ACCION Cine-Video Octubre 2013

SUMARIO

Bienvenidos de nuevo a vuestra cita mensual.

Este mes como veis es el mes de Superman no he podido evitar caer en la tentación de hacer la gracia que figura a la derecha de estas líneas.

Además, para rizar el rizo, hemos conseguido dos jugosísimas entrevistas con los dos protagonistas de esta nueva versión de popular superhéroe. Henry Cavill y Michael Shannon nos informarán de los detalles de El hombre de acero, todo ello acompañado de la cartelería de las diferentes versiones que se han realizado. Vamos, que estamos que lo tiramos, oiga.

Si hace un par de meses se incorporaba a nuestro equipo el popular presentador Christian Gálvez, al que por cierto estoy muy agradecido por su gran apoyo a la revista, este mes tengo el placer de dar la bienvenida a Diego Arjona, humorista y escritor muy aficionado al cine de la década los años 80, por al motivo inauguramos una sección de carteles con esa temática que espero sea de vuestro agrado.

Nº 1310

DIRECTOR: Héctor Alonso COLABORADORES: Alfonso Alarcón, Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Jesús Martín, Juan Carlos Paredes, Juan S. Mas, Jesús Usero.

FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: Susana Román PUBLICIDAD: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: Rosa Ruiz C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISEÑO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012 ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 3,35 € (Incluida Tasa Aérea) Impreso en España Printed in Spain

CONTROLADO

PROXIMOS ESTRENOS 12 22 26 66 68 69 70 71 72 73

Thor el mundo oscuro Plan de escape Insidious Gravity Cuerpos especiales El mayordomo Prisioneros Runner, Runner Zipi y Zape y el club de la canica Turbo

CARTEL-MANÍA 28 Niños de miedo 61 Cary Grant

SECCIONES FIJAS 2 4 10 84 86

Hollywood Noticias Mundo fantástico Correo del lector Bandas sonoras

SOBRE LOS COLECCIONABLES Encontraréis al centro de la revista los pósters. Si arrancáis éstos os encontraréis con las fichas en papel más grueso que está distribuido para que también se pueda separar de la revista. Lo mismo sucede con el coleccionable de ACTORES, se puede separar sin afectar al resto de la revista. Aunque para algunos pueda resultar liosa esta distribución, está pensada para poder coleccionar diferentes partes de la revista.

En cuanto a los estrenos del mes hay de todo: comedia (R3sacón), acción (A todo gas 6), suspense (Ahora me ves), muy interesante por cierto, animación (con la secuela de Monstruos S.A.), ciencia ficción (After Earth)... Como veis hay oferta para todos los gustos. No hay excusa para no ir a los cines a disfrutar de buenas películas.

ENTREVISTAS

Me alegra saber, con vuestros mensajes de Facebook y 18 Tom Hiddleston Twitter, la buena aceptación que tienen los pósters, tanto es así queTELEVISIÓN cada día nos cuesta más realizar la selección. En las redes sociales os actores escuchamos y todos vuestros comentarios y 41 Fichas opiniones43 sonFicha tenidas en The cuenta, serie TV: Unit así que os animo a ser más participativos.

88 Dracula 90 Revolution 2 Os espero el mes Temp que viene.

92 Vigilantes en la ciudad @hector_accion 94 Entrevista: Charlie Hunnam 96 Noticias TV

COLECCIONABLES 33 45 53 55 57 59

Fichas críticas Coleccionable actor clásico: Lana Turner Ficha película mítica: Metropolis Ficha actor clásico: Anita Eckberg Fichas películas clásicas Rebobinando a los 80’

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@PatriciaPuentes @martinperezjesu Iván @Shardasmal Alfonso @JesusUsero @Hector_Accion @MiguelJuanPayan Juan Carlos @ChristianG_7 Santiago

@Diego_Arjona

CRÓNICA

INFORMACIÓN, DESINFORMACIÓN, SADOMASOQUISMO, NINFOMANÍA, GAYUMBOS, FÓSILES Y TRAVESTISMO ¡No queda otro remedio que asumirlo! Nuestra sociedad de la información es la peor informada de la historia. No deja de ser paradójico y hasta puede que tenga su gracia, si lo miras con los ojos del Joker de El caballero oscuro, ya saben, aquel que decía: “¡Soy un perro corriendo detrás de los coches. No sabría qué hacer si alcanzara uno!”. Pues bien, nuestra sociedad se parece cada vez más a ese perro corriendo tras los coches, cual Joker de Heath Ledger.

Un ejemplo: se anuncia el reparto de la adaptación de la novela 50 sombras de Grey, y a los responsables de un informativo televisivo se les ocurre la “feliz” idea de mandar a pasear por la calle a uno de sus redactores con una tablet y dos fotos del protagonista, Charlie Hunnam, y montarse una encuesta apresurada sobre la opinión de las féminas al respecto. Las féminas, claro, miran la foto de Hunnam barbudo y en plan motero rapero con el pelo grasiento y afirman, poniendo incluso carilla de asco y hocicos de ardilla mosqueada, que no lo ven como Christian Grey, el guaperas millonario y aficionado al sado de la novela. Luego les ponen frente a las córneas una foto del mismo actor en camiseta y luciendo bíceps y les salta automáticamente la libido y el mecanismo de la afirmación compulsiva y dicen que sí, que a ese sí que lo ven como Christian Grey.

No voy a entrar aquí en lo paradójico que me parece que una novela cuya base argumental consiste en poner a la protagonista (que en el cine será interpretada por Dakota Johnson, la nieta de Tippi Marnie la ladrona Hedren e hija de Melanie Holly se lo monta en Hollywood Griffith y de su exmarido, Don Sonny Crockett Johnson) en la situación masoca de mujer objeto sea tan leída por millones de mujeres en todo el mundo, muchas de las cuales seguramente abominarían de un clásico de la literatura erótica como Justine o los infortunios de la virtud, del marqués de Sade.

Consecuentemente, tampoco voy a molestarme en cuestionar la originalidad de la novela, que por otra parte y además de no poner nada nuevo bajo el sol se me antoja una variante argumental de la película de Steve McQueen El caso de Thomas Crown cruzada con los epidérmicos arrebatos románticos redentores de “malotes” para adolescentes de la saga Crepúsculo y algunas gotas de oscuridad más de tono café con leche que realmente negra pilladas al vuelo de la trilogía Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres. Lo que realmente me parece paradójico es que con la que está cayendo informativamente hablando en todo el mundo, la redacción de un informativo de televisión emitido a las tres de la tarde haya considerado oportuno mandar un equipo a la calle para realizar tan trascendente investigación sobre el parecer de las féminas respecto a si Charlie Hunnam puede o no puede ser el tal Grey. ¿De verdad que no había otras cuestiones informativamente más interesantes que abordar? ¿Qué será lo siguiente, darle minutos de noticia a la pirada de pinza de Justin Bieber interpretando a Robin en El hombre de acero 2? ¿Entrevistar al psicólogo del pobre Ben Affleck, que de aquí a nada va ser declarado especie protegida en extinción por haber aceptado el papel de Batman en esa misma película? ¿Hacerle una entrevista a los gayumbos de Jason Statham para que nos cuenten lo mal que lo pasaron

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cuando el actor se puso en plan más chulo que un ocho y decidió hacer él mismo una escena de riesgo de Los mercenarios 3 saltando desde una cascada a un lago artificial… y casi se ahoga? ¿Pagarle un psicoterapeuta a Lars von Trier para que le convenza de que por muy obra maestra que llegue a ser su última película, Nymphomanic, cinco horas de metraje es una sobrada de narices, por muy “odisea erótica” que sea el asunto? Dicen que el director se enfrenta al montaje de más de 100 horas de material rodado para esta película intentando decidir si le enchufa al público de golpe la manita completa en un solo largometraje, en plan goleada, o divide la dosis en dos largometrajes de dos horas y media cada uno, en plan Pete El hobbit Jackson. Incluso hay quien afirma que se está pensando poner en circulación una serie de televisión adicional para completar la jugada. Lógico, después de 100 horas debe tener la libido tan perjudicada como un zombi de La noche de los muertos vivientes de George A. Romero. No me extraña que algunas fuentes afirmen que la película empieza con un tono de comedia para evolucionar gradualmente hacia algo mucho más trágico y oscuro, imagino que a medida que se va completando el proceso de petrificación de las nalgas del espectador en la butaca y empiezas a visualizar tus posaderas como un posible descubrimiento arqueológico del futuro. Está previsto que la película se estrene en Dinamarca en Navidades, en plan cine familiar, vaya. Vamos que te despistas un poco, te equivocas de sala y en lugar de llevar a tus hijos a ver la segunda parte del viaje de Bilbo Bolsón en el El hobbit aparece Charlotte Gainsbourg contándoles sus experiencias eróticas… ¡durante cinco horas!

Por cierto, hablando de fósiles, ahí va otra paradoja: finalmente, se estrena en Estados Unidos Las vidas posibles de Mr. Nobody, aquella muy recomendable pero nada fácil película coprotagonizada por Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger a las órdenes de Jaco Van Dormael… ¡en 2009! La cosa podría ser de traca si ahora va y les gusta a los de la Academia de Hollywood y la nominan al Oscar. Seguro que algunas de las fans de Jared Leto que no faltarán al concierto de su grupo 30 Seconds to Mars en Madrid y Barcelona los próximos 30 y 31 de octubre harían la ola si le nominan en plan doblete por esta película y por Dallas Buyers Club, la que protagoniza, travistiéndose, con Matthew McConaughey…

Y hablando de travestirse, ¿qué me dicen del rumor de sustitución de JJ Abrams por Rupert Wyatt en la silla del director de Star Trek 3? ¿Y de poner al director de Mamá, Andres Muschietti, al frente del reboot de La momia, trasladando la trama de los años veinte del siglo pasado en el original a la actualidad?

Visto lo visto, me doy por contento con que en los proyectos de la Disney para rodar varios spin-off repasando los orígenes de algunos de los personajes más carismáticos de Star Wars, para rellenar los huecos entre las películas de la nueva trilogía en 2016 y 2018, no se les ocurra pillar como protagonistas a los ewoks o a Jar Jar Binks.

Esos sí tenían que estar en busca y captura, y no el pobre Ben Affleck…

Miguel Juan Payán

NOTICIAS

RODAJES • PROYECTOS • RUMORES La nueva isla del doctor Moreau Warner Bros. prepara nueva versión de La isla del doctor Moreau, la novela de H. G. Wells sobre los experimentos de mezcla de especies llevados a cabo en una isla por un científico que crea mutantes. La productora de Leonardo DiCaprio también está implicada en el proyecto, que pretende dar una versión actualizada del asunto situada en nuestros días, con clave de ciencia ficción y trasfondo ecológico. De las versiones anteriores, la mejor sigue siendo la rodada en 1932 por Erle C. Kenton, con Charles Laughton como protagonista y titulada en España La isla de las almas perdidas.

FECHAS ESTRENOS 27 de septiembre 2 Guns Las brujas de Zugarramurdi

4 de octubre El mayordomo Gloria Gravity 3D Mi primera boda Runner Runner Zipi y Zape y el club de la canica

11 de octubre Pie de página Plan de escape Prisioneros

18 de octubre Capitán Phillips El quinto poder Turbo Una cuestión de tiempo

25 de octubre Cuerpos especiales Insidious 2 La hermandad

30 de octubre 12 años de esclavitud Thor: El mundo oscuro

Nota de la redacción: La fecha prevista de estreno está facilitada por las distribuidoras al cierre de la edición, y puede variar en función de la programación de las mismas.

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Dwayne Johnson, cazador de recompensas Dwayne Johnson prepara su próximo proyecto, el remake cinematográfico de una serie de televisión de los años ochenta, The Fall Guy, protagonizada por Lee Majors, el hombre de los seis millones de dólares, y que giraba en torno a un doble de acción para el rodaje de escenas de riesgo que se recicla en cazador de recompensas. Johnson se ha aliado con McG, sobradamente conocedor de las series de televisión merced a su trabajo como productor de The OC Nikita, Escudo humano, Chuck o Sobrenatural, y que además como director ya ha catado la adaptación a largometraje de una serie de éxito décadas atrás con Los ángeles de Charlie y su secuela, además de dirigir Terminator: Salvation. La productora estrella de la lucha libre norteamericana, WWE Entertainment, con la que Johnson triunfara como la Roca, también está implicada en el proyecto.

Cambios de reparto en Crimson Peak El próximo largometraje de Guillermo del Toro como director, Crimson Peak, ha registrado varios cambios de reparto.

Emma Stone iba a protagonizarlo, pero ha sido reemplazada por Mia Wasikowska, protagonista de Stoker. Además, Benedict Cumberbatch también ha dejado la película, en la que permanecen Ron Perlman, Charlie Hunnam, protagonista de Pacific Rim y la serie Hijos de la anarquía, y Jessica Chastain, que encabezó el reparto del último éxito de Del Toro como productor, Mama. El argumento es una historia de terror gótico que según ha apuntado el director encuentra un camino hacia la actualización de esa fórmula tradicional incorporando sexo y violencia como nunca antes hemos visto en su filmografía.

Del Toro afirma que es una historia de fantasmas para adultos y está casi seguro de que no le van a dar la calificación de PG13 para que puedan ir a verla los más jóvenes. El rodaje empezará el próximo mes de enero.

Gandalf se convierte en Sherlock Holmes Ian McKellen se ha despedido ya de su trabajo como Gandalf en la Tierra Media una vez completado su trabajo para la trilogía de El hobbit y pronto le veremos ejerciendo nuevamente como Magneto en la nueva entrega mutante de Bryan Singer, X-Men: días del futuro pasado, pero no piensa irse a descansar, sino que añade otro personaje mítico a su galería personal interpretando a Sherlock Holmes en la próxima película de Bill Condon, que ya le dirigió en Dioses y monstruos. McKellen fue nominado al Oscar como Mejor Actor Principal por aquel trabajo y quizá piense repetir interpretando al detective creado por Arthur Conan Doyle en A Slight Trick of the Mind, adaptación de la novela homónima de Mitch Cullin.

McKellen interpretará a un Holmes jubilado de 93 años en una historia ambientada en 1947.

Alan Taylor negocia dirigir el reboot de Terminator El director de Thor: The Dark World, Alan Taylor, está en negociaciones para ocuparse de realizar la primera entrega del relanzamiento de la franquicia Terminator en el seno del estudio Paramount. En principio hay tres largometrajes planeados con Arnold Schwarzenegger en el reparto, el primero de los cuales tiene estreno previsto para el 26 de junio de 2015. Taylor se ha ocupado de realizar también capítulos de las series Juego de tronos y Boardwalk Empire.

Confirmados los protagonistas de Cincuenta sombras de Grey Charlie Hunnam (Queer As Folk, Hijos de la anarquía, Pacific Rim) y la hija de Melanie Griffith y Don Johnson, Dakota Johnson, serán los protagonistas de la adaptación al cine de la novela Cincuenta sombras de Grey, de la autora británica E. L. James. Para quienes todavía no hayan leído esta novela que ha barrido en ventas en las librerías convirtiéndose en un nuevo fenómeno del estilo de sagas como Crepúsculo o Millenium, el argumento gira en torno al mundo del sadomasoquismo y la sumisión sexual, con un joven millonario, Christian Grey, que seduce a una aún más joven estudiante de literatura, Anastasia Steele. El estreno está previsto para el 1 de agosto de 2014 y el estudio Universal ha pagado cinco millones de dólares para adaptar las tres novelas que integran la saga, así que obviamente, salvo tremenda catástrofe en la taquilla, está previsto el rodaje de otras dos películas que tendrán ocupados a Hunnam y Johnson con esta franquicia durante una temporada. Para ambos puede ser el momento decisivo de su despegue hacia el estrellato. La directora es la artista y fotógrafa Sam Taylor-Johnson (Nowhere Boy).

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RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Benedict Cumberbatch tras las huellas de Indiana Jones

Descartado el rumor que le señaló precipitadamente como integrante del reparto de Star Wars: episodio 7, el protagonista de la serie Sherlock, Benedict Cumberbatch, que se ganó el pasado verano más seguidores dando vida a Khan, el villano de Star Trek: en la oscuridad, está en negociaciones para protagonizar The Lost City of Z, un proyecto que iba a protagonizar Brad Pitt. El director James Grey intenta fichar al actor para el papel de Percy Fawcett, aventurero y explorador perdido en el Amazonas en 1925 tras localizar un mapa que según él conduce al lugar mítico que da título a la película: la ciudad perdida de Z. La película se basa en la novela de David Grann.

Tomorrowland: la nueva fantasía de Disney Protagonizada por George Clooney, Hugh Laurie, Britt Robertson, Raffey Cassidy y Thomas Robinson, Tomorrowland es la nueva propuesta de fantasía de Disney, con estreno previsto para diciembre de 2014.

El largometraje comenzó a rodarse a finales del pasado mes de agosto en Vancouver, Canadá, y está dirigido, producido y escrito por el ganador de dos Oscar Brad Bird (Misión: Imposible, protocolo fantasma, Los Increíbles), asociado en el guion con Damon Lindelof. Sus protagonistas son un adolescente inteligente y optimista lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio inventor hastiado por las desilusiones, embarcados ambos en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en la memoria colectiva como Tomorrowland. La fotografía es del ganador del Oscar Claudio Miranda (La vida de Pi, El curioso caso de Benjamin Button), la dirección artística corre por cuenta de Scott Chambliss (Star Trek, Star Trek: en la oscuridad, Cowboys & Aliens), el vestuario es de Jeffrey Kurland, (Origen, Ocean’s Eleven) y el montaje es de Walter Murch (Apocalypse Now, El padrino 3, El paciente inglés, Cold Mountain).

La serie Oscuros (Fallen) pasa al cine Los estudios de Hollywood siguen buscando el próximo éxito de taquilla del cine fantástico juvenil estilo Crepúsculo con nuevos proyectos de similares características. El último en incorporarse a la lista es Fallen, adaptación de las novelas de temática vampírica Oscuros, escritas por Lauren Kate, que vuelven sobre los fenómenos paranormales mezclados con terror y romanticismo, y cuya primera adaptación al cine será dirigida por Scott Hicks (Shine, Mientras nieva sobre los cedros, Sin reservas). La Julieta de esta nueva saga romántico-fantástica es Addison Timlin, la Sasha de la serie Californication y Rachel en la serie Hora cero, a la que además hemos visto en el cine en Sin control y Tipos legales. El Romeo será interpretado en esta ocasión por Jeremy Irvine, el protagonista del primer ciclo de relatos contenidos en la película de Spielberg War Horse, al que también hemos visto en Grandes esperanzas y Un largo viaje, y que está en un momento clave de su carrera, ocupando también el papel protagonista de la secuela La mujer de negro: ángel de la muerte, con estreno previsto para el año próximo.

Kaley Cuoco pasa al cine La protagonista de la serie The Big Bang Theory, Kaley Cuoco, se pasa a la pantalla grande con una comedia en torno a las tribulaciones de un novio con sus amigos y padrinos de boda. Josh Gad (Amor y otras drogas, Jobs) y Kevin Hart (Eternamente comprometidos, Juerga hasta el fin) son los dos protagonistas masculinos.

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Ron Howard revisa la leyenda de Moby Dick en España En el corazón del mar, la próxima película de Ron Howard (Apollo XIII, Una mente maravillosa, El código Da Vinci…), será una revisión de la leyenda de Moby Dick, pero no se trata de una adaptación de la novela de Herman Melville, sino de los hechos reales que inspiraron dicha obra maestra de la literatura de aventuras que en su momento llevó al cine John Huston con Gregory Peck como protagonista.

Howard cuenta en su reparto con Chris Hemsworth, al que ya ha dirigido en su última película, Rush, Tom Holland, Cillian Murphy, Brendan Gleeson, Benjamin Walker y Ben Withelaw. Parte del rodaje se desarrollará en España, concretamente en San Sebastián de La Gomera, durante aproximadamente dos meses, a partir del mes de octubre.

Bradley Cooper en bicicleta Bradley Cooper producirá y protagonizará uno de los papeles principales de la biografía del ciclista Lance Armstrong que prepara Warner Bros., Red Blooded American, dirigida por Jay Roach. Anteriormente, Cooper estuvo implicado en el proyecto de llevar la vida del polémico Armstrong a la pantalla comandado por JJ Abrams en el seno de Paramount, pero finalmente ha cambiado de bicicleta y se apunta a este otro largometraje que tendrá que abordar no solo la etapa de triunfos del ciclista, sino su descenso al infierno del linchamiento público como consecuencia de las acusaciones de dopaje.

Jurassic World Lo que iba a ser Parque Jurásico 4 ha pasado a convertirse en Jurassic World tras el parón del proyecto, que inicialmente iba a estrenarse en verano de 2014 y ahora ha retrasado su llegada a la taquilla hasta el 12 de mayo de 2015. Se rodará en 3D y la producción correrá por cuenta de Steven Spielberg, Frank Marshall y Pat Crowley, garantizando así la continuidad con las entregas anteriores de la saga. El director será Colin Trevorrow (Seguridad no garantizada), que ha participado en el guion junto a Derek Connolly, Rick Jaffa y Amanda Silver. En una convención de Star Wars celebrada en Alemania se proyectó un vídeo con dinosaurios atacando una playa con el sello final del título de la película, Jurassic World, y aunque Frank Marshall asegura que esa secuencia no está incluida en la película, dado el cambio de título y deduciendo la evolución del argumento de la franquicia a partir del final de Jurassic Park 3, todo hace sospechar a los aficionados que en esta cuarta entrega los dinosaurios finalmente han escapado de la isla y se disponen a pasearse a sus anchas por el planeta, dando lugar a un esquema argumental que recuerda al de la serie británica (y su fallido remake canadiense) Primeval.

Mark Wahlberg, ludópata El remake sigue estando de moda entre los nuevos proyectos de los estudios de Hollywood. Mark Wahlberg prepara la nueva versión de un largometraje que protagonizó James Caan en 1974 a las órdenes de Karel Reisz, El jugador, historia de un profesor de literatura ludópata que acaba por ser perseguido por la mafia a consecuencia de sus deudas. El director de la nueva versión será Rupert Wyatt (El origen del planeta de los simios), que está también en algunas quinielas para dirigir la tercera entrega de la saga cinematográfica de Star Trek, ahora que JJ Abrams está muy liado con el Episodio 7 de Star Wars. La idea de rodar una nueva versión de El jugador de Reisz lleva dando vueltas por los estudios desde hace un tiempo, e incluso Martin Scorsese se interesó por rodar el remake con Leonardo DiCaprio como protagonista. Irwin Winkler, productor del original, será el encargado de esa misma parcela en la nueva versión.

FURIA ORIENTAL Por Iván E. Fernández

El nuevo Tony Jaa Ya he ido comentando en esta sección el cambio que ha sufrido Tony Jaa desde Ong Bak 3 hasta la actualidad. Ya tenemos el segundo tráiler de Thai Dragon 2, y un buen puñado de pósteres de los personajes, como Tony Jaa, Jeeja Yanin, Petchtai Wongkamlao y Marrese Crump, y esperamos el de A Man will Rise para verlo junto a Dolph Lundgren. La actividad de Tony tras estos rodajes y todo el trabajo en posproducción ha sido vertiginosa. De momento, ha creado su página de Facebook en inglés, donde podemos ver numerosos vídeos de entrenamiento, cómo está orientando su estilo de lucha, además de fotos personales con su mujer y su hijo Tiny. Parece que se ha volcado en fomentar su imagen internacional, lejos ya de sus desapariciones durante el rodaje de Ong Bak 2, lo que se refuerza al incluirle en Fast 7, la próxima entrega de A todo gas, que le unirá a Jason Statham y a Kurt Russell, además de Vin Diesel, Dwayne Johnson y espero que Gina Carano. También se confirma la aparición especial de la experta en artes marciales Ronda Rousey.

Rise of the Legend Con este título regresa uno de los héroes históricos de China, el maestro de kung-fu Hung Gar y líder de los Diez Tigres de Cantón, Wong Fei Hung. El personaje al que dio vida el mítico Kwan Tak-hing en más de 70 películas, y más recientemente Jet Li en la saga Érase una vez en China, vuelve al cine en un proyecto muy interesante gracias a los nombres que se están sumando. Por un lado tenemos a Sammo Hung (Ip Man 2) como mentor de Wong, Eddie Peng (Tai Chi Zero) como Wong Fei Hung, a Corey Yuen (El beso del dragón) como coreógrafo, y a Roy Chow Hin Yeung (Nightfall) como director. Con este nuevo filme se pretende contar el origen de Wong Fei Hung como figura emergente de esperanza y justicia durante los últimos días de la dinastía Qing. Espero que Eddie haya mejorado como actor, ya que de momento no parece la mejor elección para encarnar al personaje real que le ha tocado, todo un icono popular.

Cine asiático en DVD Y Bd Este mes de octubre es muy bueno para los amantes del cine oriental, sobre todo los de Jet Li. Isaan Entertainment junto a Karma Films siguen editando títulos en nuestro país, en DVD y BD. Concretamente, solo en DVD tendremos tres películas reeditadas, como son Dr. Wong en América, quinta entrega de la saga Érase una vez en China, con Jet Li dirigido por Sammo Hung, El último héroe en China, donde Jet Li interpretó al mismo personaje, Wong Fei Hung, pero bajo las órdenes de Wu Jing en una película ajena a la saga de Tsui Hark, y Black Mask, una especie de superhéroe de acción. Son tres títulos que editó hace tiempo Manga Films y que ahora podrás recuperar a partir del día 22 directa-

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mente en venta. Y si esto son buenas noticias, que lancen el día 29 en alquiler El último gánster (The Last Tycoon), uno de los últimos filmes de Chow Yun Fat, y junto a Sammo Hung en una cinta de mafiosos en Shanghái con un regustillo a heroic bloodshed. Tras Ip Man: la leyenda y El ejecutor (My Father Is a Hero) de Jet Li (la primera, precuela de las dos entregas de Ip Man de Donnie Yen, pero sin él, en DVD y BD, mientras que la segunda solo ha llegado en DVD el pasado mes de septiembre), estos cuatro títulos se unen a un catálogo cada vez más impresionante que será ampliado de aquí a final de año con dos películas indias de acción, Ek Tha Tiger, con Salman Khan (Dabbang) y Don 2, secuela del éxito de Shah Rukh Khan (Mi nombre es Khan), de nuevo con él como protagonista. Y más títulos se acercan, como La espada del dragón (Flying words of the Dragon Gate, de Tsui Hark con Jet Li) o Gangs of Wasseypur.

El regreso de Phillip Rhee Puede que el nombre de Phillip Rhee no le suene al gran público, pero espero que nombrar la saga Campeón de campeones, de la que es protagonista además de productor y guionista, es decir, su creador, aparte de experto en taekwondo, sirva para localizarle. Ahora rueda The Underdogs, una película familiar sobre un campeón de artes marciales mixtas que enseñará su arte a un grupo de adolescentes problemáticos.

Ryan Potter (Supah Ninjas, la serie de televisión) y el hijo de Phillip, Sean, son dos de los protagonistas más jóvenes, que estarán arropados por auténticas leyendas de las artes marciales y del cine de género de los ochenta y noventa, como Richard Norton, Dan Inosanto, James Lew, que es además el coreógrafo, el hermano de Phillip, Simon, Benny The Jet Urquídez y Don Dragon Wilson, bien en personajes secundarios o en cameos. Su estreno será para el 2014 y Rhee asegura que se verán técnicas muy espectaculares y sorprendentes, así que estaremos atentos.

Más del detective Dee El éxito de la película de Tsui Hark, con Andy Lau como protagonista, tiene precuela. Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon nos traerá al futuro juez Dee con Mark Chao ( First Time) como protagonista junto a Angelababy (Tai Chi 0) y Carina Lau (Infernal Affairs / Juego sucio), además de la banda sonora del gran Kenji Kawai (Ghost in the Shell, Ip Man). De nuevo será estrenada en 3D, formato al que Hark ha cogido gustillo. Este rodaje ha sido inesperado y ha saltado a la palestra con el rodaje prácticamente terminado, con la salida de pósteres y el tráiler.

Con suerte, podremos verla en España, tal y como ha pasado con la primera entrega. Rumores sitúan a Andy Lau en un cameo al final de la película, y siguen hablando de una secuela que uniría al reparto original. La ajetreada agenda de Lau esperemos que lo permita, y pronto.

M U N D O FA N T Á S T I C O FA N TA S Í A

TERROR - GORE - CIENCIA FICCIÓN Por Santiago de Bernardo

El fin del mundo llega a Donostia

The Twilight Zone: The Videogame La legendaria serie televisiva de Rod Serling que nos invitaba a entrar en la mismísima dimensión desconocida, The Twilight Zone, tiene un videojuego que está previsto que vea la luz antes de que acabe el año, tanto para PC (con Windows) como para Mac, y que coincidirá en el mercado con la serie de cómics que ha creado Dynamite Entertainment sobre esta mítica serie de la CBS (¿para cuándo una edición videográfica oficial en nuestro país?). The Twilight Zone: The Videogame nace de un acuerdo entre esta y Legacy Interactive, responsable del desarrollo de juegos, inspirados asimismo en series de televisión como Se ha escrito un crimen, Entre fantasmas, Doctor Who, Castle, House o Mentes criminales. Esta adaptación permite al jugador convertirse en un actor que repite una y otra vez el mismo personaje en varios episodios de una serie de televisión, de los que no puede escapar si no descubre qué papel ejerce en cada historia. Así que hay que moverse con destreza, resolver misiones o encontrar objetos ocultos para escapar en los límites de la realidad.

Sitges 2013 ya está aquí Cuenta atrás para el festival de fantástico por excelencia: Sitges, donde se podrá ver del 11 al 20 de octubre, aparte de los filmes ya conocidos, lo último (e inédito en nuestro país) de Brian De Palma, su thriller Passion, Interior: Leather Bar, de James Franco y Travis Matthews, en el que se recrean escenas censuradas (y eliminadas) de la polémica pero excelente A la caza de William Friedkin, lo anterior de Joss Whedon (Serenity) a Los Vengadores, Much Ado about Nothing, el último filme (¿se retirará definitivamente?) del maestro Hayao Miyazaki, The Wind Rises, y más cine animado como la superproducción Space Pirate Captain Harlock de Shinji Arakami o Río 2096: A Story of Love and Fury de Luiz Bolognesi. Sin olvidar el remake de Patrick, del especialista en documentales sobre cine Mark Hartley, o Rewind This! de Josh Johnson, que recuerda (en forma de documental) lo que supuso el vídeo doméstico y especialmente la aparición del VHS para el mundo del cine y del audiovisual. Además, existirá la oportunidad de ver varias cintas españolas, como Mindscape de Jorge Dorado o Retornados de Manuel Carballo, y la versión restaurada de El desierto de los tártaros de Valerio Zurlini, disfrutar del homenaje al actor Simón Andreu o de una exposición dedicada a La guerra de los mundos, entre muchas otras actividades programadas.

Con la XXIV Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia (del 26 de octubre al 1 de noviembre) llega el Apocalipsis, gracias al filme Bienvenidos al fin del mundo de Edgar Wright y que cuenta cómo unos amigos se marcan como meta celebrar su graduación bebiendo cerveza en todos los pubs de su ciudad, pero a pesar de su esfuerzo, no consiguen llegar al último de su lista, The World’s End. Después de dos décadas quieren volver a intentarlo, pero los problemas serán de proporciones épicas para conseguirlo. Otros filmes que se verán en San Sebastián tras pasar por Sitges 2013 son V/H/S/2 de Simon Barrett, Adam Wingard, Eduardo Sánchez, Gregg Hale, Timo Tjahjanto, Gareth Huw Evans y Jason Eisener, de nuevo con una casa repleta de cintas VHS que muestran historias de horror y que esperamos guste más que el original, V/H/S, We Are What We Are de Jim Mickle o The Battery de Jeremy Gardner, con dos exjugadores de béisbol buscando su destino en un mundo dominado por los zombis. Otros filmes programados son Tai Chi Hero de Stephen Fung, segunda entrega de la trilogía Tai Chi, que aúna acción, artes marciales, fantasía y comedia, la cinta española Capa caída de Santiago Alvarado, con un superhéroe en declive, Magno, que pasó de ser el salvador del planeta a delincuente acusado de abuso de menores, lo que hundió su carrera y su vida (a pesar de ser inocente), una nueva alucinación de Noboru Iguchi, Nuigulumar Z, con una heroína un tanto peculiar, la película coral The Profane Exhibit, Nothing Left to Fear de Anthony Leonardi III, con producción del guitarrista Slash y que nos llevará a las mismas puertas del infierno, Dark Touch de Marina de Van y una niña a la que acompaña la muerte de los que la rodean, y Discopath de Renaud Gauthier, con un asesino en serie surgido en 1976 tras escuchar ¡música disco!, y cuyo lema publicitario, “He Was Made for Loving You” recuerda al famoso tema (bailable) del disco Dinasty de Kiss.

De festivales fantásticos Concluida la malagueña XIV Semana de Cine Fantástico de la Costa del Sol, con proyecciones de películas como Dark Skies de Scott Stewart, Seconds Apart de Antonio Negret o De día y de noche de Alejandro Molina, vuelve un festival imprescindible, también a tierras andaluzas, el Almería Western Film Festival 2013, que en su tercera edición (que se celebrará del 2 al 5 de octubre en la localidad de Tabernas) sigue luchando por un género tan querido como el western, reivindicando tanto su larga trayectoria como sus nuevas propuestas como género, sea en formato de largo o de cortometraje. Y así, mientras que se recuerdan spaghetti westerns como Baño de sangre al salir el sol de Alberto Cardone o El retorno de Clint el Solitario de Alfonso Balcázar, en la Sección Oficial se presentan títulos recientes, algunos con un alto componente fantástico como A Pezzi: Undead Men de Alessia Di Giovanni y Daniele Statella o el mockbuster Abraham Lincoln vs. zombies de Richard Schenkman, la más reciente película de Rachel Talalay (Tank Girl), Hanna’s Law, o The Man Who Shook the Hand of Vicente Fernandez de Elia Petridis, la última interpretación de un grande de Hollywood, Ernest Borgnine.

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INFILTRADO

EN

H O L LY W O O D

Hola amigos, soy Julián Lara, un director de cine fantástico y terror de Sevilla, en 2010 hice las maletas y me fui a Los Angeles a probar suerte... durante estos años tengo tantas historias y anécdotas acumuladas que no puedo callármelas, así que mes a mes os iré contando en estas páginas las aventuras y desventuras de mi supervivencia en Hollywood A todos nos gusta el cine de acción en mayor o menor medida, pero cuando hemos crecido entre los setenta y los ochenta, nuestros recuerdos cinematográficos se ven plagados de estrellas como Schwarzenegger, Stallone, Chuck Norris, Jackie Chan, Bruce Willis, etc. A mí me pareció genial la idea de Stallone de reunirlos a todos en la saga de The Expendables, y ahora, coincidiendo con el rodaje de la tercera parte, recuerdo muy buenos momentos vividos el verano pasado cuando coincidí con todos los mercenarios en distintos eventos…

Me planté en el famoso Comic-Con de San Diego con mi pase profesional que me garantizaba el acceso de forma gratuita al enorme recinto donde se celebra esta megaconvención. Sin embargo, tener un pase profesional no te garantiza pasar al backstage, pero como uno tiene muy buenos amigos, conseguí una pulserita que me permitía meterme en todos lados, así que me dispuse a tomar el ascensor hacia la vip room.

Cuál fue mi sorpresa cuando coincidió conmigo en el ascensor el mismísimo Jackie Chan. Dudé un momento si saludarle, pero solo un momento, así que me giré hacia él y me presenté; le pregunté si le gustaban las películas de zombis y me dijo que solo las comedias, así que aproveché y le pasé una copia de mi último corto Till Death Do Us Part, le prometí que había zombis y comedia, y él prometió verlo.

Salimos del ascensor, y mientras hablábamos, nos hicimos una fotillo y compartimos unas risas, anduve con Jackie hasta la vip room donde estaba Stallone, a quien pude estrechar la mano, ¡qué honor!

Entonces, Chan y Stallone se pusieron a hablar de sus películas, y claro, indigno de mí, estaba a punto de irme cuando Stallone me echó una mirada en plan Rambo, lo cual me animó a despedirme de ellos con más rapidez. Quizá malinterpreté su mirada, pues no digo que fuera una mirada chunga, más bien es la que tiene, porque anda un poco estropeado de cara el hombre, eso es evidente.

Todo esto ocurrió el día antes de que se conociera la triste noticia de que el hijo de Stallone, Sage, había sido hallado muerto.

Aproveché la ocasión para saludar a Schwarzenegger, quien a pesar de su edad me apretó bien la mano, en plan Terminator, y me clavó ese pedazo de anillo de calavera que llevaba. Nervioso, solo acerté a decirle: “¿Sabes que nos seguimos mutuamente en Twitter?”

(Eso era antes, cuando seguía a unas cien mil personas, ahora solo sigue a cuarenta y tantos) y él asintió como si supiera quién soy, ¡ojalá!

También me encontré allí con Dolph Lundgren, pero a él ya lo conocía de un día que pasó por las oficinas de la productora After Dark Films, donde trabajé el año pasado. Aquel día que nos visitó vino para

echar un vistazo al primer montaje de la película Stash House, que él mismo protagonizaba; encontrarme con He-Man así de pronto me sorprendió, así que lo primero que se me ocurrió fue preguntarle si le apetecía un café (me encantaba el café de la máquina Nespresso que teníamos en la ofi), el tipo me pidió un triple espresso, y cuando se lo llevé le di mi tarjeta por si quería saber quién soy, pero cuál fue mi sorpresa cuando al irse vi que dejó mi tarjeta junto a la taza del café… eso no está bien, menuda falta de respeto, ¿no?

Al mes siguiente, el estreno de Los mercenarios 2 se celebró por todo lo alto en uno de los sitios más famosos de Los Ángeles, el Chinese Theatre, y para ello no dudaron en cortar el tráfico de Hollywood Blvd.

Rodeados por una gran muchedumbre, la alfombra roja vio desfilar a todas las estrellas, y yo, lo reconozco, no pude evitar pararme allí durante unos minutos y disfrutar de un evento de tal magnitud.

Una vez dentro del cine tuve el placer de conocer a Chuck Norris y saludar a otras celebrities como Tom Sizemore, quien estuvo a punto de coger la misma Coca-Cola que yo, ¡je je je!, y es que en las premieres de Hollywood siempre te agasajan con refrescos y palomitas gratuitas.

Lo único que acerté a decirle a Tom es: “Espero que no aparezca un monstruo como el de The Relic y nos coma a todos…” Él me echó una sonrisa y yo me fui descojonado para mi asiento, pero es que es mi peli favorita de Sizemore, quien por cierto parecía buen tío.

No pude evitar hacerme una foto con Norris, pero ¿quién puede fotografiarse con Dios? Como era de esperar la foto salió borrosa, seguramente mi iPhone no era digno; no pude evitar preguntarle por qué no fue al Comic-Con y me respondió que Ranger solo hay uno, claro, yo me sonreí, y luego me dijo, ya en serio, que no le gustan mucho las multitudes, no le quise rechistar, porque… ¡pensar que se dio de hostias con Bruce Lee! Al terminar la película salimos hacia el hotel W, que en su rooftop cuenta con uno de los mejores clubes de Hollywood, el Drai’s. Aquello era un paraíso: mujeres guapas, Jack Daniel’s, celebrities, hors d’oeuvres y buena música. He de admitir que lo pasé de puta madre, imaginaos a este humilde cineasta sevillano allí metido; aproveché el tiempo: hice amigas y buenas migas, je je je, brindé con champán con Jason Statham, me reí con Randy Couture, abracé a Terry Crews, charlé con el luchador de la UFC Cung Le, quien me presentó a su colega JeanClaude Van Damme… La noche transcurrió de lujo, el único problema fue a la mañana siguiente… Pero eso ya es otra historia.

Esto ha sido una crónica de Julián Lara basada en hechos reales. @Julian__Lara

PROXIMOS ESTRENOS

El dios nórdico de pelo largo y músculos envidiables recupera su inseparable martillo para la secuela de este título de Marvel. Chris Hemsworth, Natalie Portman y Anthony Hopkins vuelven para protagonizar una película que también cuenta con Tom Hiddleston y su siempre bienvenido Loki…

Tom Hiddleston (Loki) y Chris Hemsworth (Thor)

El director de episodios en series de televisión como Los Soprano, Mad Men o Juego de tronos Alan Taylor ha tenido la nada sencilla tarea de coger el relevo de Kenneth Branagh en la dirección de la segunda parte de Thor. Marvel repite una vez más con el fichaje de directores y actores atípicos para esta continuación de las aventuras del dios nórdico que vimos por primera vez en verano de 2011.

“Los Vengadores fue una nota aparte en la historia de Iron Man, Thor y todos los demás”, nos explica el australiano Chris Hemsworth sobre el momento en el que nos reencontraremos con su protagonista en esta Thor: el mundo oscuro. “Esto es una continuación de aquella historia, pero todavía más de cómo dejamos las cosas con la primera película. Thor está a punto de subir al trono, habiéndose ganado el derecho a ser rey y está empezando a darse cuenta de las responsabilidades que eso conlleva. Alan (Taylor) no deja de hablar del lado oscuro de esas responsabilidades y los secretos que conlleva ser rey. La política que entraña aquello que la gente necesita saber y aquello que quieren saber realmente”.

“Me encanta interpretar a este personaje. El truco está en intentar encontrar nuevas maneras de hacer que avance y crezca respecto a la película anterior”, añade Hemsworth sobre los retos de ponerse en los desarrollados músculos de Thor por tercera vez. “Creo que te tienes que asegurar de que el héroe sea parte de la solución desde el principio, que no sea solo una cuestión de intervenir al final para arreglar las cosas.

Tiene que ser atrevido y emprendedor todo el tiempo”.

La historia en Thor: el mundo oscuro se retoma de hecho un año después de lo ocurrido en Los Vengadores, Thor tiene que luchar para

salvar Asgard y la Tierra contra una amenaza misteriosa. Antes se asegurará de llevar a Asgard a Jane Foster (Natalie Portman) para mantenerla a salvo y tendrá que buscar la alianza de su hasta ahora enemigo Loki (Tom Hiddleston)…

“Hay veces que en los cómics no puedes evitar poner los ojos en blanco cada vez que Loki y Thor vuelven a ser mejores amigos. Hemos intentado tener eso en cuenta y no olvidar de que lo ha intentado matar por enésima vez y de lo que pasó en la Tierra”, explica Hemsworth sobre la complicada relación de su personaje con el de Hiddleston.

El hermanastro con el que siempre se puede contar Y es que Loki, ese hermanastro que le hizo la vida imposible a Thor en la primera película y que les puso las cosas difíciles a los Vengadores, vuelve a tener aquí un papel protagonista, de hecho más de lo que podríamos imaginar.

“Estamos añadiendo escenas con él. Nos hemos dado cuenta de lo bien que funciona el personaje de Loki en la película y queríamos más cosas suyas. Es un tío maravilloso cuando le ves interpretando este tipo de material”, dice Taylor sobre las escenas que filmaron con Hiddleston después de analizar las primeras ediciones de la película y darse cuenta de que podían beneficiarse de más escenas suyas.

De hecho Loki demostró ser un favorito de los fans cuando este verano en Comic-Con el actor británico que le da vida apareció ante los asistentes de la convención vestido como su personaje y haciéndose con el público, que gritó su nombre al unísono. Los vídeos de su aparición colgados en YouTube han sido vistos por cientos de miles de usuarios.

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Natalie Portman (Jane Foster) junto a Chris Hemsworth (Thor)

“Tuve que improvisar un poco”, explica Hiddleston sobre su visita a Comic-Con. “En realidad escribí la mayor parte del diálogo yo mismo.

Hace tiempo que interpreto al personaje, así que le conozco bastante.

Me sugirieron que dijera algo para presentar el tráiler o clip de la película. Pero Loki no sabe lo que es un tráiler. Fue algo muy divertido de hacer y les he estado dando las gracias a todos los fans por su apoyo.

Pero fue una locura. Quería que fuera algo bueno y no tenía idea de cuál iba a ser la respuesta de la gente cuando saliera al escenario, pensé que habría algunos pocos fans en la audiencia. Pero fue increíble.

Ahora entiendo por qué Mick Jagger sigue haciendo este tipo de cosas incluso a los 70 años. Es un subidón”.

Libertad creativa en Marvel Esas nuevas escenas con un personaje que funciona bien de cara a los fans forman parte de algunas de las claves de la fórmula de Marvel. “Es el proceso en Marvel. Haces la película y entonces la analizas. Están completamente abiertos a reescrituras del guion; de hecho, apartan tiempo y dinero para ello. En mi caso, las cosas que filmamos después de terminar el rodaje no fueron nunca porque la hubiéramos jodido con algo y tuviéramos que volver a hacerlas, sino porque queríamos añadir más material. Fue un poco difícil adaptarse a esta forma de trabajar porque no es algo que hiciera antes, pero en Marvel son muy buenos en todo lo que hacen, tal como ya nos hemos podido dar cuenta”, explica Taylor.

El director insistió también en el gran papel que ha jugado el presidente de producción de Marvel Studios y productor, Kevin Feige, en este filme. “Siempre está haciendo la película mejor y llevando las cosas al límite. Es algo que le he visto haciendo en Iron Man 3 y luego con Los Vengadores”. El cineasta también bromeó que será el equipo de Marvel el que tenga que ir a quitarle el filme de las manos para proyectarlo finalmente en los cines. “Hay tantos efectos especiales que podrías estar haciendo retoques infinitamente. Pero llega un momento en el que tienes que dejar que en Marvel obren su magia. Estoy seguro

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Chris Hemsworth (Thor) y Anthony Hopkins (Odin)

de que si no hubiera una fecha de estreno no dejaríamos de hacer la película mejor y mejor”.

Taylor añade que el único conflicto que ha tenido hasta el momento con el estudio ha sido en la banda sonora de la película.

“Había escogido a un compositor con el que quería trabajar, pero a Marvel no le pareció bien. Pero eso ha sido todo”.

Reparto ilustre Los ganadores del Oscar Anthony Hopkins y Natalie Portman retoman en esta segunda parte sus papeles respectivos de padre de Thor y humana de la que el dios nórdico está enamorado. Un retorno al mundo de Asgard sobre lo que ambos intérpretes se han manifestado abiertamente ilusionados, abogando sobre las cualidades de esta continuación respecto a la primera parte.

“Es un honor formar parte de una película por la que la gente siente tanta pasión –dice Portman–. Sientes la energía positiva de los fans y eso es increíble. En realidad, esa es la gracia del cine, el hecho de que una película sea algo que conecte a la gente y la haga emocionarse o ser más feliz. Algo que les permita olvidarse de sus problemas durante un par de horas, haciéndolo además en grupo, juntos socialmente”.

“Tengo la sensación de que en esta segunda parte los personajes son más tridimensionales. Alan Taylor ha sido muy buen director. Además, he podido trabajar de nuevo con Chris Hemsworth y hacerlo por primera vez con Natalie Portman”, añade a su vez Hopkins.

Patricia Puentes

TÍTULO ORIGINAL: THOR: THE DARK WORLD

EE UU, 2013 DIRECTOR: ALAN TAYLOR GUION: CHRISTOPHER L. YOST, CHRISTOPHER MARKUS Y STEPHEN MCFEELY BASADO EN LOS CÓMICS DE STAN LEE, LARRY LIEBER Y JACK KIRBY FOTOGRAFIA: KRAMER MORGENTHAU MUSICA: BRIAN TYLER INTÉRPRETES: CHRIS HEMSWORTH (THOR), NATALIE PORTMAN (JANE FOSTER), TOM HIDDLESTON (LOKI), IDRIS ELBA (HEIMDALL), KAT DENNINGS (DARCY LEWIS), ZACHARY LEVI (FANDRAL), ANTHONY HOPKINS (ODIN) DISTRIBUYE: DISNEY

Las pistas sobre la segunda visita del dios de trueno Thor, el mundo oscuro, nos trae de nuevo al dios nórdico del martillo con la misión de dar una visión más amplia del universo Marvel, poniendo de manifiesto algo que todo buen marvelómano y aficionado al cine de superhéroes sabe y que Iron Man 3 dejó ya muy claro: que en lo referido a las películas que adaptan las aventuras de los superhéroes de la editorial, siempre hay un antes y un después de Los Vengadores… ¿Qué podemos esperar de este reencuentro Thor? Ahí van algunas pistas sobre lo que propone esta segunda visita del dios del trueno.

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Tras Los Vengadores, Thor afronta su segunda película en solitario buscando desarrollarse plenamente en un tono más épico y cercano al cómic original de la Marvel del que tuvo en la película de Kenneth Branagh. Tal y como afirma el director de Thor, el mundo oscuro, Alan Taylor: “Lo interesante de la primera parte de Thor era traerlo a la Tierra.

En Thor, el mundo oscuro, se trata de mostrar más de los nueve reinos y llevar a Jane Foster a Asgard, y ver cómo encaja en todo ese mundo de Thor”. Para ello el director ha contado con un presupuesto que le permite recrear a una escala épica los paisajes de esos reinos, incluyendo una batalla en masa a la luz del día que supera lo propuesto por las escenas de acción y la batalla con los gigantes de hielo en la película dirigida por Branagh, cuyo presupuesto estaba en torno a los 150 millones de dólares frente a los 180-220 que se calculan de inversión para Thor, el mundo oscuro. La escala es por tanto de nivel Vengadores y permite a Taylor recrear con mayor profusión de detalles y paisajes la parte mitológica del relato, en el que se desarrolla más el romance entre el dios del trueno y Jane Foster. Quedará claro que la química entre Chris Hemsworth y Natalie Portman es mucho mejor que la que tuvo la actriz en similar situación argumental con su compañero de reparto en la primera trilogía de Star Wars, Hayden Christensen, quizá porque la subtrama sentimental de la saga de Thor está mejor escrita. Y eso que la actriz se negó a volver a la saga tras la sustitución en la silla del director de la realizadora de Monster (el Oscar de Charlize Theron), Patty Jenkins, por Alan Taylor. Finalmente obligada por contrato a retomar el papel de Jane, Natalie Portman se encuentra además en esta ocasión, como el propio título de la película advierte, con una evolución de la trama romántica de la película, desde la parte más festiva y cómica del encuentro de ambos personajes en la primera entrega hacia una fase más dramática, de conflicto y de amenaza.

