Número 409 by El Comentario

CONTENIDO

Índice

Lunes 16 de Marzo de 2020

De Comala a Macondo, una obra de acercamiento a Márquez y Rulfo: Fabio Martínez

El Ojo Dominante

por César Barrera Vázquez

por Brenda Rosales

México tiene una vasta generación literaria como nunca antes: Emiliano Monge

por Alfonso Martínez Mayorga

Psicología unitaria

por Carmen Zamora

Citas sobre México desde La revolución perdida de Ernesto Cardenal

La calle del insomnio por Eréndira Cortés

por Manuel Delgado Castro

DIRECTORIO

Las opiniones firmadas por sus autores no son responsabilidad de quienes editan este semanario ni de la U de C.

Bosquejo de Mar Franco.

M.A. José Eduardo Hernández Nava Rector Christian J. Torres Ortíz Zermeño Secretario general Vianey Amezcua Barajas Coordinadora general de Comunicación Social Jorge Vega Aguayo Director general de Prensa

El Comentario Semanal José Ferruzca González Director del periódico El Comentario Yadira Elizabeth Ávalos Rojas Coordinadora de edición Brenda Rosales Peña Información y corrección Ma. Guadalupe Venegas Peregrina Diseño

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El Comentario Semanal

Literatura

Lunes 16 de Marzo de 2020

De Comala a Macondo, una obra

de acercamiento a Márquez y Rulfo: Fabio Martínez

El escritor colombiano resalta la trascendencia de estos dos escritores en la literatura latinoamericana. Por César Barrera Vázquez

e Comala a Macondo es una obra introductoria a la literatura de Gabriel García Márquez y Juan Rulfo, aseguró el escritor colombiano Fabio Martínez, quien aseguró que las obras Cien años de Soledad y Pedro Páramo ya son un clásico de la literatura hispanoamericana. “La idea de la publicación de Comala a Macondo surgió en la ciudad de Cali, donde yo vivo. Es una ciudad que también pertenece a la región pacífico. Es decir, de alguna manera Colima y Cali pertenecen a esa vasta región del pacífico latinoamericano”. Reveló que el libro surgió porque en el 2017 fue el aniversario número 100 del natalicio de Juan Rulfo y los 50 años de la primera publicación de Cien años de soledad, por lo que el editor de la Universidad del Valle concidió con Fabio Martínez en que el mejor homenaje a ambos escritores es la publicación de un libro. “Yo soy un rulfiano desde que soy estudiante de la Universidad. Yo leí Pedro Páramo y el Llano en llamas, a la edad de 17 años. Luego dijimos que vamos hacer una compilación de textos de Gabo, de Rulfo, y algunas crónicas de escritores que han conocido a estos autores”. - ¿Hay un puente entre Rulfo y García Márquez, entre Comala y Macondo? - Cuando llegó Gabriel García Márquez, pobre, feliz e indocumentado a Ciudad de México, que venía de Nueva York con su familia, aquí fue muy bien recibido por Carlos Fuentes y por los grandes escritores mexicanos. Y él (Gabo) tenía un amigo personal que era Álvaro Mutis, quien también vivió muchos años aquí. “Gabriel García Márquez –agrega Fabio Martínez—cuenta en sus memorias que estaba escribiendo Cien años de soledad aquí, en un departamento de la ciudad de México; sube al quinto piso Álvaro Mutis, con un libro

bajo el brazo y le tira el libro a García Márquez y le dice: lea esto para que aprenda a escribir, y era Pedro Páramo de Juan Rulfo. Aseguró que existen una serie de influencias muy importantes literarias, porque más obras transcurren en pueblos, por lo que las consideró como una literatura rural, lo cual demuestra que no necesariamente la literatura urbana-contemporánea es más importante que la rural. “Pedro Páramo y Cien años de Soledad, siendo dos obras en ámbitos rurales, hoy en día son obras consideradas clásicas. Ahí se juntaron también Rulfo y Gabo para hacer guiones de cine, como el Gallo de Oro, En este pueblo no hay ladrones”.

Fabio Martínez explicó que en el libro De Comala a Macondo hay un artículo de Patricio Solano, un académico y doctor de la UNAM que habla sobre los vasos comunicantes entre la vida de Juan Rulfo y la de García Márquez. “Son dos libros, para decirlo en una frase de Carlos Monsiváis, que pertenecen a un mismo aire de familia. Por esa razón, cuando yo hice la convocatoria, convoqué a 35 autores nacionales e internacionales. Y al mes ya tenía prácticamente el libro hecho”. Puntualizó que estas obras siguen teniendo mucha fuerza, sobre todo en este momento del postboom latinoamericano, con autores como Enrique Vila Matas, Juan Villoro, Consuelo Treviño, entre otros autores. “Creo que el proceso del postboom de la literatura mexicana contemporánea está todavía en proceso de construcción. La fuente del postboom viene del boom literario, de estos grandes maestros. Yo no creo, y esto lo voy a decir, no creo que todavía en el mundo literario hispanoamericano se haya superado a Rulfo o se haya superado a García Márquez”. El también escritor precisó que hay nuevas voces, nuevos ámbitos, pero se enmarcan en la consolidación de otras obras que ya son consideradas clásicas, como Cien años de soledad y Pedro Páramo.

Literatura

Lunes 16 de Marzo de 2020

La poesía de Anne Carson. Apuntes sobre el libro La belleza del marido Por Nadia Contreras

a poesía contemporánea plantea un cambio en la manera de abordar la tradición poética, así como en el análisis y la reflexión en torno a la historia de las sociedades. La poesía es otra y, más aún, la poesía escrita por mujeres; una poesía decidida a transformar paradigmas. Uno de ellos, como se prueba en la poesía de Anne Carson, es el trabajo elaborado en torno al yo femenino; se apropia de una identidad que, en otros momentos de la historia, había sido negada. Esta liberación representa un camino largo que estalla en el siglo XIX y que, con las vanguardias, tomará un fuerte impulso. Se rompió el silencio. La poesía de hoy destroza mitos falsos, examina discursos y hurga decididamente dentro del lenguaje,

ese espacio universal que es a la vez privado y público. Anne Carson nació en Toronto en 1950. Ensayista, traductora y poeta, se formó en lenguas clásicas y se desempeñó como profesora en las universidades de Michigan, NYU, Princeton y McGill. Ha publicado varios volúmenes misceláneos de poemas y ensayos, entre ellos Plainwater: Essays and Poetry (1995), Glass, Irony and God (1995), Men in the Off Hours (2000), The Beauty of the Husband (2000, Premio T. S. Eliot de poesía) y Decreation (2005); así como una novela en verso, Autobiography of Red (1998), el ensayo Economy of the Unlost (2002) y un volumen con sus versiones de la poesía de Safo, If Not, Winter (2002). Además, ha sido dos veces finalista del National Book Critics Circle Award. En español se han publicado La belleza del marido (un ensayo narrativo en 29

tangos) (2003, trad. Ana Becciu) y Hombres en sus horas libres (2007, trad. Jordi Doce). La autora ganó el Premio Internacional de Poesía Manuel Acuña en Lengua Española 2019, convocado por la Secretaría de Cultura de Coahuila, en la categoría de Trayectoria poética. Esta edición del Premio Internacional Manuel Acuña de Poesía conmemorará el 170 aniversario del natalicio del poeta coahuilense. La premiación se llevará a cabo en el marco de la Feria Internacional del Libro Coahuila 2020, a realizarse del 24 de abril al 3 de mayo. La belleza del marido, un ensayo narrativo en 29 tangos (Lumen, 2003) nos coloca en el centro de un matrimonio destruido. Un escenario, su ensamblaje, que provoca aborrecimiento. La belleza del marido es la revisión a los roles y las funciones que tanto el hombre y la mujer se adjudican dentro de éste, los hábitos, los afectos, los

Literatura

Lunes 16 de Marzo de 2020 papeles que se juegan y, en consecuencia, la vinculación con los hijos. El matrimonio que nos presenta Carson está muy lejos del matrimonio romántico en el cual a la mujer se le ve como objeto idealizado, colmado de virtudes, atavíos. Los estilos del amor evidentemente han cambiado (en el siglo XVI prevale la pasión ferviente, apasionada; el siglo XIX insertará en la relación amorosa, otros elementos como el poder adquisitivo: ropa, casa, viajes, coches, etc.), aunados a los nuevos modos de cortejar y de establecer una relación íntima. En La belleza del marido, como en la universalidad de la vida en pareja (matrimonios), el pacto (amor, fidelidad, devoción…), se transgrede y lo que era dulce se vuelve amargo, o dulce y amargo al mismo tiempo, como queda evidenciado en Eros. El dulce amargo (Fiordo Editorial, 2015). El deterioro de la relación amorosa es tema central de La belleza del marido o las variaciones de un tango que como el matrimonio “hay que bailar hasta el final”. El modelo triádico del “acontecimiento narrado”: el esposo, la esposa y la amante, duplica —a manera de espejo— la composición del libro: los textos de Keats (que forman parte también del libro Eros, publicado en 1986), al inicio y al final de cada poema y la contextura de éstos. Otros recursos literarios y retóricos que predominan en el libro son: el lenguaje, el comentario metaléptico, la ironía, la técnica de la in medias res y el ensamblaje complejo de los textos. Desde el primer poema, el amor y la exacerbación del deseo sexual se muestran aniquilados; no existe es brevísimo instante que coloca a los enamorados fuera de la razón, fuera de la voluntad. Rige la fuerza inversa de los impulsos. Es decir, los amantes están dentro de una emboscada y buscan demorarla, pausarla. Leamos: “Una herida despide su propia luz / dicen los cirujanos. / Si todas las lámparas de la casa se apagaran / podrías vendar esta herida / con el resplandor que de ella surge. // Ofrezco gentil lector tan solo una analogía. // Una demora. // «Utilizar demora en lugar de cuadro o pintura… / una demora en vidrio / como si dijeras un poema en prosa o una escupidera de plata.» […] ¿Qué es lo que se demora? / El matrimonio, diría. / Ese espacio oscilante, como lo llamaba mi marido. / Mira cómo resplandece / la palabra”. Resaltan de estos versos las palabras “herida”, “analogía”, “demora”, “vidrios”, “espacio oscilante”. ¿En qué momento, si se deseó con locura, si se amó de manera enfervorizada, se fundó lo amargo? Es posible recordar aquí un pasaje escrito por León

