En este numero hablaremos como tema principal la importancia que tiene el diseño gráfico en el diseño de moda con varias notas de la creación de los mismos vestidos que vestimos hoy en día, así como los artistas mas codiciados en los tiempos. Al igual que se hablara de varios contenidos como varias figuras retóricas y la técnica que inspiro la portada de “Couture Desing” así también como los inicios del “Art Deco” expuesta en una linea del tiempo con sus principales exponentes y sus inspiraciones de esta corriente artística. Cada nota refleja varias ramas que van dijimos hacia los diseñadores como la ilustración, la fotografía, retórica, y con un un plus adicional cada rama tiene una vinculación con la moda. “Couture Desing“crea varios espacios para contemplar a cada lector con estos gustos en particulas, la conjuncion de la moda , con la union del diseño para tener una revista diferente a as demas revistas.
Jonadab A. Gonzalez Lōpez Director General Jonadab A. Gonzalez Lōpez Diseňo Editorial Nestor Dias Monez Asistente de producciōn
El arte de persuadir a las personas
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Tecnica Collage
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Tecnicas de impresion
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La fotografia y la moda
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El diseňo y la moda
16
Elmer Sosa
20
Reportaje de Offsert
22
Art Deco
24
Max - o - Matic
28
David LaChapelle
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Por Paula Tomás María Florit y Laura Gómez, dos jóvenes publicistas con mucho humor, ritmo y gusto han creado unas ilustraciones combinando los grandes temas de la música latina con personajes ilustres de la talla de Darwin o Edison. Reggaetón Ilustrado surgió como un proyecto para mostrar en la web de portfolios Behance, pero ahora disfruta ya de espacio propio en Tumblr que acoge varias decenas de piezas a las que se siguen sumando nuevas creaciones. Esta exótica mezcla, que comenzó como algo lúdico que las chicas de Mala Musa hacían por mero entretenimiento, se está haciendo viral en redes sociales como Instagram donde en tres días consiguieron más de 1.200 likes. Un popurrí de geniales ideas que han dado como
resultado estas ingeniosas ilustraciones de estética limpia y cuidada, que mezclan collages con colores vivos y formas geométricas. Sin duda Mala Musa ha conseguido una buena mezcla de tintes refrescantes, que combina en su mayoría de obras la antigüedad más ilustre con la modernidad más verbenera. Mala Musa está a punto de dar el salto desde la red que las vio nacer hasta el soporte físico. Florit y Gómez han anunciado ya en su perfil de Facebook que pronto sacarán estos trabajos a la venta en láminas. Gandhi, Einstein, Julio César… ¿Quién será el siguiente? Hasta el momento, si necesitas reggeaton dale:
María Florit y Laura Gómez
La retórica es una disciplina que proporciona las herramientas y técnicas para expresarse de la mejor manera posible, de modo que tanto el lenguaje como el discurso sean los suficientemente eficaces para deleitar, persuadir o conmover. Como tal, la retórica, por un lado, teoriza sobre la utilización del lenguaje, ya sea de manera oral, frente a un auditorio, ya de manera escrita, en un texto, y, por el otro, establece el conjunto de técnicas y procedimientos de aplicación práctica que otorgan al discurso belleza y elocuencia, así como capacidad de persuasión. La retórica contempla diferentes fases en la elaboración del discurso para que este tenga el efecto deseado: la inventio, donde se establece su contenido; la dispositio, donde se lo organiza estructuralmente; la elocutio, donde se determina la manera de expresar las ideas; la compositio, donde se establece
la naturaleza sintáctica y fónica de los enunciados; la memoria, fundamentalmente de memorización del discurso; y la actio, fase final que implica la declamación del discurso. La retórica se originó en la Antigua Grecia como el arte de expresarse de manera adecuada para persuadir al interlocutor. Se ocupó en principio de la lengua hablada, para luego pasar también a la lengua escrita. Durante la Edad Media, la retórica fue enseñada en las escuelas entre las principales disciplinas de conocimiento, junto a la gramática y la lógica. Hoy en día, la retórica tiene aplicación en diversos campos, como la literatura, la filosofía, la política, la publicidad, el periodismo, la educación o el derecho. Por otra parte, retórica también puede emplearse con connotaciones despectivas, para señalar un uso impropio o inoportuno de este arte: “El discurso de los políticos es pura retórica”.
una comparación (por ejemplo, alma de acero, corazón de cristal o cara de ángel, corazón de diablo). La metonimia designa una idea con el nombre de otra (voy a tomar un Rioja o mi tía cumplió 80 primaveras). La hipérbole, la antítesis, el símil, la paradoja o el oxímoron son otras de las figuras literarias de significación. De acumulación Un ejemplo significativo es el epíteto, que se basa en el uso de adjetivos innecesarios, por otra parte, la idea de acumulación pretende crear un efecto de varias imagenes a la vez como por ejemplo la imagen publicitaria de colgate con los cepillos. Figuras retóricas de posición Son aquellas que alteran el orden normal de una oración, siendo las más conocidas el hipérbaton, el quiasmo, el retruécano o el paréntesis. Por ejemplo, en los siguientes versos de Manuel Machado encontramos el uso del paréntesis como figura literaria (Cayó rendido -luz sin fuego- entre las nubes). Figuras retóricas lógicas
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as figuras retóricas, también llamadas figuras literarias, representan una manera diferente de utilizar el lenguaje. La finalidad de estas figuras es crear un estilo comunicativo más original, más literario.
Se pueden agrupar en las categorías siguientes: figuras fonéticas o de repetición, de significación, de acumulación, de posición, figuras lógicas, de ficción, figuras dialógicas y figuras estilísticas. A continuación presentamos algunas de ellas.
En español existen más de cien figuras retóricas y muchas de ellas son variantes de una misma idea. Por otra parte, hay que tener en cuenta que todas ellas se basan en una idea o estructura general, es decir, un sujeto, un verbo y un predicado. Las figuras retóricas parten de esta regla pero con la intención de romperla en algún sentido.
