CTRL ROCK N3 by joel isonfire

N3 ENTREVISTAS/ESPECIALES

VETUSTA MORLA ANGELUS APATRIDA LÜGER

STABBING WESTWARD YA ES VERANO EN CTRL ROCK BAD RELIGION TERRITORIOS SEVILLA

EN DIRECTO FOO FIGHTERS PARAMORE THE DAMNED THINGS NEUROSIS NOFX AVENGED SEVENFOLD DROPKICK MURPHYS

ANALIZAMOS A... FRANK TURNER ATARI TEENAGE RIOT RUSSIAN RED GRAVEYARD AUGUST BURNS RED MANCHESTER ORCHESTRA INCUBUS

SECCIÓN | CTRLROCK

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Redactor Jefe: JORGE GARRIDO | Co-directores: JOEL PANADÉS, SERGI TOMSEN | Diseño y Maquetación: CRISTINA CARRILLO | Colaboradores en este número: HÉCTOR DELGADO, GUILLERMO GARRIDO, SARA MALPICA, ELENA MERÍN, ANTONIO CID, MARÍA JOSÉ R., LAURA ARÍN | Diseño del logo: HÉCTOR DELGADO |

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NEWS

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SUMARIO

TEXTO: SERGI TOMSEN FOTOS: ARCHIVO

Disco Ctrl ............................... 48

ESPECIAL Bad Religion 5 momentos de su trayectoria............... 6

Conciertos ............................... 57 Agenda ............................... 68

Es verano en CtrlRock ..............................10 Stabbing Westward Desempolvando discos........................ 16 Festival Territorios Sevilla Reportaje fotográfico ............................. 18

VETUSTA MORLA

ENTREVISTAS Angelus Apatrida ........................................................................32 Lüger ........................................................................36 En portada

Vetusta Morla ........................................................................42 KYUSS

os norteamericanos Machine Head recalarán en nuestro país y Portugal con su mastodóntica gira, en la que presentarán temas de su próximo disco (Unto The Locust), previsto para septiembre. ¿Y por qué es una gira mastodóntica? Al siempre apetitoso aliciente de ver a la banda de Robb Flynn en directo hay que añadirle que, al igual que en el resto de su gira europea, en esta ocasión se hace acompañar de tres bandas de lujo para cubrirse las espaldas: Nada más y nada menos que los Devildriver del siempre reivindicable Dez Fafara, Darkest Hour y uno de los grupos que más fuerte está pegando en la escena metalcore actual, los ingleses Bring Me The Horizon. Barcelona, Madrid y Bilbao (15, 16 y 19 de noviembre respectivamente) por nuestro lado, y Lisboa y Oporto (17 y 18) por parte de nuestros vecinos lusos, son las ciudades en las que recalará la que, a buen seguro, será una de las fechas marcadas en círculo rojo en el calendario de los fans del metal de corte moderno.

NOFX

Bienvenidos a Ctrl Rock Mag

acerse un Chinese Democracy, equivale a ir posponiendo el lanzamiento de un proyecto en cuestión, ya sea la publicación de un disco, el estreno de una película o la difusión de una revista digital. En este último punto es donde nos encontramos nosotros, y es que esto resulta ser más duro que la clavícula de Optimus Prime, quizás no tanto, pero requiere de un bien preciado y básico, el tiempo, así que lo que hay que hacer a veces es no exceder más allá de las posibilidades de uno mismo y poner en equilibrio estos dos puntos. Y vistos los antecedentes, hay que hacer dieta, nadie quiere mirarse al espejo y encontrarse con Axl Rose. Para este tercer número de nuestra revista, hacemos el triplete con Vetusta Morla, entrevista al grupo, crítica de su último disco Mapas y crónica del concierto que ofrecieron en la sala Bikini de Barcelona. Además, dos de los grupos con más proyección y buen gusto de nuestro país, cada uno en su estilo, responden a nuestras preguntas: el trash metal de Angelus Apatrida y la psicodelia de los madrileños Lüger. También tenemos preparado un especial basado en los discos que más apetecen cuando el calor hace acto de presencia, 4 CtrlRock

Cinco fechas de Machine Head en la península

12 discos de verano entre los que se encuentran artistas como Weezer, Jimmy Eat World, Manic Street Preachers o Fu Manchu entre otros. Una vez más tampoco nos olvidamos de nuestra sección 5 momentos, donde repasamos los la discografía de los abuelos del punk-rock, Bad Religion y el Desempolvando Discos con Stabbing Westward. En la sección críticas, el disco destacado de este número es el England Keep My Bones del bueno amigo Frank Turner, además analizamos los trabajos de Incubus, Atari Teenage Riot, The Strokes, Ulver, entre otros, y os contamos como vivimos los conciertos y festivales en los que hicimos acto de presencia, Avenged Sevenfold, Buckcherry, Paramore... además de un reportaje fotográfico del Festival Territorios de Sevilla. Hay material para todos los gustos, y este es uno de los factores que más nos gusta y que a la vez nos ha sorprendido a los que hacemos Ctrl Rock, la posibilidad de tocar los dos extremos del abanico llamado rock y añadir además todo aquello que sin estar dentro de ese margen, nos parece interesante y sobretodo nos llegan de forma directa al alma.

JORGE GARRIDO, JOEL PANADÉS Y SERGIO TOMSEN.

Primus graban de nuevo

esde que Primus lanzara Antipop han pasado doce años, lo cual se dice pronto. Durante todo este tiempo la banda del carismático Les Claypool nunca ha dejado de estar funcional a pesar de que en 2001 creyeran necesario tomarse un pequeño descanso. Han editado varios dvd’s, un par de EP’s, un recopilatorio, han girado de manera más o menos constante, e incluso se prestaron a re-grabar uno de sus grandes éxitos – ‘John The Fisherman’ - para la primera entrega de la saga Guitar Hero. El retorno del batería Jay Lane en 2010 parece ser que fue el detonante para que la banda se planteara grabar un nuevo LP, pero hasta el primer trimestre de este año no empezó a concretarse todo. Titulado Green Naugahyde, el octavo disco de los californianos ha sufrido un par de retrasos en la fecha de salida, pero finalmente parece ser que el 13 de septiembre será cuando podamos, por fin, disfrutar de nuevo de la marciana genialidad de Primus.

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5 MOMENTOS

BAD RELIGION

5 momentos de su trayectoria

Into the Unknown (1983). El renegado

bad religion

Todo aquel que conozca el hardcore melódico de los californianos y escuche Into The Unknown se dará cuenta de porque reniegan de él. Si su música siempre se ha caracterizado por ser rápida, adictiva e incitadora del pogo, en el se vio otra cara de la banda, pues aquí lo que predominaban eran los registros más progresivos, así como el uso de órganos y pianos y a los medios tiempos, con los que cosecharon buenas criticas pero no el éxito comercial, pues fue un fracaso comercial allá por 1983, el año en que salió. Como respuesta a este, dos años después publicaron el ep Back To The Known, que no era más que una declaración en toda regla con la que demostrar que era lo que hacían.

TEXTO:JORGE GARRIDO FOTO: ARCHIVO

@ ARCHIVO

La trilogía básica del hardcore melódico: Suffer (1998), No Control (1989) y Against The Grain (1990): Aunque el hardcore melódico siempre ha sido un estilo tildado de sencillo (aquí entran los famosos 3 acordes de los que están compuestas todas sus canciones), pocas bandas han conseguido luego crear un disco memorable, y mucho menos una trilogía básica para entender un estilo. Si no les conoces y quieres empezar por algo, lo mejor es ponerse los tres de un tirón y entenderás porque, 30 años después, siguen siendo los reyes del mambo.

@ WENN

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BAD RELIGION

Recipe For Hate (1993). Su mayor éxito comercial

Tras besar el suelo y conseguir auparse como una de las bandas más importantes del estado de California, la banda facturo Generator (1992), su primer paso por abrir su estilo e incluir en el los sonidos de las raíces del punk, es decir, el folk típicamente estadounidense. Tras ese paso, llegaría el que fue su mayor éxito a nivel comercial: Recipe For Hate (1993), en el que seguían evolucionando su sonido y acercándose no solo más que nunca al folk y al country, sino abrazando las maneras del grunge (al final y al cabo tenían las mismas raíces), como bien se puede escuchar en ‘American Jesus’, una de las dos canciones en las que colaboró Eddie Vedder, cantante de los seminales Pearl Jam. @ ASHLEY MAILE

El trío de Atlantic: The Gray Race (1994), No Substance (1996) y The New America (1998) Todos los grupos en algún momento sueñan con conseguir que su banda triunfe y este en lo alto de las listas de ventas, ya sea por hacerse ricos o poder mantener ciertas cosas. Bad Religion están dentro de este último grupo, pues su paso por Atlantic, que fue sin pena y sin gloria, no era más que por conseguir que Epitaph, el sello que les vio nacer, pudiera seguir adelante. Pero no todo fue malo, pues si algo destacan estos discos es por su mejoría a nivel de producción, motivado en su mayor parte por tener un presupuesto más alto a la hora de grabar, aunque el sonido menos cercano al punk y más al rock hizo que una vez acabado el contrato firmado se fueran por donde habían venido para así intentar volver a encauzar una carrera que no estaba en su mejor momento.

@ SIDEONEDUMMY.COM

The Dissent Of A Man (2010). El último en llegar Elegir un último disco, o lo que es lo mismo un quinto momento, ha sido más complicado de lo que parecía, pues bien nos habrían servido cualquiera de los últimos (The Process Of Belief -2002-, The Empire Strikes First -2004-, News Map Of Hell -2007-, The Dissent Of A Man -2010-), elegibles todos ellos por razones propias. Pero al final nos hemos quedado con The Dissent Of A Man (2010), el último de todos ellos, porque aun siendo uno de sus últimos trabajos recoge algunos trazos de lo que ha sido su carrera discográfica, sobre todo la más reciente con la que han demostrado que se puede estar 30 años encima de los escenarios sin parecer un vejestorio o un acabado.

@ ASHLEY MAILE

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ESPECIAL VERANO CTRL

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ESPECIAL VERANO CTRL

MILLENCOLIN Pennybridge Pionners

JORGE GARRIDO

WEEZER Green Album

JORGE GARRIDO

Muchos amantes de la música cuentan los días que quedan para el verano y así poder tener su ración festivalera con la que disfrutar de algunas de sus bandas favoritas. Pero no solo por ello en Ctrl Rock mag, también asiduo a alguno de ellos, como podréis ver en la web, amamos la estación calurosa. Y no hablamos de chicas bikini y hombres en bañador, ni de playas enormes o de súper helados, si no de esos discos que a la minima que sentimos el calor del sol en nuestros cuerpos corremos a ponernos. ¿Cuáles son los favoritos, y por ello más recomendados, por nuestros redactores? Descúbrelo con nosotros…

INCUBUS Morning View

JORGE GARRIDO

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Cuando a alguien le mencionan Suecia le viene a la mente sus lagos helados, sus calles nevadas, sus cortos días y su frío, pero para nada una playa soleada llena de surferos, skaters y chicas en bikini, un paisaje más típico de lugares como California, o al menos así piensan muchos, sobre todo los que no conocen a Millencolin. La banda procedente de Örebro es un claro ejemplo de que no siempre se nace donde uno quiere, pues su música, más cercana al hardcore melódico de la costa oeste norteamericana, es un claro ejemplo de ello. Y aun-

que con el tiempo han intentado madurar y darle un toque más serio a su propuesta, en la menta de muchos de sus fans, y de ellos mismos, todo hay que decirlo, queda el recuerdo de aquella época en la que el sol se puso encima del país europeo y los amantes de la tabla ocuparon sus calles, pero sobre todo montaron un pogo memorable gracias a ‘No Cigar’, ‘Penguins & Polarbears’ o ‘Fox’, algunos de sus mejores temas, todos ellos incluidos en Pennybridge Pionners, su obra más aclamada.

Aunque Weezer siempre serán la banda de Rivers Cuomo, haciendo lo que el dice y yendo por los caminos que él diga, ya sean más extraños (Pinkerton) o más metaleros (Maladroit), todo el mundo les recordará por su época más power-pop, aquella en la que facturaron sus mejores temas, 100% coreables y muy melódicos, y con la que dejaron un mejor sabor de boca. Hablamos de discos como Blue Album, Make Belive y sobre todo Green Album, su obra más exitosa, y por ende la más imperecedera, pues desde que la trajeron al mundo allá

por el 2001 no ha habido verano que no apetezca irse a la playa o a la piscina a tomar el sol al ritmo de ‘Island In The Sun’, ‘Don’t Let Go’ o ‘Hash Pipe’, su tridente principal, pues si algo han conseguido con su disco verde es que nos podamos llevar a todas partes, incluso en invierno, un trocito de la época estival, pero no solo las fiestas, la juerga y las chicas guapas, sino también el sol, el buen rollo, el tomarse la vida con calma y la amistad, como bien capturó Spike Jonze en el vídeo de ‘Island In The Sun’..

Que un disco tenga un mar soleado como protagonista de la portada deja muy claro cuales son sus intenciones. Morning View de Incubus, la para muchos su mejor obra, es un ejemplo evidente de ello, pues aunque se encargaron de decir que eran las vistas del estudio donde grabaron el disco sito en en una calle de Malibu (California) llamada Morning View, con la misma demostraron que lo que corría por sus venas era una suave brisa marina que les invitaba a tirarse al mar (‘Wish You Where Here’), a llamar a sus amigos para disfrutar del

calor de la noche (‘Are You In?’), a desgañitarse encima del escenario (‘Nice To Know You’), a viajar al país vecino (‘Mexico’) y a levantarse tarde (’11 am’), entre otras muchas cosas, pues si algo hacen a lo largo de los 13 temas que lo componen es invitarnos a disfrutar de todas las caras del estío, las cuales, como no, se gozan mejor encima de un medio de transporte como un coche descapotable mientras viajas en pleno por largas carreteras solitarias camino de la playa, sea cual sea esta. CtrlRock 11

ESPECIAL VERANO CTRL

THE OFFSPRING Smash

SERGIO TOMSEN

MANIC STREET PREACHERS Send Away the Tigers

SERGIO TOMSEN

KYUSS And The Circus Leaves The Town

SERGIO TOMSEN

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ESPECIAL VERANO CTRL

Pocas bandas deben ser tan de llevar bermudas, playeras y camiseta ancha como lo son The Offspring. Los de Orange County fueron la excepción de una década que a nivel musical estuvo más dedicada a a las camisas de cuadros, los pantalones rotos y la exaltación de la angustia de la llamada ‘generación x’, que a otras cosas. Smash fue un soplo de aire fresco, una explosión de energía juvenil. Y sí, la temática lírica del disco gira en torno al eterno dilema existencial del paso por la adolescencia, pero supieron darle un envoltorio festivo, una

celebración al verano, las olas, la noche, una invitación a vivir con intensidad los momentos en los que ninguna obligación te atosigaba, y podías vivir la vida a tope y disfrutar de largos y calurosos días con tus amigos. Desde los bailables ritmos reggae de ‘What Happened To You?’ a las afiladas guitarras de ‘Genocide’, pasando por los impepinables coros de ‘Self Esteem’, todo en este álbum es una oda a esa etapa de la vida tan crucial como complicada, a los veranos perdidos en nuestra memoria o, si tenéis esa suerte, a los que os tocará vivir.

Escuchando las primeras notas de ‘Send Away The Tigers ‘nos podemos imaginar un amanecer de julio, con el sol emergiendo poco a poco del horizonte para barrer la oscuridad y gobernar de nuevo en su reino. Y cuando el disco termina con ‘Winterlovers’, parece que septiembre empiece a languidecer, mientras los atardeceres se vuelven cada vez más largos y el calor agobia cada vez menos. Los galeses nos regalaron una colección de diez instantáneas distintas, diez postales de rock con barniz pop en las que los riffs de guitarra suenan melancólicos como paseos por la playa, dulces, volátiles

y efervescentes como los amores de verano, frescos como un amanecer estival. Como una película de recuerdos adolescentes y no tan adolescentes en los que se mezclan el inconformismo, la rebeldía – algo inherente a una banda como Manic Street Preachers- y la sensación de que el tiempo se mueve a otra velocidad. Send Away The Tigers es un disco que empuja a la melancolía, a querer sentir de nuevo la extraña poesía de los días de calor, a revivir situaciones, momentos, y a querer disponer de una nueva oportunidad de agotar las horas y los días largos de la estación estival.

El verano es algo más que playa y calor. También puede ser una de esas cálidas noches de cielo despejado, sentado mientras te bebes una cerveza y dejas que la brisa nocturna te acompañe. Es también tiempo de largos peregrinajes en coche y carreteras infinitas. Es el desierto de California emergiendo en toda su plenitud, la arena vibrando con el viento y el sol castigando a cualquier ser viviente que ose plantarle cara. Kyuss escenifican esa relación mística que existe entre el hombre y los parajes desolados, dónde los extremos se dan la mano. Sus riffs se arrastran como serpientes de

cascabel entre rocas y dunas, los ritmos parecen empujados por la base rítmica ejerciendo de motor V8 de un poderoso coche americano, con las ventanillas bajadas y el volumen a tope. Es la agreste voz del cantante invitándote a compartir un poco de hierba, a observar las estrellas bajo el interminable manto nocturno. Es buscar una sombra en la que tomarse una cerveza mientras el tiempo fluye como arena escurriéndose entre tus dedos. … And The Circus Leaves The Town es puro calor. Es música que refleja el verano en su vertiente más árida y reflexiva.

