Linea by jessi

Historia del Cartel Compilador Mu単oz Quiroz Jessica Belen

Índice 1.

Cartel

1.1 Tipos de Cartel

1.2 Historia del Cartel

1.3 Exponentes

2. Impresionismo 2.1 Exponentes

3. Neoimpresionismo

4.2 Exponentes

5. Art Nouveau 5.1 Composición bidimensional 5.2 Características 5.3 Exponentes

49 51

3.2 Exponentes

6. Fauvismo 6.1 Características 6.2 Exponentes

105 107

7. Expresionismo 7.1 Características 7.2 Exponentes

109 127 129 131 142 143 167

3.1 Característica

3.2 Exponentes

8. Cubismo 8.1 Etapas del cubismo 8.2 Exponentes

9. Dadaísmo

4.Arts and Crafts

91 94 94 95

3.1 Características

3. Postimpresionismo

4.1 Principios

9.1 A favor y en contra 9.2 Dadá NY 9.3 Dadá Berlín 9.4 Dadá París 9.5 Collage

171 172 173 174 175

9.6 Objeto 9.7 Exponentes 10. Surrealismo

11.6 Composiciones Signicas

228

11.7 Exponentes

229

176 177

12. Arte Conceptual 12.1 Ideología 12.2 Exponentes

241 244 245

192

13. Por Art

261 264 264 265

10.1 Procedentes del surrealismo

196

10.2 Artificies del Surrealismo

196

10.3 Exponentes

197

11. Expresionismo Abstracto

223

11.1 Características

225

11.2 Fases

226

11.3 Composición de campo extendido

227

11.4 Composición de color

227

11.5 Composiciones Gestuales

228

13.1 Cartel 13.2 Características 13.3 Exponentes 14. Arte Cinético 14.1 Clasificación 14.2 Exponentes

301 304 305

15. Op Art 15.1 Exponentes

317 321

16. Hiperrealismo 16.1 Contexto Eu

333 336

16.2 Exponentes

17. Posmodernismo 17.1 Exponentes

18. Transvanguardismo 18.1 Exponentes

19. Cartel en México 19.1 Exponentes

20. Rótulos

337

385

20.1 Galería de Rótulos

456

21. Cartel en M´éxico Siglo XX

459

22. Cartel en el Siglo XXI

481

389

409 413

22.1 Cartel Tridimensional

484

22.2 Exponentes

488

433 437

Conclusión

453

Fuentes de Consulta

Cartel

El cartel El cartel es una técnica de difusión de la información

Al igual que todo el cartel cuenta con sus características especificas las cuales son :

que permite llegar a gran cantidad de público, sin necesidad de invertir grandes recursos. Sus posibilidades comunicativas dependen en gran medida de su calidad

Transmitir información breve, precisa, y concisa, cuenta con formatos específicos, debe ser legible y

técnica y estética y de su adecuada ubicación.

leíble, agradable a la vista, pero sobre todo contar con Con el descubrimiento de técnicas de reproducción

la aplicación de técnicas visuales y de composición. De igual manera el cartel tiene sus ventajas y des-

de la imagen como la xilografía y posteriormente la im-

ventajas que debemos tener muy en cuenta.

prenta el cartel va a adquirir una enorme relevancia.

VENTAJAS

Desde mi punto de vista puedo decir que el cartel es un medio de difusión que puede ser impreso o digi-

Practico

Ruido visual

Económico

Es diseñado para el lugar donde se ubicara

Llega a un gran numero de personas

Son robados

Síntesis de información que lo llevan al éxito .

Tienen vigencia

tal que involucra imagen y/o textos. Sintetiza contenidos y formas , su fuerza radica en la imagen , gracias

DESVENTAJAS

a su posibilidad de llegar a un gran numero de perceptores.

Una investigación nos permitió descubrir la existencia de se juzga en función de los valores que aporta y tiene que ser armónico, pleno, vivo, moderno, bello y alegre.

seis dimensiones fundamentales.

La modernidad

El porcentaje de complejidad

Un cartel es considerado moderno cuando resulta ser agradable, ligero, armonioso, alegre, joven, vivo, activo y

El cartel debe ser accesible a todos los individuos independientemente de su edad y su nivel de cultura, en un tiempo breve. Aquí existe dos tipos de mensajes:

solo produce un impacto en el publico cuando esta de acuerdo a la moda.

El buen gusto

El primero es aquel que es fácil de codificar; es decir tiene elementos originales, es sencillo y tiene asociación entre el texto y la imagen.

Un cartel de este tipo tiene que ser emotivo, significativo, ligero, original, joven, alegre, cálido, vistoso, vivo y natural

El segundo que es difícil de codificar este resulta ser complejo, redundante, tiene significado débil.

El color Como soporte de connotaciones constituye uno de los componentes esenciales de todo cartel, si

Tipos de Cartel Dinamismo

Cartel publicitario

La organización de los componentes del cartel repre-

Es aquel utilizado para comunicar una campaña pu-

sentan su fuerza de atracción e impacto , debe ser ale-

blicitaria, hacer la promoción u oferta de un artículo o

gre, apela a los sentidos, es armónico, original, cálido,

servicio, así como para difundir información relativa a

agradable, colorido, bello, activo, moderno, ligero, joven.

eventos de interés público, como espectáculos, conciertos, justas deportivas, películas, obras teatrales, fe-

Emociones

rias o exposiciones. Se colocan en los lugares de ma-

Apela a las emociones o sentidos para lograr su objetivo

yor visibilidad y pertinencia.

Cartel de propaganda política Olor Sabor Peso Etc

Ambiente Sutileza Estética etc

También

medio

empleado

para

ha-

cer propaganda política. Su uso es prolijo, sobre todo, durante campañas electorales, donde se busca posicionar entre los electores la imagen de un candidato. Por lo general, esta compuesto por una fotografía del candidato, algún

Historia del Cartel eslogan característico y el logotipo del partido u organización social que lo apoya.

Cartel y poster

El origen del cartel guarda una muy estrecha relación

El poster es un tipo de cartel que ha trascendido su función meramente publicitaria para tener un valor estético como manifestación artística.

con los avances en el campo de la reproducción industrial de dibujos y pinturas. La perfección de la litografía, inventada por el austria-

En este sentido, se valora al objeto por su composición en sí, de modo que se aprecia la técnica y los elementos empleados para su elaboración (dibujo, pintura, grabado, elementos gráficos, texto).

co Alois Senefelder en 1798, es decisiva en esta materia. Gracias a la mejora del procedimiento litográfico, se

El poster, como tal, también ha evolucionado como instrumento de protesta política y social. Asimismo, se ha aprovechado su formato para reproducir y masificar el consumo de obras artísticas.

hace posible que los talleres de impresión hagan tiradas de gran número de ejemplares a partir de un mismo original.

Jules Cherét Litógrafo y pintor francés pionero en la introducción del cartel publicitario moderno. Muchos historiadores hacen referencia a Cheret como ‘El padre del cartel publicitario moderno’ o ‘El profeta del cartel’.

Era un hombre muy rico pero le gustaba convivir con personas de clase baja, ya que era lo que lo inspiraba para hacer sus carteles.

Consideraba sus carteles como murales y las características de sus carteles eran las figuras femeninas, arlechinos, payasos, escenas de carnaval, escenas de picnic, bailarines saltando, En pocas palabras a el le gustaba representar el movimiento .

Jules Chéret (1836-1932).

Galería de Cherét Como características generales de su obra se pueden remarcar: figuras femeninas, arlechinos, payasos, escenas de carnaval, escenas de picnic, bailarines saltando en el aire, multitud de colores y más que nada movimiento.

“Bal Valentino” (1869)

“Athénée-Comique” (1876)

“Bal du Moulin Rouge” (1889)

“Quinquina Dubonnet ” (1895)

“Carnaval ” (1894)

“Théâtre de l'Opéra

“Lidia” (1895)

Carnaval” (1896)

Toulouse-Lautrec Pintor, dibujante y cartelista francés. Toulouse-Lautrec es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Nació en el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices, dedicadas en buena medida a la práctica del deporte.

En la actividad lúdica sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal. Medía aproximadamente metro y medio de estatura y tenía una cabeza desproporcionadamente grande, lo cual le daba un aspecto deforme.

Pero llevó su condición física con estoicismo y su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida

Toulouse-Lautrec (1864-1901).

social normal.

Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se

tualmente al taller o al estudio todas las mañanas, lo

formó en academias como la de Bonnat y Cormon.

cual no le impidó llevar una vida disoluta, en el ambiente bohemio de Montmartre, donde frecuentó cafés can-

En 1885 abrió un taller en Montmartre y desde enton-

tantes, teatros, prostíbulos y salas de baile. Estos am-

ces se dedicó a la creación pictórica, integrándose ple-

bientes constituyen, de hecho, lo más peculiar de su

namente en el ambiente artístico parisino que en aque-

creación artística, en la que bailarinas de cancán y per-

lla época buscaba por diversos medios la superación

sonajes de circo son los protagonistas más entraña-

del impresionismo. Se relacionó, entre otros creadores,

bles.

con Van Gogh, Pierre Bonnard yPaul Gauguin, y de esAdemás realizó innumerables apuntes y dibujos rápi-

te último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados.

dos, así como 31 carteles publicitarios de cabarés y productos comerciales.

Pero las obras que más influyeron fueron las de Degas y las estampas japonesas ukiyo-e.

Para los carteles, Lautrec adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo.

Hombre muy responsable de su trabajo, acudía pun-

Galería de Lautrec

“Ambassadeurs. Aristide Bruant” (1892)

“Moulin Rouge. La Goulue” (1891)

“Le Chat Noir” (1896)

“Reine de Joie” (1892)

Alphonse Mucha Pintor y cartelista checo; sus diseños se caracterizan por las líneas sinuosas, los arabescos, flores de tallos finos y retorcidos, mujeres de largas y sueltas cabelleras y profusión de sedosos pliegues.

En un primer momento trabajó como decorador teatral en Viena. Más tarde estudió en Praga, Munich y París. En esta última ciudad, donde desarrolló buena parte de su actividad artística, quedó fascinado con la actriz Sarah Bernhardt, y realizó sus célebres carteles o pósters que le valieron un fulgurante éxito tanto en París como en el resto del mundo.

Durante la década de 1890 realizó los carteles de las actuaciones teatrales de la Bernhardt y también anuncios de productos comerciales tales como los cigarrillos Job. Se dedicó también al diseño de joyas e interiores exóti-

Alphonse Mucha (1860-1939).

cos.

Galería de Mucha Entre 1903 y 1922 visitó Estados Unidos en cuatro ocasiones. Bajo el mecenazgo del industrial de Chicago Charles Richard Crane, pintó La epopeya del pueblo eslavo (1912-1930), una serie de 20 cuadros de gran dimensión que posteriormente presentó en la ciudad de Praga. Regresó a la República Checa en 1922,

donde

trabajó

diseño

sellos

(estampillas) y billetes de banco.

Su sello distintivo fue la figura idealizada, estilizada de la mujer serena, pero atractiva, que parece volando, pero enmarcada en un sistema ornamental de flores, símbolos y motivos árabes. “Gismonda” (1895)

“Salammbô” (1896)

“Medea ” (1898)

¨Las Artes, la danza” (1898)

¨JOB Papel de cigarrillos” (1898)

Impresionismo

Impresionismo Movimiento pictórico que surge en Francia a finales del

no en la representación exacta de sus formas ya que la

S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por

luz tiende a difuminar los contornos en colores que

la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los mo-

conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas

delos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en

compuestas por colores que varían en función de las

el Salón parisino.

condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una re-

Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y tem-

presentación del mundo espontánea y directa.

porales, no les importa el objeto, sino las variaciones El Impresionismo parte del análisis de la realidad. Hasta

cromáticas que sufre éste a lo largo del día. Los impre-

ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocu-

sionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo

rría un acontecimiento que conformaba el mensaje para

sugirieron las formas, empleando para ello los colores

el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la

primarios . (azul, rojo y amarillo) y los complementarios

percepción visual del autor en un momento determinado

(naranja, verde y violeta).

a luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en

Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplican-

los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y

do directamente sobre el lienzo pinceladas de color

cortas y yuxtapuestas.

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.

Édouard Manet Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo; se sitúa a caballo entre el realismo y el Impresionismo.

Muchos han clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras suscitan escándalos y polémicas como en su desayuno sobre la hierba que provocó la hostilidad de los críticos conservadores. El tema ya contaba con antecedentes en el Renacimiento, pero Manet lo interpreta adecuándolo a la modernidad.

Édouard Manet (1832-1883).

Galería de Manet

“Le Déjeuner sur l'Herbe “

“El balcón “ (1868)

(1863)

“The Monet Family in Their Garden at Argenteuil “ (1874)

“En el conservatorio” (1878)

“Le Suicidé “

“Marina de Rochefort” (1881)

(1881)

Edgar Degas Pintor impresionista francés. A pesar de que inició sus estudios de derecho, gracias a la desahogada economía familiar y al beneplácito de su padre (cuya cultura y sensibilidad ante lo artístico resultó fundamental en su etapa de formación), Edgar Degas se dedicó bien pronto a la pintura. En 1853 ingresó en el taller del pintor Barrias y en 1854 recibió las enseñanzas de Louis Lamothe, seguidor de Ingres. Sin embargo, su privilegiada condición social, que determinará toda su vida y una buena parte de su obra, le permitió acceder a las colecciones particulares de pintura de la clase alta parisiense y formarse en la tradición clásica como autodidacta a través de múltiples viajes. En Florencia, conoció en casa de su tío, el barón Bellelli, copias y originales de Rafael, Mantegna, Pollaiuolo, Ghirlandaio y

Edgar Degas(1834-1917).

Botticelli.

Galería de Degas

“Young Spartans Exercising” (1860)

“Young Woman with Ibis ! (1862)

“Ballet Rehearsal “ (1873)

“Frente al espejo” (1899)

“La estrella” (1878)

Claude Monet Fue un pintor francés, uno de los creadores de la pintura impresionista. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872).

Sus primeras obras, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino. En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron PierreAuguste Renoir y Edgar Degas.