Figuras fonéticas o de repetición
Clasificación de las figuras retóricas
La aliteración se utiliza normalmente en el lenguaje poético para establecer una rima determinada (un ejemplo muy conocido sería el célebre trabalenguas tres tristes tigres) De significación En la metáfora se establece una relación de semejanza entre dos cceptos y por lo tanto se trata de
Son aquellas en las que las ideas se expresan a través de una relación lógica determinada. La más conocida es la paradoja. La antítesis es una figura que juega con la oposición lógica de las palabras (un pequeño paso para el hombre pero un gran salto para la humanidad). Las figuras retóricas son recursos literarios y, por lo tanto, “fórmulas” del lenguaje para crear crear belleza y armonía en la expresiónNo hay que pensar que se utilizan exclusivamente en la literatura, ya que también las empleamos en el lenguaje cotidiano, puesto que al hablar podemos comunicar ideas con un estilo literario. Por ejemplo, si digo que alguien corre como un galgo estoy empleando una hipérbole. En el lenguaje publicitario encontramos igualmente ejemplos de figuras retóricas. En este sentido, la publicidad pretende despertar el interés del consumidor y para ello necesita de un lenguaje sugerente.
E
l collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un tono unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar. En español es recomendable utilizar la palabra colaje, de la que ya existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del francés que acaben en “age” deben de españolizarse en “aje”. Los materiales más usados, en la aplicación de esta técnica, suelen ser planos, como fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, telas, cartón, papel, trozos de plástico, etc. aunque se pueden adherir al cuadro elementos más voluminosos, como prendas, cajas, objetos metálicos... También es frecuente que el collage se combine con otras técnicas de dibujo o pintura, como el óleo, el grabado o la acuarela. El origen de la técnica se encuentra en los papiers collés de los cubistas, que consistían en simples trozos de papel con un color plano, que se adherían a los cuadros
para aumentar los efectos de color absoluto. Pero el desarrollo absoluto del collage se debe a los cubistas, siendo atribuído el primer collage de la historia a Picasso en 1912 en su obra Naturaleza muerta con silla. La técnica tuvo mucho éxito entre surrealistas y dadaistas. ¿CUÁNDO NACE EL COLLAGE? El origen de la técnica está en disputa, Pablo Picasso y Georges Braque son los candidatos al puesto. Aunque el programa electoral es el mismo, a partir de 1912 ambos empezaron a incluir papeles de tapizar, trozos de mantel y envoltorios a sus obras. El sentido gustó, por eso la técnica ha pasado por tantos movimientos como el cubismo, futurismo, surrealismo, constructivismo, dadaismo… hasta llegar al día de hoy en el que se crean miles de papeles para ser recortados y decorados en álbumes de estilo vintage, hablamos del actualísimo Scraptbook. (libro de recortes es la técnica de personalizar álbumes de fotografías) El collage empieza dentro del movimiento del cubismo. Los artistas añadían a sus obras papeles para aumentar los efectos dentro de la descomposición que supone esta corriente. Los surrealistas aprovecharon la técnica para incluir fotografías y etiquetas comerciales, extrapolando con estas nuevas texturas sus imágenes mentales, creando así la nueva poesía plástica surrealista.
El futurista italiano, también probó a innovar con el collage utilizando periódicos con diferentes tipografías para destacar el efecto visual dando paso a la imagen textual, imagen construida a través de los grafismos. La técnica fue perfeccionada por dadaistas como Gino Severini, Carlo Carrà o Enrico Pranpolini. La Escuela de la Bauhaus de Alemania fue un pilar fundamental para el desarrollo del collage. Sumergida en el Constructivismo, la Bauhaus creó una asignatura específica para tratar ésta técnica. Del collage con todo tipo de materiales y dentro del informalismo europeo, surge una nueva corriente llamada pintura matérica donde España es uno de los referentes, junto a Italia o Francia. En el contemporáneo la técnica se ha desarrollado aún más, en parte por la facilidad con la que los usuarios podemos acceder a fotocopiadoras, impresoras, cámaras fotográficas, papeles pintados específicamente para esta tarea e incluso programas informáticos para crear montajes o collages digitales. COMO HACER COLLAGES Para realizar un collage debes comenzar por realizar un boceto sobre la idea que pretendes transmitir. Normalmente se deben realizar varios bocetos, descartando los primeros, pues no suelen salir las buenas ideas al principio, debiéndose mejorar
progresivamente. Un vez que has conseguido detallar la idea en el boceto, prepara los fondos en el soporte (papel, lienzo, cartón, etc.) con los colores que hayas pensado. Posteriormente, en caso de que lo necesites, debes dibujar las formas que luego se pintarán o se rellenarán con los recortes encolados. Recorta y pega los dibujos, papeles, telas u objetos que quieres incorporar al collage. TIPOS DE COLLAGES 1º Los que emplean pequeños trozos de papel u otros materiales, sin formas reconocibles, elegidos sólo por su color y textura. 2º Los que emplean recortes con formas reconocibles: rostros, viviendas, animales, nubes etc. 3º Una combinación de los tipos anteriores Algunos artistas emplean el collage como una de sus técnicas preferidas, con unas posibilidades creativas muy sugerentes
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os procesos utilizados para reproducir textos o imágenes, como la imprenta, litografía, tipografía, flexografía, grabado y serigrafía, utilizan mecanismos sencillos que consisten en aplicar sustancias colorantes a un soporte, ya sea de papel o plástico, para realizar múltiples reproducciones. En una prensa de varios colores se pueden imprimir muchos colores en una sola pasada. La impresión mediante colores planos utiliza mezclas de tintas para reproducir cualquier color y se utiliza mucho en la impresión de embalajes, en que suelen predominar grandes zonas de un mismo color. La impresión mediante separación de colores se basa en cuatro tintas transparentes —cyan, magenta, amarillo y negro— que se van superponiendo en diferentes proporciones. Este método permite reproducir con enorme fidelidad. La mayoría de las prensas de impresión transfieren tinta desde un cilindro a hojas o rollos en movimiento en los que va el material que se va a imprimir. La prensas que imprimen sobre hojas sueltas por lo general son más lentas que las de bobinas, pero pueden hacerlo sobre soportes de mayor grosor, como cartulina o plancha metálica. Desde la década de 1960, los avances en la fotografía y la electrónica han revolucionado la impresión. Los nuevos materiales sensibles a la luz, como las resinas de diazonio y los fotopolímeros, han creado superficies de impresión duradera por medios fotográficos y no mecánicos. Los sistemas informáticos permiten fabricar con rapidez películas para transferir imágenes a cualquier superficie de impresión. Incluso se obtienen impresiones o grabados directamente por medio de máquinas que utilizan ciertos tipos de rayo láser o agujas de diamante. Las imágenes generadas por medio de cámaras digitales, que pueden ser transferidas a sistemas de almacenamiento gestionados por un ordenador o computadora, o aquellas que se pueden crear por medio de la digitalización de la imagen realizada a través del escaneado, así como las imágenes que resultan de la fotocomposición electrónica, pueden pasar a formar parte de bases de datos, desde donde se transfieren directamente a las formas de impresión sin ningún paso intermedio. Considerados en conjunto, todos estos cambios han sido bautizados como “la revolución de la preimpresión”.
