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La Cultura de la ciudad, una publicación cultural y artística. 1
Diario Cultural Sabado 31 de Mayo del 2014
BOGOTÁ
Lujos de un Retratista gráfico
Una corriente alternativa
El ilustrador portugués más reconocido en la actualidad ha dedicado buena parte de su trabajo a la caricatura.
Traverso y Febre trabajan como docentes en una escuela pública de Buenos Aires, Argentina. Su cotidianidad transcurre entre los pizarrones y la austeridad propia de un oficio que se encuentra entre los >Pág. 7 peor remunerados del continente.
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"La langosta azul" cumple 60 años Esta película surrealista colombiana se filmó en 1954 en Salgar, Atlántico. Fue dirigida por Gabriel García Márquez.
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Infografía: Philippe Starck Diseño Democrático. Infografía dedicada al maestro del diseño industrial y genio de la vida, Philippe Starck, su vida, su trayectoria, sus logros >Pág. 9 y sus ideas.
El Einstein de la moda
La trayectoria de este “coutourier” que dos exposiciones se proponen que, por fin, obtenga el reconocimiento que se merece. En el podio de los modistos legendarios del siglo XX –Lanvin, Chanel, Dior y Balenciaga entre ellos– falta un nombre: James. Es Charles James, el diseñador angloamericano que una vez fue venerado y que hoy en día es mejor descrito >Pág. 11 como un genio olvidado.
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ARTE.
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Destruyó jarrón de US$1 millón
André Carrilho ha tenido reconocimientos en ilustración, diseño y animación.
Lujos de un retratista. Un portafolio gráfico El ilustrador portugués más reconocido y premiado en la actualidad ha dedicado buena parte de su trabajo a la caricatura política y el retrato. Un kamasutra para obesos fue uno de las pocos trabajos que André Carrilho alcanzó a presentar en la Academia de Bellas Artes de Lisboa, antes de abandonar los estudios para siempre. En ese punto, ya sabía que importaba más armar un buen portafolio que conseguir un título, y tenía claro que su carrera como ilustrador había comenzado años atrás, lejos de Europa. A principios de los noventa, Carrilho había pasado varios años de su adolescencia en medio del raro paisaje de Macao, antigua colonia
portuguesa en territorio chino. Sus primeros dibujos de esa época tendrían la influencia de las acuarelas y la caligrafía oriental. “Creo que mi gusto por la tipografía y los contrastes de blanco y negro vienen de ahí; sin embargo temáticamente no suelo mirar hacia Oriente”, afirmó en una entrevista. Carrilho llegó a la isla a los 16 años y ese verano tuvo su primer trabajo como aprendiz en el taller de arquitectura de sus tíos. Junto a ellos comenzó a enfrentar retos creativos, a trabajar perspectivas y a cuidar
los detalles. Meses después, se cruzó con un par de amigos del colegio entregados a la tarea incomprensible para él en
bujos, y al poco tiempo él tenía su propio portafolio que presentó al recién fundado Ponto Final. En ese periódico,
Temáticamente no suelo mirar a oriente. ese momento– de armar un portafolio de caricaturas para presentarlo a la redacción del Comércio de Macau. “¿Eso se puede hacer?”, preguntó a Gonçalo Viana y a João Lam, hoy también reconocidos ilustradores. Comenzaron a intercambiar ideas y di-
a los 17 años, comenzó una carrera prolífica que ha incluido colaboraciones con Diário de Notícias, The New Yorker, el suplemento Sunday de The Independent, Vanity Fair, NZZ y New York Magazine, entre muchas otras publicaciones.
A lo largo de 23 años, su trabajo ha sido expuesto en muestras individuales y colectivas en galerías de Portugal y España, y ha obtenido reconocimientos internacionales en ilustración, diseño y animación. Entre estos se destacan el Gold Award of the Society for News Design, en 2002, y el premio a la excelencia de un portafolio de ilustración individual, otorgado por la Society of New Design, en 2005. Estos retratos, con una variedad de líneas que revela las presencias de Chris Ware,
Hugo Pratt, Moebius, Carl Barks y el portugués João Abel Manta, están lejos de ser simplemente la reproducción de fisonomías. En palabras de Carrilho: “No es solo un asunto de la apariencia; se trata del movimiento, de la forma de hablar, de pensar. Los retratos no son lo que la gente es, sino una percepción colectiva de ellos. Hay fotografías en las cuales la imagen no captura esa esencia y es imposible reconocer al personaje; ese es un lujo que como retratista yo no puedo darme”.
La vida es un milagro
Mafalda, homenajeada en París
En sus veintisiete años de trabajo ha pintado más de 500 cuadros, de los cuales 470 pertenecen ahora a colecciones privadas, públicas y permanentes en diferentes lugares del mundo. Esta exposición, que se titula De los Alpes a los Andes, estará desde el 20 de marzo en la galería Deimos Arte, que se especializa en la investigación de materiales artesanales utilizándolos
Mafalda recibió en París la consagración de la Legión de Honor, máxima condecoración francesa, pero su autor Quino asegura que, aún cubierta de homenajes, la heroína de su tira cómica seguiría criticando sin piedad, a los 50 años, "la estupidez humana". El historietista argentino de 82 años fue homenajeado este sábado en el Salón del Libro de París, donde participó en un encuentro con el público seguido de una sesión de preguntas y respuestas que el padre de
en objetos modernos y trabaja, junto a ebanistas y tapiceros, en objetos de plata y cuero. La muestra cuenta con veinte cuadros de la artista realizados durante el período 2008-2013. Es la primera exposición de Rodríguez que se realiza en Colombia desde 1989. Para ir: Deimos Arte. Carrera 12 Nº 70-49. Teléfonos: 249 9868 y 217 8833.
Mafalda contestó directamente en francés. Joaquín Lavado -su verdadero nombre- recibió la Legión de Honor de manos del embajador de Francia en Argentina, Jean Michel Casa. Un dibujo mostró a Mafalda con la famosa medalla de la cinta roja creada por Napoleón. Argentina era, y sigue siéndolo, un país complicado. Sobre todo una década después de sus inicios, comenzaban a actuar los escuadrones de la muerte y a correr sangre.
"Lo hice por todos los artistas locales en Miami".
La policía indicó que el hombre, de nombre Máximo Caminero, destruyó deliberadamente el objeto exhibido en el recién inaugurado Pérez Art Museum Miami (PAMM), en la ciudad de Miami, Estados Unidos. La policía reportó que Caminero dijo haber roto el jarrón como forma de protesta por la falta de apoyo del museo a los artistas locales. "Lo hice por todos los artistas locales en Miami que nunca han sido mostrados en museos acá", dijo Caminero, y añadió: "Ellos han gastado tantos millones en artistas internacionales". Pero hablando con la BBC desde Pekín el artista chino recordó que él tampoco puede exponer su trabajo en su propio país, pero "nunca pensé en ir a un museo de Pekín a protestar". Ai Weiwei añadió que él no podía apoyar a un artista que rom-
Arco 2015: más que una vitrina Arco es una feria de arte contemporáneo muy sofisticada, con muy buenas galerías. Fue una de las primeras en el mundo, tiene 33 años, cuando la feria más antigua, la de Basilea, tiene cuarenta y pico. Tiene cerca de 200 galerías, y es tal vez tres veces más grande que ArtBo. Son dos espacios: dos pabellones grandes interconectados, en dónde suele haber un foco sobre algo en particular. Este año el foco estuvo en Finlandia y hubo un foco sobre América Latina. La Feria también
siempre tiene un capítulo dedicado a espacios jóvenes. Tiene una oferta heterogénea: hay muchas galerías muy reconocidas con artistas representativos de la historia reciente del arte contemporáneo, y hay espacios para propuestas emergentes. Colombia ha sido designado como invitado de honor para 2015, en parte en reconocimiento a lo que ha ido emergiendo como actividad creativa, a los proyectos y eventos concebidos. También a la activación del coleccionismo en el
país y en la región, la emergencia de las diferentes ferias, sobre todo de ArtBo… siento que se que se han conjugado todos estos factores para hacer notar que hay un campo artístico de cierta envergadura, que es relevante y complejo y que resulta atractivo para su exploración desde Europa. Esta década ha sido muy favorable. La exposición que hubo el año pasado en Casa Daros fue muy importante para visibilizar a Colombia en el contexto internacional un año.
