MBS XII - Musicos Bandas y Solistas

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celebrating thirty years on the road

EDITORIAL MUSICOS, BANDAS Y SOLISTAS Director: Pablo Gallo info@mbsmusicos.com.ar Asesor General: Ezequiel Ugarte Diseño e Imagen: José Rey josereymac@gmail.com Coordinación General: Lorena Medina Sebastián Medina Corrección: Patricia Pane Fotografía: Nadia Mastromauro Colaboradores: Lara Pellegrini, Martín Gallo, María Luján Martínez, Leonel Acosta, Luciana Mastromauro, Marcelo Acevedo, Dolores Marengo.

Agradecimientos: Vanina Contento, Ana Laura Caterenine, Silvina Rossotti, Dafne.

Estamos atrapados en la palma de una mano, pero en la mano de otro. La estructuración desmedida de la rutina hace que vivamos trabados en una constante nebulosa. El sin sentido que le dicen. Los días pasan bastante igualitos uno del otro.

De repente… un día raro... ojo, es domingo! Y seguimos…

Los días son largos y los años son cortos, decía alguno por ahí… y es verdad.

El hombre unidiminensional de estos tiempos esta sumergido en una dinámica que funciona con un pequeño motor automático. La ilusión que indica que hacemos lo que queremos se funde imperceptiblemente con la realidad. Bob Marley decía que esto se había transformado en una espantosa carrera de ratas en la que cada uno raja para donde puede…

La mayoría de la gente en este mundo vive catapultada en su propia galaxia de quilombos y a la velocidad de la luz.

Es indispensable una vía de escape, urgente.

Los militantes por el derecho al ocio señalaban que el tiempo para la espontaneidad, el hacer por hacer o, simplemente, no hacer absolutamente nada de nada, tendrían que ser principios inalterables.

Tener la posibilidad de desarrollar nuestras percepciones es un barrilete difícil de remontar hoy en día. Y de lograrlo, una excepción a la regla.

En definitiva cada uno hace lo que puede y lo que le sale, pero la realización de cualquier evento que se corra del eje se transforma en un acto de resistencia invalorable, sea colectivo o individual.

Seguramente después aparecerán los censores de siempre, señalando este o aquel defecto, esta o aquella cuestión. “Pirulito transó”, “Fulanito se vendió”. Los enemigos son otros, no el que la viene remando para zafarla, igual que vos.

Se podría pensar que las pequeñas válvulas de escape a la dinámica de la dimensión única pueden estar representadas en pequeños actos de ocio productivo, ese ocio que hace pensar.

Por suerte, muchas veces, tirarse a escuchar música también hace pensar.i

Publicidad: publicidad@mbsmusicos.com.ar Agradecemos la colaboración de las siguientes empresas: Carme S.R.L., DT Music, Intermusica S.A., Medina Artigas S.A., Medina Music S.A., Aleymar, Wenstone, Decoud, Antigua Casa Nuñez, Mundo Music, Zagert, Breyer, Todomusica S.A., PC Midi Center, Daiam, DS Pickups, Music-co, KW. Registros en trámite.

Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la dirección.

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sumARIO

NOVIEMBRE DICIEMBRE | 08 Revista Bimestral de Distribución Gratuita Año 3 Número 12

Mancha de Rolando Sin duda se trata de una de las bandas argentinas con mayor proyección y esto no es casual. A pura convicción han demostrado durante más de 15 años que el trabajo de hormiga tiene sus resultados: seguros, compactos y en constante evolución.

En esta charla reconstruimos con La Mancha los entretelones de un ascenso.

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Once Tiros |36 Editorial

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Escritorio

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Divulgalo

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ExpoMusic 2008 - Brasil

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Tecnología

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Archivalo

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Expresso MBS

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Discos

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Arriba las Bandas

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Productos

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Del otro lado del río: ONCE TIROS representa la nueva generación de músicos uruguayos. Horizontes bien abiertos y la fusión de sonidos diversos -como el rock, el punk o el skaconviven sin prejuicios.

Empresas: DS Pickups |40 Los micrófonos DS PICKUPS son una de las más destacas y modernas producciones de la industria nacional, vinculada a los insumos musicales. Arte y tecnología al servicio del sonido.

Rata Blanca Con disco nuevo en la calle Rata Blanca no deja de producir. El Reino olvidado significa una nueva y auspiciosa etapa de la banda.

En esta entrevista Walter Giardino, guitarrista y corazón de la banda, nos repasa más de veinte años de historia.

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Tony 70 |22 La banda más negra de estos pagos no se achica. Música, estética y actitud se potencian en un combo imperdible y único en Argentina.

Funk y soul son la vedette de la noche.

Los Hermanos ábalos|20

Aquel Folklore olvidado. Las nuevas generaciones han resignificado los sonidos más tradicionales con nuevas e innovadoras propuestas. Pero porque somos lo que supimos ser, volvemos a las fuentes: Los Hermanos Ábalos.

Nagy Esa voz es una persona: Alejandro Nagy simboliza la voz del rock por excelencia. Pero no sólo eso. Durante 20 años de carrera además ha sabido moldear un discurso consecuente, informado e irónico. Veamos que nos cuenta.

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Lenine Labiata:

eb enas En La W ay cosas bu mbién os . H sabem simas, pero ta alí cosas m divertidas e en You s as jemplo s hay c o e r o P . uno s as ingenio vimos viendo ales de tu s e e os r cit Lucia, n Tube u lg a s ” de ac o de “videito lla de P no todo ta la e gente d n o Santana y pto Eric Cla lo que es. my ser ube.co t u parece o .y tana n www Entrá e ejemplo, “san e risa. d or poné, p cagate un rato y ” s d shre

El músico brasilero, Lenine acaba de lanzar su último CD: LABIATA. Este gran artista del país vecino nos visitó por primera vez este año para presentarnos su “Lenine Acústico MTV” en el teatro io d Gran Rex, donde supo conquistar al a ia o est ea. s n público local. malena tosdque s das la a Esperamos deseosos que vuelva nn op” l el paí stán toe las ta nuevamente para disfrutar de su o ad del p e, en iver e ce qu e has ara no música y ojalá pueda compartir M eina pon o R ha a d a p sin o r o escenario con artistas r m s r “ u u im e w La e se p próx das, la s a loc sho gía nacionales, como lo ha a qu ra el gota icen ader er un cnolo manifestado en reiteradas a d Pa has s cot ver a a s la te cas o , a c v a a oportunidades. fe ent , un ue tod o p isto q ! v v e m ! l n ! e r 0 e lo , co , co brá rab 00 $3 ders ntes nido e ha mpa culos s r pe cede y so eces o co ectá U2, o s v e p r e v a p lu c s l s es one, t o l de a los S ater. de er W g Ro www.gettorock.com

e un Reít con rato s r o s o do, ya lo g s to lo y hay de

www.theatredarras.com

es de Raíc terno a t l e u La v da, el e no es na ck de Un Beatle harto de los fans

www.flickr.com

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Ringo Starr “corta satélite”: dijo basta para mi y pidió paz, amor y que también no le envíen más objetos para autografiar, ni cartas, , ni palomas mensajeras de la paz porque nada será respondido ni autografiado. Acusó que tiene muchas cosas para hacer y después de este pasado 20 de octubre, no responderá más “acosos” de sus fans. Esperamos que sí siga haciendo música de la buena, después de todo es uno de los cuatro de Liverpool.

-ro ños Treinta a rimer candombe tragni, p Sa l a to o e por B retorn tegrada lberto in A a , d ó n a rd la b uan To J , s to r si no lo n o a ana y, p Jimmy S p m a C l Raú todos Bengola, alamaro, ación C n e v jo n rm sabías, u primer fo ra que tes de la eg n n a ra g ic s te ú in da la m o T . que dió o y p del gru tinente n o c l se d ur es artista llegó al s tos grand eros de los s e a r a de mam ron pion n s ´70 fue que en lo s muchos llamará luego é u ” p s ta e la d P que e La del Río d ndas locales, tal a ic s ú m “ ba mu c h a s Piojos y inspiró a res, Los la u p o p s á vez las m el arte . it u úsica y d rs e m B la e d vo lidad La causa a vez con un nue tr s temas o o n e u a lg los tr a n do a n io o rs e v jo el sell trabajo, poca, ba é o r c e is m d ri l de la p Nebia. E de Litto .

Melopea ximo año ró ra el p a p rá . s ta ia es rac iones y g Felicitac

grande Se fue un los de todos ick R : tiempos ta is d la c Wright, te d y lo F de Pink

008 1943 - 2

Vitic

Vitico o en Ca s p Trastie e presenta ital r á n d en la a Clu 14 de novie b el viern mbre es noche a , III, su para ofrec la media er últ la ban ima produ Viticus cc da más a a pleno, q ión, con fil u carnic ada que c e esta uchillo ero, y polen de toda la ta que a de un gra n l los m revés del r de, ortale esto d s pare oxida e rse ce no Reco . rde no es mos que la ca fe novie sual, un 1 cha 4 de mbre , pe 1980, ocurrí ro de ssa Nova a pocas años de Bo 50 años del surgimiento veces algo 0 5 Argen lebran los tina: “ visto en tístico Este año se ce Adiós Papp movimiento ar un a, ov N o’s Blu sa os imentada de la B Bienv e úsica, pero cond m la r enido s. po do ta lítica sin represen En el R al, estética y po ur lt mism iff”. cu a id ov o recit despe por una m e los jóvenes sarrollado entr de s, te nacía día una ba al se en ed ec pr ío de Janeiro. nda y otra! bohemios de R y s le ua ct le te in rgentina, en el n pasado por A ha te en em nt ie o, Gal Costa y Rec o, Leila Pinheir cl ci te bre es de co mar y 12 de noviem el próximo 11 e ll ca tendremos en la Noche de cuerdas perdible Corrientes al im El pasado 9 de Octubre se llevó a cabo la primera Noche Cuarteto Toquinho y el de Cuerdas en el Centro Cultural Borges, Clínica – Show ajeando a organizada por Kaman Music Co y Breyer. em Cy, homen adores de La misma contó con la participación de grandes unos de los fund guitarristas, como Esteban Morgado y Víctor Heredia. nial la Bossa: el ge Además asistieron numerosa cantidad de público, entre Vinicius. ellos estudiantes y profesionales de la música, como así también comerciantes y luthiers.

El dato más interesante es que se presentaron nuevos modelos de guitarras OVATION, que pronto estarán llegando de USA, las cuales recibieron las críticas de los más destacados guitarristas. “Lo más importante es que el mango o mástil tiene la famosa barra Kaman y consta de una guía de aluminio que por dentro tiene un tensor. Las guitarras se pueden regular muy cómodamente con una llave”, comenta Esteban Morgado.

Sin duda, un espectáculo gratuito muy bien organizado, que vale la pena que se vuelva a repetir.

E le p é

En la tele www.destripa d ndoterrones.b todo es lo e aire no logspot.com mismo y program hay as que v Volver Ro a n m arcando ck o El program el caso d tro perfil. Es a emitido p e E lepé, o r e canal Volve l conducid r, conducid o p o o r Nicolás p or Tom Lupo y Paúls -C Caterina Sp a n a l 7 in , miércole nos muestr etta hs.- que a a los mús s 23 n o s ic m o s uestra la tocando y c historia d harlando e nuestr distendidam o rock, contada ente. Ya pa p o r su s saron, entre otros, p ro tagonista Luis Alberto s . D e sd Spinetta co ma n a g e * poner en la n u n r, sonidis e rs p ve e q u e ñ o listado de co a cústico y pre tas, amig íntimos d página 34 os s e los mú qué Knock´on último video entando su sicos, etc c o n ta n ; A d n ., o d re or m a Prodan, banda está heaven´s do haciendo u curiosida uchas n a v u e d yo rs e e ión de un Will always lov reggae de B sacando nu momento s inéditas hasta ob Marley e evo el . n The man who sold español m La dinám uy conmov disco despu ic a del cic edora; és the world Javier Malo lo consta de recorr setti, en trío er discos de ocho añ e in ; ca Co C arajo sonan e y senciale os a c lá sicos co d o ca d a ve s mo Papp z Whith out you mejor, y tam B lu e os s , de Norb bién banda s del erto Pap interior com Expreso MB Napolita po o Científico S Ar no; Bicic s d P leta, de S e rib a l lo - un muy a las bandas: Giran; Lib chequear eru buen grupo ertinaje d Mar del Pla de e Bersuit Honestid The Box contactos: ta que se la ; a d Brutal de s trae- Cala entre much Andrés maro, en os otros.

- Córdoba Sencillo tre otros Un program . a d o n d e se - Rosario La Chusma p u e d e e scu char a los - La Plata músicos en Radio Ska vivo.

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Por María Luján Martínez

DIvuLgALO

“Cover” your history Sin embargo, no todo el mundo sabe que la historia del rock y el pop se fue escribiendo en base a “versiones”, y que algunos de los grupos más famosos de la historia utilizaron este recurso para perfeccionarse y adquirir experiencia en sus comienzos. Desde los Rolling Stones cuyo primer single fue “Come” de Chuck Berry, y su primer hit “Not fade Hawai”, de Buddy Holly, pasando por Jimmy Hendrix con “Hey Joe”, de The Leaves, hasta The Pretenders con “Stop your sobbing”, de The Kinks; todos empezaron sus carreras versionando temas.

Estos ejemplos son más que suficientes para demostrar que lo que importa son las canciones, y no su procedencia. Si no tenés la capa-

www.davidbowie.tribe.net

A modo de ejemplo, veremos cinco canciones famosísimas de estilos muy diversos que encontraron el éxito rotundo al ser versionadas.

www.johnpaulgeorgeringo.blogia.com

ro luego los Guns le imprimieron su sello personal en 1987, cuando empezaron a incluirla en sus conciertos. En 1991 la editaron en su álbum Use your Illusion II, y luego la lazaron como single, alcanzando los primeros puestos de los rankings.

I WILL ALWAYS LOVE YOU - WHITNEY HOUSTON. Versión Original: Dolly Parton. ¿Quién no recuerda la ya histórica escena de la película El guardaespaldas, donde Kevin Costner saca en brazos a Whitney Houston? Esta película fue el debut en la pantalla grande de la cantante, quien a través de la banda sonora del film logró una de las mayores y más recordadas canciones de amor: “I will always love you”. Lo que poca gente sabe es que el tema pertenece a una cantante country llamada Dolly Parton, quien la compuso y grabó en 1974, 20 años antes que Whitney.

THE MAN WHO SOLD THE WORLD - NIRVANA. Versión Original: David Bowie. El original de Bowie también fue un éxito en 1974 de la mano de la escocesa Lulu, pero la versión más recordada es aquella que vio la luz por primera vez en el MTV Unplugged de Nirvana, en 1993. El álbum que la contiene fue lanzado tras la muerte de Kurt, hecho que subraya la letra de la canción “Thought you died alone”.

WITHOUT YOU - MARIAH CAREY. Versión Original: Badfinger. El mayor hit de la artista fuera de los Estados Unidos es, originalmente, un tema de la banda galesa Badfinger. Mariah Carey demuestra cuán bajo puede ir en su registro y, con la ayuda de potentes coros (que la incluyen) logra ese sonido glorioso del góspel. El single, incluido en el álbum MusicBox de la cantante, conoció el éxito 24 años después de su lanzamiento original.

KNOCKIN’ ON HEAVEN’S DOOR - GUNS N’ROSES. Versión Original: Bob Dylan. El tema fue compuesto por Dylan para la banda sonora de la película Pat Garret y Billy The Kid en 1973. En primer lugar, se trató de una canción country lenta y acústica, pe-

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www.blognetwork.poynter.org

COCAINE - ERIC CLAPTON. Versión Original: JJ Cale. El célebre guitarrista goza de una gran capacidad para arreglar temas: “I shot the sheriff”, “Crossroads”, por mencionar algunos. El que nos atañe, “Cocaine”, es considerado uno de sus mejores trabajos en el área de covers. Ésta versión, tan famosa que eclipsa a su original, puede ser encontrada en el álbum Clapton Chronicles.

cidad o el talento de escribir tus propios temas lo mejor será buscar unos ajenos, muy buenos, y versionarlos. Richie Sambora, el guitarrista de Bon Jovi ha declarado: “Si querés que te contrate una discográfica más te vale que trabajes mucho en tus propios temas… pero si no podés componerlos, ENCONTRALOS”.i

www.musicislife.tistory.com

S

eamos sinceros: las “versiones” de canciones de autoría ajena -más conocidas como covers- no gozan de buena fama. Se las toma como falta de creatividad, como un pase rápido hacia el éxito y a los primeros puestos de los rankings.