GETZ/GILBERTO Getz/Gilberto

ELENA MERIN

JACK JOHNSON To The Sea

ELENA MERIN

FU MANCHU The Action Is Go

ELENA MERIN

El saxofonista Stan Getz decidió en 1964 ampliar su reciente afición por el denominado sonido jazz samba con el que había conseguido volver a triunfar en Estados Unidos tras una oscura época enganchado a las drogas. Getz viajó a Brasil y allí se encontró con dos músicos brasileños que estaban dando mucho que hablar en el país carioca: el pianista Antônio Carlos Jobim y sobretodo el guitarrista Joâo Gilberto, un hombre con aspecto de oficinista gris y depresivo. Su imagen contrastaba radicalmente con la calidez de su voz y la particular combinación rítmica que conseguía con

la guitarra. De ese encuentro surgió la obra clave de lo que se bautizó como bossa nova. Una combinación única entre el jazz y la música brasileña y que sirve como excusa perfecta para pasar un atardecer frente al mar, con los pies enterrados en la arena, y disfrutar de uno de esos días de calma y de felicidad que te proporciona el verano. El saxo de Getz acompaña a la perfección canciones como ‘Desafinado’ o ‘Corcorvado’, en la que descubrimos la dulce voz de Astrud Gilberto, la ex esposa de Gilberto, y por supuesto ‘Girl From Ipanema’. Imprescinbile acompañar con una caipirinha.

¿Quién puede competir con un surfista a la hora de hablar del verano? Jack Johnson es uno de esos tipos con la extraña virtud de hacer muchas cosas que a la mayoría nos gustaría poder hacer y además hacerlas bien: surfista de profesión, cineasta por vocación y músico por azar, tras que Ben Harper lo descubriera y decidiera impulsar una exitosa carrera musical. Su música provoca un inmediato buen rollo con las que es imposible no asociar la sencillez de su propuesta musical -’The Upsetter’ es un ejemplo perfecto- con sus saltos encima de la las olas y la

¿auténtica? imagen entre hippie y desenfadada típica de los surfistas no horteras. ‘You and Your Heart’ abre un disco con el que el hawaiano recuperó el pulso tras el intimista y también muy recomendable In Between Dreams, y en el que podemos encontrar pequeñas joyas pop como ‘Pictures of People Taking Pictures’ y ‘Better Togheter’, la desenfada ‘When I look Up’ y ese sonido acústico y cálido que lo ha hecho tan famoso en temas como ‘Only the Ocean’. De gira este verano por España, Jack Johnson es una opción inmejorable para acercarte al océano.

Algo tendrá el stoner rock para que los fans del género se atrevan a defender estos sonidos densos como una opción veraniega. Pero lo cierto es que desde que suenan los primeros riffs de ‘Evil Eye’ el particular universo de Fu Manchu, formado por skaters enloquecidos, viajes en ácido, naves espaciales, guitarras distorsionadas y bajos con un groove que te invitan a saltar y a sudar como un enloquecido, acaba por parecer una opción más que recomendable para esos días en que los que el calor aprieta. Con The Action is Go, los californianos Fu Manchu mantienen el nivel demostrado en álbumes como Da-

redevil gracias a sus potentes riffs combinados con canciones de ritmo lento y marcado pero que no por ello pierden ni un ápice de potencia e intensidad a lo largo de todo el minutaje. ‘Burning Road’, la espectacular ‘Urethane’ o la psicodélica ‘Laserbl’ast’, un tema repetitivo que bien podría resumir un manera de entender la música única y perfectamente reconocible en el caso de Fu Manchu, destacan en un álbum que más de un@ podríamos pinchar sin parar en una fiesta al aire libre con skaters, decibelios, alcohol, pero sobretodo con mucha calor.

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ESPECIAL VERANO CTRL

MOTION CITY SOUNDTRACK Commit This to Memory

JOEL PANADÉS

RIVAL SCHOOLS United by Fate

JOEL PANADÉS

JIMMY EAT WORLD Bleed American

JOEL PANADÉS 14 CtrlRock

ESPECIAL VERANO CTRL

La longitud de este texto debe tener aproximadamente unas 200 palabras, así que para empezar, voy a intentar describir esta delicatessen de pop-rock con 20 adjetivos, y con esto llevamos 30: ligero, dulce, directo, optimista, emotivo, alright!, rápido, apacible, tierno, complaciente, inmediato, nerd, continuo, jovial, Justin Pierre, enternecedor, sensitivo, verdugo!, radiante y sincero. Lo sé, hay un par que son de relleno, el caso es que Motion City Soundtrack y en especial este Commit This To Memory tienen muchas de las cualidades que por algún motivo desconocido (no soy neurólogo) resultan apetecibles especialmente en la época en la que el sol aprieta con más inten-

sidad, pero ojo, porque además lo envuelven en un bonito papel de celofán con una nota colgando, para agregarle un punto de emotividad que atrapa. Nos demuestran con hechos su capacidad innata para grabar a fuego sus melodías en el interior de nuestras cabezas especialmente con el juego de guitarras y en ocasiones hasta con sintetizadores. Y me quedan otras 30 palabras, así que aprovecho para despedirme recomendando este disco a todas las personas que pueden estar pasando por un mal momento, ‘Everything Is Alright’, o por lo menos lo estará. “I’m fond of Twin Peaks afternoons”, no me negaréis que estos tíos son de lo más auténtico.

Walter Schreifels es una de los músicos que componen el puzzle de la escena punk-hardcore de Nueva York, él mismo se ha encargado de difundir a lo ancho del mundo la música de Gorilla Biscuits, Quicksand o Youth of Today entre otros. Rival Schools fue su proyecto orientado hacia un perfil más alternativo cargado de riffs pegadizos más densos de lo que a priori uno podía esperar, con guitarras realmente duras en temas como ‘Holding Sand’. Disco tan rápido de digerir como de escuchar y un tema que sin duda sobresale por encima del resto, un clásico, ‘Used For Glue’ es la demostra-

ción más clara de su capacidad para componer riffs con fuerza y vigor. La instrumental ‘Hooligans For Life’ cierra el disco dejándonos sedientes del liquido que dice contener la formula de la felicidad (tampoco vamos a hacerles publi). Y con todo esto arrancando ante nuestros oídos allá por 2001, Rival Schools nos dejaron con la miel en los labios, pues la formación quedó disuelta y no fue hasta principios de 2008 cuando empezaron a sonar los rumores de una posible reunión. Este año finalmente el grupo ha lanzado su segundo disco: Pedals. Que sed, voy a por una Coca-Cola!

Hay un disco de Jimmy Eat World para cada momento de la vida. Este quinteto de la áspera Arizona, auténticos creadores de lo que podríamos llamar mielodias, capaces de reinventarse en cada uno de sus trabajos manteniendo siempre parte de su esencia, lo demostraron en su tercer disco de estudio, Clarity, donde crearon una atmósfera única y particular perfecto para momentos reflexivos, más adelante se pasaron al lado oscuro y depresivo con Futures cargado de joyas como ‘23’. Pero el techo de su carrera llego con Bleed American, el escalón intermedio entre los dos anteriores, desde mi humilde opinión, uno de los

mejores discos que salió de esa oleada de punk-pop encabezada por blink-182 y Green Day hace ya una década, y que recorrió las ciudades más importantes de Estados Unidos a bordo del Pop Disaster Tour en 2002. Bleed American es la brisa caliente que entra por la ventanilla del coche para impactar en los rostros de sus ocupantes un día de verano (‘Get It Faster’), un mástil de guitarra eléctrica con una nube de azúcar en su extremo (‘Sweetness’), incluso hay sitio para lamentarse de uno mismo y desear desaparecer como solo puede hacerlo el Sol (‘My Sundown’).

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DESEMPOLVANDO DISCOS

STABBING WESTWARD

DESEMPOLVANDO DISCOS

STABBING WESTWARD DARKEST DAYS COLUMBIA RECORDS (1998)

nacen del fatídico final de una relación. Un viaje por el dolor y la ira, la desesperanza y el anhelo, el orgullo y la melancolía. Una montaña rusa de sensaciones que te eleva hacia la luz haciéndote creer que estás cerca del final del infierno para posteriormente hacerte descender de nuevo, dónde las mismas sombras de las que huías te están esperando con las fauces abiertas dispuestas a perseguirte otra vez. Nacidos a finales de los 80 en Chicago, su sonido fue poco a poco asimilando los matices oscuros y rabiosos de Nine Inch Nails pero sin alcanzar el mismo grado de profundidad y visceralidad. Se hicieron un hueco en la escena del rock alternativo/industrial de los 90 con sus dos primeros trabajos, Ungod

odos tenemos grabado a fuego en lo más profundo lo que supone una ruptura sentimental: Un proceso que canibaliza sentimientos, los deglute sin compasión y los vomita convertidos en demonios interiores que luego tenemos que exorcizar. Transforma a personas que compartían un lazo profundo y visceral en dos perfectos extraños, o peor aún, en seres que no pueden volver a mirarse sin sentir como se les retuercen las entrañas. Tanto marcan estos sucesos, que es imposible cuantificar la cantidad de canciones nacidas de los rescoldos de una relación que se ha consumido como el papel ante la llama. Darkest Days es un disco casi conceptual que bucea en esa concatenación de sucesos que 16 CtrlRock

(Columbia Records, 1994) y Wither, Blister, Burn & Peel (Columbia Records, 1996), y parte de su éxito se debió también a la capacidad que demostraron para componer temas accesibles y aptos para los cánones de la MTV de esos años, pero también a un incansable trabajo de promoción que les llevó a abrir para grupos tan dispares como Monster Magnet, Sex Pistols o Depeche Mode. Presionados por el sello, Stabbing Westward afrontaron la grabación de su tercer álbum con el añadido de sus problemas personales y las tensiones internas entre los miembros. Esto, que de tan repetido en multitud de ocasiones con otras tantas bandas se ha convertido en un anatema, se nota en el sonido del álbum. Mucho más oscuro, melancólico y denso que sus predecesores, en el apartado técnico sorprende el giro hacia los sonidos más electrónicos comparado con sus anteriores trabajos, dónde primaba mucho más lo orgánico. Esta vez los sintetizadores saltan a un primerísimo plano compartido con las guitarras, cuyos precisos y nítidos riffs abarcan con fidelidad desde afiladas explosiones de rabia hasta lamentos y sollozos. La puntilla la da un Christo-

pher Hall pletórico a las voces, susurrando y explotando como si todas y cada una de las canciones le quemaran por dentro. Darkest Days no es un disco líneal en el sentido de que no cuenta una historia al uso como suelen hacerlo los discos conceptuales, si no que se convierte en esa retorcida y malvada montaña rusa que mencionaba más arriba. No hay términos medios , se trata de un viaje de un extremo a otro tal y como son nuestras reacciones durante los días posteriores a una ruptura. Los títulos explícitos de las cancio-

nes son un fiel reflejo de lo directo de las letras, lejos de figuras retóricas retorcidas y con vocación de ofrecer un fresco que rezuma sangre y lágrimas: La autoflagelación de ‘Everything I Touch’, el anhelo de ‘You Complete Me’, la angustia de ‘Drowning’, el rencor en’The Thing I Hate’.... El broche de oro lo pone ese panegírico a la añoranza y el deseo, la bellísima ‘Waking Up Beside You’. Uno de esos temas que por sí solos justifican discos enteros. A pesar de conseguir que el single ‘Save Yourself’ (el tema más abiertamente comercial de todo el disco) se radiara bastante a menudo, la calidad del trabajo no bastó para superar las ventas de su anterior trabajo. Antes de empezar la grabación del sucesor de Darkest Days - con la ayuda del productor Bob Rock-, Columbia Records decidió rescindir el contrato con la banda y Stabbing Westward, el disco, salió bajo Koch Records - una discográfica independiente - en 2001. Un año después, los caminos de los miembros de la banda (manteniéndose únicamente el vocalista Christopher Hall y el teclista Walter Flakus desde el principio) se separarían de forma definitiva. SERGI TOMSEN

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ENTREVISTA

TED LEO

reportaje fotográfico

Festival Territorios Sevilla por Antonio Cid

Primera jornada 2 Many Djs (Dj Set) Abrieron la caja del puzzle musical de los últimos años, cogiendo piezas de aquí y allá, que mágicamente siempre encajaban con la anterior dando forma a una sesión que regurgitaba clásicos digeridos por el dúo para crear un sonido nuevo y único que nadie se resistía a bailar. Magnifica sesión que nos despedía de la primera noche del festival.

Sho hai Se presentaba en solitario con su nuevo disco Doble Vida y no defraudo a los que le esperaban. Bases contundentes de R de Rumba, letras rabiosas y actitud de sobra calentaron bien pronto el ambiente en Territorios.

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ENTREVISTA

TED LEO

Sr Chinarro En su casa, rodeado de amigos y compañeros, Chinarro repasó lo último de su discográfica, incluyendo su último disco. A pesar de algunos problemas de sonido iniciales, la banda sonó brillante, creando el colchón perfecto para las personales letras de Antonio Luque.

Asian Dub Foundation Volvían con la formación completa después de su actuación como Dj Set hace años. Y completo fue su concierto. Su mezcla de sonido étnicos, electrónica y hardcore a las que se añadían sus combativas letras y su espectacular puesta en escena llevaron a la gente a momentos que se recordaran por mucho tiempo.

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ENTREVISTA

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Vetusta Morla De los más esperados de la noche, presentaban su segundo disco antes un público ansioso y más adolescente de lo que se acostumbra a ver en Territorios. Sonido pop blandito, entrega e intensidad por ratos un tanto teatral y un repaso a temas de su primer disco que ya son himnos generacionales y a sus nuevas canciones dejaron más que satisfecho a un público entregado desde el primer minuto.

Segunda jornada

Tote King Iniciaba la noche del sábado con la presentación de su último trabajo El Lado Oscuro de Gandhi”. Con Dj Randy en los platos y acompañado de Ego y Senepe, demostró el porqué de su lugar en el ranking del hip-hop español, aunque el sonido no fuera todo lo bueno que nos habría gustado.

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ENTREVISTA

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Duo Kie El Columpio Asesino Divertidos, poderosos y gamberros, con un magnifico sonido, que en sus momentos más distorsionados alcanzo su máximo, y un saber estar y conectar que muchos quisieran. Para repetir.

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Presentaban De Cerebri Mortis y lo hicieron con un directo potente, crudo, con unas bases arrolladoras y unos micros que no pararon. Conectaron mucho y bien con un público que no dejo de saltar y de poner las manos en alto durante todo el concierto, y que disfruto de la energía inagotable que salía del escenario.

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ENTREVISTA

TED LEO

The Human League Esperados por los más ochenteros los Human League no hicieron honor a su leyenda. Sonidos desfasados, voces desafinadas y una puesta en escena verbenera que defraudaron a la mayoría.

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Javiera Mena Una de las sorpresas del festival, la chilena nos regalo su techno pop alegre e inocente, contenido en su segundo álbum Mena. Frescura musical con inspiración en los ochenta y letras pegadizas que hicieron bailar a la minoría que la vimos.

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ENTREVISTA

TED LEO

Muchachito Bombo Infierno Sus fieles y numerosos seguidores tuvieron lo que querían, la rumba catalana mestiza y globalizada de Muchachito y su numeroso grupo, que ofrecieron un concierto festivo aunque un tanto repetitivo.

Klaxons Uno de los platos fuertes de la noche, su rock eléctrico y electrónico sonó de maravilla en el mayor de los escenarios. Más convincentes cuanto más acelerados, dejaron un concierto lleno de momentos memorables, y la sensación de haber visto a uno de los grandes grupos de momento.

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TED LEO

Orbital (Dj Set) Uno de los nombres míticos de la electrónica cerraban Territorios y de que manera lo hicieron. Tocando casi todo los palos de la electrónica bailable ofrecieron una sesión ecléctica y homogénea a la vez, gracias a ser capaces de dar su propio sonido a los ritmos que elegían mezclar. Gran sesión de unos grandes, que nos despidieron de Territorios con una sonrisa de oreja a oreja. 30 CtrlRock

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ANGELUS APATRIDA

ANGELUS APATRIDA TEXTO: SERGI TOMSEN

FOTO: LEANDRO GARCÍA

Ctrl Rock Mag: Vuestro último disco, Clockwork (Century Media, 2010) está teniendo bastante éxito de crítica y parece que ha calado entre la gente. Encima ahora se os da la oportunidad de abrir una serie de conciertos para la gira de Megadeth y Slayer. ¿Qué tal fue eso de abrir para dos bandas que son casi un pilar del género? Guillermo: Sin el casi (risas). Te puedes imaginar, para nosotros ha sido como un premio, el colofón final. El disco nos ha estado funcionando bien, las ventas van que te cagas, el grupo ahora mismo tiene una popularidad enorme en España y hemos pasado de ser una banda novel a ponernos en primera línea. Además empezamos a ser cabezas de cartel de festivales, pero también es cierto que nos venía muy bien esto, tocar con estas grandiosas bandas y ser nosotros los teloneros como éramos hace diez años: Ser la banda que abre, la que está puteada con el sonido (risas)... Abrir para estas dos bandas ha sido la polla, nos ha venido de puta madre esta experiencia con ellos estos tres días. Ctrl: Supongo que también os ha servido para acercaros a un tipo de público que a lo mejor de normal no suele hacer mucho caso a las novedades, ¿no? G: Sí, seguro. Hoy hay mucha gente que ya no se preocupa (lo cual es lamentable, la verdad) por las nuevas bandas y bueno, pues ha visto que un tipo que ha ido a ver a Slayer y Megadeth se ha encontrado con otro grupo joven, de España, que hace esa misma música, con la misma intensidad y que también lleva muchos fans y hacen un concierto a la altura de los grandes.

e tener que producir y editar los discos por su cuenta por no encontrar un apoyo a nivel estatal, a terminar fichando por Century Media, uno de los sellos más importantes de la actualidad. Sí, estamos hablando de los albaceteños Angelus Apatrida, una de las pocas bandas de nuestro país que pueden decir que están abriendo puertas que, hasta hace poco, se consideraban cerradas a cal y canto. Poco después de su segunda incursión europea nos pusimos en contacto con Guillermo para hacerle algunas preguntas, y si algo me quedó claro mientras hablaba con él, es que habla igual que actúa en directo con el grupo: Con firmeza, con seguridad, y sin miedo a nada. 32 CtrlRock

Ctrl: Habiendo logrado lo que habéis logrado, y ya que parece ser que 2010 ha pintado bien, pero 2011 pinta mejor, ¿dónde veis vosotros el límite o dónde créeis que está? ¿Tenéis ambición de llegar más lejos? G: Tampoco es que tengamos ambición o un objetivo concreto. El grupo lleva una progresión hacia arriba y se van cumpliendo unos objetivos que si, que podemos llamar “objetivos” pero que tampoco nos habíamos planteado llegar hasta ellos. Si no llegas es una decepción y preferimos no pensar en nada. Si, sabemos de sobras que la banda sigue creciendo, pero hay gente que todavía no nos conoce y tenemos que seguir luchando. Te das cuenta que vale, da igual que seas un grupo que estás hasta en la sopa, siempre habrá alguien que no sepa quien eres. Y no creo que haya ningún límite, seguro que no nos planteamos ninguno, ni nuestra discográfica ni nuestro manager.

