas, encuentran fotos de personas en la cual hay fotos de Jesse y de su madre cuando estaba embarazada. Poco después se da cuenta que nació marcado para ser poseído por el demonio, el cual cada día empieza empeorando más y más, hasta que su amigo Héctor, junto con la ayuda de Marisol (Gabrielle Walsh), Arturo (Richard Cabral),junto con un pandillero armados, van a buscar a Jesse, que fue raptado por las demás brujas a una casa en medio del bosque.

El desenlace ocurre en que Arturo y Marisol terminan asesinados de manera sobrenatural, dejando a Héctor sólo, que intenta huir de Jesse ya poseído, en lo cual termina entrando por una puerta con el símbolo de la secta dibujado en ella, la cual lo teletransporta al pasado en donde ocurrieron los hechos en Paranormal Activity, en donde aparece en la cocina, luego le pide ayuda a una mujer mejor que su entrega anterior, Paranormal Activity 4.

Argumento de la pelicula Los hechos se sitúan en el año 2012 en la que Jesse (Andrew Jacobs), un

través de los conductos de ventilación. Para sorpresa de los dos jóvenes, la encuentran marcando con un líquido rojo el vientre de una mujer totalmente desnuda. Al investigar este extraño acto descubren que se

a Héctor sólo, que intenta huir de Jesse ya poseído, en lo cual termina entrando por una puerta con el símbolo de la secta dibujado en ella, la cual lo teletransporta al pasado en donde ocurrieron los hechos en Paranormal Activity, en donde aparece en la cocina, luego le pide ayuda a una mujer (quien es Katie), que acababa de llegar a esa zona de la casa a oscuras, y segundos después de que mira a Héctor reacciona a gritos pidiendo ayuda a Micah. Micah baja las escaleras confundido, intenta calmar a Katie, ella reacciona y lo apuñala (referencia al final de la primera película). Mientras que Héctor intenta huir regresando por donde vino pero es asesinado por Jesse estando poseído.

La cámara termina en el suelo, apuntando hacia un punto de la sala. Katie coge el aparato y lo apaga.

PRODUCCION El debutante director, Oren Peli, sintió miedo a los fantasmas durante toda su vida, pero intentó convertir ese temor en algo posi-

El desenlace ocurre en que Arturo y Marisol terminan asesinados de manera sobrenatural, dejando

Superman Finalmente el 20 de julio de 2013, Zack Snyder confirmó en la Convención Internacional de Cómics de San Diego que el estreno de la secuela será en 2015 y que reunirá a Superman y Batman en una misma película por primera vez, así como también él y David S. Goyer coescribirán la historia y éste último volverá a escribir el guión.

B

atman v Superman: Dawn of Justice es una película del género de superhéroes que será estrenada el 6 de mayo de 2016. La película será la primer adaptación de DC Comics que cuente con más de un superhéroe, siendo en este caso Superman y Batman.

Está dirigida por Zack Snyder, producida por Charles Roven y Deborah Snyder, y escrita por Chris Terrio basada en una historia de

en la Convención Internacional de Cómics de San Diego que el estreno de la secuela será en 2015 y que reunirá a Superman y Batman en una misma película por primera vez, así como también él y David S. Goyer co-escribirán la historia y éste último volverá a escribir el guión. Zack Snyder ha dicho en varias entrevistas que su Batman iba a ser «un justiciero semi retirado y experimentado».

Durante agosto de 2013 se anunció que Ben Affleck iba a interpetar al hombre murciélago en el filme, lo que desató una gran polémica ya que la gente no creía que él pueda interpretar a «un buen Batman».

David S. Goyer. Será protagonizada por Henry Cavill y Ben Affleck en los papeles de Superman y Batman respectivamente. La película iba a ser estrenada en julio de 2015, pero debido a que Ben Affleck se lesionó antes de comenzar la filmación su estreno fue pospuesto al 6 de mayo de 2016. El 10 de junio de 2013,

se anunció que el director Zack Snyder y el guionista David S. Goyer regresarían en una secuela de El hombre de acero. Goyer ya había firmado previamente un contrato de tres películas, las cuales incluían El hombre de acero, su secuela, y La Liga de la Justicia con Superman. También

se espera que Christopher Nolan regrese como productor, o bien en un papel menos importante que en el que tuvo en la película. El 16 de junio de 2013, The Wall Street Journal reportó que el estudio está planeando estrenar la secuela en 2014. Finalmente el 20 de julio de 2013, Zack Snyder confirmó

Respecto al vestuario de los personajes principales, el de Superman iba a ser muy similar al de la entrega anterior con unos ligeros cambios, y el de Batman iba a ser «algo totalmente nuevo» según dijo Kevin Smith, quien ha dicho que ya vio el traje que va a usar Ben Affleck e incluso lo ha comparado con el arte de Jim Lee en los Nuevos 52.

Muchos de los personajes que estuvieron en la película anterior iban a estar presentes en la secuela, con la adición de unos cuantos personajes. El 31 de enero de 2014 se confirmó la participación de 7

Tecnología Efecto Chroma

Una de las técnicas más usadas y antiguas del cine es Chroma Key. Conoce paso a paso cómo son creados algunos de los efectos especiales más importantes de las grandes producciones cinematográficas. El mundo del cine es conocido como un lugar en el que

todo es posible. Volar, caminar sobre el agua, levantar rocas pesadísimas y parar en el tiempo. Nada escapa de las posibilidades creativas de los directores de cine y especialmente en efectos especiales.

Sin embargo, lo que mucha gente desconoce es que sólo los elemen-

tos más llamativos reciben efectos de computación gráfica. Muchas veces escenas cotidianas como una pareja caminando por la calle, también son hechas casi que completamente con aplicación de efectos especiales. Las razones para la utilización de tecnología inclusive

en situaciones donde no es precisamente necesaria varían. Las más comunes son reducción de costos y posibilidad de control total de las condiciones de iluminación del ambiente, algo que siempre genera problemas en filmaciones al aire libre. ¿Pero cómo son filmadas las escenas que involucran efectos especiales? ¿Cuáles son los trucos más comunes utilizados en el cine que vemos en producciones de grandes y pequeños presupuestos?

Bajakí explica el paso a paso de algunos de los efectos especiales más utilizados en la actualidad.

Chroma Key Uno de los efectos utilizados en mayor escala en el cine son los llamados Chroma Key. Simple y rápido, son utilizados desde hace varias décadas e inclusive las formas más evolucionadas de computación gráfica aún toman esta técnica como modelo para la aplicación de efectos posteriores.