Tolstói en Ana Karenina: “Antes de nuestras relaciones íbamos el uno al encuentro del otro, y ahora nos dirigimos inevitablemente en direcciones opuestas. Y esto no se puede cambiar.” ¿Qué se ama? ¿Aquello que falta en nosotros? Escuchemos a Carson: “Por qué la naturaleza me entregó esta criatura; no digáis que lo elegí / sino que me aventuré: / por cierta pura gravedad de la propia existencia, / ¡una conspiración del ser!”. Una vez más, el poema exige la reflexión: ¿Es libre elección o ardid del destino? Más allá de la falta de orgasmos, ese bálsamo que debiera curar, los celos son un argumento más para la desilusión erótica. Veamos: “Ah no somos enemigos dijo él. ¡Te quiero! Os quiero a las dos. / ¿No es el señor Rochester que aprieta los dientes y nos dice /

un abrigo, innecesario en aquella cálida noche de junio, por sus piececitos que aparecían bajo el vestido. Me incliné sobre la barandilla y ya iba a exclamar: «¡Ángel mío!», cuando me detuve al ver otra figura, también envuelta en un gabán, que descendía del coche después de Céline y que pasaba, con ella, bajo la puerta cochera del hotel”. Ambos textos manifiestan —trastocando el tiempo y la construcción de las relaciones de pareja—, el modo de vivir los celos y la forma en que, a partir de ellos, se concibe la relación amorosa. La ironía es un recurso más en la poesía de Carson. Además de las citas de Keats —que merecen comentario aparte—, los títulos de los poemas y los comentarios metalépticos, exhiben lo opuesto dentro de la realidad poética. Y lo opuesto es grotesco o infausto. Por ejemplo, la belleza en el primer poema del

" El matrimonio que nos presenta Carson está muy lejos del matrimonio romántico en el cual a la mujer se le ve como objeto idealizado, colmado de virtudes, atavíos. Los estilos del amor evidentemente han cambiado (en el siglo XVI prevale la pasión ferviente, apasionada; el siglo XIX insertará en la relación amorosa, otros elementos como el poder adquisitivo: ropa, casa, viajes, coches, etc.), aunados a los nuevos modos de cortejar y de establecer una relación íntima". en menos de dos minutos con su verde siseo deslizante // que los celos pueden devorar un corazón por entero, habiéndosele ocurrido esta fórmula / mientras estaba sentado en el ámbar y el almizcle // de un balcón de París / observando llegar a su belleza operística del brazo de un caballero desconocido? / Seguir siendo humano supone romper un límite. / Ámalo si puedes. Ámalo si te atreves”. Los celos, que con lágrimas apagan el fuego, parafraseando un poema de Sor Juana Inés de la Cruz, resultan muy del estilo shakespereano; por su intensidad, por su pasión excesiva, son gradación tragicómica. Es inevitable la referencia de este poema a la novela Jane Eyre, escrita por Charlotte Brontë y publicada en 1847. Recordemos el diálogo entre Miss. Eyre y Mr. Rochester: “Y he aquí que, mientras, alternándolos con chupadas al cigarro, estaba croquant —¡perdón por el barbarismo!— unos bombones de chocolate y contemplando los elegantes carruajes que se dirigían por la calle hacia la cercana ópera, vi llegar uno, tirado por dos caballos ingleses, en el que reconocí el que regalara a Céline. Mi bella volvía. El corazón me latió con impaciencia. La puerta del hotel se abrió y mi hermosa bajó del coche: la reconocí, a pesar de ir cubierta por

libro se muestra redonda, completa, ideal. No obstante, se derrumbará como el matrimonio. Será la ironía la que evite el fatalismo insulso. ¿Es la atracción, el amor, el placer, el dolor, la ruptura, los celos, el odio, motivo para la escritura? Los últimos dos versos del texto son una afirmación. Otro ejemplo del recurso de la ironía lo tenemos en el poema que lleva como título: VIII. ERA TAN SOLO LA COLADA NOCTURNA RESTALLANDO SUS VOCALES EN EL TENDAL CUANDO MADRE DIJO QUÉ ES ESE RUIDO. La ironía y el uso de la técnica in medias res. El texto menciona las cartas que la joven recibe del amante, cartas que llegan a su vida “como polen y la tintaban”. La madre lee algunas y otras no, pero la familia se ve en la necesidad de mudarse de ciudad para evitar que continúe recibiendo tal poesía. La historia, in medias res (latín: ‘hacia la mitad de las cosas’), traza primeramente una reflexión sobre el concepto “verdad”; una verdad bajo los estratos de la ironía o “la apariencia de la verdad: en capas y elusiva”. La historia —parte central del poema—, prueba el fracaso del amor: sólo a través de cartas, esos entusiasmos-chantajes breves de la imaginación, el hombre se muestra poseedor de mecanismos libidinosos. Una ironía más, como la ironía de tener

Literatura poder sobre el otro. Leamos: “Al cabo de un año nos mudamos a otra ciudad / y por supuesto la distancia no hizo nada, él daba lo mejor de sí en sus cartas. / Un hábito temprano el secretismo, «chantaje de lo profundo» una ley molecular. / Examinémoslo. // La represión dice más sobre el sexo que cualquier otra forma de discurso / o al menos eso dicen los modernos expertos. ¿Cómo consigue alguien / tener poder sobre otro? es una cuestión algebraica / solías decir. «El deseo duplicado es amor y el amor duplicado es locura.» / La locura duplicada es matrimonio / añadí / cuando el sarcasmo se enfrió, sin intención de establecer / una regla de oro. A diferencia del historiador —como se advierte desde Aristóteles y Horacio, hasta el renacimiento—, el poeta debe narrar la historia, no como sucedió, sino como debería suceder. Esta es la idea de la técnica in medias res que Carson adopta en sus poemas. La Epístola a los Pisones (Epistula ad Pisones, en latín) del poeta Horacio, más conocida como Arte poética (Ars poetica), establece los parámetros. Patrizia Campana en su texto “In medias res: diálogo e intriga en el primer Lope” explica que para Horacio, poeta lírico y satírico en lengua latina, el historiador tiene que narrar las cosas desde el principio, según el orden en que sucedieron; el poeta, en cambio, “está llamado a seguir otra disposición de la materia {ordo artificialis), trastrocando la narración lineal de los hechos y empezando in medias res, en medio de los acontecimientos, arrastrando al lector (o al público) al centro de la acción —como si ya se conociera—, y recuperando con una narración posterior los sucesos previos”. Expliquemos con un poema de Carson: “En el esfuerzo por encontrar el propio camino entre los contenidos de la / memoria (enfatiza Aristóteles) / un principio de asociación es muy útil / «pasando rápidamente de un escalón a otro. / Por ejemplo de leche a blanco, / del blanco al aire, / del aire a lo húmedo, / después de lo cual uno recuerda el otoño suponiendo que uno esté intentando / recordar esa estación». / O suponiendo, / gentil lector, / que tú estés tratando de recordar no el otoño sino la libertad, / un principio de libertad / que existió entre dos personas, pequeño y feroz / como suelen ser los principios; pero ¿cuáles son las reglas para esto? / Como él dice, / la locura puede ponerse de moda. / Pasa entonces rápidamente / de un escalón a otro, / por ejemplo de pezón a duro, / de duro a cuarto de hotel, / de cuarto de hotel / a una frase encontrada en una carta que él escribió en un taxi un día en que él pasaba / su mujer / caminando / al otro

Lunes 16 de Marzo de 2020 lado de la calle y ella no le vio, ella iba / —tan hábiles son los procedimientos del estado de flujo que llamamos / nuestra historia moral no son casi tan precisos como las proposiciones / matemáticas pero escritos en el agua— / de camino al juzgado / para ordenar los papeles del divorcio, una frase como / tu sabor entre las piernas. Acercarse a la poesía de Anne Carson requiere una disposición plena a la interpretación de sus visiones. Una lectura simplona dará como resultado poemas de estructura irracional. Luis Bugarini, en su texto “Anne Carson, pasión por el signo” (La razón, 15 de marzo de 2019), explica la dirección que toma su discurso: “En su búsqueda de una voz personalísima, la autora canadiense escribe desde una intersección que conjuga el refinamiento del mundo antiguo, vía Grecia y Roma, para llegar a la esquina más deslumbrante de Nueva York, Tokio o Londres. Es una estética que se persigue a sí misma como atemporal, lejos de cualquier consideración de signo nacionalista. En su obra late una vocación: el lenguaje y el uso más certero que pueda hacerse de él”. Otro motivo es la tensión. El acontecimiento amoroso y de ruptura, como ocurre en La belleza del marido, o la pérdida del hermano (de quien no sabía nada desde hacía años) en Nox, crean tensión. El pasado, el presente, el futuro, el azar o el destino están sujetos a debate. Y de este debate, la poeta, nos hace partícipes. Su método: el artificio de la forma poética. Es decir: la apropiación de la cultura que lo enmarca, su organización o reorganización; el proceso de recreación de los sucesos; la doble orientación y conciencia del tiempo; la secuencia de los sucesos relatados, su proceso dialéctico, significativo y reflexivo. Leamos: XI. HAZ TUS DIVISIONES DE ACUERDO CON LAS ARTICULACIONES NATURALES DE LA FORMA LE DIJO SÓCRATES A FEDRO CUANDO ESTABAN DISECCIONANDO

Artes visuales

UN DISCURSO SOBRE EL AMOR Por qué la naturaleza me entregó esta criatura; no digáis que lo elegí / sino que me aventuré: / por cierta pura gravedad de la propia existencia, / ¡una conspiración del ser! / Éramos quince. / Era en clase de latín, primavera tardía, al final de la tarde, perifrástica pasiva, / por alguna razón me giré en mi sitio / y ahí estaba él. / Ya sabes dicen que un carnicero zen hace un solo corte preciso y el buey entero / se derrumba / como un puzle. […] // puede ocupar el lugar del imperfecto o del subjuntivo pluscuamperfecto / en una situación contraria a los hechos. / Adeo parata seditio fuit / ut Othonem rapturi fuerint, ni incerta noctis timuissent. / Tan avanzada estaba la conspiración / que hubieran podido capturar a Otón si no hubieran temido los peligros de la noche. / ¡Por qué conservo / esta frase en la memoria / como si hubieran pasado tres horas y no treinta años! / Sin escudo aún, de noche ya. / Cuánta razón tenían de temer sus peligros. El último poema del libro concede a la poesía el poder de sanar, de ser bálsamo eficaz para curar las heridas del cuerpo y del alma. El poeta Joan Margarit (Segarra, 1938), autor de los libros Cálculo de estructuras, Casa de Misericordia, Se pierde la señal, entre otros, que en 2019 se le concedió el más prestigioso galardón de las letras hispanas, el Premio Miguel de Cervantes está convencido del poder sanador de la poesía como “instrumento de consuelo ante las penas de la existencia del ser humano” (Talento a bordo [Página web] 12/12/2019). Carson, así lo dispone: se dobla la página y se sigue de frente. Leamos: “Duele estar aquí. / «Solo tú pudiste escapar.» / Contar una historia sin contarla: / querida sombra, esto lo escribo despacio. / Ella con sus inicios. / Yo con mis finales. / Pero todo vuelve / a una luna azul de junio / y a una noche mancillada como dicen los poetas.