Foster tiene difícil encajar en el mundo de semidioses de Asgard, a lo que se añade una subtrama insinuada ya en el desenlace de la primera

villano es es la la clave clave de de la la oscuridad oscuridad en en la la película. película. Malekith Malekith el el Maldito Maldito yy ElEl villano sus tropas, tropas, los los Elfos Elfos Oscuros.

Oscuros. ElEl que que fuera fuera Doctor Doctor Who, Who, Christopher Christopher sus Eccleston, es es ahora ahora antagonista antagonista que que amenaza amenaza el el Trono Trono de de Asgard.

Asgard.

Eccleston,

entrega en torno a los celos y afectos de la guerrera Sif (Jaimie Alexander) hacia Thor.

La oscuridad que promete el título procede también de los villanos a que habrá de enfrentarse Thor, una amenaza que promete ser tan insuperable como para que se vea obligado a pactar incluso una alianza con Loki (Tom Hiddleston). El esquema argumental recuerda en cierto modo el que anima una de las sagas literarias más curiosas del universo Star Wars: el ataque de los Yuuzhan Vong, los bárbaros sadomasoquistas que asaltan a la Nueva República, obligada a aliarse con los últimos restos del Imperio establecidos en el planeta Bastión. Los elfos oscuros, liderados por Malekith el Maldito (Christopher Eccleston, sometido a la tortura cotidiana de seis horas de maquillaje para interpretar un papel que le fue ofrecido inicialmente a Mads Mikkelsen, pero que este tuvo que rechazar para interpretar a Hannibal Lecter en televisión) son unos personajes clásicos de las aventuras de Thor en los cómics. Eccleston, que interpretó al doctor Who más duro con chupa de cuero y pinta de macarra en la célebre saga de ciencia ficción británica, da vida a un personaje que en las viñetas de la Marvel fue aniquilado junto con todo su pueblo por los gigantes de hielo. Malekith y sus elfos oscuros han ido evolucionando durante la gestación de Thor, el mundo oscuro, en combinación con el tratamiento suplementario de efectos especiales aplicado a todo lo filmado previamente, de manera que la tecnología de los elfos ha evolucionado desde un aspecto menos orgánico a otro más mecánico, mientras los poderes de Malekith se incrementan hasta convertirse en un villano capaz de poner en jaque a los dioses de Asgard. Falta por saber si, como ocurre en los cómics, Malekith cuenta con el Ataúd de los

Inviernos Pasados, capaz de desatar la ola de frío que permite resucitar a los muertos creando un ejército imparable para conquistar Midgard. En el cómic, Thor necesitó la ayuda de otros dos Vengadores, Iron Man y Pantera Negra, para poder detener a Malekith, lanzando un rayo a través de la armadura de Iron Man y sellando el Ataúd. En Thor, el mundo oscuro, el dios del trueno tiene que buscar a Loki como aliado junto a sus inseparables compañeros de batalla, Sif, Heimdall (Idris Elba), Fandral (Zachary Levi), Volstagg (Ray Stevenson) y Hogun (Tadanobu Asano). Después de estar exiliado durante 5.000 años, Malekith lleva la guerra hasta Asgard, demostrando que incluso los inmortales pueden morir. Thor, el mundo oscuro , retoma los acontecimientos narrados en la primera película. Tras la ruptura de Bifrost, el puente que conecta los distintos reinos que constituyen la realidad, el caos y el pillaje se han extendido y los asgardianos tienen que volver a poner orden. Entre las hordas de guerreros que han aprovechado la ocasión se encuentran los elfos oscuros, exiliados y confinados por Odín en una gigantesca nave conocida como el Arca, desde la que Malekith prepara su ataque contra el trono de Asgard, respaldado por su lugarteniente, Algrim el Fuerte (Adewale Akinnouye-Agbaje, el señor Eco de la serie Perdidos), personaje creado por Walt Simonson a mediados de los ochenta, que se transforma en el monstruoso y colmilludo Kurse, algo que en los cómics ocurrió en las míticas Secret Wars. El actor define a Kurse como una mezcla de toro y criatura de lava volcánica que le ha obligado a someterse a tres horas de maquillaje y llevar encima 18 kilos de prótesis, además de interpretar por sí mismo las escenas de riesgo.

Miguel Juan Payán

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Tom Hiddleston “Un actor no puede llamarse actor a sí mismo a no ser que haya una audiencia que le vea actuar”.

El actor nacido en Londres, Tom Hiddleston, de 32 años, interpreta al villano Loki en Thor: El Mundo Oscuro, junto a Chris Hemsworth, Natalie Portman y Anthony Hopkins.

Su madre, que es oriunda de Suffolk, era un ex directora de escena y administradora de artes, y su padre escocés es un científico en química física, que también actúa como director general de una compañía farmacéutica.

Es el mediano y tiene dos hermanas, y fue criado en Wimbledon y más tarde en Oxford. Fue a estudiar a la Universidad de Cambridge y se graduó en la RADA (Royal Academy of Dramatic Art).

Recientemente ha interpretado a F. Scott Fitzgerald en la película de Woody Allen Medianoche en París, así como ha participado en The Deep Blue Sea junto a Rachel Weisz.

Teniendo en cuenta lo popular que es tu personaje de Loki entre los fans, ¿sería posible verle en una película a solas en algún momento?

Gracias. Siempre me cuesta mucho ver estás cosas desde fuera.

Al igual, no puedo ver lo que tú ves, porque soy consciente de todo lo demás. Pero, honestamente, no lo sé. Quiero decir, estaría abierto a la posibilidad, pero no sé cómo una película de Loki podría existir sin Thor.

No lo sé. Quizá Chris (Hemsworth) se apuntaría.

El reparto comentaba lo asustados que estaban de Anthony Hopkins. ¿Te sentías tú también del mismo modo?

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Nunca lo hice. Estaba maravillado por él, y todavía lo reverencio, pero recuerdo cuando le conocí por primera vez, y es uno de mis héroes personales. Recuerdo ver Lo que Queda del Día cuando tenía catorce años, y todavía creo que es una de las mejores interpretaciones que he visto en mi vida. Pero estaba haciendo los ensayos de las peleas en un gimnasio de especialistas en Manhattan beach en diciembre de 2009, antes de rodar la primera película de Thor, y Chris estaba allí y Jaime Alexander y Ray Stevenson y todos los especialistas, y la puerta se abrió, era una puerta de hangar enorme, con luz fría, frías paredes grises, y estábamos allí dentro simplemente practicando los movimientos de las peleas, y la puerta se abrió y un hombre cargado de energía entró. Y vino corriendo hacia mi lado, se quitó el sombrero y me dijo “Hola, Soy Tony, me encantaste en Wanda. Esto va a ser genial”. Y de inmediato era tan cercano y encantador, y me trató como a un igual. Así que no estoy asustado de él, pero esto maravillado por él. Ha sido encantador conmigo.

Cuando estaba allí rodando el primer Thor, aquél fue mi primer trabajo serio en Los Angeles, y me invitó a desayunar en su casa de Malibú, y creo que simplemente se dio cuenta de que era un británico en mi primer paseo por Hollywood, y simplemente trataba de extender su generosidad.

ENTREVISTA Natalie Portman dijo que no le gusta hablar sobre su familia. ¿Era abierta con todo el mundo en el set?

Era muy abierta, sí. Es una persona muy abierta, muy receptiva, nunca he sentido que se cerrase en absoluto. Supongo, y entiendo que está en una posición en la que ha estado en el ojo público toda su vida, y estoy seguro de que algo tendrá que ver con simplemente querer mantener las partes de tu vida en privado, sólo para ti. ¿Te visita tu familia en el set de rodaje?

Mi familia no me visita en el set simplemente porque lo encontraría una distracción. Porque desde fuera seguro que parece un sitio muy divertido que visitar. Y lo es, pero con todo hay mucho trabajo por hacer. Y si mi familia estuviese por ahí, me distraería. Me preocuparía por ellos, de si están siendo bien atendidos y tienen suficiente comida.

Es igual que ¿dejarías que tu familia fuese y te visitase en la oficina?

Quizá un día. A mis padres les encantaría verme trabajar, pero siempre se trata de encontrar el momento adecuado. Me encantaría mostrarles la magia, porque es realmente mágico cuando ves cómo funciona todo, pero a veces la cantidad de trabajo es demasiado grande e intensa, y estamos todos muy centrados en sacar el trabajo adelante. ¿Acudió la familia de Natalie al set?

Sí y fueron encantadores. Natalie tiene un bebé, y Tony estaba allí con su mujer. A nadie se le ocurriría interferir con el trabajo.

Siendo el único londinense en el rodaje, ¿cómo te sentiste al ver Londres diezmada?

No soy el único londinense en el set (Risas). Idris Elba está en el rodaje, y también todo el equipo de rodaje es británico. Me encanta que la secuela está ambientada en Londres. Cuando leí el guión por primera vez, parecía haber un auténtico y genuino espíritu londinense en todas esas escenas. Hay mucho alivio cómico y momentos divertidos, guardias de tráfico irritantes, y una especie de policías oficiosos. Se parece al Londres que reconozco y creo que eso fue realmente interesante. En Los Vengadores, fueron a Nueva York, en Thor era Santa Fe, Iron Man, sucede a menudo en Malibú, y la cosa es que no llegué a ver Londres realmente diezmada en el set, porque de hecho no la diezmamos. Pero adoro ver Londres en pantalla porque es una de las ciudades más maravillosas del mundo y tiene su propia belleza, y la forma en que la rodaron es fantástica. ¿Te gustan estas películas, aparecer en la Comic Con y te gusta este personaje en concreto?

Sí. Si no lo hiciese, estaría jugando al juego equivocado. Soy un actor, así que actúo. Y me encanta actuar. Y la Comic Con, hay algo inherentemente interpretativo sobre ese momento. Fue una interpretación y disfruté haciéndola. Y no soy el primero, hay muchos actores que antes que yo han hecho lo mismo. Me encanta interpretar a este personaje porque posiblemente, y nunca he hablado de esto antes, pero es de hecho un pequeño esfuerzo para mí. No me parezco a mí mismo para nada. Cuando mi pelo crece es en realidad rizado y rubio y me parezco a Gene Wilder. (Risas) Soy esta especie de inglés de clase media, que ha tenido una vida muy amable y gentil, y que ha logrado interpretar a este ser extraordinario, este personaje que ha existido en la consciencia pública durante 2000 años y es una encarnación del engaño y la malicia, y los griegos tenían a Dionisio, y los romanos a Baco. Siempre hay un agente del caos en toda mitología que es la representación de una delicia impredecible. Y en muchas mitologías, es Loki. Y Stan Lee es muy listo, porque lo robó de los mitos Nórdicos y dijo “Este es mi embaucador. Este es mi bromista de la baraja”. Así que sí, para mí es de hecho un gran cambio, tengo que hacer mucho entrenamiento y un poco de

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pensamiento sobre su psicología y su apariencia, y es realmente un gran personaje para cualquier actor. ¿Te gustaría ser un embaucador, un timador en la vida real?

(Risas) Creo que mi parte de embaucador es bastante inofensiva. Sí, creo que a todos nos gusta jugar, ¿verdad? Me gusta jugar a juegos, no me gusta enfadar e la gente, así que mis embauques son bastante inofensivos.

Loki te dio la fama, algo que debe haberte cambiado tu día a día.

Bueno, no realmente porque no me parezco a Loki.

La gente a la que le gusta Loki te reconocerá.

Es interesante porque honestamente no puedo ponerme en tu sitio.

No sé cómo parece ser desde tu perspectiva. Y es en su mayoría un placer porque en lo que respecta a este negocio, no tengo que esforzarme tanto para persuadir a la gente de que puedo conseguir un papel. Por ejemplo, es bonito tener algo que la gente ha visto, que la gente ha disfrutado y admirado. Cuando estaba empezando hace cinco años estaba en Los Angeles y llamaba a las puertas buscando trabajo y eso no pasaba. Y necesitas mostrárselo a la gente; gente que nunca te creería. Así que no importa cuánto haya dicho “Por favor, denme un trabajo, prometo que trabajaré duro, seré bueno, haré que merezca la pena su inversión”, a la gente no le gusta tomar riesgos, así que en su mayoría es realmente bonito. ¿Cómo te hace sentir que los fans sepan quién eres?

La primera vez que pasó fue realmente sorprendente y chocante, porque nunca me lo esperé. Y me siento muy halagado por ello y (risas) también tengo que vivir conmigo mismo, así que sé que estoy muy lejos de ser perfecto y he intentado ser honesto al respecto, supongo. No lo sé; es raro. Es algo raro a lo que cuesta acostumbrarse. Pero al final del día, si es a causa del trabajo que he realizado como actor, es el mayor cumplido que me pueden hacer. Un actor no puede llamarse actor, a no ser que haya una audiencia que le vea. Y si la audiencia está disfrutando de mi trabajo, entonces me hace sentir muy orgulloso. ¿Puede contarnos algo de Los Muppets?

Estoy en la película y es un papel muy, muy pequeño. La gente está muy emocionada con mi participación en ella, lo que es apasionante, pero es un mini, mini, mini, mini cameo entre muchos, muchos otros. He conseguido actuar junto a Tina Fey, Ray Liotta y Danny Trejo. ¿Qué puede contarnos de James Garfio?

James Hook es otro villano icónico, y le estoy poniendo la voz en una película de animación, que es algo que siempre he querido ser, un personaje en una película de animación. Crecí viendo las películas de Disney y pensé que sería divertido. Me pidieron que interpretase al Capitán Garfio y pensé que el momento había llegado. Parecía un momento tan bueno como cualquier otro, porque es un personaje tan icónico. Crecí viendo a Hans Conried, que le interpreta en el Peter Pan original, y luego Dustin Hoffman en la película de Spielberg, y vi a Ian Mckellen interpretar al Capitán Garfio en un escenario en el National THeatre en Londres, es divertido, y voy a interpretarlo en su versión más joven. ¿Fue la experiencia que tuvo en la Comic Con lo más cercano que puede conseguir un actor para sentirse una estrella de rock? ¿Esa audiencia única y este personaje único que tiene?

Sí, probablemente. Sé que Robert Downey Jr el año pasado bailó a lo largo del pasillo y le llevó media hora llegar al escenario, pero en la Comic Con jugamos en casa. Es gente que sigue las películas y que son los verdaderamente leales. Y la verdad es que lo sentí de un modo asombroso. Me sentí como si fuese Mick Jagger por un momento. (Risas).

Sian Edwards / The Interview People Traducción: Jesús Usero

Sylvester Stallone Escapando de la tumba

PLAN DE ESCAPE Sylvester Stallone busca un nuevo éxito de taquilla en su filmografía apostando por el cine de cárceles y por la fórmula de alianza con otra megaestrella del cine de acción: Arnold Schwarzenegger. Plan de escape promete dos por el precio de uno siguiendo la pauta de la saga de Los mercenarios.

Ambos actores llevaban hablando de protagonizar juntos una película desde los años ochenta, cuando se encontraban en el punto álgido de su popularidad como estrellas del cine con músculo y acción que representó las fábulas de la era Reagan. De hecho, en algunas de sus películas, como El último gran héroe, incluso habían bromeado con intercambiar papeles, incorporando entregas futuristas de la saga de Terminator protagonizadas por Sylvester Stallone. Pero con la entrada en la política de Arnold Schwarzenegger, esos proyectos de alianza ante las cámaras han tenido que esperar hasta ahora para poder materializarse en una película que hace posible la primera asociación real en pantalla de estas dos estrellas protagonistas de algunas de las películas más taquilleras del cine norteamericano de las últimas cuatro décadas. Quien piense que eso ya se había producido en Los mercenarios debe recordar que, al menos en las dos primeras entregas de esa saga, la contribución de Schwarzenegger se produce casi a título de cameo , con brevedad y sin presentar un protagonismo real. Es en definitiva un guiño, muy al contrario de lo que ocurre en Plan de escape, donde realmente se aplica la fórmula de sumar Schwarzenegger a Stallone en el protagonismo de la trama, reeditando así un esquema de explotación del estrellato por partida doble

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ACCIÓN

Sylvester Stallone se las lleva ingeniando para escapar de lo previsto prácticamente desde que comenzó su carrera, cuando siendo un secundario que había aparecido en alguna película de Woody Allen o Robert Mitchum antes de ser fichado por Roger Corman para interpretar papeles de matón o mafioso (además de lucir palmito en un porno de bajo presupuesto), logró vender el guion de Rocky y además consiguió que le ficharan como protagonista. Fue su lanzamiento como nueva estrella del planeta Hollywood, una carrera en la que ha tenido que reinventarse en numerosas ocasiones, sobreviviendo al paso del tiempo y los caprichos de la taquilla con una ejemplar vitalidad y capacidad de resistencia. Se reinventó desde su papel en Rocky a su encarnación de Rambo en Acorralado y posteriormente ha sabido capear el temporal hasta reinar nuevamente en la taquilla en el siglo XXI con la cuarta entrega de Rocky y la saga de Los mercenarios. Ahora, en Plan de escape interpreta a un experto en fugas que se enfrenta, como el propio actor, a un nuevo reto en su vida: huir de la Tumba, una cárcel futurista de máxima seguridad, y lo hace tirando de su alianza con su colega y amigo Schwarzenegger, con el que siempre ha mantenido una curiosa relación de competencia profesional por ponerse la corona como máxima estrella del cine de acción. Para el director de Plan de escape, el sueco Mikael Hafström (Sin control, 1408, El rito), la alianza entre Stallone y Schwarzenegger “se ha forjado a través de muchos años de amistad, lo que les permite dar más de sí mismos en esta película por un trabajo en común que se basa en una competencia sana que se hace notar en su escena de pelea en la prisión, donde se picaron en el buen sentido, compitiendo en las escenas de lucha, persecución y acción”.

Según parece, Hafström motivaba a sus estrellas comentándole a cada uno que el otro había hecho mejor la escena. Stallone se otorga el mérito de haber dado con la idea clave: “Hemos estado 40 años pensando reunirnos, pero no dejaron de traernos ideas y guiones que nos trataban como mascotas, como muñecos, así que pensé: ¿por qué no interpretamos a dos reclusos veteranos que quieren fugarse de la cárcel?”.

Arnold Schwarzenegger El retorno de Terminator

que se remonta al Hollywood dorado, cuando se forjaron parejas de estrellas como Clark Gable y Spencer Tracy en San Francisco, John Wayne y Dean Martin en Río Bravo, Gary Cooper y Burt Lancaster en Veracruz , John Wayne y James Stewart en El hombre que mató a Liberty Valance , Richard Widmark y James Stewart en Dos cabalgan juntos, John Wayne y Robert Mitchum en El Dorado, Paul Newman y Robert Redford en Dos hombres y un destino o El golpe, o ya en fechas más recientes, Robert De Niro y Al Pacino en Heat. Además, Plan de escape aplica otra fórmula infalible que empezó a explotar a principios de los ochenta Walter Hill con Límite 48 horas , la buddy movie , película de amiguetes, una especie de subgénero del cine de acción estadounidense al que sacó el máximo partido la saga de Arma letal. Dos individuos aparentemente opuestos encuentran la manera de aguantarse y colaborar para conseguir un objetivo común, dando como resultado una alianza contra todo pronóstico, incluso antinatural, que esencialmente funciona sobre el humor, véase también como ejemplo Danko, calor rojo, con Schwarzenegger y James Belushi, o la saga de Hora punta con Jackie Chan y Chris Tucker como protagonistas.

El argumento de Plan de escape arranca con una misteriosa oferta hecha a Ray Breslin (Stallone), el más prestigioso encargado de diseñar sistemas de seguridad en prisiones de todo el mundo: testar

las dependencias de un nuevo centro penitenciario… desde dentro, esto es, haciéndose pasar por un preso. El problema es que cuando Breslin despierta en su celda descubre que han cambiado al director de la prisión que había de servirle como contacto por Willard Hobbes (Jim Caviezel, el Cristo de Mel Gibson, protagonista de la serie Vigilados: Person of Interest), un estricto funcionario que se dispone a hacerle la vida imposible a los protagonistas ejerciendo como antagonista. Su plan para investigar la prisión se convierte así en una trampa con algunos toques futuristas y guardias enmascarados que le dan cierto aire de ciencia ficción al paisaje de la película. Breslin solo podrá salir de esa trampa aliándose con Emil Rottmayer (Schwarzenegger), un veterano inquilino de las cárceles con el que planifica su fuga. Vincent D’Onofrio ( La celda, La chaqueta metálica, Men in Black, Ley y orden), Sam Neill (Parque Jurásico, El piano, La caza del Octubre Rojo, Reilly, as de Espías ), Vinnie Jones ( Lock & Stock, Snatch, cerdos y diamantes) y el rapero 50 Cent completan el reparto de esta espectacular película de fugas con las que el Stallone que ya pasó por la cárcel en Encerrado (1989) cuenta con un presupuesto de 70 millones de dólares para demostrar que sigue siendo una estrella que tener en cuenta de cara a la taquilla.

Nicolás Carrasco

TÍTULO ORIGINAL: ESCAPE PLAN EE UU, 2013 DIRECTOR: MIKAEL HAFSTRÖM GUION: MILES CHAPMAN Y ARNELL JESKO BASADO EN UNA HISTORIA DE MILES CHAPMAN FOTOGRAFIA: BRENDAN GALVIN MUSICA: ALEX HEFFES INTÉRPRETES: SYLVESTER STALLONE (RAY BRESLIN), ARNOLD SCHWARZENEGGER (EMIL ROTTMAYER), CAITRIONA BALFE (JESSICA MILLER), JIM CAVIEZEL (WILLARD HOBBES), VINCENT D'ONOFRIO (LESTER CLARK), SAM NEILL (DR. EMIL KAIKEV), VINNIE JONES (DRAKE) DISTRIBUYE: EONE FILMS

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ACCIÓN

Después de triunfar en el cine, Arnold Schwarzenegger decidió poner a prueba su popularidad en el resbaladizo territorio de la política y acabó ganando en dos ocasiones las elecciones como gobernador de California. Con ello seguía los pasos de otros célebres astros como Ronald Reagan y Clint Eastwood, que también se pasaron del circo del cine al circo de la política en las filas del Partido Republicano. Esa segunda carrera en las instancias del poder real abrió un paréntesis en su trayectoria como estrella cinematográfica del cine de acción en un momento en que las películas que protagonizaba empezaban a caer en cierta monotonía y repetición de fórmulas, y además el público empezaba a cambiar. Aunque el actor austríaco mantuvo siempre cierto vínculo con el cine a base de hacer cameos en películas como La vuelta al mundo en 80 días , pasó varios años ausente de la cartelera en los cuales han cambiado muchas cosas en la forma de explotar el cine y el estrellato merced a las nuevas tecnologías, Internet y las redes sociales. Estos factores han tenido un papel protagonista a la hora de facilitar el retorno de Schwarzenegger al cine, respaldado por una base de seguidores incondicionales y público en general que aplaudió su cameo en la primera entrega de Los mercenarios y parece ansioso por reencontrarse con el actor en los papeles que le dieron la fama, el reboot de la saga Terminator y una nueva película de Conan el bárbaro… Arnold Schwarzenegger se ha convertido en una especie de fenómeno para los aficionados al cine de acción.

Además todo apunta que su contribución a Los mercenarios 3 será de mayor protagonismo de la que ha tenido en las dos primeras entregas. A sus 65 años, Schwarzenegger asegura que ha vuelto al cine para quedarse en un negocio que define como “muy arriesgado.

Hoy puedes estar en la cima y mañana abajo del todo. Se trabaja sin red, y eso es lo que me gusta”.

PROXIMOS ESTRENOS

INSIDIOUS CAPITULO 2

Después de triunfar en la taquilla del pasado verano con su última propuesta de cine de terror, Expediente Warren, James Wan se despide momentáneamente de este género para irse a rodar la séptima entrega de la saga de Fast and Furious poniendo en la cartelera la secuela de otro de sus éxitos en el cine que provoca escalofríos: Insidious, capítulo 2. “Anoche me vi durmiendo y después salí volando”: el terror prosigue y se multiplica.

Manteniéndose fiel a la fórmula que le ha permitido convertirse en uno de los realizadores de cine de terror más apreciados por los aficionados al género, James Wan repite en Insidious, capítulo 2, donde consigue algo poco habitual en las secuelas: que la continuación sea incluso mejor que la primera película, e incluso amplíe de manera coherente y manteniendo el mismo reparto de protagonistas el paisaje argumental de su precedente.

Insidious, capítulo 2 es exactamente lo que su título indica: el segundo capítulo de lo que se nos narró en Insidious, ampliando perspectivas y reforzando los puntos más débiles de aquella. El relato comienza desde el pasado, retomando la raíz de la historia de infestación del mundo de los vivos por el mundo de los muertos. El relato comienza en la casa de los Lambert en 1986, cuando Carl, un atribulado experto en fenómenos paranormales, reclama la ayuda de una estudiosa del mismo asunto, Elise, para tratar el caso de Josh Lambert.

Todo comenzó en ese momento, cuando Elise entró por primera vez en la vida y los paseos por el mundo de los muertos del todavía niño Josh.

Y a partir de ese arranque a modo de prólogo que nos lleva hasta el pasado, James Wan nos trae de regreso al presente para continuar el relato de Insidious exactamente donde lo dejó, cuando el terrible destino de Elise se ha cumplido y la policía interroga a la esposa de un Josh ya adulto sobre lo ocurrido en la experiencia sobrenatural vivida por la familia en el tramo final de la película anterior. La vida de los vivos sigue, pero los muertos continúan entre nosotros. Algo del otro lado se ha filtrado hasta nuestro mundo en esta continuación de la historia. James Wan aprovecha para desarrollar más ampliamente los personajes presentados en Insidiuos, otorgando más protagonismo al papel de la madre de Josh, a la médium Elisa y a los cazafantasmas de la primera entrega, que además de hacer un nuevo fichaje para que los ayude en esta peripecia están presentes desde el principio.

Miguel Juan Payán

TÍTULO ORIGINAL: INSIDIOUS: CHAPTER 2

EE UU, 2013 DIRECTOR: JAMES WAN GUION: LEIGH WHANNELL BASADO EN UNA HISTORIA DE JAMES WAN Y LEIGH WHANNELL FOTOGRAFIA: JOHN R. LEONETTI MUSICA: JOSEPH BISHARA INTÉRPRETES: PATRICK WILSON (JOSH LAMBERT), ROSE BYRNE (RENAI LAMBERT), TY SIMPKINS (DALTON LAMBERT), LIN SHAYE (ELISE RAINIER), BARBARA HERSHEY (LORRAINE LAMBERT) DURACION: 105 MIN. DISTRIBUYE: EONE FILMS 26

ACCIÓN

Insidious 2.0: Algunas claves del capítulo 2 El final de la primera entrega de Insidious era solo el principio de Insidious, capítulo 2, el punto de partida para esta especie de versión 2.0 que mejora y supera a su predecesora. James Wan desarrolla un abanico más amplio de posibilidades para todas las situaciones y personajes que conocemos de la primera película y construye su historia trabajando sobre las acciones en paralelo que otorgan mayor dinamismo a esta segunda entrega. Por un lado, los investigadores rastreando el pasado hasta llegar al origen de la amenaza. Por otro, Josh y su familia, que siguen sufriendo avisos y amenazas sobrenaturales. Y junto a esos paseos por la memoria de lo ocurrido en los años ochenta en flashback, Wan abre nuevamente las puertas del mundo de los muertos durante más tiempo que en la primera película, multiplicando así en distintos momentos cronológicos y distintos planos de realidad el alcance de su historia, más completa y plena en desarrollo que en la primera entrega.

En lo referido al equipaje de fuentes e influencias, para este nuevo viaje al terror se repiten inicialmente las alusiones y guiños visuales a El exorcista y Terror en Amytiville, pero además en esta segunda entrega la película incorpora como influencia con mayor protagonismo El resplandor de Stanley Kubrick.

Todo ello está servido por James Wan con su habitual pericia en la puesta en escena. Además de ser el director más capaz de sacarle partido terrorífico a un armario abierto y un puñado de chaquetas, camisas y corbatas colgadas en perchas, Wan, que ya le dio otra vuelta de tuerca al tema de los fantasmas en Insidious, aplica nuevamente en Insidious, capítulo 2, su cóctel visual favorito para meternos el miedo en el cuerpo.

Los movimientos de cámara vuelven a convertirse en un reflejo del estado de ánimo de sus personajes y además rompen la cuarta pared con el espectador, mostrándonos de partida un plano general de los personajes en el que comenzamos como observadores o mirones pero acabamos metidos de lleno merced a esos travellings de avance que además de reforzar la atención, nos meten de cabeza en la acción convirtiéndonos en partícipes, alternando con esos planos de cámara al hombro o planos semicenitales siguiendo a un personaje desde una altura media cuando entra en una habitación que refuerzan el tono de amenaza y son un guiño o eco del punto de vista de la cámara de vídeo de Paranormal Activity, dirigida por el productor de esta película, Oren Peli.

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CARTEL-MANÍA

NIÑOS DE MIEDO: El terror y la infancia El estreno de Insidious 2, la película con la que James Wan sigue dando un repaso al cine de terror con niño incluido, nos lleva a hacer un repaso a los carteles de ocho títulos imprescindibles del cine de terror con infantes. Los niños dan miedo, mucho miedo, en el texto y las fichas que siguen…

Los niños son socios del miedo en el cine y en la vida real. Son una constante repetida en el género hasta la saciedad esencialmente por varios motivos. En primer lugar representan en muchos sentidos un estado de inocencia perdido para el público adulto. Eso sitúa a los personajes infantiles en una posición singular: por un lado, el cine de terror no está en principio pensado para su explotación plena entre el público infantil, al que solo le llegan versiones y visiones edulcoradas del miedo convenientemente adulteradas para servir como relatos con pretensiones de ejemplo moral y de conducta, aplicando métodos que en muchos casos recuerdan los experimentos de estímulo y respuesta, recompensa y castigo, que en algunos casos recuerdan los de los perros de Pavlov. Es un hecho que los niños son los que más disfrutan cuando descubren el miedo en el cine, que experimentan desde su supuesta inocencia y su inevitable crueldad. Porque los niños son crueles. Y además están siempre aprendiendo a medir los límites de su poder y marcar su territorio frente al mundo de los adultos. Por otro lado, basta hacer un sencillo ejercicio de memoria o repasar la obra La morfología del cuento, de Vladimir Propp, para entender que el terror es uno de los grandes protagonistas de los relatos de ficción consumidos en la infancia, si bien siempre bajo la cortina de humo de pretenderse modelos y ejemplos didácticos. Lo cual permite intuir cuál es la principal diferencia entre el miedo esgrimido como recurso ante los niños y el miedo utilizado como herramienta ante el resto del público.

Frente al público infantil, el miedo es la amenaza, el palo, la advertencia frente a conductas que van más allá de lo permitido. Frente al resto de los espectadores, el juego es otro, más complejo, pero en el fondo hunde sus raíces en esos miedos primarios que nos acompañan en la infancia y lejos de desaparecer simplemente evolucionan, hasta convertirse en algo muy parecido a lo que desataba Stanley Kubrick en

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ACCIÓN

su adaptación de la novela El resplandor, de Stephen King: el director apostó por los propios demonios interiores que todos llevamos dentro, más que por las manifestaciones de fantasmas sobrenaturales creadas por el escritor para adornar su novela. De esas dos opciones resulta más madura y por ello también mucho más inquietante la que presentó Kubrick, frente al escapismo presente en la esgrimida por King.

El resplandor es un excelente ejemplo de cómo utiliza el género de terror al niño para sembrar la inquietud en los adultos. Se afirma que de cara al rodaje de la película, Kubrick proyectó a sus colaboradores en ese proyecto tres películas que habían de dejar clara cuál era su idea: La semilla del diablo , dirigida por Roman Polanski; El exorcista, de William Friedkin; y Cabeza borradora, de David Lynch. Es significativo que las tres contengan como motor de su argumento uno de los miedos que aparece también como epicentro de El resplandor y que ha ido cobrando un protagonismo creciente en las fábulas de terror cinematográficas desde finales de los sesenta, aquella década en la que los escalofríos en el cine empezaron a ser el espejo de la destrucción de la familia como pieza central de la sociedad. La película de Kubrick, como el resto de las que hemos incluido en la selección de carteles que sigue a este texto, tiene como materia prima el miedo a la responsabilidad y al compromiso. La responsabilidad y el compromiso que se materializa narrativamente en las inquietudes generadas por la paternidad y la maternidad, un miedo que convierte a los hijos al mismo tiempo en sujetos activos y pasivos de la amenaza en las fábulas inquietantes del cine de terror. Ese miedo al compromiso está presente en uno de los más recientes éxitos del cine de terror, Mamá, producida por uno de los directores que mejor ha trabajado con los niños como elementos de terror, Guillermo del Toro, al que se deben títulos esenciales de este planteamiento como Cronos, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno. Ese miedo está también presente en otros muchos títulos esenciales del género, como El otro, Aquella casa al lado del cementerio, Los chicos del maíz, Poltergeist, Sinister, Expediente Warren… y toda la colección de terrores que nos llegan de Asia. Pero, como no podía ser menos, quien mejor lo resumió fue ese maestro de la explotación de los demonios interiores que fue Alfred Hitchcock en aquella célebre escena de ataque a los niños que salen de la escuela en Los pájaros…

Miguel Juan Payán

CARTEL-MANÍA NIÑOS DE MIEDO

CARTEL-MANÍA NIÑOS DE MIEDO

EL PUEBLO DE LOS MALDITOS Village of the Damned 1960; Reino Unido; Blanco y negro; Director: Wolf Rilla; Guión: Stirling Silliphant, Wolf Rilla, Ronald Kinnoch; Música: Ron Goodwin; Fotografía: Geoffrey Faithfull; Intérpretes: George Sanders, Barbara Shelley, Michael Gwynn, Martin Stephens, Laurence Naismith, Richard Warner, Jenny Laird, Sarah Long, Thomas Heathcote, Charlotte Mitchell, Pamela Buck, Rosamund Greenwood, Susan Richards, Peter Vaughan, Bernard Archard, John Phillips, Richard Vernon, John Stuart, Alexander Archdale, Sheila Robins, Tom Bowman, Diane Aubrey, Gerald Paris, June Cowell, John Kelly, Linda Bateson, Carlo Cura, Mark Milleham, Lesley Scoble, Roger Malik; Duración: 77 minutos.

La ciudad de Midwich es víctima de un fenómeno inexplicable tras el cual quedan embarazadas todas las féminas del lugar, dando a luz una camada de niños rubios con rasgos físicos casi iguales que se aventura son fruto de una inseminación extraterrestre y pronto manifiestan inquietantes poderes. Solo 200.000 dólares, cifra ciertamente modesta para las que se barajan en la ciencia ficción de nuestros días, costó esta pequeña joya del cine de ciencia ficción británico que incorporó a los primeros niños realmente inquietantes del terror. Basada en la novela de John Wyndham, que dio otro título esencial al género de ciencia ficción mezclado con terror en El día de los trífidos, nunca del todo bien adaptada al cine, El pueblo de los malditos tuvo mejor suerte y se constituye sin duda en un modélico relato híbrido entre la ciencia ficción y el terror que eran tan típicos del cine anglosajón en los años cincuenta. Inicialmente, se pensó como un proyecto de producción estadounidense que iba a contar con el respaldo de uno de los principales sellos de gran estudio norteamericano, Metro Goldwyn Mayer, con Ronald Colman como protagonista. Sin embargo, el estudio estadounidense, que presumía de hacer películas para todo tipo de público y propiciar el entretenimiento familiar a través del cine temió la capacidad de generar polémica social implicada en el argumento con esa especie de inseminación extraterrestre de las féminas del lugar en clave de vírgenes poseídas por entidades extraterrestres, de manera que MGM optó por salir del proyecto, que pasó a manos británicas y en el que finalmente no pudo aparecer Colman, que había fallecido en 1958 y fue sustituido por George Sanders.

Contó con secuela, Los hijos de los malditos, dirigida por Anton Leader en 1964, con un remake dirigido por John Carpenter en 1995, y hasta hay versión tailandesa, Kawao tee Bangpleng, rodada en ese mismo año. M.J.P.

LA NOCHE DEL CAZADOR The Night of the Hunter 1955; EE UU; Blanco y negro; Director: Charles Laughton, Robert Mitchum, Terry Sanders; Guión: James Agee, Charles Laughton; Música: Walter Schuman; Fotografía: Stanley Cortez; Intérpretes: Robert Mitchum, Shelley Winters, Lillian Gish, James Gleason, Peter Graves, Don Beddoe, Evelyn Varden, Sally Jane Bruce, Billy Chapin, Gloria Castillo, Emmett Lynn, Corey Allen, Paul Bryar, Cheryl Callaway, Michael Chapin, Kathy Garver, Mary Ellen Clemmons, John Hamilton, James Griffith, Kay Lavelle; Duración: 93 minutos.

Una viuda buscando noviete, un predicador con pinta siniestra dispuesto a casarse con ella y ejercer de padrastro de sus dos hijos en un intento por hacerse con el dinero robado por el padre de estos, 10 000 dólares de botín de un atraco a un banco, conforman el argumento central de la novela de Davis Grubb que el gran actor Charles Laughton convirtió en su única película firmada como director (aunque también dirigió parte de El hombre de la Torre Eiffel, sin aparecer en los créditos). Eso sí, apoyado en la realización de algunas secuencias por su protagonista, un enorme Robert Mitchum que consiguió uno de sus dos papeles de villano esenciales (el otro fue el del asesino de El cabo del terror que en el remake de esta dirigido por Martin Scorsese, El cabo del terror, interpretó Robert De Niro). Considerada hoy un clásico del cine de intriga, con su célebre escena de los dedos marcados de Mitchum en clave amenazadora y los niños intentando sobrevivir al temible individuo que se les ha colado en casa, pasó desapercibida en su estreno, un fracaso que hizo que Laughton decidiera no volver a dirigir, renunciando así a poner en pantalla la adaptación de la novela Los desnudos y los muertos, de Norman Mailer, que finalmente acabó dirigiendo Raoul Walsh en 1958. Shelley Winters estaba, como siempre, impresionante en un papel de madre despistada que anticipa en algunos aspectos su trabajo en Lolita, de Stanley Kubrick. La noche del cazador costó 795 000 dólares y apenas alcanzó los 400 000 de recaudación en su primera exhibición en Estados Unidos. M.J.P.

CARTEL-MANÍA NIÑOS DE MIEDO

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EL EXORCISTA

SUSPENSE

The Exorcist

The Innocents

1973; EE UU; Color; Director: William Friedkin; Guión: William Peter Blatty; Música: Mike Oldfield; Fotografía: Owen Roizman; Intérpretes: Ellen Burstyn, Max Von Sydow, Lee J. Cobb, Kitty Winn, Jason Miller, Linda Blair, Mercedes McCambridge, William O’Malley, Barton Heyman, Peter Masterson, Gina Petrushka, Thomas Birmingham, Arthur Storch, Titos Vandis, Wallace Rooney, Donna Mitchell, Roy Cooper, Robert Gerringer, Paul Bateson, William Peter Blatty, Mary Boylan, Mason Curry, Eileen Dietz, Beatrice Hunter, Yvonne Jones, Don LaBonte, John Mahon, John Nicola, Vincent Russell; Duración: 122 minutos.

1961; EE UU, Reino Unido; Color; Director: Jack Clayton; Guión: John Mortimer, William Archibald, Truman Capote; Música: Georges Auric; Fotografía: Freddie Francis; Intérpretes: Deborah Kerr, Peter Wyngarde, Megs Jenkins, Michael Redgrave, Martin Stephens, Pamela Franklin, Isla Cameron, Clytie Jessop, Eric Woodburn; Duración: 100 minutos.

La niña Regan dando vueltas a su cabeza y diciendo aquello de “mira lo que hace la guarra de tu hija” en plena posesión diabólica sembró pesadillas en el público de los años setenta convirtiéndose en un auténtico icono infantil del cine de miedo que sigue reinando en el género en la actualidad como una de las más inquietantes muestras del cine con villano demoníaco. En el momento de su estreno, los pastosos vómitos de la protagonista generaron reacciones similares en parte del público y muchos espectadores no podían resistir el despliegue de imágenes terroríficas y una intriga construida con gran habilidad para pasar desde el terror conocido a la pérdida de la salud y las pruebas médicas que sufre la protagonista en la primera parte de la película, el miedo cotidiano, a un terror sobrenatural en la segunda parte dedicada a la posesión y el exorcismo propiamente dicho.

Sin embargo, más allá de su capacidad para aterrorizar al público de varias generaciones y revolucionar la manera de explotar el cine empujándolo hacia la era de blockbuster que iba a debutar poco después con el estreno de Tiburón, en fechas más recientes y de cara al reestreno de la película que se produjo en 2000, la atención de los analistas de la película se ha centrado más en cómo cambió el agnóstico Friedkin la historia de marcado esquema católico de Blatty, que plantea una lectura diferente de todo el relato. La pregunta que ahora cabe hacerse al ver El exorcista es si el diablo existe o no. La versión de Blatty es aún más terrorífica que la de Friedkin, que en el momento en que dirigió la película trató todo el relato como una fábula de fantasía. En su saga, El exorcista 3 es mejor que El exorcista 2.

M.J.P.

Se basa en la novela de Henry James, Otra vuelta de tuerca, que había sido adaptada anteriormente en 1959 a la pequeña pantalla como TV movie en clave musical y había de convertirse en la obra más adaptada del escritor al medio cinematográfico y televisivo, con una lista en la que se incluye una versión española dirigida por Eloy de la Iglesia en 1985 y otra de 1992 protagonizada por Patsy Kensit y Julian Sands. Además se la cita como inspiración para la película Los otros, de Alejandro Amenábar. Historia de fantasmas muy británica, Suspense sigue siendo la mejor versión de todas, con una excelente Deborah Kerr en el papel de una institutriz que acude a una mansión para cuidar a dos niños y pronto empieza a ser testigo de extraños fenómenos que acaban por convencerla de que el lugar está maldito. Quizá la clave de su éxito es que no se contentó con ser la adaptación de la novela de James propiamente dicha, sino el traslado al cine de una derivación de esta en forma de pieza teatral titulada Los inocentes, escrita por William Archibald y estrenada en los años cincuenta en Broadway. Otra de las claves de la película es el excelente trabajo llevado a cabo por el director de fotografía Freddie Francis, que poco más tarde había de convertirse en uno de los directores de plantilla más eficaces del terror británico producido por la Hammer Films, realizando películas como Doctor Terror, Drácula vuelve de la tumba, Las orgías de la locura o El doctor y los diablos. El contraste de la tenebrosa trama con la claridad prístina de las imágenes lo consiguió Francis montando gigantescas lámparas que iluminaban las tomas de forma tan potente que la mayoría de los miembros del reparto se pasaron el rodaje armados con gafas de sol cuando no tenían que aparecer en plano. Entre ellos no estuvo Cary Grant, que se ofreció a interpretar el papel del tío, pero no consiguió convencer al director para que le incluyera en el reparto. M.J.P.

CARTEL-MANÍA NIÑOS DE MIEDO

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LA PROFECIA

ESTOY VIVO

The Omen 1976; EE UU, Reino Unido; Color; Director: Richard Donner; Guión: David Seltzer; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: Gilbert Taylor; Intérpretes: Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Billie Withelaw, Harvey Stephens, Patrick Troughton, Martin Benson, Robert Rietty, Tom Dugan, John Stride, Anthony Nicholls, Holly Palance, Roy Boyd, Freda Dowie; Duración: 111 minutos.

I´ts Alive 1974; EE UU; Color; Director: Larry Cohen; Guión: Larry Cohen; Música: Bernard Herrmann; Fotografía: Fenton Hamilton; Intérpretes: John P. Ryan, Sharon Farrell, James Dixon, William Wellman Jr., Shamus Locke, Andrew Duggan, Guy Stockwell, Daniel Holzman, Michael Ansara, Robert Burnett, Patrick McAllister, Diana Hale, Gerald York, Jerry Taft, Gwill Richards, W. Allen York; Duración: 91 minutos.

El éxito de El exorcista hizo que el satanismo mezclado con niños se pusiera de moda en todo el mundo, abriendo paso a esta otra alternativa del planteamiento que se ofrece como un cierto cambio de rumbo respecto a la película de William Friedkin. Incluye terror, por supuesto, pero en esta ocasión estamos ante un trabajo que se alimenta más del cine de suspense. Incluso su música, que ganó el Oscar a la Mejor Música Original y fue nominada a la Mejor Canción compuesta para el cine con el tema Ave Satani, va por ese mismo camino. Mientras que El exorcista manejaba el exabrupto visual como elemento esencial para producir terror, La profecía trabaja más en la clave de la puesta en escena y la creación de intriga que finalmente enfrentaba al espectador a unas sensaciones si cabe más inquietantes. Ello se debe a que frente a los estímulos eminentemente visuales de El exorcista, encontramos la liberación final del susto o el miedo cuando nos enfrentamos al desenlace de las sugerencias siniestras de La profecía: un cruce de caminos donde se nos obliga a tomar una decisión sobre el niño, Damien, que nos puede convertir en sus víctimas o en infanticidas. Nos ocurre así como al propio protagonista, interpretado magistralmente por Gregory Peck con la elegancia que le caracterizaba, pero prestando servicio pleno al género de terror con todas las exigencias propias de este sin que se le descomponga esa faz de héroe íntegro que marcó su imagen cinematográfica como veterano de Hollywood. La escena final en la iglesia contiene reminiscencias bíblicas francamente perturbadoras del Antiguo Testamento y el sacrificio de Isac, es el resumen perfecto de cómo está construido el relato. Peck fue elegido para el papel después de otros candidatos, como Charlton Heston, William Holden, Roy Scheider y Dick Van Dyke. Tuvo tres secuelas: La maldición de Damien, protagonizada por Holden; El final de Damien y la TV movie La profecía 4: el renacer. Además, en 2006 se rodó un remake más flojo que el original. M.J.P.

¿Qué hay más bonito que el momento del nacimiento de una nueva vida?

La llegada de un retoño a una pareja joven que ansía ejercer su papel como padres se convierte sin embargo en el caso de los protagonistas de esta divertida y al mismo tiempo terrorífica sátira de Larry Cohen en un momento de pavor cuando comprueban que su hijo es una bestia parda que asesina a todo el que se le pone por delante cuando se asusta. Y el chaval tiene una facilidad para que le dé el ataque de ansiedad que espanta, nunca mejor dicho. Asesino desde la cuna, el protagonista monstruoso de este relato es una de las criaturas que más escalofríos provocó en el cine de horror, terror y furor de los años setenta entre un público que nunca había visto tan explosiva mezcla de un icono tan tradicional de la inocencia como puede ser un bebé convertido en amenaza. Aunque fuera tan feo y parecido a un antecedente de los mutantes de Las colinas tienen ojos de Wes Craven como este bicho. Miedo en pañales pero en estado puro. Y unas cuantas risas. Muy en la línea de las disparatadas fábulas de Larry Cohen, es además su película más vista. Como no podía ser menos, y tal como merece el éxito de taquilla del cine de serie B, las peripecias de la criaturita se convirtieron en trilogía con el estreno de dos secuelas, ambas dirigidas por Cohen, como no podía ser menos: Sigue vivo, de 1978, en la que los bebés mutantes invadían las salas de maternidad de Estados Unidos, y La isla de los vivos, de 1987, en la que las autoridades decretaban el exilio de las criaturas a una isla, liándola todavía más parda. Estoy vivo ganó el premio especial del jurado en el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz en 1975 y demostró que con el miedo también se pueden echar unas buenas risas. Además muchos espectadores se lo pensaban ya dos veces antes de asomarse a un cochecito de niño, mientras pellizcar mofletes se convertía en deporte de riesgo. M.J.P.

CARTEL-MANÍA NIÑOS DE MIEDO

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EL RESPLANDOR

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

The Shining 1980; Reino Unido, EE UU; Color; Director: Stanley Kubrick; Guión: Diane Johnson, Stanley Kubrick; Música: Wendy Carlos, Rachel Elkind; Fotografía: John Alcott; Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Anne Jackson, Tony Burton, Billie Gibson, Lia Beldam, Barry Dennen, David Baxt, Manning Redwood, Robin Pappas, Alison Coleridge, Burnell Tucker, Jana Shelden, Kate Phelps, Louise Burns, Lisa Burns, Norman Gay, Vivian Kubrick, Derek Lyons, Glenn Rinker, Bertha Lynn; Duración: 146 minutos.

1976; España; Color; Director: Narciso Ibáñez Serrador; Guión: Narciso Ibáñez Serrador; Música: Waldo de los Ríos; Fotografía: José Luis Alcaine; Intérpretes: Lewis Flander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, María Luisa Arias, Marisa Porcel, Juan Cazalilla, Luis Ciges, Antonio Canal, Aparicio Rivero, Andrés Gómez, Fabián Conde, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, José Luis Romero, Cristina Torres, Luis Maleas, Marián Salgado, Javier de la Cámara, Adela Blanco, Juan Carlos Romero, Julio Jesús Parra, Carlos Parra, Juan Antonio Balandín, Pedro Balandín, Narciso Ibáñez Serrador; Duración: 107 minutos.