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a impresión offset (a La impresión offset (a menudo castellanizado como ‘ófset’, proveniente del inglés offset: indirecto) es un método de reproducción de documentos e imágenes sobre papel o materiales similares que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica compuesta generalmente de una aleación de aluminio. El desarrollo de la imprenta offset se dio a través de dos inventores en distintos lugares del mundo: en 1875 por el inglés Robert Barclay quien desarrolló una versión para impresión en metales (estaño) y en 1903 por el estadounidense Ira Washington Rubel para la impresión sobre papel. El principio de funcionamiento es similar al de la litografía: la plancha se moja con agua o una solución polar para que repela la tinta en las zonas donde no hay imagen (zona hidrófila), así el resto de la plancha toma la tinta en las zonas donde hay un compuesto hidrófobo o apolar (también conocido como oleófilo) con la forma del motivo a imprimir previamente grabado en la plancha. Sea por métodos manuales o por fotograbado, la diferencia con la litografía tradicional es que la imagen o el texto se trasfieren a la superficie a imprimir no de forma directa, sino a través de un cilindro cubierto en su superficie
ta pasa de la placa de aluminio al cilindro portacaucho o mantilla para después pasar al papel (u otro sustrato), ejerciendo presión entre el cilindro portacaucho y el cilindro de presión (conocido también como cilindro de impresión o de contraE s precisamente esta ca- presión). racterística la que confiere una La impresión offset se realiza mediancalidad ex- te planchas monocromáticas, de modo cepcional que debe crearse una plancha por cada a este color que a imprimir. En el caso de la tipo de fotocromía, por cada uno de los cuatro impre- colores del modelo de color CMYK (cian, s i ó n magenta, amarillo y negro) a lo que tampuesto bién se le conoce como impresión en que el cuatricromía. Además, interviene en el recubri- proceso un quinto color: el blanco del m i e n t o papel. Utilizando cantidades diferentes de caucho de esos cinco colores puede reproducirdel rodillo se casi cualquier color alcanzable a trade impresión vés del modelo sustractivo de color, con es capaz de im- la excepción de colores metálicos como pregnar, con la tinta que lleva adherida, el dorado y el plateado y colores fosfosuperficies co texturas irregulares o rugo- rescentes o que estén fuera del rango sas. Todo esto debido a las propiedades del modelo CMYK. elásticas del caucho que no presentan Todas las fotografías (en color o en escala los rodillos metálicos. de grises) pueden reproducirse litográfiEl método de impresión offset es uno camente mediante la utilización del prode los sistemas de impresión indirecto, ceso de difusión por semitonos. ya que el sustrato (generalmente papel) Actualmente se no tiene contacto con la plancha matriz digipara traspasar la imagen. La tinpor un material flexible (mantilla), generalmente caucho o silicona, que recibe la imagen para transferirla, por presión, a la superficie impresa que generalmente es de papel.
Para que la plancha se impregne de tinta únicamente en aquellas partes con imagen se somete a un tratamiento fotoquímico de tal manera que las partes tratadas atraen la tinta. Así, la plancha se pasa primero por un rodillo mojador, impregnándola de agua y, seguidamente, por un rodillo entintador. La forma impresora es plana, sin relieve, dura pero además flexible. Normalmente se utiliza el aluminio anonizado o monometalico. Como la tinta es un compuesto graso es repelida por el agua y se deposita exclusivamente en las partes tratadas, o sea, con imagen. El agua, a menudo, contiene otras sustancias para mejorar su reactividad con la chapa y la tinta. Finalmente, las imágenes ya entintadas se transfieren a un caucho que forra otro
cilindro siendo este caucho el que entra en contacto con el papel para imprimirlo, ayudado por un cilindro de contrapresión o platina. Este tipo de impresión es el más utilizado en las grandes tiradas de volumen debido a sus evidentes ventajas de calidad, rapidez y coste, lo que permite trabajos de gran volumen de impresión a precios muy reducidos. A pesar de que las imprentas digitales modernas (por ejemplo la Xerox iGen31) se acercan a la relación coste/beneficio de una imprenta offset, aún no son capaces de producir las ingentes cantidades que se requieren, por ejemplo, para la tirada de un periódico de amplia difusión. Además, muchas impresoras offset de última generación usan sistemas computarizados a la plancha de impresión en lugar de los antiguos, que lo hacían a la película, lo que incrementa aún más su calidad.