pía el trabajo de otro artista.En un comu-
activista chino, el museo entra con muy buen
Rompió la vasija en forma de protesta. nicado, el museo confirmó que Caminero "rompió intencionalmente" la vasija. "El equipo de seguridad del museo de inmediato aseguró las galerías y la persona fue detenida. Ahora está bajo custodia policial, y el museo está trabajando con las autoridades en su investigación", informó el PAMM. Caminero ofrecerá este martes una conferencia de prensa para explicar su acto. Ai Weiwei es el primer artista internacional invitado por Pérez Art Museum Miami, que abrió sus puertas el pasado diciembre. Con esta retrospectiva del artista plástico y
pie en el entramado cultural de Miami, una ciudad que en el último lustro ha venido presenciando un notable florecimiento de la actividad artística. La retrospectiva de Weiwei, llamada "According To What?", ocupará los espacios del PAMM hasta el próximo 26 de marzo. Esta exposición reúne una treintena de obras e instalaciones creadas durante 20 años de carrera de quien es considerado uno de los "más prolíficos y provocadores artistas chinos contemporáneos", según el PAMM. Además de su trabajo artístico, que incluye escultura, pintura, instalaciones y música.
Exposición: Los colores del dinero
Hasta el 19 de abril, LA galería exhibe Los colores del dinero, de la artista Luz Forero. Una crítica a la acumulación de dinero como objetivo fundamental de las sociedades capitalistas. Luz Forero explora el dinero como medio para saciar deseos y como objetivo de vida en Los colores del dinero, una muestra de 26 obras
que se exhiben en LA galería hasta el 19 de abril. Es la primera vez que la artista colombo-francesa enxpone en Bogotá obras de su serie ARgenT en una exposición que contó con la curaduria de Francine Birbragher. Por el uso de estos billetes, el valor nominal desaparece y queda su espectro cromático.
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¿Realmente internet revolucionó el arte?
Internet podría no existir ya en absoluto.
¿Internet ha muerto? A primera vista parece una pregunta absurda, sobre todo porque usted está leyendo estas palabras en una computadora o móvil. ¿Cómo podría estar muerta una red de la que dependemos cada día más? ¿Acaso no es más grande que nunca? Pero para Hito Steyerl, un artista afincado en Berlín, Alemania, que ha planteado esta pregunta en un ensayo reciente en el sitio web de artes E-flux, la propia ubicuidad de internet significa que ya no tiene ninguna coherencia. De hecho, podría no existir ya en absoluto. "La internet continúa desconectada como modo de vida, de vigilancia, de producción y de organización”, sostiene Steyerl. Infecta todo, desde las identidades personales y las relaciones románticas hasta los debates políticos y la defensa pública. "Es un muerto viviente y está en todas partes”, escribe el artista: internet, después de haberse filtrado en todos los poros de la sociedad, parece cada
Recorrido por la Bienal de Arte de Cartagena
Cartagena parece más grande cuando se visita su primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. La Bienal cuenta con veintisiete espacios de exposición repartidos en la ciudad amurallada, La Matuna y Getsemaní. Un pequeño cartel naranja a la entrada de cada uno con las siglas BIACI invita a los transeúntes a pasar. Y
es que una de las virtudes del evento es su gratuidad. La mañana del pasado 21 de marzo, por ejemplo, lugares como el Museo Naval del Caribe, recibieron a un público no muy nutrido pero constante y esa misma noche ¡de viernes! el performance del artista búlgaro Svetlin Velchev titulado Limitation Sky y Fragment #3, llenó el
salón del Centro de Cooperación Española donde se presentó. El recorrido empieza en el Palacio de la Inquisición. Quienes lo han visitado saben que se trata de un lugar bellísimo cuya visita, sin embargo, puede resultar escalofriante. En los patios del Palacio, en medio de los árboles, están las máquinas y herramientas de tortura del Santo Oficio. Allí mismo, la brasilera Berta Sichel, curadora artística de la Bienal, instaló las obras Turken in Deutschland de Candida Höfer; Esta noche cuando cierre los ojos de Freya Powell y Reconstruyendo sueños de Beth Moysés. Según Sichel, a su llegada a Cartagena descubrió que la ciudad era un monumento vivo, así que quiso
poner en diálogo la historia de los lugares de exposición. El dolor, el trauma y la pérdida hacen parte tanto de la memoria histórica del Palacio de la Inquisición como de la obra de Höfer, una serie de fotografías de inmigrantes turcos en Alemania durante los años setenta; o la de Powell, un video que proyecta las últimas frases de condenados a muerte; o la de Moysés, fotografías de guantes blancos de mujer con un tejido negro que a modo de cicatriz, sigue las líneas de la mano. Justamente, esta última guarda relación con Signos cardinales, la impactante obra de la artista colombiana Libia Posada, que también está en la Bienal, en la que las piernas de mujeres desplazadas por la violencia dibujan el mapa de su huída.
vez más difícil de definir. Tan difícil de definir, de hecho, que podría no estar en ninguna parte.
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Grafitis de Banksy, a subasta benéfica en Londres
Galería Santa Fe: su sede temporal
realizado luego de que aparece internet: una tendencia temprana y ligeramente ingenua que
¿Acaso no es mas grande que nunca? Steyerl es actualmente objeto de una retrospectiva en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres y también se cuenta entre los más de 30 de artistas que se presentan en una nueva exposición, Arte post-internet, que se inauguró en marzo en el Centro Ullens de Arte Contemporáneo de Pekín. Esta última muestra es un acontecimiento importante, no solo porque presenta en China a muchos artistas de Estados Unidos y Europa por primera vez. El arte digital, siempre marginado del discurso del arte contemporáneo, ahora es el centro de atención, pero no de la forma que uno supondría. Arte post-internet debe entenderse de dos maneras. Por un lado es simplemente el arte
comenzó en la década de 1990. En general, el arte en internet de aquellos días evadía las galerías y los museos y aparecía principalmente, incluso exclusivamente, en internet. Aunque atrajo un poco de atención de los museos (por ejemplo, el Museo Whitney de Nueva York recopiló unas cuantas obras de internet), realmente nunca saltó los límites de la práctica experimental para ganar visibilidad general. El arte post-internet, en este sentido simple, se basa en esos experimentos previos, teniendo en cuenta nuevos factores como las redes sociales, la tecnología móvil o la vigilancia. Sin embargo, el arte post-internet es, algo mucho más grande que una respuesta.