Premio Narrativa Colima

Lunes 16 de Marzo de 2020

México tiene una vasta generación literariacomo nunca antes: Emiliano Monge

Por Carmen Zamora

“

Yo he estado en Colima tres veces. Estuve aquí cuando era chico; estuvimos con mi mamá en una segunda ocasión, fuimos a los volcanes a festejar sus 70 años de vida, y este día en el que vengo por el Premio Narrativa Colima”, dice Emiliano Monge, quien recibió dicho galardón por No contar todo, su primera obra de no ficción en donde se narran episodios muy intensos sobre su historia familiar. Uno es sobre su abuelo, quien finge su muerte al dinamitar una cantera; otra de su padre, quien fue guerrillero y una tercera, sobre su infancia protegida para evitar el peligro y la muerte. “Soy capricornio, ascendente capricornio. Soy, pues, terco, terco y terco”, dijo al mismo tiempo que con su característica voz grave y demandante aseguró pertenecer a una generación única en México, “una generación sin precedentes. Ya no importa si eres de centro o de provincia… si eres hombre o mujer. No sé en cuestión de editoriales, pero al menos en lo social sí. Somos una generación muy vasta y creo que eso se define aún más en las próximas generaciones, las de los ochenta y las de los noventa”. Un día normal en la vida de Monge está marcado por la escritura y la lectura: “Me levanto muy temprano. Salgo a correr con mis perros. Tengo cuatro, todos mestizos.

Se llaman Hule, Capulín, Corneta y Tuna. Después pongo el café, elijo el color de la taza… Y así hasta mediodía cuando llega el chamaco de la escuela. Por la tarde escribo artículos o hago cosas para vivir”. Sus influencias también son vastas: “Tengo muchísimas influencias. Tantas que a veces se me olvidan y menciono unas y olvido otras. Me da coraje no recordar todo”. Dice interesarse por la tradición latinoamericana porque “me late toda”; por la tradición norteamericana de mediados del siglo XX, la literatura de entreguerras. “Los rusos de finales del siglo XIX como

Dostoyevski, Gogol, Tolstoi. La Generación perdida, Thomas Wolfe, Ernest Hemingway, Faulkner, varios”. En medio de su habla veloz asegura ser “de izquierda. Siempre, desde que tengo memoria he sido de izquierda. México es un país de intelectuales; nada más ahorita están muy calladitos, como que no saben qué actitud tomar con la 4T, pero México es un país de intelectuales. Es un poco penoso lo que está pasando”. Todo eso me lo dijo mientras a través del auricular se escuchó la voz, probablemente, de una operadora. Eran las siete, hora de irse.

Cultura

Lunes 16 de Marzo de 2020

Cocinar con amor: el rescate de la memoria culinaria de Comala

Rodrigo Mayoral Silva relata la manera en cómo se trabajó este proyecto para preservar las recetas más tradicionales de este municipio.

Por César Barrera Vázquez

esde hace dos años, Rodrigo Mayor Silva comenzó a gestar el proyecto Cocinar con amor. La herencia de la cocina tradicional de Comala, el cual consiste en una serie radiofónica auspiciada por la Secretaría de Cultura Federal y la Secretaría de Cultura del Gobierno de Colima, a través del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico 2018. Rodrigo Mayoral participó en la categoría de creadores, en la disciplina de medios audiovisuales, cuyo trabajo consistió la transmisión del conocimiento culinario, las recetas y el modo de preparación, que se transmite de generación en generación, lo cual permite que los platillos de la región se preserven y no se encuentren en riesgo de desaparecer debido a la modernidad, la vida ajetreada y la falta de tiempo para su preparación y el ingreso en la dieta de las personas de comida “rápida”. El locutor de Universo FM, de la Universidad de Colima, explica que Cocinar con amor salvaguarda y promociona la cocina tradicional del municipio de Comala, como una expresión del Patrimonio Cultural de Colima, a la vez que muestra la identidad regional a través de sus historias culinarias en las que se manifiestan las prácticas, expresiones y manifestaciones de la comunidad en la creación de platillos, con una diversidad de ingredientes de la región que trasciende fronteras.

Mayoral Silva expone que a través de la historia de vida de la selección de cocineras, las personas realizan un relato sobre el desarrollo de su vida, desde su punto de vista, y en sus propios términos, lo cual permite reencontrarse con los sabores, olores y colores de los guisos que se le han heredado de generación en generación, estableciendo una red familiar, de relaciones amistosas y de comunidad. De esa forma, en la serie radiofónica Cocinar con amor se divulga la identidad colectiva y la gran creatividad de las personas de cinco localidades, como Francisca Santos, cocinera tradicional de Zacualpan, quien también se dedica al comercio de productos. Ella compartió su receta de “Caldillo de chacales”. De igual forma, María de la Luz López Ramírez, cocinera tradicional de El Remate, localidad al borde de la barranca del Río La Lumbre, afluente norte del Río Armería en Comala. Ella es ama de casa y comerciante de lácteos y sus derivados, por lo que compartió su receta para elaborar “Queso fresco”. También participó en este proyecto

Silvia Moreno, cocinera tradicional en la comunidad de Suchitlán, Comala, quien se dedica al comercio y es propietaria de Coco Bambú, ahí en la comunidad. Ella compartió la receta de las “Patas de mula”. Así como Matilde Ayala Aguilar, cocinera tradicional de Lagunitas, Comala, quien compartió una receta de “Conserva de manzana”. Por último, Alan Ramos, de Comala, Comala, quien compartió la receta de sus riquísimos “Frijoles puercos”. El locutor explicó que la cercanía con estas localidades de Comala permitió conocer algunas recetas que forman parte de la cultura culinaria y las técnicas artesanales y representativas de la cocina de antaño que aún se mantienen vigentes en los fogones y cocinas de algunas comunidades. “Fuimos, en esta historia de vida, indagando el papel que juega la transmisión del conocimiento. Muchas de estas recetas habían sido compartidas por sus mamás o abuelitas, ellas les habían transmitido ese gusto por la cocina, y nos interesaba eso: la herencia, cómo la cocina se iba transmitiendo de generación en generación”. Rodrigo Mayoral destacó que con este trabajo se logró preservar la memoria, el trabajo de estas personas, tanto en los ingredientes como en la forma de elaborar las recetas, además de la importancia que para ellos significa cocinar con amor, “este amor que se impregna en cada una de las recetas y que se comparte y nos permite enamorarnos de la cocina”.

Cultura

Lunes 16 de Marzo de 2020 Por Manuel Delgado Castro

Citas sobre México desde La revolución perdida de Ernesto Cardenal

demás de su poesía el sacerdote Ernesto Cardenal nos heredó sus memorias La revolución perdida editadas por el Fondo de Cultura Económica de México. Como se sabe, el nicaragüense estudió en la Universidad Nacional Autónoma de México, desde la máxima casa de estudios de la República Mexicana rescató importantes datos históricos y crítico las invasiones de los españoles. Posterior al triunfo de la revolución sandinista, escribió la historia del nuevo gobierno y por supuesto de las actividades de nicaragüenses en México, el reconocimiento de los mexicanos por su atención a los exilados y visitantes. Compartimos datos del hombre liberador desde varias perspectivas; la revolución, teología de la liberación y poesía.

La moda de la cotona

“La periodista mexicana Rosa María Roffiel, que escribió un libro sobre Nicaragua, dice que cuando el triunfo de la revolución se puso de moda la cotona, la camisa campesina que había estado perdida y yo la había rescatado haciéndola nuestro hábito en Solentiname. Dice que en el mercado de Masaya las cotonas de diferentes colores colgaban de casi todos los puestos como racimos de frutas o de flores. La cotona tradicional había sido blanca, del color natural del algodón; esa fue la muestra de Solentiname y la que desde entonces seguí usando en toda mi vida”.

Del niño Marcos Sándigo

“El gobierno de Bulgaria celebró un Congreso Mundial de Niños por la Paz, invitando a delegaciones de niños del mundo entero, y Nicaragua envió a tres niños guerrilleros, este de 14 años y otro de 13, y otro de 12, y los tres iban armados. El comandante Joaquín Cuadra, que había sido nombrado jefe del estado mayor y con quien el niño Sándigo anduvo durante la insurrección, les dijo cuando se iban que a donde quiera que llegaran pidieran armas para Nicargua. Marcos Sándigo me ha contado que como ellos nunca habían andado en avión, no sabían que en ellos daban comida, y llevaron el aliño de su propia comida, que eran tamales con queso, y desde que subieron al avión empezaron a comer. La primera escala era México. Allí los esperaban con una parada militar y la presencia del propio presidente de México, López Portillo. Al ver eso

Sándigo dijo a sus compañeritos: “Apartémonos porque viene alguien importante” Se estaban apartando cuando los enderezaron y les dijeron que el recibimiento era para ellos. López Portillo los hospedó en su propia residencia presidencial. Al llegar allí les pregunto por el equipaje, y le dijeron que ellos no tenían equipaje, sólo sus armas y lo que andaban puesto. El presidente los envió con asistentes y escoltas a una tienda grande a comprar todo lo que necesitaban. Sólo compraron dos mudas para cada uno, y los envió de nuevo a que compraran más. Los niños le dijeron al presidente, como se les instruyó, que lo único que ellos pedían eran armas para defender a Nicaragua; y el les dijo que se las daría si defendían a México en un programa de televisión que iban a tener. Los mexicanos gozaron en grande cuando vieron a los tres niños armados exigiendo a Estados Unidos devolvieran las tierras robadas a México”.