EnTREvIsTA: RATA BLAnCA

Con disco nuevo en la calle rompen el silencio de estos tiempos, acompañados por el sonido y la intención de aquel “reino olvidado” que supo transformarlos en una de las bandas heavy de habla hispana más importantes del mundo.

Walter Giardino, guitarrista, productor y probablemente también el corazón de Rata Blanca recorre con nosotros algunos puntos que señalan por qué son lo que supieron ser.

DESDE EL ORIGEN -¿Contános cómo se viene moviendo El Reino Olvidado, qué significa para ustedes?

Estamos muy contentos, es un lanzamiento con mucha buena onda, la gente lo recibió fantástico, los medios también están muy interesados. Estamos pasando por un momento genial y disfrutando todo lo que va a venir, las giras, los shows.

-El nombre del disco da para muchas interpretaciones, ¿hay algún mensaje especial, algún significado en particular a transmitir?

Sí, yo creo que sí. El concepto tiene que ver con cuestiones que han quedado atrás y no tendrían que haber quedado nunca.

En lo personal, lo ligo a dos cuestiones.

Primero la parte emocional, la parte hu-

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mana, que es ese camino tan real, tan positivo, que recorrimos cuando éramos chicos, cuando éramos adolescentes, cuando teníamos ideales, cuando creíamos en la justicia, cuando creíamos en los demás.

Después la sociedad te va reformateando, nos hace materialistas, nos hace pensar que transar es lo que tenemos que hacer. Nos va haciendo perder la sensibilidad y creo que eso no tendría que pasar.

Hay cosas que no deberíamos dejar atrás.

Mi vida a los dieciseis estaba llena de ideales, de sueños, de sentimientos de justicia y no quiero perderlos.

Bueno, El Reino olvidado habla un poco de eso, un poco de la toma de conciencia.

-También dispara a pensar en un reino olvidado musical, estético…

Claro, esa es la otra parte. Se trata de

ese reino que yo viví, el que tuve la suerte de vivir, en pleno tiempo presente, en los setenta y que de a poco ese espíritu musical en el mundo se fue perdiendo, detrás de modas, posturas, cuestiones que muchas veces están rayando lo extra musical.

-¿Puede ser qué en el disco haya como una retrospectiva, no se si una vuelta, pero sí cómo retomar algo de algún origen o lo evalúas cómo algo totalmente distinto?

Creo que eso esta en cada disco nuestro y tiene que ver con la esencia del grupo, Rata siempre brilló por su esencia. Y cuando dejó de brillar fue porque su esencia no estaba en el lugar exacto o porque abordamos otros caminos. Por eso hubo tanto razonamiento sobre como iba

Por Pablo Gallo / Fotos: Prensa Rata Blanca

a ser la vuelta nuestra y un acuerdo muy concreto, con los que decidimos seguir, de cómo iban a ser las cosas. Las cosas iban hacer esencialmente como fueron al principio, entonces creo que eso es algo que se transmite y no sólo en este disco, en los anteriores de también.

-Decís esto de los comienzos, ¿Cómo interpretás las críticas que ha sufrido Rata desde ciertos pensamientos “puristas”? ¿Hay algo de la experiencia de los veintiún años de Rata, que no volverías a hacer? ¿Cosas qué no volvería hacer? No, por suerte profesionalmente no tengo nada de que arrepentirme.

Si me ponés a un gerente de marketing, él se pelearía conmigo, por cosas que no tendría que hacer. Uno decide, de un lado o del otro. Bueno, yo decido del mío.

Todo lo que sucedió, fue con la voluntad de hacer las cosas bien y con una nobleza con lo que hacíamos, con lo cual no hay ninguna culpa.

Ahora, si vos me decís que el mercado no dice lo mismo, bueno, los mercados son mercados.

Para mucha gente, haber dicho que no a ciertas cosas hubiese sido no transar.

Nosotros hicimos todo lo que quisimos, convencidos de nuestra libertad y nuestra autonomía. Tomamos siempre las decisiones que queríamos. Acá lo importante es que hay una banda que hace veintiún años que viene tocando, que sigue generando, progresando y desarrollándose.

INTERNACIONALES -Rata Blanca ha tenido la posibilidad de tocar en distintas partes del mundo incluido el circuito estadounidense. ¿Qué significa para ustedes, una banda bien del sur del mundo, poder circular en esos lugares?

Te lo pregunto desde la experiencia musical, aunque me imagino que también debe haber algo de orgullo personal por haber llegado tan lejos.

Hay de todo. Desde lo musical, Rata tiene una sola traba: el idioma. Digo para acceder a los mercados de habla inglesa, porque en los países de habla hispana hemos incursionado en todos, capáz que nos falta Cuba, pero después hemos tocado en absolutamente todos los países de Latinoamérica.

También para los latinos en EE.UU., en España.

Lo que nos falta sólo se puede hacer de una manera y es cantando en inglés, porque lo demás es anecdótico. Podés hacer una gira en Alemania u otros países y andar bien, pero no por eso vas a ser un número referente en el circuito grande, cosa que sí nos pasa en Latinoamérica.

Después, la experiencia de tocar en EEUU es maravillosa. La ciudad en la que mejor nos va allá es Nueva York. Si me lo decían hace 10 años, no lo hubiera

podido creer, y es verdad. Los lugares se llenan y la gente queda alucinada y se preguntan, “de dónde salieron estos tipos”, porque para ellos el rock latino no existe.

-Es un mercado muy difícil para los artistas latinos, hay muchos prejuicios.

No sólo difícil, es que las referencias que tienen también son discutibles. Con todo respeto lo voy a decir, pero vos les pones a un artista de los denominados del rock nacional, el que quieras, y los tipos allá te miran y te dicen “¿Y?” Ahí está la diferencia, una banda es internacional cuando tiene un lenguaje y un peso artístico que permite que seas, que existas. Además de tener los huevos de salir, bancarse y buscar lugares. Porque vos acá llenas un estadio, pero afuera tenés que salir a remarla, en México, en Estados Unidos, y eso Rata lo hizo hace muchos años. Esa experiencia esta buenísima, la tenemos muy clara.

Las mejores opiniones sobre nuestra música las hemos tenido de grandes músicos y grandes bandas con las que tocamos.

“Lo más importante acá es que Rata no tiene nada de que arrepentirse, nada de nada, todo fue hecho con mucha pasión y una moral altísima”.

-Ustedes han compartido instancias profesionales y personales con grandes artistas de la escena internacional. Contános como vivís esas experiencias.

Es algo medio difícil de contar porque puede parecer un poco pedante, pero esta bueno que lo preguntes, porque si no el periodismo muchas veces se pierde cosas que pasan. Pero tengo que decirte que realmente hay situaciones que me han llenado de alegría y me han pegado en el corazón como Iron Maiden nombrando a Rata Blanca en México, Offspring diciendo, que lástima que no cantamos en inglés, sino nos llevaban de gira con ellos; te estoy hablando de una banda con la que estamos un poquito diferentes, digamos, en términos musicales. O sea, el lenguaje del rock es uno solo.

También hay mucha onda con Glenn Hughes, quiere mucho a Rata Blanca y me quiere mucho a mí. Es como mi hermano mayor.

Que se yo… muchas cosas nos pasaron, tocar con Depp Purple y después tomarnos una botella de whisky con Gillan y Glover…

-¡Hay gente que mataría por un momento así!

(Risas)… y bueno, pero yo creo que todo esto es no es casualidad…

-Y… es producto de años de laburo.

Sí, además el respeto de esta gente no te lo ganas así porque que si. No te van a aceptar en su camarín así nomás. Lo ganás con profesionalismo, con humildad, siendo un artista de verdad y llegando al corazón de la gente.

Todos estos artistas de los que estuvimos hablando, son dioses del Rock.

Rata tocó con David Gilmour, con Roger Daltrey, con AC/DC, con Ossi Osborn, Judas Priest, o sea, los más grandes.

Esto tiene dos cuestiones. Una, la parte emotiva, que te hace sentir bien, agradecido de todo y la otra parte, que es la profesional, que quiere decir que tenés que salir a tocar a full porque después viene Magadeth o ACDC y no podes quedar pintado! (risas).

Y por suerte Rata lo logra, con trabajo, con un compromiso absoluto con la música, desde el primer día. Se trata de ser real, no se puede ser de otra forma.

-Rata es conocida en toda Latinoamérica, hay algo que vaya variando de país en país, con respecto al público.

Sí, sus pueblos. La diversidad de América Latina es muy rica, casi exótica te diría. A veces andás por lugares remotos y decís, “mirá dónde estamos, quién corno nos va a venir a ver” y después resulta que tocás en un pueblito a 4000 metros de altura y está lleno de gente. Alucinás y te preguntás “¿Cómo conocen acá a Rata?” (risas).

El amor de la gente es increíble, la verdad es que son experiencias maravillosas. Yo estoy muy orgulloso de que esta banda sea tan “multipluralista”, que llegue a tanta gente diferente en lugares infinitos y que la música dé el mismo resultado en todos lados.

GIARDINO -Sos un guitarrista muy particular y tenés un toque muy personal que te destaca a nivel mundial. También te ha tocado cumplir el rol de productor. ¿Cómo concebís el hecho de ser el violero de la banda y a la vez trabajar en el proceso de producción general? ¿Cómo controlás el protagonismo de tu instrumento en función del conjunto?

Yo lo que busco, lo que me importa cuando hago una mezcla, es el resultado musical. Poner la guitarra fuera de plano, la batería o cualquier otro instrumento suena horrible. Yo creo que eso le pasa a esos pibes que tienen algún complejo de inferioridad y pasan de plano la guitarra.

Yo quiero escuchar una banda, una mezcla homogénea, balanceada y si para eso tiene que estar la guitarra más abajo,

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bueno, la pongo más bajo.

La verdad, nunca me gustó un fuera de plano en la canción de nadie y menos la mía.

No me importa que Walter Giardino tocó la guitarra en esa parte, no me va la pantomima del súper guitarrista sobre todos los instrumentos. Acá la vedette es la música. Lo que yo busco de la mezcla es cerrar los ojos y ver una banda tocando.

-Conocés muchas bandas, de acá y de Europa. ¿Cómo un ejercicio te lo pregunto, por ejemplo, si vos escuchás una banda española y una latina, notás diferencia en el sonido, hay algo que comunican distinto, o es más homogéneo?

Y… mirá, generalmente una banda europea va a tener más medios inmediatos, más posibilidades de producir, que no le aseguran nada, por supuesto, pero al menos va a tener medios técnicos para sonar un poco mejor.

-¿Y desde la composición, desde la parte más vinculada a la propuesta artística, se filtra algo de la identidad latina?

No creo que haya diferencias de ese tipo, no creo mucho en eso. Creo que hay buena música y mala música, bien grabada y mal grabada.

Si escuchás a Rata Blanca y le sacás la voz, no te das cuenta que es de acá.

Me ha pasado escuchando a Rata Blanca, así de fondo, y no entender que era y decir “quiénes son estos tipos”. Creo que nosotros, más allá de la música, tenemos un sonido internacional.

-Por ahí el heavy es un tanto más homogéneo en el tema del sonido.

Y creo que debe serlo, hay un estilo, una especie de filosofía musical, no te hablo de “más heavy o menos heavy”, sino que hablo de la concepción musical.

Acá tuvimos a Los Shaker por ejemplo, que eran unas bestias, eran tan buenos musicalmente como podrían ser The Beatles. La diferencia es que habían nacido en Uruguay y los otros estaban en Londres. Los hermanos Fatoruso tuvieron un talento buenísimo y una sensibilidad impresionante para leer tan rápido algo que estaba pasando en el momento y lo maduraron de una forma increíble. Ellos estaban para un escenario más internacional y se quedaron en uno localista.

Eso habla de que ni el tiempo, ni el espacio, ni el lugar influyen a la hora de hacer que un guitarrista o una banda pueda generar sonidos, que tengan o no que ver con su lugar de nacimiento.

-Viste que se dice siempre que el público de Heavy, por ahí no es el más numeroso, pero sí es más fiel, más seguidor, no?

Sí, el público es super fiel. Pero no es más popular, porque no le dan la oportunidad, porque hay menos recursos que en el pop o en el rock. No es que a la gente le guste menos. Acordate que Rata Blanca en los noventa, en igualdad de condiciones, vendió más discos que Soda Stereo.

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Tenés a muchos diciendo que hacen rock, pero no hacen rock, hacen pop. El tema es que la palabra rock vende. Yo no entiendo como todavía hay gente que no sabe reconocer qué es rock y qué es pop.

Soda Stereo no hace rock, hace pop; pop bueno, es una banda espectacular, nada que criticar, pero no es rock.

Hay que poner las cosas en su lugar. El rock vende, la palabra sola vende. Se ponen un Marshall apagado al fondo, una Harley Davidson y son re roqueros! (risas).

Por eso hay que pensar que todo lo que charlamos sobre Rata, lo que vive Rata, es sin marketing, a pura música, imaginate si le ponés marketing… pero bueno, eso es lo lindo del rock, es tan subversivo…

-Bueno, también hay que pensar en esto de ser libre, que nadie te venga a cobrar nada…

Exactamente, eso es lo que tiene el rock.

Sos libre, no dependés de nadie, eso es lo que más me gusta de mi carrera. A Rata Blanca no le puso un dedo en una canción nadie, nunca. Siempre fuimos nosotros.

-Ahí entrás en la discusión sobre la cantidad y la calidad…

Lo que pasa es que en Argentina el éxito nunca se puede discutir, el que tiene éxito tiene razón. Y el que no, no la tiene. Y están totalmente equivocados. Hay genios tocando en bares. No me importaría pasar mi vida tocando en bares. Yo preferiría tocar un buen rock & roll en un bar, que tocar mal rock & roll y llenar un estadio. No lo soportaría, todo desafinado, se me destrozan los oídos (risas).

Yo creo en la música. Esa es mi arma, mi

meta, mi futuro y mi pasado. O sea, con ese concepto podemos estar donde estamos, no hay más secretos.

Por eso cuando veo a un chico cantando, a veces llorando, o cuando tocamos La Leyenda del Ada y el Mago, me doy cuenta que hay algo especial en la música, pero también cómo se tocó esa música.

Para mi es una realidad, Rata cuando sube al escenario no sale a revivir viejas glorias, sale a demostrar que está mejor que nunca y creo que eso es muy importante para un artista.

-Recuerdo cuando tocaron un par de veces en las bailantas, que tanto se los criticó, pero siempre tocaban la música de ustedes, nunca cambiaron nada.

Claro, además lo que hacíamos era alquilar un local en la provincia de Bs. As. para tocar, nada más. Hacíamos un show a full, con mucha producción, en lugares que nunca habían tenído la oportunidad de tener un espectáculo así.

El tema es la crítica al pedo, la envidia de muchos sectores de querer perjudicar a Rata, por ser una banda distinta que no pertenecía a ningún club de amigos de esos que todos conocemos y donde todo se transa. Bueno, estar afuera de eso se paga. El éxito y la dignidad en Argentina se paga caro.

Lo más importante acá es que Rata no tiene nada de que arrepentirse, todo fue hecho con mucha pasión y una moral altísima. Desde Nueva York hasta Buenos Aires, desde La Tablada a Europa, siempre fuimos Rata 100%. Y nadie puede decir lo contrario y eso es buenísimo. Como dice un viejo refrán, “lo mejor que tengo es mi nombre”…i

EN BELgRANO

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MBS 17

nOTA: ExpOmusIC 2008

25º Feria Internacional de la Música “EXPOMUSIC 2008”

L

a ExpoMusic es la feria de la música más importante de

Latinoamérica y uno de los encuentros más destacados de la agenda internacional. En esta edición de plata, la

exposición festejó sus 25 años de existencia de la mano de las marcas más reconocidas a nivel mundial y con la presencia y

shows de grandes artistas.

El evento se llevó a cabo entre los días 24 y 28 de septiembre pasado, en el famoso predio de la Expocenter Norte de la ciudad de San Pablo en Brasil.

El encuentro convocó a las más destacadas firmas del rubro, además de miles de profesionales y aficionados del mundo de la música. Entre fabricantes, importadores y distribuidores, cientos de stands colmaron la exposición en donde las marcas más reconocidas internacionalmente exhibieron sus productos, instrumentos musicales, accesorios, audio, iluminación y nuevas tecnologías, además de promover la integración entre los distintos países participantes, especialmente los del Mercosur.

Es una excelente oportunidad para conocer las nuevas tendencias y los últimos lanzamientos que se vienen llevando a cabo en la industria de la música y el sonido.