Claude Monet (1840-1926)

Galería de Degas Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas. Claude Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. “El Desayuno” (1865)

“Ramos de Girasoles” (1880)

“Dama en el Parasol” (1886)

â&#x20AC;&#x153; El parlamento de Londres durante el ocasoâ&#x20AC;? (1904 )

Auguste Renoir Pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes.

Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante delRococó, como Watteau.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agrada-

Auguste Renoir (1841-1919)

ble. Se le puede emparentar ello con Henri Matisse, a

Galería de Renoir

pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot.

Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial.

“El Palco” (1874)

“Bal au moulin de la Galette “

“A première sortie “

(1876)

(1877)

“Le déjeuner des canotiers “

“Les Grandes Baigneuses “

(1881)

(1884)

Camille Pissarro Pintor impresionista, y se le considera como uno de los fundadores de ese movimiento.

Se le conoce como uno de los "padres del impresionismo". Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.

Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, con quien luego tuvo relaciones tensas

Camille Pissarro (1831-1903)

Galería de Pissarro

“Estudio del Artista en Saint Thomas “

“Dos mujeres conversando junto al mar, “

(1851)

(1856)

“Castaño en Louveciennes “ (1870)

“Primavera, ciruelos en flor “

“Rouen, rue de l'Épicerie “

(1877)

(1898 )

Neoimpresionismo

Características

Neoimpresionismo Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en



Preocupación por el volumen.



Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).

algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y losPuntillistas (que emplean una



Preocupación por el orden y la claridad.



Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.

pincelada en forma de puntos para descomponer total-



mente la imagen) .

Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana nor-

La palabra Neoimpresionismo se empleo por vez pri-

mal.

mera en 1887 por el critico de arte francés Félix Féneo



para designar la corriente artística de finales del siglo XIX

Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos

liderado por Georges Seurat y Paul Signac, cuyas raices

de colores puros para así lograr la mezcla óptica.

hay que buscarlas en el Impresionismo.

Georges Seurat Pintor francés. Ingresó muy joven en el taller de Lehmann, donde aprendió las teorías acerca de la luz y el color inspiradas en el clasicismo de Ingres.

Participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o puntillismo, corriente de la que fue el iniciador.

Seurat llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales. Los aspectos técnicos de su obra influirían en los fauves, y sus rigurosos estudios teóricos, en los cubistas

Georges Seurat (1859-1891)

Galería de Seurat

“Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte “

(1886)

“La Parada “ (1888)

“El Sena y la Grande Jatte en primavera

“

“La torre Eiffel “

(1888)

(1889).

Paul Signac Pintor francés. Inicialmente se alineó con los impresionistas, pero después de conocer a Georges Seurat en 1884 se adscribió, como artista y teórico, al neoimpresionismo o puntillismo.

En sus obras plasmó sobre todo escenas marineras (puertos, veleros, faros), primero con un puntillismo estricto y después con un toque más amplio, proporcional a las dimensiones del cuadro. Son sus obras de estilo más libre, menos riguroso, las que revisten mayor interés y las que cautivaron de forman singular a Matisse .

Procedente de una familia acomodada, Paul Signac pudo dedicarse casi enteramente a la pintura. Se formó en la École des Arts-Décoratifs de París (1882) y en un taller

Paul Signac (1863-1935)

libre.

Galería de Signac

“Breakfast “

“Sunday”

(1887)

(1890)

“El palacio de los Papas de Aviñón” (1900)

Galería de Signac

“ La entrada al puerto de La Rochelle” (1921)

Postimpresionismo

Características

El postimpresionismo agrupa diversas tendencias pic-



tóricas que surgieron en Francia entorno a 1880-1905

Se concibe el arte como una actividad específica con reglas y realidad propia.

como reacción al impresionismo.



Construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

Bajo

nombre

Postimpresionismo



Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto puramente estético (Cézanne).

o Neoimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y



objetivos que responden a las inquietudes de los dife-

Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).

rentes artistas A éstos no hay que entenderlos bajo un



Se elimina la perspectiva en profundidad.

estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno



Se descompone la corporeidad de los objetos a

de ellos responde a la individualidad de sus plantea-

elementos geométricos básicos

mientos.



Empleo de colores contrastantes



Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.

El término «Postimpresionismo» fue acuñado por el crítico británico Roger Fry.

Paúl Cézanne Pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artísticadecimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional.

Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban,

siendo

apreciado

sólo

por

algu-

nos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

Paúl Cézanne (1839-1906)

Galería de Cézanne

“The plate of apples “

“Le Point de Mancy”

(1877)

(1880)

“Melting snow Fontainebleau” (1880)

“Mont Sainte-Victoire Seen fromLes Lauves” “Still life with Apples!

(1906)

(1898)

Paúl Gaugin Fue unpintor postimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en su tiempo en la cultura occidental.

Sus experimentos sobre el color y, en general, el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, tanto en Picasso como en el expresionismo alemán, y tuvieron especial impacto sobre el fauvismo (movimiento que se desarrolla entre1898 y 1908).

Paúl Gaugin (1848-1903)

Galería de Gauguin

“Étude de nu ou Suzanne cousant “ (1880)

“El lago en la llanura” (1874)

“Le Christ jaune “ (1889)

“La vision après le sermon “ (1888)

“D'où venons nous? Que sommes nous? Où allons nous? “ (1897)

Vicent van Gogh Pintor holandés. En las décadas finales del siglo XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de ismos o corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés Van Gogh ocupa una posición señera.

Van Gogh no llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos que actualmente alcanzan desorbitadas cotizaciones en las subastas. El reconocimiento de su obra no empezó hasta un año después de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva organizada por el Salón de los Independientes; en nuestros

Vicent van Gogh ( 1853-1890)

días, Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios de la pintura moderna .

Galería de van Gogh

“Farmhouse Among Trees “

“Comedores de patatas” (1885)

(1883)

“La Noche Estrellada sobre el Ródano “ (1888)

“Huerto en flor con vistas de Arles “

“Trigal con cuervos” (1890)

(1889)

Arts and Crafts

Arts and Craft Surgió en las últimas décadas del siglo XIX como reac-

tica del diseño y de todas las artes aplicadas, integran-

ción contra el primer estilo industrial, que se había desa-

dolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.

rrollado en Inglaterra a lo largo de esa centuria. El llamado estilo victoriano.

Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos o satisfechos con el nivel es-

Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal

tético alcanzado por su poderosa industria, las reaccio-

de 1851 llegaban al Crystal Palace de Londres, además

nes al recargado estilo dominante en la época se inicia-

de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían

ron a finales de la década de 1840. A este respecto hay

por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en ma-

que destacar la obra de Henry Cole, que editó el Jour-

sa. De manera que la idea de progreso industrial co-

nal

menzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria

Dos años después, en 1849, apareció la obra de John

una reacción que devolviera a los objetos de la vida coti-

Ruskin, Las siete lámparas de la arquitectura, una de

diana una cierta dimensión estética, que acompañase a

las obras fundamentales de la crítica de arte del siglo

las funciones naturales para las que eran fabricados.

XIX, que ya en 1843 había comenzado a publicar una

Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Ofi-

serie sobre Pintores contemporáneos, y que en 1851-53

cios, ya que pretendió elevar la dignidad social y esté-

publicaría Las piedras de Venecia.

Design

and

Manufactures

desde

1847.

Principios Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts

Principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéti-

experimentó un empuje importante en 1861 cuando Wi-

cos. Destacamos los más importantes:

lliam Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner



Rechazo de la separación entre el arte y la artesa-

and Company, conocida generalmente como Morris and

nía. El diseño de los objetos útiles es considerado

Company. En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una

una necesidad funcional y moral.

imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas



Rechazo de los métodos industriales de trabajo,

de algunos de los libros impresos más cuidadosamente

que separan al trabajador de la obra que realiza,

producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejer-

fragmentado sus tareas.

cer una poderosa influencia sobre las grandes editoria-



les comerciales durante varias décadas.

Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (como en las artes aplicadas.



En los Estados Unidos se usan las denominaciones

Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño.

Arts and Crafts movement, American Caftman, American



Propuesta de agrupación de los artesanos en guil-

Caftsman Style o Craftsman Style, para referirse al estilo

das y talleres, siguiendo el modelo medieval de

arquitectónico y decorativo que predominó entre los pe-

trabajo colectivo.

ríodos del Art Nouveau (el modernismo) y el Art Decó,



es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925.

Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

August W.N. Pugin Fue uno de los primeros en establecer conexión entre el declive de los estándares estéticos y la posición moral del país; convencido de que el buen diseño podría servir para reformar la sociedad.

Pugin eligio el modelo gótico, que en su opinión era el símbolo de una sociedad verdaderamente cristiana, como vehiculo para cambio.

Conocido por sus diseños para el nuevo parlamento, la arquitectura y los objetos ideados por Pugin construyeron una fuente de inspiración para numerosos seguidores del movimiento arts and crafrts como:

William Burgess

August W.N. Pugin (1812-1852)

John Ruskin William Morris

“St Marie’s Grange, Alderbury”

“Palacio de Westminster “

( 1835 )

(1834)

William Burgess Fue un arquitecto ingles del siglo XIX, considerado uno de los mas destacados del periodo victoriano, busco con su trabajo escapar del estilo propio de la industrializaci贸n y de la arquitectura neocl谩sica y restablecer la arquitectura y los valores sociales de una ut贸pica Inglaterra medieval.

Trabajo en Irlanda, Gales e Ingleterra; se encuentra dentro de la tradicon neog贸tica, sus trabajos entroncan co el movimiento prerrafaelista y el Arts and Creafts.

William Burgess (1827-1881)

Galería de Burgess

“Castillo de Cardiff” (Siglo XIX)

“Catedral de San Finbar” (1862-1879)

“Castell Coch” (1981)

“Catedral de Salisbury” (1790 Recostruccion)

John Ruskin

Fue escritor, critico de arte y sociólogo británico, uo de los grandes maestros de la prosa inglesa. En 1852, Ruskin publica un libro titulado Piedras de Venecia, esta obra contenía un capitulo titulado “De la naturaleza del Gótico” en él, Ruski analiza al arte medieval como la expresión del placer del hombre trabando.

Dentro de su percepción estética, el artista afirmaba que la artesanía medieval expresaba la felicidad y el espíritu de la sociedad que la producía.

John Ruskin (1819-1900)

Galería de Ruskin

“The lake of annecy autumn”

Dibujo de John Ruskin

(1882)

William Moris Fue un pintor y diseñador británico fundador del movimiento Arts and Crafts. En 1861 creó una empresa de decoración junto con Rosseti, el pintor Edward BurneJones y otros pintores prerrafaelistas. Se dedicaron al diseñó y producción de obras decorativas como esculturas, trabajos en metal, vidrieras y alfombras, trabajos destacados por su belleza y finura inspirados por el movimiento Arts & Crafts, que trataba de dar a objetos de uso diario esas cualidades.

El movimiento se extendió por Europa y Estados Unidos a lo largo de generaciones y contribuyó al desarrollo del Art Nouveau

William Morris (1834-1896)

Galería de Ruskin

“The strawberry thief"

Diseño de William Morris para un papel pintado

(1883.)

Art Nouveau

Art Nouveau Estilo artístico surgido a fines del siglo XIX y comien-

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados

zos del XX.

Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que El Art Nouveau no tiene un origen específico que pue-

realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art

da ser limitado a un momento o fecha delimitado, sino

Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905),

que puede ser considerado un movimiento que toma

aunque se conoce con distintos nombres según los

influencias de muy variados estilos y que cuenta ya

países: modernismo en España, Jugendstil en Alema-

con características propias en la última década del siglo

nia, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Flo-

XIX.

reale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.

Puede ser encontrada tanto en pintura, como en arquitectura, escultura, dibujo, diseño gráfico, dise-

Siempre busco retratar los elementos de la naturale-

ño de interiores, diseño de textiles, y en joyería, entre

za (Elemental y esencial)

otras cosas. En este sentido, los artistas que contribu-

Arte japonés (Gracias al arte japonés se descubrió

yeron al desarrollo del Art Nouveau entendían que el

una nuevo camino hacia la naturaleza… [Eckman])

mismo era un estilo de vida más que una forma de arte.

Medios para la reducción.

Composición bidimensional



Era independiente de las tradiciones estéticas.



Preserva la originalidad de la forma dando énfasis a las sinuosas y a lo curvilíneo.

1.- Ausencia de perspectivas y de sombras, 2.- Negativo y positivo,



Valora el trabajo artesanal

3.- Equilibrio dinámico



Uso de formas y líneas onduladas, libres y casi nunca rectas (con sentido calmado o elegante).

4.- La esencialidad de las formas estilizadas Uso de la xilografía.

Características 



Los colores, de las figuras femeninas delicadas.



Sensualidad.



Se adapta a las circunstancias de vida moderna.

Destruía cualquier preocupación estética.



Inspiración en la naturaleza.

Gustav Klimit

Pintor simbolista austriaco uno de los dos miembros mas destacados del Art Nouveau de Viena

Sus principales trabajos incluyen pinturas, murales, diseños y objetos de arte, varios los mostraba en la galería de secesión de Viena

El tema principal de las obras de Klimit era el cuerpo femenino y varios de sus trabajos fueron señalados por erotismo

Gustav Klimit(1862-1918)

Galería de Klimit

“Retrato de Adele Bloch-Bauer I” (1907)

“Friso de Beethoven” (1902)

“El Beso” (1908)

“Danaee” (1908)

“Tree of life” (1912)

Aubrey Vincent Beardsley Ilustrador y escritor ingles. Es el artista mas controversial del Art Nouveau, se ha asosiado siempre a imĂĄgenes sobrias y perversas con un erotismo grotesco, que era el tema principal de sus obras.

La obra de Beardsley refleja la decadencia de su ĂŠpoca y su influencia fue enorme, claramente visible en la obra de los simbolistas franceses, el movimiento del arte del cartel de los aĂąos 1890 y la obra de muchos artistas posteriores delArt Nouveau como Pape y Clarke. Tuvo gran influencia en los Estados Unidos, especialmente en la obra de Will Bradley,

Aubrey Vicent Beardsley (1872-1898)

Galería de Beardsley

“Caricatura de Beardsley” (1892)

100

“A caprice”

“Lisístrata: El examen del Heraldo”

1894)

(1896)

101

“Portada de El Savoy, nº 1” (1896)

“Salomé: La apoteosis” (1894)

102

Arthur Mackmurdo

Se le consideran los ejemplos más antiguos de Art Nouveau, en especial su silla diseñada en 1882 y el grabado para la cubierta de un libro de 1883. Ambos ejemplos muestran las líneas ondulantes que habrían de convertirse en sello distintivo del movimiento.