Obras inéditas de Andy Warhol
El Museo Andy Warhol ha recuperado un conjunto de fotografías, imágenes y garabatos obra del padre del «Pop Art», que estaban almacenados en un ordenador personal Commodore Amiga 1000. Estas «obras» experimentales, realizadas por Warhol hacia 1985, llevaban guardadas en más de 40 disquetes unos 30 años, según ha hecho público la institución a través de un comunicado. Warhol empezó a trabajar con este ordenador en 1985, como parte de una «performance» en directo en la que se veía al artista sentado frente a la máquina mientras
retocaba una fotografía digital de Debbie Harry. La imagen de la vocalista de Blondie se exhibió, en su momento, en el Museo Andy Warhol de Pittsburgh que ahora ha dado a conocer las «obras» ocultas en disquetes. El descubrimiento ha sido posible gracias al artista Cory Arcangel, que descubrió el vídeo de Warhol junto al Commodore en YouTube en 2011. Arcangel contactó con el jefe del archivo del Museo, Matt Wrbican, para poder buscar en los discos del artista, para lo que contó con la ayuda de expertos del Museo de Arte Carnegie.
Se subastarán ocho obras por un monto esmiado a superar los tres millones de euros.
Siete obras del artista urbano británico Banksy se exhibieron hoy en Londres por primera vez juntas. Un duro trabajo para extraerlos de los muros donde el anónimo Banksy los pintó y un largo y caro proceso de restauración llevado a cabo por la compañía Sincura Group han permitido que obras como el célebre mural "Niña con el globo", se presentasen en el lujoso hotel ME de la capital británica en la exposición "Robando Banksy". Esa compañía, que organiza eventos y se define como una empresa que ofrece servicios a quienes aspiran a acceder a las altas esferas sociales, es la encargada de gestionar la subasta de ocho obras de Banksy, por un monto que estima superará los tres millones de euros (4,1 millones de dólares), sin contar con el consentimiento de su autor. "La exposición no tiene nada que ver conmigo y creo que es asqueroso que la gente vaya col-
gando arte en las paredes sin pedir permiso", afirmó Banksy en su página oficial de Facebook en respuesta a esta muestra.
Creo que es a squ eros o. La imagen de dos niños que miran al cielo esperando que caiga un balón imaginario bajo el cartel "No ball games (Prohibido jugar a la pelota)" aparece como la joya de la subasta, con un precio estimado de 500.000 libras (840.200 dólares). Otra de las imágenes más características de Banksy, la silueta en negro de una niña que sostiene un globo rojo con forma de corazón, de la que se han hecho miles de copias en todo el mundo, saldrá a la venta una década des-
pués por un precio de partida de 450.000 libras (756.185 dólares). Rodeado de misterio por su anonimato y el tono satírico de sus dibujos, Banksy, el grafitero más cotizado, sorprende frecuentemente con nuevos dibujos en distintos rincones del planeta. El único grafiti que no está pintado en pared es "Silent Majority", que Banksy creó durante tres días en un tráiler de casi diez metros durante el festival de música de Glastonbury en 1998. "Sperm Alarm", que muestra una alarma de incendios rodeada de espermatozoides; "Oldskool", que representa a un grupo de jubilados vestidos con cazadoras y gorras de béisbol; "Boy With Heart", un niño que está pintando un corazón rosa en la pared, y "2 Rats", un dibujo abstracto que Banksy pintó en Berlín, completarán la subasta.
La galería, dedicada al arte contemporáneo y propuestas de artistas jóvenes de la capital desde 1981, salió del segundo piso del Planetario Distrital en 2011 por un proyecto de remodelación. Desde entonces ha deambulado por diferentes lugares y se ha especulado sobre su ubicación definitiva. Desde que salió del Planetario se trabaja en un proyecto para la construcción de la sede definitiva en la Plaza de la Concordia, en el centro de Bogotá. Sería un proyecto conjunto con la Secretaria de Desarrollo Económico, el instituto para la Economía Social y la Secretaria de Cultura que después de muchas dificultades, empezaría a realizarse en noviembre. Mientras tanto, la galería ocupará una sede
temporal en el barrio La Candelaria, donde se inauguró el jueves la exposición "Textos visibles, audibles y legibles", que muestra una selección de las exposiciones que se han exhibido en la galería en los últimos diez años. La exposición recoge el trabajo de cerca de 30 artistas entre los que se encuentran Camilo Aguirre, Adriana Arenas, Humberto Junca, Fernando Uhía e Ícaro Zorbar. La sede temporal cuenta con dos salas de exhibición, una sala múltiple, un centro de documentación especializado en el campo y la escuela de guías. La Galería Santa Fe ocupará su sede temporal (Calle 12B No. 2 – 71) hasta enero de 2015, a la espera de que la construcción de su sede definitiva sea realidad.
Damien Hirst publicará su autobiografía en 2015 Considerado uno de los artistas más influyentes del Reino Unido, Hirst se mostró "realmente encantado" de colaborar con Penguin, "una editorial muy creativa, con una enorme cantidad de energía y entusiasmo". "Les importan todos sus lectores de arriba abajo y no tienen miedo de romper los límites", apuntó el antiguo "enfant terrible" de la escena artística londinense, que en los años 90 escandalizó con sus animales muertos metidos en formol. Para preparar el libro, Hirst ha fichado al escritor James Fox, quien también trabajó en la autobiografía del Rolling Stone Keith Richards Life en 2010. Sobre la próxima biografía de Hirst, de 49 años, Fox apuntó que "promete ser una
historia fascinante, contada con su estilo e ingenio". El escritor afirmó que además del "niño de Leeds tan bien conocido", ese libro planea incluir otros momentos "apenas conocidos de la juventud de Hirst, cuando creció en un entorno semidelictivo con frecuencia violento, al tiempo que compartía con sus amigos una improbable pero vinculante pasión por el arte". Según Venetia Butterfield, de Penguin, la autobiografía de Hirst constituirá "un evento editorial" al tiempo que la casa británica confía en que se repita el reciente éxito cosechado por las memorias del músico Morissey (The Smiths). Ganador del prestigioso premio Turner en 1995, Hirst alcanzó la fama como parte de un grupo
apodado Jóvenes Artistas Británicos y se le conoce sobre todo por sus controvertidas obras de arte de animales en formol. Una exposición dedicada a su obra celebrada en la galería de arte contemporáneo Tate de Londres en 2012 fue la más popular de la historia de ese museo, con alrededor de 463.000 visitantes haciendo fila para contemplar sus trabajos. Hirst amasó una fortuna cuando en 2008 subastó en la casa Sotheby's, sin apoyo de las galerías de arte, varias obras que recaudaron 70,5 millones de libras (220 millones de pesos). De ellas la más cara fue The Golden Calf (El becerro de oro), adjudicada por el récord de 10,3 millones de libras (33 millones de dolares).
DISEÑO. El nuevo logo de TXT 6
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El primer logo transmedia del mundo, creado por la agencia colombiana TXT.
Propuestas de internautas para el logo de TXT.