Entre las firmas más destacas podemos señalar, sólo por nombrar algunas, a Di Giorgio, Meteoro, Gianini, Izzo, Santo Angelo, Liverpool, Deval, RMV, Octagon, Tokai, además de los representantes de grandes marcas internacionales como Fender, Yamaha y Gibson.

Como todos los años, se hicieron presentes las firmas argentinas más destacas de la industria nacional como Intermúsica S.A, Harmony Music Group S.A., Medina Artigas S.A., Ricordi, Import Music, Medina Music S.A., Antígua Fábrica de Guitarras, entre otras.i

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´ nOTA HOmEnAJE: LOs HERmAnOs ABALOs

La Ley Primera...

“Los Cinco Hermanos Ábalos somos una mano, el resultado de los cinco dedos, todos diferentes, todos necesarios.

Los presentaremos como a ellos les gustaba hacerlo de manera humorística: por orden de cigüeña. El primero fue Napoleón Benjamín “Machingo”, nacido en la ciudad de La Plata, en el año 1913. Cuando Machingo cuenta dos años, sus padres regresan a su Santiago natal, provincia en la que el pequeño se nutre de la escencia santiagueña, para en su adolescencia ser enviado a la ciudad de Rosario a estudiar odontología. En el último año, abandona su carrera para seguir su destino como músico.

El siguiente fue Adolfo, nacido en la Capital Federal, en 1914, en la misma manzana donde nacieron otros genios de la música como Enrique “Mono” Villegas y Aníbal Troilo. Adolfo tenía un año cuando regresó a Santiago con sus padres y su hermano Machingo. Estudió farmacia en la provincia de Tucumán y luego bioquímica en Capital federal, pero la música fue siempre su materia preferida y

20 MBS

el piano su mejor instrumento de experimentación.

Roberto Wilson fue el primero de los hermanos nacido en Santiago del Estero, en el año 1919. Se graduó de maestro y ejer-

citó el magisterio en escuelas rurales.

Para Roberto, el deporte y la música siempre fueron de la mano. Tiempo después, se convertiría en el bombisto (¡prohibido decir bombista!) y el planificador

www.folkloreando.blogspot.com

A

llá por el año 1939, cinco hermanos hijos de padres santiagueños, se presentaban profesionalmente ante el público con una zamba llamada “Nostalgias santiagueñas”, compuesta por Adolfo, el pianista del grupo. Hoy esa canción es un himno para todos los amantes del folklore nacional y el nombre de Los Hermanos Ábalos sinónimo de respeto y admiración. Este quinteto musical, fundó las bases de lo que hoy se conoce como las artes folklóricas argentinas. Pero estos geniales compositores, no sólo incursionaron en la música para hacer conocer al mundo este ritmo tan nuestro, de gauchos y vida de campo, sino que también se animaron con el cine y el teatro, mostrando sus diferentes facetas y virtudes artísticas. Hoy, a casi 70 años de aquella primera actuación, luego de giras alrededor del mundo y con la mayoría de los integrantes ya fallecidos, repasaremos la vida y trayectoria de estos cinco hermanos universitarios, con ritmo en la sangre y amor por la música de bombo, caja y charango.

Por Marcelo Acevedo

A pesar de haber conocido mundo, los hermanos demuestran el cariño que profesan por su querido Santiago del Estero, bromeando en una de sus canciones: -“¿Y qué tal esas Europas? ¿Y esas Nuevas Yorkes?

-Y, mirá, casas más, casas menos, igualito a mi Santiago.” tor Lucas Demare y años después también incursionarían en el teatro, elaborando coreografías para diferentes obras y en la televisión con programas como “Una copa con los Ábalos”, “Los Ábalos a las 22” y “El rancho de los Ábalos”.

A mediados de 1942 comienzan a recorrer el país en una gira nacional que los llevaría por todo el noroeste argentino.

Entonces llega el gran salto a la fama internacional: Los Hermanos Ábalos viajan a Estados Unidos y logran conquistar al público de norte América presentándose en diferentes medios de comunicación, y de paso se dan el lujo de compartir un escenario con nada más y nada menos que Louis Armstrong, el señor del jazz. En 1966, recorren el mundo en una gira que los transporta a lugares tan dispares como Chile, Venezuela, México, Egipto, Grecia, Pakistán, Francia, Espa-

ña, Portugal, Canadá y el lejano Japón, donde abren la primera academia de danzas argentinas en un país extranjero.

Pero a pesar de haber conocido mundo, los hermanos demuestran el cariño que profesan por su querido Santiago del Estero, bromeando en una de sus canciones: -“¿Y que tal esas Europas? ¿Y esas Nuevas Yorkes?

-Y, mirá, casas más, casas menos, igualito a mi Santiago.”

Luego de seis décadas regalándonos su música, su danza, su talento artístico en las diferentes ramas y su alegría, en el año 1997 dentro del marco del festival nacional de folklore en Cosquín, Los hermanos Ábalos se despedían de los escenarios dejando tras de sí una historia rica en logros, bellas anécdotas y por sobre todo un amor incondicional por el folklore de nuestro país y la buena música.

El quinteto recibió numerosos galardones a lo largo de su carrera artística, como el premio “Caballeros de la música”, que les fue otorgado en Japón, o el “Sagitario de oro”, merecido premio que les dieron los italianos.

Hoy, Machingo, Adolfo, Roberto y Machaco ya no nos acompañan en esta vida, quedando tan solo Vitillo que ya cuenta con 82 años y aún muchas fuerzas para seguir en esto del arte, que tanto le gusta: tiene un espectáculo itinerante de artes nativas que el mismo bautizó “El patio de Vitillo Ábalos”, que comparte con su esposa Elvirita.

En estos días el folklore de nuestro país ha evolucionado y cambiado con el pasar del tiempo, gracias a las nuevas generaciones de autores, pero la música de los ya míticos Hermanos Ábalos sigue sonando tan vigente y fresca como en aquellos días cuando nuestro folklore, florecía de la mano de estos geniales artistas.i www.folkloreando.blogspot.com

de las actividades artísticas y comerciales del grupo.

Víctor Manuel “Vitillo” nació en el año 1922, también en Santiago. Estudió Bachillerato en el colegio Sarmiento, cuando la familia Ábalos regresó a Buenos Aires. Su fuerte son los ritmos y la percusión, el pincuyo, la quena, y era quien zapateaba los mejores malambos cuando el grupo se presentaban ante el público.

Por ultimo, pero no menos importante, la cigüeña trajo a Marcelo Raúl “Machaco”, en el año 1923. Machaco era un músico intuitivo y dotado de una gran voz.

Mientras cursaba el colegio secundario, sus fraternos comenzaban a sentar las bases del quinteto Los Hermanos Ábalos, y gracias a sus aptitudes musicales no dudaron en incorporarlo al grupo. La guitarra fue su compañera desde que se sumó al conjunto, pero también supo tocar el piano y regalarnos su voz.

Habían armado un grupo “por jugar nomás”, como decían ellos, y casi sin querer se habían transformado en la mítica agrupación Los Hermanos Ábalos para dejar su huella en la historia de nuestro folklore. Y entonces llegó el día del debut…

Fue en Buenos Aires en el año 1939, y dejaron fascinado al público que los vio actuar, especialmente con la interpretación de su canción más conocida “Nostalgias Santiagueñas”. Para ese entonces, el boom del folklore argentino ni siquiera había asomado y estos ritmos eran desconocidos para la mayoría de la gente. Cuenta Adolfo Ábalos: … “las primeras veces que tocamos en Buenos Aires la gente se preguntaba de qué norte veníamos, si de Salta, de Bolivia… o de EE.UU…”. Su repertorio, siempre original, consistía en música folklórica argentina, quichua, andina y canciones recopiladas del campo, las cuales estaban destinadas al olvido y hoy son inmortales gracias al talento de este quinteto.

No faltaban los zapateos en sus presentaciones, y un aporte único y original: el uso del piano acariciado por las expertas manos de Adolfo. Decían estos hermanos que para hacer folklore hay que saber tocar jazz, y eso se notaba especialmente cuando en las canciones sonaba el piano de Adolfo. Las influencias del jazz que habían sabido escuchar desde pequeños estaban a la vista (y al oído) de quien los oyera.

Inauguran en Buenos Aires la famosa peña Achalay Huasi, en el subsuelo de la confitería Versalles, ubicada en la calle Santa Fe, donde hacen docencia de arte nativo, tanto en música como en danza.

En 1942, ya siendo un quinteto reconocido, los hermanos Ábalos se aventuran en una experiencia cinematográfica, interpretándose a ellos mismos en la película “Sinfonía argentina”, dirigida por Jacques Constant. Ese mismo año, Adolfo se encarga de musicalizar el reconocido film “La guerra gaucha” del direc-

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EnTREvIsTA: TOnY 70

Martín Elías, frontman del grupo Tony 70 y un fuerte representante de la escena festiva musical argentina, cuenta cómo tomó la decisión de enlistarse en el ejército de la música y así, defender la bandera, de un género que parece estar en extinción: El Funk.

unificar los tonos de amarillo

´ negra la onda mas

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Por Leonel Acosta - Fotos: Prensa Tony 70

Martín está sentado en una de las mesas que La Trastienda Club tiene en la calle Balcarce, en pleno barrio de San Telmo.

Su apariencia es similar a la de Eric Estrada en Chips pero sin el uniforme de policía motorizado, ya que lleva una setentosa campera Adidas de color roja y blanca con un estampado en la espalda que dice Tokyo; y esto no es nada casual, porque la ciudad nipona es tan colorida y sofisticada como la música de su propia banda.

La primera vez que el líder de Tony 70 escuchó funk, fue cuando tenía sólo nueve años. Un tío suyo le dijo “tomá nene, música bolichera” y le entregó en sus manos un cassette TDK gris que contenía el clásico “Funky Town” de Lipps Inc. “Años más tarde, por el ´94 o ´95, compré un disco de Sly & The Family Stone y de ahí en más, mi vida cambio, y nunca más volví a ser el mismo”, confiesa.

“La banda se formó en el´97, bajo el simple concepto de hacer música negra”, narraba en muy pocas palabras y con algo de melancolía. “Algunos años antes empezamos a escuchar a los exponentes más importantes de la música negra: Stevie Wonder, James Brown, Michael Jackson, Marvin Gaye”. “¿Por qué Tony ´70? Porque Tony es el nombre más característico de los 70’s” explica el cantante. Todas sus influencias extra-musicales provienen de personajes cinematográficos del cine de esa década y del género Blaxplotation. “¿Cuantos Tony’s hay? Tony Curtis, Tony Manero de John Travolta en Fiebre de Sábado por la no-

che, Tony Montana de Al Pacino en Scarface, entre tantos otros”.

“Sonrisas -su nuevo disco- tiene sol, verde, esperanza, amaneceres, atardeceres y, por supuesto, tiene sonrisas…”, cuenta con mucho entusiasmo Martín. A diferencia de su disco debut que es más de culto funk y soul ortodoxos, Sonrisas tiene mucho más pop, electro bossa y rock, pero siempre con bases de música negra; sin olvidar los orígenes e influencias de la banda y cuenta además con invitados de lujo: Emmanuel Hourvilleur en “Recordé” y la estrella del rock chilena Cee Funk en la guitarra de “Caliente”, el corte de difusión.

-Las letras del disco debut, Tony 70, se caracterizan por hablar sobre fiestas, drogas y mujeres, pero Sonrisas ya no mantiene esa temática. ¿Por qué cambiaron…? ¿Qué pasó entre un disco y otro?

Cambiamos de hábitos, crecimos, maduramos, nos pusimos en pareja, algunos tuvieron hijos; es como que el reviente tiene su lado heavy… ojo, tampoco éramos tanguito, pero había mucha milonga.

Según Martín su banda llegó a un lugar del cual están obligados a salir para seguir progresando.“Quería vivir sólo de lo que brota espontáneamente de mí”, es la frase de Hermann Hesse que utiliza para argumentar que simplemente “no hay que forzar nada, sino que está bueno el hecho de que las cosas vayan fluyendo libremente”.

-¿Cuál es el verdadero espíritu de Tony 70?

El espíritu es festivo, amistoso, cómplice con la gente. Un show de Tony 70 es un espectáculo, no un recital, desde el vestuario que nos ponemos, la puesta en escena, las imágenes, trabajamos mucho lo visual, nos gusta darle al público un espectáculo multimedia, mas sensorial, tiramos purpurina entre la gente con una máquina, efectos especiales. También hay códigos con la gente, se vienen todos lookeados. Y siempre pedimos que dejen el lugar abierto y con un DJ amigo. Un buen show debe terminar con una buena fiesta. Y, obviamente, con buenos tragos, ricos perfumes, lindos escotes, brillo y buen vivir.

El cantante asegura que la química que tienen con el resto de las bandas del ambiente se debe a que se dan cuenta que Tony 70 es una banda realmente auténtica, que no es “pinturita de colores” porque no solo “suena y explota” en el escenario, sino que también tiene actitud rockera.

Tener la oportunidad de conocer personalmente a Joss Stone y a Ed Motta -a quien reconocen haberle robado “alguna que otra melodía”-, como también haber escuchado un “Who is the Fucking Tony?” dicho por Jk, el cantante de Jamiroquai, y un “It’s Good Boys” ejecutado por la ronca y aguda voz del propio James Brown es más que suficiente para consagrarse como la banda más negra del país.i

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TECnOLOgíA

Armá tu estudio de grabación personal El Micrófono de Condensador Un estudio de grabación personal (EGP) se compone de cinco elementos básicos: una placa de audio “asio”, un micrófono de condensador, un controlador midi, un par de monitores de campo cercano y una computadora personal, la cual se vio en el número anterior. Cómo elegir el micrófono de condensador ideal es el tema de hoy.

Diámetro del diafragma La pieza central de un micrófono de condensador es la que se encarga de captar las ondas sonoras, está ubicada justo debajo de la cobertura de metal entretejido, tiene forma de disco y se la llama comúnmente: diafragma. Cuanto mayor es el tamaño del mismo mayor es la posibilidad de captar sonidos de bajas frecuencias y por ende mejor su calidad. Los micrófonos de condensador pueden venir con diafragmas de 16 ó de 25 milímetros de diámetro. También hay quienes afirman que el tamaño del diámetro es proporcional a la definición.

Patrón de Captación Existen tres maneras de captar el sonido en cuanto al ángulo: la primera es hacia delante, la segunda es hacia delante y atrás, y la tercera es en todas las direcciones. Los micrófonos de condensador más rudimentarios captan en alguna de las tres formas o, mejor dicho, patrones; mientras que los más sofisticados incluyen una llave selectora mediante la cual se puede elegir el deseado. Por ejemplo: para grabar a un cantante se elige el primer patrón (llamado cardioide o uni-direccional), para dos locutores en una radio el segundo (figura ocho o bi-direccional) y para una toma aérea de batería u orquesta, el tercero (omni-direccional).

Soporte Los micrófonos se sujetan a su respectivo pie por medio de un soporte. Éste puede ser: rígido o elástico. El primero tiene la ventaja de ser más económico por ser de plástico, pero la contra de dejar pasar todos los ruidos provenientes de golpes del piso (vía el pie). Es común que, involuntariamente, se roce con los pies el pie de micrófono al cantar, por ejemplo, y puesto que los micrófonos de con-

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densaror son muy sensibles, el resultado es un ruido en la grabación.

El soporte elástico (denominado comúnmente “araña” o antichoque) previene dichos ruidos ya que permite que el micrófono quede literalmente suspendido por medio de unos elásticos de goma que aprietan fuertemente al tiempo de absorber cualquier vibración del pie.

Sensibilidad La sensibilidad de un micrófono describe la capacidad para hacer esta transformación. A igual magnitud de onda sonora (podríamos decir a igual volumen de voz del cantante, por ejemplo) un micrófono con mayor sensibilidad producirá mayor tensión que uno de menor sensibilidad. Lo que es ideal para un estudio de grabación es que sea lo más sensible posible. Por eso en la primer entrega de Armá Tu EGP se recomendó un micrófono de condensador que son los más sensibles. Ahora bien, hay ocasiones en que es necesario que no sean tan sensibles, ya que la fuente sonora a la que lo estamos sometiendo es muy potente y ello produce una saturación en la salida. Imaginemos una grabación de un solista lírico enamorado de acercarse al mic, o de un cantante de rock que está acostumbrado a –literalmente– comerse el micrófono cuando canta en vivo. Por eso, es muy importante que el micrófono cuente con un atenuador, esto es: una llave selectora de dos posiciones para elegir entre –10 dB y 0 dB. Siendo la primera usada para los cantantes “gritones” porque atenúa la señal y la segunda, la que deja pasar la señal sin reducir su tamaño.