Un niño con un triciclo recorriendo a toda prisa los pasillos de un gigantesco hotel solitario, donde en temporada baja solo habitan él y sus padres… además de un puñado de fantasmas, incluyendo a dos niñas particularmente inquietantes tanto por su aspecto como por las advertencias que incluyen sus palabras cuando ejercen como una especie de oráculos. Eso y la escena del hacha en la puerta son lo más definitorio de la que en opinión de quien esto escribe debe ser considerada como la última gran obra maestra del cine de terror, dirigida por el perfeccionista Kubrick, que creó algo así como la Capilla Sixtina del cine de fantasmas… reservándose además una interpretación muy particular sobre el asunto que puso frenético al autor de la novela, Stephen King, hasta el punto de que este último se empeñó en dar su propia versión del asunto escribiendo una nueva adaptación de su novela en forma de miniserie para televisión, quedando en ridículo y salpicando además al pobre Mick Garris en su despropósito, allá por 1997. El desencuentro entre los dos “señores K”, King y Kubrick, no ha impedido que esta película siga siendo la mejor adaptación entre todas las que ha hecho la pantalla grande o pequeña de las muchas obras del novelista. La raíz de la discrepancia estaba en que Kubrick no creía en los fantasmas ni en el infierno, en tanto que King sí y así lo expresaba en su novela, un asunto que recuerda otra discrepancia similar entre William Peter Blatty, autor de la novela El exorcista, y el director de la versión cinematográfica, William Friedkin. Kubrick llegó a pensar en Robert De Niro, Robin Williams, Harrison Ford, Jon Voight o Michael Moriarty como posibles protagonistas masculinos, aunque hoy en día nadie es capaz de imaginar a otro Jack Torrance que no sea Jack Nicholson. M.J.P.

Clásico imprescindible del cine de terror español, pone al niño en el epicentro de la sucesión de amenazas que sufre la pareja protagonista en un esquema doblemente inquietante que se desarrolla a plena luz del día entre el blanco encalado y casi doloroso de las casas de un pueblecito costero al que van a parar unos adultos que como el espectador van a encontrarse sometidos a una intensa persecución. Se basa en la novela El juego de los niños, de Juan José Plans, cuya versión cinematográfica está tan influida por El señor de las moscas como por El pueblo de los malditos e inevitablemente salen también a la luz no pocos momentos en los que su director, gran conocedor y aficionado al género de terror, incluye guiños a la obra de uno de sus realizadores favoritos, Alfred Hitchcock, y más concretamente a Los pájaros. Es uno de los títulos más rentables de la época y más apreciado en los mercados extranjeros, hasta el punto de que Narciso Ibáñez Serrador no dudaba en presumir, con razón, de que en Italia había recaudado más en taquilla que Tiburón, de Steven Spielberg, con la cual compartía por otra parte esa idea de desarrollar el terror a pleno sol y con el mar sirviendo como parte del lienzo en el que se producen las desventuras de los protagonistas (aunque en realidad la mayor parte de la película se rodó en Ciruelos, Toledo, muy lejos del líquido elemento). Su director ganó el premio de la crítica en el Festival de Avoriaz y su protagonista femenina se hizo con el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Taormina. Ibáñez Serrador intentó conseguir a Anthony Hopkins para el papel protagonista, lo que hace babear la imaginación de los cinéfilos respecto a cómo podría haber sido la película con esa guinda en este genial pastel de terror y niños. M.J.P.

AVIONES (Planes) EE UU, 2013; Director: Klay Hall; Guión: Jeffrey M. Howard basado en una historia de John Lasseter, Klay Hall y Jeffrey M. Howard; Música: Mark Mancina; Duración: 91 min.; Estreno en EE UU: 9-8-2013; Estreno en España: 16-8-2013 Distribuye: Walt Disney Reportaje en Nº 1308

SINOPSIS Un pequeño avión fumigador desea convertirse en un avión de competición y para ello se apunta a la competición más peligrosa y conocida del mundo.

LOS PITUFOS 2 (The Smurfs 2) EE UU, 2013; Director: Raja Gosnell; Fotografía: Phil Méheux; Guión: J. David Stem, David N. Weiss, Jay Scherick, David Ronn y Karey Kirkpatrick; Música: Heitor Pereira; Duración: 105 min.; Estreno en EE UU: 31-7-2013; Estreno en España: 2-8-2013 Distribuye: Sony Pictures

SINOPSIS Pitufina es secuestrada por Gargamel, que ahora vive en París, y Papá Pitufo debe regresar a nuestro mundo para rescatarla y encontrar quizá unos nuevos hijos.

PARA RECORDAR La película de animación, hermana pequeña de Cars, es muy entretenida porque conoce sus limitaciones. No es Pixar, pese a emplear su universo, no es una superproducción, tiene presupuesto limitado, pero muchas ganas de entretener con sencillez y aventuras, sobre todo de manos de los vuelos continuos, las carreras, las persecuciones. Son realmente espectaculares y entretenidos, sobre todo si se ven en 3D, algo extraño de oír de quien esto escribe. Es emocionante ver a los aviones recorriendo ciudades, campos, cañones… No puede decirse que sea aburrida en ningún momento. Tiene un par de chistes realmente memorables…

PARA RECORDAR Lo bueno de una película como Los pitufos es la falta de complejos que tiene, lo sencilla y atractiva que es en su propuesta porque no pretende engañar disfrazada de lo que no es. Ni quiere ser una película para todo el mundo tipo Pixar, ni nada más. Solo cine para los más pequeños de la casa, para que disfruten con sus queridos personajes azules, algo que logra sin despeinarse.

La historia dramática de padres e hijos, aceptar tu lugar en el mundo y a la gente que te quiere es mejor que la de la primera entrega. Mucho más interesante que la trama romántica de aquella.

PARA OLVIDAR … Pero otra gran parte del humor no funciona, sobre todo porque está plagado de tontos estereotipos que no cuajan ni cuadran a nadie. El avión mexicano, el francés, la hindú… son dolorosos de ver, sobre todo el primero, porque a veces resultan casi ofensivos. A nivel técnico no llega a otras producciones, pese a su diseño efectivo y sencillo, pero se nota que se queda corta en presupuesto, que es una película en principio pensada para vídeo y luego aumentada para las salas de cine. Lo que no quiere decir que sea mala, no hace falta presupuesto para hacer una buena película de animación. Pero si hubiesen pulido un poco más el guion, les habría quedado redonda.

PARA OLVIDAR Ha perdido todo el humor gamberro de la primera entrega, aquellas salvajadas que cometía Gargamel y que eran tan efectivas para niños y mayores. Sobre todo para los mayores, casi completamente olvidados en esta entrega, de no ser por el sarcasmo de Pitufo Gruñón, también más domesticado aquí.

La primera película, sin ser nada del otro mundo, tenía muchas salidas de tono que la convertían en algo distinto, sorprendente e inesperado. Todo eso se ha perdido.

Se ha domesticado. Lo que queda es algo de slapstick y la sensación de que Gargamel no tiene el suficiente protagonismo. Y el personaje de Neal Patrick Harris es más insoportable que en la anterior.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Sin duda, Cars, su secuela y su universo de máquinas parlantes. Tiene más de Disney que de Pixar.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tanto Los pitufos como las dos de Scooby Doo, también de Raja Gosnell, o las tres de Alvin y las Ardillas.

EN CONCLUSIÓN Una buena película para toda la familia que se disfruta sobre todo por la continua aventura y los vuelos, espectaculares, en este caso, y sin que sirva de precedente, sobre todo en 3D. J.U. HHHHH

EN CONCLUSIÓN Ha perdido personalidad, mala uva y humor gamberro, pero para los más pequeños de la casa sigue siendo tan efectiva como siempre. J.U. HHHHH

EL ÚLTIMO CONCIERTO (A Late Quartet) EE UU, 2013; Director: Yaron Zilberman; Fotografía: Frederick Elmes; Efectos especiales y visuales: xxx; Guión: Christopher Ford y Yaron Zilberman; Música: Angelo Badalamenti; Intérpretes: Catherine Keener (Juliette Gelbart), Christopher Walken (Peter Mitchell), Philip Seymour Hoffman (Robert Gelbart), Mark Ivanir (Daniel Lerner), Imogen Poots (Alexandra Gelbart); Duración: 105 min.; Estreno en EE UU: 2-11-2012; Estreno en España: 23-8-2013 Distribuye: Savor

SINOPSIS Ante la llegada de una enfermedad, un popular cuarteto de cuerda, de gran éxito, verá tambalearse los cimientos del grupo, de sus relaciones y de su papel en la vida.

PARA RECORDAR Con un reparto así, lo difícil es equivocarse, la verdad. Dejas en sus manos cualquier historia y la levantan como si se tratase de Shakespeare. Lo cual no quiere decir, ni mucho menos, que el guion sea malo. Estamos ante una de esas historias que cruzan personajes, los miembros de un cuarteto, y sus relaciones, siempre en torno a la música, pero que, si se desnuda, son los mismos problemas a los que nos enfrentamos todos, el miedo a la muerte, la enfermedad, el fracaso, la traición, el engaño, el amor… Todo comprimido en dos horas de metraje, con sentimiento, pero sin sentimentalismos. Inteligente, con buen ritmo, interesante… Con un gran uso de la música y de los silencios. Y aunque es una película coral, con tramas diversas y centradas en cada personaje, merecen especial mención Philip Seymour Hoffman y Christopher Walken, además de una siempre bellísima Imogen Poots.

PARA OLVIDAR Lo único que se le puede echar en cara a la película es que pese a lo bien construida que está y las enormes interpretaciones, no cuenta nada nuevo. No intenta ir un paso más allá con las historias o la narración. Hay un par de momentos en los que parece que va a hacerlo, que va a saltar al vacío, pero se contiene y vuelve a lugares más comunes.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… No es tan valiente como The Master, o Embriagado de amor, pero recuerda por momentos a La familia Savages o Las sesiones, ese tipo de cine independiente.

EN CONCLUSIÓN Los amantes de los dramas adultos están de enhorabuena con esta compleja, serena y espléndida película. J.U. HHHHH

JUERGA HASTA EL FIN (This Is the End) EE UU, 2013; Director: Evan Goldberg y Seth Rogen; Fotografía: Brandon Trost; Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg; Música: Henry Jackman; Intérpretes: James Franco (James Franco), Jonah Hill (Jonah Hill), Seth Rogen (Seth Rogen), Jay Baruchel (Jay Baruchel), Danny McBride (Danny McBride); Duración: 107 min.; Estreno en EE UU: 12-6-2013; Estreno en España: 28-6-2013 Distribuye: Sony Pictures

SINOPSIS Un grupo de conocidos actores de Hollywood celebran una fiesta en casa de James Franco justo cuando el Apocalipsis sucede. Sobrevivir no será nada fácil.

PARA RECORDAR Si alguien necesita este año una comedia irreverente, salvaje, políticamente incorrecta, conscientemente estúpida, autoparódica y muy, muy divertida, Juerga hasta el fin es la opción adecuada. Seth Rogen y su grupo de amigos deciden reírse hasta de su sombra, pero no de forma sutil ni mucho menos. Lo hacen a golpe de machetazo y salvajada continua, con un espíritu de parodia y ganas de reírse de sí mismos y de Hollywood más que sano. No dejan títere con cabeza. La fama, el sexo, las drogas, las estrellas, la estupidez humana, la miseria, la religión… todo pasa por las manos de este grupo de gente que se interpreta a sí misma para hacer reír y lo consigue. Y mucho. Las carcajadas duran incluso tras el final de la película, y los cameos ayudan mucho, sobre todo el de Michael Cera y un par al final… que no conviene descubrir. La película funciona por su mala uva y su dibujo de la estupidez humana llevada al extremo en estos actores enfrentados al fin del mundo. Aquellos que la vean, sobre todo con amigos, recordarán muchos chistes durante mucho tiempo. Exorcismo incluido.

PARA OLVIDAR Hay solo un par de momentos en los que las risas bajan por ser demasiado conscientes de lo que está pasando. Pero son escasos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El humor de Seth Rogen y compañía, sobre todo en películas como Supersalidos o Superfumados, pero llevado al extremo más salvaje.

EN CONCLUSIÓN La comedia gamberra del año. Lo que necesitábamos para recordar que la comedia puede, y debe a veces, ser muy irreverente, surrealista y políticamente incorrecta. Para no estancarse en lugares comunes. Divertidísima. J.U. HHHHH

CAZADORES DE SOMBRAS: CIUDAD DE HUESO The Mortal Instruments: City of Bones EE UU / Alemania, año; Director: Harald Zwart; Fotografía: Geir Hartly Andreassen; Guión: Jessica Postigo Paquette basado en la novela de Cassandra Clare; Música: Atli Örvarsson; Intérpretes: Lily Collins (Clary), Jamie Campbell Bower (Jace), Kevin Zegers (Alec), Jemima West (Isabelle), Robert Sheehan (Simon), Robert Maillet (Blackwell); Duración: 130 min.; Estreno en EE UU: 21-8-2013; Estreno en España: 30-8-2013 Distribuye: EOne Films Reportaje en Nº 1308

SINOPSIS Una adolescente descubre que en el pasado de su familia hay un secreto sobre su origen que la convierte en una cazadora de demonios, ocupación a la que también se dedicó su madre.

PARA RECORDAR Quizá el mejor aliado que tuvo este proyecto para salir adelante se ha convertido al mismo tiempo en su peor enemigo en la taquilla. Nacida en el cine –no tanto en la novela– como pretendida continuadora de la explotación de elementos muy similares a los de Crepúsculo, saga que fuera discutida por la crítica pero éxito en la taquilla, Cazadores de sombras no tiene tanto en común con aquella como podría pensarse y al menos a quien esto escribe le ha resultado más defendible, más entretenida, para todo tipo de público, incluso para aquellos que no se hayan leído las novelas. Creo, digámoslo claro, que esta primera entrega es mejor que la primera película de Crepúsculo y tiene elementos argumentales que sin ser novedosos le aportan una variación de situaciones y personajes que apuesta más por la acción que por la mera explotación de lo romántico.

PARA OLVIDAR Inevitablemente incluye todos esos lugares comunes de las fábulas fantásticas para adolescentes, con un momento romántico muy forzado y nada original. Además hay elementos que en la novela aportaban más carácter fantástico a la trama y en la película han sido suprimidos por cuestiones de viabilidad presupuestaria (la variante de escorpiones, por ejemplo).

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Especialmente indicada para seguidoras y seguidores de la saga de novelas que la inspira y otros libros similares como Hush, Hush, Los vampiros de Morganville, Crónicas vampíricas, Almas gemelas…

EN CONCLUSIÓN Un pasatiempo entretenido. M.J.P.

HHHHH

CRUCE DE CAMINOS The Place Beyond the Pines EE UU, 2012; Director: Derek Cianfrance; Fotografía: Sean Bobbitt; Guión: Derek Cianfrance y Ben Coccio; Música: Mike Patton; Intérpretes: Ryan Gosling (Luke), Craig Van Hook (Jack), Eva Mendes (Romina), Olga Merediz (Malena); Duración: 140 min.; Estreno en EE UU: 19-4-2013; Estreno en España: 6-9-2013 Distribuye: TriPictures

SINOPSIS Luke es un joven motorista que se gana la vida en una feria ambulante. Nómada en esencia, la vida le da la oportunidad de asentarse cuando se entera de que es padre de un niño. Pero dejar su existencia habitual le conlleva la imposibilidad de mantener materialmente a su vástago, motivo por el que decide meterse a ladrón de bancos.

PARA RECORDAR El tono casi de diván psiquiátrico con el que Derek Cianfrance relata la historia de este filme. Con él, el responsable de Blue Valentine confecciona un thriller que no parece generado en la industria estadounidense de los últimos tiempos, sino que toma el tempo visual de los grandes maestros europeos de los setenta (de Louis Malle a Henri Verneuil).

PARA OLVIDAR El largo resulta mucho más efectivo por su carga humana que por la policíaca. En este sentido, el director obvia aspectos importantes en la escenificación verosímil de un atraco, como es el hecho de que en ninguna de las entidades bancarias asaltadas haya ni un solo vigilante de seguridad. Aparte, la necesidad de que los personajes mantengan la relación a través de los años, por la simple casualidad del azar, está un tanto forzada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El estilo de Cianfrance recuerda mucho al de la primera etapa de los Coen: la de Sangre fácil y Muerte entre las flores.

EN CONCLUSIÓN Encontrar en la actualidad un drama delincuente y familiar rodado así es bastante difícil, lo que aumenta el valor intrínseco de Cruce de caminos. Es de agradecer que el creador preste atención al lenguaje visual cuando no hay efectos especiales de por medio. Experiencia de altura artística que permite el lucimiento de Ryan Gosling, Bradley Cooper y Eva Mendes. J.M. HHHHH

MUD Mud EE UU, 2012; Director: Jeff Nichols; Fotografía: Adam Stone; Guión: Jeff Nichols; Música: David Wingo; Intérpretes: Matthew McConaughey (Mud), Reese Witherspoon (Juniper), Tye Sheridan (Ellis), Jacob Lofland (Neckbone), Sam Shepard (Tom Blankenship); Duración: 130 min.; Estreno en EE UU: 10-5-2013; Estreno en España: 30-8-2013 Distribuye: Vertigo Films

SINOPSIS Dos chicos que están entrando en la adolescencia conocen, en la desembocadura de un río, a un tipo de aspecto peligroso y aire casi místico que se convertirá en una figura a la que admirar en sus vidas.

PARA RECORDAR Antes que nada y por encima de todo, Matthew McConaughey y su portentosa interpretación del personaje que da título a la película. Un loco sureño, con un lado peligroso, supersticioso, casi místico, pero a la vez un hombre obsesionado con una mujer y un miedo terrible a perderla y ser descubierto. La complejidad del personaje hace que, como esos dos niños, nos sintamos atraídos por él de inmediato. Y qué compañía tiene, desde Sam Shepard a Sarah Paulson, sin olvidar a Michael Shannon, Ray McKinnon o una sorprendente Reese Witherspoon. Y sobre todo, el joven Tye Sheridan, magnífico. La historia es envolvente y el modo en que el director Jeff Nichols la cuenta te atrae todavía más, dejando que sean los personajes los que lleven la acción adelante y no al revés. Con su humor peculiar, sus dramas, sus pequeños grandes problemas… No es una historia de mucho diálogo, lo que da mayor importancia los que hay, construidos perfectamente, al milímetro. Una película casi redonda.

PARA OLVIDAR Y es casi redonda porque el tiroteo final parece fuera de lugar, como parte de otra película. Como tampoco termina de cuadrarme ese final… al que le falta un pelín de agallas para llevar la historia hasta sus últimas consecuencias.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El cine de Jeff Nichols, con Take Shelter a la cabeza, claro. Pero también tiene algo de Bestias del sur salvaje, sin la mitología.

EN CONCLUSIÓN Excelente película, drama con gotas de suspense y una historia que atrapa. Y un Matthew McConaughey en busca de un Oscar. Puede que lo consiga incluso. J.U. HHHHH

KICK-ASS 2 EE UU, Reino Unido, 2013; Director: Jeff Wadlow; Fotografía: Tim Maurice Jones; Guión: Jeff Wadlow basado en el cómic de Mark Millar y John S. Romita Jr.; Música: Henry Jackman y Matthew Margeson; Intérpretes: Aaron Taylor-Johnson (Dave Lizewski/Kick-Ass), Chloë Grace Moretz (Mindy Macready/Hit-Girl), Morris Chestnut (Detective Marcus Williams), Claudia Lee (Brooke), Amy Anzel (Mrs. Zane); Duración: 103 min.; Estreno en EE UU: 16-8-2013; Estreno en España: 30-8-2013 Distribuye: Universal Reportaje en Nº 1309

SINOPSIS El ejemplo de Kick-Ass cunde entre la población y surgen por doquier nuevos vigilantes urbanos disfrazados mientras la joven Hit Girl intenta sobrevivir a su primer año de instituto.

PARA RECORDAR Nuevamente el personaje de Hit Girl y los momentos más gamberros son la salsa que añade interés a esta propuesta de sátira del género de superhéroes que incluye algunos diálogos salvajes y algunos momentos realmente gamberros que le permiten funcionar eficazmente como prolongación de la película anterior.

PARA OLVIDAR Adolece de la misma indefinición y las mismas dudas que aquejaban a la primera entrega: quiere ser salvaje, pero se queda corta y de repente, en lugar de explotar al máximo la sátira sobre los superhéroes, se queda a medio pistón y se desvía a una subtrama de conflicto entre padres e hijos que no nos interesa absolutamente nada. No aprovechan tanto como debieran el personaje de Jim Carrey, que tiene menos envergadura argumental del que representara en la primera entrega Nicolas Cage, pero prometía más ratos de humor gamberro de los que finalmente le han dejado interpretar. Además cometen el error de aligerar o domesticar al personaje esencialmente salvaje de Hit Girl, que se desdibuja en una peripecia de instituto que durante la mayor parte de su desarrollo está metida con calzador en el resto del argumento.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Kick-Ass, Mystery Men… EN CONCLUSIÓN No aporta nada a la primera entrega. Tiene algunos momentos muy buenos –la variante de taser en la escuela, el gatillazo del villano–, frente a otros realmente flojos, como la historia de Kick-Ass con su padre, por ejemplo. M.J.P. HHHHH

RIDDICK

ATRAPADA EN LA OSCURIDAD

EE UU / Reino Unido, 2013; Director: David Twohy; Fotografía: David Eggby; Guión: David Twohy; Música: Graeme Revell; Intérpretes: Vin Diesel (Riddick), Jordi Mollà (Santana), Matt Nable (Boss Johns), Katee Sackhoff (Dahl), Dave Bautista (Diaz), Bokeem Woodbine (Moss); Duración: 119 min.; Estreno en Reino Unido: 4-9-2013; Estreno en España: 13-9-2013 Distribuye: eOne Films Reportaje en Nº 1309

Penthouse North

SINOPSIS El fugitivo Riddick intenta sobrevivir en un planeta hostil donde todo parece conjurarse para acabar con él.

PARA RECORDAR La capacidad para entretener y dar giros de argumento y género a la trama, una buena muestra de híbrido de western con ciencia ficción con algunas gotas de terror. Jordi Mollá como villano vuelve a bordarlo e impone el toque de spaghetti western a la trama, respaldado por un convincente David Batista y la mejor presencia femenina de toda la saga: Katee Sackhoff. Diesel domina toda la primera parte de la película en plan variante de Conan el bárbaro de Robert E. Howard y termina la saga con un enfrentamiento con bichos que parece una viñeta de cómic de espada y brujería. Tiene un astuto cambio de protagonismo de Riddick a los cazadores de recompensas que contribuye a oxigenar el relato y además encaja perfectamente con las películas anteriores, manteniendo coherencia en toda la saga y sacando buen partido de su retorno a Pitch Black.

PARA OLVIDAR Eliminan a un personaje esencial antes de tiempo y su ausencia se hace notar negativamente en el tercer acto. Además creo que no aprovechan tanto como pudieran los personajes de Katee Sackhoff y de David Bautista.

Los dos piden a gritos más metraje. La primera parte y la segunda me convencen bastante, pero el desenlace me dejó un poco frío, y además creo que copian en exceso el planteamiento de Pitch Black con los bichos, sin aportar nada nuevo.

EE UU, 2013; Director: Joseph Ruben; Fotografía: Chris Seager; Guión: David Loughery; Música: Mark Mancina; Intérpretes: Michelle Monaghan (Sara), Michael Keaton (Hollander), Barry Sloane (Chad); Duración: 86 min.; Estreno en España: 6-9-2013 Distribuye: Dea Planeta

SINOPSIS Una joven fotógrafa de guerra es herida en Afganistán y queda ciega. Tres años después se enfrentará a muerte con unos asesinos que intentan recuperar un botín escondido en la casa en la que vive con su novio.

PARA RECORDAR Michael Keaton siempre se ha distinguido por sacar el máximo partido a los personajes más limitados que puedan ofrecerle y se maneja bien incluso en el territorio del tópico, como en este caso. Su villano sádico es el mejor aporte de la película, que defiende también con solvencia Michelle Monaghan.

PARA OLVIDAR Es territorio del tópico mal manejado y con un puntito visual de telefilme que aflora en recursos como los recuerdos bélicos de la protagonista, metidos con calzador, o la facilidad con la que pierde la narración desde el punto de vista de la protagonista, rompiendo así la posibilidad de meternos más en la intriga y la angustia de la situación que vive. Somos convidados de piedra en una representación del peligro bastante plana y donde además se explica lo que no es necesario (las secuencias introductorias en clave bélica a modo de prólogo) y donde falta la capacidad para producirnos la imprescindible sensación de claustrofobia e inquietud. El recurso para sacar la hermana y el cuñado de la ecuación es argumentalmente digno de un disparate protagonizado por Esteso y Pajares, francamente.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Pitch Black, Crónicas de Riddick, Dredd, MS1: máxima seguridad…

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Durmiendo con su enemigo, otra película del mismo director. Pero para disfrutar de este tipo de historias recomiendo mejor el clásico Sola en la oscuridad (Terence Young, 1967), mucho mejor.

EN CONCLUSIÓN Digno cierre para la saga y entretenimiento garantizado.

M.J.P. HHHHH

EN CONCLUSIÓN Pasable entretenimiento, pero sin grandes sorpresas.

M.J.P. HHHHH

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA

R.I.P.D. DEPARTAMENTO DE POLICÍA R.I.P.D.

España, 2013; Director: Daniel Sánchez Arévalo; Fotografía: Juan Carlos Gómez; Guión: Daniel Sánchez Arévalo; Música: Josh Rouse; Intérpretes: Verónica Echegui (Cris), Antonio de la Torre (Adán), Quim Gutiérrez (Caleb), Roberto Álamo (Benjamín); Estreno en España: xx-11-2011 Distribuye: Warner Reportaje en Nº 1309

EE UU, 2013; Director: Robert Schwentke; Guión: Phil Hay y Matt Manfredi; Música: Christophe Beck; Fotografía: Alwin H. Kuchler; Intérpretes: Jeff Bridges (Roy), Ryan Reynolds (Nick), Kevin Bacon (Hayes), Mary-Louise Parker (Proctor); Duración: 96 min.; Estreno en EE UU: 19-7-2013; Estreno en España: 13-9-2013 Distribuye: Universal

SINOPSIS El más joven de cinco hermanos va a casarse, con el problema de que su boda coincide con la final del Mundial. ¿Y quién iba a pensar que España iba a jugar la final del Mundial?

SINOPSIS Un agente de la ley muere abatido por su propio compañero, mientras ambos participan en una redada criminal. Pero el tiroteado detective no va hacia la luz, sino que es reclutado por un extraño departamento, encargado de perseguir a los fallecidos que se esconden en el mundo de los vivos. Con ello, el protagonista consigue una oportunidad para vengarse del antiguo colega que le breó a balazos.

PARA RECORDAR Daniel Sánchez Arévalo vuelve a conseguirlo. Una de las películas mejor escritas, dirigidas e interpretadas en lo que llevamos de año, y hecha en España, demostrando todo lo que puede ofrecer nuestro cine, con una comedia fresca, honesta, inteligente y muy divertida. Con drama y unas historias que te atrapan porque son las de cualquier familia, solo que unidas en una hora y media de metraje que sigue una boda muy peculiar y una final ligada a los acontecimientos que viven los personajes. Es cine para disfrutar, reír y pasarlo bien, pero también para emocionarse y dejarse llevar por un guion muy bien construido, sencillo y maravilloso, que saca el mejor partido de un reparto sensacional, con nombres como Antonio de la Torre, Quim Gutiérrez, Héctor Colomé, Patrick Criado, Verónica Echegui, Miquel Fernández, Arantxa Martí o Roberto Álamo. Y con especial mención al desborde de energía de Sandra Martín, la revelación de la película. Tan real como la vida misma. Y tan divertida.

PARA OLVIDAR Quizá alguna historia no está tan bien resuelta como las otras, pero en general es una película excelente.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Primos, sin lugar a dudas. Es la película con la que todo el mundo va a compararla y la verdad es que la mano de su director se nota, en los diálogos, en la naturalidad y el humor… Aunque esta es más dramática hacia el final. Pero no menos divertida.

EN CONCLUSIÓN La prueba de que para superar los problemas y apreciar a la familia el humor es la clave. Cine inteligente y con ganas de llenar salas, algo que necesitamos como el comer. J.U. HHHHH

PARA RECORDAR El germano Robert Schwentke consigue contagiar esta trama sobrenatural con parte del espíritu de su película más celebrada en tierras estadounidenses: la taquillera Red. Esto se traduce en un guion entretenido, donde cualquier requiebro barroco queda convenientemente borrado, en favor del derroche de acción y efectos especiales.

PARA OLVIDAR Tanta tralla visual hace que el argumento quede esquematizado al máximo, sin aportar la más mínima profundización en los personajes que pueblan el metraje. Ni los protagonistas ni los secundarios logran identificarse más allá de los meros estereotipos; eso genera una sensación de ligereza, que agranda los defectos del libreto cinematográfico.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Resulta obvio, pero RIPD parece un calco a lo Poltergeist de Los hombres de negro, con su humor gamberro incluido. No obstante, la película del teutón también muestra puntos de conexión con largos de la naturaleza de Los cazafantasmas 1 y 2.

EN CONCLUSIÓN Ver a Jeff Bridges y a Kevin Bacon deambulando por esta comedia con tintes apocalípticos es una manera bastante llamativa de malgastar el talento interpretativo de dos de las estrellas más solventes en el Hollywood actual.

Y eso que algunos de los diálogos tienen una cierta chispa; aunque esta pronto desaparece, sepultada por la escasa convicción de una trama espectral cuya levedad se antoja demasiado infantil para una producción medianamente adulta. J.M. HHHHH

PERCY JACKSON Y EL MAR DE LOS MONSTRUOS JUSTIN Y LA ESPADA DE VALOR España, 2013; Director: Manuel Sicilia; Fotografía: Javier Fernández; Guión: Matthew Jacobs y Manuel Sicilia; Música: Ilan Eshkeri; Duración: 90 min.; Estreno en España: 13-9-2013 Distribuye: Sony Pictures

SINOPSIS En un reino dominado por la burocracia (y del que han sido expulsados todos los caballeros), Justin es un joven que se rebela contra el sistema. A pesar de que su padre quiere que el muchacho ingrese en la escuela de Derecho, el chaval desea seguir la senda de su abuelo y batirse el cobre en enfrentamientos contra dragones y malhechores. Por eso escapa de su hogar.

PARA RECORDAR Pese a tanto argumento tecnológico animado, Manuel Sicilia se muestra más interesado en trabajar con el material proporcionado por los relatos tradicionales. Ante semejante reto, el director no tiene ningún complejo en acercar su propuesta a la defensa de una historieta inspirada igualmente en textos tan universales como el de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha.

PARA OLVIDAR La ingenuidad simplista con que el guion está narrado. Esto genera que la aventura del héroe adolescente se conciba desde el punto de vista de una cierta intrascendencia, demasiado light y tópica como para desencadenar las sensaciones precisas. Dentro de este ambiente general, la inclusión de expresiones y actitudes propias de la época actual no hace más que desenfocar el escenario central, construido sobre la base de la épica medieval.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Por todo el metraje hay guiños a movies como La espada mágica: en busca de Camelot, Karate Kid, Los inmortales y Taron y el caldero mágico.

EN CONCLUSIÓN Justin puede ser interpretada como un honorable intento para animar a los críos a leer las fábulas de antaño. Sin embargo, el cuento producido por Antonio Banderas ha sido contado con anterioridad en innumerables ocasiones; lo que deja en evidencia la escasa capacidad para provocar el anhelado síntoma de sorpresa a la vuelta de cada escena y diálogo. J.M. HHHHH

LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI España / Francia, 2013; Director: Álex de la Iglesia; Fotografía: Kiko de la Rica; Guión: Jorge Guerricaechevarría y Álex de la Iglesia; Música: Joan Valent; Intérpretes: Javier Botet (Luismi), Mario Casas (Tony), Hugo Silva (Jose), Carmen Maura (Graciana Barrenetxea), Carlos Areces (Conchi), Carolina Bang (Eva), Secun de la Rosa (Inspector Pacheco), María Barranco (Anciana renegrida), Pepón Nieto (Inspector Calvo), Enrique Villén (Adolfo), Jaime Ordóñez (Manuel), Macarena Gómez (Silvia); Estreno en España: 27-9-2013 Distribuye: Universal Reportaje en Nº 1309

SINOPSIS Un puñado de desesperados con serios problemas con las mujeres atracan una joyería en pleno centro de Madrid y en la huida van a parar a un remoto pueblo en el que las brujas preparan un aquelarre.

PARA RECORDAR Álex de la Iglesia regresa a su mejor cine por la vía del esperpento y el disparate, proponiéndonos una historia que goza de la vitalidad de sus mejores películas. Se podría decir que en esta ocasión sigue recogiendo el testigo de los maestros de la comedia negra española, Azcona y Berlanga, pero abandona el tono más Capra de su película anterior, La chispa de la vida, para decantarse hacia un tono de sátira social del estilo de Preston Sturges con un final que le permite además lucir su inclinación por el tratamiento gran guiñol de las secuencias de acción. El director saca además el mejor partido a sus actores y, como hiciera Sturges en sus comedias, juega la baza de lo coral, exprime al máximo a los miembros del reparto y además juega con las etiquetas de sus protagonistas para caricaturizarlas sin perjudicar a la imagen de los actores. Un ejercicio nada fácil que le permite por ejemplo proponernos a un Mario Casas contra pronóstico en uno de sus mejores trabajos. Además, maneja muy bien los cambios de ritmo de su historia, consiguiendo que el progreso hacia la parte más tenebrosa no nos haga echar de menos su potente arranque de comedia desbaratada.

PARA OLVIDAR Poco o nada.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Acción mutante, El día de la bestia, La comunidad…

EN CONCLUSIÓN Una de las mejores películas de Álex de la Iglesia. M.J.P. HHHHH

Percy Jackson: Sea of Monsters EE UU, 2013; Director: Thor Freudenthal ; Fotografía: Shelly Johnson; Guión: Marc Guggenheim basado en la novela de Rick Riordan; Música: Andrew Lockington; Intérpretes: Logan Lerman (Percy Jackson), Alexandra Daddario (Annabeth), Douglas Smith (Tyson), Leven Rambin (Clarisse), Brandon T. Jackson (Grover), Jake Abel (Luke); Duración: 106 min.; Estreno en EE UU: 7-8-2013; Estreno en España: 13-9-2013 Distribuye: Hispano Fox Film Reportaje en Nº 1309

SINOPSIS El campamento refugio de los mestizos, hijos de dioses y humanos, se ve amenazado cuando la barrera que los protege de sus enemigos empieza a flaquear. Para restaurarla, Percy y sus amigos tendrán que conseguir el mítico Vellocino de Oro, enfrentándose al mar de los Monstruos. Pero no solo ellos buscan el preciado objeto, que también puede ser la llave para destruir el Olimpo.

PARA RECORDAR Mejor que la primera entrega, más desinhibida a la hora de presentarse como vehículo de evasión y entretenimiento mediante la continuada acumulación de situaciones trepidantes, carreras, persecuciones y enfrentamientos con todo tipo de criaturas míticas convenientemente recicladas para pasarlas por un filtro de ciberpunk (el toro mecánico) o habilitadas como amenazas visualmente espectaculares (el cíclope, el monstruoso Caribdis, Cronos…). Un ensamblaje perfecto entre el cine de aventuras y las fantasías para niños y adolescentes que es capaz de entretener a toda la familia, adultos incluidos.

PARA OLVIDAR Nada. Cumple perfectamente su papel de entretenimiento familiar.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Recupera y aumenta ese tonillo de peripecia mitológica que recuerda los títulos clásicos habitados por la variopinta fauna de monstruos creados por Ray Harryhausen, Jasón y los argonautas, El viaje fantástico de Simbad, Simbad y el ojo del tigre, Furia de titanes… Además mejora otras películas EN CONCLUSIÓN En esta segunda entrega, la saga de Percy Jackson mejora y demuestra que es una digna variante de la saga de Harry Potter, a la que le sigue la pista, pero sin perder su propia personalidad asumiendo su papel como opúsculo de la misma con sentido del humor, como testimonia por ejemplo el personaje de Hermes interpretado por Nathan Fillion. M.J.P. HHHHH

RUSH EE UU / Alemania / Reino Unido, 2013; Director: Ron Howard; Fotografía: Anthony Dod Mantle; Guión: Peter Morgan; Música: Hans Zimmer; Intérpretes: Chris Hemsworth (James Hunt), Natalie Dormer (Gemma), Olivia Wilde (Suzy Miller), Daniel Brühl (Niki Lauda); Duración: 123 min.; Estreno en Reino Unido: 13-9-2013; Estreno en España: 20-9-2013 Distribuye: eOne Films Reportaje en Nº 1309

SINOPSIS Mucho antes de la rivalidad entre Sebastian Vettel y Fernando Alonso, la Fórmula 1 levantaba pasiones a través de los enfrentamientos entre James Hunt y Niki Lauda. Las carreras por esos años (década de los setenta) eran auténticos duelos rodados. Esta es la historia de semejantes jornadas bañadas en aceite de motor y en gloria.

PARA RECORDAR Ron Howard evita caer en los defectos de un género tocado habitualmente con el estigma de la endeblez de guion. A tal efecto, el veterano responsable de Una mente maravillosa construye el argumento en torno a un par de personajes con profundas simas psicológicas. Dos héroes vulnerables que no pierden su fragilidad ni cuando se suben a sus monoplazas.

PARA OLVIDAR La milimétrica caracterización de los papeles protagonistas hace que los secundarios estén como desdibujados, cual sombras sin peso alguno en la trama. Asimismo, el director está un tanto prisionero de la biografía oficial de Hunt y de Lauda, sin arriesgar lo más mínimo en la parte relativa a los posibles sentimientos de los pilotos.

TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Las movies sobre carreras cargadas de imágenes espectaculares a pie de pista, como Días de trueno; y los largos narrados por conductores cansados y un tanto decepcionados por la banalidad de su objetivo profesional, como Las 24 horas de Le Mans.

EN CONCLUSIÓN Howard logra mantener durante todo el metraje el equilibrio exacto, entre las secuencias de tralla competitiva y las más personales. Un ejercicio de contención dramática que funciona a la perfección por el excelente trabajo de los actores principales: los sorprendentes Chris Hemsworth y Daniel Brühl. Ambos aportan la suficiente credibilidad al par de mitos de la F1 que fueron Hunt y Lauda. J.M. HHHHH

RACHELLE LEFEVRE

RYAN GOSLING

(Rachelle Marie Lefevre)

(Ryan Thomas Gosling)

1 de febrero de 1979, Montreal, Quebec, Canadá.

12 de noviembre de 1980, London, Ontario, Canadá.

Altura. 1,68 metros.

Altura. 1,84 metros.

Estado civil. Soltera, y tras una larga relación con el actor de Los Tudor, Jamie King, recientemente se la ha relacionado con Chris Crary, un participante del concurso Top Chef, con el que parece llevar saliendo una temporada.

Estado civil. Soltero, pero desde 2011 mantiene una relación con la actriz Eva Mendes, protagonista de su primera película como director. Ha tenido relaciones con actrices como Sandra Bullock o Rachel McAdams anteriormente.

Deportes favoritos. Es aficionada a montar a caballo y al submarinismo.

También ha practicado kick boxing un tiempo.

Debut profesional. Sin previa preparación o estudios como actor, con tan solo trece años, se presentó a unas audiciones abiertas en Montreal para el Club Disney, en 1993. El joven batió a otros 17.000 chicos y se hizo con uno de los puestos, compartiendo programa con Justin Timberlake, Britney Spears y Christina Aguilera. Pasó dos años presentando el programa y saltó a series como El club de la medianoche en 1995. En 2000 debutó en cine con Titanes: hicieron historia.

Debut profesional. Desde niña interesada en las artes y la interpretación, pasó por el Dawson College, donde estudió artes creativas. Durante varios veranos estudió interpretación en el Walnut Hill School. Trabajando de camarera, un productor de la televisión canadiense la oyó mencionar que quería ser actriz y le ofreció una prueba. Aunque no consiguió el papel, la llamaron de nuevo para su primera serie, Un hombre lobo en el campus, en 1999. Un año después debutaba en cine con Stardom.

Personajes. Su primer papel importante fue el de Stacey Hanson, en Un hombre lobo en el campus, y aunque ha sido parte del reparto de series fallidas como Lejos de todo o En cuerpo y alma, ahora podemos verla como Julia Shumway en La cúpula.

Premios. No ha sido nominada a ningún premio de importancia todavía.

Filmografía básica. La cúpula (Under the Dome, 2013-¿?), Stardom (2000), Crepúsculo (Twilight, 2008), Luna nueva (New Moon, 2009), Confesiones de una mente peligrosa (Confessions of a Dangerous Mind, 2002), Asalto al poder (White House Down, 2013), En cuerpo y alma (A Gifted Man, 2011-2012), Lejos de todo (Off the Map, 2011), Un hombre lobo en el campus (Big Wolf in Campus, 1999).

Frases. “Ser madre es mi otro gran sueño. ¡No puedo esperar! Creo que no entenderé por completo lo que es ser una mujer hasta que no tenga un hijo”.

“Siempre he sabido que sería intérprete, desde que de niña me enamoré de Madonna y bailaba sus canciones por la casa. Aunque pronto supe que no podía cantar”. ¿Sabías que…? Fue sustituida del rodaje de Eclipse una semana después de promocionar la película anterior en una convención. Aún tiene amistad con gran parte del reparto de Crepúsculo.

Personajes. Fue Sean Hanlon en la serie adolescente canadiense Breaker High. Aunque el papel que le puso en el radar de todo el mundo fue el de la producción El joven Hércules, donde era el protagonista, personaje heredado de Kevin Sorbo en versión adulta.

Premios. Nominado al Oscar en 2007 por Half Nelson. Nominado tres veces al Globo de Oro en 2008, 2011 y 2012. Ganador de un Independent Spirit Award en 2007 por Half Nelson.

Filmografía básica. Breaker High (1997-1998), El joven Hércules (Young Hercules, 1998-1999), Titanes: hicieron historia (Remember the Titans, 2000), El diario de Noa (The Notebook, 2004), Half Nelson (2006), Lars y una chica de verdad (Lars and the Real Girl, 2007), Blue Valentine (2010), Drive (2011), Crazy Stupid Love (2011), Brigada de élite (Gangster Squad, 2013), Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines, 2013).

Frases. “He aprendido que no debes limitarte a ti mismo. Puedes hacer aquello que te encante hacer, sin importar lo que sea”.

“Creo que lo que quería hacer es una peli de superhéroes, pero todos los buenos estaban cogidos. Esta es nuestra oportunidad de crear uno” (sobre Drive). ¿Sabías que…? Recientemente ha indicado su intención de dejar la interpretación y pasar a dirigir películas. En 2014 estrena la primera.

Toca jazz con la guitarra. Cuando trabajaba en El club Disney vivía con Justin Timberlake y su madre.

IDRIS ELBA (Idrissa Akuna Elba) 6 de septiembre de 1972, Hackney, Londres, Inglaterra, Reino Unido.

Altura. 1,90 metros.

Estado civil. Divorciado de la artista de maquillaje Kim Elba (1999-2003), con la que tiene una hija, Isan, nacida en 2002 y que vive con su madre en Atlanta.

Hace unos años surgió un rumor que aseguraba que tenía otro hijo con una estríper de esa ciudad.

Apodo. DJ Big Driis.

Deporte favorito. Como buen británico, es futbolero, seguidor del Arsenal desde los quince años, aunque su padre es seguidor del Manchester United.

Debut profesional. De adolescente empezó a trabajar de DJ, primero con su tío, más tarde montando su propia empresa con unos amigos. Dejó la escuela a los 16 años para entrar en el National Youth Music Theatre, donde entre interpretaciones, trabajó de casi todo para pagar gastos, hasta arreglando tejados. A partir de 1991 empieza a pinchar en locales de Londres y a hacer audiciones. En 1994 debuta en televisión en 2point4 Children. En cine, en 1999 con Belle Maman.

Personajes. Fue Vaughan Rice en la miniserie Ultraviolet, pero se hizo un nombre eterno en la tele al dar vida a Stringer en The Wire, la enorme serie policíaca. Un nombre que continúa hoy día con su regreso a Londres, donde es el detective John Luther en Luther.

Premios. Ganador del Globo de Oro por Luther en 2012, nominado en 2011.

Nominado al Emmy en 2011 y 2012 por el mismo papel.

Filmografía básica. Thor (2011), Prometheus (2012), Pacific Rim (2013), Luther (2010-¿?), Belle Maman (1999), Ultraviolet (1998), The Wire (2002-2004), 28 semanas después (28 Weeks Later, 2007), American Gangster (2007), RocknRolla (2008), Los perdedores (The Losers, 2010), Obsesionada (Obsessed, 2009).

Frases. “Donde quiera que voy, camellos de verdad se acercan y confían en mí. Casi me siento culpable girándome y diciéndoles: ‘Hola, tío, mi nombre es Idris y soy de Londres’. No quiero romperles la ilusión”. ¿Sabías que…? Ha comentado varias veces que al inicio de su carrera las cosas iban tan mal que pasó un tiempo viviendo en su coche.

MIREILLE ENOS 22 de septiembre de 1975, Houston, Texas, EE UU. Altura. 1,57 metros.

Estado civil. Casada con el actor Alan Ruck (Spin City, entre muchas otras), desde el 4 de enero de 2008. La pareja tiene una hija en común y la actriz es la madrastra de los dos hijos anteriores del actor.

Debut profesional. De padre americano y madre francesa, la actriz comenzó muy joven a estar relacionada con el mundo de las artes, en su Houston natal, donde acudió al la High School for the Performing and Visual Arts, como sus hermanos mayores, antes de matricularse en la universidad. En la universidad ganó una prestigiosa beca de interpretación y al acabar se mudó a Nueva York, donde empezó a trabajar en obras teatrales y se unió un tiempo al grupo Hancart Ensemble. En 1994, debuta en televisión con la tv movie Atrapada en el engaño. En cine lo hizo en 2001 con Siempre a tu lado.

Personajes. Aunque cada vez su rostro es más popular, sobre todo por sus papeles en cine, no olvidemos que fue Jo Dean Marquart en Big Love y que ahora interpreta a Sarah Linden en la fantástica serie The Killing.

Premios. Nominada a un Globo de Oro por su papel en The Killing en 2012.

En 2011 fue nominada a un Emmy por el mismo papel. Nominada a un Tony en 2005 por su papel en la obra de Broadway ¿Quién teme a Virginia Woolf?

Filmografía básica. Guerra Mundial Z (World War Z, 2013), Big Love (20072010), The Killing (2011-2013), Devil’s Knot (2013), Brigada de élite (Gangster Squad, 2013), Siempre a tu lado (Animal Attraction, 2001), Atrapada en el engaño (Without Consent, 1994).

Frases. “Básicamente son tipos que dan miedo con un maquillaje de locos persiguiéndome, así que simplemente corro. Mi personaje tampoco sabe lo que son de todos modos” (sobre cómo lidiar con los zombies en Guerra Mundial Z). ¿Sabías que…? Es mormona y participó en la serie sobre la comunidad mormona más conocida de la historia, Big Love, pese a las polémicas que levantó.

Series de T.V.

THE UNIT

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Creador. David Mamet.

Género. Drama bélico/acción.

Música. Robert Duncan, tema “The Unit”.

Estreno EE UU. 7 de marzo de 2006 a 10 de mayo de 2009, CBS. Estreno España. 19 de octubre de 2006 a 16 de septiembre de 2010, Fox. Sinopsis. La serie sigue la vida y el trabajo de un grupo de operaciones especiales antiterrorista secreto del Gobierno de Estados Unidos, basado en los Delta Force. The Unit no solo se centra en las misiones, preparativos y enfrentamientos con la burocracia, sino también en la vida familiar de un grupo de soldados alejados del mundo normal por la naturaleza de su trabajo.

Reparto. Dennis Haysbert (Jonas Blane), Max Martini (Mack Gerhardt), Scott Foley (Bob Brown), Audrey Marie Anderson (Kim Brown), Abby Brammell (Tiffy Gerhardt), Regina Taylor (Molly Blane), Robert Patrick (coronel Tom Ryan), Michael Irby (Charles Grey), Demore Barnes (Hector Williams).

• David Mamet es uno de los dramaturgos más conocidos de Estados Unidos, y posiblemente del mundo. Y aunque menos conocido, su trabajo en cine y televisión siempre ha sido más que destacado, como guionista y director. Guionista de películas como El cartero siempre llama dos veces, Los intocables de Eliot Ness, Hannibal o series como Canción triste de Hill Street, la madre de la televisión moderna, como director le hemos disfrutado en películas como State and Maine, Cinturón rojo, Spartan, Homicidio o La casa del juego. Es uno de esos escritores respetados y valorados por la crítica y las productoras, incluso cuando sus películas no llegan a convertirse en éxitos de taquilla. La cadena CBS contó con él para desarrollar The Unit, una serie reemplazo de mitad de temporada que se centraba en una secreta unidad antiterrorista y empleaba como modelo los Delta Force (esa unidad de combate que se hizo popular por películas como Delta Force o Black Hawk derribado), inspirándose en el libro de Eric L. Haney, Inside Delta Force.