taliza la película fotográfica (mediante un escáner de alta resolución), o se obtiene la imagen mediante fotografía digital y en el proceso de pre-prensa se separan los colores creando una imagen distinta representativa de cada canal de color. A partir de la imagen separada se crea un fotolito, el cual se proyecta con luz ultravioleta sobre una emulsión sensible lipofílica, que luego se revela. Otro método de creación de la plancha es la impresión sobre una plancha plástica mediante impresora láser, o la transferencia directa de la imagen digital a través de un láser, mediante un dispositivo conocido como Computer to Plate, también conocido por sus siglas, CTP. Cada una de las retículas de semitono se imprime en un ángulo distinto para evitar al máximo la superposición entre los puntos. Sin embargo, las tintas utilizadas tienen un nivel razonable de transparencia para corregir las imperfecciones de la mezcla por semitonos de tal forma que durante la observación normal se produzca la ilusión de mezcla entre las cuatro tintas separadas.
la FoToGRAFIA y la moda se combinan
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a fotografía ha sido utilizada históricamente, como un medio para inspirar e influir en las personas a través del mensaje que estas llevan implícito. Es por esto, que hacia 1920, las grandes marcas, entendiendo el impacto que la fotografía tenía en las personas, decidieron utilizarla como un medio para impulsar y dirigir el consumo, mediante la publicidad. Desde entonces, los fotógrafos han ve-
nido experimentando y especializándose en esta nueva rama de la fotografía, que en aquel contexto veía la luz y que hoy, gracias a los avances en la tecnología, sigue siendo un campo fértil y lleno de oportunidades para que comiences a experimentar y a mostrarle al mundo de la moda, de que estás hecho. Llegar a ser un fotógrafo de moda reconocido no es tarea fácil, pero aquí te dejo una guía para que comiences a transitar este sinuoso, pero no imposible camino, con el pie derecho.
La fotografía de moda tiene como principal finalidad, vender productos, por lo que estar al tanto de las últimas tendencias de la moda y los negocios, será fundamental. Como profesional debes captar las demandas de los diseñadores, los artistas y las marcas para poder traducirlas en fotografías que logren unir lo comercial con lo artístico y así, causar el impacto deseado. Tipos de fotografía de moda En la fotografía de moda, no todo son modelos bronceadas caminando por una pasarela, ya que también abarca disciplinas como:
¿Qué es la fotografía de moda?
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a fotografía de moda no es solo una modelo posando un vestido deslumbrante, sino que es un conjunto de elementos relativos a la vestimenta, los accesorios, las joyas y el maquillaje, con los que como fotógrafo, habrás de trabajar para darles una entidad. Con el correr del tiempo, la fotografía de moda ha ido evolucionando y desarrollando una estética propia, en donde las prendas de vestir y los accesorios, sin dejar de ser los protagonistas, suelen estar acompañados de historias, lugares y ambientes exóticos preparados por los fotógrafos para lograr dicha entidad.
Fotografía de campaña: consiste en realizar fotografías muy variadas que logren expresar el concepto y la imagen de la marca. Lograr transmitir este concepto de forma clara y a lo largo de toda la producción fotográfica resultará clave a la hora de que esta tenga éxito. Para ello, deberás desarrollar junto al cliente la idea de campaña de la forma más creativa posible, planear como se va a llevar a cabo, con qué recursos estéticos y humanos, en qué lugar, y por supuesto, hacerla realidad. Fotografía de producto y catálogo: este tipo de fotografía puede ser, o bien fotografiando cada uno de los productos de forma individual en un estudio o con una ca de luz, o bien con una idea ya más elaborada, en donde se busque
transmitir un concepto o contar una historia resaltando los accesorios en cuestión. Este tipo de fotografía comprende: zapatos, carteras, joyas, bijouterie, perfumes, gorros, bufandas, y todos aquellos productos y accesorios que las tiendas te ofrecen. Fotografía de diseño: esta rama incluye, tanto a la fotografía de diseño, como así a la de arquitectura y de decoración. Como ya es una constante en la fotografía de moda, resulta fundamental la comunión entre la estética y la publicidad. No nos olvidemos que con las fotos, el cliente quiere vender productos. Fotografía para editoriales: son producciones que se realizan para revistas de moda, suplementos y catálogos. Las revistas atienden a las marcas y viven de ellas. Cuando arman las notas o reportajes, si las agencias de publicidad no envían las fotografías para las mismas, las editoriales suelen enviar un fotógrafo de su plantilla para realizarlas. Fotografía de desfiles y eventos: los desfiles son una excelente oportunidad para que comiences a introducirte en el mundo de la fotografía de moda. Cubrir los desfiles y eventos te permitirá contar con un portafolio de fotografías que podrás presentar luego a las distintas agencias y así ir ganando renombre. Este tipo de eventos puede darte el puntapié inicial para una carrera como fotógrafo de modas profesional.