Letras

Palabrario

Lunes 16 de Marzo de 2020

mexicano

Por Karla Patricia Valdovinos Mendoza Chapopote: Chapopote es una palabra que proviene del náhuatl chiáhuatl, que quiere decir grasa, y poctli, cuya traducción es humo. Cuando ambas se unen, dan como resultado chapoctli, que fue como los conquistadores españoles conocieron este importante material. En primera instancia, desde tiempos prehispánicos lo empleaban tanto en lo ritual como en el aspecto personal. En cuanto a lo ritual, lo quemaban con copal, los cuales al unirlos funcionaban como un incienso que, era ofrecido a Tezcatlipoca. Las otras formas para las que se usaba el chapoctli, era para encender antorchas y obtener luz por medio de su recubrimiento con dicho material, el cual al mismo tiempo funcionaba para ahuyentar a los mosquitos. Por último, también se aplicaba para impermeabilizar los muros, acción que, a los navegantes españoles, fue bastante útil, ya que comenzaron a reparar sus embarcaciones con dicho material, pues lo mezclaban con zacate. Actualmente el chapopote sigue siendo de mucha utilidad e importancia, no solo en México, sino en diversas partes del mundo; por ello, es importante conocer y recordar su origen.

Andar a raiz: Antes de desentrañar lo que quiere decir la anterior frase, se va a realizar una pequeña pero clara anotación lo que son las palabras andar y raiz (sin acento). Andar es una forma que tienen lo mexicanos de decir que una persona se está moviendo en determinado lugar, es decir, solemos decir que fulanito “anda en el centro” o “anda caminando”. Un entorno en el que se mueve. Por otro lado, la palabra raíz (con acento), es la parte de las plantas que se localiza bajo la tierra, la que las sostiene y provee los nutrientes necesarios para su crecimiento y supervivencia. Cuando ambas palabras se unen en la frase “andar a raiz”, andar continúa con el mismo sentido que previamente se describió, y raiz, cambia, incluso fonéticamente, debido a que se suprime el acento de la letra i. Además de este cambio, se realiza una interpretación de lo que son las raíces: lo que está abajo y es descubierto. Por ello, cuando mencionamos que alguien dice “andar a raiz”, nos referimos a tres cosas básicamente (ya que también depende del contexto en el que se utilice). La primera quiere decir andar sin dinero; el segundo significado, andar sin ropa, y a partir de este segundo significado, parte el tercero, dar unas nalgadas a raiz, es decir, la persona a la que se le dan las nalgadas no tiene las pompis cubiertas con ropa. La última definición es mayormente empleada entre las abuelas, pues cuentan que así, las nalgadas eran más dolorosas.

Clavar el pico: Clavar, básicamente quiere decir insertar determinado objeto en una base firme, entre lo más común se localiza clavar clavos, incluso, de esta última se deriva clavar. Por otro lado, pico consta de diferentes usos dentro de la cultura mexicana, a continuación, se enlistan algunos. 1. Herramienta de trabajo pesado que se emplea para remover la tierra, la cual consta de un mango de madera, y en un extremo el fierro puntiagudo: el pico. 2. El pico de las aves. 3. Picó, refiriéndose al piquete provocado por un animal. 4. El otro “pico” del que parte la frase, hace referencia a la boca de las personas, que cuando duermen, dan un pequeño cabeceo, y gracias a ese movimiento, se dice que “clavar el pico”, es decir, que se quedaron dormidas.

Coyote: Coyote tiene su origen del náhuatl coyotl, que desde luego quiere decir coyote. Incluso, a la zona de la ciudad de México que actualmente conocemos como Coyoacán, se debe a que, desde tiempos prehispánicos, ahí habitaba una buena cantidad de coyotes, así que la cultura prehispánica, lo denominó lugar de coyotes. Sin embargo, gracias a que en México existe una gran riqueza en el leguaje, no sólo les llamamos coyotes a los animales que pueden habitar desde bosques hasta desiertos gracias a la fuerte adaptación que han obtenido con el paso de los años; sino que también se les llama coyotes a los individuos, que, cruzan personas de modo ilegal a los Estados Unidos.

Bibliografía: - INAH (2008). “Chapopote, uso milenario”. Instituto Nacional de Antropología e Historia. Disponible en: https://www.inah.gob.mx/boletines/3126-chapopoteuso-milenario

Libros

Lunes 16 de Marzo de 2020

¿Amar

la trama o el desenlace?

La muerte me da (en pleno sexo) Por Karina Ortiz Bonales

as personas cultivamos afectos y tenemos también preferencias por ciertas cosas que disfrutamos. Eso es una cuestión de vínculos, de sentir que pertenecemos. A veces queremos pensar que eso que gozamos va más allá del consumo desmedido, de la idea de poseer. Yo he generado una creciente necesidad de acercarme a la poesía y prosa de Alejandra Pizarnik, la escritora argentina que nació en 1936 y se suicidó en 1972. Ese dato ha sido lamentablemente célebre y como pasa en nuestra sociedad, ha llegado a opacar su obra. Lo anterior parece ser común a la condición de mujeres creadoras. Lo anterior nos ocupará otras reflexiones y otros textos. El punto es que a quienes producen literatura también les ha interesado conectarse con Alejandra, como le sucedió a La muerte me da (en pleno sexo), novela (o trabajo experimental) de Cristina Rivera Garza a quien reseñamos esta semana. Al ser una de mis escritoras a las que recurro en cualquier momento, en reseñas anteriores hablamos de la trayectoria de esa académica mexicana y de su novela Nadie me verá llorar, sin embargo, recordemos algunos datos de su biografía: Cristina Rivera Garza nació en Matamoros, Tamaulipas, en 1964. Reside entre México y Estados Unidos donde es directora del Máster en Bellas Artes en Escritura Creativa de la Universidad de California, San Diego. Ha obtenido algunos galardones muy importantes a nivel nacional e internacional como el Premio “Sor Juana Inés de la Cruz” en 2001 y 2009, así como el Premio “Roger Callois” en 2013 otorgado en Francia. Ha cultivado la novela, el cuento, la poesía, el ensayo, además de su trabajo como académica. Entre sus obras más destacadas encontramos a Nadie me verá llorar, La muerte me da, Los textos del Yo, entre otras. Cristina juega con el lenguaje y lo desordena. Yo pensaba que ella ponía a prueba a sus lectores, pero al final de

cuentas siento que sólo es un juego para sí misma. Si los libros que leemos, como los juegos de mesa, tuvieran grados de dificultad, en la escala del 1 al 5, para mí La muerte me da (en pleno sexo) tendría un 4. Para empezar porque la autora es un personaje: “Una mujer que se hace llamar Cristina Rivera Garza descubre el cadáver de un joven acompañado de unos versos de la poeta Alejandra Pizarnik”. Eso ya puede comenzar a volarnos la cabeza. Luego comenzaremos a jugar con la detective y su asistente Valerio, y con una pieza clave que al principio no encaja: la periodista de la nota roja, quien estudió Periodismo, característica que se enfatiza mientras la historia transcurre. Esa mujer se nos presenta débil, callada, pero curiosa e insistente. Anne Marie Bianco, es un nombre que parece podríamos olvidar fácilmente. La novela está estructurada para ese referido nivel de dificultad 4 y con ello me refiero a lectores comunes, no eruditos ni estudiosos de las letras. Hay ocho partes que nos guían en la cronología de la historia con 97 pequeños capítulos, que son como golpecitos. La novela se desliza ante nosotros, no se siente. Hay 97 nombres diferentes para cada situación que será descrita, luego hay palabras sueltas. La novela no tiene una estructura lineal pero sabemos de qué se habla, aunque muy fácilmente podríamos perdernos. Por eso digo que se trata de un nivel 4 de lectura. Cristina coopera con el caso y asesora a la detective que no conoce mucho de literatura, pero que ha visto muchos crímenes, ninguno tan sangriento como la historia que se le plantea. Hay un asesino que busca víctimas jóvenes, varones a quienes no sólo les arrebata la vida, sino su miembro viril. Después de castrarlos les deja unos versos de la Pizarnik como recuerdo, es la firma de su crimen como si quisiera que le encontraran. Es más: opera casi siempre en las mismas calles, en un callejón solitario. Los hombres peligran en las noches. Muy interesante es la búsqueda de quién podría operar con tanta minuciosidad, sin dejar rastros, pero al mismo tiempo, con

tantas ganas de ser encontrado empieza a inquietarnos. En el prólogo, Cristina habla de cómo dinamitó esa idea en su cabeza producto de la violencia y nos dice: “Había cuerpos de mujeres por todos lados, cada vez más. Cuerpos sin vida. Cuerpos destrozados. Todos volteábamos la vista a Ciudad Juárez, en la frontera entre México y Estados Unidos, pero todos sabíamos de alguien que conocía a alguien que había perdido a alguien. Todos perdíamos. Todos seguimos perdiendo.” Así es como surge el hilo conductor de esta novela ¿Y si toda esa violencia ocurriera en el cuerpo masculino? También en el prólogo Rivera Garza nos comparte el significado de incluir a Alejandra Pizarnik usando a la prosa como el refugio que para ella representó ese recurso y pone a la poesía como el límite. Hay un peligro constante, nos dice. Podemos inferir que el suspenso y la alusión a la violencia logran los versos que serán utilizados a lo largo de la historia que no es lineal pero que conduce a algún sitio hasta entonces desconocido. En los primeros capítulos, la Cristina personaje sale a correr por placer, como una necesidad, y se encuentra con un cadáver sin pene, cubierto de sangre y expuesto como una ofrenda. El primer verso de Alejandra Pizarnik está allí: Cuídate de mí amor mío / cuídate de la silenciosa en el desierto / de la viajera con el vaso vacío / y de la sombra de su sombra. La novela es muy descriptiva, tiene detalles, sangre, muertos, autopsias, mutilaciones. Al mismo tiempo, la descripción persigue a la estética y eso fue lo único que no permitió que me horrorizara, el pensar que alguien a quien tú tanto admiras se le puede relacionar en un thriller que quiere llegar a dar con el culpable, aunque de ello ya no podemos dar más detalles. Leer esa novela puede despertar esa diversidad de opiniones. La invitación es estar dispuesto a entrar en el juego literario y en las referencias. La novela está editada por Tusquets originalmente en 2007, pero para hacer la reseña consultamos la edición especial de 2016.