Una de las palabras claves para entender el cine de efectos especiales es la planificación. No se enciende

una cámara mientras la escena no esté completamente planeada, con su duración total, condiciones de iluminación, movimientos de los actores y, principalmente, la determinación de los efectos que serán necesarios para la post producción.

Vamos a tomar como ejemplo la escena que ilustramos en la infografía debajo. Un superhéroe sujetando a una mujer en los brazos mientras vuela por los cielos de una gran ciudad. Sería absurdamente caro, y peligroso, colocar a un actor suspendido en un helicóptero para grabar estas imágenes. Por eso se aplica computación gráfica.

El primer paso en una secuencia como esta es la grabación de imagen de fondo, el cielo y la parte superior de los edificios por los cuales el súper héroe sobrevolará. A partir de aquí surgen las condiciones de iluminación exhibidas en la imagen que el director de fotografía podrá determinar cuáles son las condiciones de iluminación necesarias en el estudio... Continúe leyendo el

de los sistemas de sonido en teatros de cine convencionales, los sistemas de sonido IMAX® no son comprimidos, son de altísima fidelidad y usan un sistema de altavoces propio que asegura que cada asiento del teatro está en una buena posición para escuchar el sonido. IMAX® ya ofrece

sonido envolvente del tipo Studio Master Quality, el cual coloca a la audiencia “dentro” de la película.

IMAX DMR crea una experiencia de inmersión con bandas de sonidos claras y libres de distorsiones para películas de Hollywood.

Especificaciones Técnicas FORMATO • Formato: 70mm y 15 perforaciones. El tamaño del fotograma de 15/70. PANTALLAS • Las películas IMAX® son proyectadas en gigantescas pantallas que se extienden incluso más allá de la visión periférica del ser humano, dando la impresión de que uno está en el centro de la acción. • Pantallas: alcanzan a medir la altura equivalente a un edificio de ocho pisos y 37 metros de ancho en el caso de los teatros IMAX®; o en cúpulas, de hasta 27 metros de diámetro en el caso de los teatros IMAX® Dome. EL PROYECTOR • Los proyectores IMAX® son los más avanzados.

La clave es el movimiento de la cinta, conocido como “Bucle Rodante” (Rolling Loop), el cual produce las imágenes más grandes, más claras y más estables del mundo. • El Bucle Rodante avanza la película horizontalmente con un movimiento suave y ondulante, similar al movimiento de las olas. Durante la proyección, cada fotograma de la película es

IMax experiencia La señal digital realzada es, entonces, grabada en una película de formato 15/70mm, cuyo resultado es una presentación visual que, al ser proyectada en los modernos sistemas de proyección de bucle rodante de IMAX®, tiene una imagen brillante, estable, bien definida y absolutamente sorprendente.

Seguidamente, herramientas propias de realce de imágenes desarrolladas y refinadas a lo largo de los años, optimizan cada imagen para proceder con su impresión en una película de formato de 70mm. La información útil contenida en un área pequeña del formato de 35mm es analizada.

Algunas de las técnicas que se emplean para realzar la imagen incluyen afinamiento de la nitidez, corrección del color, remoción 8

de granos y la eliminación de inestabilidades. La señal digital realzada es, entonces, grabada en una película de formato 15/70mm, cuyo resultado es una presentación visual que, al ser proyectada en los modernos sistemas de proyección de bucle rodante de IMAX®, tiene una imagen brillante, estable,

bien definida y absolutamente sorprendente. El sonido En las presentaciones IMAX DMR® la banda sonora original de la película de 35mm es remasterizada para llevarla al sistema de sonido digital envolvente, multicanal de alta tecnología y especialmente diseñado por IMAX®. A diferencia

Blackmagic

Blackmagic Pocket Cinema Camera es todo lo que necesitas llevar para conseguir filmaciones cinematográficas en los lugares más difíciles y remotos, es perfecta para documentales, películas independientes, fotoperiodismo, festivales musicales, periodismo electrónico (ENG), marchas de protesta, e incluso, en zonas de guerra. Logra verdadera filmación digital La cámara de filmación digital que siempre está contigo La Blackmagic Pocket Cinema Camera tiene todas las características

Una verdadera cámara de filmación digital Super 16 lo suficientemente pequeña para llevarla a cualquier parte Presentamos la cámara de filmación digital Super 16 de bolsillo que es lo suficientemente pequeña para que la lleves siem-

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maDNG visualmente sin pérdida y Apple ProRes™, así como también la flexibilidad de ópticas activas con un montaje para lente Micro Four Thirds (MFT),todo esto en un cuerpo de un tamaño increíblemente pequeño. La Blackmagic Pocket

Cinema Camera graba archivos ProRes 422 (HQ) con resolución 1080HD directamente en tarjetas veloces SD, para que puedas editar o corregir el color de tus medios en tu ordenador portátil. Blackmagic Pocket Cinema Camera es todo lo que necesitas llevar para conseguir filmaciones cinematográficas en los lugares más difíciles y remotos, es perfecta para documentales, películas independientes, fotoperiodismo, festivales musicales, periodismo electrónico (ENG), marchas de protesta, e incluso, en zonas de guerra. Logra verdadera filmación digital La cámara de filmación digital que siempre está contigo La Blackmagic Pocket Cinema Camera tiene todas las características de una verdadera cámara de filmación digital de rango altamente dinámico en un tamaño increíblemente pequeño, para que puedas rodar con calidad cinematográfica en situaciones que nunca antes fueron posibles. Imagina rodar un documental, una serie de televisión, un anuncio de televisión o una película independiente en la auténtica

calidad de película digital. Gracias a su tamaño extremadamente compacto, puedes grabar de manera encubierta acontecimientos importantes o históricos como guerras, protestas y otros conflictos con calidad cinematográfica y conseguir un aspecto más realista de dicho acontecimiento. ¡Blackmagic Pocket Cinema Camera es una verdadera revolución en la forma en que puedes rodar cine digital Amplio rango dinámico Retén más detalle de imágenes para lograr más potencia de gradación de color Las cámaras de vídeo normales capturan un rango dinámico muy limitado, por este motivo sus imágenes tienen ese aspecto de vídeo.