• Poco habitual en el mundo de las series de televisión, Mamet contó desde el principio como productor y guionista, aparte de casi responsable de la serie por sus muchos compromisos, con uno de los guionistas de televisión más respetados de los últimos años, aunque la audiencia haya dado la espalda a algunos de sus proyectos.

Hablamos de Shawn Ryan, creador de The Shield y al que Mamet conoció cuando se hizo cargo de uno de los episodios de la serie del primero. El resultado satisfizo tanto a ambos que acabaron trabajando en The Unit durante cuatro temporadas. Una serie bien apreciada por la crítica y que, al contrario que la mayoría de producciones que sirven de reemplazo a mitad de temporada, fue renovada durante tres años más, hasta que la audiencia dejó de responder. La serie pasó de más de quince millones de espectadores en su primer año a diez millones en su última temporada, que no es una mala cifra, pero hablamos de CBS, cadena líder en Estados Unidos y acostumbrada a cifras mayores.

THE UNIT

• Pese a todo, los responsables de la serie, Ryan y Mamet, tenían preparado ya todo un arco de desarrollo para una quinta temporada que, según el propio Ryan, sería la última y transformaría la producción en un nuevo producto, distinto. Nuevos reclutas entrenados por Bob, y un Jonas sin recuperar del todo enfrentándose quizá al final de su carrera, en una última misión que duraría toda la temporada.

OJO SPOILER. [Tendríamos muertes en el equipo, como la de Bridget Sullivan (Nicole Steinwedell), Sean admitiendo que era gay (Wes Chatham) lo que le convertiría en el primer Delta en serlo, Jonas abandonando finalmente el Ejército para reunirse con Molly, Mack liderando el equipo hasta dejarlo también para entrenar nuevos soldados por el embarazo de su esposa o el regreso de Ryan como comandante de la unidad.] FIN SPOILER. Por desgracia, el cierre y cancelación de la serie impidieron que disfrutáramos de esas tramas.

• No obstante, The Unit ha servido de influencia con el paso del tiempo, algo que se nota en productos como la británica Strike Back.

• The Unit es el nombre con el que se conoce a los Delta Force en la comunidad militar, sobre todo en el ámbito de las operaciones especiales, algo que ha confirmado el autor del libro en que se basa la serie, quien asegura que la expresión Delta Force nunca es utilizado. Es un cuerpo secreto de la Armada norteamericana que se entrena durante años en antiterrorismo, reconocimiento y acción directa para las misiones que les son encomendadas. Las familias de los miembros del equipo apenas saben nada de las misiones, y su principal función logística es la de mantener la tapadera de normalidad frente a cualquier persona ajena a la unidad. Eso llega al punto de que si un miembro de la unidad muere en acto de servicio, a las familias se les notifica que ha muerto en una misión de entrenamiento.

• Algunos de los nombres de identificación empleados en la serie para los miembros de la unidad son Snake Doctor para Jonas, Cool Breeze para Bob, Dirt Diver para Mack, Betty Blue para Charles, Hammer Head para Hector, Red Cap para Bridget, o Dog Patch para Ryan. El apodo de Snake Doctor viene de un apodo sureño. Se llama así a unas libélulas (“doctores de serpientes”) por una antigua creencia que dice que las libélulas siguen a las serpientes y les cosen las heridas.

• Hay una señal a la entrada de uno de los edificios de la serie que indica que el comand sargeant major es Eric Haney. El cartel indica CSM E. L. Haney. Es obviamente un homenaje al autor del libro en el que se basa The Unit. En la sala de la unidad hay una camiseta colgada en la que pone “bienvenido a la Armada americana”, y debajo pintado BOHICA, las siglas de bend over, here it comes again, una expresión acuñada en la Guerra de Vietnam por Richard Marcinko, creador de los SEAL Team Six, uno de los primeros grupos antiterroristas militares, y que significa que una situación adversa va a repetirse de nuevo.

J.U.

LANA

TURNER

LANA TURNER

Lana Turner rivalizaba en belleza con Ingrid Bergman en El extraño caso del Doctor Jekyll, protagonizada también por Spencer Tracy.

Turner y Bergman se cambiaron los papeles previstos inicialmente.

Quiero a este hombre emparejó a Lana Turner con Clark Gable.

La esposa del actor, Carole Lombard, asistía al rodaje para garantizar que éste no intentara liarse sentimentalmente con su compañera de reparto.

2

Lana Turner, la rubia platino reina del melodrama en el Hollywood de los años cincuenta y sesenta, ya se había paseado como diva demoledoramente bella del cine negro clásico en la tercera versión cinematográfica de El cartero siempre llama dos veces (Tay Garnett, 1946), cuando el crimen llamó a su puerta en la vida real haciendo correr la tinta en las páginas de sucesos del planeta Hollywood. Y quienes la habían visto en ese plano que recorría sus piernas desde los pies hacia arriba en un movimiento de cámara donde nuestros ojos se convirtieron en los ojos de su compañero John Garfield, “descubriéndola” en lo más parecido a un estriptis que podían permitirse los tabúes censores del Hollywood de la época no dudaron en zambullirse en esa especie de cruce entre la realidad y la ficción que fue el asesinato del gánster Johnny Stompanato, amante de Lana Turner.

Lo que algunos titulares calificaron como “Homicidio de un gánster en Hollywood” sirvió a muchos comentaristas para jugar a ser adivinos y predecir el final de la carrera de una de las estrellas femeninas más populares del cine estadounidense. Pero no fue así.

Curiosamente incluso es posible que el luctuoso suceso se convirtiera en combustible para potenciar aún más el estrellato de Lana Turner con sus aspectos más sórdidos, que estimulaban el siempre morboso interés del público por los ricos y famosos.

El asunto ocurrió el 14 de abril de 1958 en la mansión de la actriz, en el número 730 de North Bedford Drive, Beverly Hills. Eran tiempos algo confusos en Hollywood en aquel momento y Lana Turner no las tenía todas consigo respecto a su futuro profesional.

Por un lado, la industria de Hollywood estaba sumida en uno de esos momentos de cambio aparente que, como decía el personaje de Alain Delon en El gatopardo, persiguen cambiarlo todo para que todo siga igual (nadie como Giuseppe Tomasi di Lampedusa para dejar ese concepto claro con pocas palabras, y ningún sitio mejor que Hollywood para poner por obra aquello que este autor pensó para definir el supuesto ocaso de la aristocracia en Italia). Por un lado, el contrato de Lana Turner con la Metro Goldwyn Mayer (“más estrellas que en el firmamento”) terminó en 1956. Por otro, la televisión había abierto los ojos de los estadounidenses a un nuevo mercado de ocio hogareño prácticamente gratuito al tiempo que se iniciaba un nuevo frente de competencia para el cine. Y bien es sabido que en ese momento la industria del cine pasaba por una etapa crítica que ponía fin a la hegemonía intocable del sistema de estudios, poniendo en cuestión el monopolio ejercido por las más poderosas productoras cinematográficas sobre el ocio audiovisual: las denominadas majors no solo habían fracasado en hacerse con el control y la explotación de la televisión, y bien es sabido que lo intentaron con todas sus fuerzas, sino que además la Corte Suprema de Estados Unidos las obligaba a romper la cadena monopolística de control de la producción, distribución y exhibición de películas extirpando el tercer eslabón, esto es, desprendiéndose de las cadenas de cines que poseían. De manera que Hollywood estaba cambiando, y Lana no las tenía todas consigo respecto a su futuro como estrella en ese otro Hollywood que estaba empezando a surgir cual ave fénix de las cenizas del sistema de estudios… Especialmente porque estaba totalmente convencida de que sus relaciones con un reconocido integrante del mundo del hampa podían perjudicar su imagen pública y meterle miedo a los estudios para que siguieran confiándole nuevos trabajos.

Como decía la canción del grupo Golpes Bajos, eran malos tiempos para la lírica, o traduciéndolo a una conclusión del acervo popular: en casa de la Turner no estaba el horno para bollos.

La crónica negra de la conflictiva y finalmente trágica relación entre la estrella de Hollywood y el tipo duro de la mafia de Los Ángeles comenzó y acabó en la primavera. Lana Turner había conocido a Johnny Stompanato en la primavera de 1957, después de su divorcio de Lex Barker, alias Tarzán de los Monos y, al menos desde la perspectiva más cinematográfica del asunto, el más famoso de los ocho maridos que coleccionó en su ajetreada vida sentimental.

En la primavera siguiente Stompanato moría acuchillado.

Nacido el 10 de octubre de 1925, Johnny Stompanato era también conocido en el submundo del crimen organizado como

LANA TURNER tró en Estados Unidos y decidieron pasar un tiempo juntos en México para limar asperezas, ahora que ella estaba algo más animada con la nominación al Oscar como Mejor Actriz que le había caído encima por su trabajo en el melodrama Vidas borrascosas (1957), en un papel que había estado persiguiendo como loca Joan Crawford y para el cual la productora prefería a Susan Hayward, Olivia De Havilland o Jane Wyman. Lamentablemente, la nominación al Oscar fue otro motivo de desencuentro en la pareja y aumentó el tamaño de la mosca detrás de la oreja que tenía ya a esas alturas el amigo Stompanato cuando la actriz le informó de que pensaba acudir a la gala de entrega acompañada de su madre y de su hija Cheryl Christine Crane, fruto de su matrimonio con el actor Stephen Crane, nacida el 25 de julio de 1943 en Los Ángeles, y que a esas alturas estaba bastante alarmada por las trifulcas de su madre con Stompanato, y que en la noche del 4 de abril de 1958 llegó al límite de sus nervios cuando vio al gánster amenazar a su madre con rajarle la cara para acabar con su carrera en el cine. Así que Cheryl se pasó por la cocina, agarró el primer cuchillo que se le vino a las manos, se plantó en la puerta de la habitación de su madre, llamó a la puerta y De izquierda a derecha Judy Garland, Hedy Lamarr y Lana Turner en Ziegfeld cuando Stompanato abrió se lanzó sobre el cuchillo que la muchaGirl, la última película protagonizada por James Stewart antes de ir a combatir cha empuñaba, con tan mala suerte que acabó matándose. Más o en la Segunda Guerra Mundial. Se despidió de la vida civil bien acompañado. menos así fue como se cerró el caso en los tribunales, aunque algunas fuentes afirmaban que podría haber un asunto de celos de Harry el Guapo, Johnny Pisotón, John Acero y Oscar. Tipo duro a la chica por medio, que estaba ligada sentimentalmente a Stompasueldo del gánster Mickey Cohen (una de las figuras del crimen nato, que le mató por venganza, y cualquier otra teoría que pudiera organizado más retratada por el cine, interpretado por Paul Guilservir para llenar páginas y páginas de sucesos y vender más periófoyle en LA Confidential, Harvey Keitel en Bugsy, Sean Penn en dicos a costa del luctuoso asunto. Posteriormente Cheryl salió del Gangster Squad…), Johnny había invertido todo lo que aprendió armario y comenzó a vivir su vida como lesbiana, manteniendo una como miembro del cuerpo de Marines combatiente en la guerra del pareja con la misma compañera durante más de 40 años, así que Pacífico en construir una sólida carrera criminal cuando regresó a la puestos a buscar teorías para justificar lo ocurrido, sería más fácil vida civil en marzo de 1946, y tras su encuentro con Lana se colgó pensar que la niña se asustó, quiso defender a su madre o simpledel pecho una medalla en la que podía leerse: “Lanita”. mente estaba harta de las peleas de la pareja.

El problema es que “Lanita” tenía la vida de una estrella y Para los tribunales el tema llevaba la etiqueta de homicidio conocía a muchos compañeros de trabajo que ponían celoso a Stomcon atenuantes y Cheryl acabó bajo la tutela del Estado hasta principanato. Al parecer, la pelea de pareja que acabó con la vida del pios de los sesenta; pero para el jefe de Stompanato, que declaró en gánster tuvo su origen en el viaje que Stompanato hizo al Reino el tribunal que “lo quería como a un hijo”, la cosa no podía terminar Unido para visitar a su célebre novia, que andaba por allí rodando así. Mickey Cohen no solo hizo que Connery se pensara tomarse Brumas de inquietud (1958). Y vaya si hubo inquietud en el encuenunas vacaciones desapareciendo de la luz pública por si el asunto tro. Para empezar, Lana no se esperaba la visita y no le hizo ninguna acababa salpicándole de algún modo particularmente sangriento, gracia, así que se mostró esquiva. Pero el amigo Stompanato pensó dadas las amenaza que iban profiriendo por ahí los matones del que igual tan escurridiza actitud por parte de su novia respondía a célebre gánster. El futuro 007 temía por su vida y también tenía que estaba teniendo un idilio con su dudas de que el escándalo fuera a concompañero de reparto, un joven Sean vertirle en persona non grata en la Connery que todavía no se había converDisney, productora que le había fichado tido en el agente 007. Así que, ni corto ni para protagonizar Darby O’Gill, el rey de los duendes, la comedia familiar que vio perezoso, Stompanato le plantó una el productor Cubby Broccoli antes de pistola en la cara a Connery y solo le elegirle para interpretar al agente con faltó decir aquello que le decía Harry el licencia para matar. Así que, ya ven, Sucio a los maleantes cuando los encapura aplicación de la teoría del caos que ñonaba con su Magnum 44: “¡Alégrame explicaba el doctor Malcolm (Jeff Goldel día!”… La leyenda afirma que, dado blum) en Parque Jurásico: una mariposa que Connery todavía no tenía licencia bate las alas en la habitación de Lana para matar, el futuro James Bond se Turner y casi nos quedamos sin James limitó a agarrar la muñeca del gánster y Bond tal y como lo conocemos… Además retorcérsela para obligarle a retirar el de amenazar a Connery, Cohen hizo arma, pero el asunto tuvieron que resolllegar a la prensa las cartas calentorras verlo finalmente dos detectives de Scoque Lana Turner le había escrito a tland Yard que amablemente escoltaron Stompanato, que más que prodigio litea Stompanato de vuelta al aeropuerto rario de poesía romántica eran una acupara que tomara el primer vuelo hacia mulación de apelativos cariñosos para el Estados Unidos, “la tierra de los libres y matón de la mafia escritos en casteel hogar de los valientes”, como dice el llano, términos como “muñequito”, “chihimno de allí. Connery había informado quito”, “papito”… Vamos, que leyendo a la policía del altercado y Stompanato las cartas, que Cohen había recuperado fue deportado por violar las leyes britáde manos de la familia del fallecido, nicas sobre portar armas, tan distintas Lana junto a Judy Garland en El cartero siempre llama dos puede uno imaginarse la banda sonora de las del lejano y salvaje Oeste. veces, que la consagró como una de la mujeres fatales más de los encuentros erótico-festivos de la Terminado el rodaje, la conflictiva seductoras del cine negro clásico. pareja. Cohen pensaba que la divulgapareja Turner-Stompanato se reencon4

LANA TURNER ción de dicho material en la prensa iba a terminar con la carrera de papel para el cine cuando llevaba solo un mes viviendo en HollyLana Turner como consecuencia del escándalo, pero le salió el tiro wood, y de paso se ganó un contrato con el estudio MGM otorgánpor la culata. Ocurrió justo lo contrario: el morbo hizo que la actriz dose a sí misma el nombre artístico de Lana Turner. fuera todavía más popular y potenció su carrera y además la fichaEn esa película aparecía vestida de colegiala, con un suéter y ron para protagonizar su última gran película, Imitación a la vida una falda ceñida, en un papel secundario, pero durante el tiempo suficiente como para convertirse en la nueva sensación juvenil de (Douglas Sirk, 1959), por la que además aceptó rebajarse su salario Hollywood, rápidamente etiquetada como “¡¡¡la chica del suéter!!!” habitual de 25.000 dólares a la semana a la mitad, a cambio de (los tres signos de admiración incluidos). De esa misma guisa se congarantizarse una participación en la taquilla de lo que acabó convirvirtió en una de las pin-up favoritas de los soldados norteamericanos tiéndose en una de sus películas más rentables. Imitación a la vida se convirtió en la película más taquillera del estudio Universal, que encontraron en la contemplación de sus curvas un poderoso además de ser la segunda de mayor recaudación en su año de estímulo para sobrevivir en los distintos frentes de la Segunda estreno, superada únicamente por Ben Hur. De ese modo, Lana Guerra Mundial. De manera que antes de convertirse en estrella, Turner se embolsó por ese trabajo dos millones de dólares, cifra Lana Turner era ya un sex symbol merced a sus apariciones en papeles de reparto de películas como Las aventuras de Marco Polo que era todo un récord para las actrices de su época. Comenzó así con buen pie lo que podríamos denominar como su última etapa en (1938), donde la disfrazaron de china y el productor Samuel Goldwyn el estrellato. la obligó a afeitarse las cejas, que no volvieron a crecerle nunca más, En cuanto al asesinato de Stompanato, por esos azares de la por extraño que hoy pueda parecer, el riesgo de las fantasías exótivida en Hollywood, que como ya sabemos es una especie de universo cas de Hollywood, amigos. Se pasó el resto de su carrera pintándose paralelo al mundo real gobernado por la paradoja, acabó siendo cejas de pega. También rodó Andrés Harvey se enamora (1938), donde apareció mareándole las hormonas a Mickey Rooney, y otro carne de cine. John Michael Hayes, el mismo guionista que había puñado de títulos que finalmente la escrito Vidas borrascosas, la película con la que Turner consiguió su única llevaron hasta ganar mayor protagonominación al Oscar –si bien no se nismo en sus trabajos ante las llevó la estatuilla porque ese año le cámaras en los años cuarenta, década tocaba ganarla a Joanne Woodward que comenzó consiguiendo su primer por Las tres caras de Eva, dejando ya éxito en Ziegfeld Girl (1941), junto a de paso con tres palmos de narices al James Stewart, Judy Garland y Hedy resto de sus competidoras, Deborah Lamarr, y donde el público le había Kerr por su papel de monja guerricobrado ya tanto afecto a su personaje llera en Solo Dios lo sabe, la diva del que incluso tuvieron que eliminar el neorrealismo Anna Magnani por su final trágico pensado para este trabajo en Viento salvaje y Elizabeth después de comprobar en varios Taylor siguiendo la huella de la Escarpases de prueba que los espectadores lata O’Hara de Lo que el viento se rechazaban el desenlace. El año 1941 llevó en El árbol de la vida–, fue el fue el que marcó el despegue definiencargado de escribir un guion sobre tivo de la carrera de Turner como proel suceso para la película Adonde fue tagonista. Fue entonces cuando rodó El extraño caso del doctor Jekyll el amor (1964), un melodrama dirigido (1941) junto a Spencer Tracy e Ingrid por Edward Dmytryk protagonizada Bergman, intercambiando con esta por Susan Hayward y Bette Davis. Lo última papeles, de manera que a cual seguramente a la “Lanita” de Turner le tocó ser la decente novia del Stompanato no le hizo ninguna gracia, siendo ella como era una diva del Lana Turner interpretando a Milady De Winter junto a Vincent Price protagonista en lugar de la prostituta encarnando al cardenal Richelieu en la adaptación de que este encuentra en las tabernas melodrama.

Los tres mosqueteros protagonizada por Gene Kelly. cuando se va de juerga como el señor LA CHICA DEL SUÉTER Hyde. También la emparejaron con el ¿Quién iba a decirle a Julia Jean Mildred Frances Turner que rey de la MGM, Clark Gable, en la comedia Quiero a este hombre (1941), y para hacerse una idea de la fama de casquivana que tenía ya tomarse un helado iba a convertirla en una estrella de Hollywood? en aquel momento la actriz, basta con recordar que durante todo el Nacida el 8 de febrero de 1921 (o un año antes según otras fuentes, rodaje la esposa del actor, Carole Lombard, estuvo vigilándolos para porque según parece era dada a restar un año a su edad), en prevenir todo intento de llevar el romance de ficción hasta la realiWallace, Idaho (Estados Unidos) y fallecida el 29 de junio de 1995 en dad, respondiendo a la natural inclinación de Gable por las rubias Century City, California, medía solo 1,60 metros, pero eso no le platino. Y además debutó como mujer fatal del cine negro en Senda impidió llamar la atención de un cazatalentos de la industria del cine prohibida (1941), acompañando a otro galán del Hollywood del que dio el primer paso para convertirla en una de las divas más momento, Robert Taylor. Fue su aportación más destacada a ese populares del gran mercado del ocio audiovisual estadounidense. género junto con el papel de Cora en El cartero siempre llama dos Hija de Virgil, de profesión minero, pero reciclado en jugador y veces (1946), dirigida por Tay Garnett, y donde John Garfield escandacontrabandista, Turner se quedó huérfana de padre en 1929, cuando lizó al público de la época por darle mayor realismo a los besos de la este fue asesinado y tuvo que trasladarse con su madre, Mildred, a tórrida pareja de cine negro que formaba con Turner, incorporando la San Francisco. Más tarde, en 1935, se establecieron en Los Ángeles, lengua al ósculo de ficción. ¿Sería por eso que el papel de Cora fue donde la joven iba a vivir una de esas historias reales que parecen siempre el que la actriz citaba como su favorito? El caso es que concebidas para un guion cinematográfico. La futura Lana Turner incluso el autor de la novela original, James M. Cain afirmaba que era simplemente otra adolescente más de instituto tomándose un ella era la actriz perfecta para interpretar al personaje. Otro tanto refresco en la cafetería Top Hat cuando la vio Wiliam R. Wilkerson, podría haber dicho Alejandro Dumas, si hubiera visto a Lana Turner editor de la revista Hollywood Reporter y dueño de su propia agencia interpretando el papel de Milady de Winter, la guapa y pérfida pesadide representantes de estrellas, y decidió que merecía una oportunilla del D’Artagnan interpretado por Gene Kelly en esa especie de dad ante las cámaras. Wilkerson envió a la candidata a ver al direcmusical con capas y espadas pero sin canciones que fue la versión de tor Mervyn LeRoy, que no dudó en fichar a la voluptuosa joven de Los tres mosqueteros (1948) dirigida por George Sidney, y que fue la quince años para la película que estaba preparando en ese primera película en color de su filmografía y el trabajo que más se momento, They Won’t Forget (1937), que consiguió así su primer

LANA TURNER resistió a interpretar, incluso aceptando la amenaza del estudio de suspenderla de empleo y sueldo, porque estaba totalmente convencida de que era un personaje secundario que no estaba a su altura.

Esa película marcó de algún modo el paso a una nueva etapa en la carrera de la actriz, que a esas alturas había demostrado ya sobradamente que además de un rostro bello ante la cámara tenía más registros que ofrecer que el de simple muñeca decorativa que le impusieron cuando hizo sus primeras películas y repartieron sus pósteres a los soldados como “¡¡¡la chica del suéter!!!”.

Además, el tiempo no pasa en balde, y la actriz caminaba ya hacia la treintena que iba a lucir en los años cincuenta, su segunda década de éxitos en la pantalla grande como diva del melodrama, registro que anticipó su interpretación de Milady de Winter.

músico que le sacó un excelente partido en lo referido a calidad de vida a sus encuentros con las estrellas.

El siguiente marido en la lista fue Stephen Crane, con el que Lana Turner se casó en dos ocasiones, la primera el 17 de julio de 1942, matrimonio anulado el 4 de febrero de 1943 y repetido con los mismos protagonistas el 14 de marzo de 1943, para terminar en divorcio un año y poco después, el 21 de agosto de 1944, abriendo paso al tercer marido en discordia de la actriz, el millonario Henry Tapping, con el que se casó el 26 de abril de 1948, que la llevó a cortarse las venas y del que se divorció el 14 de diciembre de 1952. Aplicando el conocido lema de que un clavo saca otro clavo, Lana Turner contrajo matrimonio el 8 de septiembre de 1953 con Lex Barker, futuro marido de Tita Cervera, más tarde baronesa Thyssen, y para el que la actriz era el MELODRAMA EN LA VIDA REAL relevo de la espectacular Arlene Dahl, con la que había estado casado previamente Y EN LA FICCIÓN La viuda alegre, uno de los intentos de triunfar en el Lana inauguró su filmografía en los (ventajas de ser el rey de la selva…). musical llevados a cabo por Lana Turner en los años años 50 con dos intentos en el cine musical, 50. Durante su rodaje se enredó sentimentalmente con Duraron juntos más de lo acostumbrado en primero en Mr. Imperium (1951), drama el ropero sentimental de la Turner: se su co-protagonista, Fernando Lamas. romántico musical, y luego en La viuda divorciaron el 22 de julio de 1957. Postealegre (1952), donde la emparejaron con Fernando Lamas, con el que riormente, se añadieron a la lista dos empresarios, Frederick May, se enredó sentimentalmente durante el rodaje cuando todavía lucía señor Turner del 27 de noviembre de 1960 al 15 de octubre de 1962, las cicatrices de su fallido matrimonio con el millonario Bob Topping, y Robert P. Eaton, que heredó título y cónyuge el 22 de junio de 1965 que la abandonó en 1951 llevándola a protagonizar un intento de suiy lo disfrutó hasta el pertinente divorcio concedido el 1 de abril de cidio cortándose las venas de la muñeca. Así que nunca mejor dicho 1969. El último de la lista fue un hipnotizador, Ronald Pellar, de lo de las cicatrices, que eran tan recientes y evidentes cuando rodó nombre artístico Ronald Dante, que consiguió encandilar a la actriz La viuda alegre que tuvo que tapárselas con varias pulseras. para que se casara con él 9 de mayo de 1969, pero cuya habilidad Lo cierto es que la vida privada de la actriz, como ella misma como hipnotista no impidió el divorcio que hicieron legal los tribunaafirmaría en una ocasión, parecía el argumento de uno de los meloles el 26 de enero de 1972. dramas que solía protagonizar. Solo en el apartado de matrimonios A la ajetreada vida matrimonial de Lana Turner habría que tenía un récord de peripecias varias repartidas entre sus uniones añadir además sus muchas aventuras sentimentales extramatrimocon el músico Artie Shaw, con el que se casó en Las Vegas el 14 de niales con distintas celebridades del Hollywood de su época, como febrero de 1940 y del que se divorció solo unos meses más tarde, en los actores Peter Lawford, Robert Hutton, Rory Calhoun, Turhan septiembre, como fruto de las discrepancias entre lo que su primer Bey, John Hodiak, Frank Sinatra… Con este último incluso protagomarido pensaba que debía ser ella –ama de casa y madre de sus nizó un escándalo por ser “la otra” en la ruptura del matrimonio del hijos–, y lo que ella quería hacer con su vida –continuando una actor y cantante con Nancy Barbato, hasta el punto de que la excusa carrera que le proporcionaba una media de mil dólares semanales, esgrimida siempre en público por la Turner cuando la acusaban de ingreso muy superior al que podía conseguir Shaw con su talento este tipo de cosas: “Nunca he destruido un hogar” sonaba ya a musical–. Considerando que Shaw se casó también con Ava Gardner chufla, cuestión que muy posiblemente a ella le diera lo mismo, y que estaba muy lejos de ser el tipo de galán apuesto con el que porque, casquivana o no, en su etapa de mayor éxito profesional solían codearse estas féminas en su trabajo, hay que reconocerle al llegó a ser una de las diez actrices mejor pagadas de Hollywood, embolsándose anualmente más de medio millón de dólares, lo cual la convertía en una de las grandes fortunas entre las actrices que prestaban servicio a las fantasías de la llamada Meca del cine.

Además de eso dejó en su filmografía un puñado de títulos que ayudaron a definir el cine norteamericano en los años cuarenta, cincuenta y sesenta, incluyendo además de los ya citados anteriormente una joya imprescindible para todo buen aficionado al cine, Cautivos del mal (1952), junto a otros de menor entidad pero igualmente recordados por los cinéfilos, como La calle del Delfín Verde (1947), donde cambió el color de su pelo aparcando el rubio para recuperar el tono natural, Brumas de traición (1954), junto a Clark Gable, la peripecia bíblica El hijo pródigo (1955), que daba ganas de pecar con ella, la hazaña bélica El zorro de los océanos (1955), junto a John Wayne ejerciendo de alemán, o Las lluvias de Ranchipur (1955), donde acompañó a Tyrone Power, con el que también se enredó sentimentalmente, aunque él acabaría por dejarla tirada para enredarse sentimentalmente primero con Gene Tierney mientras ambos rodaban El filo de la navaja…

Lana Turner falleció a los 75 años tras mantener un largo Junto a John Gavin en Imitación a la vida, dirigida por Douglas Sirk, pulso con el cáncer de garganta. fue el mejor trabajo protagonizado por Lana Turner junto con El cartero siempre llama dos veces.

Miguel Juan Payán 8

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METROPOLIS D

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FICHA TÉCNICA

todos aquellos que no tengan la suerte de perteDurante la década de 1920, mientras la sonecer a una casta privilegiada. ciedad alemana se enfrenta a las duras condicioBlanco y negro con algunos planos en color incorporados en Ambientada en 2026, Metrópolis toma su tínes que imponen sobre el país los designios de las versiones restauradas de 1991, 1999 y 2010 ; Título orilos vencedores en la Primera Guerra Mundial, tulo del nombre de una gigantesca ciudad dividida ginal: Metropolis; Director: Fritz Lang; Intérpretes: Brigitte Helm, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge, Gustav Frölich, Fritz nuevas expresiones filosóficas y artísticas como física y socialmente en dos mitades irreconciliaRasp, Theodor Loos, Erwin Biswanger, Grete Berger, Ellen el futurismo y el expresionismo intentan ofrecer bles. Vista desde la superficie, Metrópolis es la Frey, Max Dietze; Año de producción: 1927; Nacionalidad: a las élites intelectuales y posteriormente al conciudad ideal diseñada para celebrar de manera Alemania, EE UU; Guión: Fritz Lang y Thea von Harbou; junto de la población una serie de herramientas constante el triunfo de la modernidad. Enormes y Director de fotografía: Karl Freund, Günther Rittau, Walter Ruttmann; Banda sonora: Gottfried Huppert, versión original, intelectuales con las que alcanzar una interpretasofisticados rascacielos configuran un mundo idey Giorgio Moroder, versión restaurada en 1991; Duración: ción de los tiempos adversos que les ha tocado al y perfecto en el que viven con sus familias los 153, 148, 121 y 92 minutos. vivir. Ambos movimientos filosóficos y culturales, amos de la industria y las finanzas. Toda actividad surgidos del estupor y el caos de la guerra y la es fruto de un increíble proceso de industrializaderrota, factores que cuestionan todo el orden social e ideológico de la vieja ción que hace posible lo que un siglo antes parecía imposible. Sin embargo, Europa, son además el exponente más culto de las tensiones internas que reesa sociedad utópica en la que todo parece funcionar a la perfección esconde corren Alemania. Abocada a la miseria y a la pérdida del viejo orgullo nacioen su subsuelo la terrible realidad a la que se ve sometida una ingente masa nal surgido a lo largo del siglo XIX durante la larga fase de unificación encarde trabajadores cuya única misión consiste en mantener en marcha ese munnada por el canciller Otto von Bismarck, la población alemana se debate entre do feliz cuya entrada les está por completo prohibida. Partiendo de esta clara las esperanzas que despierta entre las masas trabajadoras el deslumbrante división de clases que remite a las líneas básicas de la filosofía marxista (no resplandor de la Revolución que solo unos años antes ha logrado derribar el está de más recordar que en 1926 el KPD era el partido comunista con mayor ancestral poder de los zares de Rusia, y la tentación autoritaria que nace conúmero de afiliados de toda Europa) surge una primera grieta en el orden somo respuesta consciente e inconsciente de las clases medias y altas ante el cial que anticipa una peculiar visión de la lucha de clases entre explotadores y empuje de las organizaciones obreras; una tentación que lleva en su seno el explotados de la mano de María y Freder, vástagos respectivos de una familia doble culto a la modernidad y la tradición germánica, y su subordinación a de trabajadores y del principal magnate de la ciudad, cuya relación tiene su una figura fuerte, y casi inspirada por los dioses, capaz de aunar todos los origen en las ideas revolucionarias de María, firme partidaria de una forma de esfuerzos de la nación partiendo del denominador común que supone la perequilibrio y colaboración entre la máquina, que representa al poder de unos pocos, y el corazón y la mano, que representa a los trabajadores. tenencia a una misma raza. En suma, un esbozo de lo que en esos mismos Ante el peligro que suponen esas ideas, las fuerzas vivas de Metrópolis años cristalizará en el fascismo italiano y el nacional-socialismo alemán. (las fuerzas del capital) ponen en marcha una curiosa estrategia de intoxicaMás allá del ámbito cultural, esa tensión se reproduce a diario en las ción de las masas trabajadoras fabricando un robot que reproduce a la percalles y en los lugares de trabajo. A priori, nadie sabe lo que depara el futufección la imagen y la voz de María y que no tarda en lanzar violentas soflaro, lo que abre el camino a múltiples especulaciones que en el terreno del mas que poco a poco hacen nacer entre los explotados la conciencia de su cine alcanzan su cénit en un puñado de películas dotadas de un extraordinasituación y sobre todo un irrefrenable deseo de cambio que muchos, sin emrio valor artístico. Desde el punto de vista formal, el expresionismo supone bargo, interpretan como un deseo de venganza. En lo que supone una trepiademás la inclusión en el séptimo arte de las inquietudes derivadas de la indante carrera contra reloj, los protagonistas enfrentan los designios de los fluencia de los sueños –más bien de las pesadillas– en los que se da cita, poderosos, la furia de los oprimidos y el poder de unas máquinas aparentecomo producto de traumas individuales y colectivos, una visión incierta del mente sin control. Finalmente, cuando todo está al borde de la destrucción, presente y del futuro. Este cruce entre el cine y la ciencia del psicoanálisis los enfurecidos trabajadores, que culpan a María, en realidad a ese robot se traduce en la creación de unos espacios visualmente fascinantes que sin que la suplanta, del aumento de la represión con que el poder ha contestado embargo siembran en el espectador una duradera sensación de desasosiea sus justas reivindicaciones, descubren el engaño del que han sido víctimas go. En lo que respecta a sus argumentos, esta nueva tendencia retuerce los y se pliegan a los planteamientos de la verdadera María, que aboga por el límites del drama, genera protagonistas torturados por las limitaciones de la amor y la solidaridad, pero que acto seguido deja entrever la necesidad de condición humana y aunque en algunas ocasiones deja esbozar una leve esencontrar un líder providencial capaz de aunar en un proyecto común los inperanza en el futuro esta queda supeditada al miedo ancestral que impone tereses de las clases antagónicas. ¿Un exceso de buena voluntad? ¿Una real individuo y a la sociedad lo desconocido. formulación de la clásica idea del Mesías? ¿Una premonición del nazismo Atento a las convulsiones que asolan su país, Fritz Lang, quien antes de acaudillado por un Führer infalible y omnipotente? dedicarse por entero al cine ha estudiado arquitectura y bellas artes bajo el Pese a estas y otras dudas que pueda suscitar la visión de la película, lo patrocinio de algunas de las mentes más brillantes de la cultura alemana de cierto es que Metrópolis es por derecho propio una de las grandes obras de principios de siglo, comienza a pensar en la que se convertirá en la primera arte del siglo XX y que el propio Fritz Lang, fuera cual fuese la ambigüedad de sus obras maestras en 1924, cuando la visión de los rascacielos cuyas side su película, tuvo que abandonar Alemania tras el ascenso al poder de Hiluetas se recortan sobre el cielo nocturno de Chicago le sugieren un nuevo tler iniciando en Estados Unidos una carrera no exenta de éxitos y polémicas modelo de ciudad que se alza como exponente incontestable del triunfo de la en la que sobresale un personalísimo y espectacular diseño de producción ciencia y el progreso sobre el alma humana. Dos años más tarde, coincidienartística. En cuanto a Metrópolis, su destino da para una nueva película. do con la breve etapa de prosperidad que trae a Alemania el flujo de crédito Censurada en algunos países, recortada en otros simplemente por capricho procedente de Estados Unidos (un espejismo efímero que no hará sino empede los distribuidores, su verdadera duración es aún un misterio que el paso orar las cosas cuando la Gran Depresión llegue a Europa), logra convencer de del tiempo y la casualidad han hecho lo posible por desvelar de la mano de la viabilidad de su proyecto a los responsables de los estudios UFA, la princisucesivas restauraciones que culminan con nuevas versiones sonorizadas pal productora cinematográfica alemana y una de las mayores y más activas que incorporan delirantes bandas sonoras e interesantes nuevos fragmentos de Europa en cuyos estudios de Bahlsberg comienza a principios de 1926 la construcción de los enormes decorados que harán posible la que quizá deba de metraje que culminan con una espectacular remasterización que vio la ser considerada la primera distopía del cine mundial; o lo que es lo mismo, la luz a nivel mundial en 2010, confirmando su condición de mito audiovisual y primera visión pesimista de un progreso y un futuro nada prometedores para de piedra angular del cine posterior y del género de ciencia ficción.

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ANITA EKBERG (KERSTIN ANITA MARIANNE EKBERG) 29 de septiembre de 1931, Malmö (Suecia).

FILMOGRAFÍA 1951.– Terras Förster número 5; 1953.– El caballero del Mississippi, Abbott y Costello van a Marte, Take Me to Town, La espada de Damasco; 1955.– Callejón sangriento, Cómicos en París; 1956.– Guerra y paz, Regreso de la eternidad, Loco por Anita, Man in the Vault, Zarak; 1957.– Policía internacional, Valerie; 1958.– El embrujo de París, Screaming Mimi, Conflicto íntimo; 1959.– Bajo el signo de Roma; 1960.– La dolce vita, Apocalipsis sobre el río Amarillo, Los tres etcéteras del coronel, Anonima cocottes; 1961.– A puerta cerrada, Los mongoles; 1962.– Boccaccio 70; 1963.– El amo de la selva, Cuatro tíos de Texas; 1964.– Lo que el sexo se llevó; 1965.– Detective con rubia, Cuatro historias de amor; 1966.– Come imparai ad amare le donne, Un chalado en órbita, El gran amante; 1967.– El Cobra, La esfinge de cristal, Siete veces mujer; 1968.– Crónica de un atraco; 1969.– Si hoy es martes, esto es Bélgica, Malenka la vampira, Un sudario a la medida, Blonde Köder für den Mörder; 1970.– Quella chiara notte d’ottobre, El divorcio, Il debito coniugale; 1972.– Northeast of Seul, La brigada del inspector Bogart, La luna cavalcata della vendetta; 1974.– Anno Schmidt; 1975.– El valle de las viudas (escenas cortadas en el montaje final); 1979.– Gold fo the Amazon Woman (televisión), La monja homicida; 1980.– Sabotaje petrolífero; 1982.– Cicciabomba; 1986.– Dolce pelle di Angela; 1987.– Entrevista; 1988.– Quando ancora non c’erano i Beatles (miniserie de televisión); 1991.– Il conte Max, Ambrogio; 1996.– Il signore della città (televisión), Bambola; 1998.– Le Nain rouge.

LA MAGGIORATA NÓRDICA De seno próspero, todo abundancia física, el término maggiorata fue acuñado por el director Vittorio de Sica y alude a una fémina superlativa, de atributos físicos arrolladores, identificada con actrices como Silvana Mangano, que se instituyó en el primer ejemplo con su trabajo en Arroz amargo (Giuseppe de Santis, 1949), Gina Lollobrigida, que fue la primera a la que De Sica le aplicó el término por su papel en el episodio “Il proceso di Frine”, de la película Sucedió así (Alessandro Blasetti, 1952), Sofia Loren, Silvana Pampanini… y Anita Ekberg bañándose en la Fontana di Trevi ante la embelesada mirada de Marcello Mastroianni en La dolce vita, de Federico Fellini, escena mítica del erotismo cinematográfico que convirtió a la actriz sueca en un auténtico icono sexual de los años sesenta: la maggiorata nórdica. Una excepción rubia a la regla de las opulentas morenas mediterráneas que ejemplificaban dicha etiqueta.

Procedente de una familia numerosa (siete hermanos y hermanas), Anita comenzó su periplo hacia el mundo del estrellato internacional en la pantalla grande cuando ganó el concurso de belleza de Miss Suecia en 1950, que le abrió el paso para competir por el título de Miss Mundo en Estados Unidos. Su participación en esa competición no se saldó con el premio, pero sí con la atención de un público entregado a sus opulentas formas, por las que el cómico norteamericano Bob Hope consideraba que deberían premiar a sus padres con el Premio Nobel de Arquitectura. Con esa tarjeta de visita no es extraño que una prestigiosa agencia de modelos estadounidense decidiera ficharla a pesar de que algunos de sus detractores la acusaban de ser tan fría como un iceberg. Por lo referido a Hollywood, el primero en darse cuenta de su potencial fue el millonario y donjuanesco Howard Hughes, que la puso bajo contrato de la productora RKO, según la actriz como paso previo a proponerle matrimonio. Quizá por eso ese primer acuerdo profesional con la industria cinematográfica norteamericana no llegó muy lejos y fue finalmente el estudio Universal quien sacó partido al impresionante físico de Anita proponiéndole una serie de papeles de poca entidad dramática en los que básicamente se le pedía que apareciera ante las cámaras y mostrara su belleza. Poco más. Pero con todo, era un trabajo como actriz en Hollywood. Sus medidas (99-56-92) eran la mejor garantía de continuidad de su carrera ante las cámaras, especialmente en un momento, los años cincuenta, en que las rubias se habían puesto de moda en Hollywood con Marilyn Monroe a la cabeza. Verla aparecer como amazona extraterrestre era una de las razones de peso para ir a ver la comedia Abbott y Costello van a Marte y sin duda un espectáculo en sí mismo, importándole muy poco al público su mayor o menor pericia interpretativa. Su voluptuosa figura empezó a aparecer como adorno en distintas producciones de aventuras y comedias, y estuvo a punto de conseguir el que habría sido su primer papel protagonista en la pequeña pantalla protagonizando una serie de televisión sobre el personaje de cómic Sheena, reina de la selva, allá por 1955. Imaginen el espectáculo de verla interpretando a una variante femenina de Tarzán de los Monos. Lamentablemente, el contrato que la ligaba a la productora de John Wayne, Batjac, impidió que pudiera aceptar esa oferta de trabajo, aunque sí apareció junto al Duque y Lauren Bacall en Callejón sangriento ese mismo año, a las órdenes de William Wellman. Fue un año aprovechado, ya

que también comenzó a trabajar para Frank Tashlin en el terreno de la comedia, acompañando a Jerry Lewis y Dean Martin en Cómicos en París, también conocida como Artistas y modelos, con diferencia la mejor película del dúo formado por el cantante y el cómico. Se trataba de una sátira de las tiras cómicas y sus personajes, y junto con esa oferta para interpretar el papel de Sheena, dejaba claro que en Hollywood Anita había sido catalogada, etiquetada y despachada como un personaje de cómic, una especie de dibujo animado de carne y hueso que bien podría haber servido para inspirar a la seductora Jessica Rabbit del híbrido de cartoon y personajes de carne y hueso en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, aunque el director de animación de dicha película, Richard Williams, afirmara que sus fuentes de inspiración para dicho personaje fueron Veronica Lake, Rita Hayworth y Lauren Bacall. El hecho de que volviera a encontrarse nuevamente con Jerry Lewis, Dean Martin y el director Frank Tashlin en Loco por Anita, donde se interpretaba a sí misma y además ejercía de algún modo como motor de la trama, es la mejor muestra de que más allá de ser simplemente una actriz, Ekberg se había convertido en Hollywood en una especie de fenómeno visual. Pero ese camino de autoexplotación de su imagen parecía conducirla a un callejón sin salida, como demostraron sus trabajos posteriores en el cine norteamericano, donde la ficharon para servir como adorno y compañía de un ya veterano Victor Mature en la anodina Zarak, una peripecia de pretendido exotismo y presupuesto más bien justo dirigida por Terence Young de la que, a fuerza de ser sinceros, lo más espectacular y memorable era verla aparecer a ella con el vestuario de una odalisca de Oriente capaz de provocar guerras y domesticar guerreros cual si de una reedición de Elena de Troya se tratara. La actriz repitió pareja con Mature en Policía internacional, otro modesto filme que se estrenó en cines norteamericanos en sesión doble con el largometraje Los hermanos Rico, muestra de que el estudio no apostaba por esta producción como una rompetaquillas, sino como parte de los tratos de venta en paquetes del estudio.

LA OPULENTA NINFA DE LA FONTANA Siguiendo las pistas de explotación del físico de la actriz que habían convertido en estrella a Anita, Federico Fellini decidió darle el empujón definitivo como sex symbol reclutándola para darse un baño que había de convertirse en mítico para la historia del cine en la Fontana di Trevi en La dolce vita, su sátira sobre la vida nocturna de Roma y el mundo del espectáculo, los juguetes rotos del cine y los paparazzi perseguidores de famosos. Consagrada como auténtico espejismo sexual de la pantalla grande con ese trabajo (dicho sea de paso, que a los responsables de la versión cinematográfica del musical Nine se les ocurriera que Nicole Kidman podía representar ni remotamente a Ekberg es un error de casting flagrante), Anita encontró el mejor apoyo para proseguir su carrera en ese trabajo que la consagró como una de las féminas más deseadas del mundo del celuloide, facilitando su fichaje en películas como Los mongoles, junto a Jack Palance, o Cuatro tíos de Texas, acompañando a Dean Martin, Frank Sinatra y Ursula Andress. Además, Fellini volvió a contar con ella para su fragmento de Boccaccio 70, “La tentación del doctor Antonio”, una parodia disparatada de su sublimación de la mujer por la vía de la maggiorata que materializaba los sueños eróticos de un urbanita ejemplificados por un cartel gigante con la foto de Anita, que de repente cobra vida. Así, la Ekberg, que medía 1,69 metros, se convertía en una giganta erótica posesiva que persigue al protagonista. Esta especie de reedición en clave de comedia del clásico de la ciencia ficción El ataque de la mujer de 50 pies, es sin duda el fragmento más divertido de esa película. Fellini volvería a contar con ella en una tercera ocasión en Entrevista, donde se interpretaba a sí misma.

PERIPECIA SENTIMENTAL La peripecia sentimental de Anita Ekberg incluye dos matrimonios y numerosos romances oportunamente aireados por la prensa de la época. Se enredó sentimentalmente con Tyrone Power cuando ambos rodaban El caballero del Mississippi en 1953, mientras el célebre actor estaba casado con Linda Christian. Además, la prensa se hizo eco de los romances de la actriz con su compañero en La dolce vita, Marcello Mastroianni, además de con el temerario héroe de las películas de capa y espada Errol Flynn, o con Yul Brynner, Frank Sinatra y Gary Cooper. Asimismo, Anita Ekberg mantuvo relaciones durante tres años con el jefazo de Fiat, Gianni Agnelli. Se ha casado en dos ocasiones.

La primera con el actor Anthony Steel, con el que contrajo matrimonio el 22 de mayo de 1956 y del que se divorció el 14 de mayo de 1959. Cuatro años más tarde, en 1963, se casó con el también actor y guionista Rik Van Nutter, a quien los aficionados al spaghetti western y el cine de aventuras filmado en Europa recuerdan por su trabajo como Ivanhoe en La venganza de Ivanhoe y su papel como Buffalo Bill en Aventura en el Oeste. Además, fue Félix Leiter, el agente de la CIA colega de 007 en Operación Trueno.

COLECCION CARTELES CINE CLÁSICO

GUERRILLEROS EN FILIPINAS

COLECCION CARTELES CINE CLÁSICO

American Guerrilla in the Philippines

LA POSESIÓN

EE UU; 1950; Color; Director: Fritz Lang; Guión: Lamar Trotti; Música: Cyril Mockridge; Intérpretes: Tyrone Power, Tom Ewell, Robert Patten, Juan Torena, Robert Barrat, Micheline Prelle, Tommy Cook; Duración: 108 minutos.

México; 1949; Blanco y negro; Director: Julio Bracho; Guión: María Luisa Algarra y Julio Bracho; Música: Manuel Esperón; Intérpretes: Jorge Negrete, Miroslava Stern, Luis Aceves Castañeda, Julio Villarreal, Isabela Corona, Eva Martino, Domingo Soler; Duración: 98 minutos.

Dice el refrán que “hasta el mejor escribiente echa un borrón”, frase lapidaria cuyo eco sobreviene al espectador contemporáneo tras contemplar los nulos resultados y la escasa razón de ser de una película como Guerrilleros en Filipinas, más aún si tenemos en cuenta el nombre de su director, el legendario Fritz Lang, en una de sus pocas horas bajas.

Vinculado desde sus orígenes al teatro de vanguardia en una época en la que México era uno de los referentes de la cultura hispanoamericana, terreno en el que desarrollaría una gran labor primero al frente del grupo denominado Orientación y más tarde como fundador y director del Teatro de los Trabajadores, agrupación responsable del estreno en su país de algunas de las grandes obras de primeros de siglo, entre las que destacó la adaptación de Lázaro rio, de Eugene O’Neill, en cuya traducción contó con la ayuda del Nobel de Literatura Juan Ramón Jiménez, Julio Bracho se inició en el cine en 1936, año de producción de su primera película ¡Qué tiempos, don Simón, una comedia costumbrista con la que alcanzaría un enorme éxito de crítica y público.

Para empezar, sorprende el descarado tono propagandístico de una película bélica al uso que hubiera tenido su razón de ser en el transcurso del conflicto, pero no cinco años después de terminado este, y ocho, si nos ponemos puntillosos, después de que tuvieran lugar los hechos que narra de manera harto convencional. En un momento en que otros directores empezaban a abordar la guerra desde una perspectiva más intimista o crítica, llama la atención que un cineasta tan comprometido como Lang contribuya sin sonrojo a perpetuar una relectura de una historia no por falsa menos repetida y cuyo propósito consiste en disimular los errores estratégicos y las bajezas morales cometidas por el Ejército americano en esa parte del Pacífico, área geoestratégica en la que ya empezaron a mostrar su tendencia a apoyar a un tirano para sustituir a otro. Y ahí está la posterior historia del archipiélago saqueado por Ferdinand Marcos para demostrarlo.