Oscar Guerrero, un típico millenial, de mirada inquisidora, voz firme y preguntas directas estaba en el centro de las presentaciones en la sede de la agencia que reunió a sus clientes para darles la noticia de su ampliación de servicios; oferta que ya venían haciendo, pero que hoy se oficializa y corresponde a la fusión de TXT Agencia de marcas y Axia Comunicaciones. Recientemente, TXT presentó su cambio imagen, al que llamaron el primer logo transmedia del mundo, un concepto que al principio puede ser confuso. Desde hace unos años, la compañía ha ido cambiando su filosofía interna y se enfocaron en el storytelling, o la narración de historias, algo que tuvo mucho peso a la hora del cambio de imagen. El presidente de TXT, Alejandro Toulemonde, hizo un brief interno con los creativos para recibir propuestas. En el proceso, al director creativo, Óscar Guerrero, se le ocurrió pedirle a cada integrante de TXT que escribiera una te, una equis y otra te, consi-
Que no hubiera un único logo tradicional. guiendo que cada uno aportara su caligrafía. Luego -vía Facebookextendieron la idea a personas que no trabajan en la agencia, de modo tal que les fueron llegando logos de todas partes del mundo. “Queríamos que no hubiera un logo único tradicional, hacer que cada logo sea diferente, pero dentro de una misma estructura gráfica”, explica Guerrero, al señalar que TXT es una compañía más fluida que las agencias de publicidad 360. “La publicidad 360 es la aplicación de un mismo mensaje a diferentes medios de comunicación”, mientras que el “transmedia es la ampliación del contenido que va rebotando fácilmente entre las diferentes plataformas”, explica Javier Beltrán, vicepresidente creativo de TXT. Básicamente, el transmedia tiene tres pilares o elementos básicos: partir de un relato, que viaje naturalmente a tra-
vés de las redes sociales y que haya cocreación del consumidor. Y esa fue, precisamente, la transformación creativa que sufrió el logo de TXT. En este momento, cuentan con cerca de 30 logos producto de la cocreación de muchos usuarios desde distintos rincones del planeta. El cambio también permeó la presentación visual de la agencia, hasta el punto de que el nuevo logo (o mejor, los nuevos logos), ya se encuentran en las tarjetas de presentación del personal. Como explica Guerrero, cada tarjeta es diferente: por un lado está la información y por el otro hay dos tes aleatorias de su banco de letras, separadas por un espacio en blanco para que el recipiente llene con la equis de la forma que considere más adecuada. Para Beltrán, hay un cierto elemento memético en en el logo transmedia: tiene un “espíritu parecido al de
los memes en términos ejecucionales, pero tiene un fin”. Lo curioso, sin embargo, es que a diferencia del típico branding, en TXT no saben cuál vaya a ser el fin de la renovación de su logo – están en manos de la creación colectiva que construyan con sus usuarios. Para Javier Beltrán, vicepresidente creativo de la agencia, Oscar Guerrero es de sus buenos talentos. A él se le ocurrió que toda la novedad de un servicio que pasa los límites de la publicidad y trasciende los medios debía comunicarse de la misma forma y por eso se invitó a “todo el mundo” a que diseñara el nuevo logo de TXT. Hágalo usted mismo como reza la consigna de la publicidad actual fue una realidad que se viraliza en las redes y tiene a sus socios muy felices. PPara ellos, “con una honesta mirada al desnudo de lo que somos, lo que no somos y lo que podríamos y deberíamos ser nos dimos a la búsqueda de un nuevo camino; búsqueda que nos llevó a concluir que todos somos las historias que contamos, la vida.
Shigeru Ban: El arquitecto del papel Shigeru Ban se presenta como el único arquitecto en el mundo que construye casas y edificios con papel. Entre sus creaciones más famosas está la sede del Centro Pompidou-Metz en Francia, la Christ Church en Nueva Zelanda y el pabellón de Japón en la Expo 2000 de Hamburgo. Por el tamaño y la complejidad estructural de los edificios parece increíble que el último ganador del premio Pritzker, el más importante galardón de arquitectura, los haya construido con tubos de cartón. Sin embargo, según la explicación del japonés nacido en Tokio,
ese material es ideal para la construcción. “Es estable, muy barato, puede encontrarse en cualquier lugar y es 100 por ciento reciclable”, dice. Siguiendo la tradición japonesa que busca preservar el universo en armonía, el galardonado utiliza materiales naturales para que el interior de la vivienda esté en comunión con el exterior. Y para mayor practicidad elige objetos reutilizables y al alcance de la mano. Un ejemplo perfecto son las elegantes casas que construyó en 1995 para los sobrevivientes del terremoto que arrasó con la ciudad
de Kobe. Compuestas de tubos de cartón y techo de tela blanca, fueron construidas sobre canastas de cerveza para facilitar su eventual desmantelamiento. Sumado a la creatividad en la elección de materiales y a la impecable estética de sus construcciones, que sin duda llamaron la atención de los jurados del Pritzker, Shigeru Ban fue premiado por la dignidad humana que exalta su arquitectura y por su preocupación por el medioambiente. El japonés ha recorrido los continentes construyendo casas confortables con materiales reciclables.
Colectivo Corriente Alterna, en la frontera entre el diseño vernáculo y el diseño sustentable.
Una corriente alternativa al desperdicio Entrevista a Corriente Alternativa, una suerte de colectivo docente de Argentina. Olga Traverso y Jorge Febre trabajan como docentes en una escuela pública de la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Su cotidianidad transcurre entre los pizarrones y la austeridad propia de un oficio que se encuentra entre los peor remunerados del continente. Ambos conforman Corriente Alternativa, una suerte de colectivo docente cuyo trabajo se inscribe en la frontera incierta entre el diseño vernáculo y el diseño sustentable. Sus juguetes, algunos de ellos con atributos
electrónicos muy sofisticados, narran la historia de dos profesores insatisfechos con las consecuencias no perceptibles del capitalismo que decidieron tratar de convertir la basura electrónica en esculturas semifuncionales, pero únicas, que no sólo son divertidas, sino que nos hablan del futuro apelando a nuestra infancia, ya olvidada. Corriente Alternativa es la decantación de una serie de procesos que Traverso y Febre elaboraron desde su experiencia docente. Ambos
Eso que nos cambió la mirada sobre las cosas. sostienen que en este momento en específico, más importante que las ferias de diseño a las que han sido invitados y los artículos de prensa que se han publicado en Argentina reseñando su trabajo, es la posibilidad de llevar su sensibilidad docente a un terreno en el que ellos también son estudiantes, y en el que el ‘diseño’ entendido fuera de cualquier estatismo
académico o epistemológico, dicta las notas que sigue la creatividad. "El detonante o, mejor, eso que nos cambió la mirada sobre las cosas fue un taller de fabricación juguetes que dirigí hace aproximadamente seis años. Sobre la marcha de aquel ejercicio, que aún era exploratorio, me encontré un impresora Epson destruida frente a la casa
en la que vivíamos por aquel entonces. Cuando la observé en detalle, vi que adentro había una cabecita, se trataba del compartimento de los cartuchos. Sin embargo, visualicé en definitiva el principio de un juguete. Y así empezó esto. Por lo general nuestros juguetes nacen así, de una primera pieza; cuando tenés la primera pieza siempre es más sencillo". El mayor desafío a lo largo de estos tres años ha sido la optimización de la calidad de los juguetes. No obstante, la comercialización del pro-
yecto ha demandado todo de nosotros. Por ahora, la estrategia está planteada en conseguir la mayor exposición en ferias de diseño e Internet, estos espacios no sólo generan ventas y contactos, sino también prensa y difusión del proyecto. Nuestras competencias técnicas son sobre todo el ingenio y la imaginación. Todo lo demás lo hemos ido aprendiendo por el camino. Ambos somos docentes, pero no de áreas relativas al proyecto. Nuestras limitaciones pasan por la necesidad.
El rosa, El violeta, El naranja, color positivo extravagante subestimado Vamos a hablar de un color, que aunque muchos hombres dicen son incapaces de distinguir del lila, tiene un carácter y una entidad propia: el rosa. El rosa, un color que para la mayoría de la población pasa desapercibido, es sin embargo el único color del que nadie puede decir nada malo. Todos los sentimientos que transmite son buenos. Es quizá esa simbo-
logía, la que ha conseguido que el color rosa, no sea de los preferidos de nadie. Muchos hombres los rechazan por ser femenino, y muchas mujeres por parecer significar lo contrario que masculino pero en sentido negativo. Sin embargo, las cualidades atribuidas al rosa, podemos decir que se consideran típicamente femeninos en la sociedad occidental, donde está arraigado.