Fotografía

Lunes 16 de Marzo de 2020

Mujeres siendo mujeres

Por Brenda Rosales

Israel Sandoval.

Alejandra Regla Maldonado.

Hernando Rivera.

a semana pasada compilamos algunas imágenes de las mujeres del Club Fotográfico de Colima. Fotografías que para ellas resultaron sensibles y reveladoras, y que al compartirnos lograron transmitir un poco de esa magia que las llevó a encapsular aquel momento. El ejercicio de esta semana consta también de redireccionar la mirada hacia el universo femenino, pero ahora ellas son las protagonistas de la escena. En la galería destacada de la semana les presentamos a estas mujeres siendo mujeres. Rostros que cuentan historias en silencio, miradas que gritan apasionadas. Fuertes por naturaleza y por necesidad, pero sobre todo por convicción. Aquí les mostramos ellas.

Francisco Bueno.

Charly Morales.

Poesía

Lunes 16 de Marzo de 2020

Divagaciones

de una mente sin reposo

Tres poemas en un vaso de agua Por Sugey Navarro

III.

No paro de construir altares en tu nombre y es que hay algo de muerte en las ausencias.

Hay que escarbar hasta llegar al fondo. Cavar la pila en que nos refrescaremos. Hagamos un lujoso espejo en el suelo cuarteado. El sol cabe en un charco de agua: sabiendo alinear los ojos al corazón. Y nosotras requerimos nuestro propio oasis.

Sigue intacta la vela encendida te llevaste el último soplo con que pudiera apagarla. Ni el viento se atrevería a interponerse esta noche De las estáticas hojas y el tiempo de horas llanas. No ceso de llevarte flores no sé si es luto de lo que fuimos o mantener vivo el recuerdo. Bajo tierra, la voluntad de dejarte ir. Hay un vaso de agua al lado de la cama por si perdiste el rumbo o de la palabra, su fuerza. Hay un rincón que abraza Este mundo sin final ni fondo. Un gato que aúlla. El llanto que guardo en silencio.

II. No sabemos andar desnudas ni andar la arena caliente. No apetece nadar. Y pido agua. Pido un vaso para ahogarme, sin reservas. Si antes quemaron sus palabras yo que bebí sus besos como lava hirviendo… Pido un plato de alcohol para prenderle fuego y beberlo de un sorbo.

Psicología

Lunes 16 de Marzo de 2020

unitaria

"La teoría unitaria psicológica es contundente cuando insiste que: biológicamente,

El paradigma de lo humano

no somos la especie humana".

- Parte IV -

Por Alfonso Martínez Mayorga

n el anterior artículo, platicamos lo relacionado a una necesaria y urgente redefinición del término “humano”, sugiriendo, que lejos de representar nuevos problemas en la comprensión del comportamiento, constituye un reordenamiento para lograr congruencia entre su divulgado significado humanizante, y el particular comportamiento que esperamos de ello, lo que, por experiencia generalizada, no es convincente ni con el sentido común. La nula atención a tal incoherencia sigue afectando la manera en que elaboramos nuestras leyes y normas de conducta, situación que ha influido en la propia inconsistencia de nuestros Derechos Humanos. Por un lado, se dice que lo humano representa lo que es propio de la naturaleza imperfecta del “hombre”, así lo leemos en algunos diccionarios. De entrada, buscar la perfección es algo irracional y utópico. Aún si buscamos el sentido moral en esta afirmación, no significa nada interesante para definirnos, puesto que sobrepasa la propia comprensión de “lo perfecto”. Por otro lado, la etimología del término es mitológica, proviene del latín humanus, significa que procedemos de la tierra (humus tierra y -anus indica procedencia), ya que el primer hombre fue hecho de arcilla, tierra o lodo, según lo relata la Biblia. Si por esta razón se nos hace creer que “somos la especie humana”, sonaría como una arbitrariedad, algo casi ridículo cuando percibimos que no hay congruencia con la connotación que le damos en la vida diaria, ya que cuando decimos que alguien es “un humano”, le atribuimos un valor que tiene poco o nada que ver con su etimología: un humano es alguien honesto, responsable, sincero, que no daña a otros ni se daña a sí mismo, alguien que no está en desequilibrio en sus relaciones interpersonales, con el ecosistema y la Naturaleza. Al menos esa es la connotación en la frase “es muy humano” (en

oposición a: “es muy animal”; por impulsivo, grosero, egoísta, perverso o malicioso…). No obstante, surge otra contrariedad que raya en la desesperación de juicio, cómo es posible que en estas condiciones (etimológica, conceptual y práctica), sigamos creyendo que un violador, asesino, corrupto, embaucador y demás calificativos similares sea también “un humano”, no tiene sentido, ni definitorio, ni lógico ni congruente con la realidad. Cabe advertir que este desencanto no justifica “lo no perfecto” que somos, sino más bien, digamos que se trata de una gravosa costumbre que ha pasado de generación en generación, sin que se haya reflexionado seriamente sobre ello. La teoría unitaria psicológica es contundente cuando insiste que: biológicamente, no somos la especie humana. Se trata de un reordenamiento en el sentido de reformular la congruencia del término, pero ahora enmarcado en una teoría que la sostenga, dando pie a una mejor comprensión del comportamiento humano (psicológico, diferenciándolo del comportamiento animal o biológico). Existe otra incoherencia del término humano cuando lo utilizamos como distintivo y genérico, me refiero a la exuberante inteligencia que le atribuimos. La inteligencia, guiada por la razón, es y ha sido una paradoja en sí misma, basta decir que ni toda la inteligencia (que también es medible) no nos ha ayudado para encontrar la paz y la armonía con nosotros mismos, con las sociedades ni con la Naturaleza… sin embargo, en otras especies de animales existe mesura: se pudiera decir que ningún león mata más de lo que requiere su necesidad de alimentación, vive sin afectar la supervivencia de la especie y el ecosistema, tal vez porque ni siquiera piensan en ello. Lo contradictorio de esta atribución consiste en que el homo sapiens es capaz de pensar con una razón egoísta y sin menoscabo de sus consecuencias, sin embargo, las otras especies de animales no presentan ninguna notoria contradicción en su comportamiento, ya que sólo se trata de biología: en un perfecto equilibrio. Nuestra inteligencia no es más acertada que el orden universal de la creación, de ahí que, siguiendo nuestra “imperfección”, surge

el término inhumano, lo que demuestra lo equivocado que ha sido y es la actual connotación del término. En otras palabras, no se trata de anteponer una idea o concepto con su antónimo: honesto-deshonesto, malo-bueno, humilde-arrogante, etcétera; sino recalcar que, en la práctica, utilizamos indistintamente un mismo término con ambos sentidos, lo que no es inteligente ni razonable, a menos que exista otra intención más allá de lo congruente. Estas evidencias se suman a la idea unitaria de que lo humano no se originó por la misma vía de la evolución biológica, existe otra evolución paralela que significó un salto cuántico en la consciencia, un rompimiento en la escala animal que explica el origen de lo humano, así como su comportamiento significativo y trascendente. No se trata de ajustar los hechos, sino de ordenarlos en donde corresponde, tal iniciativa, más que ilustrar un conocimiento, demanda una explicación coherente para definirnos a la luz de una realidad que no puede sostenerse como está. Ya no es posible explicar nuestro comportamiento haciendo únicamente alusión a la existencia de un Reino Animal, se hace necesario evidenciar la existencia de otro Reino en la taxonomía de los seres vivos: el Reino Humanus. En el ámbito científico, tener presente el conjunto de variables o circunstancias, significa la unión de todos sus componentes en la búsqueda de una explicación más universal, ésta pudiera ser la razón metodológica por la que llamamos “unitaria” a esta propuesta. Reiteramos que no se trata de descartar ni menospreciar el término humano, por el contrario, insistimos en darle el sentido y valor que merece. La propuesta de la psicología unitaria es clara, su imperativo categórico es el siguiente: “Entre más humano eres, más calidad de vida tienes” (…si usted escribe este imperativo en Youtube, encontrará un audiovisual que muestra algunos puntos de esta postura unitaria). martinez_alfonso@ucol.mx

Música

Lunes 16 de Marzo de 2020

Conejo

en el sombrero

Bestia Bebé Por César Lloyd

ue grandioso que una cosa te lleve a descubrir otra, y más si es algo que tú no quisiste buscar, pero dentro de ti era algo que deseabas encontrar. Bueno, algo parecido me pasó con la banda de la que les hablaré día de hoy en esta columna. Mientras estaba informándome sobre los artistas que asistirán a la edición 2020 del Vive Latino me pareció ver, entre su cartel, una propuesta que ya había encontrado en música relacionada cuando estaba obsesionado con Las ligas menores, lo sigo estando obviamente, pero ahora de una manera más sutil que antes. Esa banda, que ya pudieron observar en el título, se llama Bestia Bebé, que en su momento no escuché, yo creo que por idiota, porque de verdad no sabía de lo que me estaba perdiendo todo este tiempo. En mi ignorancia, yo pensé que ellos estarían en el Vive Latino, por lo tanto, me dediqué a escucharlos, para ver si el día del evento tenía una nueva banda por ver y así saberme unos temas antes del gran show. ¡Madre mía con lo que se encontraron mis oídos! Era toda una joya y deleite que mis audífonos reprodujeran semejantes canciones. Por eso el día de hoy, voy a recomendarles su disco debut homónimo con el que quedé fascinado y que en estos momentos, se encuentra retumbando en mi playlist de Spotify. Empezaremos con “Omar”, la rola que abre el disco. La canción y la banda, en este material debut, principalmente abunda sobre el tema de los amigos, las fiestas, el fútbol, entre otras cosas, que como oyente no te hacen sentir ajeno, pues es como si las canciones que ellos hacen

hablarán sobre tu grupo de amigos. A mi entender de la rola, porque a decir verdad creo que la letra no te muestra mucho una historia como tal, trata sobre buscar nuevos bares en la ciudad y acerca de cierta melodía que le recordó al protagonista a alguien con el nombre de “Omar”. Si bien no es la canción más poética de la banda, el ritmo es lo primero que te seduce, junto con el sample de lo que parece ser un juego virtual de fútbol. La siguiente canción de la que hablaremos es tanto la segunda de este material, como la segunda más reproducida en Spotify: “Lo quiero mucho a ese muchacho”. El tema ahonda sobre esos amigos que diario se la pasan metiéndose en problemas, en donde generalmente tú te sientes afligido por su situación, tratando de reanimarlo con palabras motivacionales y haciéndole saber que tu estarás ahí en cualquier momento que él lo necesite. Terminaremos la recomendación

de este conjunto argentino con “La mentira del verano”, una canción que, no es la más reconocida del álbum ni la más escuchada, pero es de esas canciones que tienen algo que la hace especial. Y es que todo radica en su riff inicial, una guitarra prácticamente sin efectos que da la batuta a una pieza que hace que remontes esos veranos de diversión de tu infancia, y sobre cómo de un día para otro ya tenías que tener lista la mochila y tus útiles para volver al lugar del que tanto habías tratado de escapar. Sin duda, Bestia Bebé ha sido de las mejores revelaciones que he tenido en este 2020, ahora tengo nuevas canciones que me hacen recordar esas tardes después de la escuela con mis amigos, donde nunca nos importó el cómo vestíamos ni si éramos los más populares de la escuela, pues siempre nos tuvimos a nosotros y ese era el tesoro que siempre estábamos buscando.