Ctrl: ¿Y esto no supone un plus de presión para vosotros? ¿No pensáis que el decir “hemos llegado hasta aquí y hemos logrado todo esto” condiciona los pasos y decisiones que vayáis a tomar de ahora en adelante? G: No lo creo. No podemos ir hacia abajo, hay que seguir, hay que seguir para adelante. Para nada hay algo que nos condicione. Nosotros somos unos tipos que hacemos las cosas tal y como nos gusta, confiamos en ello y tenemos un equipo de gente trabajando con el grupo que va a ayudarnos a dar esos pasos. Ha sido mucho tiempo, muchos discos, muchas cosas... Ctrl: Si algún día tuvierais que hacerlo, ¿volveríais a la autogestión como en vuestros principios? G: Sí, claro. Si lo requiere la situación por supuesto que si. Si nos quedáramos sin sello y ningún grande se fijara en nosotros, si la opción fuera volver a un sello pequeño... supongo que antes volveríamos a hacerlo por nuestra cuenta. Ctrl: No hace mucho estuvisteis girando por diversos países europeos, siempre con otros grupos. ¿Como ha respondido el público? G: Pues muy bien la verdad, han respondido muy bien. La primera gira la hicimos sólo con grupos thrashers y era en aforos más reducidos, pero esta última fue con grupos más variados y un público más numeroso, salas más grandes. Se ha notado, se ha notado. Estamos sembrando, la siguiente gira también será para sembrar, hasta que al final ocurra como aquí, que nosotros mismos podamos sustentar una gira y llamar a otras bandas para que nos teloneen, saberse el circuito, etc... Ctrl: Ahora estáis descansando, ¿no? Cuando terminéis las fechas pendientes, ¿qué teneís pensado hacer? G: Ahora mismo sólo nos centramos en hacer estos conciertos, aprovechar el tiempo libre para componer cosas nuevas pero suponemos que cuando se termine la actividad musical nos tendremos que plantear lo de meterse en el estudio y demás. Básicamente queremos sacar adelante los conciertos, seremos cabezas de cartel en algunos festivales y en octubre abriremos para The Haunted (nota: La entrevista se hizo antes de la cancelación de la gira de los suecos) y bueno, después de todo esto ya veremos. Aún es pronto. Ctrl: Entonces no sois del tipo de componer durante las giras si no que preferís concentraros en una cosa en cada momento... CtrlRock 33

ENTREVISTA

G: Exacto, yo necesito estar en mi casa para componer bien. Podemos estar de gira y decir “oye, mira que te parece este riff” y cosas así, pero luego cada uno cuando está en su casa es cuando le da forma a las cosas, pruebas una batería o una voz, esas cosas. Ctrl: Una de las cosas en las que mucha gente hace incidencia cuando se habla de bandas estatales son las críticas. Hay quienes dicen que sonáis con un corte más moderno y otros que os acusan de “sonar demasiado a”. Llegados a un punto en el que supongo que las críticas, tanto para lo bueno como para lo malo, forman parte del día a día, ¿cómo os las tomáis? G: Eh... yo no digo nada. No decimos nada, simplemente hacemos. Para muestra, la carrera de la banda y lo que supone. Si el thrash metal está en auge en España es gracias a Angelus Apatrida en un 99%, porque nosotros empezamos cuando nadie hacía este estilo de música, nadie apostaba por esto, nadie quería cantar en inglés en este país. Lo que siempre me hace gracia es que nunca vas a escuchar una crítica que diga “Angelus Apatrida son malos músicos”, “hacen malos discos” o “hacen malas canciones”. Jamás. Entonces como eso nunca lo he oído, cualquier otra cosa que venga a decir “no sois auténticos” o tal o cual, es pura envidia si son otros grupos, o si son fans, tiene algún tipo de problema con esta música. Ctrl: A la mención que haces de cantar en inglés... normalmente de la composición de los temas te encargas tu, ¿no? G: Si, normalmente, sí.

ANGELUS APATRIDA

tellano en otros grupo, como Avalanch, Soziedad Alkoholika o Koma, pero para mi estilo y para mi, lo veo totalmente lejano. Ctrl: Bueno, cambiamos un poco de tema, si no te importa. Tenéis una formación que se ha mantenido estable desde la salida del cantante y el batería en vuestra primera demo. ¿Crees que el hecho de mantener esa misma formación prácticamente desde el principio ha sido la clave para entender vuestra evolución y vuestro sonido, e incluso vuestro éxito? G: Yo creo que sí, que es clave. A parte de llevar tanto tiempo juntos es que somos amigos, incluso familia. El bajista es mi hermano y el batería y el guitarra, somos amigos desde los trece años. Ctrl: ¿Y no os cansáis? Yo es que a veces estoy con mis amigos y cuando llevo mucho rato ya empiezo a estar harto (risas)

“SI EL THRASH METAL ESTÁ EN AUGE EN ESPAÑA ES GRACIAS A ANGELUS APATRIDA EN UN 99%, PORQUE NOSOTROS EMPEZAMOS CUANDO NADIE HACÍA ESTE ESTILO DE MÚSICA, NADIE APOSTABA POR ESTO, NADIE QUERÍA CANTAR EN INGLÉS EN ESTE PAÍS” G: Afortunadamente cada uno está en su casa con su pareja... (risas)

Ctrl: ¿Te costó sentirte cómodo usando el inglés para componer? ¿Componer en un idioma que no es el tuyo te obligó a hacer algún esfuerzo para adaptarte o fue algo más natural?

Ctrl: O sea que sólo compartís tiempo cuando tocáis, ensayáis o componéis...

G: Para nada, me es más sencillo componer letras en inglés, hacerlo en castellano me haría sentir ridículo.

Ctrl: ¿Has leído la página de la wikipedia sobre vuestro grupo?

Ctrl: De todos modos, ¿has pensado en algún momento “hóstia, voy a componer un tema en castellano por ver como suena”? G: Para nada. Es una cuestión de gustos. Es como si un día me dijeras “algún día compondré una canción con una base electrónica”. No tío, no me mola nada la electrónica (risas). Algún día por frikismo, o porque Century Media nos diga que hay que hacer un tema en castellano sí o sí, se haría, pero por amor propio no. Me gusta el cas34 CtrlRock

G: Obviamente, y cuando salimos de fiesta juntos.

G: Alguna vez. Ctrl: Ahí se ha bautizado el surgimiento de las recientes bandas de thrash estatal como “New Wave Of Spanish Thrash Metal”. ¿Tú crees que realmente se puede decir que existe eso? G: Para nada. De hecho lo de “New Wave Of Spanish Thrash Metal” lo empezamos a decir nosotros en nuestro Myspace hace bastantes años, precisamente para criticar eso. Como decías antes, mucha gente que a lo mejor empieza a

criticar a Angelus Apatrida simplemente porque empiezan a ser famosos y a decir “¿Y por qué mi grupo no?”, “¿Y por qué nuestro grupo no triunfa si somos más auténticos?”. Pues chico, porque tu grupo es una puta mierda (risas) Lo mejor que puede pasar con Angelus Apatrida es que ayude a que la gente a escuche más grupos de este estilo, que discográficas extranjeras se fijen en más grupos de nuestro país, y directamente lo que pasa es que empezamos a tirarnos piedras en la cabeza y a atacar a Angelus Apatrida por esto... No hay ninguna ola, lo pusimos por eso, para avisar, y algunos se lo empezaron a tomar en serio. No hay nada de eso.

Ctrl: ¿Qué importancia le das al papel que juega el directo en Angelus Apatrida?

Ctrl: Entiendo, de todos modos hay movimiento de bandas, parece que ahora hay cierta atención al género ¿Dónde crees que ahora mismo que se puede situar el epicentro de todo esto?

Ctrl: Imagino que después de varias semanas actuando esto también tiene que quemar un poco, o cansar por lo menos...

G: No sé, lo veo un poco generalizado. No veo un foco claro. Ctrl: Sé que es una pregunta un poco jodida, supongo que tienes que conocer muy, muy bien el tema, el nombre de decenas de bandas... G: Si, es que es eso, no las conozco a todas. Tampoco soy un fanático del thrash metal, escucho muchos estilos diferentes. Si que te puedo decir que en Cataluña siempre se ha visto más movimiento, una escena un poco más adelantada que el resto de España... The Eyes, Crysys (nota: ahora son Crisix), Agression... pero bueno, salen por todos lados. Fíjate, la más importante ha salido de Albacete (risas)

G: Toda la importancia del mundo... Ctrl: ¿Más que incluso los discos? G: Si, si. Cualquiera puede hacer un buen disco en el estudio hoy en día con la tecnología que existe. Puedes hacer unas baterías de la hóstia sin haberlas tocado, te puedes poner un programa que disimule tus gallos, te entone... puedes hacer maravillas en el estudio, pero luego tienes que defenderlo en directo...

G: No, no, que va. Siempre nos ha pasado que cuanto más tocamos, más ganas tenemos. Y cuando se acaban las giras de mucho tiempo siempre hay un momento de bajón... Ctrl: ¿Y qué sucede cuando llegas a casa después de, por ejemplo, dos meses tocando y piensas “mañana no tengo que tocar”? G: Nada, es nuestro trabajo. El día que no haya que tocar nunca más, ese día será jodido (risas). No, no cansa nunca esto, no te puedes cansar. También depende de como lo plantees, es obvio que no puedes estar todo el día de conciertos, hay que descansar, pero es nuestro trabajo, hay que hacerlo lo mejor posible y hay que ir al 100% siempre.

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ENTREVISTA

AINARA LEGARDON

LÜGER TEXTO: JSERGI TOMSEN FOTO: ARCHIVO

as dos primeras preguntas de esta entrevista fueron inevitables. Al llamar a Dani me comentó que iba a cerrar un momento la tienda antes de empezar. Al otro lado del teléfono estaba yo cambiando media hora de desayuno en mi trabajo por una entrevista, pero ahí se acaban nuestras similitudes. Ambos currantes, sí, pero mientras uno se dedica a intentar juntar letras con algo de sentido, el otro pone voz, líneas de bajo y suntuosas melodías de sitar en uno de los grupos más refrescantes y alucinantes que han salido de la capital: Lüger. Los madrileños vuelven al ruedo con un nuevo disco cuando aún nos dura la resaca del tremendísimo debut editado el año pasado, y decidimos que estaría bien poder hacerles alguna pregunta sobre ‘Concrete Light’ y sobre su pequeña gira por Estados Unidos. Aquí tenéis el resultado, eso sí, me he ahorrado el anotar las tres veces que me llamaron por cuestiones laborales durante la realización de la entrevista.

Ctrl Rock Mag: Por curiosidad, ¿tenéis todos trabajo fuera de la música? Dani: Todos trabajamos y todos empleamos nuestro tiempo libre en la banda. Y ojalá llegue el día en el que podamos decir que vivimos de la música. Ctrl: ¿Y el hecho de que tengáis que ir combinando el trabajo con el grupo, el tener que organizaros para poder tocar y grabar en vuestros ratos libres, os obliga a buscar algún tipo de motivación extra para salir adelante en algún momento? D: A nosotros lo que más nos gusta es ensayar y tocar. Nos gusta quedar los cinco juntos y componer los temas entre todos, que pocos grupos verás que tengan cinco miembros componiendo a la vez. Cogemos una idea o un ritmo, un riff, lo desarrollamos... y ya te digo, estamos contentos así, yendo a ensayar y a tocar todo lo que podemos. Queremos que los cinco cuando vayamos a grabar salgamos satisfechos con el resultado y poder decir que vale la pena. Ctrl: Justo ahora acabáis de empezar la promoción del nuevo disco... D: Si, justo ahora hemos lanzado la descarga digital, esta semana toca presentarlo y hablar de el, claro... 36 CtrlRock

Ctrl: Además la descarga la lanzasteis en directo desde el programa dónde ibais a actuar en acústico (nota: Hoy Empieza Todo de Radio 3). D: Eso es, ahí en directo, en el programa de radio... Ctrl: Lo escuché y me quedo con el detalle, que alguien dijo ‘acústico los cojones’ (risas) D: Normalmente nosotros no hacemos muchos acústicos, somos más eléctricos, y bueno, hicimos un set un poco así entremedias, pero sin dejar de ser un poco lo que somos nosotros en directo. Ctrl: Ahora que ya he escuchado Concrete Light al menos un par de veces, si que veo que suena un poco más abstracto que el debut, más oscuro y psicodélico... D: Está claro, hay un cambio en la formación cuando se marcha Diego (guitarra y voz), entra Edu y paso yo a cantar. Ahí ya hay una diferencia, una persona diferente cantando y otra tocando la guitarra. Si que puede ser un poco menos pop o menos rock, o más space. El estilo de Edu es totalmente diferente tocando y eso influye.

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Ctrl: Yo incluso diría que es algo menos inmediato. En el primero teníais algún tema más o menos estándar que ayudaba a entrar en vuestro sonido... D: Sí, no está ese factor de las estructuras más accesibles como en ‘Why Should I Care”. Supongo que ahora en el momento de componer nos vamos hacia otro lado más concreto, distinto. Ctrl: Esta vez también habéis decidido lanzarlo a través de Bandcamp. ¿Seguís usando esa plataforma porque consideráis que es una buena forma de distribuir vuestra música? D: Hombre, no nos vamos a ganar la vida vendiendo discos. Lo que queremos es llegar al máximo de gente posible. La edición de Concrete Light será en cd, en vinilo, y con descarga digital. La gente puede donar lo que quiera antes de descargarlo, y si no quiere donar nada tampoco pasa nada, se puede hacer gratuitamente. Ctrl: Y si no lo quisieran pagar, ya se buscarían la vida para no hacerlo. D: Lo importante es eso, que es una plataforma buena para llegar a cantidad de gente, que lo puedan escuchar incluso sin descargarlo si les va mejor. Creo que es una buena fórmula, tanto como para llegar a más gente como incluso para hacer más conciertos. Ctrl: ¿Y por qué esta vez os habéis decidido a editarlo también en cd? El primero sólo lo editasteis en vinilo. D: Es un paso más. Seguimos subiendo escalones, hay gente que no utiliza vinilo, queremos llegar a esa gente que no pudo comprar el disco por no usar el formato. Ctrl: El vinilo también era un poco vuestra seña de identidad en ese aspecto, ¿no? D: El vinilo sigue ahí, de hecho las 200 primeras copias van a ser con un vinilo blanco especial. También hemos reeditado el primer disco después de agotar la primera tirada, con una portada distinta para que se diferencie de la primera edición. Ctrl: En un principio cuando hablamos con vosotros inicialmente para esta entrevista queríamos que nos hablarais de vuestra visita al SXSW en Texas. ¿Qué tal la experiencia de tocar en un festival como este tan disperso, dónde hay tanta variedad de grupos? (nota: la participación estatal se completó con Mujeres y Guadalupe Plata) 38 CtrlRock

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D: En general la gira americana, desde que empezamos en Nueva York hasta que tocamos en Austin al final de la gira, creo que bastante bien. El público americano nos recibió bien, aunque imagino que tampoco les pillábamos por sorpresa. Aún así eran bastante agradecidos con lo que hacíamos, la verdad. Estar veinte días girando por ahí te permite ver muchas cosas, había días en los que nos venía a ver bastante gente y días que menos, pero en general creo que fue una experiencia bastante buena. Ctrl: ¿Cómo llegasteis a cerrar una pequeña gira por USA? D: El caso es que a nosotros nos invitaron al SXSW y entendíamos que ir cuatro días a Estados Unidos no nos salía a cuenta para hacer tres o cuatro conciertos únicamente en Austin. Entonces decidimos montar la gira desde Nueva York y hacernos por nuestra cuenta la costa este. Edu se movió mucho aprovechando que con Giradiscos (nota: sello de Lüger y promotora de conciertos) se había traído a varias bandas de ahí y que tenía algunos contactos. A raíz de eso empezamos a montar la gira para luego poder terminarla en Austin. Fue un trabajo de Edu casi todo, la verdad. El resto le ayudamos, pero el trabajo gordo se lo llevó él. Ctrl: Esta es un poco una pregunta obligada: ¿Apreciáis algún tipo de diferencia entre lo que es el público estadounidense y el de aquí? D: Pues hombre, como decirte... Aquí suele venir a vernos gente bastante joven, en cambio ahí recuerdo que un día que tocamos en Austin, un concierto que pertenecía al ciclo del festival en un restaurante italiano, había gente bastante mayor. Ahí no les extrañan este tipo de grupos, hay otra cultura musical desde hace mogollón de años y es un país que ha producido todo tipo de música, ya sabes. No se sorprendían por lo que hacíamos, aunque sí les sorprendía que un grupo de un país como el nuestro llegase hasta ahí, por eso también valoraban que viniéramos de tan lejos para tocar. Ctrl: ¿Consideras que en cierto modo que el público de aquí no suele valorar demasiado lo que tiene de puertas adentro? D: Un poco sí que puede ser, pero también es verdad que aquí se funciona de otra manera. Ahí tocabas con cuatro grupos, llegaba el primero, montaba, tocaba, salía rápido, llegabas tu, montabas tu equipo, lo chequeabas y empezabas a tocar. Era todo como muy directo, incluso nuestros conciertos eran bastante cortos y no nos dejaban tocar más de 40 minutos. Tienen a multi-

tud de bandas, está todo como más normalizado, estandarizado, es más directo, supongo que están como más acostumbrados a ver a las bandas trabajar y verlo todo de un modo más profesional. Aquí tienes que ir el mismo día a hacer la prueba de sonido y demás, te lo tomas de otro modo y no con ese concepto. Ctrl: También habéis tocado recientemente en el Primavera Sound. ¿Qué tal la experiencia? D: Salimos muy contentos. Tocamos a una hora bastante buena, el jueves, como a las tres menos cuarto de la madrugada. Coincidía con Flaming Lips y tuvimos bastante buena aceptación, parece que la gente se lo pasó bien. De hecho un poco sorprendidos en el fondo de ver a la gente disfrutarlo tanto, así que bueno, fue una experiencia muy buena, la verdad. Ctrl: ¿Qué planes hay ahora después de esto? D: Mañana tocamos en Sevilla, tocaremos en el Día de la Música, el Low Cost, el Sonorama...y luego queremos empezar la gira de Concrete Light a finales de septiembre...

