Fanzine fotografia contemporanea Jonathan Buitrago

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FOTOGRAFIA CONTEMPORANEA La admiración del público en un mundo como el nuestro solo puede conseguirse a través de la creatividad, cada vez mayor, de los artistas de la fotografía contemporánea Con el paso del tiempo, como ocurre con todas las artes, se ha arraigado en la fotografía contemporánea la necesidad de innovar. Con cada instantánea que se toma, surge uno de los mayores problemas para un fotógrafo: cómo no repetirse, cómo crear algo nuevo, cómo innovar con su trabajo. Básicamente es la necesidad de desarrollar la creatividad.

La carencia de inventiva es uno de las mayores barreras que existe para cualquier artista, pues la inspiración no puede forzarse. El miedo a la página en blanco puede llegar a causar una ansiedad enorme a muchos escritores. Algunos profesionales aseguran que puede entrenarse la imaginación con trabajo continuo y la formación y aprendizaje correctos.

Otros prefieren dejar que las musas les guíen a la hora de crear sus imágenes y cuando lleguen, llegarán. Cogen su cámara, salen a la calle y se dejan guiar por sus instintos.

Por Ana Pareja

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FOCUS Autor: Jonathan Ricardo Buitrago Instagram: nathan_ric_photo Año 2020

CONTENIDO TEMA: PAG OBJETO......................................................4 La hora del té #clasepopart .….................5 RETRATO Y NARRATIVA............................6 El principito #retratonarrativa..................7 IMPASBLE..................................................10 Bajo la piel #asignacionimpasible............11 Cotidianidad intimista...............................12 Tus momentos #cotidianidadintimista.....13 Autoretrato................................................21 Mis pasiones #autorretratoapropiado......22 Arte conceptual........................................23 Expresiones #archivoconceptual.............24

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OBJETO INTERVENIDO

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hema Madoz fotógrafo español, Premio Nacional de Fotografía en el año 2000.

José María Rodríguez Madoz, entre los años 1980 y 1983 cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultánea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expuso la primera muestra individual del autor en el año 1984. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inauguró su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comenzó a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mostró la exposición “Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española” que llevará de manera itinerante por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibió el Premio Kodak. En 1993 recibió la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

La Editorial Art-Plus de Madrid editó en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995). Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista, el libro titulado Mixtos - Chema Madoz.

En 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela mostró la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó la exposición individual “Objetos 1990 - 1999”, que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.3 En el 2000 el fotógrafo madrileño recibió el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bie nal de Houston Fotofest le reconoce como “Autor Destacado”.

Fuente: http://www.chemamadoz.com/autor.html https://es.wikipedia.org/wiki/Chema_Madoz

EL ROSTRO OCULTO DE LAS COSAS. Chema Madoz y la poética de la transubstanciación Luis Arenas A lo largo de los años Madoz ha venido echando sobre sus espaldas una tarea hercúlea. Con una perseverancia que ha sabido convertir en estilo inconfundible, Madoz viene poniéndonos en contacto con esos otros mundos posibles que nos rodean, un universo de objetos tan familiares como desconocidos, tan próximos como irreductiblemente extraños. ¿Cuándo es que el fotógrafo decidió convertirse en una suerte de Hermes de esos mundos paralelos? ¿En qué momento entendió que su trabajo consistiría en descifrar incansablemente mensajes de esos lugares y objetos, próximos en el espacio y remotos en la imaginación? Debió de ser muy pronto. Y, desde entonces, asistir a una exposición suya u hojear uno de sus catálogos sólo resulta provechoso si estamos dispuestos a reconocer de entrada que aún no lo sabemos todo de esos fieles servidores que rodean nuestra más inmediata cotidianidad. Cerillas, cubiertos, relojes o libros

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LA HORA DEL T

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RETRATO Y NARRATIVA GREGORY CREWDSON Y SU EXTRAÑO MUNDO ¿Qué ocurre cuando se ponen, en una coctelera, un padre psicoanalista, un chico disléxico que necesita entender el mundo en términos de imágenes y un enamorado del cine y la fotografía? La respuesta es: Gregory Crewdson Por Óscar Colorado Nates.