El Violeta, un color con muy pocos seguidores, en gran parte derivados de la dificultad de diferenciarlo del lila. Sin embargo la diferencia entre ellas es clara: el violeta es el resultado del rojo y el azul, y para conseguir el lila, necesitamos primero obtener el violeta y luego mezclarlo con blanco. Es el color de las cualidades opuestas, se unen lo femenino y lo masculino, la sensualidad y
la espiritualidad. No es un color de uso diario, pero cuando se asimila, da cuenta de que se le puede sacar mucho más partido. Por otra parte, desde la antigüedad es el color del poder, el color purpura (escogido por Pantone como color del 2014) y aunque no ha sido muy admirado en el diseño, esta cualidad lo ha hecho convertirse junto con el negro en el color del lujo y lo exclusivo.
Quizá es por su estado entre el rojo y el amarillo, lo que lo hace uno de los colores que menos gusta. Los colores intermedios, parecen más inestables. Creemos que son el resultado de “ensuciar” los colores más estables, pero lo que muchos desconocemos es que es esa posición media la que representa el verdadero carácter de un sentimiento. De hecho, vemos muchos menos naranjas
de los que hay realmente a nuestro alrededor. Cuando amanece o atardece decimos rojo, pero es naranja; cuando un metal está en la forja decimos que “esta al rojo vivo”, pero su color es más anaranjado. El pelo de las personas pelirrojas es naranja y aun así no los llamamos “pelinaranjas”. Hay muchos más naranjas de los que realmente apreciamos y es por esto, por lo que se infravalora el color.
MODA.
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Repaso Moda a la italiana Esta es la historia de cómo Italia se convirtió en el cerebro de la industria de la moda. Todo empezó en 1951, cuando el aristócrata
de la moda. A los desfiles, celebrados en la Sala Bianca del Palazzo Pitti, acudían todos los compradores que viajaban a Europa en sus
No perdieron la vista del nuevo filón.
La indiscutible meca de la moda internacional: Italia.
Giovanni Battista Giorgini invitó a los modistos más exquisitos (entre los que se encontraban Emilio Pucci y Roberto Capucci) a celebrar una serie de desfiles en su casa de Florencia. Giorgini, que antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial había sido asesor de compras para grandes almacenes americanos, vislumbraba así el futuro peso (inspirador y económico) de la moda italiana en la industria
Victoria Beckham: 40 Dicen que con estilo se nace, aunque también es verdad que muchas mujeres lo adquieren al mismo tiempo que los años. Ese es el caso de Victoria Beckham, que nos ha deleitado con todo tipo de looks (para bien y para mal) hasta encontrar el equilibrio y la clase que caracterizan a la hoy diseñadora. Su carrera comenzó en 1996 de la mano de las Spice Girls. Aunque ahora su look pueda parecerte terrible, la moda de aquellos años dejaba bastante que desear (siempre pasa cuando echamos la vista atrás, las cosas como son) y ella, cumpliendo su papel de Posh Spice, seguía las tendencias al dedillo, aunque sin demasiado buen gusto. En 1997 conoce a David Beckham, con
el que contrae matrimonio en 1999. Con el fin de las Spice Girls en el año 2000 parece que Victoria comienza a darle un giro a su imagen. Más calmada, más formal, más adulta, aunque mantiene ese punto hortera, para qué negarlo. Su primer contacto con la moda se produce en el año 2000. La diseñadora Maria Grachvogel cuenta con ella para cerrar su desfile durante la London FW. Y parece que Victoria le coge el tranquillo, porque 5 años después repite experiencia, esta vez gracias a su gran amigo Roberto Cavalli. Pero lo que realmente le gusta a Victoria está detrás de la pasarela. Y gracias a su incursión en la moda va cambiando poco a poco su estilo.
Portugal Fashion Week Del 26 al 29 de marzo Portugal está más de moda que nunca. Tres días de desfiles que la conforman y que se reparten entre Lisboa y Oporto. En esta edición, la 34ª, se presentarán las propuestas de diseñadores consagrados y noveles del país luso, todo bajo el lema Organic y con la idea de organismo vivo en el que convergen y abundan las principales expresiones del mo-
mento. Sobre la pasarela no faltarán los diseños de grandes como Fátima Lopes, Luis Buchinho, Miguel Vieira, Luís Onofre, Diogo Miranda y Susana Bettencourt y marcas nacionales como Dielmar, Tm Collection, Lion of Porches o Vicri. En el Espacio Bloom podremos ver el talento de los jóvenes creadores lusos y conoceremos los flamantes ganadores que lograrán el apoyo financiero.
periplos habituales, y se acentuaba su carácter exclusivo con fiestas a las que acudía toda la aristocracia italiana convirtiendo los eventos en una experiencia de lujo absoluto de las que no disfrutaban al otro lado del charco. Florencia se convirtió así en una cita obligada en el calendario de la moda, y sus firmas se consolidaron en el mercado y en el imaginario de la sociedad. Pero hubo otro aspecto que
convirtió a la moda y al lujo italiano en absoluto referente de glamour: el cine. Las estrellas de Hollywood acudían a Italia a disfrutar de su clima y de su estilo de vida; y los estudios Cinecittà mostraban al mundo el carácter, la actitud y ese modo de vida italiano. Los diseñadores, además, no perdieron la pista a este nuevo filón. Salvatore Ferragamo invitó a Audrey Hepburn a una tarde de compras cuando se encontraba rodando en Roma, y se aseguró de que un fotógrafo inmortalizase la escena. La Dolce Vita convirtió al paparazzo en icono, y Richard Burton aseguró que la única palabra que Elizabeth Taylor era capaz de decir en italiano era "Bulgari".
Dos muestras exhibidas puede que aporten solidez a su lugar en el firmamento de la moda.
Charles James, el Einstein de la moda La trayectoria de este “coutourier” (olvidado ahora) que dos exposiciones se proponen que, por fin, obtenga el reconocimiento que se merece. En el podio de los modistos legendarios del siglo XX –Lanvin, Chanel, Dior y Balenciaga entre ellos– falta un nombre: James. Es Charles James, el diseñador angloamericano que una vez fue venerado y que hoy en día es mejor descrito como un genio olvidado. En lo más alto de su carrera, James diseñó lujosos y esculturales vestidos de otro mundo para glamourosas mujeres como Austine Hearst (mujer de William Randolph Hearst Jr., y una de sus clientes más fieles), Babe Paley, Marlene Dietrich, Mi-
llicent Rogers y Gipsy Rose Lee –mujeres que podían tener cualquier vestido de cualquier diseñador, pero que estaban dispuestas a espe-
El mejor costurero anglo-americano. rar meses, incluso años, por un vestido hecho por James. Sus siluetas de cintura de avispa se anticiparon a la colección New Look de 1947 de Christian Dior, y Cristóbal Balenciaga alababa a James como "no sólo el mejor mo-
Move Your Lee: Colección verano Este verano la colección de Lee se vuelve más enérgica y femenina que nunca. Llegan nuevas tonalidades y nuevos acabados. Además, con motivo del 125 aniversario de la marca americana, los modelos icónicos de la firma se renuevan en versión contemporánea. Como modelo estrella de Lee Women está el pantalón skinny 5 bolsillos: Scarlett. Las cua-
disto americano, sino el mejor y único costurero del mundo que ha elevado la alta costura de una disciplina artística a puro arte". Pero James
lidades que hacen de Scarlett el jean perfecto para la mujer son su cintura media y su corte que estiliza y alarga visualmente las piernas. El tejido Lee Stretch Deluxe, es el responsable del perfecto ajuste del jean. Como novedad, esta temporada Scarlett viene con acabados vintage, azules retro, detalles en lila, turquesa, perla o bien con estampados modernos.