Ctrl: ¿Pero no lo estáis presentando ya? D: Si, claro. Pero ahora estamos tocando básicamente en festivales, a partir de septiembre será una gira de salas. Ctrl: Parece que la cosa va funcionando, ¿no? Me refiero a que aunque no podáis sobrevivir en base a las ventas, en este aspecto las cosas parece que van saliendo... D: Nosotros lo que queremos es tocar, y cuanto más toquemos, mejor. Da igual dónde sea. Esa es la base del grupo, no hay otra historia más. Llegar al máximo de gente posible y los festivales son una buena plataforma para acercarte a gente que no te ha escuchado. Es un buen escaparate, los festivales están para eso. Ctrl: Hasta que el cuerpo aguante. D: ¡Exacto! Si luego viene a vernos y les gustamos, pues mejor que mejor, pero también es importante hacer lo que a nosotros nos gusta y hacer los discos como a nosotros nos gusta. Ctrl: En varias entrevistas a otros medios siempre se tiende a definiros como kraut rock y psicodelia. Leyendo vuestras resCtrlRock 39

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puestas da la sensación de que no desdeñáis estas etiquetas pero sí que intentáis desmarcaros de ellas. D: Es que no sólo escuchamos kraut. Está claro que nos gusta y que tenemos la influencia de esa música alemana surgida a finales de los 60, principios de los 70, pero no jugamos únicamente con el kraut. También jugamos con la psicodelia, jugamos con un montón de sonidos dentro de todo ese campo. Luego ya la gente tiene que encasillarte, pero está claro que nos gustan un montón de cosas y ahí están reflejadas. Ctrl: ¿Y no os perjudica en cierto modo el etiquetado a la hora de dar a conocer vuestra música a gente que no sepan quienes sois ni vosotros ni vuestras influencias? ¿No crees que dos únicas palabras para definir un grupo a veces es contraproducente? D: Está claro que nos limita, es más fácil que le entremos a alguien que le gusten esas etiquetas de antemano, pero a nosotros nos da un poco

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igual. Las etiquetas tienen que estar ahí, son un mal necesario. Tienen que estar ahí para poder crear expectación o curiosidad en alguien, para que un día alguien lea algo sobre el tema, se interese y diga “vamos a probar esto”. Ctrl: Otra de las cosas que me hacen cierta gracia es que se os suele preguntar a menudo por las drogas debido al estilo que practicáis. Vuestra respuesta invariablemente es la misma: Ni tomáis drogas, ni las consideráis necesarias para componer o escuchar música. D: Es el mito de siempre, el mito de la subcultura de los 60 y esas historias. Está ahí. Las drogas las puedes utilizar si quieres, y si no, pues no las utilizas y ya está. Supongo que a veces se habla de ello más por el morbo que por otra cosa. Para escuchar componer según qué tipo de música no es necesario, a veces basta con tener cierta sensibilidad y la mente abierta para llegar a algún punto.

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ENTREVISTA

VETUSTA MORLA

vetusta morla TEXTO: ELENA MERIN

FOTO: ÁLVARO LEÓN

a lenta pero firme trayectoria de Vestusta Morla los llevó al reconocimiento musical como el nuevo fenómeno indie auto gestionado en 2008. Hasta Patxi López no se cansó de repetir que eran su banda favorita. Tras ese inesperado éxito, Vetusta Morla vuelven con Mapas para mostrar que no fueron flor de un día. Ctrol Rock habla con Álvaro Baglietto, bajista del grupo, sobre los retos, presiones y presentación de ese difícil segundo disco tras un éxito como el de Un día en el mundo.

Ctrl: Felicitaros por vuestro arranque de gira con 4 sold-outs en Barcelona. ¿Esperabais un inicio tan arrollador? Álvaro: Muchas gracias. La verdad es que no nos los esperábamos. Fuimos poniendo entradas a la venta para los conciertos del martes, jueves, viernes y sábado a medida que se iban agotando. Si se hubieran vendido todas las cuatro fechas hubiéramos puesto el domingo también (risas). Ctrl: El primer concierto en la sala Bikini de Barcelona fue todo un éxito Álvaro: A mí me encantó el concierto de Bikini, me lo pasé muy bien. Había buen ambiente, la sala sonaba bien… Nosotros somos un grupo al que nos gustan mucho las salas. Bikini, por ejemplo, es una sala muy chula porque tiene un aforo que no acaba de ser demasiado grande y en el que se puede vivir bastante familiarmente todo el repertorio Ctrl: Este arranque es una muestra de lo esperado que era vuestro segundo disco. ¿Os habéis sentido muy presionados por las expectativas? Álvaro: No mucho, la verdad. Estuvimos un año fuera de los medios y durante ese año nos centramos en el nuevo disco, por lo que sinceramente se nos había olvidado toda la repercusión conseguida con Un día en el mundo. Tú vives tu día a día, desayunas tostadas igual que todo el mundo y no te das cuenta de que hay mucha gente detrás esperando. Sí que es verdad que existe Facebook y otras redes sociales que te permiten recibir algún mensaje, pero durante todo este año hemos estado muy tranquilos. Además, los fans ya sabían que estábamos haciendo canciones y más que presionarnos de vez en cuando nos animaban. Posteriormente, cuando ya decidimos publicar el Mapas en Internet el día 3 de mayo sí que nos

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ENTREVISTA

dimos realmente cuenta de las muchas personas que hay detrás de Vetusta Morla, con muchos sentimientos y muchas emociones. Ahí es cuando realmente te das cuenta de la magnitud que tienes. Ctrl: ¿Cuál fue la respuesta en Internet cuando publicasteis vuestro disco semanas antes de que llegara a las tiendas? Álvaro: Pese a tener algunos problemas técnicos el primer día, nos dijeron que habíamos tenido más de 51.000 visitas. Yo no sé si son muchas o no, pero desde luego a mi me lo parecen (risas). Nosotros nos sentimos muy queridos y muy felices de haber sacado Mapas. Estamos orgullosos de cómo está el disco y de que la gente que quiera escucharlo puede hacerlo directamente desde nuestra casa en la red. Nos parece muy bonito. Ctrl: ¿Cómo definiríais Mapas? Álvaro: Para nosotros son 12 canciones que forman parte de un mapa de todo lo que nos ha ocurrido hasta el momento presente que lo hemos compuesto: las vivencias que hemos tenido, las emociones que hemos compartido juntos, etc. Es un disco que habla mucho del presente, de las cosas cotidianas, y bueno, ahí hemos dejado dos historias. Creo que es el momento de que vosotros opinéis más que nosotros decir lo que nos parece. Ctrl: Este disco lo habéis compuesto durante un año, ¿como ha sido este proceso de composición? Álvaro: Tras acabar la larga gira de Un día en el mundo nos dimos unas pequeñas vacaciones. Después nos volvimos a juntar en el local y empezamos a sacar ideas sin filtros, lo que saliese. No teníamos ningún reto personal, no queríamos hacer nada especial, simplemente ir sacando canciones. Al final de este proceso teníamos algo más de 30 canciones y con la ayuda de nuestro productor fuimos seleccionando las que más nos gustaban hasta quedarnos con 12. Se han quedado un montón de canciones ahí en nuestro corazón y que esperamos compartirlas en un futuro o no, nunca se sabe lo que pasará

VETUSTA MORLA

Ctrl: El resultado es quizás menos nostálgico que Un día en el mundo ¿Qué opinas? Álvaro: Sí, por lo que te he comentado. Hemos hecho un disco que quizás aprende a vivir con el presente y en el que nos estamos pensando qué va a ser de nosotros, cómo arreglar el futuro, cómo no arrepentirse del pasado. Este álbum acepta el presente y saca lo bueno que también tiene el presente. No es un disco pesimista para nada, ni tampoco nostálgico. Ctrl: Durante la grabación del disco decidisteis grabar juntos al mismo tiempo. ¿Que es lo que queríais conseguir grabando así? Álvaro: Grabando así lo que conseguimos es nuestro reto: sonar directos. Somos una banda que hemos crecido en el escenario, y que es en el escenario es donde nos hemos ganado a un público maravilloso. Toda la importancia está sobre el escenario. A la hora de grabar un nuevo disco gustaría asomarnos un poquito a lo que pasa cuando hacemos un concierto en directo. Por eso, grabando todos juntos se consigue un poco más la viveza del directo. No queríamos ir

“SEGUIMOS CON UNA MANERA DE TRABAJAR INDEPENDIENTE Y AUTO GESTIONADA”

Ctrl: Con Mapas también seguís apostando por un modelo auto-gestionado a partir de vuestro propio sello Pequeño Salto Mortal. ¿Por qué seguir con esta autogestión? Álvaro: Nosotros somos una discográfica. Con Un día en el mundo tuvimos que dar de alta ese nombre y esta función empresarial sin ningunas ganas, pero lo hicimos porque teníamos que hacerlo. No somos empresarios, no tenemos ni idea. Hacemos lo que podemos y a veces no lo hacemos bien porque a veces estamos más centrados en la música que en esto. Y como hasta ahora nos ha ido bien no hemos llamado a ninguna puerta para pedir ofertas discográficas. Tampoco nos han llamado ellos, sinceramente. En los medios nos suelen preguntar si las discográficas han contactado con nosotros, si hemos rechazado alguna oferta y tal, pero no ha sido el caso. Así que seguimos con una manera de trabajar independiente y autogestionada. Ctrl: ¿Creéis es el modelo a seguir por las nuevas bandas?

Álvaro: Es un modelo más que es real y está ahí… Con la repercusión que está teniendo Vetusta Morla ojalá que sirva para que muchas bandas se lo planteen. Si tu tienes un grupo y empiezas a tocar realmente tu te autogestionas: te grabas tu maqueta, la cuelgas en Internet y eso es autogestión independiente en estado puro. Eso lo hemos hechos todos. Lo que pasa es que cuando vas teniendo repercusión sí que es cierto que perdura un concepto un poco arcaico de pensar que una discográfica te va a fichar . “Fichar” es una palabra que todos los grupos esperan que algún AR te diga. Pero hoy en día, eso no pasa tan a menudo. Entonces empiezas en la autogestión y, si tienes la suerte que hemos tenido nosotros, puedes seguir con ella porque el público te apoya. Ojalá esto sirva para que más grupos se lo planteen. Ctrl: Y todo este proceso de componer, tocar, gestionaros, ¿no os desgasta a medida que vais siendo más conocidos? Álvaro : Lo cierto es que nos desgasta bastante. Porque además tenemos muchas ganas de que todo salga bien, tenemos mucho interés, somos muy autocríticos, nos juzgamos mucho los unos a los otros, nos decimos las cosas malas, y todo con

cortando y pegando… No queríamos hacer eso. Queríamos hacer que fuesen tomas únicas, fotografías instantáneas de ese momento en directo. También hemos querido hacerlo a la vez de grabar en analógico y en cinta porque te permite tener una textura de sonido mucha más real, con más grano, menos digital. Y el resultado es un sonido mucho más rico. Realmente hablando de texturas y de personalidad de sonido, se escucha más la cinta pero bueno, a los que somos más melómanos no gusta mucho esa sensación de que está pasando algo ahí cuando estás escuchando porque realmente el músico ha tocado ahí (risas).

Ctrl: ¿Durante todo este proceso habéis experimentado con nuevos sonidos?

Ctrl: ¿Y en el futuro no os gustaría hacer un disco en directo? Por esto mismo que comentabas de poder capturar vuestro sonido en vivo.

Álvaro: Sí, hemos añadido muchas sonoridades nuevas aprovechando que teníamos un equipo nuevo con el que puedes conseguir más texturas. Hemos pretendido no hacer una copia de Un día en el mundo, olvidándonos de todo para seguir avanzando.

Álvaro: Pues igual sí, la verdad. Tenemos un montón de grabaciones en vídeo y en audio y lo cierto es que el directo es un mundo muy bonito… Pero es que también es muy bonito el mundo del estudio. Son dos mundos muy diferentes. En el estudio te permite jugar con otras riquezas ar-

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mónicas y sónicas y nos lo pasamos muy bien en el estudio. Pero sí, en el futuro podría haber un disco en directo.

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ENTREVISTA

el afán de mejorar. Yo siempre digo que si lo has intentado hacer lo mejor posible, tampoco puedes flagelarte mucho más. Se podía hacer mejor, pero tu lo has hecho lo mejor que has podido. Nosotros no sólo nos dedicamos a la música, también tenemos que ponerle alguna atención a los otros temas y te engañaría si te dijese que no nos desgasta. Lo que pasa es merece la pena, ya que la autogestión te da libertad para hacerlo como tú quieres. Si no tuviésemos eso, nos faltaría un poco de desahogo para poder sacar el material tal y como lo queremos publicar. Ctrl: ¿Cómo lleváis este éxito tan repentino a nivel personal? Álvaro: Nosotros no nos sentimos un éxito repentino, la verdad. Somos conscientes de que ha dado impresión de esto. Pero claro, hace tantos años ya que en Madrid teníamos mucho éxito y llenábamos las salas y veíamos como en cada concierto venía más gente, coreaba las canciones… Lo hemos vivido de una forma más pausada de lo que mucha gente se imagina. Cierto es que una vez que salió Un día en el mundo hubo ya peldaños más grandes que se iban subiendo, como el hecho de ganar algunos Premios de la Música o conseguir una mayor notoriedad por parte de los medios. Lo hemos vivido de forma muy progresiva. Ctrl: En vuestra gira anterior gira estuvisteis por Argentina y por México. ¿Cómo os fue? ¿Funcionó tan bien el boca-boca como en España? Álvaro: El boca-boca es una manera de funcionar de la sociedad de la información y yo creo que también está pasando eso en Buenos Aires. Lo que pasa es que allí al principio tienes que tocar mucho, hay que tener presencia. Nosotros en Madrid conseguimos un boca a boca al principio, pero a base de tocar. Te pueden hablar de un grupo, pero no te gusta hasta que vas a verles. Una vez que vienes a ver a Vetusta, tomas la decisión de si te gustan o no y de si quieres seguir al grupo. Necesitamos seguir tocando mucho por ahí porque hemos ido de momento dos veces. Ctrl: ¿Tenéis pensada una nueva gira por Latinoamérica? Álvaro: Sí, sí. Tenemos mucha gente pendiente en Latinoamérica. De hecho, hemos empezado esta gira en Argentina aunque no hemos presentado Mapas directamente. Hemos estado primero en Buenos Aires haciendo cuatro conciertos en el Luna Park teloneando a No Te Va A Gustar y también hemos hecho un concierto propio en La Trastienda, un lugar emblemático de Buenos 46 CtrlRock

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Aires. Así que sin duda, nuestro objetivo es tener presencia allí. Nos gustaría volver a visitar Buenos Aires y México D.F. que son un poco los dos enclaves en los que nos estamos moviendo ahora. También tenemos público por otros países… pero habrá que pensar cómo hacemos para ir ya que es mucha inversión. Ctrl: ¿Cómo os ha influido musicalmente girar por Argentina y México? Alguna canción, como por ejemplo ‘Maldita Dulzura’, tiene cierto toque latino. Álvaro: Sí, totalmente. No es una influencia directa para nada, pero suena muy latina la canción. ‘Maldita Dulzura’ tiene un aire maldito de taberna, de tugurio. Yo me imagino una tasca en México, por ejemplo, no sabría de dónde decirte… Pero no ha sido una influencia directa de estar allí, porque de hecho esa canción la compuso Juanma en el 2009, así que es una de las canciones más antiguas del disco y creo que ni siquiera habíamos ido todavía por allí. Escuchamos música muy diferente, de todas las raíces, y al final sale lo que sale. Quizás esta canción también podría ser de Jairo Zabala, también tiene influencias comunes con nosotros en ese rollo fronterizo. Ctrl: Hablando de influencias, ¿Qué es lo último que has escuchado? Álvaro: Ufff…. He estado escuchando como un loco Mapas (risas) para terminarlo, que nos ha costado mucho, porque ha habido que escucharlo muchas veces y darle vueltas. Hemos estado muy sumidos en esto. Ctrl: Tras toda esta evolución, ¿Cuál es vuestro próximo reto como banda? Álvaro: Nosotros ya hemos cumplido con nuestro reto realmente. Cuando empezamos Un día en el mundo y cuando hemos empezado Mapas el reto era el mismo: terminar un buen disco. Es un reto personal, tienes el listón muy alto porque te lo autoeriges y realmente lo queríamos hacer bien. Y hacerlo bien para nosotros era simplemente que cuando hemos acabado, hemos podido decir “me gusta, sí está bien”. A partir de ahora ya no tenemos retos, ahora lo que tenemos es una gira por delante y lo que hay son ganas de disfrutar, ganas de pasarlo bien con el público. Aunque las giras sean muy duras, todo tiene sentido cuando subes al escenario porque allí lo que quieres es compartir las emociones, las ganas, la fuerza y esas ganas que tenemos de vivir la música. El reto es acabar un buen disco y para nosotros ya está conseguido.