La niebla de Crewdson La neblina ha cubierto a Gregory Crewdson, literalmente: recién ha pasado un camión que ha dejado una bruma artificial sobre el set que el artista ha diseñado para su próxima fotografía.

Y, al mismo tiempo, hay otra fumarada que se posa sobre la obra del director del posgrado en fotografía de la Yale University: es un tizne metafórico que se cierne sobre su obra fotográfica. son únicas: la intensidad de sus colores, los reflejos y frecuentemente, aquella calima que provoca una atmósfera a veces de ensueño, otras de pesadilla.

Las fotografías de Crewdson se pueden apreciar, inicialmente, sin mucho esfuerzo. Pero, al mismo tiempo, están cubiertas por otro humo, pues aquella capa visual de belleza oculta las verdades, secretos y misterios que subyacen en cada encuadre.

El

retrato es la descripción de una persona o personaje efectuada por un observador por medio de la palabra. En el retrato, el observador les asigna cualidades. Para realizar un retrato, el observador puede centrarse en una parte del cuerpo, en una posición determinada o bien puede hacer un retrato de cuerpo entero; puede detenerse o no en características de la vestimenta, y establecer relaciones entre el aspecto físico y la personalidad del retratado. Asimismo, puede relacionar en mayor o menor medida al personaje con el medio en que se encuentra.

GREGORY CREWDSON (nacido el 26 de septiembre de 1962) es un fotógrafo estadounidense famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos.

Crewdson nació en Brooklyn, Nueva York (1962) Durante su adolescencia formó parte de una banda de punk rock llamada The Speedies, que gozó de popularidad en toda la ciudad.1 Su canción de más éxito, “Let Me Take Your Photo” (“Deja que te haga una foto”), resultó ser profética respecto a la futura profesión de Crewdson. En el año 2005, la compañía Hewlett Packard utilizó esta canción para promocionar sus cámaras digitales.

A mediados de los años 1980, Crewdson estudió fotografía en la Universidad del Estado de Nueva York (SUNY, por sus siglas en inglés) en Purchase, cerca de Port Chester, Nueva York.

Se diplomó en Bellas Artes por la Universidad de Yale.

Ha enseñado en los siguientes centros universitarios: Sarah Lawrence College, Cooper Union, Vassar College y, desde 1993, en la Universidad de Yale. Actualmente es profesor en esta universidad.

Crewdson es representado por las galerías Luhring Augustine en Nueva York y White Cube en Londres. https://es.wikipedia.org/wiki/Gregory_Crewdson https://oscarenfotos.com/2015/04/05/gregory-crewdson/

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EL PRINCIPITO

A este muchacho, que decĂ­a venir del espacio (del asteroide B612), y que nunca dijo su nombre, lo llamĂł el principito.

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IMPASIBLE La noción de impasible, que proviene del vocablo latino impassibĭlis, refiere a quien se mantiene inalterable, inmutable o inflexible. Este adjetivo se emplea para calificar al sujeto que parece no tener emociones ni sentimientos. .

BERND Y HILLA BECHER Bernd y Hilla Becher (Bernd (1931 - 2007), Hilla (1934–2015) Fueron dos fotógrafos alemanes conocidos por sus series de imágenes edificios industriales examinando similitudes y diferencias en estructura y apariencia.

Bernd y Hilla se conocieron como estudiantes de pintura en la Universidad de Düsseldorf, y se unieron en matrimonio en el año 1961.

Su primera colaboración en fotografía fue en 1959 documentando la desaparecida arquitectura industrial. Su primera exposición fue en el año 1963 en la Galería Ruth Nohl (Siegen) Su trabajo mostraba la fascinación de ambos por la similitud con la que habían sido creados ciertos edificios. Las fotografías fueron realizadas desde diferentes puntos de vista con una cámara de gran formato, pero siempre en un plano perpendicular al objeto que retrataban. Las imágenes de los edificios con idéntica función fueron mostradas juntas invitando al público a comparar las formas y diseños. Estos edificios eran principalmente graneros, torres de agua, Silos de almacenamiento, castilletes de extracción o altos hornos.