*Portada de su material Homónimo*.

Arte

Lunes 16 de Marzo de 2020

Cine-arte

Rompiendo la hegemonía del arte a través de la pintura surrealista de Leonora Carrington Por Lía Llamas

ntes de poder expresar un minucioso análisis sobre la obra artística de esa gran musa del surrealismo internacional que es Leonora Carrington, me gustaría dar un recorrido a sus inicios como la intelectual que fue y sobre el cúmulo de divagaciones que la llevaron a tomar la vertiente de la pintura superrealista, decisión que la posicionó como un ícono mexicano y la hizo participar en diversas exposiciones de varios museos del mundo. Leonora era originaria de Lancashire, Inglaterra, nacionalizada en México por su basta decisión renegada de la vida y por sus raíces. Dejó la escuela un par de veces pues odiaba los formalismos y por ende la moral en turno. Se burlaba de la educación religiosa y de alguna manera se volvió autodidacta y prefirió cultivarse en escuelas de arte que en las seculares convencionales. Ello la llevó a la Academia Ozenfant de Londres,

donde conoció a uno de sus grandes amores, el también pintor surrealista Max Ernst, quien se convirtió en una influencia poderosa para el desarrollo del discurso de Carrington. En resumen, la vida amorosa de Leonora la empujó a crear cada una de sus muestras, inclusive, las esculturas que también fueron parteaguas para el rompimiento de la propiedad de las formas. Escribió diversos libros de cuentos y prosa que en su momento pasaron completamente al olvido. La casa del miedo no fue tan bien visto por los dogmas socioculturales de la época. La vida tranquila y feliz de esa bella artista solo era eso: una utopía, ya que en sus devenires no lograba consolidar largas relaciones de pareja en ese tan anhelado amor romántico. Tras diversos divorcios, crisis existenciales, críticas hacia la endeble subjetividad de sus obras, Leonora sufre graves episodios de depresión, delirios, paranoia. Su propio padre decide ingresarla a un hospital psiquiátrico. Allí, en la profundidad de su propio abismo es donde nacen las obras “Torre de la memoria”, “El baño

de los pájaros” y “Arca de Noé”, entre otras. Su visión era tan avanzada para su tiempo que varios artistas del momento la veían como impulso para sus creaciones. Ella era obstinada, fuerte, inestable, con una fiel aversión a los periodistas y fotógrafos. Se veía a ella misma como un hada alocada, harta de los convencionalismos; odiaba ser musa de algún autor. Fueron básicamente su personalidad e inteligencia las características que la hicieron merecedora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de las Bellas Artes en el año 2005. Era casi imposible lograr una entrevista con ella por las mismas aristas que se mencionaron. Considerada la mejor pintora surrealista de todos los hemisferios, fue precursora del entonces feminismo en ascenso, así que pudo marcar el legado que constituye su discurso artístico para nuevas artistas emergentes. La grandeza de Leonora va más allá de la contemporaneidad porque nos llevó al otro lado que solo en su marca es posible.

Opinión

Lunes 16 de Marzo de 2020

Coronavirus: el meme Por Naomi Arelí Villafuerte Martínez*

éxico está viviendo una de sus mayores crisis en seguridad, salud, educación y en general, credibilidad; teniendo tanto por lo cual quejarse no es una sorpresa que la clase popular haya respondido con una de las armas más conocidas en tierra mexicana: el humor. Si bien, desde antes de la conquista española el mexicano ha sobrellevado la tragedia con humor, el auge de los memes en las redes sociales sin dudas ha roto el récord de esta competencia imaginaria. En su propia evolución, Internet ha ido construyendo su propio mundo, ladrillo a ladrillo. Un mundo que nos permite mantenernos interconectados, como consecuencia, los factores que forman parte de nuestra vida diaria acaban proyectándose en la red. El meme no es más que una manifestación cultural, con toque cómico; que saca la gracia del mundo real hacia el cibernético. Precisamente esos videos, imágenes y textos que son conocidos como memes, son replicados en las redes sociales como una invitación a repensar la historia y como un modo de resistencia, una fuerza que toma el pulso del acontecer diario. Richard Dawkins, en El gen egoísta (1976), acuñó el término “meme” o “mímesis” a partir de “memoria”, para nombrar esa información que la enseñanza o imitación (mímesis) asimila y acumula en la memoria y que se replica en el cerebro de una persona a otra, como lo hacen los genes al transferir la herencia de un cuerpo a otro.

En diciembre del año pasado, el fenómeno Coronavirus llenó los periódicos (y también los hospitales) alrededor del mundo, y esto ha sacudido las redes sociales como cualquier evento a nivel mundial puede hacer. No es de sorprenderse entonces el eco de memes que ha circulado por la red: tanto imágenes y textos como videos. ¿Son los memes la manera de expresar la tragedia del mexicano? Sí, y no sólo del mexicano, sino de cualquier surfeador moderno de la red. Prácticamente cualquier persona activa en redes sociales poseedor de un

en este caso, no hacen más que recalcar la histeria colectiva que se autopropaga a nivel mundial. Es esa risita que tenemos cuando estamos nerviosos: no es más que nuestro cerebro buscando disipar la situación incómoda o complicada con una respuesta que normalmente es vista como positiva, dando una señal de que aquello que nos tiene nerviosos no existe. ¿Qué podemos hacer al respecto? El nivel de viralidad de los memes es imposible de ignorar, por lo que no nos queda más que disfrutar de ellos mientras estos no pongan de objeto

teléfono inteligente con conocimientos de programas multimedia puede crear un meme, y también cualquier persona con acceso a redes puede encontrarse con uno: están al alcance de todos. Son fáciles de hacer, mientras cuentes con las herramientas necesarias. La calidad del meme dependerá del nivel cultural, inteligencia y sensibilidad para identificarse con la audiencia del autor; y su vitalidad, de que sea breve, sencillo y gracioso; pero sobre todo, que sea pertinente, que falte una opinión general y despierte un sentimiento positivo de empatía. Los memes sobre el coronavirus,

de burla un sujeto o punto delicado, siendo plenamente conscientes de que es una situación seria y dándole su respectiva importancia. Más allá de esto, es importante recalcar que “no todo lo que se lee es cierto” y no por estar en las redes sociales es verdad, así que es mejor informarnos en un medio confiable, en el cual el objetivo no sea hacernos reír sino hacer conciencia y sobre todo, informar.

* Estudiante del segundo semestre de la Licenciatura en Psicología.

Creación

Lunes 16 de Marzo de 2020

La calle del insomnio

Por Eréndira Cortés

mitad de la noche, entre la penumbra de alguna casa, hay una mujer que no puede dormir. No se da cuenta a qué hora despierta de sus remolineos en la cama, cuando ya tiene los ojos bien abiertos y aunque desconoce la causa, es probable que sea por miedo. Miedo a los monstruos o a los fantasmas, a la oscuridad, a no ser correspondida, a enfrentar el día siguiente, a que esa noche no lleguen los hijos, o simplemente a que ya no amanezca. Les teme a los vivos. Escucha un ruido extraño y se queda paralizada esperando lo inminente. No sabe qué hacer en caso de peligro ¿con qué defenderse? Llamar ¿a quién? Huir ¿por dónde? ¿Gritar para que se pierda su grito entre la noche? Sólo le resta pedir que sea el viento e intenta volverse a dormir.

"Mientras tanto, seguimos creando un mundo que pueda vivirse al interior de una casa, acaso como una celda, para no enfrentar los peligros de fuera, o no sé con qué otro fin".

Me pregunto cuántas mujeres habitan la calle del insomnio y cuántas han dejado de ser y hacer para mantenerse vivas, por miedo. En mis dieciveinte, cuando creía que tenía la vida por delante, prefería arriesgar mi pellejo con tal de darme el gusto de salir a conocer el mundo. Yo puedo cuidarme sola, no dejaré que lo ajeno me quite esa oportunidad, pensaba y me sentía la protagonista en una película de acción. Con el tiempo el miedo pudo más, me he ido

recluyendo hasta que de a poco se me ha hecho costumbre. El otro día mientras manejaba, vi cómo el atardecer iba dejando las calles cada vez más desiertas. Esos caminos creados para conectar lugares, personas, esos puentes que hace quién sabe cuánto nos comunicaban, parecieran desvanecerse. Mientras tanto, seguimos creando un mundo que pueda vivirse al interior de una casa, acaso como una celda, para no enfrentar los peligros de fuera, o no sé con qué otro fin. Hoy más que nunca extraño las caminatas, despedir al sol sin huirle a la oscuridad, sentarme en la banca de un jardín a contemplar, pasear los fines de semana por lugares escondidos, hacer picnic a orillas de la carretera, disfrutar de un rato a solas, andar por la vida sin que el miedo me detenga, hacer pausa cuando lo decida y dormir con la certeza de que despertaré ilesa la mañana siguiente.