Arthur Mackmurdo (1851-1942)

103

Galería de Mackmurdo

“Hotel Savoy, en Londres” (1889)

“Silla” (1882)

104

Fauvismo

105

Fauvismo

Características

Fue un movimiento pictórico francés de escasa dura-

Raoul Dufy.

ción. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibi-

definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de

ción para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles

aportaciones en el que cada pintor acometía sus

tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y

obras como una experiencia personal cargada de es-

agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el tér-

pontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta

mino "fauves", que en español significa fieras. El nombre

con la que se enfrentaron a los convencionalismos de

asignado era en origen un calificativo peyorativo, como

la época rechazando las reglas y los métodos raciona-

les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pe-

les establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo

ro fue asumido por el público y posteriormente introduci-

y contra la importancia que éstos habían dado a la luz

do en la historia del arte sin connotaciones despectivas.

a costa de la pérdida del color.

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus

Los fauvistas creían que a través de los colores po-

integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick,

dían expresar sentimientos y este pensamiento condi-

Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón

cionó su forma de pintar. No buscan la representación

Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y

naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo.

107

Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas em-

de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clási-

pleada por los impresionistas a favor de los colores vio-

ca, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz

lentos para crear un mayor énfasis expresivo.

tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con to-

interiores, paisajes hermosos.

ques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Otra característica es el gusto por la estética de las esLas figuras resultan planas, lineales, encerradas en

tatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos pri-

gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían

mitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente ale-

a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensi-

jamiento de las formas naturalistas para tender a la es-

dad emocional combinada con la máxima simplificación

quematización .

108

Henri Matisse Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.

Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.

La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias.

Henri Matisse (1869-1954)

En la alegría de vivir(1905-1906) resume su aprendi-

109

zaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las

dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad.

estampas japonesas y de los iconos persas y bizanti-

Matisse dibuja con el color, En su obra hay alegría, se-

nos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena

renidad, es un arte amable, apacible, es un camino ha-

fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el

cia la profundidad de sí mismo.

tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios

Recibió un reconocimiento internacional durante su vi-

mediante amplias áreas de colores sin matizar, estruc-

da ganándose la aprobación de los críticos de arte y de

turados por medio de las líneas de los cuerpos, que di-

los coleccionistas. Uno de los encargos más importan-

rigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la

tes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se

composición.

conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con

La construcción con el color y la simplificación formal

ritmo.

110

Galería de Matisse

“Le Mur Rose”

“La Raya Verde” (1905)

(1898)

111

“Still Life with Geraniums”

“Woman in a Purple Coat (1937)

(1910)

112

“The Sorrows of the King “ (1952)

113

“Black Leaf on Green Background “

“Le Bateau” (1953)

(1952)

114

André Derain La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo produciendo obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912 mos-

André Derain (1880-1954)

trarán cada vez más la influencia de estilos diversos

115

Galería de Derain

“Fishing Boats, Collioure “

“Charing Cross Bridge, London” (1906)

(1905)

116

Caracteristicas

“ “Charing Cross Bridge ” (1906)

117

“Madame Derain in Green” (1907)

“Valley of the Lot at Vers” (1912)

119

Maurice de Vlaminck Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).

La aparición del Fauvismo en Francia en 1905 fue paralela al expresionismo alemán, particularmente a los pintores del grupo Die Brücke. Ambos movimientos marcaron la aparición de lo emocional frente al estudio calculado y teórico de la realidad.

Hacia 1908 comienza a deshacerse el grupo de los fauves, cada uno de sus componentes seguirán caminos divergentes. A partir de ese año, el cubismo asumió la vanguardia, a la que pronto se inclinarán Braque y Derain principalmente.

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

118

Galería de Vlaminck

“Desnudo Reclinado”

“Restaurante en Marly-le-Roi “ (1905)

(1905)

120

“Retrato de mujer “

“Flores, sinfonía de colores “

(1906)

(1907)

121

“Pasaje de Valmondois “ (1912)

122

Albert Marquet Pintor francés. Se formó en París, donde conoció a Matisse, quien ejerció sobre su obra una notable influencia. Participó en la experiencia fauve, pero siempre desde una actitud independiente.

Cultivó, sobre todo, el paisaje, en especial las vistas invernales de París (Quai de la Tournelle, Quai SaintMichelle), el retrato y los desnudos femeninos. A partir de 1925 practicó también la acuarela.

Albert Marquet (1875-1947)

123

Galería de Marquet

“Vista de San Juan de Luz “

“La bahía de Nápoles “ (1909)

(1907)

124

“Puerto de Marsella” (1916)

125

“La femme blonde” (1919)

126

Expresionismo

Características

Expresionismo El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en

Es difícil concretar uno rasgos homogéneos dentro de

Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un

la multiplicidad de sus manifestaciones, pero si algu-

gran número de campos: artes plásticas, literatura, músi-

nos rasgos generales pudieran definir a esta corriente

ca, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera mani-

serían los siguientes:

festación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en



el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho

Aportan una temática diferente. Se complacen

en temas que revuelvan las conciencias.

que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.



Su fijación es el ser humano.



Su interés por el mundo de la angustia y la es-

peranza en el mundo actual. 

Surgido como reacción al impresionismo, frente al na-

Sus obras reflejan en general un claro pesi-

mismo.

turalismo y el carácter positivista de este movimiento de



finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte

Su vivencia plástica procede del interior del

ser humano.

más personal e intuitivo, donde predominase la visión



interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación

Se interesan por artistas del pasado que refle-

jaron estos sentimientos: Grünewald, El Greco,

de la realidad –la “impresión”–.

Goya..

129

Roland Holst escribió en la presentación de una expo-

El empleo de las técnicas expresionistas en la publici-

sición sobre el “Arte en la publicidad” celebrada en Ste-

dad transformó ese “gritar en alto”

delijk Museum de Amsterdam que los artistas del cartel En 1917 esas técnicas, junto con un tratamiento pura-

tenían ahora la rara oportunidad de servir a un fin prác-

mente realista del tema, se convirtieron en una solución

tico al mismo tiempo que satisfacían la necesidad de

para la publicidad.

producir algo meramente decorativo, algo tan puro y bello como sea posible.

130

James Ensor Pintor belga. Miembro fundador del Grupo de los XX (1884), fue uno de los primeros representantes de la pintura expresionista. Si bien sus primeras obras se caracterizan por los paisajes brumosos de inspiración flamenca, a partir de 1880 Ensor alternó los bodegones -La col (1880, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas)con los interiores, en los que predominaban los colores pardos, rojizos y azules de tono melancólico, como en La mujer de azul(1881, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas).

Abandonó este primer estilo "oscuro" y se interesó por las escenas de carácter fantástico y grotesco, donde impera una cierta expresión burlesca y esperpéntica en todos sus personajes. Ensor alcanza su máxima expresión

James Ensor (1860-1949)

pictórica .

131

Galería de Ensor

“Tribulations of Saint Anthony” (1887)

“Masks Confronting Death” (1888)

132

“Skeletons Fighting for the Body of a Hanged Man “ (1891)

133

“Still Life with Fish and Shells” (1898)

134

Die Brücke (el puente) El grupo Die Brücke (El Puente), hay que situarlo den-

Los artistas que formaron parte de este grupo querían

tro del Expresionismo alemán que surge, a partir de

romper con el arte que imperaba a finales del siglo XIX.

1905 en concordancia con el fauvismo francés, como contraposición a los movimientos realistas, se alzan las

Creían que el panorama artístico estaba viviendo una

voces de algunos autores que pretenden mostrar justo lo

época cuadriculada y sin identidad que debía acabar.

contrario: la realidad subjetiva de las cosas, las percepciones profundas de cada uno. Y Alemania es el escenario

perfecto

por

situación

Hasta 1913 vivieron en una comuna en la que se crea-

posguerra.

ban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.

El grupo lo aglutinó Ernst Ludwig Kirchner que fue el teórico y lider del mismo, al que se incorporaron Bleye,

Principales exponentes:

Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y

Ernest Ludwig Kirchner

Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910.

Erich Heckel Karl Schmidt-Rottluff

El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de

intermediario

con

sus

compañeros

Max Pechstein

franceses.

Otto Mueller

135

Galería de Artistas (Puente)

“Casa en el Kuhrischen Nehrung” (1909)

“Yacimiento de arcilla” (1906)

136

“Landscape with cows and acamel” (Año no encontrado)

“El puente de la marisma” (1910)

137

“Composición ocho” (1923)

138

Cubismo

Cubismo Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fe-

Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura di-

cha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avig-

bujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y

non, que será el punto de partida.

una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a

George Braque junto con Picasso son los inspiradores

mirar los objetos desde varios puntos de vista.

del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert

Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que

Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría mar-

hará un replanteamiento de la obra de arte, de las for-

cado el camino.

mas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico

Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y

y estético que implica una nueva relación entre el es-

reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de

pectador y la obra de arte. El espectador ya no puede

una comprensión más profunda de la realidad. Su fór-

contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla

mula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se

en su mente para poder comprenderla. Es un arte men-

dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuan-

tal, se desliga completamente de la interpretación o se-

to más color se precisa más aparece el dibujo de los

mejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en

objetos, pero aparece en la forma.

sí misma, como medio de expresión de ideas.

141

Etapas del cubismo Cubismo Analítico Caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas.

La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes

El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es

más significativas de la figura que serán vistas por todos

el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del colla-

Cubismo Sintético

ge, la inserción en el cuadro de elementos de la vida coti-

Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que

diana como papeles, telas y objetos diversos. El primero

es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto.

en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recupe-

El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas

rar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el

sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial

análisis minucioso, sino la imagen globa

142

Pablo Picasso Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.

A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como

Pablo Picasso (1881-1973)

el surrealismo y el expresionismo.

143

Galería de Picasso

“Las Señoritas de Avignon” (1907)

“Los tres músico” (1921)

144

“La Guernica” (1937)

145

“Retrato de Dora Maar” (1937)

146

George Braque Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.

En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.

También introducirá en sus pinturas los collages.

George Braque (1882-1963)

147

Galería de Braque

“La pintura Barco en Le Havre” (1905)

“Paisaje de L’ Estanque III” (1906)

“Puerto de Normandia”

“El castillo de La Rouche Guyon”

(1909)

“The Round Table” (1929)

“Vase Palette et Mandoline” (1936)

150

Jean Metzinger En 1903 Metzinger llegó a París para estudiar medicina, pero enseguida abandono la carrera para convertirse en pintor.

Metzinger, gracias a su talento como escritor, fue uno de los primeros en relatar las prácticas de los pintores de Montmartre, ausentes de los Salones.

En su artículo (Nota acerca de la pintura, 1910) explica que Braque y Picasso se habían despojado de la perspectivatradicional y se habían tomado la libertad de girar aldedor de los objetos, lo cual le permitía hablar, por primera vez de totalidad.

Jean Metzinger (1883-1956)

151

Galería de Metzinger

“Danza Bacante” (1906)

“Paisaje con aves acuáticas de colores” (1907)

152

“Mujer a caballo”

Bailarin en un café

(1911)

(1912)

153

“El Pueblo” (1918)

154

Albert Gleizes

Pintor francés. Se incorporó, en 1910, al movimiento cubista, sobre el que escribió la obra Sobre el cubismo y los medios para comprenderlo (1912). En su pintura llegó de manera progresiva a sacrificar la forma a las exigencias de la composición y del ritmo (Proyecto de pintura mural para la estación de Moscú, 1920); con posterioridad, adoptó principios no figurativos.

Albert Gleizes (1881-1953)

155

Galería de Gleizes

“Retrato de Jacques Nayral” (1911)

“Mujeres en la cocina” (1911)

156

“El hombres del balcón”

“El hombre en la amaca”

(1912)

(1913)

157

“Pintura con 7 elementos” (1934)

158

Robert Delaunay Pintor francés. Comenzó su trayectoria pictórica influido por el trabajo de Georges Seurat, pasó luego por una breve etapa fauvista y derivó posteriormente hacia un estilo propio y colorista, basado en los principios del cubismo analítico.

Robert Delaunay investigó exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y color: las obras que corresponden a su período de madurez se caracterizan por la utilización sistemática de formas circulares en colores planos, con el fin de dotar de movimiento a sus composiciones, tal y como aprendió de la teoría de simultaneísmo cromático de Chevreul.

Desde 1912 abrazó la abstracción, sin abandonar jamás su línea de experimentación, y hacia 1932 se adhirió al

Robert Delaunay (1885-1941)

grupo Abstracción-Creación.

159

Galería de Delaunay

“Naturaleza muerta con papagayo” (1907)

“Retrato del Dr. Piraz” (1907)

160

“Mujer con sombrilla”

“Portuguesa/la gran portuguesa”

(1913)

(1916)

161

“Torre Eiffel” (1922)

162

Juan Gris Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.

Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado.

Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos.

Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales.

Apenas trata otro tema que el del bodegón, naturaleza

Juan Gris (1887-1927)

muerta. El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.

163

Galería de Gris

“Portrain of Pablo Picasso, January-February” (1912)

“Still Life Wiyh Flowers” (1912)

164

“Violin”

“Museo de Arte de Columbus”

(1913)

165

DadaĂsmo

167

Dadaísmo Nació en Zurich, en la Suiza Neutral, 1916.

deradas causantes de la guerra.

La abstracción es considerada un antídoto contra la

Junto con los Bolcheviques, los Dadaístas fueron un grupo anti-guerra, utilizando el arte para oponerse. En

racionalidad.

el Cavaret Voltaire, Hugo Ball y Tristán Tzara Al terminar la Primera Guerra Mundial (1918), los da-

(fundadores del movimiento), montaron su obra y formularon su primer manifiesto artístico.

daístas regresaron a sus países de origen y comenzó la actividad dadá en otras partes del mundo.