En cambio, las cámaras de cine digital tienen un rango dinámico mucho más amplio y esa es la razón por la que los anuncios de televisión de calidad y los largometrajes se ven tan hermosos. La Blackmagic Pocket Cinema Camera ofrece un aspecto realmente cinematográfico, ya que captura un súper amplio rango dinámico de 13 paradas. Esto implica que conservas todos los datos del sensor durante la gradación de color en DaVinci Resolve. La mayor calidad La tecnología de una cámara de películas digitales en un tamaño pequeño La Blackmagic Pocket Cinema Camera, diseñada con precisión según la última tecnología, tiene todas las características de una cámara

Iluminacion en el Cine La iluminación en cine es un factor expresivo y funcional que ayuda a crear continuidad entre los distintos planos y a aumentar la expresión artística de la imagen.

La luz es la base del cine, gracias a ella la cámara es capaz de captar las imágenes, a través del CCD en cámaras de video y a la película en cámaras de cine.

Luces empleadas en cine.

Las luces básicas utilizadas en cine son dos: suave y dura. Además hay una técnica de iluminación básica de un sujeto que constaría en el uso de tres fuentes de luz: Contraluz y dos luces de relleno. • L u z Suave: es difusa, haciendo que reduzcan los fuertes contrastes y permitiendo ver detalles en las sombras. •Luz Dura: al contrario esta está más definida y hace que el entorno y las formas destaquen,

imposibilitando ver detalles en la sombra. La iluminación clásica de un sujeto constaría de tres fuentes de luz. •Contraluz: situada detrás del sujeto consigue perfilarlo, darle relieve y separarlo del fondo destacando su figura.

•Luz de Relleno: hacen visible al personaje, y lo matizan.Esquemas de Iluminación La fotografía es uno de los aspectos más importantes a desarrollar dentro de la cinematografía, ya que aparte de generar ambientes, tonos y ayudar al ritmo de la narración, genera una

sensación de tridimensionalidad a las imágenes que se ven en la pantalla; ya que sin esta, ninguna persona podría ver la película.

“La iluminación es uno de los factores más importantes del cine.

Le concede tono a la película, a la vez que da a imágenes de dos dimensiones la apariencia de la vida tridimensional.” 1 Para poder lograr esto, generalmente se utiliza un trángulo de fotografía o “Iluminación de tres puntos, el cual utiliza una luz primaria, una luz de relleno y una luz posterior. Con

estos tres se genera profundidad en personas, fondos u objetos, y sombras, por lo tanto hay un efecto de “tridimensionalidad”.La luz Primaria es generalmente utilizada para iluminar al personaje, y es la fuente primaria de luz ya que es la que simula la luz del sol o alguna fuente emisora de luz. La luz de relleno sirve para difuminar o borrar las sombras duras que genera la primaria, debe posicionarse en un ángulo parecido al de ésta, pero no exacto, ya que se simula alguna luz secundaria o reflejos de la luz

principal. La luz posterior se usa primordialmente para separar al sujeto del fondo y generar ese efecto de tridimensionalidad, del que hablaba anteriormente, en algunas ocasiones también es usado para generar un halo para un personaje u objeto específico.

Para cambiar el tono de una película se puede recurrir a este esquema de iluminación, ya que si se quiere un tono algo más jocoso, por ejemplo para una comedia, la luz de relleno debe aumentar su brillo, y esto generará un tono 9

Cine Clásico Charles Chaplin

Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Sin embargo, las películas más destacadas de Chaplin fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas.

C

harles Spencer «Charlie» Chaplin (Londres, Inglaterra, 16 de abril de 1889-Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977) fue unactor, humorista, compositor, productor, director y escritor británico. Adquirió popularidad gracias a su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo. A partir de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo. Para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial. Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del musichall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países. Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan, y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Sin embargo, las películas más destacadas de Chaplin fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, para 1916 también se encargó de la producción, y desde 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists. A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Oscar Honorífico en 1928 y1972, fue

candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975 y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York y La condesa de Hong Kong, sus últimos trabajos. Falleció el Día de Navidad de 1977. Chaplin fue nombrado Sir en 1975 a la edad de 85 años por la reina Isabel II.El honor había sido propuesto en 1931 y en 1956, pero fue vetado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, que expresó su preocupación por los supuestos puntos de vista políticos de Chaplin y su decisión de casarse en dos oportunidades con jóvenes de apenas 16 años. Esto, quizás, dañaría la reputación del sistema de honores británicos y la relación con Estados Unidos Entre otros honores, Chaplin recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. Una estatua del cómico fue realizada por John Doubleday para estar en el Leicester Square en Londres. Fue presentada por Sir Ralph Richardson en 1981. Una estatua de bronce de Chaplin se halla en Waterville Kerry. Chaplin recibió tres premios de la Academia a lo largo de su vida: uno como Mejor Banda Sonora y otros dos de carácter honorífico. Sin embargo, durante sus años como cineasta, Chaplin no recibió ningún premio por sus películas, a pesar de que Luces de la ciudad y Tiempos modernos son consideradas unas de las mejores películas del siglo XX. Hasta la actualidad, es considerado una de las figuras del espectáculo más representativas del cine mudo como así también un ícono del humorismo. Entre 1917 a 1918 el actor Billy West hizo una veintena de películas imitando al personaje de Chaplin. Cuatro años después de su muerte, la astrónoma ucraniana Lyudmila Karachkina, descubridora de 131 asteroides, nombró a uno de ellos Chaplin 3623 en honor al actor. También ha sido caracterizado en diversas series de dibujos animados y, en 1985, fue honrado con su imagen en sellos de correo en Reino Unido. La crítica expresó que había alcanzado «un nivel de expresión dramática que nunca fue superado». Además de que se comercializaron distintos

10

productos con la imagen de Chaplin, la IBM diseñó en la década de 1980 comerciales con un imitador del cómico. En 1992, Richard Attenborough coordinó un filme sobre su biografía titulado Chaplin, el cual recibió un premio BAFTA. El director John Woo, por su parte, dirigió la película Hua ji shi dai (1981), en la que parodió a El circo. En 2001 el comediante británico Eddie Izzard interpretó al actor en el filme The Cat’s Meow, basada en la muerte aún sin resolver del productor Tomas H. Ince durante un partido de fútbol, en el cual Chaplin era un invitado. El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era seguidor de sus películas y en su filme Los cuentos

de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del vagabundo. Una de las hijas del fallecido actor, Josephine Chaplin también trabajó en la película. El diario Página/12, de Argentina, analizando su obra, publicó: «Casi sin excepción, Chaplin ha encontrado en las contradicciones de su siglo el más apasionado material dramático y, sin duda, este hecho le valió la oposición de la crítica que no aceptaba este criterio de “inmediatez temática” que lo ha hecho transitar valientemente por caminos vinculados a la sátira política». La revista inglesa Time realizó un estudio, apoyado en encuestas y opiniones de diversas publicaciones en todo el mundo, por

Marilyn Monroe Su protagónico más elogiado fue el Sugar Kane para la película de 1939 Some Like it Hot (1959), por la que incluso ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.3 En sus últimos años actúo en películas como Let’s Make Love (1960).