La Moda y el DiseĂąo
Estamos conectados de una ú otra forma El diseño y la moda
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l Diseño Gráfico y su relación en la Industria de la Moda Para los diseñadores gráficos es un reto ser parte del proceso creativo en el diseño de modas, no sólo porque se enfrentan a un proceso demandante sino porque ellos, al ser parte de un branding con una estrategia bien plantada, deben establecer la relación entre una persona y una marca de manera íntima. El Diseño Gráfico entonces, debe asomarse y decir: “Yo soy lo que tú estás buscando” para que la persona, a través de colores, movimiento, formas y objetos encuentre identidad en esa prenda o producto y se refleje el estilo del diseñador de modas. El momento inicial del reconocimiento e identificación se da al momento de crear un logotipo, un icono de moda que deberá durar por mucho tiempo y con el cual se sienta una conexión entre el diseñador de modas, el público que recibirá el mensaje y la época que está representando y que, en un futuro, será inmortalizado. Para ello el Diseño Gráfico ejerce toda su teoría para dar propuestas frescas, que vayan ad-hoc a la firma de diseño y al estilo del que son parte. El patrón constante en los logotipos de las grandes firmas de diseño de modas es el uso de la tipografía puesto que por esta vía son mayormente reconocidos. La organización de forma y el color es lo que hace que el logotipo sea fácilmente identificable y gracias al tipo de letra puede que un logo tienda a ser falsificado pero nunca duplicado, lo cual constituye un plus para las casas de moda. No obstante que el logo es la primera fase del reconocimiento en el Diseño de Modas, el Diseño Gráfico tiene más que ofrecer al mundo del glamour: Revistas especializadas en Moda requieren del diseño para diagramar y darle forma a los contenidos de cada una de sus páginas o qué decir de los empaques especialmente di-
señados para crear una necesidad derivada del calzado o de una fragancia. Hoy en día, el Diseño de Modas no sólo se basa en sus propios recursos –como podrían ser los impresos en general- sino que hace uso de la tecnología para tener contacto con sus seguidores: páginas y/o sitios impregnados de esencia, brillo, sofisticación o elegancia hacen de la World Wide Web toda una pasarela. Campañas completas están revestidas de gráficos que hacen anhelar una marca, un vestido, unos zapatos o un accesorio porque al igual que la moda, el diseño es visual, se renueva tendencia tras tendencia y se actualiza constantemente para dar al público un espectáculo de color y forma. En cualquier capital de la moda hay infinidad de aparadores, muchos de los cuales son de diseñadores de moda de gran prestigio: uno puede toparse con prendas vanguardistas de Donna Karan, el ímpetu de Calvin Klein o el estilo citadino de Michael Kors. Pareciera, hasta ese punto, que sólo estamos hablando de telas y de moda, sin embargo, el Diseño Gráfico tiene mucho que ver para que a Donna Karan se le considere vanguardista o a Louis Vuitton romántico. En el proceso de branding, existen muchos factores que determinan el éxito de un diseñador o una marca: Creativos, directores de arte, estilistas… y entre todos ellos se encuentra también el Diseñador Gráfico, aquel que plasma en un logo, en una etiqueta, un empaque o un catálogo la cosmovisión de la prenda, del perfume o del producto. Es el Diseñador Gráfico el que inicia con el glamour al dar una imagen, establecer una paleta de colores para un anuncio o gráfico, el que crea las invitaciones para el desfile, el que promociona con la sola idea de un POP para que, al final del día, la moda tenga su propia aura, imagine un estilo de vida, imprima belleza, poder y status: Esto significa el Diseño Gráfico para la industria de la moda
U
na de las características que se destaca dentro del diseño gráfico en la industria de la moda es su elegancia. El principal elemento a vender en la imagen es la ropa, pero a través de ésta se logra transmitir una historia que a todos llama la atención. La industria del diseño de modas actualmente es una de las más competidas dentro de la publicidad, ya que cuenta en su haber con algunas de las marcas más caras del mundo, como lo es el caso de H&M, quién se coloca a la cabeza de esta industria valuada en 16.571 millones de dólares, seguida por la marca de reconocidos bolsos Coach valuada en 14.577 millones de dólares, y en tercer lugar se encuentra Zara con un valor de 9.488 millones de dólares. La moda en la ropa va de la mano con las tendencias en el diseño gráfico, ambas están en la constante búsqueda de nuevos caminos para presentar e impresionar al mundo entero. El estilo que se imprime en un cartel de moda no podría lograrse sin la ayuda de un diseñador gráfico. Actualmente acaba de concluir en la ciudad de New York la nueva edición del Mercedes-Benz Fashion Week, evento que es considerado como la semana más importante de la moda en dicha ciudad. Celebrando el inicio de una nueva temporada en la industria del diseño te presentamos campañas gráficas que han sobresalido durante este año y que han inspirado a diseñadores a seguir creando nuevas tendencias por diferentes razones.
1.- Por el manejo de su tipografía Dentro de estos carteles se puede ver el uso estratégico de la tipografía, ya que llama la atención de manera inmediata. 2.- Blanco y negro Una de las tendencias que nunca pasará de moda en la industria del diseño es la utilización del blanco y negro. Este tipo de aplicación transmite elegancia y remite a lo clásico. 3.- Tendencia minimalista Este tipo de diseño está actualmente de moda en el gráfico y es usado de igual manera en la moda para resaltar a la marca y al producto utilizando pocos elementos dentro de la composición. 4.- Utilización de líneas Las líneas son un elemento muy importante dentro de la imagen o de la fotografía, ya que debe haber una simetría dentro de ésta, que inspire a crear nuevos estilos y al momento de voltear a ver el anuncio genere una armonía en su totalidad. 5.- Tonos frios Los tonos frios están dentro de la gama de los azules y los verdes. Transmiten seriedad, sentimentalismo y serenidad. 6.- Por su colorimetría El colores vivos siempre serán una elemento esencial que inspire a un diseñador a crear nuevas cosas, ya que transmiten alegría y dan la sensación de estar vivos. Usar color en diseño siempre generará miradas. 7.- Por su simplicidad En la industria del diseño se aplica la famosa frase de “Menos es más” y en los carteles de moda siempre se puede notar. Nunca se debe de saturar una imagen, ya que se puede llegar a perder el principal objetivo del anuncio: presentar el producto.
lmer Sosa es un hombre que a corta edad descubrió su pasión por el dibujo. Un curso a la edad de 8 años sembró en él su amor por la ilustración. Su historia de éxito, como muchas, inicia con disciplina y convicción —¿Desde pequeño le gustaba dibujar o como surge su gusto con esta técnica Sí, sí me gustaba dibujar, de hecho mi mamá guarda dibujos míos de cuando yo era chiquito, 6 años, 8 años mi madre tuvo a bien meterme a clases de dibujo, que sinceramente no fui muchas veces la verdad pero eso sembró en mí la curiosidad de poder dedicarme a esto, aunque la verdad yo oía el nombre de la carrera y decía que era imposible que te enseñen a dibujar y fue lo contrario ya que si me enseñaron técnica sobre el dibujo. —¿Qué estudio? Estudié Diseño gráfico en una escuela incorporada en la BUAP en la ciudad de Puebla (Benemérita Universidad Autónoma de Puebla) —¿Algún día pensó que sus ilustraciones iban a llegar a un punto de gran reconocimiento en varias partes del mundo? Al principio como todo estudiante, lo primero que quieres lograr es que salga publicado en algún lado. ya sea en una pagina web o en Facebook o en alguna red social en mi caso en mis tiempos yo quería que saliera a luz en un periódico o en una revista eso fue lo primero que tuve como meta. —¿Pero si salió en alguna publicidad verdad?