La palabra dadá no significa nada, era cualquier forma de protesta en contra de lo establecido. El movi-

Clara oposición al Positivismo. Revelación contra las

miento busca un «arte elemental» con la intención de

convenciones literarias y artísticas, burlándose del típi-

provocar, más no ser comprendidos. Comenzaron a

co artista burgués y de su arte.

crear sus obras directamente con madera, hierro, Se crea una especie de anti-arte moderno.

objetos, fragmentos y fotomontajes.

1916. Publicación de Cavaret Voltaire.

Utilizan la abtración como herramienta en contra de

1917. Inauguración de la galería Dadá por Tzara y Ball

las instituciones sociales, políticas y culturales consi-

169

Busca la renovación de la expresión mediante materiales y planos de pensamiento antes no mezclables, lo cuál conlleva a la destrucción.

Movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, porque cuestiona la existencia del arte, de la literatura y de la poesía.

Cuestiona el propio Dadaísmo

170

En contra

A favor

La belleza externa Los principios Libertad del individuo

Las leyes de la lógica

Espontaneidad y la inmediatez

La inmovilidad del pensamiento

Caos e imperfección

La razón

El no cuando se dice sí, y el sí cuando se dice no.

El sentido Lo consciente Las estructuras

171

Dad谩 NY

1913. Exposici贸n de arte moderno

1915. Llegan a NY J. Crottu,

Armoni Show.

Marcel

Duchamp

Francis Picabia. Crearon la revista 391, intentando

destruir el concepto de

arte.

1921. Publicaci贸n de la revista New York Dada.

172

Dadá Berlín

1918. Primer discurso sobre

dadaísmo

chard

publicaron las revis-

tas

Huelsenbeck. Se

Ri-

Club Dadá, Der Dadá, y Dadá Almanch.

1920. Primer Gran Feria

Internacional

Berlín (Galería Otto Burchardt).

173

por

Dadá

Dadá París

1920. Triunfo del Dadaísmo blicación de la revista

parisiense con la

pu-

Litterature, por Louis Aragon y André Bretón. Festival Dadá.

174

New ork Dada

Collage

Es una tĂŠcnica inventada por los artistas vanguardistas. Consiste en encolar sobre un soporte elementos heterogĂŠneos

175

El objeto

“El objeto como arte también era técnica”

176

Hans Jean Arp Poeta, escultor y pintor.

Miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich.

Técnicas de automatismo desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado llamar escultura biomórfica.

Abandonó la regularidad geométrica por formas abstractas tomadas de la naturaleza.

Hans Jean Arp (1886-1966)

177

Galería de Hans

Constellation with Five White Forms and Two Black “Variation III” (1932 )

“Head and Shell, ca.” (1933)

178

“Metamorphosis (Shell Swan)”

“Classic Sculpture”

(1935)

(1960-63)

179

180

Marcel Duchamp “ “Poner al arte de regreso al servicio de la mente”

Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga -impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo- sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria.

En contra del placer a la vista.

Marcel Duchamp (1887-1968)

181

Galería de Duchamp

“Man Seated by a Window” (1907)

“Landscape” (1911)

182

“The passage from Virgin to Bride” (1912)

“Bycicle Wheel” (1913)

183

“Fountain” (1917)

184

Man Ray Fotógrafo y pintor estadounidense. Cursó estudios de diseño industrial y de arquitectura. Su prolífica carrera comprendió actividades pictóricas, escultóricas y fotográficas. Tuvieron gran influencia sobre su obra la emblemática exposición del Armory Show (1913) y el contacto con artistas dadá afincados en Nueva York, como F. Picabia o M. Duchamp. Son célebres sus ready-mades, como los titulados La puericultura II (1920), en el que una mano se asoma de un bote, o la plancha con clavos que bautizó como Regalo (1921).

En 1923 realizó una escultura consistente en un metrónomo con una fotografía de un ojo colgada del péndulo, integrante de la serie que denominó «objetos indestructibles». También experimentó con el surrealismo en el marco de su actividad como cineasta en filmes como Re-

Man Ray (1890-1976)

torno a la razón (1923) y Emak Bakia (1926).

185

Galería de Ray

“Admiration of the Orchestrelle for the Cinematograph.” (1919)

“Rayograph” (1922)

186

“Indestructible Object/or Object to Be Destroyed” (1923)

“Time has to Do with me” (1924)

187

“I See Again In My Memory My Dear Udnie” (1924)

188

Francis Picabia Pintor francés de origen hispanocubano. Comenzó su carrera artística en el ámbito del impresionismo y el fauvismo, con obras fáciles que le proporcionaron un gran éxito comercial. Pero su temperamento inquieto y subversivo le llevó a buscar caminos más comprometidos, por lo que entró en la órbita del cubismo con obras caracterizadas por la incorporación de elementos simbólicos y de títulos y frases sin ninguna relación con el tema. Sus contactos con Marcel Duchamp en Nueva York, donde estuvo en varias ocasiones durante la década de 1910, y con el grupo dadaísta de Zurich, lo llevaron a decantarse por el dadaísmo como tendencia artística preferida. A este período corresponde su estilo más característico, llamado maquinista por centrarse en la representación de máquina...

Francis Picaba (1879-1953)

189

Galería de Picabia

“Efecto de sol en las orillas de Loing” (1905)

“El ojo cacodilato” (1921)

190

“Barcelona”

“Aello”

(1927)

(1930)

191

“Árbol en flor” (1948)

191

Surrealismo

Surrealismo Comienza en 1924 en París con la publicación del

Para lo que utilizan recursos como: animación de lo in-

"Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba

animado, aislamiento de fragmentos anatómicos, ele-

que la situación histórica de posguerra exigía un arte

mentos incongruentes, metamorfosis, maquinas fantásti-

nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano

cas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación

para comprender al hombre en su totalidad. Siendo co-

del caos, representación de autómatas, de espasmos y

nocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el

de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibi-

psicoanálisis como método de creación artística.

do será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma

Para los surrealistas la obra nace del automatismo pu-

impúdica.

ro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar

Se interesaron además por el arte de los pueblos primi-

por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas

tivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán

las imágenes de la realidad más profunda del ser hu-

los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa

mano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

que importaba más el asunto que la propia realización.

194

Artífices del Surrealismo

Procedentes del surrealismo

Observamos dos vertientes. Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, los más

El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson,

inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en

Miró o Klee crean universos figurativos personales a par-

Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.

tir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica.

Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe in-

Un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realis-

quietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce

mo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura

maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas

tradicional

desiertas y calles que se sumergen en el infinito. .

196

Hieronymus Bosch “El bosco” Primer artista Surrealista; fue un pintor neerlandés. Sus cuadros están protagonizados por la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo de ello son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar del pecado universal al género humano. Su estilo cambia en los últimos años de su actividad, pintando cuadros con un menor número de figuras, pero de mayor tamaño, que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador.

Hieronymus Bosch (1450-1516)

El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos.

197

Galería de Bosch

“El jardín de lasdelicias” (c. 1500-05)

198

Giorgio Chirico Pintor italiano. Nacido en Grecia de padres italianos, estudió a partir de 1906 en Munich, donde conoció la filosofía alemana y recibió influencias pictóricas de Klinger y, sobre todo, de Böcklin. Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. La pintura metafísica de Giorgio de Chirico es considerada una de los mayores antecedentes del movimiento surrealista.

Logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se pude encontrar la calma y el silencio.

Giorgio Chirico (1888-1978)

199

Galería de Chirico

“La enigma de la hora” (1911)

“Cantico de Amor” (1914)

200

“La conquista del filosofo”

“The Disquieting Muses”

(1914)

(1917)

201

“La plazaroja con torre roja” (1934)

202

Marc Changall

Pintor francés de origen ruso. Nacido en una pequeña aldea rusa, sus inquietudes artísticas le llevaron a París en 1910, donde alcanzó su madurez artística.

Su estilo es tan personal e imaginativo que resulta difícil enclavarlo en ningún movimiento.

Su pintura se caracteriza por los brillantes colores e imágenes deliciosamente infantiles y liricas sacadas del folklore judío de su tierra natal.

Marc Changall (1887-1985)

203

Galería de Changall

“I and the Village” (1911)

“White Crusifixion” (1938)

204

“Les amants au ciel rouge”

“Four Seasons”

(1950)

(1972)

205

“Soleil dans le ciel de Saint-Paul” (1983)

206

Salvador Dali Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero.

A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más.

Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".

Salvador Dali (1904-1989)

207

Galería de Dalí

“El granmasturbador” (1929)

“Cisnes que se reflejan como elefantes” (1937)

208

“The Face or War” (1940)

“The Burning Giraffe” (1937)

209

“Galatea of the Sphares” (1952)

“Young Virgin Auto-Sodomized” (1954)

210

René Magritte Pintor belga. Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos.

Contrario ya al automatismo, su pintura se hizo reflexiva y minuciosa, y se caracterizó sobre todo por la asociación de elementos disímiles entre los que establece ingeniosas analogías o nexos insólitos y disparatados, pero

René Magritte(1898-1967)

convincentes dentro de la realidad pictórica.

211

Galería de Magritte

“The False Mirror” (1928)

212

“The Lovers”

“The Empire of Light II”

(1928)

(1950)

213

“The listening Room” (1952)

“El hijo del hombre” (1964)

214

Joan Miró Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp .

París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces popula-

Joan Miró (1893-1983)

res, que marcaría toda su trayectoria posterior.

215

Galería de Miró

“La masía” (1922)

“Bodegón del zapato viejo” (1937)

216

“Self Potrait”

“Moonbird” (1966)

(1938

217

“Personnage Gothique”

“Miró’s Chicago” (1981)

(1974)

218

Max Ernst Pintor y escultor alemán. Formó parte del movimiento dadaísta de Colonia, aunque desde 1919 ya realizaba asociaciones en sus obras que pueden considerarse surrealistas.

Ernst practicó diversas y originales técnicas pictóricas, siempre dentro de la estética de lo absurdo y dictadas por el automatismo característico del surrealismo. Empleó durante toda su vida el procedimiento del collage, como en La mujer de cien cabezas (1929). Mediante el balanceo de una lata de pintura agujereada experimentó la técnica del goteo, claro antecedente del futuro dripping de Jackson Pollock.

Max Ernest (1891-1976)

219

Galería de Ernst

“Aquis Submersus” (1919)

“Little Machine Constructed by Minimax Dadamax in Person” (1920)

220

“Of This Men Shall Know Nothing”

“The Nymph Echo”

(1923)

(1936)

221

“Spanish Physician” (1940)

“The King Play”ng with te Queen” (1944)

222

Expresionismo Abstracto

Características

Expresionismo Abstracto Movimiento

pictórico

contemporáneo

dentro

Concepción de la superficie de la pintura (cobertura

de la superficie).

la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y ne-

Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió,

gro, así como los colores primarios: magenta, amarillo

décadas después, por todo el mundo. Se considera el pri-

y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a

mer movimiento genuinamenteestadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia

prácticamente un solo color.

de artes plásticas asumió Estados Unidos después de la

Ausencia de toda relación con lo objetivo. Recha-

Segunda Guerra Mundial.

zo de todo convencionalismo estético. Expresión libre y subjetiva del inconsciente. Ejecución totalmente espontánea.

Los expresionistas tomaron del surrealismo aquello que

Valoración de lo accidental y explotación del

de automático tenía el acto de pintar, con sus referencias a los impulsos psíquicos y el inconsciente. Pintar un cua-

azar como recurso operativo.

dro era menos un proceso dirigido por la razón y más un

Intensidad de propósito: lo que importa es el pro-

acto espontáneo, una acción corporal dinámica. Les in-

ceso o acto de pintar más que el contenido.

teresó, pues, el «automatismo psíquico» que hiciera salir

Predominio del trazo gestual. Empleo de manchas y líneas con ritmo.

de su mente símbolos y emociones universales.

225

Fases En esta corriente se pueden diferenciar dos fases . La

Contenido surreal, simbólico y sexual.

fase mítica o de formación de movimiento (influenciada

Ausencia de profundidad y tridimensionalidad.

por el surrealismo), y la fase gestual en la que el movimiento queda plenamente configurado.

Fases Gestual

Fase Mítica

A partir de 1947, año en el que Pollock realiza sys primeras pinturas de goteo.

Se caracteriza por su imaginería extraída del subcons-

Se caracteriza por el abandono del lenguajes figurativo,

ciente, composiciones con formas que semejan estruc-

utilización de nuevos métodos de ejecución .

turas de plantas y animles.

Variedad de configuraciones estrcuturales

226

Composiciones de campo extendido Toda la superficie del lienzo cubierta uniformemente mediante una maraña de líneas y cordones de pinturas chorreada o goteada que transmiten la sensación de extenderse indefinidamente más allá de los bordes del cuadro (Pollock ).

Composiciones de campo de color (Colour Field) Grandes superficies planas combinadas de color sin elementos sígnicos ni gestuales, creando atmosferas y gran sensación de espacio (Rothko, Newman, Reinhardt, Still)

227

Composiciones Gestuales MaraĂąas ondulantes y rĂtmicas de trazos, empastes, manchas y chorreos sobre fondos dominantes.

Composiciones Signicas A base de grandes pinceladas o brochazos superpuestos monocromos sobre fondo blanco, que recuerdan caligrafĂas orientales .

228

Jackson Pollock Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente.

Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo.

Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

Jackson Pollock (1912-1956)

229

Galería de Pollock

“The She-Wolf” (1943)

230

“The Deep”

“No. 5” (1948)

(1953)

231

“Greyed Rainbow” (1953)

“White Ligh” (1954)

232

Willem de Kooning Pintor estadounidense de origen holandés, considerado como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva York o Expresionismo Abstracto. Llegó a los Estados Unidos en 1926, donde pudo dedicarse a la pintura cuando fue contratado para decorar obras estatales, dentro del Federal Art Proyect, durante la década de los treinta.

En sus primeras obras personales trata de solucionar el problema de conservar la figuración sin que la bidimensionalidad del lienzo quede enmascarada.

Kooning yuxtapone enérgicos trazos negros que preludian lo que finalmente será lo más característico de su producción: un entramado de líneas de poderosa vitali-

Willem de Kooning (1904-1997)

dad dominando la totalidad de la superficie plástica.