pasó la última década de su vida solo y sin dinero en su estudio del Chelsea Hotel, rodeado de dibujos y recortes de periódicos envejecidos por las manchas de color de la nicotina. En 2001, Charles James: Genius Deconstructed, una ex-
posición en el Museo de Historia de Chicago, fijó el escenario para un revival de James. Esta primavera, dos muestras puede que por fin aporten solidez a su lugar en el firmamento de la moda. Pero para las seguidoras de James, esos detalles eran sólo un pequeño precio que pagar por vestidos que les hacían tan majestuosas como una pintura de corte del siglo XIX, e inmediatamente se les identificaba con lo mejor de la alta sociedad. "Simplemente al tener el vestido, ya se te presuponía cier-
to gusto, refinamiento y perfil social que iba más allá de cualquier cosa que cualquiera hubiera tenido nunca", dice Harold Koda, co-comisario del Costume Institute Show. Austin Hearst, hijo de Austine, recuerda a su madre flotando por la casa con vestidos de Charles James, como un cisne a punto de echar a volar. "James tenía un impacto enorme en mi madre", dice. "Hablaba de él como si fuera un dios, y realmente percibía los diseños no sólo como vestidos, sino como joyas o piezas de arte". Un buen
número de los diseños más destacables de James –varios se nombraron a partir de formas naturales– fueron hechos para Hearst, quien era una de las favoritas de James, sin duda, porque era como una rama de sauce fina, con una postura perfecta y regia. El vestido mariposa era una columna de seda y falla con pliegues en diagonal que parecían finos lazos, y detrás una falda enorme de tul que desplegaba sus alas. De la colección de Austine, el sensacional vestido trébol, treinta piezas.
Vestido de verano Sabemos que el verano no empieza hasta que te pones ese vestido. Ese que lleva años colgado en tu armario y con el que has vivido los mejores momentos de los últimos veranos. Ese que también funciona los días en los que hace tanto calor que te desesperas ante el armario pensando qué ponerte para ir a trabajar. Ese que no tenía nada que ver con lo que se llevaba la temporada que te lo compraste, y que sigue sin cumplir ninguna de las tendencias que se llevarán éste. Todas esas son las condiciones imprescindibles para
poder afirmar que tienes un perfecto vestido de verano. Y todavía queda otra: cada vez que te lo pones, te recuerda a todos los vestidos de otros veranos, comenzando por aquel de cuadros vichy, en tonos pastel o de lunares que te encantaba cuando al escribir tu edad bastaba sólo con un dígito. Ajeno a las tendencias pero todo un básico en el armario femenino, rendimos homenaje a este indiscutible de cada verano, indispensable para vivir ésta época del año de la mejor manera, con mejore recuerdos cada vez.
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Tendencias Primavera/ Verano 2014: puro arte
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Este tipo de estampados son perfectos para aquellas que ya hayan tenido suficiente dosis de flores
Motivos tribales priman en la temporada.
Empezamos la temporada primavera-verano 2014 imbuidas por un potente espíritu tribal que recorre el mundo entero. Desde África de la mano de Donna Karan, Tommy Hilfiger o Alexander McQueen pasando por los looks orientales de Marni, el estilo hindú de Givenchy o el rollito mexicano de Alberta Ferretti. La siguiente parada en nuestro particular viaje fashion es Oxford y sus marcados outfits de estilo preppy. Muchas camisas de rayas con cuellos y puños blancos, chaquetas college, corbatas y falditas de vuelo ideales para las chicas buenas de la clase. El mundo del arte se cuela en nuestros armarios en forma de brochazos multicolor en Céline,
retratos de mujer en Prada, rayas de colores en Calvin Klein Collection y pinceladas en tonos muy optimistas en Chanel. Esta primavera toca sacar la vena artística que todas llevamos dentro.
ropa deportiva? Buenas noticias: en verano se va a llevar este estilo hasta con zapatos de tacón. Con esto no estamos diciendo que salgas a la calle con el chándal y los tacones sino que
Esta primavera toca sacar la vena artistica. ¿Pensabas que las prendas metal eran solo territorio de la noche? Prepárate para cambiar el chip porque esta temporada los diseñadores se han puesto de acuerdo para que luzcamos estos tonos brillantes también de día. Lanvin es uno de sus más fieles defensores con monos, faldas, chaquetas de hombros redondeados. ¿Eres una amante de la
incorpores a tus looks detalles sport como los shorts de running, las rejillas, las chaquetas con cremallera central, las gorras, capuchas y los bloques de color neón "typical sporty". El punk parece que llegó para quedarse y es que este verano también tendremos prints salvajes, sujetadores a la vista, minis de cuero, negro y descaradas rejillas.
Maravillosas campañas: los 90's Versace Vuelta a los 60's con los Cocoon
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¿Aunque Gianni Versace despegó en los 80, es de sus campañas de los 90 de las que más conclusiones podemos sacar. También de las que más podemos aprender. En primer lugar, nos hablan del carácter del diseñador. Era divertido, descarado, y no se casaba con nadie. Por eso es habitual que cambie de fotógrafos de una temporada a otra, y que
vuelva a recurrir al anterior. Podemos deducir, entonces, que trabajaba entre amigos, y que no había sesiones de fotos más divertidas que las de sus campañas. cho, incluso como algo común y corriente, y se parte de allí. En las imágenes, también se aprecia perfectamente el cambio del gusto por el exceso que arrastrábamos de
los 80 al minimalismo de los 90. En el caso de Versace, además, coincide con el asesinato de Gianni en 1997. Como si fuese una forma de mostrar respeto. O como si se hubieran dado cuenta de que sin él no tenía sentido. Donatella lo recuperaría años más tarde, y gracias a ese movimiento Versace ha vuelto a brillar como entonces.
Los abrigos Cocoon se han convertido en una de las prendas fetiche del invierno. Son el modelo perfecto para lucir abrigos oversize y sus tejidos tan calentitos y amplios los hacen la opción ideal para llevar un montón de ropa debajo de ellos. ¿Por qué llevar abrigos Cocoon? El adjetivo “Cocoon” viene dado por la forma de huevo o silueta ovalada que tienen estos abrigos de moda. Balenciaga fue el culpable de hacerlos triunfar allá por los años 60 y, desde entonces, convirtió esta prenda en un icono de
la moda más sofisticada. Los abrigos Cocoon estuvieron olvidados por un tiempo pero vuelven ahora para renovar nuestro armario y darle el toque vintage que tanto necesitábamos. Así que si te declaras fan de la moda vintage, no podrás pasar este invierno sin hacerte con uno. Esta pieza retro es ideal para crear la ilusión de unas piernas estilizadas y finas, ya que su forma oval crea volumen en la parte superior del cuerpo, que contrasta con la inferior haciéndola parecer más estrecha. ¿Cómo llevar abrigos
Cocoon? Llevar con estilo los abrigos Cocoon es realmente sencillo, ya que estas prendas son estilo y personalidad por sí mismas, así que será difícil estropear un outfit en el que las luzcas. Lo malo es que estas prendas crean una forma ovalada en el cuerpo que es cierto que no resulta muy favorecedora para todas las mujeres, pero, ¡tiene fácil solución! Unos taconazos matizarán la sensación de ensanchamiento y harán que tus piernas parezcan mucho más largas y estilizadas gracias al efecto Cocoon+tacón.