Claro. Salí en un periódico pero no me cuerdo en este momento el nombre del periódico (se ríe), cuando se me da la oportunidad de publicarlo, busque por otros lado como los concursos y eso fue lo que hizo que mis ilustraciones fueran reconocidas a un nivel llamemos mundialmente por la cantidad de personas que participan alrededor de todo el mundo,. Pero yo imaginarme que mis ilustraciones llegaran a tener un gran reconocimiento en varias partes del mundo la respuesta es no pero son esas sorpresas gratas que te da el mundo. —¿Cuáles son tus influencias? “Tengo influencias en cada una de las áreas, en la parte de la caricatura, el primerito y que todo caricaturista ama: RIUS, está Rogelio Naranjo, está Boligán, está un caricaturista boliviano que se llama Frank Carvelo, Jis, Trino. En la parte de la ilustración tiene mucho que ver, por ejemplo, Alderete, Mr. Kone, que son como más contemporáneos, y de la vieja escuela que hacían y lo tradicional están Muñoz Bags, Brack Holan, David Levain, y en el cartel hay un japonés que es mi máximo, se llama Shigeo Fukuda. Un ruso que se llama Vladimir Chaika y el polaco Wladyslaw Pluta.
Por: Daniel G. Hace poco llegaba a oídos de Bonkie, la existencia de una página web que, online, vendía sudaderas y camisetas personalizadas. Nos metimos en http://www.offsetcollage.bigcartel.com y descubrimos un nuevo mundo de originalidad y diseños divertidos para nuestras sudaderas, por lo que no nos quedo más remedio que hacer un pequeño pedido. Además nos pusimos en contacto con [OFF]SET y no dudaron en responder a nuestras preguntas, así que aquí os dejamos la entrevista que les hicimos y algunas fotos de alguna de sus sudaderas
actual. OFFSET nace nace de una noche de viernes tirados en el sofa mientras hacíamos un maratón de palomitas y series de los 80. De esa noche y nuestro descontento de ir de compras y no encontrar nada que nos gustase.
– ¿Qué es [OFF]SET y cómo nace?
– ¿De dónde sacáis las ideas para vuestros diseños?
OFFSET es un tipo de impresión a tres tintas magenta, azul y amarillo, sin esos tres colores no podrían llevarse a cabo todos los demás. Buscábamos una palabra que envolviera los 3 motores en común que caracterizan nuestra marca como son el collage, la reminiscencia y lo
– ¿Qué tiene la ropa [OFF]SET que no podamos encontrar en cualquier centro comercial? OFFSET da la posibilidad de poder vestir de forma diferente, con diseños exclusivos a un precio asequible.
Desde una foto, hasta una película o una canción, cualquier resultado es bueno si la idea es buena. – De momento solo vendéis sudaderas y camisetas, además de bolsos y gorros ¿Tenéis pensado diseñar nuevos productos próximamente?
Para la colección de verano habrá alguna que otra sorpresita… todo se andará jejeje. – ¿Qué opináis de la originalidad en la moda? Pensamos que los diseñadores están encerrados en una cultura donde se premia la originalidad y que temen hacer muchas cosas por miedo a ser subestimados o catalogados de lo contrario a lo que socialmente se considera correcto, es por ello que muchas veces no recurren a grandes fuentes artísticas,musicales, etc. para conseguir esa inspiración que pueden serviles de ayuda a la hora de crear un diseño. – De todos vuestros productos, ¿cuál es vuestro favorito?
Todos tienen algo de nosotros, no podríamos decidirnos por ninguno la verdad, pero si tuviera que hacerlo seria la edición limitada de ET. – ¿Algún día podremos visitar una tienda [OFF]SET? Nos encantaría, pero de mento con la venta online tiendas no damos abasto, no lo descartamos de cara futuro.
moy en pero a un
Existen dos períodos del Art Deco que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag y el Stream Line. El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y se basó más en las referencias de las culturas pasadas entre ellas Egipto, Mesopotamia, Mesoamérica. En esta etapa resaltan en su decoración los triángulos encadenados y superpuestos, así como las líneas y composiciones geométricas en movimiento.
1930 El Art Decó llegó a Latinoamérica como una ex- presión ornamental simple, donde se jugaba con la geometrización en la fachada, se trataba de romper esquemas historicistas aunque, internamente, conti- nuaban arraigados a los esquemas existentes; se gestó así un Art Decó de fusión con elementos hispanos, lusitanos, coloniales e indígenas prehispánicos.
1940
El segundo período (Stream Line) tuvo su auge entre 1930 y 1939. Se desarrolló más en Estados Unidos. Hombres fuertes y desnudos quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico adornan los paneles, y se acompañan de líneas curvas, aerodinámicas, como principales motivos decorativos de donde deriva su nombre, y de líneas horizontales aplicadas o también abstracciones de la velocidad.