Corte de Graves Dijimos que los micrófonos de condensador son los más fieles y que cuanto mayor sea el diámetro de su diafragma van a tener más chances de captar bajas frecuencias, esto es lo ideal. Pero en muchas circunstancias esto resulta contraproducente. Por ejemplo: cuando en el estudio de grabación hay ruidos estructurales de ultra-baja frecuencia (llamados humm) que estén produciendo armónicos audibles o cuando se produce el llamado efecto de proximidad que deforma las vocales graves al acercarse más al micrófono. Afortunadamente la mayoría de los micrófonos han incorporado ya

un “filtro pasa altos” que puede ser activado o desactivado por otra llave selectora. En su posición normal, el filtro no actúa y los circuitos electrónicos del micrófono dejan pasar todas las frecuencias, pero cuando está activado las frecuencias más graves (usualmente inferiores a los 50 Hz) no pasan.

Indicador de Encendido La última innovación de los micrófonos de condensador es la luz que indica su estado. Luz roja encendida expresa que el micrófono está activado, luz apagada indica que está desactivado. Parece una obviedad que un dispositivo cuente con una luz de encendido a esta altura de la civilización, sin embargo hasta hace un par de años los fabricantes no se habían dado cuenta de la importancia de la misma y todavía hay muchos que no la traen. ¿Por qué? No es conveniente enchufar un micrófono de condensador con la alimentación activada. La alimentación, denominada Phantom Power, se activa desde la consola o desde la placa de sonido que siempre se encuentran lejos del micrófono. Entonces, era muy común que al enchufar o desenchufarlo, el técnico no viera que el Phantom estaba encendido, dando como resultado: un costoso micrófono de condensador averiado.

Precios El apotegma “caro pero el mejor” no siempre se cumple en tecnología y mucho menos en micrófonos de condensador, al menos en Argentina, ya que hay muchas marcas y modelos de costo alto, escasas prestaciones y media o baja calidad. De manera que dejarse guiar únicamente por el precio puede conducir a una mala elección.i José Samplertini Fuentes consultadas: PC MIDI Center y HSR.

Del cassette al ringtone

EnTREvIsTA: mAnCHA DE ROLAnDO

La génesis de lo que luego sería la Mancha de Rolando ya estaba en marcha a comienzos de la década del noventa. Avellaneda es testigo de ese proceso que continúa hoy en día, ya que a pesar de haber pasado tanto tiempo, nunca abandonaron el lugar que los vio nacer. El barrio con sus calles angostas, las fábricas abandonadas, las grandes curtiembres, todo forma parte de la identidad de este grupo de músicos que supo catapultarse sin llevarse la luna por delante. Y esto no es un dato menor. La humildad es un valor que suele quedarse en el camino.

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Por Pablo Gallo - Fotos: Nadia Mastromauro & Prensa Mancha de Rolando De repente, un día de semana cualquiera, nos encontramos en la terraza de la casa de Francisco “Franchi” Barreiro (guitarrista), junto a Manuel “Negro” Quieto (guitarrista y cantante), Sebastián “Tano” Cavalletti (baterista) y Carlos Báez (bajista).

El sol acompaña la tarde, la charla y la ronda de mates.

-Hace más de 15 años que vienen girando. Seguramente al volver las miradas hacia atrás pueden ver todo el proceso que han vivido. ¿Qué recuerdan de los primeros momentos?

-Manuel: Nosotros veníamos juntándonos hacía algún tiempo, pero fue en septiembre de 1991 que nos ponemos el nombre y ese mismo verano salimos a tocar. O sea, no estuvimos mil años ensayando.

De repente nos agarró ese verano y teníamos un montón de cosas para mostrar y salimos.

-Franchie: Cada vez tengo menos recuerdos de esa época, tengo la sensación de que fue hace mucho tiempo (risas).

-Tano: Yo del principio me acuerdo bastante y lo tengo delimitado por el sentimiento de saber que estábamos haciendo las cosas bien, pero la música siempre era demasiado rebuscada, se intentaba hacer música muy moderna en el sentido de lo que se escuchaba en los ´90.

-¿Cuándo arrancan la intención de formar una banda, o sólo era juntarse, tocar con amigos?

-Franchi: Las dos cosas, porque por un lado era juntarse a disfrutar del ensayo y tocar, sin saber que iba a pasar y por el otro era tratar de hacer cositas que quedaran, ya sea grabar un disco, hacer un recital y que la gente pueda ver algo bueno, es decir, la intención de ser una banda siempre estuvo implícita.

-Una de las primeras asignaturas de las bandas en formación son las famosas e iniciales giras por la costa. ¿Cómo vivieron esa etapa?

-M: Y… para el verano del ´95 empezamos a ir a la costa.

Sinceramente es muy recomendable por todo lo que se genera. Tenés que comenzar a resolver cosas, cómo por ejemplo conseguir un flete que te lle-

ve a la costa y traslade los pocos equipos que tenés, que en ese momento era lo mas ambicioso.

Por otro lado une mucho al grupo, te sirve para darte cuenta si uno está realmente preparado para la vida de músico y para la vida de gira en la ruta. Porque la verdad es que te hace templar el carácter. Son muchos días, siempre las cosas que uno puede llegar a conseguir no van a funcionar del todo bien, te van a traer algún dolor de cabeza, hay que alquilar una casa o un departamento, hay que mentirle al propietario porque si vos le decís que van a ir diez con todos los instrumentos, no te van alquilar (risas).

Conlleva un montón de actividades que son buenas como para delimitar un buen grupo, un buen comando en donde se sellan pactos.

-Franchi: En realidad lo primero que alquilamos fue un garaje o un galpón, ni siquiera un departamento (risas).

Dormíamos donde podíamos, los trasportes en los que viajábamos eran de cuarta…

“Nosotros musicalmente sabemos que hay un techo más alto y buscamos otras maneras de tocar para poder alcanzarlo”.

-¿Hay un poco de convicción en lo que se hace, pero también un poco de aventura?

-M: Sí, esto que contamos sirve para ilustrar lo porfiados que éramos y en un punto lo seguimos siendo. Porque en realidad, qué veíamos en ese momento, y la verdad es que nada, ilusiones. Si hubiera visto la realidad yo me habría puesto a trabajar acá en el banco y en cuatro años me suben el sueldo y gano 1800, me compro un auto y después qué, tenés treinta años y te das la cabeza contra la pared.

Por eso, yo lo reivindico y lo recomiendo a quien tenga las ganas de hacer el esfuerzo y largarse por un proyecto musical, teatral, o de lo que sea. Hay que estar dispuesto a arriesgarse a todo.

-Ahora son una banda acostumbrada a tocar en recitales con gran cantidad de público, pero cuando giran por países en donde no son tan conocidos, debe darse como una regresión a éstas primeras épocas.

-Tano: Sí, en varios lugares nuevos para nosotros. De hecho cuando te toca ir afuera, a

Perú o a México, por ejemplo, vamos y seguimos durmiendo amontonados, tocamos para poca gente. Conceptualmente lo seguimos haciendo y somos muy felices.

-Han crecido exponencialmente estos últimos años. ¿Cómo evalúan ese impacto en la banda?

-M: Y mirá, estos últimos cuatro años fueron de una intensidad fenomenal. Nosotros antes no trabajábamos de esto, no podíamos vivir de la música y teníamos otros laburos para poder bancar la banda. Ahora además de ser nuestra pasión, también es nuestro trabajo, eso es lo lindo; pero también se genera una intensidad de laburo que si no estás centrado y no está el grupo centrado, bueno, te puede llevar a un montón de situaciones de separación y de peleas. Es un ritmo muy pesado y tenés que saber descansar de eso y encontrar los momentos de ocio para que no se te transforme en un laburo de oficina.

-Deben recordar cada tanto la etapa de doble trabajo. ¿Ese esfuerzo también templa el carácter, no?

-F: Sí, por supuesto, la verdad es que todos hicimos de todo, aunque siempre tratamos de hacer horarios cortos, de medio tiempo o una cosa así, que te permitiera tocar el fin de semana y ensayar a la tarde.

Pero sí, imaginate, eso todo el tiempo viene a la cabeza, es parte de la experiencia de vida de cada uno.

-Decían que la actual etapa comenzó hace cuatro años más o menos. ¿Qué es lo que marca el cambio?

-M: Sí, es así y tengo el recuerdo exacto de cuando empezó el periodo actual del grupo y fue a la semana de que empezara a sonar el tema “Arde la ciudad”, que se comenzó a expandir por todos lados, en los medios y en las casas de la gente.

-T: Sí, sin duda fue un quiebre importante en nuestra carrera, de hecho a partir de todo eso es que hicimos Obras en el 2005. Y mientras tanto grabamos el disco Espíritu.

-Sin dudas Obras es el resultado de un quiebre producto del crecimiento. Pero actualmente ese proceso sigue…

-M: Sí, de una, la dinámica actual es de constante crecimiento y siempre haciendo cosas nuevas. Estamos bastante a full, lanzamos el DVD en julio pasado, ahora estamos grabando nuestro nuevo disco. Vi-

MBS 29

nimos de Ushuaia y grabamos una semana, después fuimos a Córdoba, y luego otros cuatro temas, o sea, ese es el ritmo que se vive. A veces lo veo muy cansador, pero duermo dos días y ya lo extraño (risas).

-¿Igual se los ve bastante distendidos?

-T: Porque volvimos hace dos días (risas).

Aprendimos a descansar, a disfrutar del ocio creativo.

-M: A veces te levantás a la mañana y decís “aaahhh, hoy no hago nada”, y vas a la verdulería, re tranqui y son las dos cuadras más felices de la vida, podés elegir las naranjas tranquilo, eso es genial!! (risas).

-¿Cómo surgió el tema de editar un DVD? -M: Con la misma caraduréz con la que encaramos la música y también con la misma impunidad y sinceridad (risas).

Nos gusta mucho ver películas y de repente hay como un salto y decidimos hacer nuestra propia película. La idea está y tenemos ganas de hacerlo, pero los presupuestos son muy salados.

Tenemos la idea de hacer el próximo disco con un DVD que tenga una película o un largometraje, algo más que los video clips de los temas. Queremos jugar un poco con eso y que incluso tenga temas que el disco no tiene.

Nadia Mastromauro

-Frente a tanto ritmo y tantas horas de laburo ¿Cuándo no están trabajando, se juntan igual?

-F: Sí, por supuesto, somos amigos, nos juntamos a ensayar porque nos gusta, nos juntarnos a charlar a ver peliculas. En la sala salen muchas ideas, proyectos y la verdad todo eso esta buenísimo.

bién modifica la forma de trabajo.

-M: Mirá, nosotros pasamos desde el cassette hasta el ringtone por todas las formas, las vimos todas. Menos los vinilos, pero bueno, somos jóvenes (risas).

-F: Al que inventó el DVD le mandamos un saludo, porque nos la pasamos viendo recitales (risas).

-Es otra forma de comunicarse.

-T: Además por ahí nos juntamos a ensayar y terminamos zapando cualquier cosa durante una hora y media, después nos colgamos charlando otra hora más y eso está buenísimo y también lo recomiendo.

-M: Hay un factor muy importante de cagarse de risa y cuando ese factor baja del 70% ya suena la alarma y decís, “che, hace 10 minutos que no me cago de risa”. ¿Los viajes deben presentar también situaciones de mucho laburo y también instancias más recreativas, no?

-F: Sí, la verdad nos gusta. Además de ir a tocar, también nos gusta el viaje, salir, estar ahí, ver una película entre todos, charlando, dar una vuelta. Ninguno se queja aunque sean 12 horas de viaje, ni nos damos cuenta, es parte de la diversión de la vida.

-La carrera de ustedes se desarrolló paralelamente a la evolución de los formatos, arrancaron con cassette y ya están presentando DVD en vivo. Eso tam-

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Al otro día fuimos a los estudios Del Abasto en Gral. Rodríguez. Se trata de una casa quinta rodeada de árboles y cientos de metros de verde alrededor.

La paz es total. La muchachada encaró la parrilla sin mucho tramiterío y los pollos fueron desapareciendo de a uno.

Luego, una jornada de trabajo en donde la Mancha apuntó la energía en la producción y composición de los temas que formarán parte del nuevo disco y que cuenta con la participación del destacado Ing. de sonido Álvaro Villagra en la producción artística.

Al caer la tarde se forma la ronda y los mates circulan al compás de las anécdotas y los recuerdos.

-En todos estos años se han dado el gusto de trabajar con maestros del sonido, como Roldan, Guyot, Villagra. Cada experiencia debe dejar su marca.

-M: Siempre tratamos de pedir consejos a los músicos que nosotros admiramos musicalmente, humanamente y también como manejan su vida con la actividad, la pasión por la música, con la profesión. Tra-

bajamos un con montón de gente grosa como Miguel Roldan, Augusto Milharcic, el gran “Negro” Tordó, Guido Nisenson, Pablo Guyot y ahora últimamente venimos en un romance con el señor Álvaro Villagra, porque nos arenga a cambiar todo el tiempo, a salir del umbral de comodidad. Llegamos con un tema ensayado y nos hace dar cuenta de cosas y ya cambiamos el tema, y nos hace siempre superar. Nosotros musicalmente sabemos que hay un techo más alto y buscamos otras maneras de tocar para poder alcanzarlo.

A todos estos productores con los que trabajamos les guardamos el mayor de los respetos, somos amigos de la mayoría.

-¿Cómo es el trabajo con los productores?

-M: Es más psicología que otra cosa, tiene que ver con saber comunicar las ideas. Hay que saber qué decir, obviamente, pero también saber cómo decirlo. Porque a un tipo lo podés sacar bueno con dos palabras y eso es un gran logro; poder manejar un grupo y poder sacar cosas de ahí, es un arte y ese arte lo admiramos ahora especialmente de Álvaro.

Siempre, con la voz de otro te superás y te salvás de vos mismo.

-T: A veces el que está afuera ve cosas, que vos no sabes que las tenés, cosas que podés hacer, saca lo bueno de vos y te arenga para que lo hagas.

-En estos últimos años se animaron a salir más del rock y comenzaron a explorar otros géneros. ¿Esto tiene que ver con el trabajo junto a los productores?

-M: Sí, tiene que ver con eso, pero también fue un proceso de aprendizaje de manejo de los instrumentos, porque antes quizás teníamos un montón de pretensiones, pero no sabíamos manejar el sonido, el audio. El Tano con la batería generó un montón de matices, nosotros aprendimos a manejar un poquito más el sonido de las guitarras acústicas y las eléctricas, los equipos bien distorsionados o a veces directamente limpios y eso hace que te alejes un poco de ese rock que es todo medio lo mismo.

-F: Fue gracias a nuestras ganas y a los productores que te tiran una punta y cuando escuchás lo que te hacen grabar decís, “la verdad esto es lo que yo quería, pero pensaba que se llegaba desde otro lado”.

Un disco con productores externos te deja un montón de enseñanzas.

abogados que nos propuso ponerle a la ONG que estaban conformando el nombre “Arde la ciudad”. Esta organización se dedica a trabajar con cuestiones vinculadas a los Derechos Humanos. Así fue como nos conocimos y desarrollamos una amistad, y surgió la idea de tocar en la cárcel, pidieron los permisos, lo fuimos a hacer y estuvo muy bueno, para nosotros fue increíble. Muchas bandas lo tomaron de ejemplo y si se puede hacer de vuelta, mientras sirva, lo vamos hacer.

-F: Está bueno que los pibes más jóvenes vean que pueden agarrar una viola y que la música puede ser un oficio o un laburo. Y además, sin analizarlo tanto, también pensamos que podía ser un día distinto ahí adentro y que puedan ver el show de una banda. La participación nuestra tuvo varios sentidos.

-En ese sentido Álvaro Villagra es una autoridad.

-F: Álvaro es maravilloso y humillante también (risas).

Tiene una altura para decir las cosas que te gusta que te rete (risas).

-T: Álvaro te lleva por un lado que está bueno y lo ha demostrado con resultados. Nosotros venimos de eso, de grabar en una semana en tiempo record ocho canciones, fue una lección de conexión en el estudio, de tirar para delante y de ser prácticos.

-Se nota mucho la evolución y además se percibe que son una banda muy laburadora.

-M: Para nosotros el estudio es un refugio, tratamos de investigar y grabarnos mucho, analizarnos. Siempre se podría estudiar más, pero no... somos vagos, si bien tocamos un montón y giramos mucho, a veces no tenemos tiempo de estudiar. Sin embargo nos preocupamos por mejorar, sacar un sonido bueno. Ahora, también, la idea es componer más y que nos sobren los temas a la hora de grabar.