233

Galería de Kooning

“Excavation” (1950)

“Woman III” (1953)

234

“Woman V”

“Police Gazette”

(1953)

(1955)

235

“A Tree in Naples” (1960)

“Untlitled V” (1982)

236

Robert Motherwell

Pintor estadounidense. Influenciado en sus inicios por el automatismo surrealista, se centró con posterioridad en el expresionismo abstracto. Fundó en Nueva York, junto con Baziotes, Newmann y Rothko, la escuela Subjects of the Artists (1948). Su obra se desarrolla en torno a grandes series, entre las cuales cabe mencionar Elegías españolas (comenzadas en 1948 y dedicadas a la república y la guerra civil españolas) y Open. Es autor también de collages, de dibujos y de ilustraciones para obras literarias (Rimbaud, Alberti).

Robert Motherwell (1915-1991)

237

Galería de Motherwell

“Untitled (Figuration)” (1948)

“Personage, with Yellow Ochre and White” (1947)

238

“Open Number 17” (1968)

239

“Ultramarine” (1974)

240

Arte Conceptual

Arte Conceptual Movimiento artístico en el que las ideas son un elemen-

En contexto el arte conceptual es el de EEUU y Euro-

to más importante que elobjeto o su representación física.

pa tras la II Guerra mundial, al que hay que añadir artis-

La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos forma-

tas de otros países en Asia y Sudamérica.

les, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. Varios autores hablan del arte contemporáneo

Destacan el compositor estadounidense John Cage con sus obras experimentales, y Robert Rauschen-

como un arte post-conceptual .

berg y Jasper Johns, que transformaron la pintura incluEl arte conceptual como movimiento emergió a la mitad

yendo objetos cotidianos y eventos fortuitos. En Ja-

de los años sesenta, en parte como una reacción en con-

pón, Gutai. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Man-

tra del formalismo que había sido articulado por el influ-

zoni respectivamente desarrollaron prácticas artísti-

yente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, es común

cas .

situar su origen en los ready-mades que el artista francés

Marcel

Duchamp

realizó

las

décadas

Los medios más empleados son el texto, la fotografía,

de 1910 y 1920, en los cuales la obra artística ya no es

la performance y el vídeo. En ocasiones se reduce a un

interpretada como un objeto de contemplación fabricado

conjunto de instrucciones indicando cómo crear una

por la mano de su creador, sino como un objeto de pura

obra o a la documentación de un evento; la idea tras el

especulación intelectual.

arte es más importante que el artefacto.

243

Ideología El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra de arte no es dueña de nadie.

El pensamiento que anunciaba la destrucción de la pintura y la muerte del arte tal y como se conocía.

Alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial, afirmando la idea de que el arte conceptual tiene su propia conciencia estética.

Ad Reinhardt - What do you represent? - 1946-47.

244

Sol LeWitt Artista estadounidense. Se graduó en 1949 en la Universidad de Syracusa, en la especialidad de Arte. Mientras sirve al ejército americano en Japón y Corea en 1951 y 1952, visita y estudia lugares sagrados y jardines orientales. En 1953 hace un curso en la Escuela de Animadores e Ilustradores de Nueva York y se hace diseñador gráfico, trabajando durante algún tiempo (1955-1956) para la firma de arquitectos Pei y Asociados.

Sus obras comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde pinturas murales a fotografías y estructuras geométrica y progresiones de diversos tamaños.

Sol Lewitt (1928-2007)

245

Galería de LeWitt

“Four-Sided Pyramid” (1965)

246

“Serial Project, I (ABCD)”

“La puerta entre abierta”

(1966)

(1968)

247

“Wall Drawing 65”

“Incomplete Open Cubes”

(1966)

(1974)

248

Joseph Kosuth Artista estadounidense. Formado básicamente en el campo artístico, también llevó a cabo estudios de filosofía y antropología. Su trayectoria demuestra su conocimiento y afinidad con los métodos de investigación propuestos por los filósofos del lenguaje L. Wittgenstein y A. J. Ayer. Artísticamente parte de la obra de Marcel Duchamp, al considerar que el arte moderno o conceptual se inicia con el primer ready-made, en cuanto paso de la apariencia al concepto. Sus creaciones más conocidas llevan por título Investigaciones, en clara alusión a Wittgenstein, y consisten en dispositivos que examinan y reclasifican realidades mediante el uso del texto, de acuerdo con su voluntad de explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterialización. Pese a su intención inicial de superar la existencia mercantilista del arte, actualmente su obra se exhibe en los más im-

Joseph Kosuth (1945)

portantes museos del mundo.

249

Galería de Kosuth

“One and three chairs,” (1965 )

250

“-Four colours four words” (1966)

251

“One and Three Chairs” (1986))

252

Yves Klein Pintor francés. Su prematura muerte contribuyó a consolidar la aureola mítica que la intensidad y el carácter insólito de sus propias actividades (acciones, pinturas, exposiciones o composiciones musicales) le habían ya proporcionado en vida.

Klein fundía el inconformismo dadaísta con una profunda espiritualidad que se sustentaba en su pasión por la filosofía oriental y por el esoterismo

La obra de Klein se mueve en torno a conceptos influenciados por lafilosofia zen .(“le Vide”, “the Void”). El “le vide” de Klein es una especie de nirvana que es “mudo” o posee pocas influencias de las palabras; se trata de una zona neutral donde prestar atención solo a sus propias sensibilidades, y queda

expuesto a la

Yves Klein (1928-1962)

“realidad” como oposición de la representación.

253

Galería de Klein

“Monocromo IKB3” (1960)

“Anthoropometry: Princess Helene” (1960)

254

“Eponge (SE251)”

“Cosmogonía azul y rosa con huellas de viento” (1961)

(1961)

255

“Untitled (ANT154)”

“Sudario ANT para la Antropometría 2” (1962)

(1961)

256

Piero Manzoni Artista italiano. Estudió en la Universidad de Milán y fundó,

junto

con

Castellani,

revis-

ta Azimuth (1959). Teórico del anti arte, se le considera precursor del arte conceptual (Pedestal del mundo).

En sus inicios realiza obras prácticamente minimalistas. Experimento en sus cuadros con múltiples pigmentos y materiales.

Una vez usó pintura fosforescente y clorato cobáltico para que los colores cambiaran continuamente. Aunque también tenia ideas más extravagantes, como hacer esculturas de algodón blanco, fibra de vidrio y piel de

Piero Manzoni (1933-1963)

conejo

257

Galería de Kosuth

“Mierda de Artista” (1961)

258

“Achrom” (1961)

259

Pop Art

Pop Art Surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Es-

sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los

tados Unidos como reacción artística ante el Expresionis-

artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta

mo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se ca-

entonces había sido considerado indigno para el arte:

racteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de

la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles

la sociedad de consumo y de la comunicación de masas

de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-

y los aplican al arte.

dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido

reproducidas que enlaza directamente con el mundo

diferente para lograr una postura estética o alcanzar una

de la publicidad.

postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los in-

El tamaño de las obras será cada vez más espectacu-

tereses y la temática.

lar, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnolo-

La expresividad queda desplazada a un segundo

gía, la democracia, la moda y el consumo, donde los ob-

plano, siendo un estilo impersonal que retrata su con-

jetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se

temporaneidad con sutil conformismo.

263

Cartel El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público

El arte plástico fue por muchos años el provocador e

gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus conteni-

inspirador del cartel publicitario, en esta corriente la publi-

dos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador

cidad impresa,entre ella el cartel publicitario y propagan-

le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros

dístico, pasa a ser el origen de una nueva y vanguardista

porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la

corriente del arte plástico.

interpretación de las obras del expresionismo abstracto,

Características

pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria

Uso de objetos vulgares, materiales de desecho, ele-

moderna a obras de arte y, con la frialdad del distancia-

mentos publicitarios de los medios de comunicación.

miento, pone su mirada en la atracción estética de los

Utiliza técnica de cómics y colores brillantes.

vulgares artículos de consumo.

Yuxtaposición de la pintura con los objetos.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

264

Richard Hamilton Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.

Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Richard Hamilton (1922-2011)

265

Galería de Hamilton

“Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?” (1956)

266

“Interior II”

“Trafalgar-Square”

(1964)

(1967)

267

“Hotel de Europa” (1984)

268

Jasper Johns

Pintor y escultor estadounidense. Ha sido, junto con R. Rauschenberg, uno de los mรกximos representantes del new-dada y del pop-art. Imรกgenes triviales y objetos cotidianos son absorbidos por un contexto pictรณrico de gran cromatismo, en el que es patente la huella del expresionismo abstracto.

Sobresalen sus creaciones Flag (1955) y Corpse and mirror II (1975). En 1996 fue objeto de un homenaje en el MOMA de Nueva York al pintor vivo mรกs influyente.

Jasper Johns (1930)

269

“Corpse and Mirror II”

“Perilous Night”

(1975)

(1982)

272

Roy Lichtenstein Pintor estadounidense. Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre

Roy Lichtenstein (1923)

banal. A partir de 1979 realizó también esculturas.

273

Galería de Johns

“False Start” (1959)

“Three Flags” (1958)

270

“0 through 9”

“Land´s End”

(1960)

(1963)

271

Galería de Lichtenstein

“Look Mickey” (1961)

“Varoom” (1963)

274

“M-maybe”

“Rouen Cathedral Set V”

(1965)

(1969)

275

“Bauhaus Stairway” (1988)

“Modern Head” (1989)

278

Claes Oldenburg Artista americano, una de las figuras más destacadas del arte Pop. A los cinco años se trasladó con su familia a Chicago. En 1950 se graduó en Yale y pasó a estudiar en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago. En 1956 se trasladó a Nueva York, donde pronto conoció a otros artistas del happening y delenvironment (Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow y Geoge Segal, entre otros).

En conexión con estas experiencias presentó su primera exposición individual en la Judson Gallery (1960) bajo el título de La calle. En ella reunía figuras y objetos realizados con materiales baratos (tela, cartón, papel), formando una singular evocación del paisaje urbano.

Claes Oldenburg (1929)

277

Galería de Oldenburg

“Floor Cake”

“Giant Soft Fan”

(1962)

(1967)

278

“Clothespin”

“The Button”

(1976)

(1981)

279

“Typerwriter Eraser, Scale X”

“Needle, Thread and Knot”

(1999)

(2000)

280

Eduardo Paolozzi

Escultor y grabador británico. Representante del art brut en Gran Bretaña, trabaja sobre todo el bronce y el cemento, y realiza collages y acuarelas. Desempeñó un papel importante en el pop inglés. Realiza esculturasobjeto policromas en metal.

Eduardo Paolozzi (1924-2005)

281

Galería de Paolozzi

“Las torres gemelas de Sfenix” (1962)

“Vulcano” (1960)

282

“El ultimo ídolo”

“Ketler”

(1963)

(1993)

283

“Estatua de Newton” (1995)

“Bash” (1971)

284

Robert Rauschenberg Pintor estadounidense. Desarrolló su formación en lugares muy diversos: Kansas City, París, Carolina del Norte y Nueva York. Tras un primer período pictórico que podría enmarcarse en algunas de las formas del expresionismo abstracto, en la década de 1950 empezó a realizar sus combine-paintings, piezas de difícil adscripción en las que combinó el lienzo con el ensamblaje de objetos dispares, en muchos casos de desecho: animales disecados, sillas, botellas, ruedas de coches, ventiladores, receptores de radios, etc. Desde 1963 ha recurrido también a la serigrafía, en la que se ha servido a menudo de fotografías y recortes de periódico. Fue uno de los fundadores de la EAT (Experimentos en Arte y Tecnología) y en 1964 recibió el Gran Premio de la Bienal de Venecia. Enmarcado en tendencias tan dispares como el expre-

Robert Rauschenberg (1925

sionismo abstracto o el pop art, él mismo se ha autocalificado a menudo como «neodadaísta».

285

Galería de Rauschenberg

“White Painting” (1951)

“Factum II” (1957)

286

“Retroactive I”

“Autobiography”

(1963)

(1968)

287

“Bookworms Harvest” (1998)

“Hiccups” (1978)

288

James Rosenquist

Pintor estadounidense. Exponente del pop art, su obra se caracteriza por formatos enormes, con imágenes próximas al realismo fotográfico (Anteojeras para caballo, 1969; Puntos blancos, 1983; Los rubores Kabuki, 1985).

En los años noventa mostró su trabajo en la galería Leo Castelli de Nueva York (1996), en la galería Peder Bonnier de Nueva York (1998) y en la Winston Watcher Fine Art LLC de Washington (1999).

James Rosenquist (1933)

289

Galería de Rosenquist

“Te amo con mi Ford” (1961)

290

“Marilyn Monroe I”

“F-111”

(1962)

(1965)

291

“Leaky Ride for Dr. Leakey” (1983)

“The Flame Dances on Leo's Book, from the Leo Castelli 90th Birthday portfolio “ (1997)

292

Tom Wesselmann

Pintor norteamericano. Se inició en el mundo del cómic, y a partir de los años sesenta triunfó en Nueva York con el pop art, dentro de la corriente del new super realism.

Destacan sus series Grandes desnudos americanos e Interiores. En 1996 realizó una exposición antológica en la Fundación March de Madrid.

Tom Wesselmann (1931-2004)

293

Galería de Wesselmann

“Pintura de dormitorio” (1958)

294

“Seascape Dropout” (1982)

295

â&#x20AC;&#x153;Bodegon con jarra azul y cigarrillo humeanteâ&#x20AC;? (1982)

296

Andy Warhol Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

En los 60’s atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales como la Lata de Sopa Campbell y Botellas de Coca Cola Verdes, o de artistas famosas como Marilyn Monroe.

La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos cotidianos, y que, al ser impresos, podrían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.

Andy Warhol (1928-1987)

Muchos le consideran como el artista americano mas influyente de la segunda mitad del siglo XX.

297

Galería de Warhol

“Lata de sopa Campbell” (1962)

“Eight Elvises” (1963)

298

“Seve Decades of Janis” (1967)

299

“Mickey mouse” (1981)

“Camouflage Self -Portrait ” (1986)

300

Arte CinĂŠtico

Arte cinético El arte cinético es una corriente artística, principalmen-

coloristas con que se decoran las cunas, juguetes de

te pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las

movimiento continuo, Se basa en la búsqueda de mo-

obras cinéticas están dotadas de movimiento real, jue-

vimiento, pero en la mayoría de las obras el movi-

gan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provo-

miento es real, no virtual.

can que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones.