Con todo, lo peor reside en el tratamiento de una “hazaña bélica” de puro trámite en la que dos abnegados soldados americanos descolgados de su unidad deciden, tras descubrir que su batallón se ha rendido, continuar la guerra por su cuenta organizando un foco guerrillero con el que hostigar a los japoneses. No importa que el nivel de producción sea destacable ni que venga animado por la presencia estelar de un voluntarioso Tyrone Power; la película hace aguas por todas partes, sus diálogos son rimbombantes y su resolución es un claro llamamiento a la vergüenza ajena. Para terminar de rizar el rizo, esta película ya existía previamente, se titulaba Back to Bataan (La patrulla del coronel Jackson) y al menos resultaba entrañable en su delirante intento de convencernos de que la reconquista de Filipinas la habían llevado a cabo John Wayne y un trasunto del mencionado Marcos, ellos solitos y a mayor gloria de las virtudes castrenses del imperio.

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DIABLILLOS CON FALDAS And the Angels Sing EE UU; 1944; Blanco y negro; Director: George Marshall; Guión: Melvin Frank y Norman Panama; Música: Victor Young; Intérpretes: Betty Hutton, Dorothy Lamour, Diana Lynn, Mimi Chandler, Fred MacMurray, Frank Albertson, Harry Barris, Donald Kerr; Duración: 94 minutos.

En plena Segunda Guerra Mundial y justo cuando buena parte de la oferta musical de Estados unidos está compuesta por grupos y solistas femeninas, un grupo de cantantes compuesto por cuatro hermanas alcanza su mayor nivel de compenetración artística. Nada más verlas, un avispado promotor intuye que se encuentra ante uno de los grandes fenómenos musicales del momento, al que de paso se une el enorme nivel de popularidad que este tipo de artistas, tocadas por el halo de la juventud y la belleza, pueden alcanzar en tiempos de guerra y sacrificio. Como es lógico, pone manos a la obra e intenta convencer a las cuatro beldades de que no encontrarán mejor mánager que él. Sin embargo, sus problemas y sus interminables dolores de cabeza empezarán en el momento en que ha logrado convencer a las chicas para que le nombren su representante, ya que estas llevan consigo una larga serie de cuentas pendientes, algunas de ellas con un origen que se remonta hasta la niñez. Convertido a causa de su propia ambición comercial en una suerte de maestro, padre adoptivo y consultor sentimental de sus nuevas estrellas, el promotor no tardará en descubrir que solo el amor podrá solucionar sus problemas, aunque la pregunta es dónde encontrar novios en un momento en que casi todos los candidatos se han alistado para combatir en ultramar.

Producida en un momento en que las voces femeninas, las actrices de mirada inocente o turbia y las pin-ups de rostro y curvas sugerentes constituían uno de los mayores reclamos con que contaba la industria del espectáculo para levantar la moral y el ardor guerrero de su tropas diseminadas por Europa y el Pacífico, Diablillos con faldas es el típico producto de consumo rápido que sin embargo consiguió reunir en su producción a varias de las estrellas femeninas más queridas de la época, desde Dorothy Lamour a Betty Hutton, en lo que constituye un claro ejemplo de la capacidad de adaptación del star system hollywoodiense. Con todo, y pese a su cometido puramente coyuntural, se trata de una ágil y amable comedia de situación capaz de satisfacer al público más melómano y a aquellos que simplemente buscan un rato de esparcimiento. Destacables como siempre la interpretación del sólido y versátil Fred MacMurray, las partituras compuestas por Victor Young y la dirección, no por monótona menos eficaz, del polivalente George Marshall, en años posteriores uno de los directores asiduos de la MGM y la Disney.

Hombre de una inmensa cultura, Bracho quiso plasmar en el cine mexicano del momento una concepción particular que aunaba las señas de identidad de las grandes producciones con un tratamiento dramático que pese a su profundidad pretendía elevar el nivel de conciencia social y artístico de un público a menudo denostado por los responsables de esa industria más orientada al beneficio que al arte o la cultura. Eso explica la presencia en sus películas de tipos y situaciones de raigambre inequívocamente popular, que sin embargo se muestran como seres humanos capaces de superar situaciones que aparentemente los desbordan. Y esa es la razón que convierte una película como La posesión, drama sentimental en el que los personajes femeninos adquieren una relevancia insólita en una sociedad tan patriarcal y machista como la mexicana, en una eficaz superproducción de la época con un reparto encabezado nada menos que por Jorge Negrete, sublimación en la pantalla y fuera de ella del galán azteca capaz de transmitir una fuerza desmesurada a sus personajes de cantante, pistolero, hombre de mundo, charro o bandolero, y por la fascinante Miroslava, actriz de origen checo cuya breve y trágica existencia compone un capítulo aparte en la historia del cine y la cultura mexicanas.

Como tal superproducción local, La posesión fue uno de los éxitos de crítica y público más destacados de la carrera de Julio Bracho.

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BAD GIRL EE UU; 1931; Blanco y negro; Director: Frank Borzage; Guión: Viña Delmar; Fotografía: Chester Lyons; Intérpretes: Sally Eilers, Minna Gombell, Sarah Padden, James Dunn, William Pawley, Frank Darien; Duración: 90 minutos.

En 1934, Rafael Gil, quien a partir de la posguerra se convertiría en uno de los directores más prolíficos y “artesanos” del cine español extendiendo su carrera hasta casi finales de los setenta, escribió en su habitual columna del diario ABC de Madrid sobre la enorme aportación que Frank Borzage había hecho al séptimo arte mediante su capacidad para el patetismo y el drama, elementos que bajo su cuidadosa dirección rozaban a veces el ridículo para entrar, como por arte de magia, en el terreno de lo verdaderamente conmovedor y solemne. Títulos como Of human bondage (Cautivo del deseo) o la primera versión de Adiós a las armas refuerzan esa afirmación y son muestra de un estilo personal y sensible que pese a contar con el beneplácito del público de los primeros años del sonoro acabaría por sucumbir ante un cine más despojado de esas verdaderas implicaciones morales que redundan en un profundo conocimiento del alma humana.

Rodada en 1931, cuando Estados Unidos vive lo peor de la Depresión, Bad Girl, la historia de un honrado electricista que tras un breve e intenso romance contrae matrimonio con una modelo, parece en principio una revisión de ese mito que hace de América la nueva tierra prometida en la que todo es posible y en la que las infinitas posibilidades de progreso material han superado el eterno conflicto de la lucha de clases. Sin embargo, ese punto de partida argumental que al mismo tiempo sirve para actualizar, quizá por última vez, ese otro mito generado por los felices años veinte, en el de la chica moderna, liberada y hedonista, conduce a sus protagonistas por el engañoso sendero de una felicidad tan frágil como insostenible en el largo plazo. Sometidos sin ellos saberlo a los vaivenes de una crisis que despoja a millones de personas del derecho a ganarse la vida honradamente, los jóvenes enamorados no tardan en percibir de manera casi trágica las barreras sociales y económicas que los separan, las distintas formas de interpretar esa realidad adversa que los condiciona y el precio que esa urgencia por sobrevivir impone a lo que no mucho antes era un amor casi idílico. Todo un drama a la altura de su tiempo que pese a mostrar sin recato las consecuencias más directas de esa fractura social, apuntaba también la posibilidad, por mínima que parezca, de algo cercano a la redención que habría de llegar mediante un profundo cambio en la mentalidad colectiva. En suma, un canto a la nobleza intrínseca y profunda del ser humano.

REBOBINA A LOS 80’

REBOBINA A LOS 80’

CRITTERS, ¡OJO MUERDEN!

GREMLINS

Critters 1986; EE UU; Color; Director: Stephen Herek; Guión: Stephen Herek, Don Opper, Dominic Muir; Fotografía: Tim Suhrstedt; Intérpretes: Dee Wallace (Helen Brown), M. Emmet Walsh (Harv), Billy Green Bush (Jay Brown), Scott Grimes (Brad Brown); Duración: 82 minutos.

SINOPSIS Ocho diminutos y peludos alienígenas hambrientos llegan a la Tierra, concretamente a la afable vivienda de los Brown, que sin saberlo, servirán de menú a los perversos extraterrestres. Pero antes de ser devorados, aparecerá en escena una pareja de cazadores intergalácticos que además de a los Brown, salvarán a la humanidad.

PARA RECORDAR Dos años más tarde del descomunal éxito de Gremlins nos llegó Critters, una cachondísima película que se atrevió, dentro de los esquemas de la serie B, a ir más lejos que el filme producido por Spielberg, presentando una historia totalmente rocambolesca, mezclando terror y ciencia ficción a partes iguales, donde lo mismo tenían cabida peludos bichos carnívoros que cazadores provenientes del espacio exterior.

Un filme entrañable, una cinta de bajo coste pero que está repleta de guiños al espectador y que con un metraje de tan solo 82 minutos consigue conectar con la audiencia con su arma más importante, la sinceridad. Y es que cuando nos disponemos a ver una película de estas características, la sinceridad del equipo responsable es fundamental para que quien la vea, sienta que no le están vendiendo la moto. Con todo esto quiero decir que aunque el presupuesto sea bajo, el cariño y la profesionalidad de quienes levantan este tipo de proyectos compensan sobremanera la falta de medios.

Con un presupuesto de tan solo dos millones de dólares, Stephen Herek (Profesor Holland, Los tres mosqueteros…) hizo verdaderas virguerías para conseguir una cinta divertidísima y que a punto estuvo de quitarle el trono a Gremlins como película de bichos peludos de la década.

ANÉCDOTAS El gato de la familia Brown se llama Chewy, a modo de homenaje al peludo Chewbacca de la saga galáctica de Lucas.

Contó con tres secuelas: Critters 2, de 1988; Critters 3: la venganza, de 1991 –que supuso el debut en la gran pantalla de Leonardo DiCaprio–; y Critters 4, de 1992.

1984; EE UU; Color; Director: Joe Dante; Guión: Chris Columbus; Música: Jerry Goldsmith; Fotografía: John Hora; Intérpretes: Hoyt Axton (Randall Peltzer), Zach Galligan (Billy Peltzer), Phoebe Cates (Kate Beringer), Polly Holliday (Ruby Deagle); Duración: 111 minutos.

SINOPSIS Rand es un representante que se pasa la vida viajando. Un día entra a un antiguo bazar chino y adquiere un regalo muy especial con el que sorprender a su hijo, un mogwai. Pero esa entrañable criatura pronto dará paso a una verdadera pesadilla.

PARA RECORDAR Si por algo recuerdo perfectamente 1984 es por dos cosas que marcaron mi vida. La primera, descubrir que tenía que madrugar para ir al colegio, y la segunda, el estreno de Gremlins. Aquel bichito peludo que si se mojaba se multiplicaba y que si comía después de medianoche se convertía en el ser más cabroncete que el mundo podía conocer, marcó a fuego a toda una generación que soñaba con tener un mogwai y que tarareaba sin descanso esa deliciosa a la par que maliciosa melodía compuesta por el genio Jerry Goldsmith.

Toda aquella ambientación navideña, en un idílico pueblecito norteamericano, no anticipaba en absoluto el pollo que un montón de bichejos con muy mala hostia estaban a punto de desencadenar en tan entrañable lugar. Y es que como ya ocurrió con otros trabajos del menospreciado Joe Dante, bajo ese aura de cine familiar, se escondía un subtexto cargado de humor negro y mala baba que solo los adultos eran capaces de descifrar.

Con esto, Gremlins se convirtió en un filme para todos los públicos, ya que los más pequeños solo disfrutaban con los monstruitos y los adultos captaban ambas lecturas, lo que hace que la película adquiera una dimensión mayor de lo que en un primer momento podía parecer.

ANÉCDOTAS En 1990 se estrenó la secuela, Gremlins 2: la nueva generación, que no consiguió llegar al nivel de su predecesora, aunque resulte un filme bastante entretenido.

Mogwai, en cantonés, significa “demonio”.

Spielberg, tras ver los cortometrajes de Tim Burton, estuvo a punto de ficharle como director, aunque finalmente se echó atrás, debido a que veía a Burton aún un poco inmaduro para afrontar el rodaje de una gran película.

Diego Arjona

REBOBINA A LOS 80’

Diego Arjona

REBOBINA A LOS 80’

GHOULIES 1985; EE UU; Color; Director: Luca Bercovici; Guión: Luca Bercovici, Jefery Levy; Fotografía: Marc Ahlberg; Intérpretes: Peter Liapis (Jonathan Graves), Lisa Pelikan (Rebecca), Michael Des Barres (Malcolm Graves), Jack Nance (Wolfgang); Duración: 81 minutos.

MUNCHIES 1987; EE UU; Color; Director: Tina Hirsch; Guión: Lance Smith; Fotografía: Jonathan West; Intérpretes: Harvey Korman (Cecil Watterman/Simon Watterman), Charlie Stratton (Paul Watterman) , Nadine Van Der Velde (Cindy), Alix Elias (Melvis); Duración: 83 minutos.

SINOPSIS Unos extraños seres llegan a nuestro planeta procedentes del espacio exterior con el único fin de liarla parda allá por donde pasan.

PARA RECORDAR Y para terminar por todo lo alto, hagamos más sangre machacando a la que sin lugar a dudas se lleva la palma en cuanto a cutrez. Munchies es igual de mala que Ghoulies, pero en este caso el crimen cometido es peor, ya que su directora, Tina Hirsch, fue la responsable de editar Gremlins. La verdad es que o bien no aprendió nada durante el rodaje del filme de Dante, o quizá, durante el rodaje de Munchies, se sintió indispuesta y mandó a Stevie Wonder dirigir las escenas.

Que la falta de presupuesto se ve cuando solo se llevan proyectados tres fotogramas es algo que no hace falta jurarlo. Pero no puede servir siempre de excusa escudarse en el poco dinero para hacer una mierda más grande que el sombrero de un picador. Que no la pudo salvar ni Roger Corman, productor de la cinta y rey de la serie B, que ha hecho filmes más que decentes con mucha menos pasta.

En números anteriores hemos hecho referencia a películas que con el dinero justo, han sabido obtener un trabajo al menos digno. Pero no, amigos, otros “artistas” creen que si meten algo gracioso (según su escaso criterio) ya todo vale. Pues conmigo no cuela, la verdad. Porque al final, ni es divertido, ni es gracioso, ni da miedo, ni consigue transmitir absolutamente nada. De hecho, si me quedo observando una lámpara durante hora y media, me provoca más satisfacción que ver esta película.

ANÉCDOTAS Munchies en inglés quiere decir “apetito desmedido” o “hacer ruido al comer”, como los monstruos que pueblan el filme.

En Estados Unidos existen unos aperitivos (galletitas saldas) que llevan ese mismo nombre.

Diego Arjona

SINOPSIS Jonathan Graves es un tipo que hereda la mansión de su tío. Para inaugurarla, organiza una fiesta en la que utiliza ciertos rituales satánicos a modo de sorpresa para sus invitados. Pero le sale el tiro por la culata e invoca a los temibles ghoulies.

PARA RECORDAR ¿Qué se puede esperar de una película en la que su primer reclamo, es decir, el póster, nos enseña un bicho horroroso y cutre a más no poder saliendo de la taza de un váter? Bazofia pura e infesta. Un bodrio de proporciones épicas, que produce náuseas y arcadas al amable espectador que fue engañado por los productores, haciéndole creer que estaban ante una nueva versión de la afamada Gremlins.

Si hay algo peor que no hacer gracia es querer hacerse el gracioso, y este filme cae de lleno en este error. Si Gremlins era un magnífico filme y Critters hacía que esbozaras una sonrisa, Ghoulies solo te producirá fuertes jaquecas y malestar estomacal.

Y aún no he llegado a profundizar en los diseños de esas criaturas del infierno que hacen la vida imposible a los protagonistas. En serio, ¿no había nadie en el rodaje con un mínimo de vergüenza torera para poner un poco de criterio ante semejante chapuza? ¿De verdad no hubo ni un atisbo de creatividad o ingenio en todo el conjunto?

Pero a pesar de todo ello, la cinta, que contó con un escaso presupuesto de un millón de dólares, se convirtió en todo un éxito en el mercado videográfico, recaudando la escalofriante cifra de 35 millones de dólares solo en suelo estadounidense. Un locura.

Si quiere romper con su pareja y aún no sabe cómo, siéntense juntos a ver esta película, y antes que aparezcan los títulos de crédito ya habrá abandonado el hogar.

ANÉCDOTAS Tras su inesperado gran éxito económico, se produjeron tres secuelas (nunca mejor dicho lo de secuelas) más. Ghoulies 2 (1987), Ghoulies 3: los demonios van a la universidad (1991) y Ghoulies 4 (1994) Fue la primera película de Mariska Hargitay, actriz conocida por series como Ley y orden.

Diego Arjona

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

LA VENUS RUBIA Blonde Venus 1932; EE UU; Blanco y negro; Director: Josef von Sternberg; Guión: Jules Furthman, Josef von Sternberg, S. K. Lauren; Música: W. Franke Harling, Paul Marquardt, Oscar Potoker, John Leipold; Fotografía: Bert Glennon; Intérpretes: Marlene Dietrich, Herbert Marshall, Cary Grant, Dickie Moore, Gene Morgan, Rita LaRoy, Robert Emmett O’Connor, Sidney Toler, Morgan Wallace, Clarence Muse, Harold Berquist, Al Bridge, Glen Cavender, Emile Chautard, Clifford Dempsey, Cecil Cunningham, Bess Floswers, Mary Gordon, Sterling Holloway, Robert Graves; Duración: 93 minutos.

En su biografía, Cary Grant asegura que nunca se sintió dirigido por Josef von Sternberg mientras rodaba esta película, pero le atribuye al director, que estaba más interesado en sacarle el máximo partido a la protagonista femenina, el mérito de haber sido el responsable de que el actor se cambiara de sitio la raya del pelo, dejándola en el lugar en el que estuvo durante el resto de su vida. La escena más recordada de la película es la que muestra a Marlene Dietrich en el escenario disfrazada de gorila, peludo vestuario del que se desembaraza para liberar su cuerpo y su rostro, rematado en una melena rubia al estilo afro. La secuencia sirvió como inspiración a un numerito parecido interpretado por Uma Thurman en la infumable Batman y Robin, allá por 1997. La película tuvo además serios problemas con el código de autocensura de Hollywood fundamentalmente por su representación de la sexualidad femenina y de la institución de la familia, poniendo en duda la castidad de la esposa del personaje interpretado por Herbert Marshall, a la que daba vida Dietrich, que ejerce como cantante de un club nocturno dispuesta a ofrecerse a un cliente adinerado, Grant, para que le pague el tratamiento que necesita su marido enfermo, envenado por radio y obligado a viajar por Europa para encontrar una cura. Un enredo sentimental de corte dramático y con algunos toques de misterio que cuenta con una brillante fotografía apropiada al género en el que se enmarca esta fábula, incluye niño en la ecuación lacrimógena, y saca el máximo partido al talento de Dietrich como cantante en su triple función como esposa abnegada, madre dedicada y cabaretera audaz. Grant ejerce como una especie de antecesor del personaje que interpretara años después Robert Redford en Una proposición indecente. M.J.P.

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

LADY LOU She Done Him Wrong 1933; EE UU; Blanco y negro; Director: Lowell Sherman; Guión: John Bright, Mae West; Música: John Leipold; Fotografía: Charles Lang; Intérpretes: Mae West, Cary Grant, Gilbert Roland, Owen Moore, Noah Beery, David Landau, Dewey Robinson, Rochelle Hudson, Rafaela Ottiano, Tammany Young, Grace LaRue, Fuzzy Knight, Robert Homans, Louise Beavers, Wade Boteler, Jack Carr; Duración: 66 minutos.

Basada en una obra de Harvey F. Thew, y contando con la contribución en los diálogos de su protagonista, Mae West, explosiva y provocadora diva de las frases de doble sentido estilo vodevil en el Hollywood de los años treinta, esta película costó unos 200.000 dólares, y multiplicó esa cifra hasta los dos millones en una recaudación espectacular que en su momento se consideró como uno de los mayores éxitos de la Paramount en ese año. Además tiene el interés de haber sido la última película que se rodó, en tan solo tres semanas, dicho sea de paso, antes de que la propia industria del cine norteamericano estableciera el Código de Producción como mecanismo de autocensura. Ello no impidió que este largometraje, basado en el mayor éxito de Mae West sobre las tablas, Diamond Lil, tuviera serios tropiezos con la censura de la época antes de poder ver la luz con una duración ciertamente corta que apenas supera una hora de metraje. Cuando finalmente los productores, Mae West y los censores se pusieron de acuerdo sobre lo que podía y no podía tomarse del picante texto de la obra teatral para incorporarlo a la película, esta no solo consiguió destacar en la taquilla, sino también en los premios, siendo nominada al Oscar. No es extraño que ante tan buenos resultados sobre las tablas y en la versión cinematográfica, Mae West convirtiera Diamond Lil en el buque insignia de su estrellato, interpretando después de la película otros tres montajes de la obra entre 1949 y 1951. A pesar de tan buena acogida, la película nunca llegó a verse en el puritano Atlanta y también se prohibió su exhibición en Finlandia, Australia y Austria. Vista hoy, es totalmente inofensiva en sus juegos de doble sentido, con un Cary Grant en clave de galán de la función que sirve como adorno masculino para esa fuerza de la naturaleza que era Mae West tanto en los escenarios como ante las cámaras. M.J.P.

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

ENTRE LA ESPADA Y LA PARED Devil and the Deep 1932; EE UU; Blanco y negro; Director: Marion Gering; Guión: Harry Hervey, Benn W. Levy; Fotografía: Charles Lang; Intérpretes: Tallulah Bankhead, Gary Cooper, Charles Laughton, Cary Grant, Paul Porcasi, Juliette Compton, Henry Kolker, Dorothy Christy, Arthur Hoyt, Gordon Westcott, James Dugan, Peter Brocco, Jack Gardner, Henry Guttman; Duración: 78 minutos.

Historia de enredo sentimental en la que Charles Laughton presta su talento al papel de un marido celoso, oficial de la armada de Estados Unidos al mando de un submarino, que no puede soportar que otros hombres anden cerca de su esposa, interpretada por Tallulah Bankhead, estrella del cine mudo célebre por sus excentricidades, como desnudarse en público u organizar fiestas que podían durar varios días. Una diva de lo disparatado que en esta ocasión interpreta a un personaje interesado sentimentalmente por un teniente de la Marina encarnado por Gary Cooper, galán del momento, secundado por un joven Cary Grant que ocupa un personaje menor en la trama, galán secundario que le da calabazas a la protagonista, al contrario que Cooper. El argumento es particularmente rebuscado porque intenta abarcar más de lo que puede masticar, centrándose en el melodrama sentimental, pero incorporando el motín del teniente interpretado por Cooper contra su superior, Laughton, en el interior de un submarino donde viaja también la esposa adúltera. La peripecia de amotinamiento no encaja bien con el epicentro romántico de la historia, pero sirve a la idea de buscar un ambiente exótico para adornar una historia cargada de tópicos y alardes sentimentaloides de postal. Ante la forzada interpretación de Cooper, que tiene cara de no creerse nada de lo que cuenta el argumento y la inexpresividad de muñeca hollywoodiense que exhibe Bankhead, convertida casi en estatua, la función acaba recayendo sobre las talentosas cualidades de Laughton para ejercer como villano enajenado, algo que ciertamente bordaba como demostró ese mismo año interpretando a Nerón en El signo de la cruz y al doctor Moreau de La isla de las almas perdidas, antes de ser el inspector Javert de Los miserables y el capitán Blight, al que también se le amotinaba la tripulación en La tragedia de la Bounty, ambas de 1935. La película se basó en una novela de Maurice Larrouy titulada Sirenas y tritones. Un título espantoso, por cierto. M.J.P.

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

MADAME BUTTERFLY 1932; EE UU; Blanco y negro; Director: Marion Gering; Guión: Harry Hervey, Josephine Lovett, Joseph Moncure March.; Música: W. Franke Harling; Fotografía: David Abil; Intérpretes: Sylvia Sidney, Cary Grant, Charles Ruggles, Irving Pichel, Edmund Breese, Louise Carter, Sándor Kállay, Judith Vosselli, Sheila Terry, Dorothy Libaire, Philip Horomato, Wallis Clark, Verna Hillie; Duración: 86 minutos.

Basada en la obra de David Belasco que a su vez partió de un relato corto del abogado John Luther Long publicado en el Century Magazine, narra la historia de Cho-cho San (Sidney), que después de la muerte de su padre se convierte en geisha en un salón de té para mantener a su familia y de paso encontrar un marido.

Allí la encuentra el oficial de la Marina Pinkerton (Grant), que se enamora de ella a primera vista y empieza a cortejarla con falsas promesas, pues posteriormente va a abandonarla por una chica norteamericana. Engañada, la geisha espera durante tres años mirando siempre a los barcos que arriban a puerto, mientras ve crecer a su hijo, fruto de sus relaciones con Pinkerton, que regresa un día acompañado de su esposa y al que su amante oriental no revela la existencia del hijo. Avergonzada, considerándose una paria, Cho-cho San decide llevar a su hijo a casa de sus padres y se suicida para lavar su honor. El argumento melodramático y desgarrador sirvió fielmente a la ópera de Puccini, pero en esta ocasión la versión cinematográfica del asunto, sin música, se queda en una de esas exhibiciones de maquillaje forzado para convertir a actores anglosajones en asiáticos a base de fabricarles ojos rasgados bastante poco creíbles. Además la peripecia está tan cubierta de tópicos y romanticismo de postal trasnochado que poco puede impresionar al público actual. Grant se las apaña para salir adelante como galán en un papel que le habían ofrecido inicialmente a Gary Cooper, quien lo esquivó con bastante buen criterio. Grant volvió a interpretar el papel de Pinkerton en la versión radiofónica que se emitió en el programa Lux Radio Theater en marzo de 1937, de sesenta minutos de duración. El escritor que dio pie con su relato a todo el proceso de versiones de esa historia, asegura que se basó en hechos reales y que su hermana había conocido al hijo de Pinkerton en un viaje a Nagasaki. M.J.P.

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

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NACIDA PARA SER MALA

NO SOY NINGUN ANGEL

Born to Be Bad 1934; EE UU; Blanco y negro; Director: Lowell Sherman, Sidney Lanfield; Guión: Ralph Graves, Harrison Jacobs; Música: Alfred Newman; Fotografía: Barney McGill; Intérpretes: Cary Grant, Loretta Young, Jackie Kelk, Marion Burns, Henry Travers, Paul Harvey, Russell Hopton, Harry Green, Franklyn Ardell, Wade Boteler, Mark Briggs, Etienne Girardot, Mary Forbes, Charles Coleman; Duración: 62 minutos.

I’m No Angel 1933; EE UU; Blanco y negro; Director: Wesley Ruggles; Guión: Mae West, Lowell Brentano; Música: Herman Hand, Howard Jackson, Rudolph G. Kopp, John Leipold, Heinz Roemheld; Fotografía: Leo Tover; Intérpretes: Mae West, Cary Grant, Gregory Ratoff, Edward Arnold, Ralf Harolde, Kent Taylor, Russell Hopton, Gertrude Michael, Dorothy Peterson, Gertrude Howard, Libby Taylor, Eddie Borden, George Bruggerman, Morrie Cohan, Monte Collins; Duración: 87 minutos.

Cuando terminó el rodaje de No soy ningún ángel, Paramount hizo uso de sus derechos de contrato con Cary Grant y lo cedió a la 20th Century Pictures, que más tarde y por un proceso de fusión con Fox Films iba a ser uno de los estudios más potentes de Hollywood, para que protagonizara una comedia. La película era una operación de uno de los jefes del estudio, Darryl F. Zanuck, para el lucimiento de la estrella que se había llevado de su anterior puesto como jefe de producción de Warner Bros., Loretta Young. El argumento gira, con singular torpeza, en torno a un enredo sentimental en el que se incluyen elementos de chantaje y fraude, en el que Grant interpreta al responsable de una empresa de transportes, un papel que a la prensa se le antojó menos interesante que los que había hecho junto a Mae West en el seno de la Paramount. Puede decirse por tanto que la película supuso un riesgo de retroceso en la carrera del actor, que de repente se vio inmerso en un producto inferior en respuesta de crítica y público a los que le habían dado su recién iniciada etapa de popularidad. El presupuesto fue de algo más de 252.000 dólares, pero su rendimiento en taquilla fue realmente pobre, teniendo en cuenta las esperanzas puestas en ese proyecto por los responsables de la recién fundada 20th Century. Además tuvieron serios problemas con la censura generados principalmente por el vestuario que lucía la protagonista, que los censores consideraban demasiado atrevido. Rechazada en dos ocasiones por la oficina que aplicaba el llamado Código Hays, tuvo que someterse a un proceso de cortes y repetición de filmación de escenas antes de conseguir la aprobación en un momento en que Hollywood vivía atenazado por el temor a perder totalmente su independencia creativa con la próxima entrada en vigor del aún más estricto Código de Producción.

M.J.P.

Después de ver a Cary Grant en Lady Lou, la productora Paramount tenía muy claro que necesitaba volver a emparejarlo con Mae West, pero antes de eso le sometió a un proceso de prueba en otras tres películas donde intentaban testarlo en otros géneros y personajes en La mujer acusada, El águila y el halcón y Casino del mar, rodadas todas ellas en 1933 en una de las maniobras de sobrexplotación tan habituales entre las figuras emergentes de la industria de Hollywood en esa década de los treinta. A continuación, Paramount puso en la cartelera esta segunda película de Grant con West, en la cual la flojera del argumento no consiguió anular la eficacia cómica de algunos diálogos con doble sentido, que eran el territorio favorito de West. Era bastante peor que Lady Lou, pero eso al público le importó poco teniendo en cuenta que se convirtió en otro rotundo éxito de taquilla de la pareja. Costó 225.000 dólares y recaudó 2.850.000. Presentada como “la historia de una muchacha que perdió su reputación y nunca la echó de menos”, No soy ningún ángel ponía a West en el papel de una bailarina de circo ambulante, ambiente que Grant conocía bien por experiencia propia, que finalmente consigue convertirse en estrella de Broadway. Cary es el abogado encargado de defenderla en una demanda por incumplimiento de contrato. El diálogo incluye la célebre frase: “Cuando soy buena, soy muy buena; pero cuando soy mala, soy mejor”. Otro destacado diálogo que hizo furor en la audiencia. Grant pregunta: “¿Le importa que me ponga en plan personal?”. West contesta: “No me importa que se ponga en plan íntimo”. Grant prosigue: “Si pudiera confiar en usted…”. Y ella replica: “Lo han hecho a centenares”. En su momento se la consideró la película más atrevida del Hollywood de los años treinta. M.J.P.

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

CARTEL-MANÍA CARY GRANT

ALAS EN LA NOCHE Wings in the Dark 1935; EE UU; Blanco y negro; Director: James Flood; Guión: Jack Kirkland, Frank Partos, Dale Van Every, Earl H. Robinson, Paul Girard Smith; Música: Heinz Roemheld; Fotografía: William C. Mellor; Intérpretes: Cary Grant, Myrna Loy, Roscoe Karns, Hobart Cavanaugh, Dean Jagger, Russell Hopton, Matt McHugh, Graham McNamee, Hanley Andrews, Stanley Andrews, Eddie Baker, James P. Burtis, A. S. Pop Byrum, Alfred Delcambre, Hyman Fink, Sam Flint, Allen Fox, Mabel Forrest, Peter Hancock, Bert Hanlon; Duración: 75 minutos.

Basada en Eyes of the Eagle, una historia original de Nell Shipman y Philip D. Hurn, fue la primera de las tres películas que protagonizaron juntos Myrna Loy y Cary Grant, que volverían a reencontrarse en El solterón y la menor (1947) y Los Blandings ya tienen casa (1948), ambas bastante más interesantes que este primer trabajo y producidas por el estudio RKO. El productor de la película, Arthur Hornblow Jr., acabó convirtiéndose en el primer marido de Myrna Loy, con la que contrajo matrimonio un año después del rodaje de este largometraje. La actriz había sido cedida por Metro Goldwyn Mayer, estudio con el que tenía contrato, en uno de los acuerdos de préstamo de estrellas que eran tan habituales en esa época entre las majors de Hollywood. A cambio, Paramount les cedió a Fredric March para que coprotagonizara una versión de Anna Karenina junto a Greta Garbo. El papel interpretado por la actriz se inspiraba claramente en al aviadora Amelia Earhart.

Fue la última película en la que participó el actor antes de tomarse un descanso de retorno a Inglaterra, aprovechando que el estudio tenía bastante material filmado y pendiente de estreno con él. Fue también su primer papel dramático destacado tras probar suerte con la comedia en las películas anteriores. Interpretaba a un piloto que se queda ciego mientras prueba un ingenio creado por él mismo para poder volar en la oscuridad. Loy interpreta a la enamorada y abnegada piloto femenina que acepta todo tipo de misiones peligrosas para reunir el dinero necesario que le permita al piloto ciego continuar con sus experimentos. El final es bastante disparatado y juega la baza de lo feliz tras el despliegue melodramático de esta peripecia aérea con alguna dosis de aventura. Un vuelo entre Moscú y Nueva York pone el colofón a esta odisea. M.J.P.

ATENCION, SEÑORAS Ladies Should Listen 1934; EE UU; Blanco y negro; Director: Frank Tuttle; Guión: Claude Binyon, Guy Bolton, Frank Butler, Alfred Savoir; Música: Tom Satterfield; Fotografía: Henry Sharp; Intérpretes: Cary Grant, Frances Drake, Ann Sheridan, Edward Everett Horton, Rosita Moreno, George Barbier, Nydia Westman, Charles Ray, Charles Arnt, Rafael Storm, Henrietta Burnside, Joseph North; Duración: 62 minutos.

Paramount reintegró a Grant a los papeles que podían servirle para progresar en su carrera como estrella asociándolo a una de sus mejores bazas en el elenco de actrices, Frances Drake, y de paso recicló unos decorados que ya había utilizado en un largometraje anterior, El templo de las hermosas. Grant vuelve a interpretar a un galán de aires donjuanescos, el francés Julian De Lussac, que regresa de Suramérica con una concesión para explotar una mina chilena de nitrato y rápidamente se ve metido en varios enredos sentimentales en los que se ve implicada la telefonista del edificio en el que desarrolla sus actividades. El largometraje no consiguió un buen rendimiento en taquilla, pero el actor salió bien parado en las críticas, donde por su trabajo en la comedia ligera le compararon con Clark Gable en Sucedió una noche, película por la que el protagonista de Lo que el viento se llevó iba a ganar un Oscar como Mejor Actor principal. De manera que al menos no salió tan mal parado de la experiencia como en otros de sus olvidables trabajos en los que participó en esos primeros tiempos como protagonista. La película se basaba en la obra de teatro del mismo título escrita por Guy Bolton, que a su vez se había basado en una obra de teatro francesa, La Demoiselle de Passy, de Alfred Savoir.

La adaptación de Bolton sobre el texto de Savoir se había representado durante dos veranos en el circuito de teatros de Nueva York Off Broadway, esto es: no se trataba precisamente de un éxito sobre las tablas. Y su rendimiento en el cine tampoco fue especialmente brillante, si bien es particularmente significativa de los primeros tiempos de zozobra que acompañaron a Cary Grant en el arranque de su carrera. M.J.P.

Cary Grant. I - Los comienzos Comenzamos en este número un nuevo coleccionable de cartelería dedicado a Cary Grant, una de las figuras más destacadas de la comedia asociada también a algunas de las más memorables películas de Alfred Hitchcock, quien junto a Howard Hawks fue uno de los directores que supo sacarle mejor partido a la imagen cinematográfica de este actor.

Dado que recientemente hemos publicado un amplio coleccionable dedicado a los carteles de Hitchcock (si os falta algún ejemplar podéis solicitarlo a nuestro departamento de números atrasados), hemos eliminado de este nuevo coleccionable aquellas películas que Grant interpretó para el maestro del suspense y ya reseñamos en el coleccionable de cartelería de Hitchcock.

Nacido en Bristol, Inglaterra, en 1904, Archibald Alexander Leach se convirtió en Cary Grant en un estudio que contaba ya con numerosos galanes morenos de sonrisa brillante como la suya y que no sabía qué hacer con casi ninguno de ellos. De hecho, al final de su primera etapa como actor, ascendiendo de los papeles secundarios a los protagonistas y tocando por primera vez el estrellato con la yema de los dedos, el actor tuvo que tomarse unas vacaciones de seis meses porque el estudio había acumulado mucho material con él encabezando el reparto y no había llegado a estrenarlo, hasta el punto de que algunas de las películas que rodó en 1934 no llegaron a la cartelera hasta un año más tarde. Regresó a Inglaterra y de paso aprovechó para superar el fracaso de su primer matrimonio con la actriz Virginia Cherrill, con la que empezaba a tener serios problemas conyugales.

A pesar de todo, Grant había realizado una pequeña proeza en su trayectoria profesional consiguiendo ascender de personajes secundarios a protagonistas, si tenemos en cuenta que en ese mismo momento Paramount tenía en su plantilla a estrellas masculinas como Gary Cooper,

Maurice Chevalier (que hacía furor en las operetas musicales de Hollywood), Fredric March, el cómico W. C. Fields… y los Hermanos Marx.

Lo que situó a Grant como un actor de éxito incipiente en Paramount fueron las dos películas que protagonizó junto a Mae West, cuyas cifras de recaudación alegraron las finanzas del estudio en los complicados tiempos de la Gran Depresión y llevaron a Paramount a asegurar su jugada con Grant subiéndole el sueldo a 750 dólares por semana, al tiempo que el actor empezaba a configurarse como la nueva estrella masculina del estudio, con un incremento sensible en el correo de fans que recibía y ganando mayor atención por parte de las revistas dedicadas a las figuras de Hollywood. Un detalle especialmente significativo es que Grant heredó el camerino de George Bancroft, que había sido estrella de la casa en el cine mudo.

Sin embargo, entre Grant y Paramount las cosas no estaban tan claras como podría pensarse partiendo de estos detalles. Lo cierto es que el estudio consideraba que el paulatino incremento de popularidad de Grant no se debía a sus propios méritos, sino a su asociación con West, que era una de las figuras más famosas del momento en Estados Unidos, no solo en el cine sino previamente ya en el teatro… El mérito era por tanto de ella, a ojos de los ejecutivos de Paramount. Y eso a Grant no le hacía ninguna gracia. Tal como afirmaba el actor: “Ella siempre tenía garantizado un buen acuerdo de publicidad con esas películas. Nunca llegué a comprenderla como mujer. Pienso que era muy brillante, como algunos de los personajes que interpretaba en la ficción, pero era una absoluta farsa como persona”.

Lo cierto es que en esos momentos Grant estaba bastante verde como actor ante las cámaras y según él mismo reconocía, tuvo la oportunidad de aprender bastantes trucos del oficio al lado de West, que posteriormente, con Grant convertido ya en estrella, no dudaba en atribuirse el mérito de haber sido su “descubridora” e incluso su “madrina” profesional.

No es menos cierto que el resto de los títulos que Grant interpretó en una serie de películas dedicadas a vender fantasías de clase acomodada a un público que buscaba relajarse mientras la sociedad estadounidense intentaba salir de la crisis económica desatada con el Crac de la bolsa de 1929, fueron inferiores en interés y rendimiento comercial que las dos comedias picantes que interpretó junto a Mae West.

Miguel Juan Payán

A C C I Ó N 65

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GRAVITY

Sandra Bullock y el director mexicano Alfonso Cuarón se acercaron hasta Comic-Con este verano para hablarnos de Gravity, un proyecto minimalista y muy personal que les ha supuesto todo un reto y los ha mantenido ocupados durante bastante tiempo…

Tras hacerse con el Oscar a la Mejor Actriz por su papel en Un sueño posible, Sandra Bullock dejó claro que lo suyo no eran solo las comedias románticas. Desde entonces la actriz ha intentado combinar papeles dramáticos como Tan fuerte, tan cerca con comedias al uso como Cuerpos especiales, dirigida por Paul Feig (La boda de mi mejor amiga). Y desde luego se ha mostrado muy selectiva realizando pocos filmes por año. Con Gravity , Bullock colabora con el director mexicano Alfonso Cuarón en un proyecto que la lleva a interpretar a la doctora Ryan Stone, una ingeniera médica que acabará gravitando en el espacio tras un accidente en su primera misión fuera de la Tierra. George Clooney es el otro gran nombre en este reducido pero selecto reparto.

“Escribí este proyecto con mi hijo Jonás –nos explicó este verano desde Comic-Con Cuarón–. Es el trayecto que tiene que recorrer un solo personaje, y a través de la acción podemos expresar emociones. Es algo con lo que estás todo el rato en tensión, completamente inmerso en este personaje. No es solo por la acción, por lo que pasa, sino por el viaje emocional que tiene que llevar a cabo el personaje”.

Para Bullock el nombre de Cuarón fue el motivo principal por el que formar parte de esta película. “No ha habido una sola película de Alfonso que no me haya inspirado y conmovido. Este proyecto era el gran desconocido. No había forma de explicarme cómo iba a funcionar y cómo iba a hacerse. Me dijeron que tendría que trabajar en la cometa de vómitos, que es un avión que produce sensación de falta de gravedad durante intervalos de 27 segundos y te pasas así todo el día. Y a mí me da miedo volar… Pensé que tal vez el universo me estaba diciendo que para confrontar ese miedo a volar tenía que hacer esto y trabajar con alguien con quien siempre he querido colaborar. En la primera reunión que tuve con él me di cuenta de lo muy similares que son nuestros valores en aquello que queremos decir y hacer

con nuestra vida. Me pareció muy emocionante poder saltar a este abismo desconocido con Alfonso Cuarón”, relató la actriz.

66

ACCIÓN

El tercero en discordia Pese a estar ausente de este encuentro con la prensa y los fans, Bullock y Cuarón no quisieron perder la ocasión de hablar del otro protagonista de la película, Clooney. El actor interpreta en Gravity a otro de los astronautas víctima del accidente espacial que deja a su personaje y al de Bullock varados y flotando en el espacio. Cuando ambos se separan, el sistema de comunicación que llevan conectado será lo único que los mantenga unidos.

“Hay un cliché según el cual George es ‘míster Buen Tío’ y es una de esas cosas extrañas que es verdad –dijo, riendo, el cineasta sobre su intérprete–. Estoy seguro de que debe haber algo oscuro, de que debe tener un sótano lleno de cadáveres o algo por el estilo, porque es demasiado bueno para ser verdad. Se preocupó en todo momento no solo por su papel, sino por cómo ayudarnos a Sandy [a Bullock] y a mí. Tuvimos problemas con algunas escenas en las que él no salía, pero se preocupó muchísimo para que pudiéramos encontrar una solución y para ayudarnos. De hecho, ya había dejado Londres (donde se filmó Gravity) y empezó a enviarme correos electrónicos con propuestas de reescrituras para el guion, donde decía: ‘Por si funciona, sino simplemente bórralo’. Lo que me envió y escribió fue fantástico”.

“George es un artista. Necesita trabajar con otros artistas que le sustenten. Así vive y sobrevive. No creo que pudiera hacer ninguna otra cosa.

Hace mucho tiempo que nos conocemos, mucho antes de que ninguno de los dos tuviera una carrera, y fue bonito poder trabajar con él. Sobre todo en un entorno como este en el que de hecho pocos días estuvimos trabajando el uno al lado del otro. Fue su voz. Para mí todo fueron voces en esta película.

Yo estaba en una caja y todo era oscuro. No veía a demasiados humanos.

Llevaba un auricular en el oído y esa era toda mi comunicación con Alfonso, del otro lado, o la voz de George. Conociendo a George como le conozco, y al tener una voz tan sosegada como la que tiene, en cuanto la escuchaba era como si el auricular tomara vida. Fue una forma extraña de trabajar, ya fuera si él me hablaba desde algún otro sitio en el set mientras estaba mirando el monitor o bien si sus líneas de diálogo habían sido pregrabadas.

Fue muy íntimo tener su voz de esa forma”, explicó a su vez Bullock sobre su compañero de profesión.

En el abismo oscuro Bullock reconoce que la singularidad del filme, sobre todo en cuanto a las condiciones del rodaje en particular para ella, le supuso bastantes retos.

Para simular su presencia en el espacio, la actriz filmó la mayoría de sus secuencias aislada del resto del equipo. Bullock reconoce que emocionalmente fue complicado ponerse en todo momento en la piel de su personaje.

“Todo estaba un poco fuera de mi ámbito de conocimiento y de las cosas que había hecho hasta el momento. El aislamiento fue una de ellas y me basé en música, sonidos y esencias. A través del auricular que llevaba puesto recibía todos los sonidos, juntamos un gran catálogo de ellos para poder hacerme sentir según qué cosas rápidamente. Y lo que hacemos por naturaleza en esta profesión es que, sea lo que sea que te está pasando por la cabeza ese día básicamente tienes que eliminarlo. Tienes que deshacerte de tus pensamientos y sentimientos y ponerte en el lugar de ese personaje. Es una profesión extraña”, nos contó la actriz.

“Lo bueno de Ryan es que ya estaba muerta cuando se fue al espacio.

Emocionalmente muerta –añadió Bullock sobre su personaje en Gravity–. Y

lo que le sucede acaba teniendo el efecto contrario del que tendría para los que estamos en este planeta intentando vivir y tenemos emociones y evitamos ese tipo de desastres. El accidente la fuerza a tener sentimientos.

Alguien que preferiría estar muerto no se va a forzar mucho para intentar salir de una situación así. Pero la mayoría de seres humanos somos criaturas bastante increíbles y tenemos nuestros propios mecanismos para lidiar con una situación, Ryan también. Pero necesitan hacerlo a su ritmo. Ella no tiene mucho tiempo que perder, tiene 90 minutos o acabará físicamente muerta y su trayecto en el filme es: ‘¿Me suelto o lucho?’”.

“Tuvimos que crear diferentes tipos de tecnologías gracias a la robótica, las luces, los sistemas de cableado computerizados –comentó Cuarón en cuanto a las particulares condiciones de rodaje de su actriz principal–. Lo que todas ellas tienen en común es que estaban preprogramadas. Tuvimos que hacer la película primero como si fuera una animación para conseguir el ritmo adecuado, luego lo hablamos con Sandra muy detenidamente porque, una vez aceptas esas animaciones, ese será el material que se use para programar las máquinas. Y una vez pasa eso no hay mucho margen de maniobra. Además no todos ellos, pero algunos de los sistemas tecnológicos eran muy exigentes a nivel físico. No fue algo que diseñáramos de esa forma a propósito, sino que sucedió así. Fue increíble, Sandra estaba haciendo ejercicio físico en todo momento si no estaba aislada en el cubo donde filmamos”.

Patricia Puentes / San Diego

EE UU, REINO UNIDO, 2013 DIRECTOR: ALFONSO CUARON GUION: ALFONSO CUARON Y JONAS CUARON FOTOGRAFIA: EMMANUEL LUBEZKI MUSICA: STEVEN PRICE INTÉRPRETES: SANDRA BULLOCK (DR. RYAN STONE), GEORGE CLOONEY (MATT KOWALSKY) DURACION: 90 MIN. DISTRIBUYE: WARNER BROS A C C I O N 67

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CUERPOS ESPECIALES Sandra Bullock regresa a la comedia para verse las caras con la nueva revelación de la comedia más atrevida. aul Fieg, lanzado a la fama gracias al rotundo éxito de taquilla de La boda de mi mejor amiga y con una buena trayectoria en televisión a sus espaldas, regresa con una comedia otra vez subida de tono en la que dos representantes de la ley en apariencia completamente opuestas se ven forzadas a cooperar, descubriendo que no son tan distintas. Una pareja que puede dar mucho juego en esta buddy movie femenina.

Aunque es un término utilizado en exclusiva para filmes de protagonistas masculinos, lo cierto es que desde su origen en los años setenta la buddy movie (película de amigos o colegas) ha experimentado cientos de versiones, permaneciendo la pareja de policías como la forma original, con títulos tan recientes como Incompatibles , 2 Guns o Los otros dos, y aceptando el resto de versiones de parejas como parte del género, incluyendo en este apartado a las mujeres, muy en la línea del cine actual que reivindica para ellas los géneros que parecían ser exclusivos del hombre, como es el cine de acción (Underworld), la comedia gamberra (La boda de mi mejor amiga) o el título que nos ocupa. La dinámica básica de estas películas es la de personalidades opuestas que chocan en un contexto que los obliga a trabajar unidos. Fundamental resulta por ello la elección de los protagonistas, que deben ser muy reconocibles e incompatibles para el gran público. Y ese es uno de los aciertos de este título, con dos intérpretes tan diferentes en la vida real como en el filme. Sandra Bullock, actriz revalorada gracias al Oscar por su papel dramático en Un sueño posible, da vida a la agente del FBI Sarah Asburn, profesional metódica con un expediente intachable y gran prestigio. Frente a ella encontramos a Shannon Mullins, una policía ruda y solitaria que no admite intromisiones, pero que sabe desenvolverse en la calle como un buen sabueso. Para interpretar a este personaje el director contó con Melissa McCarthy, quien tan buenos resultados le dio en su anterior trabajo y que se ha convertido en secundaria casi imprescindible de la comedia americana. Sin duda forman un buen equipo, ya que a punto de estrenarse en nuestro país la película, ya se anuncia su secuela en Estados Unidos.