CtrlRock 47

DISCO CTRL

86 w /100

Atari Teenage Riot

Is This Hyperreal? Digital Hardcore Recordings (2011)

Frank Turner Disco Ctrl

FOTO DE ARCHIVO

80 /100

Frank Turner

England Keep My Bones Epitaph (2011)

xisten varios factores que intervienen a la hora de conformar la experiencia de beber una mezcla entre malta y lúpulo, la cerveza de toda la vida, obteniendo algo más o menos placentero de lo que en un principio podría resultar. Aquí entran en juego variables como la temperatura de la cerveza en cuestión, el tipo de recipiente que sostiene el líquido, el volumen de la espuma que cubre la cebada debidamente tratada, 48 CtrlRock

el ambiente y la compañía que nos rodea, además de la cantidad de cervezas previamente ingeridas. Si queréis subir el grado satisfactorio de este momento, es muy recomendable que la música de Frank Turner esté sonando en riguroso sonido estereofónico, a todo volumen, pervirtiendo el sistema auditivo de los presentes con las canciones de este cantautor inglés, honesto, conciliador e introspectivo. Frank Turner ha conseguido encajar mejor que nunca sus canciones de ambiente tabernero, con las piezas más maduras del disco, haciendo de England Keep My Bones su trabajo más sólido y completo hasta la fecha, tomando la ideología del punk, el espíritu del folk y la osadía del rock.

El disco arranca a medio gas con una introducción narrando las historias más tenebrosas de Inglaterra en ‘English Curse’, seguido por ‘Eulogy’, donde pone a cada uno en su lugar: “Not everyone grows up to be an astronaut...”, hay canciones donde se cuestiona la existencia de Dios, directo y sin dar muchas vueltas. Tampoco faltan los temas que nunca fallan en sus trabajos, en las que aumentan la distorsión de las guitarras y acelera el pistón, optimista y realista como pocos, ‘I Still Belive’ o ‘If Every I Stray’ son un ejemplo. En la segunda mitad del disco nos encontramos con canciones más lentas como ‘Nights Become Day’ o ‘Rivers’, y posiblemente la mejor pieza del álbum, con un piano acompañando la creciente voz de Frank

bajo el título de ‘Redemption’, “..Springsteen came clear in my headphones with a pertinent question”, “Oh is love really real and can any of us hope for redemption?”. Un disco donde sigue demostrando su potencial para componer grandes letras, catalizador de buen rollo, quizás el trabajo sería redondo con un par de canciones menos que resultan más bien imprescindibles al lado del resto. Aun así, los casi 45 minutos que dura el disco se hacen cortos. Frank cree en el rock ‘n roll, pues alabado sea el Señor Turner. http://www.Frank-turner.com JOEL PANADÉS

85 /100

August Burns Red Leveler Solid State (2011)

iempos convulsos los que estamos viviendo, sin duda. Por fin parece que la gente despierta del letargo del estado del bienestar, disuelto entre desfalcos monetarios, censura en internet y el doble juego de los políticos. Mucho antes de que toda esta agitación estallara, los germanos Atari Teenage Riot ya lanzaban sus incendiarias soflamas anticapitalistas a través de discos que eran cócteles molotov sonoros, bombas de relojería que hacían sangrar y estallar tímpanos. Han pasado once años desde que anunciaron su separación, y un año y medio desde que Alec Empire y Nic Endo decidieran reclutar al Mc CX Ki-

Cuándo un genero esta muerto? ¿Cuándo se sabe que hay que mirar para adelante? Normalmente todo tiene un ciclo, que antes o después llega a su fin. Le paso al hair metal, al grunge y al nu-metal, por decir algunos, pero no, o al menos no todavía, al metalcore, estilo que muchos ya daban por muerto, sobre todo tras el bajón que supuso Kilsswitch Engane, el último disco de Killswitch Engage, uno de sus mayores referentes, pero que gracias a August Burns Red y su Leveler ha vuelto a coger fuerzas. Pero es que Leveler es un disco más importante de lo que uno de primeras pueda pen-

DTRONiK para poner de nuevo en marcha la maquinaria. No están Carl Crack (muerto en 2001 de sobredosis) ni Hanin Elias en la formación, pero eso no ha supuesto impedimento alguno para la gestación de este álbum. Y así como la situación actual para muchas personas está bastante más fastidiada que nunca, es ahora cuando la vigencia de la música de Atari Teenage Riot cobra toda su fuerza y dimensión auténtica. Is This Hyperreal? es la continuación lógica de 60 Second Wipeout, una fiesta desbocada de beats, samplers y una considerable dosis de ruidismo, todo alimentado por las arengas de sus tres miembros, dispuestos a agitar con-

ciencias como mejor se les da. Se nota el bagaje de las aventuras en solitario de Alec en temas más melódicos como ‘Blood In My Eyes’,y se les nota a todos muy cabreados con el sistema, dispuestos a quemarlo desde dentro si hace falta, sobre todo cuando escupen salvajadas como ‘Activate!’, ‘Codebreaker’ o ‘Rearrange Your Synapses’, ejemplos perfectos de puro sonido digital hardcore elevado a la enésima potencia. Los germanos han vuelto arrasando con todo con un disco que literalmente, arde. Comprobadlo.

sar, pues en los escasos 50 minutos que dura la banda norteamericana ha sabido aunar lo mejor del genero y llevarlo más allá, dándole con ello una nueva dimensión. Es decir, que aquí hay de todo, desde temas más cañeros (el quinteto inicial formado por ‘Empire’, ‘Internal Cannon’, ‘Divisions’, ‘Cutting The Ties’ y ‘Pangaea’ es pura dinamita) y otros más calmados (‘Carpe Diem’ y ‘1/16/2011’ funcionan genial como balones de oxigeno), que no hacen sino darle la variedad que los seguidores del mismo llevan reclamando para no darlo ya por muerto. Ojala todo en esta vida supiera renacer tan bien. Desde aquí ya

esperamos con ganas sus fechas del Antidote Tour 2011 junto a A Day To Remember, The Ghost Inside y Living With Lions, donde, al menos para el que escribe, los de Lancaster son lo más atractivo. No esperes hasta noviembre para descubrir el porqué.

http://www.atari-teenage-riot.com/ SERGI TOMSEN

h t t p : / / w w w. a u g u s t burnsred.com JORGE GARRIDO

CtrlRock 49

DISCO CTRL

100

83 /100

Dani Llamas

Minor Epic Red Vanette Music (2011)

n los últimos tiempos hemos visto como muchos artistas, sobre todo dentro del punk y sus géneros cercanos, cogían su guitarra acústica y se embarcaban en giras en solitario por pequeños recintos o grababan temas desenchufados. Pero no todos valen, pues para ello hay que estar hecho de una madera especial, esa que te haga especial y no una simple versión no cañera de ti mismo, como con la que crearon a Dani Llamas, más conocido por ser la voz de GAS Drummers, que no tiene reparos de comenzar y terminar Minor Epic (Red Vanette Music), su segundo

/100

trabajo en solitario, con los dos mejores temas y más sentimentales (‘Hourglass’ y ‘No More Fun’) que ha creado jamás, para así adentrarnos en un mundo, el suyo, más cercano que nunca, pues aunque sus referentes siguen estando fuera, en los Estados Unidos (piensa en un cantautor nacido allí en los últimos 40 años y ya tienes una inspiración suya), es ahora cuando le sentimos a nuestro lado gracias en parte a la cuidada producción de Paco Loco y a las colaboraciones de sus amigos Muni Camón (‘Ectasy’, donde su voces se funden) y Ramón Rodriguez (‘Little Bourgeois’ Blues’, un

cara a cara con un solo vencedor, la certeza de tener a dos genios incomprendidos juntos), pero sobre todo a una calma que nos lleva de viaje por las entrañas de la mente del propio Dani, dejando claro que cuando alguien se abre y deja aflorar sus problemas y penas consigue lo máximo de si mismo (‘Fate And Guns’ o ‘Said And Done’, por decir algunas).

Daylight

Party Assault Autoeditado (2011)

50 CtrlRock

Hisingen Blues Nuclear Blast (2011)

http://www..myspace. com/danillamas JORGE GARRIDO

rock, con temas de aires blues oscuro como ‘No Good Mr. Holden’ o ese espectacular ‘The Siren’, un temazo en toda regla que cierra el disco y en el que podemos escuchar sus dos facetas. Todo en Graveyard parece encajar: la poderosa voz de Joakin Nilson, las guitarras de Jonatham Ramm y una sección rítmica a cargo de Rikard Edlund al bajo y Axel Sjöberg a la batería capaces de llevarnos de un estado de ánimo a otro en cuestión de segundos. No en vano la banda surgió de las cenizas del grupo de doom stoner Norrsken, cuyo otro de sus ex componentes, Magnus Pelander, forma actualmente parte del exitoso grupo de doom Witch-

craft. No es de extrañar que con este espectacular Hisingen Blues estén consiguiendo reconocimiento tanto en Europa como en Estados Unidos, puesto que de publicarse este disco hace unas décadas, ya hubieran triunfado por todo lo alto. Tiempo al tiempo.

aunque aun se mantenían fuertes alcanzaron las cotas de calidad de aquel, con If Not Now, When?, la última, siguen por dicho camino desembarazados de la poca fuerza y garra que aun les quedaba, aquella que facturaba temas 100% redondos, pues como bien se da cuenta uno aquí lo que prima es la voz de Brandon Boyd, que abandona el intento por dar el máximo vocalmente y se pasa a otro registro más melódico (y desconocido) con el que hacer de único hilo conductor. Si te gustan los californianos desde hace mucho tiempo canciones como ‘Promises, Promises’ o ‘Defiance’, su mejor tema, te

sorprenderán, pero no para bien, mientras que quienes aun no conozcan su propuesta esta no le sonará muy distinta a la de Jack Johnson. Si, han cambiado, de ahí que si lo ponemos en su lugar lleguemos a pensar que no es su mejor obra, pero si pensamos en ellos como otra banda, mucho más tranquila y relajada, nos parecerá bastante superior que en la primera escucha, porque como bien dice el titulo: si no es ahora, ¿Cuándo?

http://www.myspace. com/graveyardsongs ELENA MERÍN

75 /100

Graveyard

os encontramos ante uno de esos discos que te cautivan en la primera escucha. Desde los acordes iniciales de la arrolladora ‘Ain’t Fit to Live Here’, los suecos Graveyard muestran su talento para sonar como sus héroes setenteros –Led Zeppelin y Black Sabbath claramente- sin parecer como una copia insulsa y además revitalizando un género y un sonido que a much@s nos sigue sonando a gloria. En Hisingen Blues se mezclan temas enérgicos como la homónima ‘Hisingen Blues’, ‘RSS’ o ‘Buying Truth’, un buen ejemplo de cómo renovar con estilo, sin estridencias, y un tema clásico de hard

n épocas malas, como la que estamos pasando a raíz de la crisis económica que esta azotando medio planeta, muchas veces es complicado sonreír y ser feliz, pero hay que intentarlo para poder así tirar hacia delante y conseguir salir del bache. Para ello muchos se apoyan en la música, ya sea más tristona o vitalista, grupo este último donde se engloban los barceloneses Daylight, banda que nos trae 2 Cool 4 School, su segundo disco de estudio. Si con Party Assault, su obra de debut, nos ponían en la piel de unos colegiales, ahora en su nuevo trabajo

/100

crecen para ir al instituto y por ende a las fiestas que allí se organizan donde tenemos a toda prole habitual: nerds, animadoras, jugadores de futbol americano, estudiantes de intercambio, etc. Porque si algo se saca en claro una vez que termina la acústica ‘My Seventeen’, tema con el que cierran, es que durante las 13 canciones que componen 2 Cool 4 School hemos disfrutado de todos los momentos más memorables de películas de instituto: El veranito, las chicas y sus juergas (‘Summer Season’), los chicos molones (‘2 Cool 4 School’), el futuro de los estudiantes (‘Not In

My Life’), etc. Ya sea mejor o peor da igual, porque aquí lo que importa es disfrutar de la vida. http:// www.daylightband.com JORGE GARRIDO

Incubus

If Not Now, When? Epic (2011)

onforme va uno creciendo sus gustos van cambiando, dejándote de gustar muchos de los grupos de por aquel entonces, aunque no todos, pues algunos, como bien ocurren con Incubus, se resisten a irse. ¿Pero solo escuchas lo antiguo o también lo nuevo? Muchos se quedan en A Crow Left To The Murder, su última gran obra, pues a partir de entonces siguieron por un camino algo tenebroso por no caer del rock mainstream que te hace estar en las listas de ventas. Si con, A Light Grenades, su siguiente parada, que era la continuación de anterior disco, no consiguieron ya la misma pegada, pues

http:// www.enjoyincubus.com JORGE GARRIDO

CtrlRock 51

DISCO CTRL

71 /100

KMFDM

WTF?! Metropolis Records (2011)

84 /100

Lüger

Concrete Light Giradiscos (2011)

52 CtrlRock

DISCO CTRL

onvertidos desde hace mucho tiempo en el juguete personal de Sascha Konietzko, secundado por la incansable Lucia Cifarelli, los llamados ‘padrinos’ del rock industrial sacan a relucir su vena más electrónica (quizás debido a la resaca de aquel disco a medias con Tim Skold editado hace un par de años) con este WTF?!. Espoleados por eventos recientes como todo el affaire de Wikileaks (el primer single, ‘Rebels In Kontrol’, fue lanzado como muestra de apoyo a Julian Assange) KMFDM demuestran que su rebeldía sigue estando tan justificada ahora como lo estaba cuando compusieron temas como ‘A Drug

a primera vez que escuché el debut de Lüger se me quedó el culo bien torcido. Fue como abrir una caja de pandora repleta de peta zetas, luces estroboscópicas y supernovas, o algo similar. Lo acabé colocando en mi trono particular de discos del año a nivel estatal (esas listas que todo el mundo termina haciendo por vicio y egocentrismo), y no fui el único, ya que los medios también terminaron rendidos a sus pies. Con todos los parabienes obtenidos, hemos tenido que esperar más bien poco para poder escuchar nuevo material de los madrileños. Fieles a su estilo, decir que Concrete Light es una continua-

Against War’ o ‘Anarchy’ en la década de los 90. El pequeño bajón compositivo sufrido con Blitz (2009) era, en cierto modo, algo que por estadística se tenía que dar, y es obvio que el factor sorpresa para los conocedores de la banda va a ser nulo a esas alturas. No vamos a encontrar más ‘novedad’ que una agresividad que no se les veía desde Hau Ruck (2005), esta vez hormonada a base de beats y unas programaciones bastante macarras y duras, con unas guitarras cuyas raíces están totalmente hundidas en discos como Xtort (1996) o Symbols (1997). Si WTF?! se sostiene tan bien es porque dan exactamente lo que se espera de

ellos, buenas canciones como el segundo single ‘Krank’ o ‘Panzerfaust’ - un tema que podrían haber firmado a medias tranquilamente con el Trent Reznor de Year Zero-, en definitiva, el alfa y el omega de su sonido, esa combinación entre el arrollamiento sonoro bajo la batuta vocal de Sascha y los sonidos más bailables y melódicos de los temas que canta Lucia. Un cóctel que demuestra, otra vez más, que con los mismos ingredientes de siempre se puede seguir siendo totalmente efectivo y convincente muchos años después.

ción lógica del primer disco sería engañoso y falso. No hay lógica en su sonido ni falta que le hace, demostrado queda. El único vínculo existente entre ambos trabajos es el puente tendido que construye la primera canción, cuya entidad individual destaca sobre las demás de manera notable. A partir de ahí los otros cinco temas que forman este disco se abstraen creando un todo, pierden cierta identidad individual que sí tenían sus primeras composiciones, y tejen un mar de texturas que crecen y evolucionan de manera que da la sensación que escuchas el desarrollo de un ser vivo. Siguen manteniendo todas sus señas de

identidad, el cerebro kraut y el músculo psicodélico, pero el sonido toma matices más oscuros y duros, más abstractos. Ese mismo matiz le resta algo de la inmediatez que tenía el debut, pero a cambio se gana recorrido con las escuchas. Y cuando se logra velocidad de crucero, es una gozada sumergirse en los desarrollos de ‘Shirokovsky Pallasite I’ y su segunda parte, o elevarse con la mística del sitar de ‘Zwischenspiel/Quidquid Latet Apparebit’. Concrete Light es un paso más que expande miles de años luz el sonido de Lüger.