Para realizar laobra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada. .

Fue en la extinta Unión Soviética, en 1920, cuando Naum Gabo yAntoine Pevsner aprovecharon

La mayoría de las obras cinéticas son tridimensiona-

su Manifiesto Realista para hacer alusión por primera

les .

vez al arte cinético, corriente que se hizo especialmente popular en las décadas de los 60 y 70.

Se ayudan de distintos recursos como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.

El arte cinético no sólo está presente en museos y galerías, sino también en los hogares: objetos móviles y

Busca la integración entre obra y espectador

303

Clasificaci贸n Los estables Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.

Los m贸viles Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.

Los penetrables Generalmente la obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.

304

Jesús Soto Artista venezolano. A partir de influencias cubistas y constructivistas, se convirtió en uno de los principales representantes del arte cinético .En Francia descubrió la obra de Paul Klee y, sobre todo, a Piet Mondrian, quien le suscitó la idea de "dinamizar el neoplasticismo". En la década de 1950 intentó plasmar en su serie Metamorfosis (1954) un equivalente de la serialidad musical. En 1956 creó sus primeras estructuras cinéticas: su cinetismo se caracterizó por integrar en la obra la percepción del espectador en desplazamiento ante el objeto; son notables

Dinámica del color (1957)

y Escrituras (1963). A partir de la década de 1960 diseñó penetrables y obras de integración arquitectónica, como la decoración del interior del edificio de la UNESCO en París (1970), el interior del Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París (1976) y nu-

Jesús Soto (1923-2005)

merosos espacios públicos en Caracas.

305

Galería de Soto

“Metamorfosis” (1954)

306

“Incliné Bleu Et Noir” (1966)

“Rojo central” (1980)

307

“Esfera virtual amarilla” (1983)

308

Julio Le Parc

Artista argentino. Estudió en Buenos Aires y en 1958 se instaló en París, donde se interesó por las investigaciones cinéticas y donde fundó en 1960, en colaboración con otros artistas, el GRAV, grupo dedicado a la investigación del arte visual.

Su obra, compuesta sobre todo por relieves que integran la luz y el movimiento, recurre a líquidos fosforescentes, a hilos de nylon y a bandas metálicas movidas de forma mecánica. A partir de 1969, tras volver a la pintura sobre tela, ha trabajado en una gama de catorce colores estrictamente definidos.

Julio Le Parc (1928)

309

Galería de Le Parc

“4 doubles miroirs” (1966)

“Continuel lumière avec 49 cylindres vitesse lente” (1967)

310

“Ensemble de 8 mouvements surprises avec lumière pulsante” (1966-1971. )

“Lumière saccadée,” (1970 )

311

“ Lumière verticale visualisée ” (1978)

312

Víctor Vasarely Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Recibe el Premio Internacional Guggenheim en 1964 y el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965. En estos años realiza obras bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales que

Víctor Vasarely (1908-1997)

requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto cinético.

313

Galería de Vasarely

“Arlequin” (1935)

“Cebras” (1950)

314

“Composición E” (Fecha desconocida)

“XII Okta-Pos” (1974)

315

“ Composición L”

“ Titulo desconocido”

(1975)

(1980)

316

Op Art

Op Art Movimiento pictórico nacido de la evolución de diferen-

ve Eye (El ojo sensible) en la cual varios artistas re-

tes corrientes artísticas, como el suprematismo o la

presentantes de este movimiento, como Victor Vasare-

Bauhausen y aparece en Estados Unidos en el año de

ly, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence

1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un

Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz; mos-

movimiento llamado "nueva tendencia", que tenía plan-

traron sus obras, quedando completamente definido

teamientos coincidentes con el Op Art americano.

este nuevo estilo. Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se remontan al año 1932, recibió el

El término Op Art se usó por primera vez en un artículo

primer premio de la Bienal de São Paulo.

publicado por la revista Time en 1964 y describía a un grupo de artistas que, en sus obras, pretendían crear

Las mayores influencias artísticas de este movimien-

ilusiones ópticas. Después de esto el término se adoptó

to son el suprematismo,constructivismo,

como el nombre oficial de este movimiento. De Stijl, neoplasticismo y Bauhaus. Además de tener En 1965, el Museo de Arte Moderno de Nueva York -

importantes influencias intelectuales, psicológicas y

MoMA- organizó una exposición llamada The Responsi-

científicas sobre la fisiología y la percepción.

319

320

Bridget Riley Pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley pinta figuras geométricas y rayas en blanco y negro, con las que consigue una extraña vibración de la superficie.

La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad indivi-

Bridget Riley(1931)

dual de su ejecución.

321

Galería de Riley

“Fall”

“Blaze 1” (1962)

(1963)

322

“Loss” (1964)

“Arest 1” (1965)

323

“Breathe”

“Ease”

(1966)

(1987)

324

Richard Anuszkiewicz

Pintor y grabador estadounidense, que forma parte del movimiento del Op Art, cuyas obras geométricas parecen vibrar a través de sus formas en blanco y negro o por la interacción de colores violentos. Nacido en Erie, Pensilvania, estudió en el Instituto de Arte de Cleveland y en la Universidad de Yale con Josef Albers que, por aquel entonces, estaba experimentando con cuadrados de color. Entre las pinturas de Anuszkiewicz destaca Convexidad II (1966, Sidney Janis Gallery, Nueva York). Más adelante realizó y pintó cubos tridimemencionales.

Richard Anuszkiewicz (1930)

325

Galería de Anuszkiewicz

“Rising and descending” (1958)

“The Quickening Power” (1963)

326

“Sacred Green”

“Luminoso” (1965)

(1968)

327

“Meta-Rouge”

“Cuadro verde claro enmarcado en naranja”

(1970)

(1981)

328

Frank Stella

Pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía. Es influido por las obras de Noland, especialmente por sus «cuadros recortados» que estaban pintados con coloresplanos o bandas monocromas. Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia elarte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.

Frank Stella (1936)

329

Galería de Stella

“The Marriage of Reason and Squalor II” (1959)

“Turkish mambo” (1960)

330

“Sunset Beach,Sketch”

“Hyena-stop” (1962)

(1967)

331

“ #883” (Año no encontrado)

332

Hiperrealismo

Movimiento pictórico que se define en la década de los

sociedad contemporánea. Dentro de sus principales

setentas en Nueva York y la costa oeste de Estados

objetivos no estaba la critica social, se representaba la

Unidos como reacción contra el expresionismo abstracto

realidad más inmediata con el máximo de objetividad

y el arte conceptual. El hiperrealismo prefiere reproducir

posible de aspectos de mercado que de grupos socia-

con la máxima fidelidad la realidad en sus obras, la

les determinados, de aquí que se haya relacionado

realidad se revela a sus ojos a partir de lo que se ve.

con el Pop Art americano.

Se trata de artistas que reivindican el arte de caballete.

Aun que no era su principal objetivo la critica social dentro de esta corriente artística, si había autores ha-

Esta corriente se atreve a reproducir sin idealismo, si-

ciendo una sátira de los aspectos triviales de la socie-

tuaciones reales de las clases mas desfavorecidas de la

dad de consumo.

335

Contexto histórico EU.

1959 — Hacen en Londres el Pop Art 1960 — Piere Restany “Inventa” La corriente artística “Nouveau réalisme”. 1963 — John F Kennedy muere tiroreado en Dallas. 1964— Martin Luther King recibe el premio nobel de la Paz. 1969 — Neil Arnstrong llega a la Luna. 1970 — El Whitney Museum of American Art organiza la exposición “22 Realistas”

336

Ralph Goings Es un pintor estadounidense asociado con el fotorealismo de los aĂąos 1960s y 1970s. Es conocido por las pinturas detallistas de los puestos de hamburguesas, los camiones, los bancos en California, retratados en una forma objetiva de manera deliberada .

Sus obras mĂĄs conocidas reflejan ambientes tĂpicamente americanos, como hamburgueserĂas.

Ha producido una serie de naturaleza muerta retratando saleros, servilleteros, jarras de crema, botellas de ketchup y ceniceros .

Ralph Goings (1928)

337

Galería de Goings

“Airstream” (1970)

“Paul´s Corner Cushion” (1970)

338

“Relish” (1994)

“Donut” (1995)

339

“Double Ketchup” (2006)

“Trio” (2009)

340

Richard Estes Pintor estadounidense. Fue uno de los fundadores del hiperrealismo, también llamado fotorrealismo. Esta corriente pictórica, que surgió en Estados Unidos a finales de la década de 1960, se caracterizó por su interés por captar la realidad tomando como modelo la imagen fotográfica y por aspirar a una nitidez absoluta, de mayor precisión que la del ojo humano

Sus cuadros consisten generalmente en paisajes urbanos y escaparates, en los que generalmente no hay figuras humanas. Estes se dedica por completo a la fascinación por el efecto de los reflejos, los seres humanos para el suponen un estorbo que impide alcanzar la precisión a

Richard Estes (1932)

341

Galería de Estes

“4 Percent Interest ” (1981)

“Lot 46: Cafetería” (1972)

342

“Urban Landscapes 3 Portfolio, ” (1981)

“Titulo no encontrado” (2008)

343

“71st and Broadway” (2006)

“Tour Bus” (2012)

344

Chuck Close Artista estadounidense, pintor y fotógrafo foto realista.

Desde 1988 una hemiplejia derecha, restringió su capacidad de pintar tan meticulosamente como antes, pero prosiguió su carrera utilizando diversos métodos alternativos para manejar pinceles y brochas, por ejemplo atándolos a su muñeca.

La mayor parte de su obra pictórica son grandes retratos hiperrealistas basados en fotografías.

El mismo Close definió su metodo como el intento de filtrar sus ideas a través de la cámara; le interesa la artifiociosidad, no la ilusión.

Chuck Close (1940)

345

Galería de Close

“Mark” (1978)

“Autorretrato” (1968)

346

“Lucas” (1987)

“Autorretrato” (2001)

347

“Bill Clinton” (2006)

“Shirley” (2007)

348

Charles Bell

Fue un estadounidense Hiperrealista y Hiperrealista , conocido sobre todo por su gran escala bodegones . Trabajo que se distingue por el hecho de que el objeto se representa en una escala de hasta diez veces mayor a su tamaño natural. Los colores son claros y vibrantes.

Bell siempre estuvo entre los pocos artistas que siguió rigiéndose por los estándares tradicionales de calidad en el arte

Charles Bell (1935-1995)

349

Galería de Bell

“Art Discover” (1935)

“Curtain Call” (1935)

350

“Solitaire Yelow” (1981)

“Maquina de Chicles” (1983)

351

“Hot Pursuit” (1994)

“Pinballs” (1995)

352

Robert Bechtle Es un americano pintor ; su arte se centra en escenas de la vida cotidiana.

Empezó a dibujar a una edad temprana y, con el apoyo de sus maestros y su familia, persiguió un futuro como artista. Mediante la presentación de una cartera de obra a un concurso nacional, Bechtle ganó una beca que pagó por su primer año de universidad. Cuando se graduó, fue redactado y enviado a Berlín , donde pintó murales en el Mess Hall y encantados en visitar museos europeos. Además de hacer pinturas, acuarelas y dibujos, él es un aventajado impresor. Bechtle comenzó en la litografía , pero, después de 1982, cuando Crown Point Press comenzó a publicar sus impresiones, trabajó principalmente en el grabado.

Richard Estes (1932)

353

Galería de Bechtle

“Alameda Camaro” (1967)

“Sunset Cadillac” (1987)

354

“63 Bel Air” (1973)

“20th Street Capri” (2002)

355

“20th and Texas early evening” (2004)

“Berkeley Intersection Rose Curtis Hopkins” (2010)

356

Tom Blackwell Blackwell es uno de los más photorealists asociados con el estilo. Blackwell ha producido un importante cuerpo de trabajo basado en la motocicleta , así como otros vehículos tales como escaparates con maniquíes, y unos pocos aviones . Blackwell expresionista

comenzó pero

pronto

como

enamoró

abstractodel

arte

pop movimiento de la década de 1960. Del expresionismo abstracto se trasladó a pinturas de gran escala que incorporan objetos metálicos brillantes que normalmente se encuentran en las motocicletas u otros vehículos. Sus obras posteriores y actuales continúan esto, pero a menudo con escenas en las que la luz se refleja en las ven-

Tom Blackwell (1936)

tanas de las tiendas

357

Galería de Blackwell

“Triple Carburetor GTO” (1971)

“34 Ford Tudor Sedan” (1971)

358

“GM Showroom” (1975)

“Phsyche and Cycle” (2002)

359

“Sagaponack Sunday” (2003)

“Morning in Monaco” (2009)

360

Audrey Flack Artista estadounidense. Su trabajo pionero en el género de arte del realismo fotográfico y su arte se expresa a través de la pintura y la escultura.

Audrey Flack tiene numerosos títulos prestigiosos, incluyendo tanto un graduado y un doctorado honorario de la Cooper Union en Nueva York.Además ella tiene una licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Yale y asistió al Instituto de la Universidad de Nueva York de Bellas Artes, donde estudió Historia del Arte. Audrey Flack es un artista muy famoso.

Audrey Flack (1931)

361

Galería de Flack

“Crayola” (1972)

362

“Chanel” (1974)

“Queen” (1975)

363

“Marilyn Vanitas” (1977)

“Energy Apples” (1980)

364

Don Eddy Pintor americano que saltó a la fama inicial comofoto realista ; pero sus obras recientes han virado hacia el reino de la metafísica.

En la década de 1970, las obras de Eddy rindieron homenaje a los coches y el paisaje urbano. En la década de 1980, su trabajo fue más orientado a objetos, que representa a la cristalería, cubiertos, y los juguetes en una serie de estantes de cristal reflectante. A menudo compuesta de dípticos o polípticos , yuxtapone imágenes en relación poética entre otro- "haciéndose eco de los ecosistemas", como el artista llama a estas conexiones de estructura

Don Eddy (1944)

365

Galería de Eddy

“VanWyk Volkswagen” (1971)

“Bumper Section VIII” (1970)

366

“Two Volkswagens” (1971)

“Tememos” (1993)

367

“The divided line: Water Dust and light” (2003)

“The Persephone Cycle: Lacrima Demeter” (2003)

368

Gottfried Helnwein Pintor, fotógrafo y artista de performance austriacoirlandés maestro del reconocimiento sorpresivo.