N

orma Jeane Mortenson (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1 de junio de 1926–Ibíd, 5 de agosto de 1962), mejor conocida en el mundo artístico por su seudónimo Marilyn Monroe, fue una de las actrices estadounidenses de cine más populares del siglo XX considerada como un ícono pop y un símbolo sexual. En 1945, Mortenson empezó a trabajar como modelo y más tarde comenzó su carrera en Hollywood con el nombre artístico de Marilyn Monroe. Desde finales de la década de 1940, apareció en muchos pequeños papeles, gracias a un contrato conTwentieth Century-Fox; durante esa etapa se destacan sus participaciones en The Asphalt Jungle (1950) y All About Eve (1950).

Su primer papel protagónico lo obtuvo en la cinta de 1952 Don’t Bother to Knock. Su período de mayor popularidad sucedió a partir del año siguiente, cuando encabezó filmes como Gentlemen Prefer

Blondes (1953), How to Marry a Millionaire (1953) y The Seven Year Itch (1955). Tras matricularse en el Actor’s Studio, fue alabada por la crítica por su labor en Bus Stop (1956). Simultáneamente, en colaboración con Milton Greene, fundó la Marilyn Monroe Productions. Su protagónico más elogiado fue el Sugar Kane para la película de 1939 Some Like it Hot (1959), por la que incluso ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.3 En sus últimos años actúo en películas como Let’s Make Love (1960) y The Misfits (1960). Fue contratada por uno de los ejecutivos de la Twentieth Century Fox para trabajar como extra de cine durante seis meses.

Fue él quien le propuso el nombre artístico de Marilyn Monroe: Marilyn por la actriz Marilyn Miller y Monroe por ser el apellido de soltera de su madre. En sus primeros papeles interpretó a una telefonista en la película musical The Shocking Miss Pilgrim y a una camarera enDangerous Years. La escasa

Tarantino

Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, al sur de Los Ángeles, y más tarde al barrio de Harbor City, donde asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita, y tomó clases de teatro.

“

Es gracioso, para mí la mayoría de las escuelas de cine no te enseñan lo que necesitas para crear tu propia estética, tu propio estilo. Y en realidad parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo. Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de edición o “Oh, puedes hacer esto con una cámara” y te mostrarán algunas películas.

Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas “me gusta esto, pero no me gusta esto otro...”. Pero luego empiezas a darte cuenta de la diferencia entre un buen trabajo y un mal trabajo, no sólo “me gusta esto, pero no me gusta esto otro...”. Y entonces comienzas a afinar tu estilo, y ya sólo es ponerlo en práctica.

Quentin Jerome Tarantino Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera. Su padre es de ascendencia italiana (su abuelo era

originario de Palermo) y su madre es de ascendenciairlandesa, alemana y cheroqui. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Fue criado por su madre, ya que sus padres se separaron antes de nacer. Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, al sur de Los Ángeles, y más tarde al barrio de Harbor City, donde asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita, y tomó clases de teatro. Empezó a escribir junto con Avary y otros amigos, pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut comodirector. En parte como consecuencia de lo difícil que resultaba poder hacer una “película de verdad” para un escritor desconocido como director, escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una pelí-

cula de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender leyó el guion de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa “película de verdad”. Fue Bender quien hizo llegar el guion al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de éste lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de co-producirla), Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. Reservoir Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo. De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de Reservoir Dogs se vendieron enseguida: fueron True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott) y Natural 11

Woddy Allen

A

llan Stewart Königsberg (Brooklyn, 1 de diciembre de 1935), más conocido por su nombre artístico Woody Allen, es undirector, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Ha sido ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones. Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna, rodando una película al año desde 1969.

Allen dirigió, escribió y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine, y la cual recibió el premio Óscar al Mejor director en 1977. Mantiene una gran amistad con su primera “musa” y ex pareja, Diane Keaton.

Sus grandes influencias cinematográficas oscilan entre directores europeos como Ingmar Bergman y Federico Fellini, hasta comediantes como Groucho Marx y Bob Hope.

Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio Sylvana Award. A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cade-

na de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis. En 1952, cuando se encontraba terminando la secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periódicos de su ciudad. El primero en usarlos fue Nick Kenny, columnista del Mirror. Poco después, Earl Wilson, el más leído del New York Post, también usaría algunos chistes de Allen. Inicialmente se publicaron de forma anónima, pero luego lo hicieron con el seudónimo de Woody Allen. Con 17 años su nombre ya circulaba por diferentes agencias de relaciones públicas y sus chistes aparecían más en los periódicos. Gene Shefrin, un agente de prensa, se interesó por este joven a quien contrató para la agencia en la que trabajaba.

A finales de 1953, Allen ingresó en la Universidad de Nueva York, donde entre otras materias cursaba Producción cinematográfica. Pero no le interesaban mucho las clases; le gustaba más asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura. Después de dejar de asistir a la mitad de las clases, terminó su primer semestre en la Universidad con pésimas calificaciones en varias materias. Se retiró sin iniciar el

Casa Blanca

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asablanca es una película estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (‘todos vienen al café de Rick’) de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que este pueda continuar su lucha contra los nazis. Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que este pudiese ser algo fuera de lo normal.9 Se trataba simplemente de una de las docenas de produc-