Los Bechers fotografían estas series de edificios industriales siguiendo unas pautas muy definidas. Durante más de 50 años han recorrido plantas industriales de Alemania, Inglaterra, Bélgica, Francia o EE.UU. Todo su trabajo es en blanco y negro. Ellos mismos cuentan que en el momento en el que aparecieron las primeras películas en color hicieron algunas pruebas sin convencerles lo más mínimo: “al fotografiar en color se extrae un tono que realmente no existe. El carácter escultural se presenta mejor con la utilización del blanco y negro”. Para tomar sus imágenes suelen situar una cámara en un punto elevado y luego con una luz difusa (para no crear sombras) dejan abierto el objetivo durante un largo tiempo de exposición, de esa forma no aparece la figura humana.

Desde 1976 hasta 1996 Bernd ha sido profesor en Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. Han recibido numerosos premios, Berdt enseña en la Academia de Arte de Düsseldorf y ha influenciado a numerosos estudiantes que harían más tarde fotografía industrial. Entre ellos encontramos a ANDREAS GURSKY, THOMAS RUFF, Y CANDIDA HÖFER.

Han recibido numerosos premios, entre otros el León de Oro en la Bienal de Venecia de 1990, el Premio Erasmus en 2002, o el premio Hasselblad en el año 2004.

FUENTE: https://es.wikipedia.org/wiki/Bernd_y_Hilla_Becher

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BAJO LA PIEL

“El hombre superior es impasible por naturaleza: le da igual que le elogien o censuren.”

Napoleón Bonaparte

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COTIDIANINIDAD INTIMISTA Nan Goldin es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80.

Goldin nace en 1953 en una familia de origen judío en Washington D.C., pero crece entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra, después de que su hermana se suicidara. Poco después, Goldin entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Cuando tiene 15 años, tiene su primer contacto con la fotografía en la escuela; dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, Goldin ya aparece como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, “en las imágenes de las revistas de moda moderna”.

En esa época, Goldin empieza a frecuentar la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense. Allí, la artista conoce a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años: Bruce, Sharon, Cookie, Waters...

Poco después, Goldin ingresa en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se gradúa en 1978. En su promoción también estudian artistas reconocidos como Philip-Lorca diCorcia y David Armstrong, al que había conocido en Satya y que habría de convertirse en uno de los grandes cómplices de Goldin, participando en el grupo de Los cinco de Boston. Además, la fotógrafa empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash.

Con ese equipaje, Goldin abandona Boston y se establece en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topa con el estallido del punk y la aparición paralela de decenas de impulsos contraculturales.

En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista».

Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente.

La más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual (título tomado de una canción de Bertolt Brecht), y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema.1 Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, Goldin ingresa en una clínica de desintoxicación, donde sigue trabajando. Allí, el autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, la fotógrafa rodaría un documental autobiográfico, I’ll be your mirror, que toma su título de una canción de la Velvet Underground.

Poco después de salir de la clínica, en 1991, Goldin abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Nan_Goldin

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TUS MOMENTOS

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AUTORETRATO El autorretrato se define como un retrato hecho de la misma persona que lo pinta. Es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velázquez.

Un autorretrato no necesariamente implica un género realista. Tampoco implica necesariamente el término asociado a la pintura. Existe como recurso literario, muy próximo a la prosopografía y la etopeya.

Los primeros autorretratos de los que se tiene conocimiento datan de la Edad Antigua. En Egipto, alrededor del año 1300 a. C. se sabe que hubo un escultor de nombre Bek que esculpió un autorretrato sobre piedra. En ese tiempo solo los dioses, los ricos y poderosos tenían el privilegio de inmortalizar su imagen.

El desarrollo del autorretrato: razones técnicas En el plano técnico, la difusión de nuevos materiales y las nuevas formas de aplicar el color (especialmente en el caso de la pintura al óleo) posibilitaron mejoras significativas en el dibujo, el color y la representación del claroscuro de las pinturas. Además, la mejora y el extendido uso del espejo facilitó la tarea de los pintores en el acto del autorretrato, y contribuyó al modelo de composición, que se caracteriza por vista de lado del sujeto y la de tres cuartos. Sin embargo, debe recordarse que solo en 1516 se comenzaron a producir espejos similares a los modernos en Murano.

https://es.wikipedia.org/wiki/Autorretrato https://www.karimestefan.com/statement