-T: Grabamos ensayos, zapadas, que siempre quedan y las escuchamos y eso es muy bueno también, es un buen método de auto evolución y de evaluación para nosotros.

-Internacionalmente ya salieron a varios lugares. ¿Cómo vienen esas giras por el exterior?

-M: Sí, estuvimos por varios países, anduvimos por España, México, que además editamos los discos ahí vía Warner.

También en Costa Rica, Colombia, Puerto Rico, etc. Varios lugares y en cada gira tratamos de dejar lo mejor y pasarla

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“Hay un factor muy importante de cagarse de risa y cuando ese factor baja del 70% ya suena la alarma y decís, ¡che, hace 10 minutos que no me cago de risa!”. bien, como cuando íbamos en el colectivo a la costa.

Ver tu disco editado en México o en la tienda El Corte Inglés de España es una satisfacción terrible, al mismo nivel que cuando veías tu disco por primera vez en Musimundo (risas).

-T: Además en España se vende en Euros, es carísimo, como 30 euros cada disco (risas).

La identidad de la Mancha también está signada por preocupaciones sociales y políticas. Los nacidos en la década del setenta somos herederos de una generación que intentó pensar y hacer un mundo diferente. Hoy en día la dinámica de la sociedad plantea otras reglas de juego, pero aquellos valores siguen vigentes y la forma de transmitirlos se ha ido modificando en un espectro de expresiones entre las cuales la música cumple un rol fundamental. La Mancha se hace cargo y desde su lugar no esquiva las balas de esta responsabilidad.

-En este sentido también participan de festivales y eventos sociales, como por ejemplo ir a tocar para los pibes a la cárcel. ¿Cómo surge eso?

-M: Esa fue una idea de un grupo de

-¿Y la gira por Cuba es otro ejemplo?

-T: Fue una experiencia social y cultural muy grosa para la banda. Fue una experiencia muy enriquecedora.

-M: Cuba es un país hermoso y un pueblo increíble. La pasamos muy bien y pegamos mucha onda.

Incluso nos enteramos que ahora hay una banda que hace covers nuestros, imaginate lo que significa eso para nosotros.

Fuimos para hacer dos recitales y terminamos haciendo diez shows en distintos lugares de Cuba, así que nos recorrimos todo y compartimos muchos momentos con músicos de allá y con la gente.

-Además de la cuestión meramente musical, la Mancha se caracteriza por la sinceridad y el contenido social de sus letras. ¿Es una postura colectiva?, ¿cómo lo construyen?

-M: Siempre, en todos los discos que hicimos, hubo una o dos canciones con una línea política, o una línea un poco más de protesta. Dentro de doce canciones hay un montón de cosas para abordar y es lindo ir matizando y que una misma persona pueda tener varios sentimientos paralelos y uno de esos sentimientos es lo que nosotros podemos observar de la realidad y lo transmitimos. Por ahí “Arde en la ciudad”, fue el tema más conocido en esa línea.

Ahora en el disco nuevo estamos explorando también la ironía política y el hecho de tomarnos un poco las cosas con más gracia.i La Mancha va a estar cerrando este ciclo “Viviré Viajando” el próximo 8 de noviembre en el estadio Obras, en el que será su único show del año en Capital Federal.

ARCHIvALO: JETHRO TuLL

JETHRO TULL Por Marcelo Acevedo www.wolftrap.org

BIO: A mediados de 1968 en Inglaterra, ´ Ian Anderson nacía liderados por el escocés Jethro Tull, banda de rock británico progresivo que aún hoy se mantiene vigente y que a comienzos de los años ´70 llegó a ser uno de los grupos más famosos e importantes del mundo. Hoy son la segunda banda de rock ´ de más antigua en actividad, después The Rolling Stones, y eso no es poco decir. ´ y algunos toques blues, folk inglés Su música esta constituída por una mezcla de hard rock, son se destaca en la mayoría de sus de música barroca y renacentista. La flauta de Ian Ander característica de la banda. Esta canciones, siendo este instrumento una inconfundible a, instrumentos como el saxofón, la agrupación suele utilizar para la creación de su músic y el acordeón, así como tambi´én, diarmónica, el laúd, la mandolina, la balalaika, la gaita Jethro Tull están compuestos por su ferentes tipos de flautas. La mayoría de los temas de ha estado desde sus comienzos hasta la líder Ian Anderson, único integrante de la banda que que lo acompaña desde la génesis del actualidad, secundado por el guitarrista Martin Barre ´ do disco (Stand up del año 1969) hasta el día de hoy. segun famosa lista billboard de Estados Fue el primero en alcanzar los primeros puestos de la la banda.

Unidos, haciendo llegar a oídos de todos el nombre de cuenta la historia de varios infames DATO DURO: El varias veces censurado álbum Aqualung, ólico y pedófilo. Otro de sus propersonajes: el principal es un mendigo sin hogar, alcoh y en la canción “My God“, atacan osatagonistas es Cross-Eyed-Mary, una joven prostituta, censurado en España, durante la damente a la Iglesia de Inglaterra. A pesar de haber sido ue muchos más son sus fanáticos) última dictadura de Franco, y de tener detractores (aunq los 500 álbumes de todos los tiemel disco fue incluido en la posición 337 de la lista de “Locomotiv breath“, perteneciente al pos, que hizo la revista Rolling Stones, y la canción . mismo, se sigue escuchando en todas las radios del mundo o en ventas en el Reino Unido fue SABÍAS QUE... : El único disco en llegar al primer puest banda, no sólo contiene fragmentos de Stand Up (1969). A diferencia de otros álbumes de la e toda´ piezas de folk inglé´s y jazz con algunos toques rockeros, aunqu blues, sino también endo por esos años. El disco fue envía no se acercaba al rock progresivo que estaba surgi “Bouree“, de Johann Sebastian teramente escrito por Ian Anderson, a excepción del tema ´ s más acordes a la banda. ´También Bach, canción a la cual dotaron con toques jazzístico , inspirada en el tema del Jazzista formaba parte del álbum la canción “Living in the past” cercano al rock que al jazz.

Paul Desmond, aunque los Jethro le dieron un estilo más

os por muchos los mejores de la IMPRESCINDIBLE: Sus primeros tres álbumes son considerad is a brick (1972) que llegó a ser númebanda: Aqualung (1971), su obra más universal, This r y único disco en llegar al primer ro uno en distintas partes del mundo, y Stand Up su prime ha necesaria para conocer a fondo a puesto en el Reino Unido. Otros de los álbumes de escuc grupo a sus raíces y fue galaradonala banda son: Crest of a knave, que marca la vuelta del ´ en ene canciones inéditas, temas do con un Grammy, y el doble Living in the past, que conti ´ .i ´ directo y antiguos éxitos

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EnTREvIsTA LATInOAmERICAnA: OnCE TIROs

En dos orillas Es una de las bandas más importantes de Uruguay y forman parte de la renovación musical que el vecino país viene experimentando desde hace algunos años, en donde la fusión de los aires rioplatenses se combinan con el rock, el ska y el reggae.

Pablo “Negrito” Silvera cantante de Once Tiros y Rodrigo Matuone manager de la banda, andan de visita por Buenos Aires en plan de realizar los preparativos para un nuevo desembarco en este lado del río. Van a estar haciendo un Roxy para el 15 de noviembre pero, además, ya estuvieron girando por distintos puntos del país.

Once Tiros tiene más de diez años en el ruedo, varios discos editados y la energía de una banda super movediza.

-Tanto en ustedes como otras bandas de esta nueva generación de músicos uruguayos se animaron a explorar otros

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horizontes musicales. ¿Cómo viven eso?

-Pablo: En nosotros particularmente tiene que ver con la curiosidad y con pararnos sin ninguna bandera.

Nos propusimos seguir investigando y probar más rock, ska, reggae, punk…

Experimentamos, por otros lados, la forma de la llevada. Si hay algún ska que se repita, bueno tratamos de llevarlo de otra manera, después aparecieron temas instrumentales, muchos más reggaes, temas pesados.

-Rodrigo: Y también son los tiempos personales que reflejan lo que estamos pasando. Cuando sacamos el primer disco yo vivía con papá y mamá, el segundo ya vivía

solo y ahora estoy formando una familia, o sea, cada etapa son años que pasan y cambiamos nosotros y cambió el contexto.

-¿Y con respecto a los géneros musicales que escuchan, son todos del mismo palo?

-P: Somos bastante diferentes. Escuchás nuestros discos y te das cuenta: los temas son tan distintos que reflejan la diversidad que hay, y tiene que ver con que escuchamos de todo.

-Hace muchos años que están girando. ¿Arrancaron de muy chicos, no?

-P: En nuestro caso arrancamos con nuestro primer disco teniendo entre 18 y 20

Por Pablo Gallo - Fotos: Prensa Once Tiros años. Nos agarró todo muy rápido y por eso nos fuimos dando palos y fuimos aprendiendo.

Es parte de un proceso, tuvimos que aprender a separar lo que era tener una banda y por otro lado entrar en un mercado que exigía cierta responsabilidad; estábamos pasando la adolescencia y vino todo al mismo tiempo.

-R: Imaginate con 18 años vas al bar a tocar, tenés el vasito de cerveza, la minita que se te arrima. Todo eso, es muy fuerte, te la podés creer demasiado cuando sos tan chico.

-Es que ser músico es un trabajo más y depende mucho de vos. En un punto sos el único responsable de tu carrera…

-P: Sí, por momentos tuvimos que ponernos en un lugar de definir para dónde tirar y no sólo laburar por inercia; sino llega un momento que no tenés control de la realidad y ya estás metido en el juego. Entonces la cosa es levantarte, salir a tocar y arriba!, pero bueno, sabés que hay cosas que querés y tenés que pelearla y no tenés que dejarte estar, aunque todas las cosas vayan en contra y todos digan que las cosas no van a salir, ese es el momento en el que hay que seguir remando. Por ahí las cosas demoran, pero cuando salen te forman, sos otro tipo de persona, cambió tu música, cambió tu encare, cambiaron un montón de cosas.

-Y eso queda para siempre.

-P: Si, y el día de mañana cuando estemos viejitos y nadie quiera ser músico y estemos para otra cosa nos vamos a quedar con todos estos recuerdos. De últi-

ma nos vamos a quedar con todo esto que nos forjó.

-¿Y ahora en qué etapa se encuentran después de 10 años?

-P: Pasaron muchas cosas, de las buenas y de las malas. En este momento, estamos en proceso de reencuentro, con aires nuevos. Volvimos a las zapadas, por ejemplo. Siempre uno está ensayando, porque tiene un recital, porque tiene un disco, todo al palo y te ponés con toda la paranoia del enrosque.

Está bueno que ahora aprovechemos este momento donde las cosas están terminando de encaminarse.

ahí hubo como un quiebre y la gente empezó a entrar a consumir bandas uruguayas, salieron las mochilas, salieron los festivales, salieron los boliches, todo el mundo se despertó de la noche a la mañana.

Antes era una cosa más under, ahora todo el mundo apoya, antes ni una panadería te ponía plata para un afiche (risas).

La gente empezó a escuchar, a respetar un poco más.

“El día de mañana cuando estemos viejitos y nadie quiera ser músico y estemos para otra cosa, nos vamos a quedar con todos estos recuerdos.

De última nos vamos a quedar con todo esto que nos forjó”.

-¿Con respecto al público argentino, qué diferencias perciben en relación al uruguayo?

- P: Para mí la gran diferencia es que el público argentino se asombra un poco más, es como más novedoso todo. En Uruguay estás en la vuelta de la esquina, tenés un contacto más real con la gente.

Acá no debe pasar tan seguido de cruzarte al músico de tu banda en la calle o en el barrio.

Hace un tiempo dimos un recital en Uruguay para tres mil personas y me acuerdo que fui al estadio en bicicleta desde mi casa.

-R: También está la distancia de por medio, por ejemplo ir a Córdoba y hacer 800 kilómetros por primera vez y tener gente viéndote que cantan del primero al último tema; no es lo mismo que ir a 15 cuadras de tu casa. Igual en general son diferentes, yo veo que acá son de corear los temas, en Uruguay no se estila tanto.

-¿Y la movida en Uruguay cómo se viene desarrollando?

-P: Mirá en Uruguay el rock under hasta el 2000 o 2002 era una cosa, a partir de

Decíamos al principio que Once Tiros es una banda movediza. Pero no sólo movediza en el aspecto musical, sino también en el aspecto visual y estético. La calidad de las ilustraciones que acompañan la propuesta instrumental

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es excelente, ya sea en los discos, como en los shows y en la página web.

Además la estética general está acompañada de un sentido filosófico general en donde las cuestiones cotidianas son pensadas minuciosamente con el filo de la poesía.

-La propuesta musical está acompañada por una batería de conceptos visuales y conceptuales. ¿Cómo laburan eso?

-R: La cuestión visual básicamente la pilotea Sebastián Santana, que también es el diseñador del disco. Y lo loco de Sebastián es que el tipo interpreta los dibujos leyendo las letras…

Es decir, interpreta, se inspira, hace los dibujos y nos sorprende…

-¿Y las letras, cómo surgen, cómo las trabajan?

-P: A las letras la mayoría las laburo yo, pero hay dos compositores más, con Santiago que es el guitarrista, componemos juntos y Lucas que tiene la particularidad de hacer sus propios temas, porque empieza un tema y lo termina. A mí, a veces, si me hace falta ayuda le pido a Santiago y el también a mí. Lucas te pasa el tema como lo percibió, es el más músico de la banda.

-Recién hablábamos de cómo las edades van marcando el proceso musical de la banda. Con respecto a la visión del mundo y a lo que reflejan seguramente va pasando lo mismo, ¿no?

-P: Sí, fijate que el primer disco es súper contestatario. Era la época más rebelde de cada uno y tiene que ver con la edad.

Igual eso sigue estando presente. Por ahí ahora no somos completamente directos, por ahí estamos un poco más sutiles. Si sos siempre directo, te volvés muy repetitivo y tampoco queremos ser panfletarios.

-¿Y ahora para el show del 15 que tienen pensado hacer?

-P: Vamos hacer un show largo, vamos a tocar los tres discos y armar un buen show desde el lado de la música. Ni sé si tanto desde el lado visual, más bien la idea es conectarnos con la gente desde lo musical.

-R: Desde lo visual tenemos la escenografía que hicimos hace un tiempo, que son trece cartas con el nombre de los temas, una cosa medio loca, está muy buena.i CONTACTO: www.oncetiros.com.uy

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INTERMUSICA S.A. IMPORT - EXPORT

Importa y distribuye: INTERMUSICA S.A. Email: ventas@intermusicaonline.com.ar www.intermusicaonline.com.ar Tel: (011) 4206-1190 Fax: (011) 4227-9500

EmpREsAs: Ds pICkups

DS PICKUPS

¿Contános cómo nace DS PICKUPS? DS PICKUPS nace en el 2001 por un hecho singular que marcó el inicio del proyecto. Siendo guitarrista y luthier, desde hacía varios años, me encontraba trabajando con un alumno en el diseño y la construcción de una Telecaster. Al llegar la etapa final de elección de los accesorios para ese instrumento, este alumno apareció con un micrófono TeleBridge que tenía su bobina cortada. Por entonces, el taller de mi padre (Donald Soich) contaba con dos máquinas bobinadoras que habían estado inmovilizadas durante algunos años, pero que se encontraban en perfecto estado. Ahí le propuse a Donald rebobinar ese mic y darle “vida” al instrumento por terminar. Teníamos, afortunadamente, un antiguo carretel de alambre de cobre adecuado para ese modelo y, después de algunas adaptaciones en la máquina, reparamos el pickup! Así nace DS PICKUPS.

¿Qué características particulares podés destacar de los productos que ustedes fabrican?

Una característica esencial que nos define como empresa es haber sido capaces de combinar en un mismo producto aquellos elementos “tradicionales” que caracterizan a los mejores micrófonos en la definición del sonido y ciertas propuestas innovadoras en los insumos que utilizamos para el ensamblado, por ejemplo, circuitos impresos de fibra de vidrio.

También hay que destacar que cada mic que sale del taller es ensamblado manualmente, es decir, recibe una personalizada y artesanal atención que, en definitiva, los diferencia de aquellos otros productos a gran escala que muchas veces presentan deficiencias técnicas y estéticas importantes. Por su parte, me gustaría contar que antes de lanzar nuestros modelos al mercado, nos tomamos más de cuatro años para testear y analizar técnica y auditivamente una amplia variedad de productos básicamente de orígen norteamericano, además de desarrollar nuestra propia cámara de vacío para parafinar los mics y crear un imantador especial para brindar a cada modelo un nivel de flujo magnético preci-

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Desde hace algunos años se producen en Argentina los micrófonos DS PICKUPS. Excelencia, calidad y diseño al nivel de las marcas más reconocidas internacionalmente.