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ciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un sólido inicio pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guion y el impacto emocional de la obra en su conjunto. El personaje principal luchó en el lado republicano en la Guerra Civil Española pero en el primer doblaje de España esta referencia se suprimió debido a la dictadura de Francisco Franco, ya que el estreno fue en 1946. Igual pasa con la referencia al combate en Abisinia contra las tropas fascistas. En doblajes posteriores ya se hizo mención a la actividad de Rick con la II República y con Abisinia. A este respecto, existen tres diferentes doblajes de la película al español: el original, otro de 1966 y otro de 1983. El doblaje más conocido está lleno de errores de traducción y provoca, entre otras cosas, que se pierda la frase «Here’s looking at you, kid», que como ya se mencionó sería considerada a la postre como una de las mejores de la historia del cine. Numerosos

rumores e historias se han ido tejiendo en torno a la cinta. Se llegó a afirmar que el entonces actor Ronald Reagan había sido elegido originalmente para interpretar el papel de Rick Blaine. Este rumor nació temprano, durante una de las exhibiciones que el estudio otorgó a la prensa cuando el filme estaba aún en desarrollo, pero para ese momento el estudio ya sabía que Reagan estaba comprometido con la Fuerza aérea de los Estados Unidos y nunca fue tomado en cuenta. Otro de los rumores famosos sobre la película es aquel que afirma que los actores no supieron hasta el último día de filmación cómo terminaría la historia. De hecho, la obra original (que por cuestiones técnicas se desenvuelve por completo dentro del café) terminaba con Rick enviando a Ilsa y a Víctor hacia el aeropuerto. Durante la adaptación del guion se discutió la opción de hacer morir a Laszlo en Casablanca, lo que hubiera permitido que Rick e Ilsa volaran juntos, pero —como Casey Robinson le escribiera a Hal Wallis previo el inicio de la filmación— el final de la historia «está hecho para que haya un giro oportuno en el momento en que Rick la envíe en el avión con Víctor. Entonces así, haciendo eso, no solo está resolviendo el triángulo amoroso.

Está forzando a la chica a estar a

Lo que el viento se llevo

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o que el viento se llevó (en inglés Gone with the Wind) es una de las películas más famosas de la historia del cine. Basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer), su rodaje, que duró 125 días, supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica. En el momento de su estreno fue la película más cara (U$S 4,25 millones) que se había rodado, también de las más galardonada por haber recibido diez premios Oscar, récord que mantuvo hasta el año 1959.

El guion —obra de Sidney Howard, merecedor de un Oscar— se basa en la novela escrita por Margaret Mitchell. La película se ambienta en el sur de los Estados Unidos, en Atlanta, donde aún perduraba la esclavitud y los grandes terratenientes. Cuenta la historia de una orgullosa y rica jovencita llamada Scarlett O’Hara (Vivien Leigh) que en los tiempos de la guerra de secesión estadounidense, lucha por salir adelante en una nación en guerra. Suspira por el amor de Ashley Wilkes (Leslie Howard), hasta el punto de que sobrepone este interés a cualquier otra cosa. Su vecino Ashley —un noble sureño— acaba casándose con Melania Hamilton (Olivia de Havilland), una

mujer buena y adorable, frustrando así las aspiraciones de Scarlett.

Al tiempo, un apuesto pero no tan noble negociante llamado Rhett Butler (Clark Gable) se enamora de Scarlett. Lo que el viento se llevó (Gone with the wind) llegó a rodarse con cinco directores distintos: B. Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming. Y esto sin contar la escenas rodadas con directores de segunda unidad, que fueron unas cuantas debido a los avatares del rodaje. Se cuenta que el director que debía haberla realizado es George Cukor, quien apoyó la elección de Vivien Leigh, pero Clark Gable exigió su sustitución, según rumores porque Cukor (reconocido homosexual) conocía detalles del pasado de Gable y éste se sentía incómodo a su lado. Cuando Vivien recogió su Oscar por esta película, cuentan que fue vista llorando en un cuarto de baño porque lamentaba que George Cukor no pudiese compartir con ella ese momento.

Era una historia magna y el rodaje fue hecho a igual escala. La cinta tiene una duración de cuatro horas (239 minutos). De los tres directores, sólo Victor Fleming aparece en los títulos de crédito. Se estrenó en Atlanta el 15 de diciembre de 1939 en el Gran Teatro Loews, que

Escenografia

El Despertar (1946), Mujercitas (1949), Un Americano en París (1951), Cautivos del Mal (1952), Julio César (1953), y Marcado por el Odio (1956). Gibbons también fue uno de los 36 miembros fundadores de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en 1927. Se le acredita, además, como el principal diseñador de la clásica estatuilla de los premios Oscar.

Austin Cedric Gibbons (18931960) es uno de los nombres más ilustres de la historia deHollywood. Fue el pionero del diseño escenográfico a gran escala y su contribución fue esencial para la expansión del séptimo arte. Nacido en Dublín, emigró muy pronto con sus padres a Estados Unidos.

Iniciado en el mundo del diseño por su padre arquitecto, pronto desarrolló sus aptitudes en varias academias artísticas. Su creatividad rebosante le llevó al incipiente Hollywood de 1915. Fue contratado por los Edison Studios para los que diseñó su primera escenografía en 1919. Tras el cierre de los estudios Edison, pasó a trabajar para Samuel Goldwyn dándose a conocer ante Louis B. Mayer, que le contrató en exclusiva para la MGM a partir de 1924. Hasta 1956, año de su retirada, Gibbons diseñó la escenografía en más de 1000 películas de la Metro. Su visión arquitectónica del espacio y los enormes recursos del estudio permitieron que pudiera diseñar decorados de

gran profundidad y lujo sacudiendo el panorama cinematográfico de su época. Los films de la Metro (y en particular sus famosos musicales) consiguieron impactar fuertemente en el público afianzanado la posición del estudio como emblema de la era dorada de Hollywood. Trabajó con los mejores y dio lo máximo para crear escenarios fílmicos inolvidables. Repasar su lista de películas es como trazar una parte de la historia del cine entre la década de los 20 y la de los 50. Por sus espléndidos trabajos, Cedric Gibbons fue nominado a los Oscar 39 veces, ganando 11 por los decorados de las siguientes películas: El Puente de San Luis Rey (1929), La Viuda Alegre (1934), Orgullo y Prejuicio (1940), De Corazón a Corazón (1941), Luz que Agoniza (1944), El Despertar (1946), Mujercitas (1949), Un Americano en París (1951), Cautivos del Mal (1952), Julio César (1953), y Marcado por el Odio (1956). Gibbons también fue uno de los 36 miembros fundadores de la Academia de las Artes 13

Cine Ecuatoriano Que tan lejos

Esperanza (Tania Martínez), una turista española, y Tristeza (Cecilia Vallejo), una estudiante ecuatoriana, se conocen en un bus con destino a Cuenca, ciudad a la cual desean llegar pero movidas por motivos diferentes. En el camino se encuentran con un paro nacional el cual bloquea la carretera por lo que deciden continuar el trayecto buscando alguien que pueda llevar por lo menos al pueblo más cercano.