Alfonso Alarcón

P

TÍTULO ORIGINAL: THE HEAT EE UU, 2013 DIRECTOR: PAUL FEIG GUION: KATIE DIPPOLD FOTOGRAFIA: ROBERT YEOMAN MUSICA: MIKE ANDREWS INTÉRPRETES: SANDRA BULLOCK (ASHBURN), MELISSA MCCARTHY (MULLINS), DEMIAN BICHIR (HALE), MARLON WAYANS (LEVY), MICHAEL RAPAPORT (JASON MULLINS), JANE CURTIN (MRS. MULLINS) DURACION: 117 MIN. DISTRIBUYE: 20TH CENTURY FOX SPAIN

Melissa McCarthy, estrella de la comedia gamberra Ese contexto de revolución femenina en el cine, con actrices dispuestas a ser descaradas, malhabladas y no necesariamente sexis, encaja como anillo al dedo Melissa McCarthy, el contrapunto cómico que comienza a ser imprescindible en cualquier cinta que se desmarque de la pura comedia familiar. Su personaje en La boda de mi mejor amiga la convirtió en musa del director, quien la considera su heroína, tal y como nos confiesa: “Habiendo leído unas quince páginas del guion de Cuerpos especiales, la idea de darle el papel se me vino de pronto a la mente. El guion, que ya era divertido, lo fue diez veces más cuando lo leí imaginando a Melissa en el papel de Mullins”.

Esta actriz de 42 años comenzó su andadura interpretativa en los escenarios a través de monólogos. Su grotesca interpretación en La boda de mi mejor amiga le valió varias nominaciones, entre ellas al Oscar, y un premio muy valorado para el público joven: el MTV Movie Award en 2012. Este papel la ha convertido en un ingrediente básico para cualquier comedia gamberra, y de hecho ya forma parte del club Apatow, habiendo participado en Si fuera fácil y R3sacón, las últimas comedias del director.

Además ha encontrado su hueco en la televisión, donde cada vez encontramos más participación de las estrellas cinematográficas. En la serie Mike y Molly interpreta a la protagonista y ese personaje ya le ha dado un Emmy en 2012 como actriz de comedia. A parte de la anunciada secuela de Cuerpos especiales, ha coescrito y producido el filme Tammy, junto a su marido el actor y director Ben Falcone.

Su despreocupación por estar en la lista de las actrices más sexis le ha permitido disfrutar de personajes más grotescos y cómicos por sus diálogos descarados y acciones atrevidas, algo con lo que reconoce pasarlo muy bien: “Me he pasado dos meses zurrando gente; es muy purificador”. La actriz consigue que sus personajes sean una de las cosas más comentadas cuando los espectadores abandonan la sala, ya que las escenas en las que ella está presente suelen ser las más disparatadas. Sin duda, seguiremos viéndola de la mano de los directores más atrevidos.

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¿Desea algo más, señoritoooo?

Aunque cierto título del cine español se quejaba de cómo andaba el servicio; la verdad es que los asalariados domésticos han cumplido con creces ante las cámaras.

Unas veces por la senda de la denuncia social, y otras por el camino de la abnegación; los compañeros gremiales de Mr. Belvedere no se pueden quejar en cuanto a peso escénico. Sin embargo, si hubiera que acotar el número de los más notables criados/as que han desfilado por la pasarela audiovisual, la plantilla bien podría completarse con este equipo.

Barrett.- Este asalariado, interpretado por Dirk Bogarde en El sirviente (Joseph Losey, 1963), era capaz de subirse a la chepa de cualquier lord. Si alguien lo duda, que desempolve el filme y observe cómo finaliza el incauto James Fox, tras contratar al vitriólico individuo.

Hobson.- El gran Sir John Gielgud inmortalizó la imagen del cuidador convertido en la figura paterna de su señor, en la cinta Arthur, el soltero de oro (Steve Gordon, 1981).

Para el recuerdo, queda la escena en la que el supuesto subordinado brea a capones a su millonario empleador.

Minny Jackson.- No se sabe si la Casa Blanca habría sido la misma en el caso de que esta sirvienta, interpretada por Octavia Spenser, se hubiera encargado de cocinar las tartas presidenciales. Tate Taylor materializó el citado personaje en la movie Criadas y señoras (2011), una obra que está en una línea parecida a la desplegada por El mayordomo.

James Stevens.- Después de ponerse las botas en El silencio de los corderos, Anthony Hopkins se sumió en un ejercicio de contención, en la película Lo que queda del día (James Ivory, 1993). Todo para dotar de físico a un hombre aprisionado en un oficio que no le agradaba lo más mínimo.

Mr. Hudson.- Es el último, pero no por falta de importancia. El eje central de la trama serial de Arriba, abajo es el butler por excelencia. El porte, aparentemente ausente, con el que vistió su caracterización el escocés Gordon Jackson sentó cátedra para los posteriores papeles de igual dedicación laboral.

Tras este garbeo, se puede asegurar que el servicio es un gran invento. Inclusive, para el séptimo arte.

EL MAYORDOMO El 1.600 de Pennsylvania Avenue tuvo un inquilino que sobrevivió profesionalmente a todos cuantos se consideraron sus jefes. Veintinueve años sirviendo a los presidentes de USA conformaron su currículo. Esta es su historia.

Quién le iba a decir a Eugene Allen (Cecil Gaines en la película), cuando recogía algodón en Georgia, que unos años más tarde gozaría de una nómina privilegiada en la Casa Blanca? La realidad deparó a este héroe de las bandejas un futuro tan increíble como el mencionado. Sorpresivo desenlace que igualmente salpicó a la forma en que el público tuvo conocimiento de este empleado doméstico. No en vano, la publicación del artículo A Butler Well Served By This Election (efectuada en The Washington Post por el periodista Will Haygood, en 2008) no vio la luz hasta la proclamación de Barack Obama como Comandante en Jefe de la nación de las barras y estrellas. Y, precisamente, los ecos de ese trabajo informativo fueron los que ensamblaron el filme grabado por Lee Daniels (Precious). “Dirigir esta película ha sido lo más importante que he hecho en toda mi carrera. Personas como Eugene/ Cecil son la razón por la que Obama es presidente”, explica con contundencia el afamado creador.

No obstante, las casualidades con respecto a El mayordomo no terminan ahí. Junto a la milagrosa ascensión laboral del protagonista y la propagación de la misma por la vía mediática, el hecho de que Daniels se hiciera cargo del proyecto también aconteció con ciertas dosis de fortuna.

Después de saborear el éxito tras Precious, el cineasta recibió la llamada de la productora Laura Ziskin. Ella fue la que, antes de fallecer, convenció al realizador para hacerse cargo del rodaje; y eso que otros financieros tenían en mente a un director mucho más conocido. “Esta película es para ella. Creía en mí más de lo que yo mismo creía”, confiesa el filmmaker.

Así arrancó este largometraje, inmenso a nivel artístico; y cuyo reparto encabezan Forest Whitaker (como Cecil Gaines) y la televisiva Oprah Winfrey (Gloria Gaines). Ambos secundados por toda una galería de celebridades maquedas , entre las que destacan Alan Rickman (Ronald Reagan), John Cusack (Richard Nixon), Robin Williams (Dwight Eisenhower), James Marsden (John Fitzgerald Kennedy), Jane Fonda (Nancy Reagan) y Liev Schreiber (Lyndon B. Johnson). Eso sin olvidar las colaboraciones de los cantantes Lenny Kravitz y Mariah Carey.

Jesús Martín

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TÍTULO ORIGINAL: LEE DANIELS' THE BUTLER EE UU, 2013 DIRECTOR: LEE DANIELS GUION: DANNY STRONG FOTOGRAFIA: ANDREW DUNN MUSICA: RODRIGO LEAO INTÉRPRETES: FOREST WHITAKER (CECIL GAINES), DAVID BANNER (EARL GAINES), MICHAEL RAINEY JR. (CECIL GAINES (8)), LAJESSIE SMITH (ABRAHAM), MARIAH CAREY (HATTIE PEARL) DURACION: 132 MIN. DISTRIBUYE: EONE FILMS

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PRISIONEROS Hugh Jackman vuelve a dar otro volantazo a su filmografía con esta intriga criminal en la que interpreta a un padre desesperado que busca a su hija desaparecida. risioneros es una película que ha pasado por varias fases como proyecto cinematográfico mientras adoptaba diferentes variaciones del argumento y el guión escrito por Aaron Guzikowski, autor del guión del remake americano de Reykjavik Rotterdam que se tituló Contrabando, propuesta de cine policíaco con el que este otro largometraje tiene muchos puntos en común. En una etapa fue un proyecto pensado para Leonardo Di Caprio como protagonista, posteriormente Mark Wahlberg y Christian Bale estuvieron en los papeles principales a las órdenes de Bryan Singer, y el propio Hugh Jackman formó parte de otro intento de llevar esta historia a la pantalla en el que estaba implicado Antoine Fuqua como director. Finalmente Jackman ha retomado el encargo, pero bajo las órdenes del realizador canadiense Denis Vileneuve, entomólogo reciclado en cineasta que destacó por su trabajo anterior en Incendies, producción nominada al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa que como Prisioneros es una historia de búsqueda en la que se mezcla el toque de cine de autor que puede aportar Vileneuve con el toque de cine comercial que le aportan al largometraje sus protagonistas. Hugh Jackman interpreta a Keller Dove, padre de Anna (Erin Gerasimovich), una niña desaparecida junto con su amiga Kyla (Joy Birch), que decide investigar el caso por sí mismo al margen de la policía. El protagonismo masculino a dos bandas lo completa Jake Gyllenhaal interpretando el papel del estricto detective Loki, encargado del caso. Junto a ellos María Bello interpreta a la esposa de Dove y madre de Anna y Terrence Howard y Viola Davis dan vida a los padres de Kyla, en un reparto en el que destaca también la presencia de Paul Dano (Pozos de ambición, Pequeña Miss Sunshine, Cowboys y Aliens, Looper), el sospechoso del secuestro de las niñas, y Melissa Leo (The Fighter, Red Estate, El vuelo, Objetivo la Casa Blanca, Oblivion).

Estrenada en el festival de Toronto, esta historia de un carpintero cuya vida cambia dramáticamente y acaba convirtiéndole en un vigilante.

Jackman encarna a este antihéroe de clase trabajadora que persigue al hombre que cree culpable del secuestro y desaparición de su hija dispuesto a tomarse la justicia por su mano.

Nicolás Carrasco

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TÍTULO ORIGINAL: PRISONERS EE UU, 2013 DIRECTOR: DENIS VILLENEUVE GUION: AARON GUZIKOWSKI FOTOGRAFIA: ROGER A. DEAKINS MUSICA: JOHANN JOHANNSSON INTÉRPRETES: HUGH JACKMAN (KELLER DOVER), JAKE GYLLENHAAL (DETECTIVE LOKI), VIOLA DAVIS (NANCY BIRCH), MARIA BELLO (GRACE DOVER), TERRENCE HOWARD (FRANKLIN BIRCH) DURACION: 153 MIN. DISTRIBUYE: WARNER BROS

Jackman-Gyllenhaal: Entre la ley y el ajuste de cuentas En los años setenta, Charles Bronson se convirtió en el vigilante urbanita y vengador por antonomasia protagonizando la saga de El justiciero de la ciudad , historia de un arquitecto, Paul Kersey, que se tomaba la justicia por su mano y decidía perseguir a los criminales que asaltaron y violaron a su familia. La fórmula del vengador urbanita hizo furor y posteriormente ha dado lugar a todo tipo de variantes, y su sombra alcanza en cierto modo hasta Prisioneros, en el que, empeñado en demostrar su versatilidad, Jackman acumula el tercer cambio de registro en su carrera reciente entrando en la piel de un personaje que habita en la tierra de nadie, a medio camino entre la venganza y la justicia, como el arquitecto Kersey de Bronson, el adinerado empresario Tom Mullen interpretado por Mel Gibson en Rescate, el agente del FBI encarnado por Dennis Quaid en Secuestrado o el ex agente de la CIA reciclado en justiciero que interpretó Liam Neeson en Venganza . Cine de género en definitiva, intriga sobre secuestros: subsección venganzas. Aunque el propio Hugh Jackman avisa de que Prisioneros tiene dentro mucho más que las claves y convenciones de una película de género, cuando apunta: “El guión podría haberse convertido en la típica película de este tipo de género, pero es una intriga más ambiciosa que no sólo pretende crear suspense en el espectador, sino que persigue hacerte pensar en esta historia, sus personajes y sus situaciones muchos días después de haber visto la película”. Además hay un tema esencial que le da su propia personalidad a la película, el enfrentamiento entre el padre y el detective que interpreta Jake Gyllenhaal, que se desarrolla en tres o cuatro secuencias esenciales para la trama donde queda establecida la naturaleza de protagonismo a dos bandas en esta intriga que somete a sus personajes principales al reto de elegir camino en una encrucijada moral.

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Mephisto como tutor Desde que Adán y Eva fueron expulsados del Paraíso, una máxima pivota por la cabeza de todo terrícola: hay que tener un cuidado inmenso a la hora de escoger las amistades. Un consejo que se vuelve absolutamente trascendental, cuando de lo que se trata es de confiar en la figura de un mecenas. Llegados a este punto, la cuestión sería: ¿cuánto está dispuesto a arriesgar el aprendiz, una vez acepta la guía de un maestro? Ésta es la eterna pregunta, a la que el séptimo arte ha intentado dar respuesta.

Dentro del grupo de películas en las que el tutelaje versa sobre la ética y el acceso a los grandes capitales, las dos partes de Wall Street (Oliver Stone, 1987 y 2010) suponen un manual bastante elocuente, sobre cómo reaccionar frente a las tentaciones de un teacher algo ilegal. En la primera entrega del díptico, un ambicioso bróker (Charlie Sheen) caía en las garras de un tiburón de las finanzas, llamado Gordon Gekko (Michael Douglas): un ejecutivo construido a base de engaños y operaciones fraudulentas. Escenario de lujos apabullantes y pecados embriagadores que regresó veintitrés años después en El dinero nunca duerme, con Gekko y otro pipiolo (Jake Moore/ Shia LaBeouf) dispuesto a dejarse seducir.

En una línea semejante, un joven Tom Cruise intentaba crear su propia parcela de bienestar, en La tapadera (Sydney Pollack, 1993). En ese caso, el ascenso rápido y exponencial en sus posibilidades monetarias de un graduado en Derecho –merced a un ambiguo mentor- marcó un argumento relativo a las acciones delictivas de una importante firma de abogados.

Y qué decir de Los idus de marzo (George Clooney, 2011), en la que un voluntarioso jefe de campaña quedaba en entredicho, tras descubrir el nefasto comportamiento del aspirante a gobernador al que seguía.

Ya lo expresaba el dicho: “Quien se acuesta con el diablo…” Aunque, en la época actual, no se trata solamente de irse a una piltra literal con Mephisto; ya que en el siglo XXI la informática ha tornado el colchón en sucesiones binarias de ceros y unos. Una metamorfosis que el cine también ha contemplado, en títulos como Conspiración en la red (Peter Howitt, 2001).

RUNNER, RUNNER Ben Affleck y Justin Timberlake suman sus esfuerzos interpretativos para reventar la banca mundial. Los resultados de su hazaña dependerán de hasta dónde estén dispuestos a llegar. ace poco más de dos décadas, Sean Connery se quejaba en La Trampa de que el dinero de las cajas fuertes ya no era físico, sino virtual. El veterano alter ego de James Bond no daba crédito a que con un simple clik (aunque el ejercicio en la citada movie fuera efectuado con el seductor dedo de Catherine Zeta-Jones) se pudieran limpiar las cuentas millonarias de cualquier magnate, y birlarle a golpe de ordenata incluso la pasta destinada a pagar los deportivos bailongos .

Transcurrido el tiempo; en la actualidad, nadie en su sano juicio dudaría del poder de la informática para saldar operaciones bursátiles (tanto las delictivas como las legales). Asunto del que sabe mucho el director Brad Furman (El inocente), sobre todo después del máster escenificado que se ha sacado tras su último largometraje.

Amparado en un término tomado del argot del póker texano (runner, runner es como se define una jugada afortunada), el realizador cuenta la historia de un avispado estudiante de Princeton (Justin Timberlake) cuando éste entra en contacto con un misterioso empresario (Ben Affleck), abonado a las posibilidades de enriquecimiento meteórico que se pueden obtener mediante un negocio on-line. “La tecnología nos ha dado un mundo donde todo se logra muy rápidamente. Una realidad que ha modificado el concepto del sueño americano, y que ha plantado su semilla en las generaciones más jóvenes”, afirma Furman.

Coches potentes, mansiones para quitar el hipo, mujeres de infarto, lujo hasta en el sello del papel higiénico… Esto es lo que se le presenta al protagonista de la película, desde que le tienta la figura de un vividor instalado en los exóticos parajes de Costa Rica (Puerto Rico maqueado por los responsables de la producción). Un hombre de paja al que el FBI quiere echar el guante, y que marcará el devenir existencial del confiado universitario. “Muchos chavales quieren crear su propia galaxia de actividades empresariales. Algo que abordan mucho más desde un posicionamiento cerebral que del de la moralidad”, explica Timberlake. Todo un cambio en el sistema de valores que está transformando la cancha en la que juegan los hombres, las mujeres y los niños del tercer milenio.

Jesús Martín

H

EE UU, 2013 DIRECTOR: BRAD FURMAN GUION: BRIAN KOPPELMAN Y DAVID LEVIEN FOTOGRAFIA: MAURO FIORE MUSICA: CHRISTOPHE BECK INTÉRPRETES: BEN AFFLECK (IVAN BLOCK), GEMMA ARTERTON (REBECCA SHAFRAN), JUSTIN TIMBERLAKE (RICHIE FURST), ANTHONY MACKIE, DAVID COSTABILE (PROFESSOR HORNSTEIN), DIANA LAURA (SANDRA LEON) TH DURACION: 91 MIN. DISTRIBUYE: 20 CENTURY FOX SPAIN

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ZIPI Y ZAPE Y EL CLUB DE LA CANICA El mundo del tebeo de nuestro país quizá no sea tan conocido como el americano, pero personajes como Mortadelo y Filemón, Pepe Gotera y Otilio, el capitán Trueno y un larguísimo etcétera han formado y forman parte de la historia de nuestro tebeo, en muchos casos trasladada al cine con distinta suerte. hora se suman a ellos Zipi y Zape, o mejor dicho, regresan a la gran pantalla Zipi y Zape con una película para toda la familia que sorprenderá a más de uno y que, en lugar de seguir la historia de los tebeos, decide quedarse con algunas cosas de estos y buscar su propio camino con una aventura más acorde con los tiempos que corren en la que los dos hermanos más gamberros de lo que recordamos se enfrentarán a muchos peligros en busca de un tesoro perdido.

Son muchas las cosas que sorprenden de Zipi y Zape y el Club de la Canica, y todas son para bien. Se nota el enorme esfuerzo de producción realizado, un presupuesto a la altura de las circunstancias, un guion que mezcla algunos de los momentos más gamberros de las viñetas (tirachinas incluido) con una aventura que viaja a caballo entre Los Goonies y Harry Potter (la influencia de las dos películas es muy evidente, pero para bien) y que resulta refrescante, divertida, entretenida y perfecta para toda la familia. Sin complicarse las cosas ni pretender ser lo que no es. Con mucho sentido del humor y un gran villano. Alejándose de las viñetas, como decíamos, porque es más fácil adaptar a Ibáñez, padre de Mortadelo y Filemón, que a Escobar, creador de Zipi y Zape. Y para salvar ese escollo, el camino de la aventura prueba ser una grandísima idea para todos los públicos. Una aventura que empieza con la llegada de los hermanos a un centro donde van a estudiar en verano por sus trastadas, y donde la diversión está prohibida por completo, debido a un director tirano y sus guardias secuaces. Claro que los hermanos no van a dejarse amilanar por las circunstancias y, unidos a un inusual grupo de amigos, formarán un club secreto para amargarle la vida al director, lo que les pondrá en el rastro de un antiguo tesoro oculto en las entrañas de la escuela.

Destaca el sensacional villano al que da vida Javier Gutiérrez, igual que son perfectos Zipi y Zape en las manos de Raúl Rivas y Daniel Cerezo, sin olvidar a Claudia Vega (Eva), Álex Angulo, Alberto López o Javier Cifrián.

A

Jesús Usero

ESPAÑA, 2013 DIRECTOR: OSKAR SANTOS GUION: MOISÉS GOMEZ RAMOS, JORGE LARA, FRANCISCO RONCAL Y OSKAR SANTOS FOTOGRAFIA: JOSU INCHAUSTEGUI MUSICA: FERNANDO VELAZQUEZ INTÉRPRETES: JAVIERGUTIÉRREZ (FALCONETTI), ÁLEXANGULO (SEBASTIAN ESPERANZA), CLAUDIA VEGA (MATILDA), CHRISTIAN MULAS, JAVIER CIFRIAN (GRIGRILLO), JOSEBA APAOLAZA (PADRE FALCONETTI) DISTRIBUYE: DISNEY

Zipi y Zape y el cómic español No son los primeros y esperemos que no sean los últimos. Tampoco es la primera vez que los vemos en la pantalla de un cine o una televisión. Los personajes ya tuvieron una serie de animación a principios del nuevo siglo y una película en 1982, que seguía las claves del cine infantil de la época (las películas de Parchís, sin ir más lejos), poniendo canciones a la historia y tratando de parecerse demasiado al tebeo original en el aspecto de todos y cada uno de los personajes, lo cual puede funcionar en un dibujo, pero no en una película. La verdad es que el experimento no salió demasiado bien y han pasado más de 30 años para que el cine reciba de nuevo a los personajes (por ejemplo, hay que observar con qué inteligencia se introducen los uniformes clásicos de los chavales, que hoy en día no los vestirían ni por asomo, aunque toda la película esté ambientada en un pasado de transistores y autobuses descacharrados). El cómic español ha visitado el cine tímidamente con títulos como las dos entregas de Mortadelo y Filemón (indiscutibles éxitos de taquilla, sobre todo la primera) o El capitán Trueno. Pero como ya se ha comentado, es más fácil adaptar alguna de las aventuras de los personajes de Ibáñez que a Zipi y Zape, o incluso crear una nueva, además de que Mortadelo y Filemón son personajes que siguen vivos y coleando en las viñetas hoy día con nuevas aventuras. Los dos hermanos gamberros surgen de la imaginación del autor barcelonés Josep Escobar, nacido en 1908 y fallecido en 1994, y empezaron a publicarse en 1948, en la revista Pulgarcito, ligados la mayor parte del tiempo a la mítica editorial Bruguera. El autor, creador normalmente de historias breves, comenzó poco a poco, con el aumento en la popularidad de los personajes, a extenderlas, una labor en la que continuó hasta su muerte. En el año 2000, los autores Juan Carlos Ramis y Joaquín Cera retomaron la labor de Escobar en una nueva serie de historietas que tuvieron escaso éxito. Esperemos que el cine les devuelva el lugar que se merecen.

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Un sueño imposible Un enclenque en la liga de fútbol americano, un sparring enfrentado al gran campeón, un adolescente queriendo ser un superhéroe, una surfista sin un brazo, unos jamaicanos en las olimpiadas de invierno, un robot chatarra peleando con las mejores máquinas o un profesor en la competición de lucha más dura son los argumentos de Rudy, Rocky, Kick-Ass, Soul Surfer, Elegidos para el triunfo , Acero puro , Warrior… , títulos con un elemento en común: el empeño por conseguir lo imposible.

Ryan Reynolds, el actor que pone voz y alma a Turbo en su versión original, profundiza sobre este aspecto importante del personaje: “Lo que más me gusta de Turbo es su tenacidad y su negativa a renunciar a su sueño. A decir verdad, ni siquiera se le ocurre rendirse. El talento es un encontronazo entre la suerte y el trabajo duro, y Turbo es eso”. Su creador, David Soren, lo ve claro: “Es la historia de un seguro perdedor. El personaje tiene todas las características del que parte en desventaja. Nadie espera nada de los caracoles, cuyas vidas rebosan de obstáculos, como el de ser lentos con avaricia. Pero cuando escarbamos en su interior, un caracol es el personaje central perfecto para el relato de un presunto derrotado“.

La elección Paul Giamatti para dar voz y vida al personaje de Chet, el hermano mayor y realista de Turbo, fue en gran parte motivada por la devoción del director por aquellas películas centradas en personajes que parten en desventaja. Giamatti ha demostrado tener un don especial para frenar las aspiraciones de otros en pantalla.

De entre los títulos mencionados sobre perdedores el más destacado para David Soren es El relevo, un título de 1979 en el que el protagonista se inscribe en una competición ciclista: “La he diseccionado de principio a fin tratando de averiguar cómo captaron esa magia basada en los personajes”. En esa película, Paul Dooley interpreta al bienintencionado padre que desaprueba la obsesión de su hijo con las carreras ciclistas italianas. “Eso fue realmente la inspiración de la dinámica entre Turbo y Chet, y la primera vez que me encontré con Paul Giamatti, hablé con él sobre El relevo y cuando mencioné el personaje del padre, Paul comprendió inmediatamente de qué estaba hablando y le sacó el máximo partido”.

TURBO Enciendan motores y abróchense los cinturones, están a punto de ver… ¡Un caracol de carreras! urbo lleva una vida pausada y tranquila, propia de su especie, pero sueña con la velocidad, con llegar a poder competir en las 500 Millas de Indianápolis, y entrena duro para lograr superarse. Pero la realidad pone límites a sus sueños, hasta que un accidente da un vuelco a su vida: el óxido nitroso de un deportivo se infiltra en su ADN y se convierte en un verdadero bólido, capaz de alcanzar los 300 kilómetros hora. En su camino hacia la máxima competición, Turbo se topa con unos particulares “caracoles de carreras” que le acompañarán en su viaje hasta la cima.

El responsable de esta historia es David Soren, quien lleva más de una década al servicio de Dreamworks. La idea la dejó caer en un cónclave de la casa, que permite proponer nuevos proyectos.

Por aquel entonces, Soren lo definió como un “A todo gas con caracoles”, un concepto difícil de vender, pero que de algún modo atrajo la atención de los que toman las decisiones en Dreamworks. Y la idea funciona porque lo que encontramos de fondo es la historia de un don nadie, un perdedor, que tiene una oportunidad. Al igual que Rocky Balboa, cuyo combate con Apolo estaba perdido antes de celebrarse, Turbo no puede ganar las 500 millas de Indianápolis. Lo que nos atrae es que el personaje central no abandona su sueño, a pesar de que no tenga nada que hacer. Los creadores de la historia han aprovechado el tirón de las historias de superhéroes para realizar este híbrido de relato de superación deportiva y cómic, con el clásico esquema que presenta el antes y después de la adquisición de sus poderes.

Como cabía esperar, vista la calidad de la animación en la última década y la cuidada atención por los detalles, el equipo recurrió a profesionales de la competición para asesorarse en todo lo referido a las carreras. Se trata de crear un contexto veraz que permita que el espectador admita o al menos acepte lo imposible, tal y como comenta su director: “Yo estaba profundamente convencido de que reproducir una carrera auténtica era esencial para elevar el listón de Turbo.

Y, dado que nuestro concepto argumental es evidente –y literalmente– de película, quería que todo cuanto rodease a la idea resultara creíble y real”.

T

Alfonso Alarcón

EE UU, 2013 DIRECTOR: DAVID SOREN GUION: DARREN LEMKE, ROBERT D. SIEGEL Y DAVID SOREN MUSICA: HENRY JACKMAN TH DURACION: 96 MIN. DISTRIBUYE: 20 CENTURY FOX SPAIN

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Matín

2 Guns

12 años de esclavitud

Pie de página

Gloria

Nacionalidad; año; Director: Baltasar Kormákur; Guión: Blake Masters; Fotografía: Oliver Wood; Música: Clinton Shorter; Intérpretes: Denzel Washington, Mark Wahlberg, Paula Patton, Bill Paxton, Fred Ward; Distribuye: Sony

EE UU; 2013; Título original: 12 Years a Slave; Director: Steve McQueen; Guión: John Ridley basado en la novela de Solomon Northup; Fotografía: Sean Bobbitt; Música: Hans Zimmer; Intérpretes: Benedict Cumberbatch, Brad Pitt, Michael Fassbender; 133 mins; Distribuye: DeaPlaneta

Israel; 2011; Título original: Footnote; Director: Joseph Cedar; Guión: Joseph Cedar; Fotografía: Yaron Scharf; Música: Amit Poznansky; Intérpretes: Shlomo Bar Aba, Lior Ashkenazi, Alisa Rosen, Alma Zack; 103 mins; Distribuye: Good Films

Chile / España; 2013; Director: Sebastián Lelio; Guión: Sebastián Lelio y Gonzalo Maza; Fotografía: Benjamín Echazarreta; Intérpretes: Paulina García, Sergio Hernández, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora; 110 mins; Distribuye: Vertigo

Los dichos suelen asegurar que no es bueno trabajar al lado de parejas ni de parientes. Más que nada porque, en esos casos, las confrontaciones posibles saltan de la esfera profesional a la personal. Algo así les pasa a Eliezer y Uriel Sholnik (Shlomo BarAba y Lior Ashkenazi), en este filme que representó a Israel en los Oscar de 2012 (dentro de la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa).

El neoyorquino Joseph Cedar dirige esta crónica, que narra las peleas entre los mencionados protagonistas (padre e hijo, respectivamente) para hacerse con el prestigioso premio al mejor profesor de talmud de la Universidad de Jerusalén.

El amor no entiende de fechas en el calendario; se presenta cuando le da la gana, y no pide permiso a los heridos con las flechas de Cupido. Por eso, cuando la protagonista de esta película comienza a sentir una irrefrenable pasión hacia un oficial naval al que conoce en un club, la mujer no puede por menos que abandonarse a esa marea de sentimientos. El chileno Sebastián Lelio ( El año del tigre ) dirige este filme, en el que destaca la encendida interpretación de Paulina García (una actriz curtida en los culebrones de la tierra de Allende, que exhibe sus virtudes en la piel de la romántica Gloria).

Denzel Washington y Mark Whalberg (dos de los actores más rentables del Hollywood actual) coinciden por primera vez en una película, para mostrar su capacidad activa delante de las cámaras. Baltasar Kormákur (Contrabando) es el responsable de esta reunión más que enérgica, en la que las citadas estrellas interpretan a una pareja de agentes infiltrada en un cartel mexicano. Uno pertenece a la DEA, y el otro al departamento de la Marina. No se llevan bien, pero deberán trabajar juntos para eliminar a los peligrosos narcotraficantes. Una aventura cuyo argumento se basa en las novelas gráficas ideadas por Steve Grant (publicadas bajo el sello BOOM! STUDIOS).

Cuando Solomon Northup fue vendido (después de ser secuestrado en la zona abolicionista), era un hombre libre. Sin embargo, el color de su piel fue suficiente aval para que fuera tratado como un objeto a lo largo de algo más de una década. No obstante, el personaje tuvo la suerte de que sus amigos lucharan por modificar la injusticia cometida. Steve McQueen (Hunger) retoma la biografía publicada por el propio Northup, para montar un filme sobre la bestialidad de la compra-venta de hombres, mujeres y niños en los territorios decimonónicos de USA. Una producción que cuenta con Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Brad Pitt y Benedict Cumberbatch.

Mi primera boda

Capitán Phillips

El quinto poder

La hermandad

Argentina; 2011; Director: Ariel Winograd; Guión: Patricio Vega; Fotografía: Félix Monti; Música: Dario Eskenazi; Intérpretes: Natalia Oreiro, Daniel Hendler, Imanol Arias, Martín Piroyansky; 102 mins

EE UU; 2013; Director: Paul Greengrass; Guión: Billy Ray; Fotografía: Barry Ackroyd; Música: Henry Jackman; Intérpretes: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman; 134 mins; Distribuye: Sony

EE UU / Belgica; 2013; Título original: The Fifth Estate; Director: Bill Condon; Guión: Josh Singer; Música: Carter Burwell; Intérpretes: Benedict Cumberbatch, Daniel Brühl, Carice van Houten, Stanley Tucci; 124 mins; Distribuye: TriPictures

España; 2013; Director: Julio Martí Zahonero; Guión: Julio Martí Zahonero; Fotografía: Miguel Llorens; Música: Arnau Bataller; Intérpretes: Lydia Bosch, José Luis de Madariaga, Borja Elgea, José S. Isbert

Casarse no siempre es la mejor solución para una pareja. Cuando entra en juego la diferenciación cultural y de religión, la ceremonia puede ser el lugar perfecto para montar una batalla campal entre los invitados de los bandos enfrentados. Aunque, la diversión es susceptible de limar las posturas contrarias, ¿o no? El argentino Ariel Winograd (Vino para robar) construye el argumento de este largometraje con similares elementos narrativos; y el resultado es una obra donde el novio es judío y la futura esposa, católica. Los uruguayos Natalia Oreiro (El médico alemán) y Daniel Hendler (Vino para robar) encabezan un elenco en el que colabora el español Imanol Arias.

Un nuevo héroe de carne y hueso se suma al currículo del estadounidense Tom Hanks. La estrella de El código Da Vinci acumula esforzados tipos normales, caracterizados por su valor en determinadas circunstancias puntuales. El último es Richard Phillips: el jefe a bordo del MV Maersk Alabama, que fue secuestrado por piratas somalíes en 2009. La hazaña de este marino, basada en hechos reales, acaparó la atención de la Prensa en el país del Capitolio; motivo más que suficiente para que Paul Greengrass (responsable de las primeras entregas de la serie de Bourne) haya traducido a imágenes en movimiento la experiencia del excepcional capitán.

Después de las miles de informaciones que ha generado Wikileaks (la web que dio carácter público a documentos secretos de la política estadounidense), es difícil encontrar a alguien al que no le suene el nombre de Julian Assange. El líder de la polémica página aún se haya en estado de imputado, por una denuncia de presuntos abusos sexuales en Suecia, y está pendiente de una posible extradición a USA. Esa situación da alas de actualidad a esta película de Bill Condon (De dioses y monstruos), donde se narran los años de juventud de Assange y su colega Daniel Domscheit-Berg. Personajes interpretados por Benedict Cumberbatch y Daniel Brühl.

Lydia Bosch se enfrenta a una de las experiencias más terroríficas de su carrera, en esta película que firma Julio Martí. En ella, la que fuera azafata del concurso Un, dos, tres se mete en la piel de Sara: una exitosa novelista de tramas de miedo, que sufre un aparatoso accidente en las inmediaciones de un monasterio situado en Italia. Dentro de los muros de la construcción, subsiste una cofradía benedictina denominada La hermandad. Pero la recuperación de la narradora se hará más que peliaguda, cuando la mujer comienza a oír extraños lamentos silenciados por la oscuridad, y por la incomunicación más absoluta con el exterior.

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CINE EN CASA

CINE EN CASA Trance

Hijos de la anarquía. Quinta temp

Viaje alucinante

Siguen imponiendo su ley Fecha salida 18/9/13

Una de las grandes series de la televisión actual… y también tiene en su reparto a una de las estrellas de Matrimonio con hijos, Katey Sagal. En esta nueva temporada (y en las dos que ya se prevén) este grupo de motoristas, más allá de su indumentaria o modo de vida, sigue impartiendo justicia (a su modo) en la ciudad californiana de Charming.

FIRMA: FOX

El material que acompaña a esta temporada son numerosas escenas eliminadas no vistas en televisión, tomas falsas, comentarios en audio en varios de los episodios, la versión extendida del creador (Kurt Sutter) de algunos capítulos, una mirada al personaje de Opie Winston (interpretado por Ryan Hurst) o un pequeño concierto para unos cuantos fans de Hijos de la anarquía.

EXTRAS:

Fast and Furious 6

S e x t a entrega de la saga de A todo gas (la séptima película se estrenará el próximo año, y se habla de otros tres largometrajes), en la que nuestros protagonistas no pueden regresar a Estados Unidos (por los “problemillas” surgidos con la ley en el quinto filme), hasta que se les propone una arriesgada misión cuya recompensa es un indulto total.

En blu-ray se incluye la versión extendida de este largometraje, así como comentarios en audio, escenas eliminadas no vistas anteriormente, el cómo se hizo, reportajes sobre los numerosos vehículos que aparecen en la película, sean coches, aviones o tanques, o las escenas de acción y la participación tanto de los actores como de los especialistas.

EXTRAS:

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ACCIÓN

Fecha salida 2/10/13

¡Bienvenidos al mundo de las relaciones sociales y de la familia en sus más variopintas variedades! En esta sitcom (que cada año es premiada en los Emmy), que ha hecho popular a la actriz Sofía Vergara, pero en la que está uno de los protagonistas de la serie televisiva por excelencia, Matrimonio con hijos, Ed O’Neill, se hacen acompañar en

FIRMA: FOX

esta cuarta temporada de las apariciones de los actores Matthew Broderick o Shelley Long.

Los extras son escenas no vistas en televisión y otras extendidas, comentarios en audio de varios de los capítulos, tomas falsas y cuatro reportajes sobre la serie, incluido uno sobre la labor de los guionistas de Modern Family y otro sobre cómo ser padre en estos tiempos.

EXTRAS:

Homeland. Segunda temp

Regreso a la Prehistoria Animación que nos traslada a la época de nuestros antepasados, los hombres de las cavernas, encarnados en esta ocasión por los Croods, una familia que vivirá una fantástica aventura llena de peligros, pero también de oportunidades.

Comedia que sale en formato DVD en compañía de avances de otros títulos, escenas eliminadas presentadas por los directores Kirk

tras las cámaras y las palabras del realizador o de los actores protagonistas. Mientras que en blu-ray hay asimismo siete escenas inéditas y extendidas, el tráiler cinematográfico, el cortometraje Eugene o una retrospectiva sobre la obra de Boyle, en la que se repasan títulos suyos como La playa o Slumdog Millionaire.

Una obra menor de Danny Boyle.

EXTRAS:

La gran familia FIRMA: UNIVERSAL

Los Croods Fecha salida 2/10/13

Thriller dirigido por Danny Boyle que narra cómo un implicado en el robo de una obra de arte, no recuerda, tras recibir un golpe, dónde la ha escondido, por lo que el jefe de la banda contrata a un hipnoterapeuta para llegar al fondo de su mente y descubrir dónde se encuentra el botín.

Los extras en DVD consisten en el cómo se hizo con escenas

FIRMA: FOX

Modern Family. Cuarta temp

El riesgo los acompaña Fecha salida 16/10/13

Fecha salida 9/10/13

Lo que la verdad esconde FIRMA: FOX

De Micco y Chris Sanders, el diario cavernícola del (perezoso) Cintu y el reportaje “El mundo de la animación DreamWorks”, un pequeña muestra de la división de animación de DreamWorks, estudios creados por Spielberg, Katzenberg y Geffen.

En las ediciones en blu-ray + DVD y blu-ray 3D + blu-ray hay además extras exclusivos como las featurettes “Las croodáticas criaturas de los Croods” y “Sé un artista”.

EXTRAS:

Fecha salida 18/9/13

Sigue el éxito de esta serie de intriga y suspense (que a más de uno le puede recordar a El mensajero del miedo de John Frankenheimer), que deja una buena cantidad de elementos en el aire, lo que debería resolverse en la tercera temporada, puesto que parece que hay demasiada tensión entre Claire Danes y Damian Lewis (como en sus res-

FIRMA: FOX

pectivos papeles) y todo indica que no volverán a coincidir en una hipotética cuarta temporada.

Los extras en las ediciones videográficas son escenas eliminadas no emitidas por la pequeña pantalla, un avance de la tercera temporada, reportajes sobre cómo se hizo, con las escenas rodadas en localizaciones en Palestina, o un diario en formato súper-8 del actor Damian Lewis.

EXTRAS:

TE PRESENTA LOS VIDEOJUEGOS

Saints Row IV PC, PS3, Xbox 360 Mira que es casualidad que llevamos un tiempo sin tener un buen sandbox por el universo del mundo de los videojuegos, y de golpe y en menos de un mes se estrenan dos, el mastodóntico y esperado GTA V, y este Saints Row IV que no tiene tanto bombo ni tanta parafernalia, pero que también cuenta con una muy sólida base de fans, como demuestra el hecho de que es el cuarto de la franquicia. Y, qué quieren que les diga, me dirán una y mil veces que GTA es un juego mejor. Y lo acepto. Seguramente lo es.

Maduro, adulto, oscuro, real, siniestro a veces, enorme… Pero a mí el cachondeo sano de jugar a Saints Row no me lo quita nadie.

Soy fan declarado de la saga y cada nuevo juego me lo hace pasar aún mejor que el anterior con sus salidas de tono, sus salvajadas, sus misiones surrealistas cuando no pura y llanamente absurdas, su humor salvaje e irreverente y sus homenajes paródicos al mundo del cine, la tele y los videojuegos. Y aquí no iban a ser menos. Pasen, pasen y disfruten de uno de los juegos más bizarros y salvajes del año.

Ríanse a gusto, en confianza. Con una historia tan descerebrada (y lo digo en el mejor sentido de la palabra, como algo divertido,

único y brillante) en la que nuestro miembro de la banda Saints Row (al que crearemos desde cero o importaremos del anterior juego o de Internet) acaba convertido en presidente de Estados Unidos. Como lo oyen. Claro, que entonces llega una invasión alien y todo se va al garete, sobre todo cuando nos introducen en una especie de Matrix , un Steelport virtual en el que tendremos que enfrentarnos a todo y a todos (la gente de la calle nos pega y todo, como la liemos) para sobrevivir, salir de allí y salvar el planeta. Y la mejor manera de hacerlo es con superpoderes. Nos olvidamos de montar en coche incluso.

Podemos correr como Flash, congelar cosas, saltar edificios, quemar, controlar… Eso y las nuevas armas que son en muchos casos más divertidas incluso que los poderes (y algunas… ¡bueno!, está claro que esto no es un juego para niños ni mucho menos, ¿no?). Como decía antes hay homenajes al mundo audiovisual por doquier, desde Matrix , obviamente, a Mass Effect 3, o las series ñoñas de los años cincuenta, con una misión al inicio del juego divertidísima y muy bizarra.

Aunque el mejor sea el de Armageddon, simplemente insuperable. Creen a su personaje, a su completo gusto, vístanle para la ocasión, conviértanse en presidente por un día y habiten esta Steelport virtual, solos o en compañía de un amigo. Aunque gráficamente no ha evolucionado mucho, estaba concebido como expansión de Saints Row: The Third, el juego atrapa por su sencillez, la cantidad de cosas que hay por hacer en la ciudad, los personajes extraños, el humor brillante y salvaje, y la acción pura y dura gracias a los poderes.

Convertirse en superhéroe por un día pocas veces fue tan divertido.

Un aplauso para el juego.

Disney Infinity todas las plataformas En la línea de Skylanders de Activision, Disney nos trae una aventura con el espíritu de la casa de Mickey en la que grandes y pequeños seguro que se echan unas buenas horas delante de la consola o el ordenador para pasar un rato entrañable y lleno de imaginación. Como en el antes mencionado Skylanders tendremos que conectar una plataforma a la consola y sobre ella a uno de los personajes en forma de figura (para empezar tendremos figuras de Sully, Mr. Increíble y Jack Sparrow nada menos) y adentrarnos en el universo que nos propone el

Final Fantasy XIV, A Realm Reborn PC, PS3 Nuevo MMO de rol, con una de las franquicias del género que nos llegó de Japón más popular de la historia del mundo del videojuego, por no decir definitivamente la más. Final Fantasy XIV, A Realm Reborn , ofrece una experiencia que intenta borrar de la memoria de los aficionados aquel fallido y terrible Final Fantasy XIV on-line que ya ha cerrado sus servidores y todo. Ahora la experiencia se ha mejorado en todos los sentidos y la gente de Square Enix tiene un ganador entre sus manos que puede convertirse en una revelación a poco

w w w . b o o m e r a n g l i v e . c o m

juego. Un universo que a través de la Toy Box podremos crear nosotros mismos, con un magnífico editor, pero que también nos permitirá recorrer muchos mundos de Disney en su modo historia, al mismo tiempo que participar en cantidad de minijuegos. Cambiar de historia es tan fácil como cambiar el muñeco de la plataforma. Aunque, eso sí, para jugar en otros mundos y vivir nuevas aventuras tendremos que comprar otros play set con más figuras, lo que supone un desembolso extra a veces excesivo.

Sobre todo si quieres jugar en modo cooperativo dentro de un mismo universo. Es la única pega de un juego tan familiar, entretenido y sencillo como la propia Disney.

que lo cuiden. Este universo, tan ligado al manga y al anime, y tan bien construido, ha aterrizado esta vez a lo grande, con una propuesta espectacular (posiblemente uno de los MMO más brillantes a nivel técnico del momento), con muchas posibilidades y con las señas de identidad de la saga, para que los más fanáticos no se encuentren fuera de lugar. Pero muy fácil de aprender para los nuevos en la franquicia. Hay que ponerle una pequeña pega, y son las cuotas mensuales en un mundo en el que los juegos que nacen así terminan al poco tiempo como free to play . No están los tiempos para pagar por un juego y encima una cuota mensual… a no ser que seas World of Warcraft.

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REPORTAJE ESPECIAL: R.E. - POSTERS: P. REPORTAJE: R. ALBUM DE FOTOS: A. ENTREVISTA: E PERFIL: PE

nº 99 R.E. Angelina Jolie, Mark Wahlberg P. 60 segs, La tormenta perfecta nº 104 R.E. Tom Hanks E. A. Schwarzenegger P. Naúfrago/El protegido nº 133 Matrix Reloaded (Como se hizo) E. Keanu Reeves PE. Alyssa Milano, Paul Walker P. El Monje, Las aventuras de Piglet nº 146 R. Spiderman 2 R. La amenaza de los robots en el cine E. Tobey Maguire PE. Shannen Doherty P. Spiderman 2/Shrek 2 nº 151 R. Atracos de cine E. Angelina Jolie P. Star Wars, Los increíbles nº 165 HISTORIA DEL CINE 14 R. Lars Von Trier E. Joaquin Phoenix R. Superman Returns / Alatriste P. Underworld Evolution / Jarhead nº 172 HISTORIA DEL CINE 21 Suplemento. Johnny Depp R. Spiderman 3 / E. Unax Ugalde P. Alatriste, La joven del agua nº 175 HISTORIA DEL CINE 24 R. Sex Symbol de la tele R. Viajes al pasado en el tiempo E. Ed Speelers P. Eragon / Babel nº 177 HISTORIA DEL CINE 26 R. Las series que vienen R. Clint Eastwood E. Leonardo DiCaprio P. Diamante de Sangre / Ghost Rider nº 178 HISTORIA DEL CINE 27 R. 300 R. Frank Miller E. Zack Snyder / Gerard Butler P. 300 / El buen Alemán nº 179 HISTORIA DEL CINE 28 R. Del cine al cómic R. Las 10 mejores películas... sobrenaturales E. Kirsten Dunst P. Teaser Spider-Man 3 P. La jungla de cristal nº 180 HISTORIA DEL CINE 29 R. Stan Lee / La historia de Spider-Man E. Tobey Maguire / James Franco P. Spiderman 3 (2) nº 181 HISTORIA DEL CINE 30 R. Piratas del Caribe 3 R. Steven Soderberg P. Piratas del Caribe 3 / Shrek III

nº 182 HISTORIA DEL CINE 31 R. Los Simpson / Matt Groening R. J.C. Fresnadillo P. Harry Potter 5 / 28 semanas después nº 184 HISTORIA DEL CINE 33 R. El terror que viene R. La Jungla y la trilogía E. Fernando Tejero P. La Jungla 4.0 / Planet Terror nº 186 HISTORIA DEL CINE 35 E. Brad Pitt y Milla Jovovich P. Beowulf y Promesas del Este nº 187 HISTORIA DEL CINE 36 E. Jordi Mollà y Eduardo Noriega P. Soy Leyenda y La brújula dorada nº 188 HISTORIA DEL CINE 37 E. Roland Emmerich P. Aliens vs. Predator 2 / Ben Hur nº 189 HISTORIA DEL CINE 38 E. Tim Burton, H. B. Carter E. Johnny Depp P. Sweeney Todd, Monstruoso nº 190 HISTORIA DEL CINE 39 E. Katherine Heigl R. Películas prehistóricas P. 10000 y Casi 300 nº 804 HISTORIA DEL CINE 40 E. Dominique Purcell P. Teaser Indiana Jones 4 P. En busca del arca perdida nº 805 HISTORIA DEL CINE 41 R. Indiana Jones 4 R. Las claves de Indiana Jones R. Steven Spielberg P. Indiana Jones y el templo...