Estuvimos charlando con Darío Soich, fundador y mentor de la fabricación de estos innovadores mics.

so. Para poder ofrecer estos micrófonos completamente diseñados y producidos en nuestro país fueron imprescindibles mi experiencia en EE.UU. como luthier, junto a Axel Rudich entre 1997-2000, algunas visitas a la NAMM en Los Angeles y la oportunidad de charlar, aprender y visitar importantes diseñadores de instrumentos y micrófonos de ese país. Esto me permitió adquirir una gran experiencia, que se sumó a la larga trayectoria de Donald Soich como ingeniero y especialista en bobinados. Pero no estamos solos en esta iniciativa, también Pablo y Bruno que trabajan en nuestro taller son piezas fundamentales del proyecto. En suma, este equipo de trabajo ha hecho posible contar en la actualidad con 24 modelos diferentes de tipo simple bobina, dobles y dobles en formato simple. ¿Qué exigencias existen hoy en el mercado local? Tanto desde la competencia como desde las prioridades del consumidor.

Las exigencias del mercado local, como en el resto del mundo, son tanto de índole técnica como también estética. La calidad de un mic está definida por su diseño y por la terminación que el fabricante le ofrece al público.

El sudeste asiático comprendió el valor de combinar lo barato y estético como posibilidad de venta, aunque desestimó la calidad técnica y los materiales empleados. Las empresas norteamericanas y su amplia trayectoria, han vinculado materiales de calidad y una buena presentación, pero sus precios son elevados y de difícil acceso a una gran diversidad de músicos. Nosotros nos propusimos suplir un espacio nunca antes cubierto, el cual reúne calidad en el diseño, selección de los mejores insumos disponibles, meticulosidad en el ensamblado y precios mucho más razonables. ¿Qué producto podrías destacar por algunas de sus características relevantes?

Para destacar en general, todos nuestros micrófonos están bobinados directamente sobre sus núcleos/imanes, característica que nos distingue de la mayoría de los fabricantes masivos y, al mismo tiempo, nos acerca a un tipo de producción artesanal de micrófonos. Pero, particularmente, estamos muy orgullosos del trabajo y los resultados obtenidos en nuestros últimos humbuckers, single-coil y Jazz Bass & Precision en ALNICO II & V. ¿Cómo es la selección y el trabajo con los insumos que ustedes utilizan para la fabricación?

La selección de los insumos supone ser muy exigente con la calidad de cada uno de los materiales que componen el mic.

Algunas piezas las importamos de EE.UU., otras son fabricadas en la Argentina.

Cuando, comparativamente, comproba-

mos que un insumo puede ser provisto por una empresa local con la misma o mejor calidad que lo norteamericano, preferimos trabajar con proveedores locales que producen realmente bien aquí.

Creo que esta actitud no sólo permite

abaratar costos, sino que también plantea una cuestión estratégica de generación de empleo y profundización de saberes locales que nos interesa apoyar. ¿O acaso los norteamericanos o los europeos no hacen lo mismo? Sólo es cuestión de encontrar los proveedores adecuados para cada componente necesario.

Varios artistas reconocidos han elegido utilizar sus productos. ¿Cómo se da esa relación? ¿Podrías nombrarnos algunos?

Trabajar con músicos y artistas profesionales es, sin lugar a dudas, uno de los aspectos más importantes y enriquecedores en el diseño de micrófonos. Siempre las últimas pruebas que se realizan en los prototipos son de tipo perceptivas y no técnicas. “En la cancha se ven los pingos”, dice el refrán popular.

Siempre les estoy profundamente agradecido a todos los músicos que con sus críticas y sugerencias constructivas nos confirman que no hay más sano ejercicio que la puesta en diálogo de cada experiencia y trayectoria profesional. A su vez, esta actitud se sustenta en una visión que creemos indispensable: diseñar y producir mics no sólo supone tener conocimientos técnicos adecuados, sino también concebir la actividad como un arte. Por eso, creo que en DS PICKUPS formamos un equipo de trabajo donde se combinan ambas visiones, técnica y artística, para obtener los mejores resultados posibles. Solo para citar algunos nombres reconocidos, podríamos mencionar a Don Vilanova (ex Botafogo), Litto Nebbia, Ariel Minimal, Fósforo García (Pez), Nonpalidece, Martín Porto, Hugo Méndez, Javier Viñas, Luis Cardoso, Javier Torrecillas, entre otros. Y, aprovecho la ocasión para invitar a los músicos a acercarse, recibir un trato personalizado y diseñar juntos los mics más adecuados a sus necesidades y proyectos artísticos.i CONTACTOS: info@dspickups.com.ar www.dspickups.com.ar

La Be lla o f re c e la m á s g ra nd e

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EnTREvIsTA: ALEJAnDRO nAgY

Con Voz Propia Desde hace más de 20 años el Rock en argentina tiene una voz inconfundible. En radio, televisión o en grandes festivales de música aparece la inconfundible marca de Alejandro Nagy.

Pero las palabras no son un instrumento más de expresión y Nagy lo tiene bien claro. Ser la voz de referencia durante tanto tiempo y para tanta gente implica necesariamente una responsabilidad y sinceridad en el oficio que muchos han dejado de lado.

Nagy dice lo que piensa.

Lo visitamos en la sala que El nombre del Padre, banda en la que Nagy toca el bajo, tiene en el barrio de Chacarita.

Se lo ve super tranquilo, distendido y desde el comienzo de la charla no hay dudas de que tiene cosas interesantes para decir. A lo largo de la conversación las referencias históricas y políticas brotan naturalmente de sus palabras. Incluso el nombre de su banda denota, entre otras cosas, algún toque con Jacques Lacan. Sin embargo sus referencias también hacen alusión a otro tipo de experiencias más callejeras, que dejan traslucir que nuestro personaje no ha sido precisamente una carmelita descalza.

Nagy es de la vieja escuela del rock: actitud y contenidos, nada de medias tintas.

La mayoría de la gente en este mundo

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vive de lo que no le gusta y trabaja de lo que puede. Tener la posibilidad de desarrollar nuestras ideas es una utopía y, de lograrlo, una excepción a la regla. Nagy es conciente de esto y asume la responsabilidad con la misma convicción que tenía cuando era niño y se llevaba la radio escondida a la cama.

había una mezcla tremenda de húngaros y alemanes que vivieron en un pedacito de Yugoslavia. Se hablaban cuatro idiomas al mismo tiempo, se hablaba castellano, húngaro, yugoslavo, y también alemán. Son cuatro idiomas que no tienen absolutamente nada que ver entre sí, uno es eslavo, el otro es latino, otro es sajón...

-¿Contanos cómo es que la radio llegó formar parte de tu vida?

Es lo que yo quería, está conmigo desde que era muy chico; tengo el recuerdo de llevarme la radio escondida hasta la cama. En casa había mucha música todo el tiempo y de todos los géneros. Era como una gran casa de locos, de origen húngaro y medio gitanos, no gitanos de ascendencia, gitanos de corazón. Esa cosa caótica y anárquica. Por el lado de mi papá,

-Aparte la historia y las tradiciones son todas distintas. Tenías varios mundos en una sola casa.

Si, etnias totalmente distintas. Si lo mirás por el lado histórico, son cuatro mundos que se enfrentaron alguna vez; tenemos desde los vikingos, gente jodida si las hubo, hasta los eslavos, gente de montaña, difícil, cerrada.

Y por el lado de mi vieja tengo algunos indígenas, un poco de sangre gallega, árabes.

Por Pablo Gallo - Fotos: Nadia Mastromauro -¿Y cómo no explotaste en la coctelera?

No se (risas)…

El experimento dió resultado, aguanta, aunque estuve un millón de veces a apunto de reventar.

Me parece que para poder definir por qué llego a la radio hay que pensar en todo esto. Era lo que quería y para poder definir qué es lo que quería, creo que está detrás este bagaje, los cuatro idiomas, el oído se desarrolla y al desarrollar el oído ante tantas diferencias empezás a generar una musicalidad y una forma de reconocer matices, tonos, respiraciones, silencios: música y palabras todo junto. Esa es la base de la radio y bueno, si lo veo desde ese punto de vista, era hasta lógico.

Además también estaba la música; y mi vieja, ella era gran bailarina de tango, folklore. A través de ella fui visitando Santiago del Estero supe de qué se trata la chacarera; por qué el violín, y por qué es bombisto y no bombista.

A veces se preguntan por qué Diego Arnedo toca el bajo como lo toca, para mí quizás es el mejor bajista de la Argentina y aparte es un tipo al que aprecio mucho. Vos lo ves tocar y lo que hace es tan particular, es simple, tiene raíz santiagueña. El santiagueño está acostumbrado a tocar solo, porque los demás andá a saber donde están, entonces el bombisto empieza y hace métrica, baja, sube, hace matices, juega, trata de cantarle arriba; el otro con la guitarra lo mismo, en la chacarera, armonía y métrica.

Claro, entonces tenés un bajista que es armónico, que es métrico, tiene todo junto, slap, mete, toca; es un bajista que puede tocar sin necesidad de nadie.

-¿Y cómo empezaste?

La verdad, escuchando, sino sos participe de alguna manera, estás perdiendo el tiempo.

-En cualquier ámbito de la vida, ¿no?

Si, ser espectador esta bien cuando no tenés otra expectativa que no sea la de ser espectador, ahora si de repente lo que vos estás escuchando en una radio, o viendo una película, o en un escenario, o alguien que esta haciendo una obra de teatro y sentís que vos podés hacer eso, no se si mejor o peor, pero que vos podes hacerlo, algo pasa ahí.

Yo de repente me descubrí hablador, contador de historias, y que contaba algo y había interés de parte del que escucha.

Y se fue generando esa cosa interna, voy a buscar el medio, voy a buscar la radio, presentar una canción y decirte por qué me gusta. Y estando adentro del medio descubro que me gusta más hablar de algunas cosas y es por eso que no me puedo transformar en crítico, no me interesa el rol de crítico, por más que hayan señalado que yo no hacía crítica.

-Estaba pensando, que en tu laburo se

juntan la forma, la técnica, pero también las ideas, los contenidos. ¿Cuándo te das cuenta que tenes algo particular con la voz?

Eso lo descubrís más con la negativa que con la positiva. Cuanto más te rebotan, cuanto más te dicen que no podés para determinadas cosas estándar, tenés dos opciones, o te adaptás y terminás laburando por dos mangos haciendo lo que los demás quieren, o en algún momento te salta la térmica y vas a encarar lo que vos realmente querés.

No se si hoy podría hacer un aviso para vender ropa de bebé, a no ser que me lo paguen bárbaro. No tengo una voz para vender pañales, pero sí me fue bien para vender leche chocolatada para chicos.

Cuando me preguntaron si podía hacer una locución parecida a los dibujitos del Correcaminos y el Coyote, dije “marca Acme”, bueno si, eso quiero, dámelo.

Me di cuenta que esa particularidad también te hace laburar.

“Cuanto más te rebotan, cuanto más te dicen que no podés para determinadas cosas estándar, tenés dos opciones, o te adaptás y terminás laburando por dos mangos haciendo lo que los demás quieren, o en algún momento te salta la térmica y vas a encarar lo que vos realmente querés”.

Nagy se involucra laboralmente con la radio en la década del ochenta. Sin dudas en esos años se expresó una de las generaciones artísticas más movedizas a nivel mundial.

En nuestro país coincidió con el fin de la dictadura y la apertura democrática.

Aires nuevos circulaban y el impacto en la escena nacional dejó sus huellas para siempre. Comenzaron a llegar artistas internacionales, discos, información, etc.

Para Nagy “Sumo fue LA banda Argentina, la que partió al medio la historia, sin duda alguna. También, qué querés, era un carro de locos, esa sí era gente loca.”

-Y… eran de otro planeta…

Sabés que sigo pensando que al día de hoy, la gran mayoría no lo terminó de descular a Sumo, no terminó de entender de qué se trataba.

-¿Se habrán adelantado veinte años?

No, estaban bien para el tiempo, lo que pasa es que nosotros no estábamos acorde al tiempo, ellos vivieron bien la década del ochenta. El argentino promedio no estaba acorde a esa época, tuvo que acelerar mucho y se perdió en el medio.

Cuando yo tenía catorce tendría que haber sido Punk. Andá a salir con catorce años en 1976, con una cresta… terminaba en el calabozo, con suerte. Lo que pasaba en el mundo no lo podíamos vivir acá, recién el primer grupito de pibes que pudieron viajar, fueron los que trajeron fue el primer punk argentino.

-¿Es que la nuestra en su momento fue una sociedad un poco pacata? ¡Una sociedad de mierda! Vienen estos tipos, un Tano con la cabeza súper evolucionada, se junta con grupo de almas perdidas que coinciden perfecto con él, arman eso llamado Sumo y el resto tuvo que aprender rápido de qué se trataba y la gran mayoría no entendió y se quedó con un par de cosas.

Cuanto boludo hay que se quedó con lo de la ginebra de Luca, ¡mucho boludo!, “yo tomé mucha ginebra con Luca”, el que dice eso es un pelotudo, no aprendió nada.

-Lo del discurso reviente también tiene que ver con la trasgresión, las disconformidades…

Sí, la parte del rocker reviente surge por un montón de insatisfacción en tu vida, cuando sos adolescente; no sos ni un adulto completo y ya dejaste de ser un nene, estás a mitad de camino. Sos una especie de ameba que esta tomando forma, todos pasamos por ahí y algunos nos gusta estirar eso como hasta los cuarenta más o menos (risas).

Pero la verdad, cuándo te toca esa situación, estás rabioso, con bronca, el mundo no te entiende un carajo, no hay un lugar donde puedas estar cómodo.

Y tenés esos que dicen, “viste lo que escuchan los pendejos ahora”, ojo, estás hablando como tu viejo, las mismas boludeses que decía tu viejo cuando vos escuchabas Maiden.

-Imagináte el poder que tenés como comunicador, hay cierto poder de influenciar, sos conciente de eso, cómo lo piloteas?

El primer ejercicio real fue con el Ruso Verea, haciendo Heavy Rock & Pop. Ahí nos dimos cuenta hasta donde podía llegar a pesar la palabra, era saber que cuando nos íbamos a dormir, yo quería dormir, quería tener mi conciencia tranquila, aún sabiendo que si lo que dije podía afectar a muchos o a pacos.

-Es algo qué pensás, qué te hace ruido…

Sí, en algún momento lo pensás, pero me parece que la conciencia es un juez muy

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particular, es juez muy jodido y, como la balanza para el gordo, es un juez inapelable, su sentencia es absoluta, no hay posibilidad de negociar nada, es absolutamente incorruptible.

Una vez alguien me dijo una frase muy hermosa, “al mundo lo construyen los neuróticos por culpa, lo destruyen los psicópatas por placer y los únicos que lo disfrutan son los locos”.

-¡Lo peor es que todos somos un poco cada cosa!

Si, lo peor es que tenemos un poquito de cada, pero ojo, algunos más que otros (risas).

Concretamente es una responsabilidad para con uno y hay un momento que te aprieta el zapato, te joden un montón de cosas hasta que uno dice no va más. Cuando querés dormir y das vuelta en la cama y no podés, algo te esta rompiendo las pelotas.

-Además, el tema es sostenerse en el tiempo, ¿cuánto hace que estás en la radio?

Y… bastante, desde el 1986, unos veintidos años y en Rock & Pop desde el año 1988…

-Mucho tiempo, muchas cosas han cambiado…

Sí, ahora los chicos ya no compran más discos, bajan música. Compramos discos, bueno aquellos que desarrollamos un poquito más el oído y que dijimos “¡epa!, había algo que se llamaba disco, vamos a comprar a ver que onda”. ¿Y con los instrumentos, como músico, cómo vino la onda?

Yo quería ser guitarrista y había algo que se me negaba…, un día se aparece mi hermano con un bajo y se lo empecé robar y orejeando pude sacar el solo de Rinaldo Rafanelli de “Adiós Sui Generis”. Después en el barrio querían armar un grupo... y me enganché.

Era medio burro, me mandaron a estudiar y más o menos zafé, no está mal reconocerlo, le pongo un poquito de voluntad, un poquito de ganas y me parece que hay una posibilidad de hacer al-

El nombre del Padre

do, estábamos todos haciendo terapia, aparte es que mucha gente lo asocia con la película, también hay gente que lo asocia con algo religioso. En realidad, hace referencia a una teoría muy clara, lo que representa es confuso y eso está bueno.