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ué tan lejos es una película ecuatoriana, dirigida por Tania Hermida, narra la historia de Esperanza, una turista española quien llega a Ecuador con la intención de conocer el país.

Teresa, estudiante ecuatoriana, y que se le presenta como Tristeza, se le une mientras espera encontrarse en el camino con el chico al que ama. Haciendo aventón, en mitad de una huelga nacional, so-

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las o en compañía de otros, ambas mujeres emprenderán un singular viaje en el que aprenderán tanto de la otra persona como del país que las rodea. Y sobre todo, de sí mismas. Qué tan lejos fue bien recibida por la crítica y premiada en varias oportunidades. Como detalle a tener en cuenta, vale recordar el gran éxito cosechado en su país de origen, donde fue vista por más de 200 mil espectadores y ha perma-

necido en cartelera por más de 24 semanas (tomando en cuenta que el cine ecuatoriano generalmente tiene poca taquilla en su país de origen). Entre los reconocimientos, cabe destacar el Zenith de Plata que obtuvo en el marco de la Competencia mundial de primeras obras del Festival des Filmes du Monde de Montreal, Canadá.

Esperanza (Tania Martínez), una turista española, y Tristeza (Cecilia Vallejo), una estudiante ecuatoriana, se conocen en un bus con destino a Cuenca, ciudad a la cual desean llegar pero movidas por motivos diferentes. En el camino se encuentran con un paro nacional el cual bloquea la carretera por lo que deciden continuar el trayecto buscando alguien que pueda llevar por lo menos al pueblo más cercano. Durante su trayecto empezarán a conocerse entre ellas con mayor profundidad, así como también conocerán un poco más de Ecuador y su gente en un viaje que debió durar unas cuantas horas, pero por cosas de la vida su destino estará más lejos de lo que aparenta. Jesús irrumpe como un bálsamo al cabo del primer tercio de la película, justo cuando las dos muchachas parecen condenadas al aburrimiento. Como ideólogo, Jesús asume el rol de abuelo de Tristeza, pues comprende de inmediato la ridícula dimensión de su drama y se solidariza con ella ofreciéndole su amistad. Supera así la película su momento más arriesgado, cuando Jesús le indica a Tristeza el camino de la vida y le dice: “tu historia

acaba de empezar”. Como ideólogo también, Jesús está allí para que comprendamos que el meollo de la historia estriba en que Tristeza se de cuenta que hay un mundo más allá de la burbuja en la que vive. Un mundo, el Ecuador, rico en contradicciones y matices, rico en paisajes y color, y condenado por culpa del curuchupismo y la cuencanidad a vivir hundido en la mentecatez y la mojigateria. Jesús, que es un desencantado y vive resignado a que el mundo sea tal cual es, llevando a cuestas, en todo su desgarbado ajuar, nada menos que las cenizas de su abolengo, se permite sin embargo cierto cinismo, relativizando así el platonismo general de la trama y consiguiendo con ello la identificación plena del espectador medio, que vive tan desencantado como él y al mismo tiempo ama tanto como él las nobles tradiciones de la patria. La película fue filmada utilizando como escenarios: montañas, playas, y pueblos de ocho provincias ecuatorianas: Pichincha, Cotopaxi, Tungurahua, Chimborazo, Cañar, Azuay, Manabí y Guayas. Cuando Tristeza se baja de la moto luego de recibir un aventón, éste establece un diálogo en quichua - sin subtítulos - con su amigo, diciéndole que estaba interesado en ella porque creía que era “gringa” y cuando se da cuenta que no es gringa sino solo una quiteña “aniñada”, se desinteresa. Las viajeras que nos guían a través de la historia son Cecilia Vallejo (Tristeza) y Tania Martínez (Esperanza) quienes tomaron las riendas de esta película con mucha seguridad y sobretodo

credibilidad ya que sus personajes encajaron perfectamente en la trama mostrándose como personas comunes y agradables, con quienes podríamos encontrarnos en alguna calle o de las cuales posiblemente somos amigos. Entre ellas aprenden algunas cosas de la vida, pero también lo hacen de otros personajes interpretados con mucha naturalidad por Francisco Aguirre (Jesús) y Fausto Miño (Andrés) los cuales añaden una nueva y cómica visión del viaje. A lo largo de la película es evidente la gran química entre cada uno de los actores del elenco, también apoyados por personajes de menor importancia, y muy bien interpretados ya que ayudan a conocer algo más del contexto de cada parada. El viaje dio la oportunidad de escuchar una impecable y muy ecuatoriana banda sonora con temas de a través de las 8 provincias que atraviesan, cuya natural belleza se ve explotada por una excelente fotografía donde la principal característica es la soledad y tranquilidad de los paisajes, los cuales provocan ganas de viajar a través de ellos inmediatamente.

Qué Tan Lejos es un divertido y auténtico retrato del Ecuador, cuya directora ha logrado dar vida a un verdadero producto de cine local y no algo solo filmado en este país, lo que es de gran satisfacción al ver como nuestra identidad cinematográfica se encuentra en crecimiento gracias a este nuevo hito marcado por Tania Hermida; quien en un par de ocasiones incluye en su historia el gracioso consejo “Cuiadaráse de los cuencanos”….será que ya tie-

A tus espaldas

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stamos en un momento donde la industria cinematográfica del Ecuador está mejorando su ritmo ya que cada vez aparecen estrenos de manera más seguida, dejando atrás esa espera de varios años hasta poder ver una nueva producción.