P. Indiana Jones y la última cruzada P. Iron Man, Speed Racer nº 806 HISTORIA DEL CINE 42 E. Ray Harryhausen P. El increíble Hulk / El incidente nº 807 HISTORIA DEL CINE 43 R. X-Files / Las crónicas de Narnia P. Las crónicas de Narnia P. El caballero oscuro nº 811 HISTORIA DEL CINE 47 E. Ridley Scott, Rusell Crowe, Leonardo DiCaprio, Zac Efron P. 007 Quantum of Solace P. Operación trueno nº 812 HISTORIA DEL CINE 48 E. Gerard Butler, JJ Abrams E. Yon González / Ana de Armas E. Daniel Retuerta / Blanca Suárez P. Australia / Crepúsculo nº 901 HISTORIA DEL CINE 49 E. Kate Hudson, Baz Luhrmann P. The Spirit P. Ultimatum a la tierra (1951)

nº 902 HISTORIA DEL CINE 50 E. Tom Cruise E. Aitor Luna / Michelle Jenner P. Gran Torino / Harry el sucio nº 904 HISTORIA DEL CINE 52 R. Las 100 mejores películas de la historia del cine según los lectores de ACCIÓN (parte II) P. Lo que el viento se llevó P. Dragonball Evolution nº 905 HISTORIA DEL CINE 53 E. Zachary Quinto / Chris Pine E. JJ Abrams / Dominic Monaghan P. Lobezno / Star Trek nº 906 HISTORIA DEL CINE 54 E. Megan Fox / Shia LaBeouf E. Audrey Tautou / Michael Bay E. Sam Worthington P. Terminator Salvation P. Transformers nº 907 HISTORIA DEL CINE 55 R. Pixar P. Teaser Luna Nueva P. Harry Potter y el misterio... nº 908 HISTORIA DEL CINE 56 E. Channing Tatum / Sienna Miller E. Matthew Fox R. El cine de Gansteres P. UP / Gi Joe nº 909 HISTORIA DEL CINE 57 E. Peter Jackson E. Gerard Butler / K. Heigl R. Claves del cine de Tarantino P. Malditos Bastardos / District 9 nº 910 HISTORIA DEL CINE 58 E. Alejandro Amenábar E. Protagonistas Luna Nueva R. Avance Avatar P. Edward (Crepúsculo) P. This is It nº 911 HISTORIA DEL CINE 59 E. Robert Downey Jr. E. Elena Furiase / Martín Rivas E. Protagonistas Luna Nueva R. Luna Nueva P. Luna Nueva (2) nº 912 HISTORIA DEL CINE 60 E. Sigourney Weaver E. Sam Worthington E. Zoe Saldana E. Ana de Armas / Yon González R. Avatar P. Teaser Avatar P. Donde Viven los monstruos nº 1001 HISTORIA DEL CINE 61 E. Peter Jackson, Saoirse Ronan E. Blanca Suárez / Jordi Mollà E. Miguel Ángel Trigo R. Sherlock Holmes en el cine P. Avatar / Sherlock Holmes

nº 1002 HISTORIA DEL CINE 62 E. Mario Casas E. William Miller / Maria Cotiello R. El hombre lobo en el cine P. Percy Jackson y el ladrón del rayo P. Alicia en el pais de las maravillas (Teaser) nº 1004 HISTORIA DEL CINE 64 E. Johnny Depp P. Alicia en el pais de las maravillas P. Iron Man 2 nº 1005 HISTORIA DEL CINE 65 E. Jennifer Lopez / Jake Gyllenhaal R. Robin Hood en el cine R. Prince of Persia / Robin Hood P. Robin Hood / Nausicaä nº 1006 HISTORIA DEL CINE 66 R. Eclipse P. Eclipse / Prince of Persia nº 1007 HISTORIA DEL CINE 67 R. Eclipse P. Toy Story 3 P. Pesadilla en Elm Street nº 1008 HISTORIA DEL CINE 68 R. Origen, Predators, Airbender E. Cillian Murphy E. M. Night Shyamalan P. Origen / Airbender nº 1009 HISTORIA DEL CINE 69 R. Resident Evil 4 E. Milla Jovovich - Ali Larter E. Nicolas Cage P. Resident Evil / Los Mercenarios nº 1010 HISTORIA DEL CINE 70 E. Jessica Alba - Michelle Rodriguez E. Chloe Moretz / Rodrigo Cortés P. Machete / Buried (Enterrado) nº 1011 COLECCIONABLE: H. Bogart E. Daniel Radcliffe / Emma Watson E. Bonnie Wright / Tom Felton E. Denzel Washington / Chris Pine E. Tony Scott E. Blake Lively P. Harry Potter y las reliquias de la muerte (Parte I) nº 1012 COLECCIONABLE: M. Monroe E. Paz Vega / Christina Aguilera E. Guillermo del Toro / Cher P. Tron / Las Crónicas de Narnia: La travesía del viajero del Alba nº 1101 COLECCIONABLE: John Wayne E. Johnny Depp / A. Jolie R. Avance 2011 Posters Teasers Thor Cowboys & Aliens nº 1102 COLECCIONABLE: Audrey Hepburn E. Mario Marzo / Ana Fernández E. Maxi Iglesias / Luis Fernández R. El western en el cine y Tv Posters Valor de Ley Desayuno con diamantes

nº 1103 COLECCIONABLE: Marlon Brando E. Zack Snyder E. Santiago Segura R. Las adaptaciones de Philip K. Dick Posters Sucker Punch Poster teaser Capitan America nº 1104 COLECCIONABLE: Kath.Hepburn E. Inma Cuesta / David Janer E. Liam Neeson / Diane Kruger R. Invasiones Extraterrestres Posters Águila Roja Poster teaser Piratas del Caribe 4 nº 1105 COLECCIONABLE: James Stewart E. Paul Bettany / Kat Dennings E. Kenneth Branagh / Chris Hemsworth E. Belén Rueda / Michelle Jenner R. Las piratas en el cine Posters Piratas del Caribe 4 / Thor nº 1106 COLECCIONABLE: E. Taylor E. Eric Bana / Saoirse Ronan Posters X-Men Primera Gen. Posters Harry Potter teaser. nº 1107 COLECCIONABLE: Gary Cooper E. Cameron Diaz / Blake Lively E. Eduardo Noriega / Ryan Reynolds R. La saga de Harry Potter Posters Transformers 3 Posters Harry Potter nº 1108 COLECCIONABLE: Bette Davis E. Jason Momoa / Chris Evans Cartelmanía. Espada y brujería Cartelmanía. El planeta de los simios Cartelmanía. Capitán América Posters Capitán América / Conan nº 1109 COLECCIONABLE: Paul Newman E. Logan Lerman / Orlando Bloom Cartelmanía. Tres mosqueteros Cartelmanía. Invasiones años 50´ Posters Cowboys vs. Aliens Posters Los tres mosqueteros nº 1110 COLECCIONABLE: Ava Gardner E. Kate Beckinsale E. Steven Spielberg-Peter Jackson Cartelmanía. Grandes caballeros Cartelmanía. Aventuras clásicas Posters Capitán Trueno Posters Super 8 nº 1111 COLECCIONABLE: James Dean Cartelmanía. Musicales años 80 Cartelmanía. Jóvenes vampiros Posters Amanecer Posters El caballero oscuro renace (teaser) nº 1112 COLECCIONABLE: Rita Hayworth R. El Hobbit E. Henry Cavill / Justin Timberlake E. Guillermo del Toro Cartelmanía. Misiones imposibles Cartelmanía. Gigantes de acero Posters In Time/Mision Imposible 4

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nº 1201 COLECCIONABLE: Charlton Heston E. Robert Downey Jr, Noomi Rapace E. Alex de la Iglesia, José Mota E. Daniel Craig Cartelmanía. Sherlock Holmes Cartelmanía. Clint Eastwood Posters Dark Knight Rises (Teaser) Posters Sherlock Holmes nº 1202 COLECCIONABLE: Vivien Leight E. Vanessa Hudgens, Dwayne Johnson E. Charlize Theron, Kate Beckinsale E. Chloe Moretz Cartelmanía. Julio Verne Cartelmanía. Martin Scorsese Posters Spiderman Reboot (Teaser) Posters Star Wars Ep. I 3D nº 1203 COLECCIONABLE: Cary Grant E. Nacho Vigalongo, Michelle Jenner E. Sam Worthington, Rodrigo Cortés E. Maxi Iglesias Cartelmanía. Edgar Rice Burroughs Cartelmanía. Clásicos Disney Posters Prometheus (Teaser) Posters La invención de Hugo nº 1204 COLECCIONABLE: Greta Garbo E. Channing Tatum, Rachel McAdams E. Liam Hemsworth, Josh Hutcherson E. Mario Casas, Inma Cuesta Cartelmanía. Mitología Griega Cartelmanía. Cine catástrofes Posters Prometheus (Teaser) Posters La invención de Hugo nº 1205 COLECCIONABLE: Clark Gable E. Jennifer Lawrence Cartelmanía. Cine de Alienígenas Cartelmanía. Tim Burton Posters Vengadores Posters Titanic 3D nº 1206 COLECCIONABLE: Lauren Bacall E. Andrew Garfield/Emma Stone Cartelmanía. Ridley Scott Cartelmanía. Fugas en el futuro Posters Sombras tenebrosas Posters Tengo ganas de ti nº 1207 COLECCIONABLE: Charles Chaplin E. Christian Bale/Robert DeNiro Cartelmanía. Batman en el cine Cartelmanía. John Wayne I Posters Batman: La leyenda renace Posters The Amazing Spiderman nº 1208 COLECCIONABLE: Marlene Dietrich Cartelmanía. Cine de mercenarios Cartelmanía. John Wayne II Posters Mercenarios 2, Prometheus, Brave, Juego de Tronos nº 1209 COLECCIONABLE: Hermanos Marx Cartelmanía. 007 en el cine Cartelmanía. John Wayne III Posters Abraham Lincoln Cazador de vampiros, Dredd, Mercenarios 2 (comic-con), The Big Bang Theory

nº 1210 COLECCIONABLE: Joan Crawford Entrevistas. Milla Jovovich, Michelle Rodriguez Cartelmanía. 007 en el cine II Cartelmanía. John Wayne IV Posters Resident Evil: Venganza, Looper, El Hobbit, The Walking Dead nº 1211 COLECCIONABLE: Gregory Peck Entrevistas. Ang Lee, Cinthia Rothrock Cartelmanía. 007 en el cine III Cartelmanía. John Wayne V Posters Amanecer 2, Frankenweenie, Skyfall, Érase una vez nº 1212 COLECCIONABLE: Ingrid Bergman Entrevistas. Andy Serkis, Richard Armitage Cartelmanía. Victor Hugo en el cine Cartelmanía. John Wayne VI Posters El Hobbit, Los Miserables, Rompe Ralph, Arrow nº 1301 COLECCIONABLE: Errol Flynn Entrevistas. Daniel Day Lewis, Sally Field, Rick Baker Cartelmanía. Tom Cruise en el cine Cartelmanía. John Wayne VII Posters Jack Reacher, Lincoln, Wolverine, Doctor Who nº 1302 COLECCIONABLE: Gloria Swanson Entrevistas. Quentin Tarantino, Jame Foxx, Christoph Waltz Cartelmanía. Saga jungla de Cristal Cartelmanía. Alfred Hitchcock I Posters La Jungla 5, Hansel y Gretel, Fringe, Django Desencadenado nº 1303 COLECCIONABLE: Spencer Tracy Entrevistas. Jason Statham Cartelmanía. Stallone tipo duro Cartelmanía. Alfred Hitchcock II Posters Oz, un mundo de fantasía, El hombre de acero (teaser), Spartacus Blood and Sand, Oscars (85 ed.) nº 1304 COLECCIONABLE: Gene Tierney Cartelmanía. Sam Raimi Cartelmanía. Alfred Hitchcock III Posters Iron Man 3 (Teaser), Star Trek en la oscuridad, Defiance, Juego de tronos (Jon Nieve) nº 1305 COLECCIONABLE: Kirk Douglas Entrevistas. Gerard Butler, Aaron Eckhart Cartelmanía. Invasiones EE UU Cartelmanía. Alfred Hitchcock IV Posters Iron Man 3, Lobezno Inmortal (teaser), El gran Gatsby, Juego de tronos (Tyrion) nº 1306 COLECCIONABLE: Hedy Lamarr Entrevistas. Henry Cavill, Michael Shannon Cartelmanía. Superman en el cine Cartelmanía. Alfred Hitchcock V Posters El hombre de acero, Monstruos: University, Lobezno Inmortal (japonés), Smallville

nº 1307 COLECCIONABLE: Burt Lancaster Entrevistas. JJ Abrams, Hugh Jackman, Benedict Cumberbatch Cartelmanía. Star Trek en el cine Cartelmanía. Alfred Hitchcock VI Posters Star Trek en la oscuridad, Lobezno Inmortal, Jurassic Park 3D (IMAX), Sherlock nº 1308 COLECCIONABLE: Natalie Wood Entrevistas. Lily Collins, Michael Bay, Ron Perlman, Mark Wahlberg, Jamie Campbell Bower Cartelmanía. Zombies en el cine Cartelmanía. Ray Harryhausen I Posters Pacific Rim, El Hobbit: La desolación de Smaug (teaser), El llanero solitario, Cazadores de sombras: Ciudad de hueso nº 1309 COLECCIONABLE: Anthony Quinn Entrevistas. Logan Lerman, Alexandra Daddario, Daniel Brühl, Chris Hemsworth, Emma Stone, Andre Garfield Cartelmanía. Macarras del futuro Cartelmanía. Ray Harryhausen II Posters Jobs, Clásicos paramount, Riddick, Juegos del hambre: En llamas (teaser)

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LAS 100 GRANDES DIOSAS DEL CINE Actualización del libro que se editó hace 13 años. Incluye fotos a toda página, filmografías, biografía y anecdotarios sobre las más influyentes mujeres en el cine.

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ESPÍAS

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE PIRATAS

Repaso del cine de espías. con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Color

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

B/N COLOR 384 pags.15x21 cm.

B/N COLOR 222 pags.15x21 cm.

COLOR 222 pags.15x21 cm.

P.V.P. 15,63 €

P.V.P. 15,63 €

P.V.P. 24,80 €

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS BRITANICAS DE LA HISTORIA DEL CINE

Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

COLOR 240 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ITALIANAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE EL NAZISMO

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE EL RAZISMO

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE LESBIANISMO

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

B/N COLOR 256 pags.15x21 cm.

COLOR 222 pags.15x21 cm.

COLOR Págs: 270 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 19,80 €

P.V.P. 19,50 €

P.V.P. 19 €

COLOR 320 pags.15x21 cm.

P.V.P. 22 €

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE VIAJES EN EL TIEMPO

LAS 200 DIOSAS MENORES DEL CINE

LAS DIOSAS DEL CINE PARA ADULTOS

Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Recorrido de 200 actrices que aunque no habían alcanzado la categoría de mito si habían logrado el estrellato en la meca del cine. Podremos encontrar biografía, anecdotario y filmografia entre otras de: Anne Bancroft, Angela Lansbury, Lucille Ball, Joan Collins, Dolores Del Río, Sandra Dee, Pier Angeli, etc

Incluye fotos a color a toda página, filmografías, biografía y anecdotarios sobre las más influyentes mujeres en el cine pornográfico. Además de los orígenes e historia del cine pornográfico.

Color Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

B/N Págs: 424 Formato: 15x21 cm. P.V.P. 22 €

LAS MEJORES BANDAS SONORAS DE LA HISTORIA DEL CINE Recorrido por la historia de la música en el cine. Incluye premios y diversas encuestas y las cien bandas sonoras originales de todos los tiempos.

B/N COLOR 240 pags.15x21 cm.

P.V.P. 22 €

B/N Color Págs: 192 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 15 €

P.V.P. 16,50 € LAS MEJORES INTERPRETACIONES DE LA HISTORIA DEL CINE

LAS MEJORES MINISERIES DE LA HISTORIA DE LA TELEVISIÓN

LAS MEJORES SERIES DE LA HISTORIA DE LA TELEVISIÓN

LOS 100 MEJORES FILMS ERÓTICOS DE LA HISTORIA DEL CINE

Robert de Niro en Toro Salvaje, Marlon Brando en El padrino, Audrey Hepburn en Desayuno con diamantes, Robert Redford en Memorias de África, Katherine Hepburn en La fiera de mi niña, Daniel Day Lewis en Mi pie izquierdo...

Yo Claudio, Norte y Sur, Raíces, Shogun... En este libro podrán encontrarse éstas y otras muchas miniseries que han triunfado en la pequeña pantalla.

Analisis de las mejores series de todos los tiempos, con encuestas, premio... Aborda entre otras: Alias, Mash, El equipo A, El Show de Cosby, El fugitivo, Falcon Crest...

Incluye carteles a todo color de las más representativas.

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

B/N Págs: 288 Formato: 15x21 cm.

Color Págs: 208 Formato: 15x21 cm.

B/N Color Págs: 480 Formato: 15x21 cm.

Color Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 18 €

P.V.P. 15,63 €

P.V.P. 16 €

P.V.P. 29 €

LOS 100 MEJORES MELODRAMAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LOS 100 MEJORES MUSICALES DE LA HISTORIA DEL CINE

LOS 100 GRANDES PERSONAJES HISTORICOS EN EL CINE

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Con estadísticas de recaudaciones, datos de los Oscar y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

Cleopatra, Juana De Arco, Espartaco, El Cid...hasta llegar a 100 personajes cuyas vidas han sido adaptadas a la pantalla grande.

Kirk Douglas, John Wayne, Tom Mix, Jennifer Jones, Burt Lancaster, Dean Martin... todos ellos triunfaron en el wester. En este libro se hace un repaso incluyendo una breve biografía y la filmografía esencial de cada uno de ellos.

Color Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

Págs: 222 Formato: 15x21 cm.

B/N Págs: 384 Formato: 15x21 cm.

B/N Págs: 544 Formato: 15x21 cm.

P.V.P. 15,63 €

LOS VERDADEROS GANGSTER EN EL CINE

Buffalo Bill, Wyatt Earp, Wild Bill Hickock, Emiliano Zapata... son sólo algunos de los mitos del oeste que recogemos en el presente libro, dedicado a reflejar tanto su vida real y su paso por la historia como su filmografía en el cine y la televisión, donde ejercen como iconos imprescindibles del western.

B/N 180 pags.15x21 cm.

Este libro es un recorrido históricocinematográfico por las actividades de los principales jefes del crimen organizado, así como una semblanza de atracadores como John Dillinger, Bonnie y Clyde o la banda de "Ma" Barker. Del análisis de las filmografías completas de estos personajes se deducen analogías y discrepancias entro lo contado por el cine y la realidad.

P.V.P. 15 €

B/N 190 pags.15x21 cm.

TERRORISMO Y ETA EN EL CINE

TODA LA GUERRA DE VIETNAM

El objetivo de este libro es mostrar como, basándose en casos reales, el cine ha tratado el tema del terrorismo en general, y, centrándose en el caso español, ETA en particular.

Un repaso a las películas que se han basado en la guerra que más ha influido en el cine.

B/N 160 pags.15x21 cm.

P.V.P. 14 €

NADIUSKA

REINAS DEL CINE

El juguete roto del cine erótico español

Recorrido por las grandes actrices a través de cautivantes fotografías acompañadas de una breve biografía y filmografía.

Su llegada a España e inicios artísticos (Los primeros pasos en el cine, su polémica boda, Un pasado misterioso, duras experiencias...), Los años de explendor, decadencia y caída al abismo y sus actuaciones ante las cámaras.

D EDA NOV

Incluye fotos a color y B/N

100 REYES DE 100 AÑOS DE CINE (15 €) ANECDOTAS SOBRE LA MUERTE EN LA MECA DEL CINE (14 €) DE LA TV A HOLLYWOOD (14,56 €) DICCIONARIO SERIES ESPAÑOLAS (23 €) EL CINE EROTICO ESPAÑOL. 100 MEJORES (27 €) EL CINE SOBRE PIELES ROJAS (15,70 €) EMMANUELLE (18€) HECHOS Y ANÉCDOTAS DEL CINE ERÓTICO (17,65 €) LA CENSURA FRANQUISTA EN EL CINE DE PAPEL (20 €) LA HISTORIA DE ESPAÑA A TRAVÉS DEL CINE (20 €) LA MÚSICA EN EL CINE ESPAÑOL (15 €) LA OPRESIÓN Y REPRESIÓN DE LA MUJER (24 €) LAS 100 GRANDES DIOSAS DEL CINE (ACTUALIZACIÓN) (16 €) LAS 100 MEJORES COMEDIAS (15,63 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ARTES MARCIALES (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE BOXEO (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE ESPÍAS (24,80 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE PIRATAS (15,63 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA DEL CINE (15,63 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS BRITÁNICAS (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS ITALIANAS (19 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE EL NAZISMO (19,80 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE EL RACISMO (19,50 €)

B/N Págs: 224 Formato: 15x21 cm.

Color / B/N 110 pags.15x21 cm.

P.V.P. 19 €

P.V.P. 15 € TODO EL CINE DE ABOGADOS Y JUICIOS

TODO SHERLOCK HOLMES EN CINE Y TV

Con estadísticas de recaudaciones y listas de valoración elaboradas por la prensa especializada de mayor prestigio. Y también con los carteles a color de todas las películas, junto con sus fichas técnicas y artísticas, sinopsis, etc.

En este libro hacemos un repaso de todas las obras cinematográficas y televisivas que ha protagonizado de alguna u otra forma Sherlock Holmes, que sobrepasan ampliamente el centenar de títulos. Además incluimos un repaso a los actores más destacados que han dado vida a Holmes.

B/N Color 288 pags.15x21 cm.

B/N Color Págs: 134 Formato: 15x21 cm.

B/N 224 pags.15x21 cm.

P.V.P. 24,50 €

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Marca con una X los libros que desees:

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LOS MITOS DEL OESTE EN EL CINE

LOS INTÉRPRETES DEL WESTERN

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CUPÓN DE PEDIDO

Precios válidos hasta 31/12/13 (más adelante consultar).

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA (15,63 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE LESBIANISMO (22 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE OBRAS LIT. ESP. (19,50 €) LAS 100 MEJORES PELÍCULAS SOBRE VIAJES EN EL TIEMPO (16,50 €) LAS 200 DIOSAS MENORES DEL CINE (22 €) LAS DIOSAS DEL CINE PARA ADULTOS (22 €) LAS MEJORES BANDAS SONORAS (15 €) LAS MEJORES INTERPRETACIONES DE LA HISTORIA DEL CINE (18 €) LAS MEJORES MINISERIES (16 €) LAS MEJORES SERIES DE LA TV (29 €) LOS 100 MEJORES FILMS ERÓTICOS DE LA HISTORIA DEL CINE (15,63 €) LOS 100 MEJORES MELODRAMAS (15,63 €) LOS 100 MEJORES MUSICALES DE LA HISTORIA DEL CINE (15,63 €) LOS 100 PERSONAJES HISTORICOS DEL CINE (19,80 €) LOS INTERPRETES DEL WESTERN (30 €) LOS MITOS DEL OESTE EN EL CINE (15 €) LOS VERDADEROS GANGSTER EN EL CINE (15 €) NADIUSKA (14 €) REINAS DEL CINE (19 €) TERRORISMO Y ETA EN EL CINE (14 €) TODA LA GUERRA DEL VIETNAM (15 €) TODO EL CINE DE ABOGADOS (24,50 €) TODO SHERLOCK HOLMES (18 €)

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LIBROS DE CINE

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ARMAS MUJERES Y RELOJES SUIZOS

CONVERSACIONES DE CARY GRANT

COPPOLA

En este libro, convertido ya en referente obligado, el prestigioso cinéfilo Eduardo Torres-Dulce repasa las imágenes, frases de diálogos, planos y secuencias, personajes, actores y actrices que le han marcado y han desarrollado en él una de las cinefilias más admiradas de nuestro país.

El propio Cary Grant nos cuenta en este libro su apasionante vida, sus películas, sus matrimonios… Muchos amigos, como Grace Kelly, Audrey Hepburn, Katharine Hepburn, Stanley Donen… cuentan sus recuerdos sobre el galán más importante de la Historia del Cine.

Profundo estudio sobre el cine del gran maestro Francis Ford Coppola en el que se analizan sus películas una a una. El libro cuenta con abundante material gráfico.

Autor: Eduardo Torres Dulce B/N 216 pags. 15X21 cm.

Autor: Nancy Nelson B/N 344 pags. 17x24 cm.

Autor: José Luis López García B/N 168 pags. 20,8x29,5 cm.

Autor: José Luis López García B/N-COLOR 272 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 13,95 €

P.V.P. 27,91 €

P.V.P. 19,95 €

P.V.P. 35,95 €

DEL SENTIMIENTO El cine de José Luis Garci El filósofo Agapito Maestre realiza un minucioso estudio a una parte importante de la filmografía del oscarizado director español José Luis Garci, con el nexo común del sentimiento en las películas analizadas.

DE ALMODÓVAR A AMENÁBAR El nuevo cine español Este libro presenta como una forma de celebrar un glorioso aniversario: los 25 años del cine español actual. Cuatro Oscar e infinidad de premios avalan la importancia de este cine. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico

DOCTOR LIBRO Y MR. FILM

EL CARTEL DE CINE EN EL WESTERN EUROPEO

EL CINE DE AVENTURAS

De la novela al cine

El Spaghetti Western

El libro se centra en la adaptación al cine de alguna de las novelas americanas más importantes del siglo XX, como “Al este del Edén”, “Matar un ruiseñor”, “El viejo y el mar”, “Desayuno con diamantes”…

Análisis del Western europeo a traves de los carteles de todas aquellas películas del género estrenadas en España. En este libro se reunen, por primera vez en la historia, todos los carteles de las películas del western europeo estrenadas en España.

Este libro es una puerta abierta al fascinante mundo de aventuras. Recorrido por las películas y personajes que han marcado el género. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico

Autor: Agapito Maestre B/N 188 pags. 15x21 cm.

Autor: Javier Coma B/N 296 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 15,95 €

P.V.P. 21,95 €

EL MELODRAMA

Un hombre y un destino

Autor: Bienvenido Llopis COLOR 205 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 29,95 €

Autores: Ramón Freixas y Joan Bassa B/N-COLOR 382 pags. 20x25 cm.

P.V.P. 39,95 €

El libro se centra en la edad de oro del melodrama hollywoodiense, de 1931 a 1966, a través de 62 películas de las que se cuenta su creación, rodaje y circunstancias centrándose también en las figuras de sus creadores e intérpretes. Un abundante y exclusivo material gráfico adorna la obra.

EL UNIVERSO DE ALFRED HITCHCOCK

EL UNIVERSO DE CLINT EASTWOOD

EL UNIVERSO DE WOODY ALLEN

Un selecto grupo de críticos y estudiosos del cine dan una visión plural de la trayectoria de estos maestros, cuya obra se desmenuza alfabéticamente a través de películas, actores, colaboradores y términos de diversa índole. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Un selecto grupo de críticos y estudiosos del cine dan una visión plural de la trayectoria de estos maestros, cuya obra se desmenuza alfabéticamente a través de películas, actores, colaboradores y términos de diversa índole. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Un selecto grupo de críticos y estudiosos del cine dan una visión plural de la trayectoria de estos maestros, cuya obra se desmenuza alfabéticamente a través de películas, actores, colaboradores y términos de diversa índole. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Autor: Guillermo Balmori B/N-COLOR 440 pags. 20x25 cm.

Autores: Varios Color-B/N 392 pags. 21x29 cm.

Autores: Varios Color-B/N 408 pags. 21x29 cm.

Autores: Varios Color-B/N 344 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 39,95 €

P.V.P. 39,95 €

P.V.P. 39,95 €

P.V.P. 39,95 €

GARCI ENTREVISTAS En este libro se recogen una serie de entrevistas realizadas a Jose Luis Garci, y selecionadas por él mismo, en donde se recoge un acercamiento muy fidedigno a una autobiografía nunca escrita. Concluye con una genial autoentrevista.

GRANDES FILMOGRAFÍAS ILUSTRADAS DE LOS AÑOS 40 Por fin, las filmografías completas de los grandes actores de Hollywood ilustradas con el cartel original de cada título.

Autores: Varios B/N 296 pags. 15x21 cm.

Autor: Guillermo Balmori / Enrique Alegrete Color 168 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 17,95 €

P.V.P. 29,95 €

JINETES EN EL CIELO

LA COMEDIA

Es un profundo estudio de la \"Trilogía de la Caballería\" del director americano John Ford. A través de las 3 películas que componen esta trilogía, el autor hace un estudio sobre los westerns de John Ford

El libro se centra en la edad de oro de la comedia hollywoodiense, de 1933 a 1967, a través de 70 películas, cinco de ellas nuevas y exclusivas en esta edición, de las que se cuenta su creación, rodaje y circunstancias centrándose también en las figuras de sus creadores e intérpretes. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico

Autor: Eduardo Torres-Dulce B/N 218 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 15,95 €

HOLLYWOOD ´50s LOBBY CARDS

HOLLYWOOD LOBBY CARDS

Los Lobby Cards son los carteles horizontaLos Lobby Cards son les que muestran los carteles horizontasecuencias de la pelíles que muestran cula en los cines secuencias de la pelíacompañando al gran cula en los cines cartel principal. Estos acompañando al gran libros muestran una cartel principal. Estos selección de los libros muestran una selección de los mejores Lobby Cards de la edad dorada de Hollywood mejores Lobby Cards de la edad dorada de Hollywood

Autor: Enrique Alegrete Color 162 pags. 29x21 cm.

Autor: Guillermo Balmori Color 162 pags. 29x21 cm.

P.V.P. 29,95 €

P.V.P. 29,95 €

LAS CANCIONES DEL GRAN HOLLYWOOD

LAS PELÍCULAS DE CAZA DE BRUJAS

Las canciones del gran Hollywood evoca quinientas muy populares melodías cuyas interpretaciones vocales obtuvieron elevado relieve a lo largo de la edad dorada del cine americano en películas de todos los géneros. El libro cuenta con abundante y exclusivo material gráfico.

Continuación del libro Diccionario de la Caza de Brujas. En esta analiza "tanto las películas censuradas por su "izquierdismo", "acusadas de propaganda soviética" o juzgadas como "antiamericanas", como las producidas en el exilio o las que tuvieron guionistas encubiertos.

Autor: Guillermo Balmori Color-B/N 440 pags. 20x25 cm.

Autor: Javier Coma Color-B/N 472 pags. 19x25 cm.

Autor: Javier Coma B/N 228 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 39,95 €

P.V.P. 34,95 €

P.V.P. 21,95 €

MIRAR DE CINE

PLACERES OCULTOS

Se trata de una serie de relatos, escritos entre 1990 y 2011, en los que Jose Luis Garci habla de vivencias, recuerdos, sensaciones y deseos relacionados con el cine, todo narrado desde la exquisita sensibilidad y el don de saber contar que siempre muestra en sus escritos este autor .

Gays y lesbianas en el cine español de la transición Revisa el cine de esta época para dar con lesbianas vampiresas, mariquitas de chiste, mujeres hipererotizadas que disfrutan de su cuerpo y del de otras mujeres, homosexuales solitarios..

SE LAS LLEVÓ EL VIENTO

VIAJE ALUCINANTE SITGES 1968-2007

Las candidatas al papel de Escarlata O´Hara

Libro oficial conmemorativo del 40 aniversario del Festival de cine de Sitges, que reproduce los 100 carteles originales de las películas más representativas de la historia del certamen. Las películas van desde 1927 a 2006 y se acompañan de jugosos comentarios del director de publicaciones del Festival: Antonio José Navarro

Este libro propone una semblanza de actrices y aficionadas que optaron a protagonizar Lo que el viento se llevó, desde nombres miticos de Bette Davis, K. Hepburn o Joan Crawford.

Autor: José Luis Garci B/N 180 pags. 15x21 cm.

Autor: Alejandro Melero Color-B/N 288 pags. 17x24 cm.

Autor: Elisa Agulló B/N 248 pags. 17x24 cm.

P.V.P. 15,95 €

P.V.P. 18,95 €

P.V.P. 19,95 €

Autor: Varios Color 224 pags. 21x29 cm.

P.V.P. 38,43 €

El libro contiene 167 filmografías completas

¡El sueño de todo aficionado al cine!

Por fin, las filmografías completas de las estrellas más importantes del cine clásico ilustradas con los carteles de TODAS sus películas a todo color.

Formato: 21x30 Páginas: 500 Autores: Guillermo Balmori y Enrique Alegrete

Precio: 44,95 euros

Nunca antes ningún libro había presentado fotografías, año a año, de la recogida de premios por parte de los galardonados, por lo que el libro constituye una verdadera joya en lo que a documentación gráfica se refiere.

Formato: 21x30 Páginas: 500 Autores: Guillermo Balmori, Antonio Manero, Hilario J. Rodríguez

El libro se estructura por años, desde 1927 (su primer año de existencia) hasta 2011. Cada año cuenta con un comentario sobre anécdotas de la ceremonia de entrega, una página dedicada a los principales premios (película, director, actor y actriz tanto principales como secundarios) con fotografía de cada uno de ellos. A continuación vienen páginas con todas las películas ganadoras de algún Oscar ese año acompañadas por el cartel de su estreno y una pequeña ficha, seguidas de las películas nominadas pero sin premio (también con su cartel y ficha) y de las grandes películas olvidadas por la Academia ese año, es decir películas importantes que ni siquiera resultaron nominadas en ninguna categoría (también con cartel y ficha). Por último, se presenta, cada año, una galería fotográfica con los momentos más destacados de la ceremonia de entrega. Los premios menores aparecen en una franja inferior en las páginas de cada año.

Marca con una X los libros que desees: ARMAS, MUJERES Y RELOJES SUIZOS (13,95€) ENCICLOPEDIA ILUSTRADA DE LAS ESTRELLAS (44,95€) ENCICLOPEDIA ILUSTRADA DE LOS OSCAR (44,95€) CONVERSACIONES DE CARY GRANT (27,91€) COPPOLA (19,95€) DE ALMODOVAR A AMENÁBAR (35,95€) DEL SENTIMIENTO (15,95€) DOCTRO LIBRO Y MISTER FILM (21,95€) EL CARTEL DE CINE EN EL WESTERN EUROPEO (29,95€) EL CINE DE AVENTURAS (39,95€) EL MELODRAMA (39,95€) EL UNIVERSO DE ALFRED HITCHCOCK (39,95€) EL UNIVERSO DE CLINT EASTWOOD (39,95€) EL UNIVERSO DE WOODY ALLEN (39,95€) GARCI ENTREVISTAS (17,95€) GRANDES FILMOGRAFÍAS ILUSTRADAS DE LOS AÑOS 40 (29,95€) HOLLYWOOD ´50S LOBBY CARDS (29,95€) HOLLYWOOD LOBBY CARDS (29,95€) JINETES EN EL CIELO (15,95€)

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LA COMEDIA (39,95€) LAS CANCIONES DEL GRAN HOLLYWOOD (34,95€) LAS PELICULAS DE CAZA DE BRUJAS (21,95€) MIRAR DE CINE (15,95€) PLACERES OCULTOS GAYS Y LESBIANAS (18,95€) SE LAS LLEVÓ EL VIENTO (19,95€) VIAJE ALUCINANTE (38,43€)

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CORREO DEL LECTOR Toni Soldado (dcha), junto a nuestro colaborador Diego Arjona y Julio Peces director del festival Semana Costa del Sol.

EL PASADO DE PATRICK STEWART Toni Soldado (correo electrónico). Un placer tener entre los lectores a uno de los caricaturistas más cachondos del paisaje nacional. Lo que comentas de Patrick Stewart antes de incorporar al capitán de la Enterprise en La nueva generación o ser el profesor Xavier en las sagas cinematográficas mutantes es cierto. La carrera de este hombre tiene muchas sorpresas guardadas para quienes tienen esa rara manía de no mirar nunca películas o series anteriores a su fecha de nacimiento, rechazando todo aquello que no está conectado de algún modo con su generación. Lo cierto es que cuando Stewart llega al papel de Picard no solo tenía ya a sus espaldas esa excepcional intervención que mencionas como el temible Lucio Elio Sejano, el prefecto de la guardia que impone un régimen de terror en la Roma del emperador Tiberio en la imprescindible miniserie británica de la BBC Yo, Claudio, emitida en 1976 y basada en la novela de Robert Graves. Dado que el comienzo de su trabajo como actor se remonta a 1964, hay otras sorpresas que me gustaría destacar e incluso recomendar en el arranque de su carrera, quizá menos conocidas por el público más joven, poco dado a bucear en lo ocurrido antes de su nacimiento. Por ejemplo, interpretó a Lenin en la miniserie La caída de las águilas, producción británica de 1974 que hacía un repaso al ocaso de las tres grandes dinastías europeas, los Romanov, los Habsburgo y los Hohenzollern. Imprescindible para amigos de la historia. También apareció como León Degrance en el largometraje Excalibur, dirigido por John Boorman en 1981 con una impresionante Helen Mirren interpretando a Morgana. Fue el guerrero Gurney Halleck en la adaptación de Dune dirigida por David Lynch en 1984, donde hizo de árbitro en el enfrentamiento entre Paul Atreides (Kyle MacLachlan) y Feyd Rautha (Sting), y luego le dieron el papel de doctor enfrentado a una invasión extraterrestre de vampiros desnudos en la muy curiosa Lifeforce: fuerza vital, en la que Tobe Hopper rindió homenaje a los terrores de la Hammer Films y la ciencia ficción británica allá por 1985. Pero más curioso todavía es reconocer a Stewart en algunos de los papeles más destacados de su carrera teatral, por ejemplo encarnando en taparrabos, en plan Tarzán, a Oberon, el príncipe de las hadas, o poniendo la voz al Mago de Oz en un montaje teatral de la novela de L. Frank Baum. Lo dicho: una larga trayectoria profesional con muchas sorpresas.

UN GITANO LLAMADO PELIGRO Javier Gil Sánchez (correo electrónico). Tu reflexión sobre los blockbuster es interesante, así que voy a compartirla con el resto de los lectores reproduciendo tu mensaje antes de darte mi opinión: “Payán, buenos días (bueno, mejor buenas tardes, que cuando uno está de vacaciones todos

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ACCIÓN

Por M.J.P.

los días son sábado y las horas casi que no existen). Ayer mismo vi Pacific Rim, quizá el estreno que más ganas tenía de ver este verano, y no sé si me ha gustado o me ha decepcionado. Me ha gustado bastante. Las películas con monstruo son mi devoción desde niño cuando flipaba viendo Bioman, una serie japonesa referente seguro para esta película. Espectacular como pocas. Eso nadie lo niega. Pero me ha hecho pensar en lo que es la naturaleza de un blockbuster.

Primero: un blockbuster tiene la obligación innata de entretener, eso no hay duda. Un blockbuster que no divierte es como una comedia que no hace reír. Sería un fracaso.

Pero me pregunto si tanto cuesta desarrollar otros aspectos que nada tienen que ver con los efectos especiales. Por ejemplo: los personajes. Imagínate por un momento una peli de ciencia ficción llamada desde el minuto uno a ser espectacular como en este caso, que además te ponga al frente un puñado de personajes carismáticos y con los que empatizar, que además tengan chicha y te los creas (como medianamente puedas dentro de lo que es la ficción ). Eso mismo, que creo que no es difícil de conseguir, multiplicaría el éxito por dos y convertiría la propia película en un ser inmortal como ocurrió con Alien. No me negarás que en esta los personajes parecen sacados de la Wikipedia de la ciencia ficción. Más estereotipados imposible (el padre peleado con el hijo, el guapo, la guapa y el beso final, el hombre cabrón que se convierte en héroe, el chulo, el gracioso…).

Segundo: ¿hasta qué punto abusar o no abusar de la tecnología? Aquí el ordenador es la mano derecha del director. Sin espectáculo el globo se queda a medio inflar. Pero moderadamente. Que el globo también puede explotar y convertirse en un trozo de goma inservible. Si se abusa de los efectos especiales puede haber una tendencia a pensar: ‘Me han intentado comprar con espectáculo cuando en realidad no me han contado nada’. Me he tirado dos horas viendo explosiones, carreras y puñetazos, y así pretenden que me vaya contento a mi casa. Tercero: la publicidad.

Meses viendo tráilers por Internet, babeando con cada nueva imagen, con cada nueva foto, cada nueva noticia. ¿Hasta qué punto es bueno levantar tanta expectación? Sí, cierto. Una vez más esa es la naturaleza del blockbuster. ¡Pero por Dios!, ¡que tenéis billetes para parar un tren de mercancías! Pagar a dos guionistas buenos que me pongan delante algo más que dibujos animados. Otro ejemplo que te puedo poner es Guerra Mundial Z. Me ha parecido un buen entretenimiento, pero no me ha parecido una buena película de zombies. No da miedo. Y ya no hablo de miedo. No te mantiene en tensión, no acongoja. Se acaba el mundo ¡por Dios!, y yo tan pancho ¡aquí sentado! Los primeros diez minutos de 28 semanas después me helaron la sangre durante días y fueron diez minutos. A eso voy. ¿Y Brad Pitt? Bueno… Si a mitad de la película me lo cambias por otro ni me entero. Quizá soy yo el exigente o el que no va preparado para ver lo que va a ver. En una ocasión recuerdo leer una crítica tuya acerca de Skyline que venía a decir algo así: ‘Me ha divertido, que es lo que iba buscando’. Y debería aplicármelo, tal vez así vaya más predispuesto a disfrutar y pasar un buen rato. Creo que más o menos lo que te quiero transmitir es un poco de descontento hacia las superproducciones, pero no hacia ellas mismas, que dan lo que prometen de verdad, sino a lo descuidados que son sus creadores a la hora de ponerlas en pie. De centrarse tanto en el circo y olvidarse que al frente hay actores de carne y hueso, que son los que guían al público hacia el interior de la historia, y que no puedes descuidar sus detalles, no puedes poner al frente de algo tan grande a cuatro títeres vacíos y sin alma, sin fondo. Porque son personas, como tú, como yo, como mi vecino… Y que queremos vernos en su piel, en su situación, sufrir con ellos, luchar con ellos y sobrevivir como ellos. Y sobre todo no queremos que nos engañen”.

CORREO DEL LECTOR A lo primero que planteas: no hay beso final y solo se dice “te quiero” en japonés, entre la japonesa y su padre adoptivo, sin traducir ni subtitular, para respetar la privacidad entre ambos, como sabiamente me apuntó mi colega Jesús Usero. No te niego que los personajes son estereotipos, pero un estereotipo tratado por Guillermo del Toro deja de serlo para convertirse en un espectáculo de títeres. Los títeres trabajan precisamente sobre la idea del estereotipo para satirizar todo el asunto y otorgarle personalidad propia. Del Toro maneja estereotipos sin renegar de ellos, pero dotándolos de personalidad. Y se ríe de ellos, obviamente, como demuestra el personaje de Ron Perlman. A lo segundo, todo eso que dices puede valer para Transformers de Michael Bay, pero los efectos son solo una herramienta en Pacific Rim. Hombre, si te lo hace Guillermo con figuras de plastilina –que tiene agallas para hacerlo, ojo–, entonces dirías que era pobre de efectos. Creo que están muy bien utilizados y son necesarios. A ver, recapacitemos: ¡es una película de robots y monstruos gigantes, no Kafka adaptado por Antonioni! Tercero: lo de ver tráilers tiene fácil arreglo: no los veas. Yo personalmente cada vez procuro ver menos, porque creo que de algún modo queman la película. Veo lo mínimo para hacer mi trabajo. Y si no trabajara en esto procuraría no ver casi ninguno. Respecto a Guerra Mundial Z, expliqué algunas claves en el artículo de ACCIÓN: obviamente es otro nuevo nivel de explotación de los zombis que va más por lo épico y quita terror para ampliar el público y ganar más dinero.

Equilibran menos terror con más espectáculo visual y con ataques tipo colmena. Es un tema de explotación: no puedes hacer una superproducción épica de zombis con las tripas por los suelos estilo George A. Romero. Lo que me lleva a un debate sobre dinero versus libertad creativa que excede el espacio de este “Correo”, pero creo que tu postura ha quedado clara, y la comparto respecto a la necesidad de que se curren más los personajes, situaciones y contenidos y no solo los efectos. Aunque no se lo aplicaría así a Pacific Rim, porque Del Toro juega conscientemente con los estereotipos y las limitaciones del blockbuster, que efectivamente las tiene, como has indicado en tu interesante aportación.

¿INTOLERANCIA EN LAS FICHAS DE CLÁSICOS? Francis Fernández (correo electrónico). Gracias por el respaldo a la sección coleccionable de la revista y a tus avisos y comentarios sobre esta. Me apuntas en tu nota, y cito textualmente: “Otra cuestión que lleva tiempo rondándome la cabeza (compro la revista desde hace quince años y tengo 31) es que advierto cierta intolerancia a la hora de incluir en las fichas clásicas a ciertas actrices que vistas desde la óptica actual podrían ser calificadas de ñoñas o cursis a más no poder; me refiero a nombres como Sandra Dee, Kathryn Grayson, Ann Blyth, Leslie Caron o la gran Romy Schneider (que alguien que no sepa del tema la identifique solo con Sissi pase, pero los que sabemos un poco de su carrera en Francia tocando temas como la prostitución, el incesto o el suicidio…). Sospeché sobre todo tras ver publicada la ficha de Eleanor Powell, que por supuesto merece todos los respetos, pero ¿y Jane Powell, con una carrera mucho mas prolífica? Pero quizá es que Jane Powell, como es tan ñoña, pues no es apta para tener su ficha… no sé.

Ya os digo que son conclusiones de un fiel seguidor de quince años atrás. Lo mismo estoy en un error y estas actrices aparecen pronto o al menos alguna, y no es cierta la impresión que da de que están vetadas”.

Yo soy quien redacta las fichas de clásicos desde que comenzaron a publicarse en la revista, y puedo asegurarte que no hay por mi parte intolerancia alguna hacia ninguna actriz. Muy al contrario, porque casualmente mi otro trabajo consiste en impartir clases de historia del cine y estructura dramática en cursos de actores y actrices, y tengo claro que ellos hacen lo que les pide el papel y los directores, así que en todo caso el cursi sería el director, el guionista o el papel, no el actor o la actriz. Para tu tranquilidad, te diré que todos los nombres que citas en tu nota están en el listado de fichas. Es más, la elección de la ficha no la hago yo, sino que me la pasan desde la coordinación y dirección de la revista en función de la programación, no de gustos personales. Dicho esto, aclaro que nunca he podido aguantar a Sandra Dee, a Debbie Reynolds y a Doris Day, no por ñoñas, sino porque no me las creo nada. Y no es culpa de ellas, sino de la etiqueta que les pusieron en Hollywood los productores y de cómo las dirigieron.

Pero si me encargan fichas, las redactaré encantado. Respecto a Romy Schneider, es una de las actrices más grandes de la historia del cine europeo y por eso pudo quitarse de encima la etiqueta de Sissy. No reconocer eso sería pura incultura cinematográfica.

manía Jose Guti Arrow @GIJOE_78 Era Ateo hasta que descubrí @accioncine. El cine es mi religión y la revista, mi nuevo testamento! A disfrutarla ;-)

francisco javier @jokervillano El reino animal también lee @accioncine

Neovallense @Neovallense Ha sido ver la portada de @AccionCine y bajar raudo a comprármela.

Molan los póster, la fichas de Harryhausen. Todo.

Yoli DW @Yolanduska Ya puse los posters del #LlaneroSolitario y #Hobbit en el armario y dentro de nada con la @AccionCine de septiembre!

TheLokiHorror @TheLokiHorror Teniendo el nuevo nº de @AccionCine y me doy cuenta que está mi tweet publicado..Que risa tonta después de mi asombro.

M de Moriarty @Fatipunkaa Ya que no puedo llevar a @fatimaA83 que mejor que @accioncine como compañera de viaje? #myRoadmovie #VeranoAccion

José María Molano @jmmolanoc Mamina,veo la foto de Jamie Foxx como Electro y parece que se bebio un litro de Vodka azul frìo,por la cara happy que trae.

Frikilandia @FrikilandiaZ 2004 hace unos años que os mande este listado jiji ;-)

Fran Garcia @Kadawa_Maze Hola chicos soy gran seguidor vuestro el primer numero que compre fue cuando se estreno La comunidad del anillo un saludo XD Sandra Cobe @Ragazza_Blu23 Pared @AccionCine ;) Vosotros dadme hueco que yo ya... xD #Gracias por la revista! Sois

Chelo J. Rodríguez @escritoracheloj Esperaba con ansia este número, soy fan de póster de Vin Diesel ¿cuándo un póster en 3D de él? Tamaño natural a ser posible?? uf

geniales!!

Alex Welder @Alex8Welder La esperada @AccionCine con el esperadisimo poster d #EnLlamas !!! Cuanto lo siento por riddick y por la d años que va a pasar mirando pared NefilimDivergente @chemareadingBKS Por ese momento en el que ves la nueva @accioncine,y cuando llegas a casa no tienes mas sitio en la pared para poner tus posters!! nooooo :S

Podéis despejar vuestras dudas enviando una carta a: REVISTA ACCIÓN (Correo) C/ La Higuera, 2-2ºB, 28922 Alcorcón (Madrid) O bien por e-mail (asunto: correo) a: redaccion@accioncine.es

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ENTREVISTA

RACHEL PORTMAN Ganadora del Oscar a Mejor Banda Sonora por Emma (1996), la compositora británica visitó nuestro país y nos contó algunos detalles sobre su carrera.

En el marco del II Festival Internacional de Música de Cine de la provincia de Córdoba, hemos tenido la ocasión de conocer a la que quizá sea la compositora de música de cine más famosa. En un derroche de amabilidad y encanto, la autora de Las normas de la casa de la Sidra y La guerra de Hart nos demostró sentirse como en casa, contestando a todas las preguntas, firmando discos y siendo el objeto de las fotos de numerosos admiradores.

Cuando se repasa la carrera de una compositora de cine, es normal pensar en la incidencia que ser mujer puede tener en su trabajo. De hecho, son menos las mujeres conocidas en este oficio, si bien muchas han demostrado un gran talento, como en el caso de la llorada Shirley Walker (Turbulence, Destino final) o la también oscarizada Anne Dudley (The Full Monty, American History X), así como nuestra Eva Gancedo (Goya por La buena estrella).