80 /100

Manchester Orchestra

Simple Math Favorite Gentleman Recordings (2011)

http://kmfdm.net

SERGI TOMSEN

http://www.myspace. com/dieluger SERGI TOMSEN

/100

Russian Red Fuerteventura Sony (2011)

ay veces en las que un disco puede terminar significando mucho para una persona, las canciones pueden utilizarse como una especie de restaurador de recuerdos y emociones almacenados en el lóbulo frontal de nuestro cerebro que salen a flote con la identificación de esos sonidos y melodías. Cuando eso ocurre, el grupo que ha logrado crear ese efecto en la persona pasa a ser algo que ese alguien podría llegar a considerar como suyo, de su propiedad. Manchester Orchestra son un grupo que escribe grandes canciones para un numero más bien pequeño de personas, por lo que aparentemente po-

os seguidores del indie pop/folk de este país tienen la costumbre de hacer muy suya la música de este género, y si por algún motivo el artista en cuestión decide dar un salto hacia el gran público, ya sea por motivos de ambición creativa o económica, es posible que su nombre quede excluido de los iPods, reproductores de cds y/o tocadiscos, de quienes antes alababan su música, sin ni siquiera una mera oportunidad de escucha. La capacidad de Lourdes Hernandez para componer canciones es innata, eso quedó demostrado con aquél debut autoeditado lanzado bajo el título de ‘I Love Your Glasses’, que si en algo manca-

drían llegar a abarcar, además, cuando todo parece estar encarrilado para dar el gran salto después de que las semillas empezaran a brotar con Mean Everything to Nothing en 2009, se sacan de la manga su disco más experimental, la pruebas definitiva de que este quinteto de Atlanta hacen música honesta y desde el corazón, por lo que ya va siendo hora de que su nombre ocupe puestos más privilegiados en revistas y carteles del genero. La religión ha sido siempre un tema de influencia en las composiciones de Andy Hull. Simple Math es un disco conceptual escrito desde la perspectiva de un chico de 23 años capaz de cuestionarse

temas como la religión, el matrimonio o el sexo. El disco arranca con la voz de Andy acompañada por poco más que el arpegio de su guitarra en ‘Deer’. Tiene el lado más oscuro y duro en temas como ‘Mighty’ y ‘Virgin’, esta última acompañada por las voces de un coro de niños. ‘Simple Math’ es la joya del disco, la formula capaz de elevarnos como una pluma para devolvernos al suelo con el siguiente tema, casi susurrando, ‘Leave It Alone’ - “Singing songs of my healthiest fears”. Este es un disco para escuchar a solas, con auriculares y si puede ser a oscuras, mejor.

ba, era en los pocos arreglos a nivel de producción y en la escasez del acompañamiento instrumental. El hecho de estar bajo las filas de Sony Music, ha permitido a Russian Red ponerse en las manos de Tony Doogan, y de revote, contar con los chicos de Belle & Sebastian para grabar los instrumentos del disco en el estudio de grabación. Fuerteventura no tiene un single fácilmente divisible como pudo ser en su día ‘Cigarettes’. ‘Everyday Everynight’, ‘The Sun The Trees’, ‘I Hate You But I live You’, todas tienen una alta probabilidad de convertirse en la canción referente del disco. Destacar ‘Tarantino’, con una guita-

rra que le viene como anillo al dedo al título de la canción, y ‘Braver Soldier’, con una de las mejores letras que ha compuesto hasta la fecha. ‘Fuerteventura’ es uno de los pocos apuntes alegres del tracklist en un disco donde abundan los tiempos lentos y la nostalgia. Fuerteventura es un gran disco para momentos reflexivos, personalmente el mejor de Russian Red. Ante todo, que prime la libertad de pensamientos y decisiones, la subjetividad y el respeto, de eso trata la música al fin y al cabo.

http://www.themanchesterorchestra.com JOEL PANADÉS

http://Russianred.es JOEL PANADÉS

CtrlRock 53

DISCO CTRL

/100

N The Human abstract Digital Veil E1 (2011)

/100

o es del todo descabellado pensar que si el inconmensurable compositor Johann Sebastian Bach hubiera nacido en nuestros tiempos en lugar de la Alemania del S. XVII se hubiera metido de cabeza a un grupo de metal progresivo como el que nos ocupa. The Human Abstract tiene ese toque medieval, esa obsesión enrevesada por la técnica en los desarrollos y las escalas imposibles. Facturan un metal moderno pero con la mirada puesta en las estructuras de la música de cámara, lo que les hace merecedores de una gran personalidad. Tras unos inicios arrolladores con aquel

Nocturne de 2007, intentaron hacer madurar su sonido con Midhaven, añadiendo a la fórmula ciertos toques experimentales; algo que les salió bien solo a medias, porque ha tenido que ser con la vuelta del guitarrista y compositor A.J. Minette y la incorporación del ex From First To Last Travis Richter a las voces cuando la jugada les ha quedado redonda. Digital Veil es una verdadera obra de orfebrería, oscura y calculada, donde todas las piezas encajan finalmente a la perfección. Un interludio acústico como ‘Elegiac’ da paso a la sinuosa y efectiva ‘Complex Terms’ y la maquinaria ya no nos da ni un solo respiro lo largo del res-

to del disco. La propia ‘Digital Veil’ nos aturde con sus milimétricas guitarras y un registro vocal a caballo entre gutural y melódico que le sienta como anillo al dedo al nuevo sonido de la banda, lleno de subidas y bajadas engarzadas con talento y buen hacer. Con temas de la talla de ‘Patterns’ o ‘Faust’ (y esos riffs de guitarra tan apabullantes) The Human Abstract firman su mejor y más equilibrado trabajo hasta la fecha, un gran disco con grandes dosis de épica, técnica y emoción.

A Los Strokes nunca les abandonará el fantasma del disco insuperable... Aquel seminal Is This It de 2001 era un album desenfadado e incontestable que apareció en las circunstancias adecuadas, alumbrando aquel revival retro que aún hoy en día sigue dando coletazos... El caso es que, desde aquel entonces, la labor de parir un conjunto de canciones a la altura de aquel debut persigue a los Newyorkinos como una pesadilla recurrente. Este cuarto Angles, además de una terrible portada, nos muestra a un grupo heterogéneo e indeciso. Sólo así se entiende que hayan tardado más de 5 años en parirlo... A lo largo

de sus 10 canciones nos damos cuenta que el haberse convertido en su primer disco democrático (en el que todos los miembros han tenido su peso) significa entre otras cosas que es también su disco más difícil de digerir y complejo de grabar. Las canciones forman dos bandos diferenciados: las enérgicas y pegadizas que nos devuelven a Los Strokes de antaño (‘Machu Pichu’, ‘Undercover of Darkness’, ‘Taken For A Fool’, ‘Gratification’ o ‘Life Is Simple In The Moonlight’); y las más experimentales, en las que salvo alguna honrosa excepción (‘Call Me Back’ o ‘Two Kinds Of Happiness’ con ese deje a The Cars) aca-

ban por naufragar en su propia empanada mental (‘You’re So Right’ o ‘Games’). Al final, Angles supone un pequeño paso al frente para The Strokes, pero aún muestra las carencias de una banda incapaz de sentirse cómoda a lo largo de todo un disco y que pierde y gana fuelle en esa batalla interna con sigo misma en la que se ha convertido su discografía.

The Strokes Angles RCA (2011)

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Goblin XL Recordings/Popstock! (2011)

http://www.myspace. com/thehumanabstract HÉCTOR DELGADO

65 /100

Tyler, The Creator

http://www.thestrokes. com HÉCTOR DELGADO

/100

Ulver

Wars Of The Roses Jester Records (2011)

jeno a todo el revuelo que se esta creando alrededor de Odd Future y sus componentes me enfrenté a Goblin, segundo disco de Tyler The Creator, su líder espiritual, y primero con XL Recordings, que no han perdido la ocasión de llevarse a su lado a una de los artistas que más darán que hablar en los próximos meses, no ya solo dentro del hip-hop. ¿Pero por qué? ¿Realmente merece tanto la pena? Como en todo colectivo que se precie, sobre todo dentro de esta escena, ha de haber un poco de todo, es decir, unos que sean mc’s y otros que se dediquen a producir, dos tareas que realiza a la perfección Tyler, su líder, que con un

a música de Ulver tiene mucho de alquimia, de constante búsqueda de nuevas texturas y sonidos, algo así como un intento de lograr su propia y particular piedra filosofal. El propósito es lo de menos, los noruegos hace mucho, mucho tiempo que siguen un camino que tiene como única guía y luz la experimentación, el ejercicio de probar cosas. Desde que abandonaron el black metal de sus inicios y abrazaran la electrónica como punto de partida para desarrollar sus inquietudes, cada nuevo disco ha supuesto otra bifurcación que abría nuevas vías de exploración. En esta ocasión Wars Of The Roses juega con dos bazas.

alto conocimiento de las nuevas tecnologías se basa en ellas para darle una vuelta de tuerca al rap macarra, ese que muestra abiertamente en unas letras duras (violaciones, asesinatos, etc), dotándole de un toque denso, trabajado y cercano a la electrónica más bizarra (la base de ‘Yonkers’ es hipnótica, o ‘Radicals’, donde nos recuerda al mejor El-P), a la que abraza como un componente más de su diverso pero bien mezclado mejunje, donde también cabe otros estilos como el jazz y el r’nb (el estribillo de ‘She’ a cargo de Frank Ocean, otro de los miembros de OF), que no hacen sino demostrar que se puede abrazar los dos mundos: el callejero,

ese que ha heredado sin querer (su padre le abandonó), y el elitista, a donde quiere llegar, eso si, dando guerra por el camino. Un mc muy talentoso que aspira al máximo pero que peca de joven pues la ambición le puede y hace que no sepa tener medida, como bien demuestra Goblin, un disco notable que con un recorte de un par de temas del final habría conseguido ser sobresaliente, algo que no le debería de desesperar pues si su trayectoria sigue el camino correcto, antes o después lo conseguirá o al menos eso esperamos.

Por una parte hay una lógica continuista con respecto a Shadows Of The Sun (2007), pero por otro lado nos ponen a prueba ya desde ‘February MMX’, desarrollando un tema claramente pop rock dónde prima lo orgánico. Ahí Ulver determinan la base sobre la que luego irán tejiendo sus enmarañadas texturas mezcla de pasajes de aires jazz, trip hop y electrónica, manteniendo ese matiz más melódico, y mezclando pasajes oscuros, fríos, y otros luminosos y cálidos, tal es el caso de la quietud que emana de ‘Island’ y sus sonidos de gaviotas y oleaje de mar en calma. A pesar de esa aparente accesibilidad asociada a la melodía, este si-

gue siendo uno de esos trabajos que necesita que pongamos todo de nuestra parte, que no cerremos las puertas a nada. Si logramos que la música penetre en esos estados de la conciencia que quedan ocultos por la propia realidad, nos embelesaremos cuando Siri Stranger derrame su frágil voz en ‘Providence’ y nos atraparán desarrollos como el de la inquietante ‘England’. Y no nos daremos ni cuenta y estaremos atrapados de nuevo en su extraño y particular universo sonoro.

http://oddfuture.tumblr.com/ JORGE GARRIDO

http://www.myspace. com/ulver1 SERGI TOMSEN

CtrlRock 55

DISCO CTRL

75 /100

Vetusta Morla

Mapas Pequeño Salto Mortal (2011)

72 /100

Willis Drummond Istanteak Bidehuts (2011)

56 CtrlRock

CRÓNICAS CTRLROCK | SECCIÓN

ras casi una década como grupo, el mayor reto de Vetusta Morla se presentaba con este Mapas, su segundo disco tras el inesperado y rápido éxito de Un día el mundo. Para ello, la banda se ha concentrado durante casi un año para crear un disco que sigue en la estela dibujada en su el debut, pero que también marca diferencias respecto a este En Mapas nos encontramos ante unos Vetusta Morla menos introspectivos pese a que la inicial ‘Los días raros’ nos recuerde inevitablemente a ‘Autocrítica’ y a que ‘Baldosas amarillas’ o ‘Canción de vuelta’ sean unos buenos exponentes de ese lado

econozco que llego tarde con Willis Drummond. Desde que escuché por primera vez Istanteak no hago más que flagelarme por no haberles prestado atención antes, y es que a pesar de la fama en directo que gastan (ahí dónde los de Baiona ponen un pie, dicen que no vuelve a crecer la hierba), no ha sido hasta hace poco que les he ‘descubierto’. Y ya es raro que no decidiera darles un tiento conociendo sus influencias de antemano, pero bueno, aquí tenemos dichos para todo, así que más vale tarde que nunca. A lo que es el disco en sí, Istanteak son casi 37 minutos de rock con aires

íntimo que también ha hecho famoso al grupo de Tres Cantos. Pero el principal acierto del disco consiste en haber conseguido una mayor consistencia general del álbum gracias a temas como ‘Lo que te hace grande’, El hombre del saco’ o ‘En el río’, una buena muestra de melodía pop creada con elegancia y que ha sido escogida como primer single por la banda. Con ‘Maldita dulzura’, una pequeña joya del disco, Vetusta se acercan a sonidos melancólicos procedentes de Latinoamérica pero también al uso de bases electrónicas sin que el resultado, por extraña que un principio pueda parecer la combina-

ción, resulte forzado. Ese toque electrónico, también presente en ‘Mi suerte’, es una de las sorpresas de un disco en el que quizás el único “pero” es la falta de algún que otro tema más fresco. Aun y así, Vetusta Morla pueden darse por satisfechos por conseguir demostrar una vez más que su éxito no es fruto de la casualidad.

post-hardcore que conforman un cd bastante heterogéneo, con perfectas balas explosivas que recuerdan a la rabia de los Nirvana más ruideros (‘Hobenduna’) o accesos que recuerdan a otros ilustres como Soundgarden (‘Oino Pixka Bat’). Por su parte, la vena más post-hardcore nace de esos efluvios a Fugazi que que desprenden muchos pasajes y esa tensión inherente al género, algo que termina dando la consistencia del hormigón a su sonido. Es probable que los que les sigan con anterioridad a este trabajo prefieran su vena más directa, menos reposada y más por la vía rápida, de sus prede-

cesores, pero Istanteak tiene la ventaja de que tras dos o tres escuchas empieza a escarbar, poquito a poco, hasta que te percatas de que alguna vez se te escapa el estribillo de ‘Noiz Da Gero?’ sin venir a cuento. Ese equilibrio logrado entre los momentos melódicos y los arrebatos de furia es, para mi, el punto fuerte de un álbum que agradará, sobre todo, a los fans de los sonidos de los 90, y que demuestra una vez más que la escena de rock en euskera goza de una salud y un nivel envidiable.

Dropkick Murphys

29.04.11 Madrid, La Riviera

http://www.vetustamorla.com/ ELENA MERÍN

http://www.myspace. com/willisdrummond SERGI TOMSEN

FOTO @ SARA MALPICA

n un mundo como en el que vivimos poder disfrutar de una banda como Dropkick Murphys dos veces en poco más de un año es todo un lujo, más si cabe cuando tiene su nivel sobre las tablas, de ahí que no nos pudiéramos perder su nueva visita por aquí dentro de la gira de presentación de Going Out In Style, su último disco. Como toda buena banda que se precie, Dropkick Murphys se hicieron de rogar propiciando con ello los ya famosos cánticos, más futboleros que musicales, de ‘Let’s Go Murphys, que antecedieron a la hora y media con la que nos deleitaron la banda más irlandesa de todo Boston. Si aun existía alguna

duda de si realmente sus raíces proceden del país de las gaitas, ellos las despejaron a ritmo de los mejores temas de su última referencia (empezaron con ‘Hang Em High’, y siguieron con otras como ‘The Hardest Mile’ o ‘Going Out In Style’), así como de sus clásicos (‘The Dirty Glass’, ‘Fields Of Anthery’ o ‘The State Of Massachusets’), con los que demostraron que han sabido reconducir fenomenalmente el publico ganado tras aparecer ‘I’m Shipping Up To Boston’ en la banda sonora de Infiltrados, tema con el que cerraron antes de los bises, y a los que habían llegado con lo mejor que saben hacer, o sea a base de cánticos, pogos, muchos bailes, pero sobre todo mucha fuerza, que combinada con sabiduría el

buen hacer de Al Barr y de Ken Casey en el apartado vocal, llevaron a los allí presentes, que casi llenaron La Riviera, al éxtasis místico del punk, que terminó de redondearse una vez volvieron de su paso raudo por el backstage con ‘Kiss Me, I’m Shitfaced’ y una musculosa versión de ‘TNT’ de AC/DC en las que pidieron a las mujeres y a los hombres, respectivamente les acompañaran encima del escenario. Aunque la cosa no acabó ahí, pues quien se hizo el remolón y no se fue de la sala disfruto del mejor cierre posible de la mano de un ‘Boys On The Docks’ a tope de luz. JORGE GARRIDO CtrlRock 57 57 CtrlRock

CRÓNICAS

Avenged Sevenfold

Buckcherry

24.06.11 Madrid, Palacio de Vistalegre

16.06.11 Barcelona, Sala Bikini

o deja de ser llamativo el tirón que tiene Avenged Sevenfold en nuestro país, pues como bien sabemos nuestras juventudes lo dan todo cuando se trata de los Jonas Brothers o los Bisbales de turno, por eso resulta reconfortante saber que también tenemos hordas de muchach@s dispuest@s a uniformarse para la ocasión y apelotonarse en arras del buen metal, aunque sea bajo un sol abrasador. El Palacio de Vistalegre de Madrid pudo haberse llenado más, pero las expectativas de congregación se vieron más que colmadas y el ambiente previo al concierto era inmejorable. De Vita Imana en el papel de teloneros poco podemos decir, pues no llegamos a tiempo más que del final de su show, pero su metal

con tintes tribales apuntó buenas maneras. Avenged Sevenfold aparecieron con un leve retraso y empezaron su enérgico set centrados en su sólida y última obra, Nightmare, provocando una auténtica comunión con un público que coreaba hasta la última sílaba de cada canción, para que luego digan que en España nos flojea el inglés. Ver a A7X sobre un escenario dando lo mejor de si mismos supone una experiencia atronadora, y tanto los duelos de riffs de Synyster Gates y Zack Vengeance como la portentosa garganta de Mr. Shadows ganan muchos enteros en directo. Grandes canciones fueron callendo una a una: ‘Welcome To The Family’, ‘Critical Acclaim’, ‘Buried Alive’, ‘Afterlife’... Una sentidísima ‘So Far Away’ con homenaje incluído al desaparecido batería The Rev y

una espectacular ‘Little Piece Of Heaven’ cerraron la primera hora de concierto. Los bises estuvieron protagonizados de nuevo por la épica y la fuerza, gracias a ‘Unholy Confessions’ y ‘Save Me’, último tema de Nightmare que cerró el concierto con sus 11 minutos de malabarismos de guitarra incluidos, dejando a todos los asistentes con un gran sabor de boca. Solo pudimos lamentar la poca representación de City of Evil, disco del que solo despacharon ‘Bat Country’. Finalmente la calidad de su repertorio acabó proponiendo alternativas que estuvieron a la altura de las expectativas. HÉCTOR DELGADO

La entregada actuación de Tenpel animó al personal y poco tiempo después ya teníamos a los de Los Gatos sobre el escenario, basaron el principio del show en su última e irregular obra, aunque ‘Another Tribe’ y ‘Upon Returning’ se salvan de 58 CtrlRock

Al concierto no asistí sola, si no con una buena amiga italiana fan del grupo desde sus comienzos. Compartir noches con ella siempre es apoteósico pero he de reconocer que aquella fue una noche sin precedente justo en el instante en que el frontman, con una de sus miradas fulminantes, le hizo entrega de uno de sus anillos de cuero negro. Qué mejor recuerdo para llevarse de un bolo que ese…

pesar de lo mucho que llega a eclipsar Josh a sus compañeros, lo impecables que sonaron éstos, sincronizados con su líder en todo momento alcanzando así el equilibrio y compenetración perfectos que muchas bandas ya quisieran adoptar sobre un escenario. Poco más puedo añadir sobre lo vivido, se trató de un show que todo amante del rock en directo debería experimentar. Yo era primeriza y ya sea por las ganas de rockear que tenía ese día o contagiada por el éxtasis del ambiente, salí con muchas ganas de volver a ver pronto a estos rockeros con actitud y que enganchan. MARÍA JOSÉ R.