Creación

Lunes 16 de Marzo de 2020

Letronauta

Rey asimétrico Por Wilberto Palomares

esde que aprendió a caminar lo hacía de manera que sus pasos coincidiesen con la serie de baldosas del pavimento por el que avanzaba. Un ritual que le hacía parecer un poco torpe. O daba grandes pasos como un zancudo, cuando la medida de las piezas era exagerada, o pasos pequeñitos cuando las grietas se amontonaban. Pero pisar una junta significaba profanar una ley antigua, imprescindible, sagrada para él. Las series simétricas eran su consuelo, su vida, su redención. Pero un día despertó angustiado en una pesadilla sombría. Su mundo había cambiado. Cuando pisó la calle todas las baldosas eran irregulares, no existía ni una sola construcción simétrica. Un perro se acercó a él y cuando pudo observarlo con más detalle, descubrió con horror que ninguna de sus cuatro patas era igual a las otras. Los ojos y las orejas también eran monstruosamente dispares. Entonces se le echaron encima unos individuos contrahechos y deformes, ninguno de ellos tenía una sola parte de su cuerpo igual a la otra. Le pusieron una capucha y le llevaron a rastras un laboratorio sombrío. Atado a una silla de dentista,

pudo observar unos terribles artefactos quirúrgicos amenazadores a su alrededor. Una voz profunda y cortante como el acero del instrumental rompió el silencio: - ¿De dónde has salido monstruo? Creíamos que ya no quedaba ninguno de ustedes. Vamos a corregirte rápidamente, sucio animal simétrico. Le implantaron extremidades dispares, sus ojos, sus dientes, sus riñones… Todas y cada una de las partes repetidas de su cuerpo fue sustituida por otra diferente. Cuando le mostraron su nuevo aspecto en un espejo, gritó horrorizado ante la visión del monstruo en que le habían convertido. Las prótesis mecánicas implantadas, dispares y asimétricas le conferían una horrorosa imagen de pesadilla. - ¡Ahora eres uno de los nuestros! Pero su tenacidad obsesiva le llevó a investigar todas y cada una de las leyes físicas y matemáticas, de los miembros y órganos que se implantaban en cada cuerpo, producto de un proceso industrial de fabricación seriada. Consiguió elaborar una compleja teoría que demostraba cómo el tamaño y la proporción de los miembros implantados respondía a series y patrones matemáticos simétricos. Finalmente logró obtener un auténtico y original patrón asimétrico,

analizando las raíces de las plantas y pudo fabricar nuevos miembros y órganos de proporción absolutamente aleatoria, que le fueron implantados con la excusa del desgaste de los primitivos. Cuando consumó la transformación, reveló su secreto a aquel mundo onírico, poniendo en evidencia cómo aquella sociedad había creado unos falsos monstruos asimétricos, cuya auténtica configuración respondía a las leyes simétricas de su fabricación, las cuales sólo él transgredía. Cayeron rendidos a sus pies. Le aclamaron como el auténtico Rey Asimétrico, y cuando esperaban recibir sumisos y postrados sus órdenes, sentenció: - ¡Que los pavimentos vuelvan a ser simétricos! ¡Aquel que ose colocar sus pies deformes en una sola de las juntas que ordenarán su divina simetría, morirá aplastado por una esfera gigante de acero, observando reflejada su antimétrica imagen deforme! Entonces despertó y saltando de la cama comenzó a bailar acompasadamente sobre las baldosas de su habitación con sus pies simétricos, sin respetar ni una sola de sus juntas. En la radio, que se había quedado encendida al dormirse, como era habitual, daban la bienvenida al noticiero matutino.

Historia

Lunes 16 de Marzo de 2020

Juego mesoamericano: Ulama – Pok ta Pok Por Mirtea Elizabeth Acuña Cepeda

l juego de pelota mesoamericana, el Tlachtli, ōllamalīztli, el Ulama (náhuatl) o Pok ta Pok (maya) aún se practica en pueblos de Nayarit y Sinaloa; en Culiacán, el Ullamaliztil, se ha perpetuado este juego prehispánico (Fuente y Staines, 1998: 288), su antigüedad se remonta al Preclásico (2500 a.C.-1200 a.C.), más de 2 milenios y de posible origen Olmeca, diseñado “para conmemorar un encuentro épico” en una mezcla mítica y profana (Velázquez, 2000;46), que por los simbolismos constituía una actividad ritual en sociedades teocráticas. De acuerdo con las evidencias arqueológicas, iconográficas, etnológicas e históricas, el juego de pelota fue cambiando, mas conservó un papel fundamental, basten las más de 1500 canchas registradas en Mesoamérica, donde constituye un rasgo cultural (Taladoire, 2000). Lo más breve, veamos: Era un juego masculino, aun cuando Sahagún menciona que se jugaba entre mujeres y participaban pipiltin y macehualtin, nobles y no nobles, jugando o mirando; además, lo describe como ceremonia mexica, el último día del mes panquetzaliztli en el Teotlachco (sagrado campo de juego) de Tenochtitlan, dedicada a Paynal, dios de las batallas (advocación de Huitzilopochtli) e iniciaba con una procesión llevando una imagen del dios. En Tezozomoc leemos: “Huitzilopochtli, dixo: ‘Ya me comienço a esforçar, bienen sobre los çentzonnapam y sobre mí, que soy Huitzilopochtli’, que en el juego de pelota (teotlachco) comen a sus padres, que mira y deuisa contra ellos una muger llamada Coyulxauh” (1598, en GDN); lo cual establece una relación entre el juego y la guerra, simbolizando una lucha de contrarios, como lo demuestran los relieves de la cancha de Chichén Itzá; donde los jugadores, que practican el sacrificio por decapitación, llevan atavíos guerreros (Garza, 2000). De las reglas, “…el que metía la pelota por allí ganaba el juego; no jugaban con las manos sino con las nalgas herían a la pelota; traían para jugar unos guantes en las manos, y una cincha de cuero en las nalgas, para herir a la pelota” (Sahagún, Cap. X, 1999:459,460). Había un juez y participaban dos equipos, variando el número de jugadores que se enfrentan en una cancha larga, dividida en dos; se lanzaban una pelota con alguna parte del cuerpo o implemento permitido, lo cual se diferenciaba local o cronológicamente; al pasar la pelota por el aro se ganaba el juego y el jugador que lo conseguía era agasajado con premios y honores (Garza, 2000). Del jugador, Ollanqui, el mismo Sahagún

describe que para protegerse de los golpes de la pelota usaban una faldilla hecha de cuero de venado, algodón, cestería o madera, que era sujetada por un fajado que servía para dar macicez a las caderas, sobre el fajado se amarra un cincho de cuero, los codos y las rodillas se protegían con rodilleras, los pies general mente iban desnudos o con tobilleras para evitar alguna desgarre o luxación; en lo cual coinciden cronistas, figurillas de barro, estelas y relieves, donde vemos, además de lo anterior, penachos de bellas plumas. En cuanto la pelota, esta tiene un profundo significado, mágico – mítico en correspondencia con el agua y la sangre, que “son movimiento palpitante”; la pelota de hule se equipara con el corazón, ya que se obtiene del árbol (Kik che, maya) que sangra como el cuerpo humano al ser lacerado y cuya espesa savia se debe utilizar rápido, ya que al entrar en contacto con el aire se coagula, como sangre; entonces, en sentido figurado es con sangre que se fabrica la pelota de hule: Quic, en maya-quiché. La “goma elástica o resina que produce el Oqueuitl”, árbol de hule, se denomina Olli (Simeón,1977: 355), de los verbos ollinia, moverse u ollala, redondear, aludiendo al movimiento, pero no de la sangre (eztli, náhuatl). La savia se utilizaba como medicamento, sahumerio, pintura e incluso impermeabilizar ropas de algodón y, por supuesto, hacer pelotas “sólidas, duras, pesadas y elásticas”, usadas por los ollanqui o ullanqui, jugadores de pelota. Ulli, se castellanizo ule, luego hule (Veytia y Ortega, 1836; Carreón, 2006: 88 y 103). En el mito maya, Junajpu e Ixbalnque bajan al inframundo a jugar a pelota con los dioses de la muerte y derrotarlos, luego se transforman en el Sol y la Luna (Uriarte, 2000). En el Popol Vuh leemos: “… gritaba Junajpu: ‘Tira la cabeza como si fuera una pelota’, le fue dicho. ‘No va a doler que sea un amago por parte de nosotros’ […] así, pues, llegó a la cancha de juego de pelota. Entonces tomó su comida el gavilán [..,] Cuando llegó, pues, el gavilán se paró sobre la pared del juego de pelota”. En el Popol Vuh aparece el simbolismo del juego, como una guerra entre seres luminosos de la vida y seres oscuros del inframundo; la cancha es una alegoría del acceso al inframundo (Van Bussel, en Uriarte, 2000), los anillos de piedra, podrían representar los sitios de salida y puesta de los astros en el horizonte, la pelota es el Sol y mantenerla en movimiento es el propósito del juego, lo cual nos recuerda el significado de Olli. La mayoría de investigadores coincide en que el juego es un ceremonial guerrero

con significado astral, así como un rito para la fertilidad de la tierra, conteniendo una esencia de la dualidad: Luz y Oscuridad, o también racionalidad e erracionalidad; siendo en la cancha donde se desarrolla la pugna eterna entre la vida y la muerte, el resultado debe ser un Sol vencedor para mantener el orden cósmico y la fertilidad de la tierra; que, en el mito mexica, requería del sacrificio humano, ya que la sangre, derramada sobre la cancha propiciaba buenos cultivos, lo cual permite comprender la importancia del juego de pelota en la vida cotidiana, además de su papel ritual, político y posiblemente económico. El juego de pelota mesoamericano, viene de la época prehispánica y no es un juego que puede reducirse una actividad física o deportiva, es mucho más que eso, es un juego viviente (Carrington 1986), tanto por su simbolismo como por estar vigente. Cuando la UNAM propone convertirlo en Patrimonio Cultural Intangible de la Humanidad, no podemos menos que apoyar esa iniciativa. No significa mirar por el espejo retrovisor, pues siempre será conveniente volver la mirada al pasado, para comprender e identificar el origen de lo que somos; porque, a pesar de los cambios se mantiene una continuidad en la línea del tiempo que va dejando evidencias de la identidad social o étnica, producto del legado cultural de los pueblos que nos antecedieron, de las civilizaciones de las cuales somos herederos. Fuentes - Carreón Blaine Emile A. El olli en la plástica mexicana; el uso del hule en el siglo XVI. UNAM, 2006. - Fuente de la, Beatriz y Staines ‎Leticia. La pintura mural prehispánica en México. UNAM, 1998. - Garza de la, Mercedes. “el juego de pelota según las fuentes escritas”. Arqueología Mexicana. No. 44, Serie Tiempo Mesoamericano II, julio-agosto, 2000. - León Portilla M. De Teotihuacán a los Aztecas. Fuentes e interpretaciones históricas. UNAM. México.1983. - Popol Vuh, en: https://books.google.com.mx/books?id =TWtODwAAQBAJ&printsec=frontcover#v=onepage&q& f=false - Sahagún Bernardino, Fray. Historia General de las cosas de la Nueva España. Porrúa: México. 1999. - Simeón Rémi. Diccionario de la lengua náhuatl o mexicana. Siglo XXI. México.1977. - Taladoire Eric. “El juego de pelota mesoamericano. Origen y desarrollo”, Arqueología… Op. cit. - Tarkanian M. J. y Holser D. “ La elaboración de hule en Mesoamérica”. Arqueología… Op. cit. - Veytia Mariano y Ortega Francisco. Historia antigua de México. Impr. Juan Ojeda. 1836. - Velázquez Morlet Adriana. “El juego de pelota de Chichén Itzá”, Arqueología… Op.cit. - Uriarte M.T.” Práctica y símbolos del juego de pelota”Arqueología …Op,cit. - Weisz Carrington Gabriel. El juego viviente. Siglo XXI, 1986 mirtea@ucol.mx