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CINE.
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Tarantino cerrará en Cannes
El ideal de la familia protectora no se cumple e estos jóvenes desamparados
De tal padre, tal hijo, H. Koreeda El cine colombiano tiene poco apoyo del que debería ser su principal público: los colombianos.
Cine Colombiano: ¿...? La lucha de la industria cinematográfica en el país no es sólo una cuestión de producción y de acceso, sino de goce y popularidad. Una nueva ley de cine, un furor en la producción de largometrajes, el despegue de una industria que promete convertir al país en la meca suramericana del celuloide. El problema: nunca una película colombiana ha superado dos millones de boletas vendidas y el cine tiene hoy menos de la mitad de la audiencia que tenía en 1998. A los colombianos no nos gusta ir al cine. O por lo menos así lo evidencia la escasa venta de boletería y la última
encuesta de consumo de medios, en la que el cine ocupa el último lugar en las preferencias de los ciudadanos, por debajo de la televisión, la radio, las revistas, internet y la prensa. En 1998 gozaba de 10,2 puntos de audiencia y hoy sólo tiene 3,2. ¿Qué pasará con una industria que crece sin que la audiencia goce de ella? La lucha de la industria cinematográfica en Colombia no es sólo una cuestión de producción y de acceso, sino de goce y popularidad. Hoy se
producen el doble de películas que hace cinco años, es continua la apertura de salas de proyección y el precio
2012, y al menos 30 con fecha de estreno, somos testigos de la mejor época de la industria nacional. Aun así, los colom-
Hoy se producen el doble de peliculas que hace cinco años. de la boletería es comparativamente más económico que hace 10 años (desde $3.000). Con 68 largometrajes listados por el Ministerio de Cultura para
bianos no gustamos del séptimo arte y mucho menos si se trata de películas colombianas. Esto coincide con los temas de las dos películas más taquilleras
Tributo a el Proyeccionista Lenta e inexorablemente van desapareciendo las salas de cine tal y como las conocíamos hasta hace bien poco. Lentamente, figuras que en silencio nos han acompañado tras las pe-
lículas, tanto detrás de la cámara como detrás del proyector, se irán transmutando o simplemente desapareciendo en pro de una industria que recientemente está viviendo el cambio del
en toda la historia de la cinematografía nacional: El paseo (2010), con 1’208.000 boletas vendidas, y Soñar no cuesta nada (2006), con 1’198.000. La primera es una historia familiar, que exagera el gusto popular y se basa en el chiste del lenguaje, y la segunda, una cinta de narcodólares, ambición, Farc, militares y ganas de salir de pobres. En la categoría de conflicto, que seguirá siendo nuestro relato cinematográfico por excelencia, son interesan-
tes las nuevas miradas que se pretenden con cintas como La Sirga, La Playa D.C., Chocó y La captura (todas del 2012), en las que no priman la acción y la aventura, sino los efectos perversos, duraderos e invisibles de la guerra en niños, afrodescendientes, mujeres, indígenas. Nunca una película colombiana ha logrado dos millones de boletas vendidas. Este año, cuando se estrenan dos cintas nacionales por mes, cabe preguntar si hay audiencia para tantas.
estándar (que nunca fue) al llamado "cine digital". Hay mucho que discutir respecto a este término, que trataré en artículos venideros, ya que, entre otras cosas, digital no es sinónimo de mejor, sino que implica compresión y con ella pérdida de calidad, no nos engañemos. El digital entraña pan para hoy y hambre para ma-
ñana, pero como actualmente estamos felices, no nos preocupa el futuro. Ya se encargarán nuestros nietos, ya se encontrarán ellos el "fregao", y lo resolverán. Hace 100 años, nuestros abuelos plantaban semillas de árbol para que nosotros, sus nietos y biznietos, disfrutásemos del bosque. Ahora no sembramos semillas.
“Existen todo tipo de familias”, explica Ryota Nonomiya, el protagonista de De tal padre, tal hijo, el más reciente largometraje del director japonés Hirokazu Koreeda. La frase no valdría la pena destacarla, si no fuera porque el cine del guionista, productor, documentalista y director Koreeda se ha consagrado a la descripción de la gran variedad de familias que existen, conformando de este modo una filmografía muy consistente, con un sello autoral propio y reconocible . Nacido en Tokio en 1962, estudió literatura en la Universidad de Waseda con la ambición de ser novelista pero luego de graduarse prefirió dedicarse a los medios audiovisuales y consiguió empleo como asistente de dirección en TV Man Union. Debutaría como director de cortometrajes documentales en 1991 y haría ocho de ellos antes de hacer su primer largometraje, Maborosi (Maboroshi no hikari, 1995). A partir su segunda cinta, After Life, empezó a elaborar él mismo el guión y a hacer el montaje. Su tercera película, Distance (2001), compitió por la Palma de Oro en Cannes; con su siguiente filme Nadie sabe (Dare mo shiranai, 2004) –que mu-
chos consideran su obra maestra- vuelve a ese festival y logra ganar el premio al mejor
adolescente que debe hacerse cargo de tres niños, probablemente todos de distinto padre.
Los 140 minutos del filme se pasan sin que uno los not e. actor, conseguido por Yûya Yagira, que en ese entonces apenas tenía catorce años. A partir de ahí Koreeda se convierte en permanente invitado a los circuitos de festivales de cine: Hana (2006) concursó en San Sebastián, Caminando (Aruitemo aruitemo, 2008) se presentó en Mar del plata, Air Doll (2009) en Chicago, mientras con Milagro (Kiseki, 2011) vuelve a San Sebastián y gana el premio al mejor guión. Para terminar este recuento, De tal padre, tal hijo, obtuvo el Premio del Jurado en Cannes el año pasado. Si quieren encontrar el cine de Koreeda ya saben dónde encontrarlo. Los ciento cuarenta minutos del filme se pasan sin que uno los note, tal es el embeleso y la tensión que genera este relato de cuatro hermanos abandonados a su suerte por su madre en un apartamento y cómo se las arreglan para sobrevivir liderados por el mayor de ellos, Akira (Yûya Yagira), un
Madre ausente, padre o padres inexistentes. Y en el centro los niños: resignados, esperanzados, valerosos. La película se enfoca en ellos y obtiene así el drama suficiente para conmovernos y asombrarnos de su resistencia frente a la adversidad. Hay algo ahí de La piel dura (L'argent de poche, 1976) de Truffaut en esa capacidad inaudita de asumir la adversidad con tanta entereza, pero también –en el otro espectrohay mucho del Peter Brook de El señor de las moscas (Lord of the Flies, 1963) cuando el caos va contaminando el aparente orden que imperaba en esa microsociedad que estos jóvenes crean. Los niños -tan perfectamente delineados, tan justamente valoradosvuelven a ser los protagonistas de Milagro, una cinta donde dos hermanos geográficamente separados por el divorcio de sus padres, apelan hasta a lo sobrenatural para reunir a la familia. Vuelven ecos
de Truffaut –el guiño a Les Mistons (1957) no pasará inadvertido para ningún cinéfilo- pero se añade esta vez la festividad aventurera del Takeshi Kitano que nos presentó El verano de Kikijuro (Kikujirô no natsu, 1999). En ambos filmes de Koreeda la mirada es la de los niños. Los adultos son una ausencia, un recuerdo, una voz, una carta, un anhelo. El ideal de la familia protectora no se cumple en estos jóvenes desamparados. La fractura familiar los hace víctimas sin interlocutor alguno. Algo similar ocurre en De tal padre, tal hijo, en la que los adultos son los que toman decisiones inconsultas sobre un futuro que va a cambiar por completo la vida de unos niños a los que de nuevo percibimos como involuntarias víctimas de una dinámica familiar hecha trizas. Dos familias diametralmente distintas en lo social se ven involuntariamente unidas por un nexo que les hace reevaluar lo que implica ser padre sin importar que haya nexos biológicos. Abundan los estereotipos y el tono moralizante le hace perder pureza al relato, pero esto no disminuye la fuerza de una historia que Koreeda, especialista en lazos rotos, ha elaborado con la delicada artesanía.