Nagy está vinculado a los sonidos desde varías facetas. Una de ellas es como músico en sí mismo. Actualmente está tocando el bajo en la banda El Nombre del Padre, en donde el rock más crudo de los 70 encuentra un espacio de contemplación, un poco a contramano de lo que marca esta época signada por los sonidos de las maquinolas y los retoques técnicos.

A la charla se suma Alejo, guitarrista del grupo.

Se pusieron el nombre por alguna cuestión en particular?

-Alejo: Sí, tiene relación con el psicoanalista Jacques Lacan.

El nombre lo trajo Sergio, el primer batero, estaba bueno nos parecía diverti-

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-¿Desde cuándo están juntos?

-Nagy: Nosotros estamos juntos desde el 2003, empezamos los primeros ensayos, después Alejo ya es parte de la banda en el 2005…

Después estuvimos un poco a la deriva, muchos mares de fondo. Pasó que hubo gente que tal vez no entendió ciertos principios básicos de convivencia como para poder funcionar y en un momento ya estaba todo podrido, al punto que ya estábamos medios cansados…

-A: Es lo que pasa con todas las bandas hasta que la cosa empieza a cuajar y, es así, lo que pasa es que cuando uno conoce a las bandas que ya son conocidas, no ve lo que hay atrás, todo el duro proceso de desarrollo.

-¿Y este último tiempo cómo vienen?

-N: Bien… a principio de este año nos juntamos, charlamos y si no hacemos más cagadas y no permitimos que pase otra vez lo mismo y darnos cuenta que si la sostuvimos nosotros, la tenemos que seguir sosteniendo. Simplemente, cómo, tratando de tener buenos modales, más relajados...

Me parece que tiene que ver con eso, estábamos muy cebados.

-Y bueno, tienen un nombre relacionado con el psicoanálisis, con el amor

go, nadie te lo impide y si nadie lo impide no veo porque prohibírselo uno mismo.

-¿Quién te va a prohibir darte un gusto…?

Exactamente, lo que no está prohibido tácitamente o sustantivamente está permitido...

-¿Y te has dado otros gustos, así expresivos?

Me encantaba escribir, pero si me pongo a escribir en serio, me tengo que poner a corregir y no, me agarra un ataque de embolia total.

-¿La particularidad de la locución es que es instantánea, no?

Sí, lo mejor del mundo, es el momento, todo empieza y se termina ahí, fue…

-Sí, igual podés quedar pegado, viste que hay un par de locutores que dicen cualquier cosa…

Ni hablar… por ejemplo, “si mi vida” (risas).i

odio, con las reglas y los límites…

-N: Sí, con el caos, la psicosis… por esta banda pasaron un par, uuufff, no sabés, y ya está, es mucho laburo, te desgasta, te quema, te termina quemando.

Este es un monstruo con la guitarra, las cosas que hace te parten el cerebro, nada, hay momentos en la sala que realmente nos divertimos la estamos pasando bien y si perdemos eso estamos muertos.

-Desde lo musical, cómo es el encuentro entre ustedes, están en el mismo palo, escuchan cosas distintas.

-A: Y, uno va cambiando mucho con los años.

Vas escuchando cosas distintas. Creo que lo que más nos acerca desde lo musical puede ser, por ejemplo, Zeppelín, es decir, bandas con guitarras fuertes…

-N: Sí… y las bandas medio crossover, de los noventa, creo que ahí también encontramos un punto de contacto.

-¿Las ideas en la composición y en lo que hacen cómo las laburan?

N: En la sala..., a la vieja usanza. Me parece que es por donde tiene que ir la banda también y, divertirnos un cacho.

-A: Sí, pero la onda ahora más que nada es tocar y tocar. Estuvimos en el Pepsi y hubo una muy buena recepción, salió muy bueno.

También hay para hacer un par de fechas en San Justo, también Petecos, hay un Roxy a fin de año.

-Hay algo más que nos quieran contar…

Saludos y que la banda agradece a las cuerdas Magma y a la familia Medina que realmente nos dieron una mano bárbara.i

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Milongas a orillas del Paraná Rosario, orillera y portuaria, todavía conserva cierto espíritu arrabalero en sus milongas y tanguerías. El Paraná, las calles adoquinadas, los galpones del puerto, los farolitos de Boulevard Oroño, pintan un paisaje urbano digno de compararse con ese Buenos Aires querido.

Para los amantes del dos por cuatro las opciones abundan. La milonga Las Chirusas va rotando de lugar pero nunca pierde la calma. Capáz que te la encontrás un martes a la noche en Mano a Mano, o algún domingo en El Café de la Flor. Se ven gentes de todas las edades, abrazaditos al ritmo de algún tangazo, muchachas cerrando los ojos con sentimiento y muchachos apretando esa mano traviesa a la cintura de alguna pebeta. Es típico ver a las damas vestidas todas de negro, con sus medias de red, polleras ajustadas y zapatos de taco elegidos cuidadosamente para la ocasión, salir a fumar a la puerta de la tanguería; contrastando con las nuevas generaciones, que en jean y zapatillas no se privan de disfrutar de esos nostalgiosos acordes.

También viernes por medio se arma el bailongo en el Teatro de la Plaza. Desde temprano va cayendo gente al baile, porque antes de dar inicio a la milonga hay una clase para aquellos que se aventuran por primera vez en la porteña danza o para quienes, ya viejos bailarines, quieren afianzar la precisión de sus giros y volcadas. Hasta algún rubio grandote, notorio turista, se anima a aprender el paso básico.

Pero en Rosario la milonga no sólo vive de noche. Los domingos por la tarde, en la ya conocida Glorieta del bajo, se arma el tangazo entre aquellos que se acercan específicamente para la ocasión y quienes, casuales transeúntes, salieron a caminar por el parque y decidieron cambiar el trekking por el ocho y el bandoneón.

Así, todos se suman, todos bailan, la pista espera. Polaco Goyeneche, cantame un tango más.

Lara Pellegrini, desde Rosario

La Plata, capital de provincia Es conocida por sus diagonales, por sus empleados públicos y sus estudiantes universitarios. Y, según la experiencia personal, debe ser la ciudad con más habitantes foráneos que llegaron alguna vez para quedarse. Y esa es la clave que explica como es posible la diversidad y la abundancia musical que caracteriza la vida cultural de esta ciudad.

Están los que gustan del rock, del reggae, del jazz, de la música rioplatense, de la murga y el folklore. Todos tienen su lugar, desde el corazón de alguna plaza de barrio hasta el gigante Estadio Único.

El fin de semana comienza un miércoles o un jueves para los que disfrutan variados covers o alguna imperdible perlita como Botafogo en Caetano Bar, íntimo y cálido para disfrutar una noche que puede o no terminar temprano.

El Teatro, a media cuadra de la avenida céntrica, supo acunar las primeras visitas de La Vela Puerca a nuestra ciudad y después de Cromañón fue cerrado y remodelado. Hoy, a buen precio, invita a mimar los oídos con música rioplatense de aquí y de allá.

Para los más inquietos, para el pogo, para bailar y saltar la recorrida puede comenzar en el hoy 565, que año a año cambia el nombre pero no la esencia, el Ayuntamiento, el tradicional estadio de Atenas y las imperdibles peñas de los jueves y sábados en La Salamanca (Nota de la redacción: puntaje especial para las empanadas).

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Y para no pecar de omisión, termino estas líneas recomendando el corazón del sur de la ciudad que, desde 1998, vecinos y artistas hicieron de la vieja estación de tren abandonada un verdadero centro cultural. Entre adoquines y el verde del parque se amontonan los bares y la gente, la música y el arte: Bar imperio, Mirapampa, Ciudad vieja, Centro el Faldón y hasta los garages brindan colorido y alegría al son de la música local.

Dolores Marengo, desde La Plata

Las sierras de mi ciudad Córdoba es conocido por sus sierras y sus ríos, también por el clima seco y calido -incluso algunos llegan a decir que tenemos uno de los mejores climas del país. Pero esto no es todo, además esta provincia también es identificada con la música y los grandes Festivales. El caso del Festival de Villa María o la paradigmática ciudad de Cosquin, tanto en su versión autóctona, con sus peñas y el folklore a flor de piel, como en la propuesta roquera, que en los últimos años ha superado todas las expectativas transformándose en uno de los encuentros más destacados a nivel nacional.

Pero Córdoba es más que estos Festivales. Desde hace algunos años se vienen desarrollando una gran cantidad de encuentros que, aunque con menos prensa, no dejan de ser tan importantes como novedosos y año tras año van convocando cada vez a mayor cantidad de público y artistas.

Solo por mostrar un par de ejemplos repasemos algunas propuestas.

Hace tan sólo unos días se terminó de presentar la séptima edición del Festival Internacional de Música Barroca. Si señores, Córdoba tiene su propio festival de música del período barroco europeo y latinoamericano. Este particular encuentro se desarrolló en distintos edificios históricos de nuestra ciudad capital, cómo así también en distintos puntos del interior de la provincia, como las famosas Estancias Jesuiticas. Músicos de distintas partes del mundo se hacen presentes cada año para deleitarnos con tan particular estilo.

Otro evento novedoso en la provincia es el Onroutefestival, que ya se realizó durante los últimos cuatro años y que convoca a toda la comunidad electrónica de distintos puntos del país. Este año se realizó al aire libre en un predio rodeado de bosques con cientos de árboles y pinos, que queda en el camino a Pajas Blancas a unos 8 km de la ciudad de Córdoba. Miles de seguidores de la movida electrónica se hacen presente cada año en el festival más importante de su tipo en el interior del país.

El Trovarock 2008, es otro ejemplo de nuevos encuentros musicales en la provincia. Desde hace tres años se desarrolla en la ciudad de Córdoba este popular festival de música y expresiones artísticas en general, cómo teatro de la calle, cuentacuentos, malabares, talles de trabajo, etc. Durante dos días consecutivos conviven artistas de diferentes ramas haciendo del festival un verdadero encuentro interdisciplinario.

El Festival Reggae Punkie Party es un clásico de la provincia.

Probablemente sea el festival de reggae más importante del interior del país y convoca todos los años a una enorme cantidad de bandas que se hacen presentes desde todos los puntos cardinales. El encuentro se realiza durante el verano en las sierras cordobesas, generalmente en la zona de Capilla del Monte. La edición 2007 se realizó en un predio enorme, en un lugar llamado Pueblo Encantado.

Sin dudas la combinación de río, sierra, verde y reggae hace de este festival una opción irresistible.

Así que ahí tienen. Córdoba tiene mucho para ofrecer y de a poco la vamos a ir descubriendo.

Floreal Nava, desde Córdoba.

JOIN Webs - joinsg@gmail.com

‘“En 1858, con la llegada a la Argentina de Francisco Nuñez, se comienza a escribir una historia movilizada por el sueño de un gran artesano.

Pasaron 138 años y el deseo de Francisco de convertirse en el mejor constructor de guitarras del país se hizo realidad.

Artistas como Eduardo Falú, Atahualpa Yupanqui y Luis Salinas han confiado en la sonoridad y calidez de cada uno de los instrumentos diseñados con dedicación y profesionalismo.

Hoy, con su legado como mayor exponente, Antigua Casa Nuñez es sinónimo de excelencia en construcción de guitarras de concierto en nuestro país”.

Sarmiento 1573 - Buenos Aires - Tel. (54 11) 4375-1045 MBS 47 www.antiguacasanunez.com

DIsCOs

al Green “lay it Down” eMi

luego de algunos intrascendentes trabajos dedicados al gospel, al Green tomó la decisión de volver a los primeros planos de la música negra, para ello recibió una mano del eficiente productor ahmmir “?uestlove” thompson, incuestionable responsable del éxito de joss stone, con quien grabaron Lay it Down, un disco de r&B y soul netamente ortodoxos pero que cuenta con la colaboración de jóvenes artistas como john legend en “stay with me (by the sea)” y su musa británica, corinne Bailey rae, en “take Your time”. entre tanto neosoul, el sacerdote de Memphis prefiere entregarnos un disco para aquellos oídos adoradores de lo vintage.

julieta venegas “Mtv unplugged” sony BMG

a través de los años, los Mtv unplugged’s han representado un punto de inflexión en la carrera de los artistas que han conocido el placer de vivirlo. esta vez fue el turno de la dulce julieta quien nos da un repertorio finamente compuesto por sus canciones “no tan conocidas”. los arreglos de cuerdas revisados por el legendario jaques Morelenbaum parecen pensados para generar un clima circense en el que la anfitriona será acompañada por distintas estrellas de la música iberoamericana, desde Marisa Monte y la Mala rodríguez hasta Gustavo santaolalla, que harán aún más especial a esta mágica velada.

Beck “Moder Guilt” universal

elaborado y producido en menos de un mes por el mismo Beck Hansen y Danger Mouse, mitad del dúo Gnarls Barkley y cerebro de Gorillaz soundsystem, Modern Guilt nos presenta, diez canciones inequívocamente originales que sólo buscan mostrar su esqueleto, la canción en sí, sin largas intros o delirios instrumentales. en un disco donde predominan las rítmicas de la música mas lisérgica de los 60’s, voces fantasmales y profundas letras sobre preguntas metafísicas carentes de respuestas, Beck alcanza el mismo espíritu de seriedad que lo dominó en Mutations (1998) y el disco mas depresivo de su carrera, Sea Change (2002).

Metallica “Death Magnetic” Warner

en un intento por conformar o recuperar a la audiencia perdida luego del nefasto St. Anger (2003), lars ulrich, Kirk Hammeth y sus amigos intentan dar un volantazo al carro para retomar el rumbo que perdieron hace 15 años. Death Magnetic posee impetuosas intros y salvajes solos en cada una de las, por mal que nos pese, interminables canciones. su monotonía es tan dura y pesada como ese turrón navideño berreta que nos amarga las fiestas. aunque si pensamos lo que fue su marciano y bizarro predecesor, en éste disco Metallica está encaminada a ser la banda que alguna vez conocimos escuchando su consagratorio Black Album (1991).

cadena Perpetua “en vivo en Obras 2007” sony BMG

este cD+DvD registra el show que la banda de villa Devoto realizó el 22 de junio del 2007 en el mítico estadio Obras - actual Pepsi Music -. Destilando energía y agresividad al mejor estilo de los Bad religión o la Polla records, el concierto reúne los clásicos “si me ves”, “Buscando salidas” y, los no tan clásicos “violencia”, ”culpables”, que los cadena sembraron a lo largo de sus 18 años de carrera. este álbum muestra lo que es y lo que fue, el crecimiento y el trabajo que la banda del “vala” valente ha hecho para alcanzar la consolidación definitiva dentro del circuito del punk nacional.

luis alberto spinetta “un Mañana” universal

en el aniversario de los 40 años del lanzamiento del disco que lo pondría al lado de los padres fundadores del rock nacional, “el Flaco” parece encontrarse mucho más comprometido con la tragedia del ecos que con el devenir de su propia carrera. Un Mañana sigue la línea creativa de sus dos mágicos predecesores: Camalotus (2004) y Pan (2005). son 12 accesibles canciones grabadas en cinta analógica, sin intervención digital, sólo la banda tocando en vivo lo que genera un sonido más calido, que nos recuerdan a las distintas etapas de su infinito legado musical. el aura de luís alberto spinetta está más intacta que nunca.

Miles Davis “We Want Miles” sony BMG

MGMt “Oracular spectacular” sony BMG

Dos universitarios de Boston cambiaron las fiestas donde sólo tocaban la canción de los cazafantasmas por una gira alrededor del mundo como teloneros de Beck, su nuevo padrino artístico. en Oracular Spectacular los MGMt -dígase Managementamalgaman estilos como el synth-pop, el noise rock y un poco de psicodelia folk al mejor estilo the Flaming lips. el uso excesivo de sonidos electrónicos de sintetizador convierte a “electric feel” y “Kids” en piezas hipnóticamente bailables, mientras que con el efecto narcotizante de la nostálgica “time to Pretend” es suficiente para catalogarla como una de las canciones del año.

siempre que estemos frente a un disco en vivo de este sacro trompetista debemos aceptar a priori un hecho fundamental: escucharemos jam’s del mejor free jazz que rondan los 20 minutos de duración ejecutadas por un viejo Miles Davis y su batallón de prometedores alumnos. We Want Miles recopila en 2 discos lo mejor de tres conciertos realizados en nueva York, Boston y tokio durante 1981 en los que versiona a gusto y piacere “My Man’s Gone now” de George Gershwin y repasa hitos de su carrera como “jean-Pierre”. todo esto en compañía de Mike stern en guitarra, Bill evans en saxofón y un inspiradísimo Marcus Miller en Bajo.