KARIM ESTEFAN soy un fotógrafo de Ficciónes. de Metáforas. de Historias que, por medio de fabricaciones y realidades falsas hablan de la condición del ser humano. construyo, literalmente construyo (ya que evito la manipulación digital en mis imágenes) estas realidades, buscando una manera de mantener la continuidad de lo que significa ser humano, dándole fuerza a los factores que nos hacen ser quienes somos, como individuos y como sociedad. creo que es por medio de contar historias que mantenemos viva la memoria, las memorias de nosotros mismos y de esos que han caminado antes que nosotros y a nuestro lado. busco en la metáfora la herramienta que me permita acceder, en mí mismo y en el espectador, a esos lugares que lidien con lo no literal, con lo no racional; estoy buscando una entrada al subconsciente y al inconsciente, esos espacios donde el misticismo de nuestra naturaleza está viva aún y no tenemos control sobre él. es aquí que la Ficción se vuelve Realidad, cuando lo que he retratado se une a la historia que pertenece única y exclusivamente al espectador, haciendo de mi monólogo visual un diálogo en planos que son crudos e inesperados.

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MIS PASIONES

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ARTE CONCEPTUAL

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hizuka Yokomizo estudió filosofía en la Universidad Chuo de Tokio de 1985 a 1989. El mismo año, se mudó al Reino Unido para estudiar bellas artes en el Chelsea College of Art and Design . Después de obtener su título, continuó estudiando artes en la Universidad Goldsmiths de Londres de 1993 a 1995. Gran parte de su fotografía utiliza impresión cromogénica . Su trabajo se ha exhibido en los Estados Unidos, Europa, Corea del Sur y Japón.

Las condiciones bajo las cuales Yokomizo captura la imagen son esenciales para su trabajo: ella afirma, “[m] cualquier persona me llamará fotógrafo, pero no me considero uno ...” Elegí el medio de fotografía porque me permitió visualizar mi perspectiva y quería confirmar mi existencia y verificar el estado de mi ser en esos lugares “ Explorando “la brecha entre uno mismo y el otro; el espacio que existe entre ‘yo’ y ‘usted’ “, el trabajo de Yokomizo es a menudo un” contraste con la ‘mirada’ despiadada de la fotografía documental “, que busca” reproducir un fuerte sentido de reciprocidad y una conciencia de la propia presencia en relación con otro “. Yokomizo inició su serie Stranger en un intento de investigar más a fondo estas relaciones, dejando cartas anónimas en los buzones de los apartamentos del primer piso alrededor de Inglaterra. Un extracto de la carta dice: “Me gustaría tomar una fotografía tuya parado en tu habitación de enfrente de la calle en la noche. Se colocará una cámara fuera de la ventana en la calle.

Si no le importa ser fotografiado, párese en la habitación y mire a la cámara por la ventana durante 10 minutos ... NO llamaré a su puerta para recibirlo.

Seguiremos siendo extraños el uno para el otro “ Su trabajo a menudo aborda ideas de “distancia e intimidad, anonimato y exposición, colaboración y control, vigilancia y exhibicionismo” [6], enfocándose en el “momento de intercambio con el tema”. https://es.wikipedia.org/wiki/Autorretrato https://www.karimestefan.com/statement

Shizuka Yokomizo usa la fotografía y el video para examinar la relación entre uno mismo y el otro. Mirando más allá de las posibilidades estrictamente representativas de la imagen fotográfica hacia lo que no se ve, su trabajo aprovecha el potencial de estos medios para transmitir los contornos a menudo intangibles de un encuentro entre el fotógrafo y el sujeto, sugerir múltiples vectores de conciencia y descubrir un diálogo entre los ámbitos público y privado. Su serie “Stranger” (1998– 2000) se centra en una confrontación momentánea entre observador y observado. En esencia, es una especie de colaboración: Yokomizo envía a sus sujetos una carta anónima proponiendo que se paren en la ventana frontal de su casa en una fecha y hora específicas, momento en el que el artista llega afuera, coloca su trípode y su cámara, expone su película, y luego se va. Se instruye a los sujetos a encender todas sus luces, usar su ropa habitual y permanecer quietos, o si eligen no participar, señalar esto bajando las cortinas. Debido a que la hora seleccionada es durante la noche, los sujetos de Yokomizo pueden discernir al fotógrafo solo como una silueta oscura.

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EXPRESIONES