Dejando a un lado la anécdota de la noche, cabe señalar, a

10.05.11 Madrid, La Pequena Betty

23.06.11 Madrid, Sala Heineken la quema y en directo ganan en intensidad. Posteriormente fueron desgranando un repertorio sólido y original basado en los últimos discos de la banda: The Pariah, The Parrot, The Dilussion y sobre todo el magnánimo Catch Without Arms. Temas como ‘Lightswich’, ‘Information’, ‘Ode To The Sun’, ‘Not That Simple’ o ‘Bug Eyes’ sonaron tremendos en la pequeña sala madrileña y fueron poniendo a tono a grupo y público. Además pudimos disfrutar de unas sólidas guitarras y un auténtico espectáculo malabarista con la labor de Dino Campanella en la batería. Conforme fue acer-

En esta ocasión les tocaba presentar su último disco por lo que había que dejar un hueco para algunos de los temas extraídos

de su último álbum como ‘Dead’ con el que abrieron, ‘It’s A Party’ o el tema que da título ‘All Night Long’. Con lo que no contaba era algo que sucedería al poco de comenzar.

Gira Santa 2011 (Joan Colomo, Esperit! y El Petit De Cal Eril)

Dredg + Tenpel a visita de Dredg a la sala Heiniken de Madrid era esperada por muchos y muchas fans, y es que aunque, seamos sinceros, su último disco Chuckles and Mr. Skeezy ha sido un jarro de agua fría para la gran mayoría de sus seguidores, nadie duda de su calidad y gran repertorio sobre un escenario.

na no se podía imaginar que entre semana se podría disfrutar de una gran noche de Rock’N’Roll. A pesar de eso, el concierto del cuarteto de L.A. se convertiría en una uténtica fiesta de la que pudimos ser testigos los allí presentes, que no dejamos ni por un momento de vibrar en cada una de las piezas que componía su setlist. No faltaron ‘Lit-Up’, ‘Everything’, ‘Next 2 You’, la más coreada de la noche ‘Crazy-B*tch’ , la balada esperada ‘Sorry’ o ‘Borderline’ y Crushed con las que pusieron broche final.

cándose el final del set, llegó el momento de desempolvar otra gran obra como El Cielo, de la que pudimos disfrutar de ‘Whoa Is Me’, ‘The Canyon Behind Her’ y ‘Of The Room’. Salimos del concierto con más de lo que esperábamos en un principio y con la seguridad de haber visto a unos grandes compositores e intérpretes en acción, esperemos que nos vuelvan a dar otros grandes discos a la altura de sus clásicos, porque de sobra sabemos que tienen talento para ello. HÉCTOR DELGADO

a Gira Santa, ese pequeño tour que llevó a Joan Colomo, Mau de Esperit! y Joan de El Petit De Cal Eril por algunos rincones de nuestra geografía, aterrizó en la capital un día difícil, en el que no solo tenía que jugar contra si mismo y el poco conocimiento del evento, sino contra otras propuestas más asentadas, de ahí que no tuvieran todo el publico que se merecían, pues lo suyo fue memorable. Memorable porque, aun a pesar de la poca asistencia, sus ganas de juerga y de fiesta no pararon en ningún momento, pues fuimos testigo de un mano a mano ordenado entre tres amigos que

se iban pasando el testigo de ser quien llevará la voz cantante, tocando así un tema de cada uno cada vez. Una idea que sobre el papel, sobre todo si te atienes al estilo de cada uno (el folk de Joan, el rock raro de Joan Colomo y la “virtuosidad” de Mau), podía parecer rara, pero en vez de ello, hizo más amena la velada, pues con esa mezcolanza y el toque friki de los 3, que les hizo probar ruidos extraños, hacer sonar instrumentos sin tener que tocarlos y conseguir arrancarnos unas risas con sus chascarillos (perdí la cuenta de las veces que Joan dijo que un tema suyo iba sobre la muerte), nos trajeron un concierto de esos que pocas veces se ven, no ya

solo por la dificultad de unir tres nombres como los suyos encima de las tablas de un escenario, sino porque pocas veces alguien se atreve a unir a tres enfermos de la música como ellos, pues te puedes esperar cualquier cosa, para bien o para mal. Aunque en este caso la jugada salio más que redonda. JORGE GARRIDO

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CRÓNICAS

Manel 16.05.11 Madrid, Teatro Lara

l cuarteto barcelonés Manel se presentaba en una noche de lunes en un Teatro Lara en la primera de dos noches en que se colgó el cartel de no hay billetes. Una expectación que en la capital generan pocos grupos del panorama indie, y ningún otro que no cante en castellano o inglés. Nos viene a la cabeza el concierto en familia que dieron, pocos días antes, los estupendos Joan Colomo, El Petit de Cal Eril y Mau de Esperit!

19.04.11 Barcelona, Sala Razzmatazz

NOFX + Teenage Bottle Rocket N

o son pocas las bandas que alaban la actitud y la entrega del público latino y lo cierto es que NOFX llegaron a un Razzmatazz totalmente sold out y convertido en una fiesta punk de aires californianos con muchas crestas, rastas, calor, sudor, buen rollo y Vans entre el público. La fiesta estaba frente al escenario. Con una audiencia tan ultramotivada, todo parece ganado de antemano. El Hefe empezó el concierto con un solo de trompeta para seguidamente dar paso a ‘We Called it America’. A partir de aquí, la banda desgranó sus ya clásicos enérgicos temas de 2 minutos, ampliamente coreados por un público de diversas edades -

tantas como una trayectoria de casi 15 años puede abarcar-, pero también con muchos speeches, versiones e improvisaciones reagge y bromas internas entre canción y canción. Temas como ‘Linoleum’ y ‘Leave it Alone’ del célebre Punk in Drublic o ‘Franco Un-American’ convirtieron Razzmatazz en una pista de crowd surfing, con cervezas voladoras y caras desencajadas de adrenalina. Fat Mike y Eric Melvin, a juego con el pelo azul y con cerveza en mano, se mostraron con una actitud totalmente adolescente, acorde con la de una parte del público y la razón de ser de la banda, pero desfasada respecto a su edad. Lo cierto, es que se echó en fal-

ta una mayor implicación de la banda a la hora de ofrecer un show más directo y con menos interrupciones. Tras apenas una hora y un bis en el que incluyeron ‘The separation of Church and Skate’ de su álbum The War on Errorism o ‘Fuck the kids’, Eric Melvin despidió el concierto con un solo de acordeón de casi 10 minutos – versión de ‘I can’t help falling in love’ de Elvis Presley incluida- mientras el público secaba las camisetas mojadas de sudor. Nadie puede reprochar la profesionalidad de los fans de NOFX. ELENA MERÍN

Desde el principio el público, entregado, mostró que Manel jugaban en casa. Desde la primera canción, la animada ‘El Miquel i l’Olga Retornen’, que arrancó inmediatos aplausos y vítores, hasta el coro final de toda la sala en ‘Deixa-la, Toni, Deixa-

la’. Ambos temas extraídos de su segundo disco, 10 Milles Per Veure Una Bona Armadura, que conformó la mayor parte de la selección de canciones, en que se colaron pocas de su exitoso debut: ‘Pla Quinquennal’, ‘Dona Estrangera’, ‘Ai’, ‘Dolors’ o las coreadas ‘En La Que El Bernat Se’t Troba’ y ‘Al mar!’. El peculiar sentido del humor del tímido y altísimo Guillem Gisbert convenció, supo provocar risas y enlazar cada canción en un todo bien hilado y divertido de principio a fin. Opta el grupo en el directo por subrayar la parte leve y humorística de su música, sobre el tema sentimental que domina su segundo disco. Así, Guillem presentó como miembro del grupo al “cubo”

que ocupaba un lugar central del escenario, y que era en realidad parte de la escenografía de la obra que se representa estos días en el Teatro Lara. En otra broma, hizo protagonizar al batería, Arnau, la primera escena de la película Big, de Tom Hanks. Toda una declaración de pertenencia generacional, y que encaja perfectamente con el tema de las nuevas canciones de Manel: hacerse mayor, hacerse grande. De lo que no hay duda es de que Manel, junto con su audiencia, se han hecho grandes por sus propios méritos, y no sólo en Cataluña. GUILLERMO GARRIDO

Nomeansno 15.04.11 Madrid, Sala Live

magina que tus padres son punks y que se van de gira por medio mundo tocando con su banda. Una definición que le viene que ni pintada a los canadienses Nomeansno, unos veteranos de la escena que llevan dando guerra desde finales de los 70, época en que Jello Biafra los dio a conocer y los llevó a donde están ahora, es decir, a ser una banda de culto, de esas que siempre están ahí para dar guerra, aunque no sea con la fuera suficiente (la edad se nota), como bien se vio en la cita madrileña, donde su poder de convocatoria no fue muy alto. Aunque al menos los que si que estuvimos vivimos una curiosa noche. Digo curiosa porque así es la propuesta de la banda de los hermanos Wright, miembros

fundadores, pues aunque englobada dentro del punk bebe mucho de otros estilos como es el jazz (la batería sincopada es un ejemplo de ello) o el post-hardcore, teniendo así más recursos a la hora de enfrentarse a un bolo y que este no decaiga. El otro aspecto que destaca todo aquel que les conozca o les haya visto en directo es su bis cómica, pues aun a pesar de tener todos más de 50 años, siguen bromeando como si fueran un joven más del publico, arrancando con ello más de una sonrisa y una cara de felicidad entre los presentes, que agradecieron que no fueran el típico grupo aburrido que solo se dedica a tocar, porque claro, alguien que tiene en su cancionario temas

como ‘Angel And Devil’, ‘Theresa, Give Me That Knife (The Love Song)’, ‘Oh, Bruno’ o ‘The River’ no se le puede tachar de lineal y pesado. Una banda que demostró que, aunque quizás no vuelvan pronto, si es que lo hacen, pues sus visitas son cada vez más tardías, siguen dando guerra y demostrando que ya quedan pocas bandas tan puras y tan agradecidas en lo suyo. JORGE GARRIDO

FOTO @ ELENA MERÍN 60 CtrlRock

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CRÓNICAS

CRONICAS

Foo Fighters + The Gaslight Anthem + Dinero

Sober 04.06.11 Barcelona, Sala Bikini

esde que estuvieron en Apolo en 2010, contaba los meses que faltaban para volver a verlos en directo. La espera se hizo más corta de lo que muchos creíamos ya que en Junio estarían presentando Superbia, un disco con el que han regresado a la escena metal de este país. Resurgidos de sus propias cenizas, demostraron ser una banda que continúa defendiéndose muy bien e incluso logra improvisar, de forma magistral, algún que otro fallo de sonido fruto del directo. Esa noche fui testigo de que no era casualidad el buen re-

sultado de ventas conseguido con Superbia desde su salida al mercado. Gran parte del público coreaba los estribillos de los temas escogidos de su último álbum para esa ocasión pero sin duda se dejó la garganta con los temas de siempre. Como muestra de ello, canciones como ‘Superbia’, ‘Tic-Tac’ , ‘La Araña’ ‘Fantasma’ o el acústico precioso de ‘Náufrago’ se acoplaban perfectamente con sus hits ‘La Nube’, ‘Eternidad’, ‘El Hombre de Hielo’ o la retro ‘Cubos’, agradecida por los fans de siempre y con la que hicieron temblar la sala. Este extracto de su set list sirve para resumir lo que

dio de sí su concierto, que , aunque fuera previsible, contuvo momentos espontáneos en los que Carlos Escobedo y los demás componentes de la banda se sinceraron con todos sus fans mostrándose muy emocionados por estar tocando esa noche en la Ciudad Condal y además presentando su última obra. Esperemos que esa emoción les duré mucho tiempo y así tener más oportunidades de disfrutar de su música ya sea en sus discos como encima de un escenario. Los aficionados al metal español lo agradeceremos sin duda. MARÍA JOSÉ R.

The Jim Jones Revue + Schizophrenic Spacers 10.05.11 Barcelona, La (2)

uando Charlie Sheen se inventó una palabra como ‘bi-winning’ y su definición, ‘I win here, I win there’ hizo mucho mal. Y no me refiero a las circunstancias en las cuales la soltó, pasado de rosca y a puntito de rozar la esquizofrenia paranoide (si no está bien metido en ella), no. Me refiero a que ayer la primera palabra que se me vino a la cabeza mientras encima del escenario estaba Jim Jones dando una clase magistral de rock’n roll y aún me duraba el shock provocado por Schizophrenic Spacers, fue precisamente esa, ‘bi-winning’. Es una chorrada, ya lo sé, pero es que con combinaciones como la de ayer uno se siente un triunfador. Bi-triunfador, exactamente. Schizophrenic son un lujo de teloneros una vez superado el impacto visual de los pantalones 62 CtrlRock

de cuadros blancos y negros de su bajista o la camisa psicodélica de su cantante. A pesar de salir con cuatro gatos en la sala supieron calentar el ambiente a base de rock de alto voltaje, puro amor setentero y pizquitas de soul con un espectacular derroche de energía por parte del cantante, impecable en sus labores tanto vocales como de showman. Media hora pero señores, que media hora tan bien aprovechada. En cuanto a The Jim Jones Revue, que ya empiezan a ser habituales por nuestras tierras, son una de esas apuestas que sabes que nunca, nunca te van a decepcionar. En año y medio les he visto tres veces y en cada una de ellas es imposible decir que hayan hecho un mal concierto. Si bien es cierto que flojeó el sonido al principio, y a pesar de que los tres primeros

temas fueron un poco a piñón fijo, poco tardaron los ingleses en incendiar la noche como la casa que adorna la portada de su segundo disco. Quemaron pronto el cartucho de ‘Rock’n Roll Psychosis’, sí, pero se les perdona porque tocando ‘Killin’ Spree’, ‘High Horse’, ‘Elemental’, ‘Burning Your House Down’ o la pantanosa ‘Cement Mixer’ mientras ardían las teclas del piano y volaban los riffs, es imposible no disfrutar. Que pena que vayan tan a degüello que la hora escasa que tocaron pasara en lo que le duran los billetes de 20 dólares al ínclito Charlie Sheen, pero por el resto, nada que reprochar: Rock, rock y más rock. Sin accesorios, sin inventos, simple y llanamente rock. SERGI TOMSEN

06.07.11 Madrid, Palacio de los Deportes Todo el mundo sabía que había ganas de que Foo Fighters volvieran por aquí, pero no que iban a llenar un recinto como el Palacio de los Deportes con tanta antelación y mucho menos con tal ovación, pues en las más de dos horas y media que estuvieron encima del escenario demostraron el porque son la banda de Dave Gorhl y no la del ex-batería de Nirvana, gracias en parte a un frontman que con sus carreras, sus eructos, sus solos, su mascar chicle, su forma de pinchar al publico y ante todo su sonrisa de felicidad dejo claro que a la hora de llenar un escenario tan grande como el que tenía sobre sus pies pocos saben hacerlo como el. El resto del concierto, que no era poco, se basó en un setlist, que aun no siendo todo lo perfecto que podría (no miraron

a su obra de debut en ningún momento) fue bastante más redondo de lo que nos podíamos esperar, algo que unido al tiempo que muchos esperaban verles en directo, hizo que los allí presentes acabarán rendidos ante su poderío, pensando muchos en si era lo mejor que habían visto en directo. ¿Lo fue? No tanto pero casi, pues a los ciertos fallos comprensibles de elección de canciones antes mencionados, hay que añadir que quizá se excedieran en algunas bromas cortando con ellas temas tan clásicos como ‘Monkey Wrench’, decidieran hacer en casi acústico ‘Wheels’ y los primeros compases ‘Time Like These’, en las que cedieron el peso a su líder, que, aunque supo defenderlas, no le dio toda la garra que se esperaba, y que quisieran acabar con un bis enorme en el que la mitad de lo que tocaron sobraba

(cayeron Young Man Blues de Moe Allison y Tie Your Mother de Queen), sobraban. Si se hubieran ceñido a sus canciones, incluyendo todas sus épocas (sonaron muchas del último, como ‘Bridge Burning’, ‘Rope’ o ‘White Limo’), equiparándolo al show de recinto grande el 10 de 10 se lo habrían llevado. Algo que si paso con The Gaslight Anthem, que con un sonido y una fuerza inusitado para un telonero de citas de este tipo así como por temas de la talla de ‘American Slang’, ‘Bring It On’, ‘ The 59 Sound’ o ‘The Backseat’ dejaron claro que nos tenían ganas. De Dinero, los encargados de abrir fuego, mejor no hablamos, pues no pegaban entre tanta electricidad. JORGE GARRIDO

Funeral For A Friend + The Blackout + We Are The Ocean 15.05.11 Madrid, Sala Caracol

Qué tienen en común y a la vez distinto Funeral For A Friend, The Blackout y We Are The Ocean? Que usan dos voces con las que van jugando, ya sea con mayor o menor fortuna, como bien pudimos ver en la cita madrileña de la gira conjunta que les unía a ambas. Si We Are The Ocean y The Blackout no las explotaron todo lo que pudieron, ya sea debido a su juventud (los primeros solo tienen 4 años de carrera) o por su mala elección de los dos registros, que sonaban muy pare-

cidos (los segundos), Funeral For a Friend demostraron todo lo contrario, pues el llevar tanto tiempo en el candelero les ha hecho tener una experiencia que se traduce en un mayor conocimiento del post-hardcore, un genero que se caracteriza en el uso de dos registros totalmente opuestos, uno más melódico y otro más duro. Pero eso no solo les ha hecho ganar sabiduría, si no también encabezar un tour como el que se pasó por la madrileña Sala Caracol, donde tocaron una hora frente a los 30 escasos minutos de sus compa-