Sus primeros trabajos consistían principalmente de acuarelas hiperrealistas de niños heridos, así como performances —a menudo con niños— en lugares públicos. Helnwein es un artista conceptual, interesado principalmente en la ansiedad psicológica y sociológica, así como en temas históricos y políticos. Como resultado de esto, su trabajo suele ser considerado provocativo y controvertido.

Helnwein ha trabajado como pintor, dibujante, muralista, fotógrafo, escultor y artista de performance, utilizando una gran variedad de técnicas y medios.

Gottfried Helnwein (1948)

369

Galería de Helnwin

“Stage-setting for Pasolini” (1996)

“It’s only Rock ’n’ Roll ”II” (1993)

370

“Working on The Righteous Mes” (1999)

“Sin titulo” (1996)

371

“Stage Fright” (2003)

“The Murmur of the Innocents 22” (2011)

372

Denis Peterson

Es un pintor hiperrealista cuya fotorrealista obras

han exhibido en el Museo de Brooklyn , el Museo Whitney de Arte Americano , de Butler Institute of American Art , Tate Modern , Springville Museo de Arte , Corcoran MPA y Max Hutchinson Gallery de Nueva York.

Denis Peterson (1944)

373

Galería de Peterson

“Diogenes” (Año no encontrado)

“At the ready in Saratoga” (Año no encontrado)

374

“Cardboard Dreams” (Año desconocido)

375

“Apocalypse” (Año desconocido)

“Foot Action” (Año desconocido)

376

Ron Mueck Es un escultor australiano que actualmente trabaja en el Reino Unido.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En 1996 Mueck cambió hacia el “otro bando” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mos-

Ron Mueck (1958)

trando en la Galería Hayward.

377

Galería de Mueck

“Mask II” (2002)

378

“In Bed” (2005)

379

“Woman with Stiks” (2009)

380

“Bebes” (Años desconocidos)

381

“Young Couple” (2013)

382

“Woman with Shopping” (2013)

383

Posmodernismo

Se desarrolla en la década de los 80’s, aunque venia

En cuanto a la composición , parece conscientemente

gestándose desde los 70’s.

torpe. Las imágenes se superponen unas con otras, como si el cuadro no terminara de ser considerado como

Recoge detalles de obras anteriores, recicla técnicas,

una unidad especial, sino como una superficie sobre la

ideologías y temáticas de otros movimientos, pero todo

que se pueden disponer las imágenes sacadas de otra

ello, visto con una estética actual.

parte.

387

388

David Salle

Estudió en el California Institute of the Arts.

Utiliza técnicas cinematográficas como el montaje y la pantalla dividida para sus pinturas.

Una de sus más recurrentes fuentes de inspiración: el erotismo e imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista.

Emplea indistintamente la imagen, el video, el cine, el diseño y la moda.

Fuerte

influencia

Jasper

Johns

Robert

David Salle (1952)

Rauschenberg.

389

Galería de Salle

“King Kong” (1983)

“Rainy Night in the Rubber City” (1980)

390

“Satori Three Inches Within Your Heart” (1988)

“Coming and Going” (1987)

391

“The River” (2012)

“Swamp Music” (2013)

392

Georg Baselitz

Estudió en la Academia de Bellas Artes de Berlín, de donde fue expulsado. Al principio trataba de utilizar aspectos del tachismo referentes a composición y color.

Su modo de composición es totalmente nuevo, los motivos aparecen girandos o fracturados y sus componentes dispersos por el lienzoen una forma aparentemente arbitraria.

Desde los años 70 sus cuadros fluctuaron entre lo figurativo y lo abstracto, buscando un renovado equilibrio. Desde 198’ realizo también escultura y obra grafica

Georg Baselitz (1938)

393

Galería de Baselitz

“Peitschenfrau” (1964)

“Big Night Down the Drain” (1963)

394

“Saxon Motif” (1975)

“Eagle No. 25 Positive/Negative” (1981)

395

“From the series Gothic Girls” (1995)

“Silencefrom in the Forest and on the Heath” (2005)

396

Julian Schnabel Los trabajos de Schnabel tienen algo de brutalidad, a demás de un nivel de energía.

Su obra forma parte de las colecciones de varios museos en todo el mundo, incluyendo el Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art.

Además de su obra pictórica, Schnabel ha escrito y dirigido cinco películas:

Basquiat (1996), Antes que anochezca (2000), una adaptación de la novela autobiográfica de Reinaldo Arenas que también produjo, y una adaptación de las memorias

del

diseñador

editorial

francés

Jean-

Dominique Bauby, La escafandra y la mariposa (2007).

Julian Schnabel (1951)

397

Galería de Schnabel

“Azzedine Alaia” (1983)

398

“I went to Tangiers and Had Dinner With Paul Bowles” (1990)

399

“La vozde Antonio Medina” (1992)

“Gian Enzo” (1998)

400

Keith Haring

Fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de Nueva York de los años 1980.

Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos.

La típica iconografía de sus sencillos dibujos incluye animales y figuras danzando, perros, bebés gateando, pirámides, televisores, teléfonos y platillos volantes

Keith Haring (1958)

401

Galería de Haring

“Montreux” (1983)

“Sin titulo! (1981)

402

“Sin Titulo” (1985)

“Sin Titulo” (1984)

403

“Lucky Strike (1987)

“Pop Shop V” (1989)

404

Jean-Michel Basquiat Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, los trabajos de Franz Kline, Jackson Pollock y Willem De Kooning fueron una fuente de inspiración.

Interesado también por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana.

Estilísticamente, la obra artística de Basquiat está basada en múltiples referencias, tales como la música jazz , la cultura del África primitiva, e incluso quizás el abuso de la heroína

Jean-Michel Basquiat(1960)

405

Galería de Basquiat

“Fallen Angel” (1981)

406

“Sin Titulo” (1982)

“Six Crimee” (1982)

407

“Horn Playersr” (1983)

408

Transvanguardismo

Surgió a finales de los años setenta y ochenta.

Este movimiento agrupó a los artistas por su coincidencia en la concepción filosófica del arte.

La característica más importante de este movimiento es la adopción de una posición nómada,

El concepto de transvanguardia acuñado a fines

trasladándose de un estilo a otro sin respetar filia-

de la década de los setenta y del siglo XX por el crí-

ción alguna.

tico italiano Achille Bonito Oliva

411

412

Sandro Chia Estudió en el Istituto d’Arte y en la Accademia di Belle Arti de Florencia.

Chia suele trabajar en formatos grandes, con fuerte colorido, utilizando todo tipo de técnicas.

En su obra destaca el análisis y reutilización de la obra de artistas del pasados.

Chia pone especial énfasis en el título de sus obras, ya que es parte del mensaje que quiere transmitir; en ocasiones, incluso añade algún pequeño poema dentro del cuadro.

Su estilo es expresivo y teatral, destacando las figuras

Sandro Chia (1946)

humanas de aspecto monumental, heroico.

413

Galería de Chia

“Figures with Cloth” (1983)

“Incident at the Café Tintoretto” (1981)

414

“Blind Dog” (1984)

415

“The Lonely Explorer” (1984)

416

Francesco Clemente En 1971 realiza su primera exposición de collages en la Galería de Valle Giulia de Roma.

Sus obras iniciales romanas se caracterizan por ser intensamente subjetivas, ligadas al cuerpo (el suyo y el de las mujeres), deformados, mutilados, así como a la sexualidad; estaban realizadas con una rica paleta de colores.

Posteriormente se inspiró en el arte y en el folklore de la India, especialmente notable en cuanto al número de sus trabajos y los materiales utilizados.

En los 80’s produjo la mayor parte de las pinturas al óleo, con connotaciones violentas, expresionistas y casi

Francesco Clemente (1952)

místicas.

417

Galería de Clemente

“Funerary Painting” (1987)

“Priapea” (1980)

418

“Madre” (1995)

“Skin” (1996)

419

“Onyx Dream” (2010)

420

Nicola de María De María se centra principalmente en el arte abstracto.

Destaca el fuerte colorido aplicado a sus obras.

Con trabajos de gran formato cercanas a la instalación; sustituye el espacio pictórico por la noción de campo, dando a sus obras un carácter ambiental cercano al environmental art.

De María destaca por la irregularidad de materiales, formas y colores, por el aspecto casi laberíntico de sus obras, realzado por su carácter monumental, a veces paredes enteras con grandes superficies monocromas que dan una sensación de espacio irreal y fantástico

Nicolas de María (1954)

421

Galería de María

“Fatato Regno dei Fiori Sempre Regno dei Fiori” (1954)

422

“Testa Orfica” (1990)

423

“Rosa” (2012)

424

Mimmo Paladino Domenico Paladino

Estudio en el Liceo Artístico de Benevento de 1964 a 1968

Comenzó a dibujar seis años mas tarde; sus temas favoritos en particular son a menudo tomados de la mitología.

En 1977 expone por vez primera en la galería Lucio Amelio de Nápoles.

Mimmo Paladino 1948)

425

Galería de Paladino

“Peter’s Stone” (1980)

426

“Sin Titulo” (1992)

“Pool Water” (1980)

427

“Sin Titulo” (1995)

428

Enzo Cucchi Joven se inicia de forma autodidacta en la pintura, actividad que dejará temporalmente para interesarse por la poesía.

En las obras sobre tela, acompañadas de numerosos dibujos y a menudo presentadas con textos poéticos escritos por el mismo artista, se apropia con mirada visionaria del mito, de la historia del arte y de la literatura.

Además de las grandes composiciones con uso de carboncillo y del collage, ha experimentado el uso de materiales diversos como la tierra, la madera quemada, los tubos de neón y el hierro

Enzo Cucchi (1949)

429

Galería de Cucchi

“Palla-Santa! (1980)

430

“Paese Amato” (1982)

431

“Il piede dell’albero santo” (1993)

432

Cartel en MĂŠxico

El cartel en México

Este periodo comprende desde 1800 a 1899 caracteriza-

Entre los periódicos mas importantes están:

do por el desprendimiento de la monarquía, dándole un nuevo aire al país, un aire de cambio.

El Ahuizote El Pensador Mexicano

A mediados del siglo XIX se llevó a cabo la inserción de

El Partido Liberal

caricaturas en los periódicos y tuvo gran aceptación entre

El Imparcial

el público.

Regeneración

435

436

Manuel Manilla

Su figura se ha visto eclipsada por la del hidrocálido José Guadalupe Posada, quién adquirió fama a partir de sus grabados relativos a la muerte en un tono festivo.

Manuel Manilla (1830-1895)

437

Galería de Manilla

“Juego del Circo” (1890)

438

“Calavera Tapatía” (1890)

“Hoja Volante , la calavera de la viuda alegre” (1910)

439

“El Gran Circo” (1911)

“Calavera de la penitencia” (Año no encontrado)

440

Gabriel Vicente Gaho-

Fue

caricaturista,

pintor,

dibujante

graba-

dor mexicano.

Se le conoci贸 m谩s amplia y popularmente por el seud贸nimo de Picheta. Fue un artista esencialmente autodidacta de talento reconocido y una gran capacidad de innovaci贸n.

Gabriel Vicente Gahona (1828-1899)

441

Galería de Gahona

“Don Bullebulle” (1847 )

442

José Guadalupe Posada

Fue grabador, ilustrador y caricaturista mexicano. Célebre por sus dibujos de escenas costumbristas, folclóricas, de crítica socio-política y por sus ilustraciones de «calacas» o calaveras, entre ellas La Catrina.

Jose Guadalupe Posada(1852-1913)

443

Galería de Posada

“Portadas de la biblioteca del niño mexicano.” (1899-1901)

“Hoja volante, remate de calaveras y sandungueras” (1913)

444

“Anuncio de la imprenta de Antonio Venegas Arroyo”. (Año no encontrado)

445

“La Palanca” (Año no encontrado)

446

Antonio Venegas Arroyo

Fue un célebre impresor y editor mexicano. Fue el editor más popular de gacetas callejeras, corridos, historietas, adivinanzas y publicaciones varias de su momento. Su imprenta estaba en la cerrada de Santa Teresa #1. Entre los artistas que trabajaba, se encontraba el célebre grabador mexicano José Guadalupe Posada.

Venegas (1850-1917)

447

Galería de Venegas

“Titulo no encontrado” (Entre los años 1890)

448

“Titulo no encontrado” (Entre los años 1890)

449

“Titulo no encontrado” (Entre los años 1890)

450

José María Villasana

Periodista, dibujante y caricaturista. Villasana fue en México uno de los caricaturistas más celebrados y uno de los dibujantes más hábiles.

Jose María Villasana (1848-1904)

451

Galería de Villasana

"Toma de posesión, a la presidencia, de Lerdo de Tejada", (1872)

"Aprended flores de mí” (1874.)

452

R贸tulos

Rótulos

Rótulo es un término que procede del latín rotŭlus. Se

El objetivo del rótulo es brindar información clara y

trata de aquella inscripción que se sitúa sobre algo para

precisa en pocas palabras. La idea es que la gente, al

indicar qué es, hacia dónde se envía, para qué sirve, etc.

encontrarse con un cierto envase, recipiente o paquete, pueda observar el rótulo y saber qué contiene el

Los rótulos se utilizan en la vida cotidiana. Los datos

objeto en cuestión en su interior. En ciertos contextos,

que aparecen se vinculan con aquello que se está rotu-

los rótulos se crean de manera informal.

lando.

455

Galer铆a de R贸tulos

456

457

458

Cartel en MĂŠxico Siglo XX 459

Art nouveau

La Prensa 1884 a 1911 El

mandato de Porfirio Díaz trajo como resultado un

De 1898 hasta 1917 se puede apreciar claramente la

gran avance tecnológico lo cual repercutió positivamente

influencia del art nouveau en México. Descartan los

en la industria de la prensa y la publicidad. Los litógrafos,

trabajos de :

los grabadores y los tipógrafos aumentaron su producción. Esto dio pie al nacimiento de la “prensa grande” y

Julio Ruelas

“la prensa pequeña”.