Este 2011 empieza con la película ‘A tus Espaldas’ cuya idea central parte de la frase “El Panecillo…Ella ubicó al norte a los ricos y encerró en el sur a los pobres” con la cual durante su promoción la vendió erróneamente como un drama social. Más de uno esperó una tragedia de todo esto, pero el resultado es diferente a medida que se conoce la historia de Jorge Chicaiza Cisneros, un joven avergonzado de su humilde infancia en la zona sur de la ciudad de Quito, quien con el dinero que le envía su madre desde España busca construir una nueva vida al norte de la capital en donde para empezar cambia su nombre por Jordi Lamotta Cisneros. Como suele suceder con la mayoría de películas ecuatorianas, al bajar la intensidad de las luces en la sala empiezan a aparecer los logos de los diferentes auspiciantes de la producción, pero en este caso de repente llama la atención una secuencia inicial animada, que aunque tiene una corta duración, real-

mente logra marcar una diferencia con respecto a los créditos iniciales que usualmente se ven en el cine ecuatoriano, y demostrando la atención que se le dan a ciertos detalles que otros olvidan. En este momento una voz en off empieza a narrar la vida de Jorge, o Jordi como prefiere ser llamado el personaje principal. Su vida, marcada por situaciones que viven algunas familias ecuatorianas, empieza a mostrar la lucha entre clases sociales, donde los de un estrato bajo quieren escalar un peldaño, al mismo tiempo los de estratos más altos buscan marcar una línea de separación. Las apariencias están a la orden del día, pero lo que arranca como un aparente drama social empieza a sorprender ya que es posible encontrar una buena dosis de comedia que asegura algunas risas a lo largo de los 72 minutos del primer largometraje en la carrera de Tito Jara, cuya experiencia radica en la dirección de cortometrajes y videos musicales. Detrás de cámara Jara realiza un buen trabajo que sirve para dar vida al guión también escrito por el, y cuya premisa básica resulta interesante cuando nos damos cuenta de que el supuesto fenómeno social del Norte y Sur no termina reflejado en la ciudad sino en

la cabeza del protagonista quien le huye a todo lo “cholo”. El problema es que es posible notar una narración que tropieza con un poco de desorden lo cual lleva a estancar el ritmo donde no hay que hacerlo o repitiendo situaciones comunes que a veces de manera forzada buscan una identificación con lo ecuatoriano, como por ejemplo la fiesta ambientada con musica de Fausto Miño. Aunque a simple vista los personajes principales pueden ser encasillados como estereotipos, realmente dicho perfil es el necesario para contar las desaventuras de Jordi y su compañera Greta, una modelo colombiana.

El problema radica en las actuaciones, un conocido punto débil en las producciones ecuatorianas, que una vez más queda demostrado con el trabajo de este elenco,

que aunque no es algo que arruina la experiencia, si son responsables de que tome algunos minutos el acostumbrarse a la presencia en pantalla de estos actores, sobretodo del cantante Gabino Torres, quien casi llega a caricaturizar a su personaje, algo que no necesariamente sucede con la colombiana Jenny Nava y Nicolas Hogan (Jefe de Jordi), quienes cumplen con sus trabajo sin mayores méritos, a diferencia de uno de los amigos del protagonista interpretado por Daniel Moral, quien tiene una gran espontaneidad que lo lleva a lucir como el típico amigo que muchos tienen a su haber. La historia avanza con la extraña relación de los protagonistas quienes viven un sin número de problemas conocidos en nuestra sociedad y en un momento de descuido el tono

cambia drásticamente dejando al descubierto un giro en la trama que nadie puede haber imaginado, pero que en varias escenas Jara ya venía cocinando el preámbulo para unir amoxicillin buy cialis internet online su historia con un conocido caso de corrupción en el país, el cual resulta hasta divertido presenciar desde otro punto de vista y con un montaje muy a lo ‘Ocean’s Eleven’ criollo. ¿Forzado?

Talvez, pero sí que funciona muy bien junto a la escena final. Con un impactante efecto visual involucrando El Panecillo (pero perdido sin mucha razón al inicio) y acompañada siempre de un lenguaje muy pintoresco y una cuestionable voz en off, ‘A tus Espaldas’ talvez pecó al querer abarcar más de lo que podía, haciendo referencia a la problemática social de donde par-

que la chica a la que pretendía se acostó con uno de sus compañeros de pesca, toma la decisión de pedirle a Lorna que lo acompañe a Guayaquil para encontrar a su padre y vender todo sus paquetes, por lo que le pagaría quinientos dólares, ella acepta pensando que se

puede salir con las suyas y safarse de Blanquito, para poder regresar a Colombia y reunirse con su hija y le dice que tiene contactos en Quito a los cuales puede venderles la cocaína

El pescador

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escador es una película ecuatoriana dirigida por el director ecuatoriano Sebastián Cordero. Se estrenó mundialmente en la 59 edición del Festival de San Sebastián en España en el 2011. Blanquito tiene 30 años y vive con su madre en un pueblo pesquero. Un cargamento de cocaína aparece un día en la playa, dándole la oportunidad de viajar en búsqueda de una mejor vida y de un padre que nunca conoció, junto a una mujer que dice poder mover la droga. Pero las cosas no son como parecen y Blanquito, un tipo entrañable y divertido, pronto se dará cuenta que no pertenece a ningún lugar. El hallazgo de la cocaína La historia gira en torno a Blanquito, un hombre de 30 años que vive junto a su madre en un pequeño pueblo pesquero llamado “El Matal”, en la costa norte del Ecuador.1 A Blanquito no le interesa el mundo de la pesca, no sabe ni lanzar una red al agua.2 Lo que más quiere es viajar a Guayaquil y empezar otra vida lejos de El Matal, ya que siente no pertenecer a ese pueblo. Uno de sus propósitos es conocer a su padre, un político muy conocido, pero que aun así él no conoce, debido a que abandonó

a su madre cuando ella estaba embarazada de él y solo sabe que lleva su mismo nombre, Carlos Adrián Solórzano. Una mañana de madrugada, Blanquito se levanta tarde al trabajo, para cargar canastas llenas de pescados desde los botes de sus colegas pescadores hasta la orilla de la playa, donde se percata de una de las cajas de madera que fueron arrastradas por la marea, la cual contiene paquetes forrados en plástico con forma de ladrillos, llenos de cocaína.1 Después de abrir uno de ellos y probar el polvo blanco en su interior, se da cuenta de lo que tiene y empieza a llevarse todo lo que puede hacia su casa, al igual que todos los pescadores y habitantes del pueblo que se encontraban en ese momento. Más tarde Blanquito lleva un encargo desde la tienda de un amigo hacia una casa lujosa donde conoce a Lorna, una colombiana de la cual él se enamora. Lorna no tiene suficiente dinero para pagar el encargo, ya que fue abandonada por su novio Elías, el dueño de la casa. En la noche los narcotraficantes se reunieron con la gente del pueblo para comprarles cada ladrillo de droga encontrado por quinientos dólares, pero Blanquito sabe que puede ganar mucho más y decide venderles un par de paquetes para poder al fin, viajar a

Guayaquil y ganar más dinero por los ladrillos restantes. Debido a que su amigo el dueño de la tienda, decide no acompañarlo ya que su sueño es montar en el pueblo una empresa de mariscos junto a Blanquito, que tenga de nombre “Mariscos del Mar”, y luego que se entera

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Con mi corazon en Yambo

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a vida de su familia se refleja en 2 horas y 15 minutos del largometraje, ¿qué significa Con mi corazón en Yambo para usted? Esta no es solo una historia familiar, sino de todo un país. Un país que vivió y sintió la pérdida de dos niños como si fueran suyos, hace 23 años. Quiero que la gente abra su corazón y recuerde (...) No pueden volver a ocurrir actos de tortura y desaparición forzosa, hechos criminales, atropellos de ninguna índole de los derechos humanos. Que la gente no olvide es lo importante en esta historia. ¿De qué manera se narra el argumento en el documental?