ART DECO Linea del Tiempo Josef Hoffman, en los primeros años del siglo xx, empieza a mostrar una particular propensión a reintroducir el léxico formal hacia una extremada geometrización, tendencia que acentuará después de la fundación de la Weiner Werkstatten, cuando extiende todas las aras artísticas; un ejemplo es el edificio Stoclet en Bruselas, 1905-1914
Culmina en París en 1925 a raíz de la exposición internacional “Decoratifs et lindustrels Odernes. El Art Dèco fue el primer movimiento autentico del siglo XX ademas de ser internacional
1897
Empieza a engendrarse desde el movimiento de la secesión vienesa fundada en 1897 por Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffman y Otto Wagner quienes tuvieron como propósito oponerse a la evolución de la sociedad moderna
1918: fin de la primera guerra mundial. Un mundo había muerto, una sociedad muy diferente surgía de los escombros. Más concretamente, las ciudades destruidas necesitaban ser reconstruidas. Así, la ciudad de Reims destruida en un 80 % durante la guerra fue reconstruida en gran parte en un estilo arquitectural Art Déco.
Otras Caracteristicas
V
olumétricamente, el Decó está asociado a la forma piramidal. Una de las características más claras del estilo es la forma escalo- nada, que se repite no sólo en la concepción general del proyecto, sino también en sus detalles. En las superficies, los planos se caracterizan por las decoraciones en zig-zag, las espirales, las líneas rectas recortadas, las grecas, las líneas curvas y onduladas, las guirnaldas y, en general, una geome- trización tanto de los estilos académicos conocidos, como de moti- vos naturales y florales. La geometrización surge entonces como un elemento clave del Decó. El muro Decó no es un paño liso, por el contrario abundan el sobre y bajo relieves. Estos aparecen dramatizando la superficie, creando texturas, líneas de luz y sombra que acompañan todo el edificio. La incorporación en elementos decorativos y ornamentales con ángulos de 30o, 45o y 60o, es otra de las características del estilo. Es común encontrar bowindows, antepechos y cornisas anguladas. La búsqueda de la materialidad que se manifiesta en la incor- poración no sólo de avances técnicos como el tubo fluorescente y la luz de neón en la iluminación, sino también materiales has- ta ese momento no utilizados en la
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arquitectura como el acero inoxidable, linóleos, metales cromados como el bronce, vidrios esmerilados y biselados -que ya venían del Nouveau pero que aho- ra retoman la estética Decó-. Las superficies se tornan brillantes especialmente en el espacio interior. Aún cuando no hubo una nueva propuesta espacial en el Art Decó, si existe una transición al utilizar el concepto de planta libre, a la interrelación entre espacios interiores gracias al nuevo sistema constructivo basado en el uso del hierro, el acero y el hormigón; pero no en cuanto a su relación con el exterior, como lo habrá posteriormente en el Movimiento Moderno. De acuerdo con la clasificación realizada por Giedión (1967), se puede señalar que el espacio Decó está en una segunda etapa: que viene marca- da por la conquista del espacio interior. El término Art Déco, acuñado en los años sesenta se refiere a un estilo que abarcó el
período de los “locos años veinte” y la depresión económica de 1930. El Art Déco representó muchas cosas - para mucha gente. Era el estilo del charlestón y las fábricas, Calefactor eléctrico de - Christian Barman.del lujo de los trasatlánticos y de los rascacielos, el fantástico mundo de Hollywood y el mundo real de Harlem Renaissance. El Art Déco afectó a to-
das las formas de diseño, desde las bellas artes y las artes decorativas hasta la moda, el cine, la fotografía, los medios de transporte y el diseño industrial. Era moderno y abarcaba todo. Se inspiró en la tradición y al mismo tiempo celebró la mecanización del mundo moderno. En muchas ocasiones profundamente nacionalista, se extendió como el fuego salvaje a lo largo del mundo, dominando los perfiles de - ciudades como Nueva York o Shanghái. Abrazó ambos movimientos el de las artes decorativas y el de la producción industrial, creando
tanto trabajos exclusivos de gran valor artístico como nuevos productos con materiales asequibles. El Art Déco reflejó la pluralidad del mundo contemporáneo. Al contrario que coetáneo el funcionalismo, el modernismo respondió a las necesidades más humanas de placer y escape celebrando lo efímero. El Art Déco triunfó creando un estilo de masas muy adaptable, dio libertad a la imaginación y celebró la fantasía del miedo y el deseo de la gente de todo el mundo. La ropa de los años veinte tenía el mismo espíritu que la época. Era una época de exuberancia y euforia tras la guerra, que acabó con el Crack de la Bolsa de 1929. La moda se fue haciendo una forma de vida y los artistas y escritores eran parte de una élite cosmopolita. Cualquier cosa exótica estaba de moda. En los años 20 triunfó el exotismo. El orientalismo mítico, los ballets rusos, flores chinas y japonesas adornaban los textiles. Se usaban artes orientales y formas y estampados de diversas culturas. Los inmigrantes rusos instalaron casas de moda e impusieron nuevas modas. En esta época se combinaban tela, pieles y plumas en una sola prenda. En los años veinte, la noche era el foco de la vida, y a pesar de que la ropa de noche cambiaba constantemente, esta era
siempre exótica y lujosa, con muchos brillos, cintos y moños. El charlestón y el jazz influyó, para usar vestidos cortos y cuadrados detenidos por tirantes delgados y abiertos a los lados, de tela brillante y aplicaciones para brillar lo más posible (el flapper dress). Además se usaban plumas, boas, capas y flecos. También había bordados complicados y las telas exóticas de Jean Dunard eran muy populares. La ropa interior se simplificó en una camisola con piernas y el fondo. Se desechó el corsé de hueso de ballena y se hizo una stretch que cubrías las caderas, que fungía mas como una faja y servía de liguero. Las mujeres más voluptuosas se vendaban para parecer más planas. Las piernas se convirtieron en el nuevo foco visual. En esta época aparece el primer brassiere de varillas. En el campo de la ropa deportiva Jean Patou empezó a combinar jerseys con las líneas de la moda de guerra. Tenía una competencia directa con Chanel en el mercado de la moda deportiva. Todos los atuendos deportivos eran muy elegantes, pero sobre todo los del tenis. Los diseños de Patou para el deporte eran siempre simples, modernos y elegantes, siempre experimentando en corte y diseño. Hasta los años 40 del siglo XX la fascinación por la vieja Europa era una constante en Estados Unidos. El paradigma del lujo, la elegancia y la sofisticación a los ojos de los norteamericanos estaba en Europa.