Gogol Bordello “Gipsy Punk underdog World strike” alerta! Discos recientemente editado en la argentina debido al éxito global que tuvo su último disco Super Taranta (2007), este álbum que fue producido por el legendario productor indie steve albini, es un buen plato de lo que el refugiado ucraniano eugene Hutz y su tropa de freakys de europa del este son capaces de hacer: una mezcla justa de punk rabioso y música gitana condimentada con un poco de tango, cumbia y cabaret expresada a lo largo de los 15 temas que integran el disco. la festiva “not a crime” es el nuevo himno del rock balcánico, “immigrant Punk” narra cuan complicado es que su música sea comprendida en los estados unidos y “60 revolutions” mas que un plagio a “Hijo nuestro”, es un reconocimiento al pensamiento tercermundista de la banda de Fidel nadal, todos tus Muertos.

soda stereo “Me verás volver Gira 2007 - DvD” sony BMG

tony 70 “sonrisas” sony BMG

los abanderados del funk nacional vuelven con sonrisas, su segundo disco de estudio, en el que intentan deslindarse un poco del funk & soul puro para salpicar sus melodías con un poco de pop y bossanova. en las diez canciones que componen al disco, la banda de Martín elías emana menos agresividad que en su disco debut, dado que se alejan un poco de sus influencias más negras, como sly & the Family stone o P-Funk, para estar mas cerca del estilo de los franceses Modjo o Morcheeba. el toque chill hace que Sonrisas sea ideal para escucharlo al caer la noche, con luces bajas, una buena bebida y algunos buenos amigos.

Gustavo cerati, Zeta Bosio y charly alberti no dejaron pasar la oportunidad de documentar en un DvD doble lo que fue la gira más multitudinaria de toda la historia del rock latinoamericano. el primer DvD que compone esta edición muestra los momentos más avasallantes y emotivos de los conciertos realizados alrededor de nueve países durante el 2007. Mientras que el segundo trae un documental sobre la vida e historia de soda stereo, entrevistas a sus integrantes y lo que fue la intimidad de la previa y el backstage de los conciertos. aunque su envoltorio no es muy atractivo, este dvd no puede faltar en ninguna videoteca.

ac / Dc “Black ice”

los ac/Dc se encerraron unos meses y después de ocho años nos traen un material potente, que tiene todas las “fichas” para convertirse en otro Back in Black. el esperadísimo disco en cuestión es Black ice, que los llevará a una gira mundial y con un poco de suerte los tendremos por estos pagos, para escuchar mucho rock y esos riff de guitarras rabiosas como sólo angus Young puede hacer, acompañado con la voz intacta de Brian johnson. este nuevo material llega a la argentina con cuatro pack´s de puro rock auténticamente ac/Dc, que está haciendo que el viejo rock vuelva a sonar en las radios argentinas, con su corte difusión.

W e b 2 . 0 , a n á l i s i s , n o ve d a d e s y d a t o s c u r i o s o s Bootlegs: The Roots Live in Red Rocks En sus 20 años de carrera, los Roots supieron protagonizar un show cargado de una dinámica y una potencia sin igual.

Realizado en un imponente anfiteatro natural que aprovecha la acústica del Gran Cañón del Colorado y con la curiosa participación especial de Vernon Reid (frontman de Living Colour) en guitarra, la banda del influyente baterista y productor Ahmmir “?uestLove” Thompson atraviesa un repertorio que va desde un agresivo hip hop salpicado con pequeñas gotas de hard rock, hasta las más virtuosas Jam Sessions ejecutadas por cada uno de sus integrantes. www.therootslive.com

Canciones The Strokes feat Eddie Vedder & Josh Homme “Mercy Mercy Me”.

Esta reversión del clásico de Marvin Gaye, incluida como lado-b en el single de “You only Live Once”, cuenta con la presencia de la nostálgica voz de Vedder y los oscuros acordes emitidos por la guitarra de Homme.

Una pequeña colaboración para que los Strokes puedan instalar la temática del cuidado del medio ambiente y la paz mundial en la agenda de todos sus despreocupados seguidores. www.itunes.com

MySpace’s Groove Collective En honor a su nombre, los GC fusionan géneros musicales urbanos, como el jazz fusión y el funk con ritmos de las más remotas y exóticas partes del mundo, desde afro-latinos hasta hindúes y del cercano oriente. Un verdadero manual de jazz y world music para oídos iniciados en la materia. www.Myspace.com/groovecollective

Seeed Desde Berlín, once músicos, tres cantantes y un dj plantean una experiencia autodefinida como “multicultural”, dado que los integrantes de la banda provienen de distintos países, en donde atraviesan los ya conocidos campos del reggae, el hiphop y el dub. Es un intento por domesticar a quienes no pueden escapar de la jungla de concreto. www.Myspace.com/seeed

En éste espacio podés recomendarnos y compartir con nosotros la música que escuchás en myspace correo@mbsmusicos.com.ar

MBS 49

ARRIBA LAs BAnDAs

The Box

La Chusma

INTEGRANTES: Luján Martínez (voz), Mauro Romero (bajo eléctrico), Federico Tarquini (guitarra acústica) y Lito Scoccimarro (percusión).

INTEGRANTES: Cholo (guitarra y voz), Traga (bajo y coros), Lelo (batería), Turco (teclados), Ariel (acordeón), Angelita (charango) y Tano (bombo de murga).

Banda marplatense de covers internacionales que apunta a un show integral, otorgándole importancia no sólo a lo auditivo, sino también a la parte visual y estética. Su repertorio enmarca las distintas épocas de la música pop, desde los años ochenta hasta la actualidad, en versiones acústicas que brindan un color especial y personal.

Identificados con distintos ritmos latinos sin dejar de lado la actitud roquera, La Chusma combina en su propuesta musical géneros tan diversos como la murga y el reggae con el rock & roll.

Las letras también se destacan por el contenido social y político que expresan, además de reflejar la realidad de todos los días.

CONTACTO: http://www.myspace.com/theboxmdq mail: simonysimon@hotmail.com

CONTACTO: www.lachusma.com.ar /www.fotolog.com/la_chusma_rock www.purevolume.com/lachusma

Radio Ska

Sencillo

INTEGRANTES: María Fabrizio (saxo alto), Laura Bonanata (saxo alto), Leonardo Cullari (saxo tenor), Adrián Alarcón (trompeta), Federico Sanjurjo (trombón), Leandro Carnechia (guitarra), Federico Quian (bajo), Fernando Zagales (percusión) y Leandro Miguens (batería).

INTEGRANTES: Hugo Zalasar (voz y guitarra), Mariano “Rolo” Silva (guitarra), Nicolás Concepción (bajo) y Leonardo “Zeta” Salaber (batería).

Más que una banda, RADIO SKA representa una verdadera orquesta en donde el reggae y el ska jamaiquino se expresan de manera instrumental como lo hacían las bandas clásicas del género. Ya pasaron por el Pepsi Music junto a grandes bandas internacionales y ahora se encuentran mezclando su primer disco, el cual tendremos próximamente en las disquerías.

CONTACTO: www.purevolume.com/radio_ska radioskainstrumental@gmail.com

Banda oriunda del oeste del Gran Buenos Aires que nos propone un formato de agradables canciones de rock, con excelentes melodías y buenos arreglos rítmicos y armónicos.

La producción del disco homónimo Sencillo, fue realizada por Ivan Gramático (cantante de Ojas) y Matías Zundel (bajista de Ojas).

CONTACTO: sencillo7@gmail.com www.fotolog.com/sencillo

carme@ciudad.com.ar Tel.: 4683-0905

pRODuCTOs

CARME S.R.L.

DS PICKUPS

Batería Premier Cabria PK (Power Kit)

Micrófonos JAZZ BASS® & PRECISION®

La batería Premier Cabria PK se caracteriza por estar construida con maderas seleccionadas para un rico y vibrante sonido profesional, con brakets en toms flotantes y un poderoso tom holder basculante (roklok system). La insignia Premier AP en todos sus cascos, así como el logo grabado en los aros cromados de triple pestaña, dan cuenta de la calidad premiun.

Hoy cuenta además con un nuevo set de fierros rediseñados, como el pedal de bombo, los soportes doble pata de hi hat, de redoblante, de boom platillo, y la banqueta.

La Premier Cabria se encuentra disponible en color negro, bordo y azul, y en tres modelos: Modelo 7192 Fusion 22 Bombo 22 “ Toms /10”/12” /14¨ de pie, Tambor de madera 1 4 x5.5 Modelo 7190 Fusion 20 Bombo 20 “ Toms /10”/12” /14¨ de pie, Tambor de madera 1 4 x5.5 Modelo 7195 Rock 22 Bombo 22 “ Toms /12”/13” /16¨ de pie, Tambor de madera 1 4 x5.5 Sin duda alguna, PREMIER es la mejor alternativa, tradición, prestigio y calidad Premiun.

La empresa DS PICKUPS desde el 2001 que nos viene sorprendiendo con la innovación constante en el diseño y fabricación de micrófonos magnéticos para guitarras y bajos. En ésta oportunidad nos presenta sus nuevos micrófonos de simple bobina y doble vintage para bajos eléctricos Jazz Bass y Precision. Los mismos se encuentran disponibles en tres modelos: 1) Jazz Bass V en ALNICO V que permite lograr un sonido profundo en graves/medios -característico de los años sesenta y setenta- junto a definidos agudos; 2) Jazz Bass II en ALNICO II para adquirir tonalidades cálidas y precisas en graves/medios, “dulces” agudos y mayor sustain resultante de la menor atracción que ejerce su imantación sobre las cuerdas; 3) Precision V en ALNICO V para obtener sonidos profundos y cálidos, característicos de fines de los años cincuenta.

Y por último, cabe destacar que como detalle de presentación, poseen nuevas cajas de cedro lustrado con tapa de acrílico.

Más información en: www.dspickups.com.ar

Más información en: www.carme.com.ar - www.premier-percussion.com

WENSOUND ELECTRONICS S.R.L.

TODOMUSICA S.A.

Amplificador KBA-650R

Nuevos Bajos Squier Artist Series

Desde 1972, la empresa Wensound Eletronics S.R.L. se ha dedicado a profundizar e innovar en el diseño de sus productos. Hoy nos presenta a KBA-650R, un amplificador de usos múltiples, con efecto de reverberancia incluido, que está específicamente diseñado para guitarra acústica y micrófono. El KBA-650R no es solamente un amplificador compacto y portátil, también tiene un increíble sonido, característico de Wenstone. Fue construido utilizando los mejores materiales, y cada unidad fue rigurosamente probada por técnicos expertos, para asegurar que su amplificador es el mejor.

El KBA-650R cuenta con dos canales independientes más un auxiliar integrado, dos entradas balanceadas para mic o guitarra acústica, alimentación micrófono electret o condenser en canal 2 (Phantom), tres entradas con jack para instrumentos o micrófonos, entradas de CD, efecto reverberancia a resortes, loop para efecto exterior, salida a pedal de corte para reverberancia, salida de auriculares para operación silenciosa y salida de línea balanceada (XLR) con nivel de ganancia.

Más información en: www.wenstone.com.ar

52 MBS

La innovadora línea de bajos Squier Artist Series, que tenemos el agrado de exhibirles, ha sido diseñada de acuerdo a las especificaciones de los grandes bajistas que llevan su nombre.

1) Mike Dirnt Precision Bass® 030-1070: Es un bonito modelo de comienzos de los cincuenta, con un aspecto clásico y un dibujo especial en forma de estrella y con un gran sonido punkpop. 2) Frank Bello Jazz Bass® 030-1072: Posee un acabado negro brillante con cabeza pintada, gráficos de calaveras y una combinación de micrófonos Precision Bass/Jazz Bass. 3) Pete Wentz Precision Bass® 030-107: Posee un murciélago rojo con un corazón en el cuerpo, una incrustación de un murciélago negro con un diamante en el traste doce del diapasón y la firma de Wentz en la parte trasera de la cabeza.

Además, cuenta con un mástil Jazz Bass® de maple con forma de “C” y radio de 9.5, un diapasón de maple laminado, un micrófono Duncan Designed™ PB-105 dividido de bobina simple, clavijas cromadas y un pickguard shell rojo con tres placas llamativas.

Más información en: www.todomusica.com.ar

ZAGERT IN KONZERT DE MUSICA NUESTRA S.A. Fuente múltiple: SE-SPB8 Power Brick Zagert in Konzert distribuye la amplia gama de los productos Artec desde un micrófono bajo cejilla para guitarra criolla pasando por micrófonos para bajo y guitarra eléctrica hasta ecualizadores, pedales con efectos y accesorios.

Dentro de este rango de artículos lanzan el SE-SPB8 Power Brick.

Este producto es una fuente múltiple para un total de ocho pedales, que actúan simultáneamente. Pueden ser utilizadas 6 de 9 volts y 2 regulables 6-12v, que soportan 100 MA cada boca, con 3 leds para iluminar el escenario, indicadores de sobrecarga individuales. Además incluye los 8 cables para los pedales y la fuente de alimentación a 220 v.

Si bien esta fuente es individual, se puede instalar en una tabla (Board: EBD700), la cual viene provista por un estuche para proteger los pedales (Hard Case:EHC735).

Sin duda, es un accesorio indispensable para el músico que le permite ampliar su capacidad de creación.

Más información: zagertinkonzert@hotmail.com

MEDINA MUSIC S.A. Nuevas cuerdas Magma para instrumentos mexicanos Medina Music S.A. es el resultado del crecimiento y expansión de una familia tradicionalmente dedicada a la industria de la música. Si hay algo que no podemos negar es que lo que caracteriza a la línea MAGMA es la producción de cuerdas de calidad superior, especialmente diseñadas para el músico profesional.

Hoy nos presentan como nuevos productos de su exclusiva línea MAGMA, las cuerdas para la familia de instrumentos mexicanos elaboradas con materiales de primera calidad que aseguran prolongada duración, excelente sonoridad y afinación perfecta.

Las cuerdas MAGMA para Guitarrón Mexicano se exhiben en dos versiones, con cuerdas entorchadas en aleación dorada, y con cuerdas entorchadas en alpaca.

Las de Bajo Quinto y Bajo Sexto también vienen en dos modelos, las elaboradas en bronce y las diseñadas en acero inoxidable.

Por último tenemos las cuerdas MAGMA de Vihuela Mexicana en sus dos presentaciones: con cuerdas microentorchadas y con cuerdas de nylon especial perfectamente calibrado.

Podemos decir que el espíritu innovador y el compromiso con la investigación constituyen el signo distintivo de Medina Music.

Más información en: www.magmastrings.com

MUSIC-CO S.A.

INTERMUSICA S.A.

Nuevos auriculares AKG: K512 y K514

Línea clásica de estuches de guitarra: SKB-30

La empresa AKG lanza una propuesta interesante para los profesionales de la música, los nuevos auriculares K512 de diseño cerrado, y K514 de diseño semiabierto.

El K512 se destaca además por su respuesta de frecuencia del ►: 18Hz ~ 20kHz; impedancia nominal del ►: 32Ω; sensibilidad del ►: 97dB/mW; y dirección de la energía del ►: 200mW Por otro lado, el K514 se caracteriza por respuesta de frecuencia del ►: 18Hz ~ 22kHz, impedancia nominal del ►: 32Ω; sensibilidad del ►: 100dB/mW; y dirección de la energía del ►: 200mW. Además, ambos poseen bandas autoajustables, earpads de piel artificial, cable de 2,5 m OFC. Y como signo distintivo, cada modelo tiene su propio color, gris perla para el K512 y tabaco para el K514.

Los nuevos AKG K512 y K514 son la mejor opción para los que buscan un sonido profesional.

La empresa Intermusica S.A. hace más de 40 años que se dedica a la importación y distribución de instrumentos musicales y accesorios. Esta vez nos presenta al SKB-30, el nuevo modelo de la línea clásica SKB para estuches. El mismo ha sido seleccionado por los más destacados constructores de guitarras, y es adecuado para guitarras eléctricas, acústicas y una variedad de guitarras clásicas. El SKB-30 se destaca por la presencia de beneficios únicos que los diferencia de cualquier otro, como una nueva fibra de vidrio reforzando el sistema de cerrojo, parachoques doselera protegida, manija moldeada cubierta indestructible, interiores de goma espuma rígidos para proteger la guitarra, soporte para colgar y transportar más cómodamente, compartimiento de accesorios, y el travel security assistance, el sistema de seguridad para aeropuertos, reconocido y aceptado en el mundo.

El SKB-30 posee un largo para el cuerpo del instrumento de 53,34 cm., y una profundidad de 11,11 cm. Sin duda, la mejor opción para estuches de guitarra.

Más información en: www.music-co.com.ar

Más información en: www.intermusicaonline.com.ar

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