El documental está narrado en dos niveles. El nivel personal entrecruzado por todo este archivo nacional y mediático. Es la historia de un país ubicando personajes, un poco más didáctico, investigativo, para aclararle a la gente cómo sucedió, qué pasó, quiénes estuvieron involucrados, cuáles eran los culpables. No podía quedarme solo en una historia personal. ¿Revivió el suceso al recopilar la información del filme? Sí, fue un proceso complejo porque mucho material que yo había recopilado lo veía por primera vez. Cuando todo ocurrió yo tenía 10 años. Mi papá logró que mi vida continúe, pese a que

dentro de casa se vivía una situación de locura. Entonces, toparte con material, sí te sobrecoge y vuelves a revivir eso. ¿Aclaró sus dudas al reunir toda esta información? Claro. Yo sabía lo valiente que eran mis papás, pero verlos en imágenes reclamando, exigiendo, mi mamá contra todo y contra todos, claro es un redescubrimiento. No los valoraba así. Mis papás realmente lucharon contra todo un estado de impunidad en esa época de silencios, de muros, de puertas cerradas y no se cansaron, no tenían miedo de nada. Eso sí te ayuda a revalorar las cosas y toman otra magnitud. ¿Cómo surgió el título del documental? Yo no me lo inventé, sino que estaba en unos carteles con los que mis padres salían a la plaza cuando toda esta olla podrida se destapó y se supo que lanzaron los cuerpos de mis hermanos a la laguna de Yambo. Esa fue nuestra frase, nuestro corazón está en Yambo. No los encontramos, no hemos podido rescatarlos, pero nuestro corazón sigue allí, ligado, de pie, puesto como una estaca en medio de esa laguna, que es lo único que nos mantiene cerca de ellos. Y la ausencia de ellos, ¿cómo la ha vivido? Eso es lo duro de esa historia y de mi historia, que la memoria es tan cruel que

es capaz de dejarte sin esas anécdotas (...) Los hermanos son los cómplices, los que pelean contigo, los que te protegen al mismo tiempo. Son tus primeros amigos, que te los arranquen así, es muy duro porque yo ya no los recuerdo. De repente tu vida da un giro de 180

grados y siempre sueñas que están de vacaciones, pero llega un punto en que tienes que reconocer que no van a volver. ¿Cuál cree que será la reacción del público? a a tener muchas repercusiones positivas y negativas. No faltará el que nos ataque, pero siempre nos

Cuando me toque a mi

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l segundo largometraje de Víctor Arregui es un filme que reflexiona sobre la muerte a través de la historia de un personaje a la derriba y con el telón de fondo de una sociedad en descomposición.

Siguiendo la novela De que nada se sabe de Alfredo Noriega la película relata los últimos instantes en la vida de varios individuos que terminan por diversas razones en la morgue. Estos relatos fragmentarios y finales se van alternando con la historia de más aliento en la cual se reconstruye la crisis interior de un médico que hace las autopsias y redacta los partes legales. Con una cromática fría reconstruye ambientes opresivos en los cuales una cámara bamboleante que registra las conversaciones de los personajes. Un ex esposo segado por los celos y la angustia, un joven homosexual extorsionado, una inocente estudiante de medicina, un migrante costeño en busca de empleo, un bibliotecario extranjero, un taxista dicharachero, todos se encuentran de manera imprevista el fin de su camino. La morgue se transforma para ellos en un lugar de confluencia donde todo se destapa y se revela en el momento justo cuando ha dejo de importar. Por un efecto de montaje, este conjunto de personajes acosados por la desgracia se transforman en cualquiera de

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los habitantes de la ciudad asechada por la muerte. En la antesala al más allá, Arturo Fernández, médico forense, despide a los occisos.

Este personaje al borde del abismo es un hombre amargado, frío y solitario. Heredo la profesión de su padre aun cuando nunca tuvo vocación para ella. Insensibilizado por la muerte y sin capacidad de amar vaga por los pasillos del hospital.

Desposeído de una razón para vivir hecha mano del vodka y la ironía como mecanismos de defensa ante un mundo que ha perdido todo sentido. En un plano final de la película, el médico yace borracho sobre la mesa de incisiones. Fernández se dirige a los cadáveres con el respeto y la violencia solo reservados a cuerpos palpitantes. Habla de la muerte de manera incontenida e inconexa. “Los muertos son sabios”, “Me indigna la muerte”, “No hay mejor muerte que la ocasionada por las pasiones, por los deseos” sentencia el personaje. En un plano prolijamente construido, el médico conversa con un colega, en el fondo se escucha el ruido sordo del sistema de refrigeración, unos pies inertes aparecen a un costado del cuadro. La muerte está siempre en el fondo oculta por la acción y la palabra. En el momento de mayor intensidad de la película, la muerte asalta a la historia en forma de delirio. Fernández recibe a uno de

han atacado como familia, porque en estos casos tan dolorosos, de atropello a los derechos humanos, siempre las víctimas son culpables.

Con esta ópera prima, ¿qué mensaje deja al espectador? Quiero que esta historia la vivan y que la profundicen porque pudieron ser

Cartelera Transformers

Horario 10h45 15h00 11h45 18h15

Censura: 12 a単os

Armados y Peligrosos

El llanto del diablo

Luna de miel en familia

Horario 19h30 21h40

Censura: 15 a単os

Un golpe de talento

Horario 16h10

Censura: todo publico

X men

Horario 12h15

Horario 18h40 21h15

Horario

Censura: 15 a単os

21h10

Censura: todo publico

Censura: 15 a単os

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