ñeros, tiempo más que suficiente para mirar más allá de Welcome Home Armageddon, su última referencia (de esta pudimos oír, entre otras, ‘Front Row Seats To The End Of The World’, ‘Man Alive’ y ‘Spinning Over The Island’), es decir, a canciones de la talla de ‘Roses Of The Dead’, ‘Rookie Of The Year’ o ‘The End Of Nothing’, con las que dejaron claro porque son quienes son. Ya les gustaría a muchos otros estar en su posición. JORGE GARRIDO

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CRÓNICAS

The Dammed Things

14.06.11 Barcelona, Sala Razzmatazz

Paramore + Day Of Rising 11.06.11 Madrid, Palacio de Vistalegre

ace tiempo que veo los conciertos de otra forma a como lo hacía cuando tenía 16/17 años, en su mayor parte debido a la gran cantidad de ellos a los que he ido. Por eso, siempre que puedo, intento evitar ir a bolos como el que tuvo lugar el pasado 11 de Julio en el madrileño Palacio de Vistalegre en el que Paramore eran el principal reclamo, o al menos si de la mayoría, pues parte (no se puede decir todos) paso completamente de la actuación de nuestros queridos Day Of Rising, una banda muy cercana en ideario a la norteamericana, pero que por ser de aquí aun no tiene los fans locos que tienen Hayley Williams y compañía. Lo que vino después era lo que uno se podía esperar: gritos (y más gritos, tanto que se oía más a la gente que a Hayley), calor, apretones y miradas de odio

cuando te intentas poner en un lugar donde poder “disfrutar” del concierto. Algo ya característico de los bolos en los que el público, menor de edad en su mayoría, es considerado un fanático y no un seguidor simplemente. Aun a pesar de ello y todas sus incomodidades quien estuvo aquella tarde de verano pudo disfrutar de un gran concierto a cargo de una banda que debutaba en España, de ahí que se esforzaran en conseguir que los allí presentes se fueran felices. Es verdad que tocando temas como ‘Ignorance’ o ‘Decode’, lo tenían fácil, pero aun así quisieron dejar una sonrisa en cada rostro y para ello se dirigieron en varias ocasiones al respetable, en su mayoría en ingles, aunque también algo, poco eso si, en español, además de deleitarnos con una parte intermedia más tranquila, o sea acústica, en la que tocaron ‘When It

Rains’, ‘Where The Lines Overlap’ y ‘Misguided Ghosts’, y su traca habitual, pues sus mayores seguidores sabíamos que no variaban apenas de setlist, formada por píldoras de la talla de Crushcruscrush’, ‘Monster’ o ‘The Only Exception’, así como su lado más romántico (‘The Only Exception’), el más movido (‘Brick By Boring Brick’) y el mas participofestivo (para ‘Misery Business’ pidieron que subieran dos personas a cantar, para luego inundar la pista de confeti de colores), gracias el cual quedo claro que si algo consigue la banda es inyectarte una dosis extra de felicidad, pues a pesar de los “problemas” que te encontrabas por estar en un concierto del tipo “apasionado” salimos todos contentos. JORGE GARRIDO

Death By Stereo + Never Draw Back + Against The Waves 19.07.11 Madrid, Sala Ritmo y Compás

a noche empezó con la noticia de que Scott Ian, el legendario guitarrista de Anthrax no podría tocar en ninguno de los conciertos previstos para la gira española puesto que había regresado a Estados Unidos para presenciar el nacimiento de su hijo. Sin embargo, la noticia no pareció resultar un varapalo demasiado importante para los fans que se acercaron a ver al supergrupo de metal formado por miembros de Fall Out Boy y Anthrax, entre otros. ‘Ironclast’ abrió una noche en la que los potentes riffs de su FOTO @ ELENA MERÍN 64 CtrlRock

primer disco –también llamado Ironclast - sonaron con fuerza ante una banda que pese a la baja mostró solvencia ante la audiencia. Keith Buckley demostró sus buenas dotes vocales en temas como ‘Friday Night’ o ‘Handbook’ aunque sin duda las estrellas de la noche fueron John Trohman y Rob Caggiano, quiénes no pararon en toda la noche de mostrar su energía y sus tablas sobre el escenario. El metal moderno de Dammed Things siguió con ‘Blackheart’, ‘Little Darling’ y ‘The Blues Havin’ Blues’, an-

tes de atacar con una versión del tema’Fazer’ de Quicksand. Si bien el grupo se mostró muy profesional, lo cierto es que en su paso por Barcelona se echó en falta algo más de espontaneidad por parte de una banda más que sobradamente preparada por la experiencia de la mayoría de sus miembros. Además, sólo tocaron una hora de reloj, una práctica que lamentablemente se está poniendo muy de moda entre las bandas internacionales que nos visitan. ELENA MERÍN

ace unos años, cuando Internet no había explotado, una de las mejores formas de conocer grupos era gracias a recopilatorios de sellos como Fat Wreck (Fat Music) o Epitaph (Punk-O-Rama) con los que descubrimos, entre otros, a como Death By Stereo, una de las bandas más duras, o al menos si más cañeras, de todo el catalogo de Epitaph. Por eso, y por el más que ajustado precio (unos 10 € en Madrid) no nos pudimos perder su vuelta a la capital. Pero antes de poder disfrutar con su directo tuvimos doble ración local. La primera de la mano de Against The Waves que nos trajeron su versión del me-

talcore ingles de bandas como Bring Me The Horizon o Bullet For My Valentine con la que supieron abrir la velada; la segunda, Never Draw Back, con su punk de corte más pop aunque sin llegar al punk-pop, no consiguió llenar el escenario como debían, pues les falto un poco de garra. La cosa habría cambiado si hubieran tocado en otro orden. Una vez acabados, le tocaba el turno a Death By Stereo que ya desde los primeros compases de ‘The Plague’, el tema con el que abrieron, dejaron claro que iban a darnos en la frente con su mezcla de hardcore, punk, metal y algo de rock, sobre todo por un Dan Palmer en estado de

gracia que nos deleitó con su gran técnica con la guitarra. El resto supieron estar a la altura y secundar bastante bien a un Efrem Schulz pasado de rosca y con ganas de fiesta (se bajo un par de veces a cantar con el público), mientras iban cayendo, entre otras, ‘Getting It Off My Chest’, ‘Beyond The Blinders’, ‘Lookin’ Out For #1’ y ‘Wasted Words’ (esta dos últimas incluidas en sendos Punk-O-Rama), así como la benéfica, a la par de dura y rápida, versión que hicieron ‘Modern Man’ de Bad Religion. Sin duda un bolo que sin mucho ruido consiguió auparse como uno de los mejores del verano. JORGE GARRIDO

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CRÓNICAS CRÓNICAS

Neurosis + Karma To Burn 22.07.11 Madrid, Sala Rock Kitchen

Vetusta Morla 10.05.11 Barcelona, Sala Bikini

a expectación se palpaba en una sala Bikini totalmente llena para ver a la banda de Tres Cantos. No hay mejor muestra del revuelo que ha levantado Vetusta Morla que los 4 sold-outs conseguidos en Barcelona a los pocos días de colgar su disco en Internet. Son un extraño fenómeno indie que ha llegado a una parte del gran público gracias al boca oreja y sin promoción de una gran discográfica. Quizás por eso, la banda siga presentándose en directo como un grupo sencillo en su propuesta y próximo al público. Sin muchos artificios y sin muchas más pretensiones que la de presentar las canciones de su nuevo disco Mapas. ‘Días Raros’, también el primer tema del álbum, inauguró una noche en que lógicamente primaron

nuevos temas como una enérgica ‘En El Río’, tema escogido como “single” de Mapas, ‘Boca En La Tierra’. Aunque como era de esperar fueron los temas del aclamado Un día en el mundo los que calentaron al público, primero con ‘Copenhague’ y seguidamente con ‘La Marea’, tema que el grupo abordó con desarrollo instrumental final más eléctrico que en el disco. Pucho se encargó de agradecer en múltiples ocasiones el apoyo a sus seguidores con un más que aceptable acento catalán para sorpresa general. Tras ambos temas, la banda volvió a Mapas con ‘Lo Que Te Hace Grande’, ‘Escudo Humano’ y ‘Canción de Vuelta’, temas que pasaron más desapercibidos por el poco rodaje del disco y porque quizás Mapas carece de temas directos

y energéticos que funciona muy bien en directo como ‘Valiente’, ‘Sálvese Quien Pueda’ o ‘Sharabbey Road’. Como es habitual, la percusión fue la protagonista del escenario con ‘La Cuadratura Del Círculo’, canción que revolucionó al entregado público de Bikini. La calma volvió tras el primer bis con una versión acústica de ‘Pequeño Desastre Animal’ y con más temas nuevos como ‘Mi Suerte’. Tras dos bises y dos horas de concierto, Vetusta Morla pueden decir que sacaron buena nota en “su semana grande en Barcelona” en palabras de Pucho. Con un verano de conciertos a la puertas, veremos cómo se consolida el “fenómeno” Vetusta Morla. ELENA MERÍN

Russian Circles, Boris y Saade 28.06.11 Barcelona, La (2)

ay gente, entre ellos un servidor, que dice que dios no existe y por ende tampoco el diablo, pero tras lo visto el pasado 22 de julio en Madrid con el bolo de Neurosis convendría ir haciéndose a la idea de que algo hay, el que no se sabe, pero algo hay, pues la procesión de metaleros que enfilaron la sala Rock Kitchen no solo iban a disfrutar de una de las bandas más importantes del lado más post del genero, ese que se caracteriza por unas guitarras distorsionadas, unas atmósferas pesadas (muy cercanas en algunos momentos a lo que sonará el día del juicio final) y una voz gutural, la de Scott Kelly, que más que cantar parecía que nos quería llevar al cementerio de cabeza, sino que querían redimirse y encontrarse ya con el futuro que nos espera a muchos, pues lo allí visto bien FOTO @ GUILLERMO GARRIDO 66 CtrlRock

se parecía a lo que los católicos nos auguraban, que no era una versión “maligna” de su religión: predominio del negro en vez del blanco; post-metal salido directamente del averno en vez de música sacramental; y en vez de un Jesús redentor teníamos a un feucho Scott Kelly (le faltaba media dentadura) que se dejo la piel (sudó hasta su guitarra) para liderar a sus Neurosis, con los que gracias a ‘Given To The Rising’, ‘End Of The Harvest’ o ‘Water Is Not Enough’, pero sobre todo al lado más lento de la banda (‘Belief’, ‘A Season In The Sky’ o ‘At The End Of The Road’, entre otras), que fue el que predomino, consiguieron que el público llegara en varios momentos a un éxtasis solo conseguido, al menos la mayoría de las veces, dentro del recinto de la iglesia y no en una sala de conciertos. Junto a todas ellas,

de sobras conocidas, cayeron dos nuevas: ‘At The Well’ y ‘Killing Elk’. Si alguna vez me preguntan a mi, o a cualquiera de las personas que llenaron casi al completo el recinto madrileño, cual es la vez que más cerca he estado de la exaltación divina sin duda le diré que el día en que Neurosis convirtieron una sala madrileña en una sauna, y eso no fue porque el bolo tuviera lugar en julio, sino porque quisieron que no hubiera aire acondicionado, acentuando con ello la experiencia vivida. De Karma To Burn, los teloneros, poco podemos decir, salvo que cumplieron con creces su papel de abrir la velada con su stoner metal de corte rápido, aunque contundente también. JORGE GARRIDO

engo que confesar que nuestros oídos iban predispuestos a escuchar más que nada Russian Circles. Aun así, debido a lo asequible de la entrada y al buen sonido de la sala, no tuve más remedio que acercarme a disfrutar de una buena velada a cargo de bandas provenientes de 3 continentes distintos. Un cóctel bien mezclado con sabor experimental. Y sí, así fue. Los checos Saade, desconocidos hasta la fecha, fueron los encargados de abrir la noche con su potente stoner con el que sonaron persuasivos, a la par de repetitivos y con excesivos bucles. Aun así les darémos más escuchss a su obra de debut. Tras ellos llegarón los de Chicago. Aunque ya habían visitado nuestro país nunca tuvimos oportunidad de verlos en Barcelona, de ahí hubiera muchas

ganas de verles, tantas que la gente salió diciendo que sonaron brutales, fríos, contundentes y que tenían una batería explosiva. Un concierto que fue un recital de momentos magnéticos, o sea un subidón que luego daba a un bajón provisional con el que nos dejaban en vilo esperando impacientes el ritmo hipnótico que siempre viene después, es decir, ese el estallido de metal, post-rock, electrónica y psicodelia que forman los temas de, sobre todo, Station y Geneva, con los que consiguieron hacer retumbar la sala. Pero no solo hubo momentos del pasado pues también nos deleitaron con algún que otro tema de Empros, su próximo disco. Para finalizar tocaron ‘Death Rides a Horse’, con la que nos dejaron abatidos por sentirnos un tanto a medias y querer más del trío americano, pero en definitiva el final perfecto que anunciaba la llegada a continuación de Boris.

Del ciclón nipón nos quedamos con la voz quebradiza y melancólica de Wata, que conecta a la perfección con el resto de componentes, que revolucionarón La (2) desde el primer momento, pues ellos son unos animadores natos, ya que cuando menos te lo esperabas te metían un toque de gong con el que dejarte estupefacto, mientras te seguían perturbando, sobre todo si eres novato con ellos, en sus partes más experimentales, en las que su batería y su guitarra sonaba a lo grande. El pero es que se deberían haber olvidado de las partes más cercanas al pop melódico, que de no termina de cuadrar, aburrieron, pero es que ellos son así.Si solo tocaran sus temas más contundentes y sonarán revolucionaros serían perfectos. Una buena velada de mezcla rítmica para una noche de verano. LAURA ARÍN CtrlRock 67

AGENDA

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Agenda conciertos septiembre 2011 DÍA 1

DÍA 5

DÍA 11

DÍA 18

Hatebreed (Sala El Tren, Granada) Tweak Bird (Sala Nasti, Madrid) MTV Madrid Beach (Madrid Rio, Madrid)

The Flatliners (Sala Edaska, Barakaldo)

South Pop 2011 (Isla Cristina)

In Flames (Sala Razzmatazz, Barcelona)

DÍA 6

DÍA 13

DÍA 19

In Flames (TPC) Madness (Mallorca Rocks Hotel, Mallorca)

Owl City (Sala Ramdall, Madrid)

DÍA 2 Hatebreed (Sala Heineken, Madrid) Sintonitzza Festival 2011 (Santa Coloma de Gramanet) Tweak Bird (Le Bukowski, Donosti) TurboRock! (Santander/Benidorm) MTV Madrid Beach (Madrid Rio, Madrid)

Face To Face (Razzmatazz 2, Barcelona) The Flatliners (Ritmo y Compás, Madrid)

DÍA 7

DÍA 14

DÍA 22

Face To Face (Sala Caracol, Madrid) The Flatliners (Sala Rocksound, Barcelona)

In Flames (TPC, Santiago de Compostela) Madness (Ibiza Rocks Hotel, Ibiza)

BAM 2011 (Barcelona) Millencollin (Sala Apolo, Barcelona) Owl City (La [2], Apolo)

DÍA 8

DÍA 15

DÍA 23

DÍA 3

En Vivo 2011 (Getafe)

Hatebreed (Sala Razzmatazz, Barcelona) Sintonitzza Festival 2011 (Santa Coloma de Gramanet) TurboRock! (Santan-

DÍA 9

Front Line Assembly (Sala Heineken, Madrid)

BAM 2011 (Barcelona) Millencollin (Sala Penélope, Madrid) XVI Aupa Lumbreiras (Tobarra)

der/Benidorm) MTV Madrid Beach (Madrid Rio, Madrid)

DÍA 4 Sintonitzza Festival 2011 (Santa Coloma de Gramanet)

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En Vivo 2011 (Getafe) Rock In Way Festival (Monte do Gozo, Santiago de Compostela)

DÍA 10 En Vivo 2011 (Getafe) Rock In Way Festival (Monte do Gozo, Santiago de Compostela) South Pop 2011 (Isla Cristina)

DÍA 16 Front Line Assembly (The One, Barcelona) In Flames (La Riviera, Madrid)

DÍA 17 Front Line Assembly (Barraca, Valencia) In Flames (Rock Star Live, Barakaldo)

DÍA 24 BAM 2011 (Barcelona) Millencollin (Santana 27, Bilbao) Toundra (Sala Caracol, Madrid) XVI Aupa Lumbreiras (Tobarra)

Vetusta Morla • Lo que te hace grande Angelus Apatrida • Domination Bad Religion • 21st Century Stabbing Westward • Save Yourself Fu Manchu • Mongoose Stan Getz • Desafinado Incubus • In The Company Of Wolves Jack Johnson • To The Sea Jimmy Eat World • The Authority Song Kyuss • One Inch Man Manic Street Preachers • Underdogs Millencolin • Penguins & Polarbears Motion City Soundtrack • Feel Like Rain Rival Schools •Used For Glue The Offspring • Bad Habit Weezer • Hash Pipe Sho-Hai • De Paso Sr. Chinarro • Una Llamada a la Acción Asian Dub Foundation • A New London Eye Muchachito Bombo Infierno • La noche de los gatos

El Columpio Asesino • Perlas Klaxons • Echoes August Burns Red • Empire Frank Turner • I Still Believe Atari Teenage Riot • Blood In My Eyes

Dani Llamas • Hands to Wave Daylight • 2 Cool 4 School KMFDM • Rebels in Control Tyler, The Creator • Her The Strokes • Under Cover Of Darkness Human Abstract • Patterns Manchester Orchestra • I’ve Got Friends Russian Red • Braver Soldier Avenged Sevenfold • Nightmare Buckcherry • Crazy B*tch Dredg • Ode To The Sun Dropkick Murphys • I’m Shipping Up To Boston Foo Fighters • Arlandria Funeral For A Friend • Aftertaste Joan Colomo • Todo Es Tan Jodidamente Relativo Manel • Boomerang Neurosis • The Doorway Nikola Sarcevic • LOCK SPORT KROCK NOFX • Lori Meyers Paramore • Playing God Sober • La Araña The Damned Things • Friday Night (Going Down In Flames)

The Jim Jones Revue • Dishonest John Machine Head • Halo - Explicit Album Version Primus • John The Fisherman

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