Historia

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Así

se fundó

De casa habitación a Museo Regional de Historia de Colima Por Karla Valdovinos

omo muchos de los lugares que actualmente albergan parte de la historia del estado, el Museo Regional de Historia de Colima tiene tanto en su arquitectura como en sus salas de exposición, historia que narra época por época la evolución y crecimiento de Colima. Esta casa se construyó a principios del siglo XIX, y junto con otros lugares como la Catedral, la Basílica Menor, el portal Hidalgo y Palacio de Gobierno, por mencionar algunos, forman parte indispensable del patrimonio arquitectónico, cultural e histórico del centro de la ciudad de Colima. Como fragmento de su historia, es importante señalar que en sus inicios el edificio perteneció a la familia Pérez Ayala, época en la que justamente funcionó como casa habitación de un solo nivel. Dicho lugar es heredado a su sobrina, quien es esposa de Juan de Dios Brizuela, mismo que ordena la realización de una remodelación de lugar, de ahí parte el hecho de que por algún tiempo se conoció como “El portal de Brizuela”.

Aunado al contexto histórico, sobresalen hechos como por ejemplo que después de ser casa habitación, en el año de 1913 se convirtió en hotel casino, pero sus modificaciones continuarían con el paso de los años, ya que en ese mismo espacio es donde nació Miguel de la Madrid Hurtado el día 12 de diciembre del año 1923, y éste también es el lugar que habitó el último gobernador del porfiriato: Enrique Octavio de la Madrid.

Después de los diversos cambios que se describieron anteriormente, es hasta el año de 1988 que comienza a funcionar como un espacio dedicado a la conservación y promoción de la cultura colimense. Actualmente el museo se divide en cuatro partes básicamente (éstas se fragmentan en más salas): Primera: área de exposición arqueológica ubicada en su primer piso. Segunda: área de exposición histórica en su

segundo nivel. Tercera: áreas de exposición artística o itinerantes, misma que a su vez se divide en dos, en la primera se realizan exposiciones por parte de la Universidad de Colima, y la segunda es un espacio que se proporciona a jóvenes creadores para que den a conocer sus obras. Cuarta: sala de cine universitario, en la cual se proyectan documentales y películas, misma que también se puede emplear para llevar a cabo conferencias o ponencias.

Bibliografía - Andares por la historia (s.f.). Andares por la historia Museo Regional de Historia de Colima parte 1. Disponible en: https://www.youtube.com/ watch?v=mBZIBypiJ3c - INAH (2019). Museo Regional de Historia de Colima. Disponible en: https://www.inah.gob.mx/red-demuseos/245-museo-regional-de-historia-de-colima

Arqueología

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Los contextos arqueológicos en el predio Ojo de Agua - La Capacha, Colima Arqlgo. Rafael Platas Ruiz Investigador del Centro INAH Colima E-mail: rafael_platas@inah.gob.mx

l área de investigación de la que hablaremos, forma parte de la gran superficie territorial que abarcó la hacienda de La Capacha, surgida a finales del siglo XIX y de la cual se dice que llegó a contar con una gran extensión. La delimitación de este espacio estuvo determinado al oeste por el cauce del arroyo Campos, y al oriente por el afluente del arroyo Manríquez. Esta porción territorial que se encuentra en el sector norte del valle de Colima en ascendencia hacia la ladera sur del Volcán de Fuego, sufrió con el tiempo la acción de diversos fenómenos sociales, entre los que destacan la reforma agraria que menguó su superficie; posteriormente, la venta de sus propietarios y la especulación inmobiliaria han sido los factores que generaron su fragmentación. Unos sectores de la hacienda pasaron a ser parte del ejido Trapiche, y otras pequeñas propiedades que en el registro de la propiedad son denominadas como predios La PresaOjo de Agua La Capacha, en alusión a los dos nacimientos de agua que se encuentran en la zona; por su parte, las construcciones que conformaron el casco de la hacienda, la tienda de raya, la capilla y una docena de casas que en su momento habitaban las personas que laboraban en este rancho ganadero, pasaron a conformar una comunidad rural que hoy en día está siendo alcanzada por la mancha urbana. Es de señalar que dentro de la historia cultural de Colima el

termino Capacha está ligado a sucesos y personajes que representan parte de su identidad, los terrenos de la hacienda pertenecieron a Miguel Álvarez, hijo del General Manuel Álvarez Zamora, primer gobernador de Colima, y a su vez éste heredó a su hijo del mismo nombre Álvarez García a quien apodaron El Capacha, quien fue conocido por ser un gran charro1, diestro en este deporte vernáculo, cuyo seudónimo trascendió en la región, existiendo hoy en día competencias premiadas con este distintivo. Más allá de sus hazañas como jinete, Miguel Álvarez fue como su abuelo gobernador de Colima entre los años 1919 a 1923, carrera política que siguió su hija Griselda Álvarez. No obstante, más allá de la historia de estos personajes, en los alrededores de la hacienda Capacha fue el lugar donde la doctora en Arqueología, Isabel Kelly, en el año de 19692, consideró haber encontrado un sitio con materiales cerámicos de los más antiguos del Occidente de México, estableciendo para Colima que los primeros pobladores sedentarios en la región se habían desarrollado en estas tierras, denominando al conjunto de rasgos culturales que identificó como complejo Capacha, la cual representa la etapa más temprana de la secuencia cultural que estableció en la década de los 60 y afinó años más tarde, denominándola como fase Capacha3 ubicada dentro del periodo preclásico temprano de Mesoamérica (2500- 1200 a. C). Bajo esta breve introspección se debe decir que con el tiempo podría diluirse el recuerdo de las historias de aquellos personajes, o como está sucediendo con la construcción del

casco de la hacienda que sucumbe ante la falta de un buen programa de rehabilitación, de cualquier forma, y esperando que esto no suceda, La Capacha ha trascendido a partir de los hallazgos arqueológicos, y es remembrada por los mismos en los libros de texto de cada niño de primaria, y en aquellos que quieran entender la evolución social del mundo prehispánico de Colima y el Occidente de México. Fue en el mes de noviembre del año 2016, junto con el arqueólogo Fernando Godos, cuando tuvimos de manera directa un acercamiento a uno de estos predios que se denominan como La Presa-Ojo de Agua La Capacha, como parte de las labores de protección al patrimonio que lleva acabo el Centro INHA Colima. La investigación surgida como consecuencia de la construcción de un fraccionamiento residencial, ofreció datos relevantes para la construcción del conocimiento de los pueblos prehispánicos de Colima, a pesar que el espacio intervenido había sido objeto de drásticos despiedres, alteraciones por obras agrícolas y saqueo, permitió documentar evidencias de actividades humanas relativas a tres momentos culturales desarrolladas en un mismo lugar, destacando los contextos las fases Colima (500-700 d.C.) y Chanal (1000 -1500 d.C.), representados por restos de cuerpos arquitectónicos de carácter habitacional, que fueron elaborados a través de un acondicionamiento y aprovechamiento de las elevaciones naturales, los antiguos constructores establecieron sus viviendas, conformando plataformas de base cuadrangular y rectangular, utilizando piedra bola traída del rio para la fase

Arqueología

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Evidencia de una vivienda de la Fase Colima.

Colima y basáltica para la Chanal obtenida del entorno. Otros elementos que nos dieron referencia sobre el patrón de asentamiento de cada época, entendiendo que el área explorada en esta ocasión correspondió sólo a una mínima parte de un área mucho mayor que forma parte de un sitio que fue registrado por el Proyecto Atlas Arqueológico en 1986. En aquel momento, acertadamente los arqueólogos que estuvieron en Colima, delimitaron sobre la carta topográfica E13B34 una extensa superficie que incluía todas las elevaciones situadas al sur de localidad de La Capacha, hasta las inmediaciones del actual fraccionamiento Parque Royal, ya dentro de la mancha urbana de la ciudad de Capital. Dicha delimitación integró la

superficie que fue considerada por el Proyecto Atlas Arqueológico Nacional como el sitio Arroyo Campos-La Capacha registrado con la clave 13B3405, mismo que se presume se extendió a lo largo de 2.5 kilómetros con anchos que van de 400 a 800 metros, quedando incluido naturalmente dentro de este espacio los terrenos que formaron parte de La Hacienda de La Capacha, es de resaltar que en este escenario se tiene identificados y en algunos casos registrados, a través de distintos trabajos de rescates y salvamentos arqueológicos, una importante cantidad de asentamientos (barrios y aldeas), que han mostrado un patrón de asentamiento característico, que refleja funciones no sólo habitacionales, sino también de orden productivo para el autoconsumo y para el comercio

y/o intercambio a nivel local. Este tipo de patrón de asentamiento está estrechamente relacionado con asentamientos de mayor importancia como el de la Herradura que es un sitio del preclásico tardío, o La Campana del clásico medio, y del sitio de El Chanal del posclásico. En síntesis, se puede decir que los terrenos que conforman los predios La presa-Ojo de Agua La Capacha, conservan vestigios de todo el desarrollo cultural prehispánico de Colima.

1 La Esperanza, Remate de la Historia de una Familia Dinástica, marzo 2019 Colima Noticias. 2 Kelly, Isabel, Ceramic sequence in Colima: Capacha an early phase, Tucson, Anthropological Papers of the University of Arizona Press, 1980, p. 22-23. 3 Ibiden, p 3.

Elementos arquitectónicos de la Fase Chanal.

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