El sucesor del collage
S
u nombre completo es Máximo Tuja; Inspirado en la técnica del collages bajo la firma de Máximo-o-matic - nombre inspirado por J.E. Máquina de Fassio´s para leer Hopscotch de la novela de Julio Cortazar´s. Nacé en 1975 en Buenos Aires, Argentina. Actualmente Vive en Barcelona desde 2002. diseñador, un ilustrador, un artista del collage y obsesionado por la cecino del collage en fondo dorado.
Mao - o - Matic uno de los pioneros del collares nos muestra una galería de carteles con un fondo de color dorado con su singularidad ejemplificación de varios recortes en su mayoría personajes sacados de revistas antiguas. Max nos manda esta galería con fin de crear conciencia en la creación de nuestros sueños, que tenemos en la vida, y que no todo el mundo o el fondo es brillante, si no que también hay personas que nos manipulan y cortan para crear personajes ficticios sin un propósito para controlar nuestras vidas. En cada imagen de esta singularidad galería se puede denotar una figura retorica demasiadamente fuerte, que es la metáfora y la alusión, La primera la metáfora ya que con sus imágenes nos hace ver una acción pero esa acion se entiende por otra cosa para que el receptor creé su propia definición.
Asia mismo la alusión tiene la misma idea ya que se refiere a una idea por medio de otra sin perder su significado de cada cartel. En una pequeña conclusión Max nos regala estas imágenes con un significado que personas que tengan estos conflicto pueda entenderse por medio de esta técnica de collage.
DAviD LACHAPELLE
LaChapelle: del surrealismo a la publicidad
L
aChapelle estudió Bellas Artes en la Escuela de Artes de Carolina del Norte antes de mudarse a Nueva York. Tras su llegada, ingresó a la Liga de Estudiantes de Arte y a la Escuela de Artes Visuales. Andy Warhol le ofreció su primer trabajo, como fotógrafo de la revista Interview, de quien conoció una forma de expresar a través de la fotografía, con un tono sarcástico, una crítica malevola de los caracteres más críticos de la cultura popular. En la actualidad, las revistas más importantes tienen la huella de LaChapelle: Italian Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face, British GQ y Vanity Fair. Además, es conocido por el creativo uso de los colores en sus imágenes y por retratar personajes famosos: Madonna, Elton John, Angelina Jolie, Tom Jones, Whitney Houston, Elizabeth Hurley, Milla Jovovich, Alicia Keys, Heidi Klum, Daniel Day Lewis, Jennifer López, Courtney Love, Tobey Maguire y Marilyn Manson, entre otros. El trabajo de LaChapelle se basa en surrealismo, su obra incluye fotografía artística y también publicidad. En sus obras podemos notar un estilo sexual que combina con el surrealismo y el sarcasmo, también podría decirse que son bizarras y cautivadoras a la vista, este estilo único que ha impregnado en todas sus fotografías y con eso ha logrado colocarse en los campos de la moda, la publicidad y la fotografía artística. LaChapelle ha publicado exitosamente una variedad de libros a lo largo de su carrera, algunas de sus publicaciones son: LaChapelle Land (1996), Hotel LaChapelle (1999), Artist and Prostitutes (2005), Heaven to Hell (2006). En los ojos de David LaChapelle la fotografía es un medio para decir la verdad, pero en algunas ocasiones la verdad puede llegar a incomodar, las imágenes de este fotógrafo pueden llegar a ser perturbadoras, sin embargo aunque sus medios de expresión sean calificados como irreverentes u hostiles, siempre es una invitación a reconsiderar, reconocer o replantear el modo en que la sociedad moderna enfrenta
las contradicciones, inmoralidades, abusos y demasías que la debilitan. Su trabajo comercial y artístico, reflejan una postura crítica respecto a la sociedad de masas en la cual estamos incluidos. El consumo, por ejemplo, muchas personas mueren por obesidad. Esto es lo que LaChapelle nos quiere mostrar en la imagen anterior: Muerte por Hamburguesa, es el título de la pieza. A pesar de que en la imagen es algo muy literal, morir aplastada por una hamburguesa gigante, en el sentido connotativo podemos morir por comer hamburguesas, que es un gran consumo de la burguesía, lo que podría llegar a ser un consumo innecesario. Así en la fotografía David Lachapelle recoge los síntomas de la vida en nuestra época, tiene un compromiso con las situaciones sociales más urgentes, es muy fácil encontrar lo que el fotógrafo quiere comunicar sin necesidad de hacerlo obvio, sus fotografías capturan de inmediato la atención el pensamiento y el sentimiento del público. A lo largo de su carrera LaChapelle ha transformado su fotografía en una combinación muy peculiar y muy personal del reportaje. Su inquietante sentido del humor puede ser particular en sus fotografías, así como el realismo en sus imágenes, siempre incluyendo un comentario o crítica social en su fotografía, ya sea comercial o artística, por la preocupación que tiene acerca de los prejuicios relacionados con el racismo, el estatus del inmigrante, las cuestiones de género y la belleza física. El fotógrafo usa referencias históricas y culturales perturbadoras así logra despertar la memoria de los espectadores antes obras del pasado que trascendieron en la interpretación artística. También logra exponer y confirmar de manera audaz la perdida de ciertos valores en nuestro contexto social al tocar temas como la frivolidad ante los desastres, la ostentación que contrasta con el desgaste humano y la ceguera desastrosa que impide que veamos los riesgos de ciertas decisiones.