Una de las cuestiones en este sentido apunta a si alguna vez ha rechazado algún trabajo por ser mujer y no encajar por lo tanto en su estilo. Portman confiesa al respecto: “No se ha dado el caso, aunque para mí el poder hacer un thriller como El mensajero del miedo, sin contenido de inspiración femenina, me facilitó la oportunidad de hacer algo nuevo, al ser un tema masculino y una partitura más grandiosa, algo que también me ocurrió con La guerra de Hart”. De todos modos, es normal que nos asegure que “hay ciertas clases de películas que no haría nunca, como aquellas que contienen violencia gratuita o hacia los niños, a no ser que se trate de documentales”.

La autora de Only You está de acuerdo en que no se debería estereotipar el trabajo de las mujeres. “A veces los productores opinan que por ser mujer podemos estar pensando de una forma determinada, pero en mi caso estoy contenta de trabajar con personajes masculinos”. Lo que salta a la vista es que no hay muchas mujeres que se dediquen a este oficio, al menos que sean tan conocidas como ella, a lo que Portman responde: “Conozco a muchas mujeres compositoras y es verdad que los tiempos están cambiando”.

Ante la cuestión de qué hacer para que las mujeres puedan acceder de forma más sencilla a esta industria, la autora de Chocolat opina: “Puede resultar de gran ayuda el hablar con universidades y programas específicos, pero es cierto que resulta ciertamente complicado en el momento en que cada persona tiene su propio viaje y su camino en esto, pero lo vital es no abandonar. Es básico poner corazón y alma, aunque en principio una tenga que aceptar encargos que no nos apasionen porque luego puede sacarse algo de valor de esa experiencia. No hay que renunciar ni rendirse, y hacer tanto como sea posible, incluso en escuelas y películas estudiantiles”.

Sobre el arranque de su carrera y qué autores la han inspirado al comenzar su carrera, la compositora nos comenta: “Es una cuestión complicada, porque no me ha inspirado nadie en concreto. Yo tengo formación Nuestro redactor clásica. Quizá autores que me hayan podido influir sean con Rachel Portman

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ACCIÓN

Nino Rota o Elmer Bernstein, aunque mis influencias son especialmente clásicas. En mi caso, comencé sola y de forma autodidacta, pero ahora hay más oportunidades para las mujeres. Comencé a los trece años haciendo clásica y en Oxford estaba en el teatro estudiantil, pero los profesores no me animaban a hacer la clase de música que yo quería. Luego tuve la suerte de hacer la música de Privileged (1982) con Hugh Grant, pero aún tardé años en poder vivir de este trabajo. Mi paso por la BBC también fue decisivo, porque aprendí con películas de una o dos horas y de buena calidad, con lo que supe cómo orquestar y trabajar en proyectos cada vez mayores”.

Es curioso que Rachel Portman no sólo haya compuesto para el cine. Ante la cuestión de cómo llegó a componer para la ópera El principito, la autora nos asegura: “Quería probar con una ópera, pero no suele haber muchas aptas para los niños y esta fue un reto importante. Además de hacer algo más difícil y duro, en el terreno de lo clásico. El proyecto fue fantástico y me gustaría repetir en un futuro, aunque aún no, pues aunque parezca algo sencillo no lo es”.

Sobre cómo concilia su vida personal con la profesional, Portman nos asegura que “la clave es la organización. Comienzo a trabajar a las ocho de la mañana y acabo a las cinco de la tarde. Siendo madre como yo, todo es más complicado.

Tengo tres hijos que ahora son adolescentes”.

Sin lugar a dudas, arrebatar el Oscar al por entonces acaparador de premios Alan Menken (y su magistral Jorobado de Notre Dame), fue un hito en la historia de los premios de la Academia. Sobre esa noche recuerda: “Ganar fue algo totalmente inesperado. Yo era joven y la película era modesta. El camino hasta el escenario se me hizo una eternidad”, sonríe. ¿Cómo trabaja Rachel Portman? Ante esta cuestión tan básica nos asegura: “Compongo junto a la pantalla, aunque es una pregunta que no es fácil de responder, pues suelo componer con piano, aunque uso Pro Tools para grabar. Es un proceso muy orgánico y me gusta grabar cuando tengo una idea más desarrollada; además, me gusta comenzar no por el principio, sino por una parte de la película que me inspire más. De modo que lo hago desde ahí y me voy extendiendo a lo demás. Dependiendo del director, puedo entregar un borrador al piano o bien algo más elaborado, aunque cada vez lo piden más de esta segunda forma. En estos casos, las maquetas no las hago yo y luego tengo que darles el visto bueno. Es complicado y me preocupa, ya que tengo que mostrar unos arreglos virtuales que no son iguales que hacerlo de forma real, lo que crea un estrés y a veces mucha confusión. Además es algo más difícil para compositoras como yo, que solemos trabajar con instrumentos más acústicos”.

En su carrera, Portman mantiene algunas colaboraciones interesantes con directores como Douglas McGrath o Jonathan Demme. Eso siempre es beneficioso para un compositor, pues un buen entendimiento e incluso amistad facilita el trabajo mucho. En concreto, sobre Demme, nos cuenta que “es un director extraor-

RACHEL PORTMAN

Por Sergio Hardasmal

dinario que me ha llevado a nuevas áreas de trabajo. En Beloved, por ejemplo, no quiso que usara instrumentos occidentales. Parte del trabajo de un compositor de cine es la relación con el director y saber trabajar con ellos. Algunos no saben y otros sí. Roman Polanski si te deja libertad, y siempre es importante negociar, aunque con algunos es más difícil tener una buena relación ya que es importante mantener el ego controlado para que todo funcione y mantener una postura humilde”.

“En el caso de Douglas McGrath, debo decir que es un encanto y aunque es muy gracioso no deja de ser meticuloso, sobre todo para comedia, como en el caso de Emma. En algunas escenas se trabajó mucho en los detalles y la interacción entre música e imágenes. Me encanta trabajar con él”, asegura.

Un trabajo que gustó mucho en su día fue El club de la buena estrella. Sobre esta partitura nos cuenta: “Enfoqué el trabajo de una forma especial. Para mí era menos interesante componer una música totalmente oriental, de modo que mi enfoque fue darle elementos chinos, pero sin dejar de ser occidental. He vuelto a trabajar con Wayne Wang y lo que importa es encontrar un lenguaje y que funcione, aunque sea un híbrido de todo”, concluye.

Las obras de Portman son habitualmente fáciles de escuchar sin la imagen, lo que nos hace preguntarnos si es algo casual o es una forma concreta de componer. La compositora nos asegura: “No es algo que se hace con ese objetivo, pero si se consigue, es estupendo, aunque a veces no es posible. Depende de las escenas y es importante para mí que la música tenga su propio valor. Al final de cada película tenemos los créditos, lo que supone una buena oportunidad aunque cada vez hay menos tiempo para componer de ese modo. Si tengo tiempo es algo que trato de conseguir, el componer algo más especial e independiente para los créditos finales”. Es verdad que hay ocasiones en que su música se ha usado con otros objeti-

vos, como los publicitarios; Portman se muestra sorprendida porque hay casos que ni conoce, pero añade: “Es algo que me gusta, porque supone que cobraré derechos y tendré ingresos gracias a ellos”, bromea.

Sobre los proyectos actuales, Rachel nos adelanta que está en pleno proceso creativo con un par de trabajos: “Por un lado, una película de época, con amor y esclavitud, un proyecto complicado de la Fox; por otro lado, Paradise, una película alternativa de Diablo Cody, cuya música no es orquestal sino experimental”.

Llegados a este punto, Portman nos da su punto de vista sobre el panorama de este oficio, en el marco de un cine donde cada vez se cuida menos la melodía y donde la banda sonora clásica parece estar en un claro peligro: “En los últimos años el cine ha cambiado y vamos de un extremo a otro, a películas grandes o pequeñas. A mí me gusta componer con melodía de modo que el cine y la música de cine deben encontrar otro camino. Ahora el presupuesto es mayor para las películas, pero aunque tengamos orquestas hay menos dinero y más presión. De todos modos, estoy segura de que las orquestas seguirán funcionando sobre el sonido sintetizado. Al final se hace trampa y también se dan casos de bandas sonoras orquestales que están hechas con instrumentos virtuales. Eso es hacer trampa y es preocupante, pero hay quien aún exige una obra de calidad y eso es bueno y merece la pena distinguir lo realmente orquestal de lo que no lo es. Aunque pueda preocupar la situación de los músicos, esta tecnología también tiene su lado bueno de cara a quien no tiene presupuesto suficiente. Otra cosa es el diseño sonoro frente a lo orquestal. Ahí echo de menos la melodía y no suelo ver ese tipo de películas. Claro que sí me gusta ver a alguien que va más allá buscando algo nuevo, como lo que se ha intentado en la banda sonora de Skyfall, que es buena, pero que también cuenta con partes que se quedan en un experimento interesante e inteligente, pero creo que el arte siempre va a triunfar sobre lo demás”, concluye.

Filmografía destacada 2013 Belle Paradise Still Life 2012 The Vow 2011 Bel Ami 2010 Snow Flower and the Secret Fan Never Let Me Go 2009 Grey Gardens The Duchess 2008 Sisterhood of the Travelling Pants 2 2006 The Lake House Infamous 2005 Oliver Twist 2004 The Manchurian Candidate 2003 The Human Stain Mona Lisa Smile

2003 Hart’s War 2002 The Truth About Charlie 2001 The Emperor’s New Clothes Nicholas Nickleby 2000 Chocolat The Legend of Bagger Vance 1999 The Cider House Rules 1998 Beloved 1997 Addicted to Love 1996 The Adventures of Pinocchio Emma Marvins Room 1995 Smoke Palookaville 1994 War of Buttons Sirens

1994 Only You The Road to Wellville 1993 Benny & Joon The Joy Luck Club Friends 1992 Used People 1991 Where Angels Fear to Tread 1990 Shoot to Kill 1989 Young Charlie Chaplin 1988 Storyteller (TV) 1987 A Little Princess 1986 Sharma and Beyond 1985 Four Days in July 1984 Last Day of Summer 1982 Privileged

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TELEVISIÓN

Llevábamos tiempo sin oír hablar de él, o al menos no en un gran proyecto (olvidemos cosas como Drácula 3D ), pero por fin, el vampiro más popular de todos los tiempos, creado por el novelista Bram Stoker, regresa con una nueva serie de televisión que intentará revivir el mito en la NBC. Coproducida entre EE UU y Reino Unido, la serie no intentará modernizar al personaje sino devolverle a sus raíces victorianas de la mano de un interesante reparto y una mezcla entre la novela y versiones anteriores de Drácula. Una suerte de híbrido que tiene un punto de partida interesante y que pretende aprovechar el buen momento de los vampiros en televisión para traernos al padre de todos ellos. El conde Drácula ha vuelto.

Jonathan Rhys Meyers

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Con el éxito de series como Crónicas vampíricas o True Blood, y el abandono sufrido por el personaje en los últimos años (casi desde la fallida reinterpretación del personaje que dio Francis Ford Coppola en 1992), mucho estaban tardando los responsables de Hollywood en darle una nueva oportunidad a tan insigne conde, el padre de los vampiros tal y como los conocemos o hemos conocido hasta muy recientemente (con el permiso de la Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu siempre). También algo habrá tenido que ver el éxito de otro personaje de la literatura victoriana como es Sherlock Holmes, bien recibido por la televisión a ambos lados del Atlántico, aunque con una seria modernización del personaje que no vamos a ver en Drácula ni mucho menos. Pero los productores televisivos no son tontos ni mucho menos. Mantener al personaje en su época original tiene más que ver con el fracaso de otras modernizaciones del personaje, como Dracula: The Series, emitida durante una sola temporada en 1990 y de la que apenas se puede rescatar a una joven Mia Kirshner que ya despuntaba en sus inicios. Pero su tono camp, sus situa-

DRACULA

ciones a veces ridículas y la falta de entendimiento del público (la serie tenía mucho más en común con Buffy que con el Drácula que todos conocemos, y aún quedaban unos años para que la serie creada por Joss Whedon fuese un éxito en medio mundo. De hecho, aún quedaba tiempo para que la película de Buffy fracasase antes de nacer la serie) hicieron desaparecer el desafortunado invento. Para ser honestos, el medio que mejor ha tratado al personaje en los últimos años es el mundo del videojuego, con algunas aventuras gráficas dignas de mención y que seguramente recuerdan muchos. Así que retomar al personaje era por un lado lógico, pero también suponía un riesgo. ¿Cómo va a responder el público a un vampiro clásico en un mundo inundado por Crepúsculo o Crónicas vampíricas?

La idea de la serie fue del guionista Cole Haddon, en su primer trabajo importante, como forma de revitalizar el mito volviendo a sus raíces, a la novela de Bram Stoker (servidor discrepa bastante de esto, pero eso, unas líneas más abajo lo explicamos). Para ayudar a un novato como

Haddon, la experiencia de un guionista tan peculiar como Daniel Knauf, creador de Carnivale, la serie de culto de HBO, y cuyo trabajo hemos visto recientemente como consultor y guionista de Spartacus. Knauf junto a Haddon será el showrunner de la serie y productor ejecutivo. Concebida en principio como miniserie de diez episodios que comienzan a emitirse en octubre en NBC, con la posibilidad de prolongarse en el tiempo de tener éxito. Algo que también dependerá de su proyección internacional.

La serie está siendo producida por la británica Carnival Films, la misma productora de trabajos de tan excelente factura como Downtown Abbey o Witechapel. Así que de funcionar en Reino Unido, donde será emitida por Sky Living, podría tener una vida más allá de su emisión en NBC. Y teniendo en cuenta cómo son tratadas las series en NBC, el continuo cierre de dramas y lo poco que funcionan últimamente, con contadas excepciones, puede suponer el clavo ardiendo al que agarrarse en caso de que la cadena americana no vea cumplidas sus expectativas en cuanto al producto.

De todos modos, algo tendrían que ver en el proyecto cuando en enero de 2012 se anunció, se le dio luz verde a los primeros diez episodios directamente en julio de 2012 (algo similar a lo sucedido con Hannibal, que tampoco tuvo que pasar por la fase de pilotos) y se comenzó con la producción en febrero de este año en la ciudad de Budapest.

La trama de la serie, como decíamos antes, nos lleva al Londres victoriano, adonde llega Drácula con la identidad de Alexander Grayson, un empresario americano que pretende llevar la ciencia a la sociedad victoriana para darle un impulso y modernizarla. Pero en realidad se trata de Vlad Tepes, el vampiro que ha sobrevivido durante siglos, maldito y atormentado, y que ahora busca vengarse de aquellos que le arrebataron al amor de su vida. Claro que los planes de Drácula bien podrían cambiar cuando conozca a Mina Murray, quien quizá sea la reencarnación de su amor perdido. Al frente del reparto Jonathan Rhys-Meyers en la piel del vampiro, uno de los grandes aciertos de la serie al coger a un actor de prestigio capaz a la vez de dar vida al monstruo (ojito a las transformaciones y a la sed de sangre y venganza), como al hombre romántico torturado por una maldición que no quiere convertir a su amada en una abominación como él mismo. Frente a él, Thomas Kretschmann como Abraham Van Helsing, aunque curiosamente el actor dio vida al vampiro en Drácula 3D. El duelo entre los dos será el verdadero punto de interés de la serie. Jessica De Gouw (la cazadora de Arrow), será Mina Murray, Oliver Jackson-Cohen interpretará a Jonathan Harker, Katie McGrath (la Morgana de Merlín) a Lucy Westenra y Nonso Anozie (visto en Juego de tronos) será el fiel sirviente de Drácula, Renfield. Lo curioso es que es más interesante el personaje de McGrath (y la actriz) que el de De Gouw, lo que puede suponer un problema si la trama no encuentra el tono adecuado para Mina Murray.

Antes hablaba de cómo han anunciado que se trata de un regreso al espíritu del personaje de Bram Stoker, pero no es así. En realidad si lo analizamos se trata de un regreso al personaje modificado por Francis Ford Coppola. Y no hablo de cambios pequeños o de cosas insignificantes como que Jonathan Harker sea ahora un periodista en lugar de un abogado, un tipo arribista que busca mejorar su situación con la aristocracia, en lugar del héroe romántico de la novela de Stoker. Ni de que su relación con Mina sea más platónica que romántica (la llama amiga), ni de esa sociedad que daba por muerto a Drácula y de la que busca vengarse. De hecho aplaudo esos cambios. Dan un nuevo aire y perspectiva a la serie, como la ambigüedad de Van Helsing o algunas escenas que recuerdan casi, casi, a la película de Hugh Jackman del mismo título, incluyendo una pelea en los tejados. Es buena la mezcla de aventuras, romance y terror. OJO SPOILER.. [Pero que sigan queriendo hacernos creer que Stoker concibió a Drácula como héroe romántico en busca de su gran amor perdido… eso sí es pervertir el origen y el espíritu del personaje y nada tiene que ver con la novela. Repito, esa parte es mucho más cercana a la visión de Coppola, con la muerte de la amada y la reencarnación en el futuro. No es Stoker, que concibió a Drácula como un monstruo que pervertía la inocencia para su propio deleite. Un demonio sin alma. El amor del libro es el de Mina y Jonathan. No el de Drácula, porque Drácula no sabe amar…] FIN SPOILER.. Conviene aclarar esto para no llevarnos a engaños. Esto es una nueva versión. Una revisión del mito. Menos fiel quizá. Pero perfectamente disfrutable siempre que no la empantanen con romances innecesarios. Tiene todas las papeletas para funcionar. Reparto, creadores y productora de lujo. Veremos cómo la trata el público.

Jesús Usero

SERIES TV A C C I Ó N 89

TELEVISIÓN

REVOLUTION Temporada 2 Una de las indiscutibles sorpresas de la pasada temporada televisiva fue Revolution , la serie de la NBC, cadena que lleva años dando tumbos de un lado a otro y a la que le cuesta encontrar un éxito sólido, aunque el pasado año pareció acertar al fin con Revolution , obra del creador Eric Kripke, el padre de la reconocida Sobrenatural , y producida por el gurú televisivo JJ Abrams. La serie se convirtió en uno de los éxitos del año, confirmando su renovación para una segunda temporada en abril, que por fin llega a televisión. En España de la mano de Syfy, el miércoles 2 de octubre a las 22.25 horas podremos seguir descubriendo más de este particular fin del mundo.

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©Warner Bros. Entertainment Inc.

REVOLUTION

Porque si una cosa nos quedó clara de Revolution es que nos encontramos ante una serie posapocalíptica, en la que el fin del mundo ha llegado de manos de un extraño fenómeno que acabó de golpe con toda fuente de energía del planeta. Un mundo a oscuras, devuelto de golpe a la Edad Media, en el que solo los fuertes parecen sobrevivir, o ser aptos para ello. Los gobiernos caen, el mundo sigue adelante pese a que la vida como la conocemos ha terminado, y los supervivientes tienen que encontrar un lugar en este nuevo orden, lleno de tiranos déspotas, milicias, asaltadores de caminos, bandidos y locos, aunque también de gente decente, que se une y hace lo que puede y debe por seguir en pie. La serie no fue inmune a las críticas pese a sus muchos aciertos, sobre todo el del protagonista, un sensacional Billy Burke al que estábamos más acostumbrados a ver en Crepúsculo como padre de la lánguida Bella, que como el sarcástico y despreocupado Miles Mason se enfrenta de nuevo a su oscuro pasado y su familia en un viaje a través de

Estados Unidos que puede cambiar el destino del mundo. Pero como con toda primera temporada, la serie tenía que evolucionar y crecer, y lo hizo de una forma considerable. Tras un parón invernal, Revolution regresó con mucha más acción y un mayor desarrollo de la historia, dejando atrás dudas y titubeos. Se convirtió en más violenta, mucho, y también más oscura. Una mezcla entre El libro de Eli y Dark Angel, pero con algunos elementos de Perdidos que nos recordaban que sigue siendo una serie producida por JJ Abrams. Y con mayor protagonismo para Elizabeth Mitchell, un gran acierto.

Por fin, la llegada de la segunda temporada contestará a las muchas preguntas que quedaron abiertas tras el magnífico final de la anterior, con la llegada de todos los protagonistas a la instalación de Colorado conocida como la Torre (sí, suena a Perdidos, pero es un referente inevitable). Unos con la intención de devolver la luz al mundo y otros para impedirlo. Además, la llegada a la Torre nos permitió reencontrarnos con varios personajes que creíamos olvidados (¿quién vive en la instalación y por qué?), y avanzar la trama considerablemente, abriendo muchas puertas, aunque, claro, incorporando tantos interrogantes como respuestas daba. OJO SPOILER. [Así, pudimos ver que existe un riesgo si se intenta devolver la luz al mundo, un riesgo que Rachel (Mitchell) está dispuesta a correr, pese a los intentos de los habitantes de la Torre y de la Milicia de Monroe por evitarlo. Una milicia ahora controlada por el personaje de Giancarlo Esposito, verdadero villano de la función, con una figura todavía más perversa y malévola que la del propio y trastornado general Monroe.

Un general que ajustaba cuentas con Miles, pero que deja su disputa todavía abierta y a medio resolver. ¿Son enemigos aún? Y, por supuesto, teníamos la muerte de Nora, personaje que poco a poco se había ganado el cariño de los seguidores y que moría de forma heroica, pero dejando claras las intenciones y obsesiones de varios personajes más. Lo sorprendente es que la serie no se amilanaba y daba un salto poderoso adelante devolviendo la luz y la energía al mundo. Los buenos parecían triunfar, el Ejército de Georgia y la República con la que los rebeldes se habían aliado para derrotar a Monroe parecían capacitados al fin para luchar de nuevo. Claro que nadie contaba con la presencia de Colm Feore, quien aprovechaba la recuperación de la energía para lanzar un ataque nuclear contra la República, sin que al parecer nadie pueda detenerle. Y revelando así que el presidente de los Estados Unidos sigue vivo, y que su Gobierno se había refugiado este tiempo en Guantánamo, esperando regresar.] FIN SPOILER. Si eso no da motivos para ver una serie, no sé qué trama puede darlos. Sobre todo, repito, con la abundancia de escenas de acción que hay.

Así llegamos a este nuevo año. Complejo y diferente, con un cambio de concepto en la serie tras los trágicos eventos y el cliffhanger con el que nos dejaron. Y con nuevas incorporaciones, como las de Nicole Ari Par-

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ker, Patrick Heusinger, la bellísima Jessica Collins o, por supuesto, el gran Jim Beaver, al que Kripke conoce perfectamente de Sobrenatural, quien interpretará a un ranger de Texas llamado John Franklin Fry, un tipo duro, de lengua afilada, que se aliará con Miles. Además hay cambio de lugar de rodaje, porque la serie se muda a Texas, lo cual nos deja entrever que quizá empecemos a descubrir más cosas de la República de Texas (por ahora apenas hemos arañado la superficie de todas las nuevas repúblicas surgidas en territorio estadounidense, hemos visto la de Georgia y la de Monroe, pero quedan además de Texas otras que apenas se han mencionado. Sin embargo, queda claro que la serie regresa con un salto en el tiempo, tres meses después del final tipo cliffhanger. OJO SPOILER. [Un cliffhanger en el que los “héroes” perdieron, Atlanta y Philadelphia fueron arrasadas por las bombas nucleares acabando con la República de Georgia y la de Monroe. Y eso traerá a ese supuesto presidente americano, con una conspiración a cuestas que obligará a los personajes a unirse para enfrentarse a esta nueva amenaza, que viene de quien se supone debería traer orden y paz a la dividida nación, pero no será así. Quince años encerrado en Guantánamo han convertido al presidente y a su gabinete en gente… peculiar.

Para nada los buenos. Encontraremos a Monroe convertido en un despojo, buscado por los protagonistas para ayudarlos en este nuevo mundo, en el que el regreso de la luz quizá no haya sido precisamente una buena idea.

Miles tendrá que cargar con la muerte de Nora, algo que quizá lo aleje de Rachel o de su sobrina, que se encuentra en un camino tortuoso también, con su continuo enfrentamiento con su madre. Y Aaron, si sobrevive a uno de sus suicidas intentos heroicos, tendrá que afrontar las consecuencias de lo que ha hecho. Sin olvidar a Tom Neville, quien arrebató el poder a Monroe y que precisamente no está pasando su mejor momento junto a su hijo. Muchas consecuencias de lo que sucedió en la Torre. ¿Y qué tiene que ver Texas y su República con todo esto? ¿Cómo van a enfrentarse los protagonistas al hecho de estar separados pese a la amenaza? ¿Y quién se erigirá en líder de las ruinas de las antiguas repúblicas devastadas por las armas nucleares?] FIN SPOILER. También hay varias promesas. Nos han prometido que habrá más flashbacks sobre el pasado de los personajes antes del apagón y sobre todo en los primeros años. Pese al cambio de horario, de lunes a las 22:00 horas a miércoles a las 20:00, el propio Billy Burke ha declarado que la serie no va aligerarse y que será más oscura desde el primer episodio. Todo ello hace que la segunda temporada de la serie sea un esperado evento, sobre todo si ha sabido evolucionar y encontrar su sitio, porque tiene todos los elementos. Ahora queda esperar, y gracias a Syfy, que estrena con tan solo una diferencia de una semana en España, será muy poco lo que esperemos…

Jesús Usero

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TELEVISIÓN

VIGILANTES EN LA CIUDAD La justicia está servida Un tema recurrente en las series de televisión y el cine, sin lugar a dudas, es el de los vigilantes. Enmascarados o no, con más o menos recursos, con poderes o con su ingenio y habilidades, las ciudades están más seguras cuando estos justicieros patrullan las calles para proteger al inocente. Muchas veces inspirados en el cómic o basados dir ectamente en él, suelen funcionar de cara al público que se siente identificado con la imagen del héroe anónimo que podría ser cualquiera, que planta cara a la injusticia, la corrupción y la violencia, aunque haga uso de ella, en defensa de los más débiles. Con el estreno de la segunda temporada de Arrow el miércoles 16 de octubre a las 22h25 en Calle 13, ¡tan solo una semana después de su estreno en EE.UU.! ¿por qué no le damos un repaso a sus compañeros de fatigas anteriores y actuales?

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JUSTICIEROS DE LA CIUDAD

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Como siempre se dice, no están todos los que son, pero sí son todos rado para hacer de Superman), era el científico Barry Allen, al que un los que están. Series ha habido muchas a lo largo de los años, algunas accidente concedía el poder de la supervelocidad. El concepto no fue más ligadas al cómic que otras. Evidentemente, la inspiración de muchas seguido por tanta gente como se esperaba y la serie falleció tras solo un de ellas está en el papel, pero otras, como la desaparecida The Cape, año en antena, pero consiguió, con las reposiciones y su emisión internajugaba con un personaje original, a caballo entre Batman y la Sombra, cional, acabar siendo de culto. Hasta está editada en nuestro país en una serie con claro corazón pulp que apenas duró unos episodios. Sería DVD. Además recuperaba muchos villanos clásicos de los cómics, que injusto no mencionar Mutant X, aquella fallida creativamente revisión del siempre interesaban al público juvenil lector de tebeos, como Trickster, universo mutante Marvel. Como tampoco sería justo no mencionar Batinterpretado por Mark Hamill, o los varios a los que dio vida Sven Ole man, aquella serie sesentera como pocas, pura parodia y madre de todas Thorsen. Contar con dos guionistas del mundo del cómic como Howard las series de culto. O aquel terrible Spiderman setentero, sin dejar de Chaykin o John Francis Moore también ayudó bastante a la hora de lado El Increíble Hulk al que tanto deben los superhéroes de hoy día, con lograr un entretenimiento magnífico, heredero del Batman de los aquella maravillosa pareja, Lou Ferrigno como el monstruo y Bill Bixby sesenta y con influencia en producciones como la mencionada The Cape. como el científico Banner. También es Person of Interest, injusto no mencionar Painkiller Jane, con la madurez del héroe Kristanna Loken y basada en el cómic del mismo título. O Escudo humano, con un Hablamos ahora de Jonathan Nolan, muy peculiar vigilante y protector de hermano del brillante director Christopher alquiler. O la versión moderna y británica Nolan y coguionista de las dos últimas de Robin Hood, regresando a la época entregas de la saga de El caballero oscuro. medieval. Con la llegada de la segunda Su asociación con JJ Abrams en labores de temporada de Arrow , que Calle 13 producción puso esta magnífica serie en marcha, posiblemente la que mejores guioestrena el 16 de octubre en nuestro país, nes tiene de todas las que se emiten en las mucha gente anda que se sube por las paredes. Nuevos personajes, como los networks en la actualidad (sin tener en interpretados por Michael Jai White o cuenta series por cable). Person of Interest Summer Glau. Un Arrow que tiene de es, sin lugar a dudas, el mejor ejemplo de lo base la trilogía de El caballero oscuro de que el género de vigilantes puede proporcionar a la televisión. Tomando como punto Christopher Nolan, hasta el punto que de partida el personaje de Batman y divialgunos echan de menos el humor del Person of Interest diéndolo en dos personajes, el millonario personaje en los cómics, convertido aquí inteligente experto en informática y el hombre de acción capaz de enfrenen algo mucho más cercano al torturado Bruce Wayne. Pero esa historia tarse a cualquier solución, la serie trata también el tema del espionaje en la isla, el magnífico cliffhanger final de la temporada, las ganas que tenemos de ver a Canario Negro, la acción trepidante y sacar de la galería sobre la vida de la gente, tan de moda hoy en día. Esa máquina que observa de villanos a algunos de los menos conocidos del universo DC… merece todos nuestros movimientos y detecta ataques terroristas, pero también mucho la pena, como lo va a merecer ver a Summer Glau como Queen otros, olvidados, crímenes violentos, que nuestros héroes tratan de impedir.

Bee, a Michael Jai White como Bronze Tiger y a Kevin Alejandro como el Jim Caviezel y Michael Emerson forman esta pareja poco habitual, en la que Hermano Sangre, Sebastian Blood, un villano clásico de los Nuevos titaCaviezel es un Batman tan perfecto, que hasta su nombre ha sonado antes nes de George Pérez y Marv Wolfman. Que nadie se la pierda. de que Ben Affleck fuese elegido para Man of Steel 2. Hasta en la voz lo borda. Serie sobre vigilantes justicieros, complejos, oscuros, ambiguos y con Smallville, Superman desde el origen dramas éticos que absorben dentro de sus sensacionales tramas. Una de Sin duda la responsable en gran medida de que la serie Arrow se las mejores series del momento. Y Caviezel habría sido un excelente Batemita hoy día es Smallville, con sus diez años (sí, diez temporadas, man, como demuestra en Person of Interest, que regresa ahora con su terpocas pueden decir eso), como serie del cera temporada, que se estrena tan solo mundo del cómic de referencia, contando una semana después que en EE.UU en los orígenes de Superman, centrados en Calle 13 (jueves 3 octubre 22h25). la figura de Clark Kent. Cambiando Las chicas son guerreras mucho la historia del héroe, algo que no gustaba demasiado a los fans del cómic, Sería injusto hablar de justicieros y pero que no impidió que la serie fuese un vigilantes sin dar un pequeño repaso a rotundo éxito, en gran medida por el esas mujeres que han llenado la pantalla público femenino que nunca antes se repartiendo cera a diestro y siniestro para había interesado por una producción salvar al inocente y defender la justicia. basada en los cómics, pero que quedó Quizá Buffy o incluso Xena no se incluyan entusiasmada por Smallville . Sí, es por completo en este perfil, por el tinte mitológico o fantástico, pero su estilo cierto, tenía demasiado romanticismo marcó a una generación televisiva e hizo bobalicón, y hasta la llegada de Zod no mella, dejando el camino preparado para terminó de despegar. Pero no es que que otras llegasen. Como hizo Jessica Superman haya sido nunca un héroe preSmallville Alba en Dark Angel, la serie creada por cisamente oscuro. Tuvo un sensacional Lex Luthor en la piel de Michael Rosenbaum, una bellísima Lana Lang James Cameron que mezclaba ciencia ficción en un futuro bastante peliinterpretada por Kristin Kreuk y una no menos espectacular Lois Lane groso, en el que Alba, modificada genéticamente, repartía estopa que con los rasgos de Erica Durance. Posiblemente, la serie de superhéroes daba gusto en el lado de los buenos, e incluso contaba con su propio Orámás popular de todos los tiempos. Ha habido otros Superman, o Superculo, interpretado por Michael Weatherly. Un enfadado James Cameron boy incluso, pero Smallville será siempre la más recordada. dejó la serie con un final a medio cocer y los aficionados con dos palmos de narices. Más aún en la línea de Arrow apareció Birds of Prey, serie que Flash, el héroe fallido surgió a la sombra de Smallville y que solo duró media temporada, en la que varios personajes femeninos de DC, Oráculo, Canario Negro y la Para muchos de los que crecimos a partir de los ochenta, Flash se Cazadora, se enfrentaban a una Gotham sin Batman. La idea era buena; convirtió en una serie distinta, entretenida y sin complejos, sacada direcel reparto –con Ashley Scott salida de Dark Angel, Dina Meyer y Rachel tamente de los cómics que muchos habíamos devorado de mano de la Skarsten– genial, incluso Mark Hamill ponía voz al Joker, como en los desaparecida editorial Zinco. Flash, interpretado por el muy musculado dibujos animados. Pero no terminó de cuajar.

Jesús Usero John Wesley Shipp (demasiado para el papel, casi parecía más prepa-

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ENTREVISTA

Charlie Hunnam

De la pluma del creador y productor ejecutivo Kurt Sutter, Hijos de la anarquía es un drama rápido y visceral, ligado con humor negro, que sigue las hazañas del célebre Sons of Anarchy Motorcycle Club Redwood Original (SAMCRO, Hijos de la Anarquía Club de Motos Redwood Original), en su batalla continua por proteger la pequeña ciudad de Charming de cualquier mal que llegue, usando la fuerza que sea necesaria.

Charlie Hunnam protagoniza la serie en la piel de Jackson Jax Teller, heredero al trono de este reino, que quiere mantener al club alejado de sus conocidos negocios de armas –y tráfico de drogas– como hizo su difunto padre, John Teller.

Katey Sagal interpreta a Gemma Teller Morrow, la leal madre de Jax, que no se detendrá ante nada para proteger a su familia y al club, y que a menudo choca con la mujer de Jax y su amor desde la infancia, la doctora Tara Knowles (Maggie Siff), madre de los dos hijos de Jax, que lucha continuamente con ese tipo de vida.

Sobre Jax pende la sombra de su despiadado padrastro, el antiguo presidente del Club Clay Morrow (Ron Perlman), uno de los miembros originales de SAMCRO y responsable de la muerte de Jax. En la quinta temporada, Jax se ha convertido al fin en presidente, y la carga de la responsabilidad cae sobre sus hombros mientras se enfrenta al IRA, un caso federal de crimen organizado, un cártel mexicano y al señor del crimen, con ganas de venganza, Damon Pope (Harold Perrineau como estrella invitada), junto con el conocimiento del pasado asesino de su padrastro.

Mientras Jax intenta sacar el club de sus obligaciones en el tráfico de armas y cocaína, las deudas deben ser pagadas y los marcadores igualados, ¿podrá salvarse a sí mismo de su propia espiral de corrupción moral?

En la temporada 5, Jax es al fin presidente, ha cogido el mazo, y parece que le ha convertido en algo más desequilibrado y temerario.

Sí, bueno, eso suele pasar. El poder corrompe. Pero también ha heredado un completo desastre. Lo veo un poco como Obama haciéndose con el cargo después de Bush, ¿sabes?, Obama también se volvió algo loco, pero también heredó un completo desastre, así que te toca jugar con las cartas que te han repartido. Pero, sí, creo que el estrés y la presión de todo ello le alcanzan un poco.

En la quinta temporada, ¿crees que Jax es tan malo como Clay, crees que se convierte en la figura contra la que al principio se rebeló?

No creo que Jax sea tan malo como Clay Morrow lo es en la cuarta o la quinta temporada; quizá como era Clay en la primera temporada. Pero esa es una de las cosas que Jax no había previsto, lo difícil que es mandar y tomar decisiones que van a afectar a todo el mundo. Es una gran cantidad de presión. Suelo fijarme en Kurt Sutter como una forma de entender el viaje en el que se embarca Jax. Quiero decir, Kurt es un escritor increíble, un verdadero maestro de la narración, y tiene eso completamente controlado, pero también tiene que montar cada episodio, y lidiar con todos los actores cuando tiene problemas, e intentar criar a una familia, y todo eso choca. Así que suelo fijarme en Kurt como el molde para entender por lo que Jax está pasando. ¿Puedes hablar de cómo la muerte de su mejor amigo, Opie (Ryan Hurst), cambia a Jax en la quinta temporada?

Cambia las cosas de forma dramática. Creo que ese momento supone el final del sueño, de un montón de formas, para Jax. Hay muchas deudas que han de ser pagadas a lo largo de las temporadas de la serie, pero este precio pagado fue demasiado alto. Así que creo que supuso la muerte de su esperanza, y lo vi como la muerte del niño y el nacimiento del hombre que va a hacer lo que sea necesario. Fue esa epifanía final la que le hizo entender que si vas a colocarte en este ambiente, en este mundo, mejor estés preparado para cosas como esta, y mejor que estés preparado para facilitar las repercusiones necesarias. Así que todo se vuelve muy oscuro para Jax. No se toma la muerte de Opie a la ligera, y definitivamente vamos más lejos con el lado oscuro de Jax de lo que hemos ido nunca antes en los momentos inmediatamente posteriores a esa muerte. ¿Cómo te hizo sentir esa escena?

Creativamente, fue de lejos y por mucho la experiencia más profunda que he tenido como actor. Leí el guion (sabía que estaba al llegar, Kurt me lo había dicho) y llegué a la escena en la que Opie es asesinado y lloré. Es un personaje al

que he llegado a querer a lo largo de los años, sin mencionar mi relación con Ryan Hurst, y lo sentí como una auténtica pérdida para mí. Fue una experiencia extraordinariamente profunda para los actores involucrados en ella. ¿Cómo es para ti explorar el lado oscuro de Jax? ¿Te afecta en la vida real?

No es como si yo no tuviese mi propio lado oscuro, así que puedo adentrarme en él. Paso gran parte de mi tiempo intentando no hacerlo porque es un lugar poco saludable para mí, pero vengo de una zona realmente dura, y mi padre era un hombre increíblemente duro y brutal (¡no con nosotros!), pero era toda una leyenda de allí de donde vengo, Newcastle, Inglaterra. Así que me siento muy cercano con la propensión a la violencia y la propensión a ir a ese lugar oscuro.

Pero tengo mucha suerte en mi vida, porque logré salir, y no tengo que emplearlo como moneda de cambio en mi vida, así que no supone ningún problema pretender que es así de cuando en cuando.

La quinta temporada tiene algunas estrellas invitadas geniales. Cuéntanos algo sobre Ashley Tisdale.

Hizo un gran trabajo. Creo que era una gran fan de la serie; estaba realmente emocionada de estar en ella. La anécdota que salió de todo ello es esta: yo monto cada día, es una parte importante de mi vida y me siento muy orgulloso en este set, dentro de este grupo de tíos, de no haber estado nunca en la plataforma de remolque. Para mí, si estás interpretando a un motero, quieres estar en esa moto y montar de hecho ante la cámara tanto como sea posible. Pero como Ashley es una enorme estrella de cine, no la aseguraban para montar libremente conmigo, así que tenía que estar en la plataforma de remolque con ella para que la moto no se cayese. Y, por supuesto, como es una estrella, había miles de paparazzi alrededor, así que la única vez que he estado en esa plataforma de remolque es la única vez que los paparazzi han estado en nuestro set.

Parece que montar en moto es importante para ti. ¿Has tenido siempre una moto?

Sabía montar, pero no tenía una moto cuando entré en la serie. Fue durante el rodaje de la primera temporada, cuando volví a enamorarme de las motos. Pero vengo de una familia a la que le gusta montar en moto. Mi padre lo hacía y mi hermano es un ávido corredor de motos, así que siempre he estado rodeado de motos, y he montado en cross cuando era un crío, y mierdas como esas. Ahora tengo dos Harleys: tengo una Dyna, que monto casi todo el tiempo, y una Street Glide que uso de vez en cuando.

Desde la primera temporada, Jax siempre ha sido capaz de tener al club y a Tara a la vez, pero parece que cada vez es más y más difícil para él conservar ambos. ¿Pueden Jax y Tara ser realmente felices alguna vez?

Lo que siento al respecto es que no puedes tener ese estilo de vida y permanecer de una pieza, emocional y psicológicamente. Siempre he sentido que Jax no va a poder tener ambos, y que nunca será capaz de abandonar el club. Solo estoy especulando, pero creo que va a haber una gran decisión, quizá al final de la séptima temporada, y mi apuesta es que Jax elegirá el club; posiblemente de forma errónea para su felicidad futura, pero eso es lo que creo. Conozco a varios tipos que viven de esta forma y han tenido que tomar esa decisión y siempre han elegido el club. ¿Crees que Jax podrá cumplir su amenaza alguna vez y cortar todos sus lazos con Gemma?

No. Creo que Gemma está tan integrada en el tejido que compone el club y su día a día que no se separará de ella nunca. Esperemos que consiga alejarse un poco. Y desde que es presidente, creo que tiene aún más límites con ella. Pero si la perdonó por su involucración en la muerte de John Teller, creo que posiblemente esté dispuesto a perdonarle cualquier cosa. ¿Puedes contarnos qué lección vital has aprendido de Jax Teller?

Mata siempre a tus enemigos.

Sarah Lucy May / Traducción: Jesús Usero

Hijos de la anarquía, quinta temporada, está ya disponible en blu-ray y DVD, de 20th Century Fox Home Entertainment

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ACCIÓN

Actualidad Tv

Lisa Kudrow se incorpora al reparto de Scandal en su tercera temporada. Una serie de la que nadie esperaba nada en su segundo año y que, poco a poco, empezó a crear una audiencia fiel y creciente que la ha llevado a una tercera temporada de próximo estreno y en la que veremos a la popular actriz de Friends Lisa Kudrow incorporarse al reparto, dando vida a una poderosa política de intenciones desconocidas. La serie regresa en otoño a ABC.

American Psycho tendrá serie en FX. Acaba de anunciarlo la cadena por cable, aunque todavía quedan muchos flecos sueltos, pero la intención es realizar una serie a modo de secuela del libro de Bret Easton Ellis y de la película protagonizada por Christian Bale en el año 2000. Con el éxito de las nuevas producciones de asesinos en serie como Bates Motel o Hannibal , FX ha querido conseguir su propio icono dentro del género con este personaje, en una trama que nos llevará unos años en el futuro, cuando Patrick Bateman, el personaje central del libro al que dio vida Bale, cincuentón y aburrido, contrata a un nuevo aprendiz, alguien a quien adiestrar desde cero en el arte de matar que sigue practicando con letal eficacia, y que se convertirá en un igual a través de este sádico experimento.

Juego de tronos ya tiene nuevo actor para ser la Montaña. Y es el tercero que pasa por el papel, tras Conan Stevens y Ian Whyte, quienes lo hicieron en las pasadas temporadas. Para la cuarta temporada veremos al actor islandés Hafthor Julius Bjornsson dando vida al peculiar personaje, Gregor Clegane, hermano de Sandor. No es el único reemplazo, porque Michiel Huisman reemplazará a Ed Skrein como Daario Naharis y Dean-Charles Chapman sustituye a Callum Wharry como Tommen Baratheon Esperemos que sean tan buenos como los actores anteriores. Por cierto, también se ha revelado al fin el personaje al que dará vida Mark Gatiss, actor y cocreador de Sherlock, y será el de Tycho Nestoris, un representante del banco de Braavos en busca de Stannis Baratheon. Además, la banda islandesa Sigur Ros también hará un cameo en la cuarta temporada que se estrenará la próxima primavera.

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Secuela de El mago de Oz perversa creada por el padre de Héroes.

Tim Kring se encuentra en estos momentos preparando una secuela de El mago de Oz, basada en una novela de Danielle Paige que se publicará en 2014, Dorothy Must Die. La serie nos presenta un mundo de Oz en el que Dorothy se ha convertido en una tirana, ayudada por sus secuaces, el Espantapájaros, el León y el Hombre de Hojalata. Una chica acaba en Oz y se encuentra con que debe derrotar a la reina tirana. La serie, en desarrollo por US Television, es el cuarto proyecto basado en el mundo de Oz, al que se suman Emerald City, de NBC (también revisión oscura), Dorothy de CBS y Warriors of Oz de Syfy.

Tres actores en la carrera final por The Flash. Como os comentábamos hace bien poco, la serie Arrow con su arrollador éxito en The CW y medio mundo, ha generado suficiente interés para que se cree su propio spin off, basado en otro de los personajes más conocidos de DC Comics, Flash, que ya tuvo una fallida serie en los noventa. El personaje aparecerá en tres episodios de la nueva temporada, y según su acogida le veremos en una nueva serie. Dicen los rumores que tres son los actores que están en la lista final para interpretar al héroe, Matt Barr, de Hellcats y la miniserie Hatfields and McCoys; Grant Gustin, de Glee; y el australiano James Mackay, son los nombres que baraja Warner en estos momentos. Y, sinceramente, si fuese por mí, Matt Barr sería la opción más adecuada.

La secuela de Legión ya tiene reparto. La película de moderado éxito con Paul Bettany dando vida al ángel Michael en el inicio de una guerra entre los ángeles y la humanidad, tendrá una secuela en televisión en Syfy, en forma de serie, llamada Dominion, que continuará con la historia 25 años después del filme, cuando la guerra entre humanos y ángeles se encuentra en pleno apogeo, con solo cuatro ciudades humanas sobreviviendo. Chris Egan será el protagonista, dando vida a un soldado que descubre que es el salvador de la humanidad (los que vieron la película sabrán quién es), mientras Alan Dale dará vida a uno de los generales de las ciudades supervivientes y Tom Wisdom será quien reemplace a Bettany. Scott Stewart, director de la película, dirigirá el piloto.

ACTUALIDAD TV Se confirma el reparto de lujo de Penny Dreadful. La serie de la que os hablábamos hace no mucho, creada por Sam Mendes y John Logan, el equipo creativo detrás de la brillante Skyfall, y dirigida por J. A. Bayona, Penny Dreadful, que mezclará a muchos personajes de la literatura gótica, como Frankenstein, Drácula o Dorian Grey, empieza a cerrar su reparto y parece el de una película de lujo. Con ocho episodios por delante, en la serie veremos a Timothy Dalton como el explorador sir Malcolm, Eva Green, Josh Hartnett, Billie Piper, Rory Kinnear o los recién incorporados Harry Treadway como Frankenstein y Reeve Carney como Dorian Grey. La serie será emitida por Showtime y, en palabras de sus creadores, se trata de una historia de horror psicosexual, algo que le viene como anillo al dedo a una cadena como Showtime.

Rhys Ifans y Philip Seymour Hoffman en la nueva Trending Down. O al menos en el episodio piloto, que empieza a rodarse en breve, pero que aún no ha sido comprado para ser serie completa por Showtime. En ella veremos el devenir de la vida del personaje de Hoffman, que se cuestiona su existencia y carrera cuando su agencia de publicidad es comprada.

Ifans dará vida a su jefe, un tipo de lo más peculiar. Para cerrar el reparto de nombres confirmados, Kathryn Hahn será la esposa del personaje de Hoffman.

Katherine Heigl regresa a televisión con una serie de NBC. Tras dejar hace años Anatomía de Grey y buscar su lugar en el mundo del cine (con bastante éxito al principio pero con menos cada vez), la actriz ha decidido volver a la televisión con un thriller ambientado en el mundo de la CIA y el espionaje internacional. Heigl dará vida a una analista de la CIA que tendrá que compaginar una complicada vida personal con asuntos de seguridad nacional. Creada por el guionista de The Following Alexi Hawley, la serie tiene ecos de Homeland y pretende echar un vistazo al trabajo de la CIA tras las bambalinas, de un modo antes no visto, según la propia actriz.

Sylvester Stallone podría volver a ser Rambo en televisión. La noticia ha saltado hace no mucho cuando el productor de la última entrega de uno de los personajes que convirtió a Stallone en una estrella con la película Rambo, Avi Lerner, ha anunciado nueva serie sobre el personaje que se basará tanto en la novela en la que se apoyó la primera película como en los filmes posteriores del actor. No hay reparto confirmado ni cadena, pues la serie se producirá y luego se venderá a Estados Unidos y a televisiones internacionales, pero lo que sí se ha confirmado es que el propio Stallone se encuentra negociando su presencia en la producción como protagonista, dando vida a tan carismático personaje. Y, la verdad, será difícil que alguien le reemplace en la pequeña o la gran pantalla como Rambo.

Liz Hurley será la reina de Inglaterra en The Royals. Creada por el padre de One Tree Hill, Mark Schwahn, la serie de E! estará ligeramente basada en el Hamlet de Shakespeare y se centrará en una ficticia familia real británica en la que Hurley será la reina, y tendrá que lidiar con su hijo y heredero al trono, que regresa a casa con una novia americana. A eso se le suma el hecho de un matrimonio fallido con el rey que podría poner la corte patas arriba.

JJ Abrams de la mano de Jonathan Nolan de nuevo en el remake de Almas de metal. ¿Qué sería de un mes de noticias sin un nuevo proyecto de JJ Abrams? El productor multitarea está en todas partes y tras su exitosa colaboración con Nolan en Person of Interest es lógico que sigan trabajando juntos, con un proyecto interesantísimo. El remake para HBO en forma de serie de la película de ciencia ficción de culto, protagonizada por Yul Brynner, Almas de metal , dirigida y escrita por Michael Crichton. En ella un parque de atracciones para adultos caía en el caos cuando los androides que lo poblaban empezaban a fallar y matar gente.

Nolan produce, escribe el piloto junto a su esposa Lisa Joy, y también lo dirigirá. Y si es tan buena como Person of Interest, merecerá la pena.

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