Roberto Montenegro German Gedovious Leopoldo Méndez José Clemente Orozco Saturnio Herrán Carlos Neve

“Saturnino Herrán, portada del semanario / El Universal Ilustrado” ( 1917)

"La patria, primera plana.” (1887)

461

Principios del siglo XX

La publicidad del Centenario Se crearon un montón de panfletos y publicidad para

La necesidad de la publicidad le da un nuevo auge a la

celebrar la ocasión, entre ellos destaca el cartel de la

publicidad.

Comisión Nacional de Independencia que tiene una variedad cromática exquisita así como la calidad de la ilus-

Se observan el pictoricismo El pictoricismo crea los

tración y la elección tipográfica.

anuncios de acuerdo a los criterios convencionales de la pintura a los cuales se les añade el texto del mensaje publicitario.

“Sin titulo” (Año no encontrado)

“Anuncio para venta Colección Bruno Newman” (1900-1905)

462

Revolución Los carteles y volantes durante la revolución ; Además de la imprenta de Venegas Arroyo funcionaron en la ciudad de México 2 establecimientos encargados de imprimir carteles populares y volantes dedicados a espectáculos.; estos eran el taller tipográfico El Libro Diario y la imprenta de José Figueroa.

Cada imprenta o cada casa editorial tomo partido o anunciaba las noticias que quería entorno a los maderistas, los huertistas, los antihuertistas, zapatistas, carrancistas, villistas y obregonistas.

Primera plana del Excélsior

463

Actividad Editorial En la revolución hubo un estancamiento ya que a pesar de que existían revistas y medios de comunicación, no se buscó un fomento de la cultura ni una evolución en el diseño. Después de este periodo, Álvaro obregón y José Vasconcelos buscan instaurar la cultura a través de la publicación de libros, es cuando nace Porrúa y ciertas colecciones de libros.

Después de la revolución se busco reactivar la economía y nacieron nuevas casa editoriales como Excélsior, mike studio, publicidad, etc.

“Gabriel Fernández Ledesma, Cartel” (1931)

464

El Entridentismo Fue un movimiento que duro de 1921 a 1927.

En enero de 1922, apareció el primer numero de la revista Actual Comprimido estridentista de Manuel Maples Arcel , su intención aparente era escandalizar pero en el fondo pretendía renovar los lenguajes artísticos para que respondieran a un mundo de grandes ciudades, tecnología, velocidades y revisiones políticas.

El estridentismo fue un movimiento literario pero sus gestos fueron gráficos y estuvieron influidos por los tres grandes movimientos que influyeron al diseño grafico del siglo xx: el constructivismo, el futurismo y la nueva tipografía. Destaca la participación de : Ramón Alva de la Canal, portada de libro.

Fermín Revueltas Ramón Alva de Canal.

465

Art Déco Aunque estaba emparentado con el nouveau, poseía una personalidad propia y definida: el déco es más sintético, más veloz y dinámico. Se expandió rápidamente.

El déco es el ámbito visual de una sociedad que despertaba lo mismo al dinero que a la organización obrera , a la liberación sexual y a una expresión artística que impulso al diseño gráfico.

En México, el déco tuvo dos grandes expositores: Jorge González Camarena y Ernesto ‘el chango’ García Cabral.

“ Ernesto ‘el chango’ García portadas de revista” (1930-1932)

466

Fotografía y Fotomontaje La revolución visual y estética de la fotografía dio paso a una nueva manera de concebir una revista e inauguro una escuela editorial con un predominio visual.

La fotografía se utilizo como un medio de denuncia, porque se tenía la idea de que esta no miente. Se sirvieron de ella para mostrar la miseria y la represión de manera incontrovertible.

El fotomontaje es un collage, una combinación de distintas fotos que se integran de manera dinámica y equilibrada

El fotomontaje y el origen de la fotografía conceptual significaron el descubrimiento de

un territorio ignoto de “Lola Álvarez Bravo, El sueño de los pobre” (1935)

composición en el cual destacan las obras de Edward Weston, Tina Modoti, Agustin Jiménez, Álvarez Bravo,

467

Josep Renau Llega a México en 1939 tras haber sido Director General de Bellas Artes y de Propaganda Gráfica del ejército republicano en España.

En México colabora con Siquerios en su mural Retrato de la Burguesía.

Realiza portadas para la revista Futuro.

Emplea tanto la ilustración como el fotomontaje.

Funda Estudio Imagen considerado el primer despacho de diseño y publicidad en México.

Josep Renau (1907-1982)

469

Galería de Renau

Cartel para la película “Allá en el rancho grande” (1950)

“La Adultera” (1956)

470

Miguel Prieto

Se desempeña como Diseñador Editorial.

Dirige la Oficina Técnica de Ediciones.

Dirige las revistas : Contemporáneos (1950) Revista de laUniversidad (1950) México en el Arte (1950)

Miguel Prieto (1907-1956)

471

GalerĂa de Prieto

472

Vicente Rojo Fue asistente de Miguel Prieto.

A los 17 años comienza a trabajar en la Oficina Técnica de Ediciones del INBA en el suplemento México en la Cultura.

Conoce el Miguel Salas quien lo pone a cargo de la revista Artes Plásticas.

Fue director de la Revista México en la Cultura.

Vicente Rojo (1894-1966)

473

GalerĂa de Rojo

DiseĂąo editoriales (Fecha no encontrada)

474

Año 68

Juegos Olimipico y movimiento del 68

La estabilidad económica durante el gobiernos de Adolfo López Mateos motivó al comité olímpico al elegir a México como sede de los juegos de olímpicos de 1968.

Díaz Ordaz continua con el proyecto de internacionalización instaurando un sistema autoritario.

475

Eduardo Terrazas y Beatrice Trueblood son los encargado de la identidad visual de la Olimpiada.

476

Grafica del 68

“Sin Titulo” (1968)

477

“Libertad de expresión “ (1968)

“La paloma de la paz” (1968)

478

Movimiento Hippie

Protestas pacíficas antiguerra.

Festival de Woodstock

Uso desustancias psicotrópicas y la psicodelia

Retoman el Art Noveau

El festival de Avándaro.

“Sin Titulo” (Año encontrado)

479

Publicidad 70’s y 80’s

“Diseño de carteles” (1970)

480

Cartel en el siglo XXI

El cartel siglo XXI La década de 1990 fue compleja, ya que existió una producción heterogénea que se distancia de la oferta que se vió durante las décadas de 1970 y 1980. Durante esos años existió un estrecho vínculo entre el trabajo de diseñadores, las militancias políticas y algunas propuestas alternativas; los creadores gráficos también comenzaron a ocuparse de la imagen corporativa, y se adentraron en espacios que no habían sido explorados como ocurrió en la televisión y multimedia.

El cartel del Silgo XXI apunta a una búsqueda y se muestra abierto al conjunto de las tendencias mundiales del momento.

483

Cartel Tridimensional

Un claro ejemplo del dise単o en publicidad exterior en un cartel tridimensional es propuesto por la agencia WCRS&Co. Para mini cooper.

484

El proyecto proviene de la agencia creativa con sede en Estocolmo SNASK, la cual ha creado un cartel fantástico para el Festival “Malmö 2014

485

Cartel especial para â&#x20AC;&#x153;Oldtimerâ&#x20AC;? Una gran cadena austriaca de descanso de las autopistas. (Agencia de Publicidad: Demner, Merlicek y Bergmann, Vienna, Austria)

486

â&#x20AC;&#x153;Fortalece dientes fuertesâ&#x20AC;? (Agencia de Publicidad: Ogilvy & Mather, Jakarta, Indonesia)

486

Julián Naranjo

Destacado diseñador gráfico chileno.

Realizó sus estudios en la Universidad Católica de Chile, de donde se graduó en 1978. Posteriormente, se trasladó a San Diego, California, donde trabajó para diversas agencias publicitarias; en 1983, se incorporó a Design Group West. Tiempo después, cursó la maestría en comunicación gráfica, en la Universidad de California, San Diego, y, en forma paralela, abrió su propio estudio de diseño e ilustración.

Julián Naranjo (Año no encontrado)

488

Galería de Naranjo

“Sin Titulo” (Año no encontrado)

489

“Afiches on Pinterest” (Año no encontrado)

“Mal Portada” (2010)

490

Eduardo Téllez Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, en ella dio clases de diseño durante siete años. Es profesor fundador de la carrera de comunicación gráfica, y cofundador del grupo El Convento. Durante más de 15 años desarrolló diseño integral corporativo para Xerox Mexicana, y, además, es diseñador y coeditor del libro Marcas, símbolos y logos en México.

Ha presentado diversas exposiciones, merecedoras de premios nacionales e internacionales, y su obra se encuentra o ha sido expuesta en más de 20 países alrededor del mundo. Ha dictado conferencias en diferentes universidades del país y del extranjero, y desde1980 es diseñador independiente en el Estudio Tres Grupo 3; en esa calidad realizó el diseño y el concepto de la llave y

Eduardo Téllez (1948)

la medalla de la ciudad de México..

491

Galería de Telléz

“Nombre no encontrado” (Año no encontrado)

“Libertad de pensamiento y expresion” (Año no encontrado)

492

Gustavo Wojciechowski

Desde 1978 trabaja como dise帽ador grafico e ilustrador.

En 1988 integro el equipo servicio de Comunicaci贸n Educativa Audiovusial, realizo tareas de edici贸n, producci贸n grafica y docencia, del que formo parte hasta 1991.

A partir de 1996 es docente de la Universidad ORT de Uruguay

Gustavo Wojciechowski (1956)

493

Galería de Wojciechowski

“Arte el País” (Año no encontrado)

“Portada Revista Arte” (Año no encontrado)

494

Galería de Paciorek

“Poskromienie Zlosnicy” (2006)

“Somos el reflejo del agua” (2006)

496

Conclusi贸n

Conclusión La historia del cartel refleja los cambios de la moda y

manera de influir en la gente y comunicarles ideas.

las inquietudes de la sociedad, durante la industrializa-

Estas necesidades coincidieron con los avances en

ción en el siglo XIX los fabricantes promovieron sus

las técnicas de impresión que hicieron posible la crea-

productos y servicios con carteles modernos que ha-

ción de carteles efectivos y baratos.

cían su aparición por primera vez en tanto que los movimientos políticos y económicos necesitaban una ma-

La fecha de elaboración de los primeros impresos en

nera de influir en la gente y comunicarles ideas. Estas

China no es conocida, pero se sabe que las imáge-

necesidades coincidieron con los avances en las técni-

nes eran cortadas en bloques de madera, la tinta se

cas de impresión que hicieron posible la creación de

aplicaba en la superficie no cavada y entonces se co-

carteles efectivos y baratos.

locaba el papel sobre el bloque de madera permitiendo que la imagen se transfiriera al papel. Esta técni-

La historia del cartel refleja los cambios de la moda y

ca halló su utilidad en la confección de carteles utili-

las inquietudes de la sociedad, durante la industrializa-

zando la tipografía de madera o metal y con el graba-

ción en el siglo XIX los fabricantes promovieron sus

do sobre madera, el crecimiento de la publicidad ins-

productos y servicios con carteles modernos que ha-

piró a los diseñadores de tipos a desarrollar estilos

cían su aparición por primera vez en tanto que los mo-

decorativos en la tipografía para adornar hojas volan-

vimientos políticos y económicos necesitaban una

tes y folletos.

Los impresores, más que los diseñadores gráficos,

en París. Un número similar de posters de Henry de

crearon estos primeros prototipos de carteles hasta el

Toulouse-Lautrec se han convertido en clásicos bajo

desarrollo del fotograbado en la segunda mitad del siglo

cualquier estándar, sus trazos extraordinarios muestran

XIX. Con la invención de la litografía gracias a Aloys Se-

sus puntos de vista en la cultura de cabaret de esa épo-

nefelder en 1796, un mundo nuevo se abrió para los di-

ca en París. Por otra parte Alphonse Mucha, el artista

señadores, las imágenes se dibujan directamente sobre

checo, llevó al estilo Art Nouvea a su cénit, sus figuras

una piedra plana con pigmentos de base grasa. La pie-

femeninas están rodeadas de formas florales y tipogra-

dra se humedece completamente antes de la aplicación

fía que fluyen a su alrededor. El famoso y parodiado

de tintas de impresión y la tinta es repelida por las zonas

cartel de Montgomery Flagg, “I Want YOU for the US

humedecidas.

Army”, de 1917, fue impreso también con el método litográfico.

Sólo unos pocos sobresalen con esta técnica, entre ellos están los Beggarstaffs, James Pryde y William Nicholson,

A la litografía le siguió el desarrollo de la impresión off-

los cuales producen poderosos carteles con formas sim-

set, que ha permitido desde su invención las impresio-

plificadas, mientras, las tres docenas de posters de

nes de alta calidad que son utilizadas en la actualidad

Théophile-Alexandre Steinlen se elaboraron con formas

para periódicos, revistas y carteles. Las últimas nove-

más figurativas mostrando escenas de la vida cotidiana

dades, la impresión digital, la xerografía, y ahora los

programas informáticos, han dado a Shigeo Fukuda y a

ubicada primero en Weimar y posteriormente en Das-

sus colegas de todo el mundo la capacidad de poner en

sau.

papel casi cualquier cosa que puedan imaginar .

La segunda mitad del siglo XX vio aparecer diseños que no seguían rígidamente el estilo de la época, mien-

Durante la primera mitad del siglo XX, el estilo de la tipo-

tras que el modernismo aún persiste, se ha creado una

grafía y los gráficos utilizados en los carteles seguían ge-

ecléctica variedad de carteles, por ejemplo los carteles

neralmente la moda imperante en todos los aspectos del

creados en Estados Unidos en los años sesenta con un

diseño, desde los trabajos decorativos en estilo victo-

estilo psicodélico, fueron una aberración, retomaron el

riano pasando por la más austera Arts and Crafts de

Art Nouveau para promocionar conciertos de rock con

Glasgow y Viena hasta las sinuosas formas del Art Nou-

una tipografía casi ilegible.

veau. El diseño oscila ahora de un libre y poético misterio a El movimiento moderno incluye el expresionismo con la

una explosión de collage e innovación que aparece con

obra de George Grosz y otros, la reforma alemana que

cada avance tecnológico que los medios electrónicos

fue realizada en la Bauhaus, la escuela de vanguardia

ofrecen.

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Expresionismo_abstracto

Galería de Wojciechowski

“Arte el País” (Año no encontrado)

“Portada Revista Arte” (Año no encontrado)

494