El Festival de Cannes tendrá este año un cierre original, con Quentin Tarantino rindiendo homenaje a los 50 años de la invención del "western" italiano, en la presentación de "Por un puñado de dólares", de Sergio Leone. Tras la entrega de los premios de esta 67 edición, en una gala que se celebrará el sábado 24
de mayo, un día antes de lo habitual para no coincidir con la jornada de elecciones europeas, el Festival ha programado un homenaje al conocido como "spaguetti western". Tarantino, que siempre ha sido un gran admirador de Sergio Leone, será el encargado de presentar la proyección del filme.
Frozen, la más taquillera Frozen se convirtió en la película de animación más taquillera de la historia al alcanzar los 1.072 millones de dólares de recaudación, con lo que supera a Toy Story 3, que ostentaba hasta ahora ese récord con 1.063 millones. Además, Frozen, se sitúa como la décima película que más dinero ha conseguido en un listado que encabeza Avatar
con 2.782 millones de dólares, según los datos de la web especializada Box Office Mojo. La película, adaptación del cuento "La reina de las nieves", de Hans Christian Andersen, es el primero de Disney que logra el Óscar a la mejor película animada, una categoría que se le resistía a los estudios desde que se creara este premio en 2001.
Los cronopios llegan al cine El cineasta argentino Julio Ludueña dirigió una historia coral que refleja "la confrontación entre opuestos" que las criaturas de Cortázar "ejemplifican a través de distintas y divertidas situaciones cotidianas, políticas o emocionales", según el director. Ludueña contó que con Historias de cronopios y famas cumplió una asignatura que tenía pendiente desde 1972, cuando coincidió con el autor en Francia "y quedó abierta la posibilidad de filmar
alguno de sus libros". Aunque originalmente pensó en una adaptación cinematográfica con actores, al final se decantó por la animación, porque sintió que tenía entre manos una historia "capaz de unir la literatura con el cine y las artes plásticas. Historias de cronopios y de famas, que se estrenará en los cines argentinos el próximo mayo, se suma a los numerosos homenajes que Argentina y Francia brindarán a Cortázar durante 2014.
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"La langosta azul" está cumpliendo 60 años Esta película surrealista colombiana se filmó en 1954 en Salgar, Atlántico. Fue dirigida por Gabriel García Márquez junto a Álvaro Cepeda , Luis Vicens y Enrique Grau.
Película surreal del llamado 'Grupo de Barranquilla'.
¿De donde vienen los solitarios?
Después de los esfuerzos de los años 40 en Colombia por consolidar una industria de cine nacional de grandes producciones, como la mexicana, argentina o brasileña, la siguiente década llegó con un enfoque más independiente y artístico, como consecuencia del fracaso de productoras como Patria Films, Ducrane, Cofilma o Pelco. La langosta azul (1954) es una de las obras legendarias de esa época. Hoy en día considerada un clásico del cine nacional, nació sin esas pretenciones, gracias a un esfuerzo independiente y a una necesidad de expresión artística propia, no de reconocimiento o de éxito comercial. Siendo una de las primeras películas surrealistas en Colombia, no podía haberse dado de otra manera. Mientras en Europa florecía el neorrealismo, con Italia como su epicentro, La langosta azul fue indiscutiblemente un proyecto de principiantes del cine, influenciados por
el cine del español Luis Buñuel (El perro andaluz, Los olvidados). Sin embargo, ese equipo amateur llegaría a
convertirse luego en una generación irrepetible de artistas, escritores y pintores, pertenecientes al llamado Grupo de Barranquilla; entre ellos: Álvaro Cepeda Samudio, Enrique Grau Araújo, y Gabriel García Márquez. La langosta azul cuenta la historia de un agente secreto llamado "el gringo", quien llega inesperadamente a un pueblo de pescadores del Atlántico (Salgar), tras el rastro de unas langostas que han sido contaminadas por radioactividad. Después de registrarse en un hotel, un gato le roba una de las langostas y "el gringo" sale en su búsqueda por las calles y casas del pueblo. Allí encuentra a perso-
quien trata de engañarlo con langostas diferentes; y "el niño", quien finalmente pone a volar para siempre en una cometa el objeto de su búsqueda. La película, silente y a blanco y negro, tiene una duración de 29 minutos. Fue producida por "Nueve - Seis - Tres". Este año se cumplen seis décadas de su estreno. La cinta contó con las ideas y la "mamadera de gallo" (dirección, montaje y argumento) de Grau, Cepeda Samudio y García Márquez junto a Luis Vicens, un crew que hoy envidiaría cualquier proyecto cinematográfico. En las actuaciones estuvieron Cecilia Porras, Nereo López, Ramón Jessurum, y Grau y Cepeda Samudio.
Se estrenó en Cannes un nuevo montaje de The Disappearance of Eleanor Rigby, película de Ned Benson, protagonizada por Jessica Chastain y James McAvoy. The Disappereance of Eleanor Rigby, cinta del director Ned Benson y protagonizada por Jessica Chastain se proyectó en la 67 edición del Festival de cine de Cannes. Es la primera vez en la historia del Festival que una película estrenada antes del mismo hace parte de la competencia. Una versión de la cinta -nominada al premio a la mejor ópera prima del certamen la Cámara de Oro-, se proyectó con un montaje distinto en el pasado Festival de Toronto, y los programadores de Cannes aceptaron como nueva la versión actual, que compite en la sección paralela Una Cierta Mirada. La película es
el resultado de nueve años de trabajo de Benson para glosar, a escala humana, una historia suave de amor resquebrajado e identidades descompuestas en una pareja que se enfrenta a un evento fatal. "Hubiera valido cualquier tragedia. Lo importante es lo que pasa después y cómo se comporta la pareja", aseguró Benson en el encuentro de medios de comunicación. Esa fractura provoca que los protagonistas deambulen por la mitad de sus treinta años sin rumbo: dos personas erráticas que se siguen amando mientras su vida de pareja se desmorona. Es una historia de dos chicos neoyorquinos que se enfrentan a la soledad con desacierto y resignación y cuya separación les hace regresar a sus respectivos hogares familiares. El de ella, com-
puesto por su madre francesa, y su padre norteamericano, su hermana y su sobrino, un clan que intenta amortiguar la melancolía en la que cae el personaje de Chastain. El de él, con un padre solitario, con tres matrimonios fallidos a cuestas y que ha perdido las ganas de tener ganas de nada. La cinta hace un guiño a la canción de The Beatles "Eleanor Rigby", que no suena en toda la película aunque alguien menciona parte de la letra ("¿De dónde viene toda esa gente solitaria?"). "No hay bueno y malo en esta película" ni tampoco juicio de valores dice Benson a propósito de una película que ofrece dos puntos de vista de personas que intentan salir hacia delante lo mejor que saben, lo mejor que pueden.
najes como "la hembra", quien lo lleva a un ritual indígena donde "el brujo" danza sobre un dibujo de una langosta; "el vivo",
Nació sin esas pretenciones.