Cuaderno Lenguaje Musical (Francés)

MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. I.E.S. “UNIVERSIDAD LABORAL” ALBACETE

MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O.

LIRE ET ÉCRIRE LA MUSIQUE LES INSTRUMENTS MUSICAUX LES ÉLÉMENTS DE LA MUSIQUE

LA FORME MUSICALE

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O.

LIRE ET ÉCRIRE LA MUSIQUE La portée •6

La clé •6

Les notes •7

Les altérations •7

Figures de notes •8

Figures de silence •9

Mesures •9

Le point • 10

Les liaisons • 11

Tempo • 12

Les nuances • 12

Signes pour la répétition de frases entières • 13

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O.

LES INSTRUMENTS ET LA VOIX Les instruments scolaires • 17

Les instruments de l’orchestre • 21

La voix humaine • 23

LES COMPOSANTES DE LA MUSIQUE La mélodie • 25

Le rythme • 25

L'harmonie • 26

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O.

L'ORGANISATION DE LA MUSIQUE La forme musicale •27

Les formes binaires •27

Les formes ternaires •28

Le rondeau •28

La chanson pop •29

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LIRE ET ÉCRIRE LA MUSIQUE La portée est un ensemble de cinq lignes horizontales permettant d’écrire les signes musicaux. Les cinq lignes de la portée sont également espacées et forment entre elles quatre interlignes. Les lignes et les interlignes sont numérotés du bas vers le haut :

Dans le solfège, une clef — orthographe traditionnelle en musique ou clé dans l’orthographe aujourd’hui la plus courante — est un signe graphique placé au début de la portée et dont la fonction est d'indiquer une note repère associée à une ligne.

Il existe principalement trois figures de clefs : la clef de fa, la clef d’ut (ut est l’ancien nom de la note do) et la clef de sol.

Pour le moment, on utilisera seulement la clé de sol, laquelle nous indique que la note sol se trouve dans la deuxième ligne (et en connaissant une note, on peut déduire tous les autres).

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Les sons musicaux sont représentés par les notes. La hauteur du son dépend de la situation de ces signes dans les différentes lignes et interlignes de la portée. Les hauteurs sont au nombre de sept et s'appellent : do, ré, mi, fa, sol, la et si.

Quand les notes sont trop aigues ou trop graves, il faut utiliser les lignes supplémentaires pour les situer hors de la portée.

Voilà les notes que nous pratiquerons cette année :

Une altération renvoie à la modification de la hauteur initiale d'une note. Il y en a trois types : dièse, bémol et bécarre.

Le dièse est l’altération qui élève la note d’un demi-ton.

Le bémol est l’altération qui abaisse la note d’un demiton.

Le bécarre annule l’effet des dièses et des bémols et rend à une note sa hauteur naturelle.

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Il existe deux types d’altérations : des altérations accidentelles et des altérations constitutives.

Une altération accidentelle — appelée plus simplement accident — intervient dans le courant du morceau, et concerne toutes les notes de même nom et de même hauteur qui se trouvent après elle dans la mesure. Les accidents s’écrivent à gauche des notes.

Une altération constitutive est valable durant toute la portée, pour toutes les notes de même nom –même de hauteur différente- sauf s’il intervient un accident modifiant la hauteur de la note en question.

Il apparait entre la clé et la signature rythmique et il s’appelle armure.

Pour représenter la durée des sons joués ou chantés il existe différentes formes de note nommés figures de note. Les plus utilisés sont : LA RONDE : elle vaut quatre temps

LA BLANCHE : elle vaut deux temps

LA CROCHE : elle vaut un demi-temps

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LA NOIRE : elle vaut un temps

LA DOUBLE CROCHE : elle vaut un quart de temps

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Pour représenter la durée des silences entre certains sons on utilise différentes figures de silence :

LA PAUSE est le silence qui correspond à la ronde.

(4 temps)

LA DEMI-PAUSE est le silence qui correspond à la blanche. (2 temps)

LE DEMI-SOUPIR est le silence qui correspond à la croche.

LE SOUPIR est le silence qui correspond à la noire.

(1 temps)

LE QUART DE SOUPIR est le silence qui correspond à la double croche.

On définit généralement la mesure comme une période comportant « un temps fort (toujours le premier) suivi de X temps faibles ». Les mesures sont délimitées et matérialisées à travers des barres de mesure.

Selon le nombre de temps inclus dans la mesure, on peut distinguer les types suivants :

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La mesure à deux temps est une mesure qui contient un temps fort suivi d'un temps faible.

La mesure à trois temps, qui contient un temps fort suivi de deux temps faibles.

La mesure à quatre temps est en principe une mesure qui contient un temps fort suivi de trois temps faibles.

En solfège, la signature rythmique indique le type et la durée des temps dans les mesures qui suivent. Appelée aussi chiffrage de la mesure ou nombres indicateurs, elle est généralement composée de deux nombres disposés l'un audessous de l'autre représentant une fraction. Elle est placée après la clé et son armure.

4/4 signifie « une mesure à quatre noires »

3/4 signifie « une mesure à trois noires »

2/4 signifie « une mesure à deux noires »

Placé après une figure, le point augmente celle-ci de la moitié de sa durée.

2+1= 3

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En solfège, la liaison de prolongation — ou liaison de tenue ou plus simplement liaison — est un signe en forme d'arc de cercle, reliant deux figures de notes de même hauteur et ayant pour effet de faire entendre un seul son dont la durée est égale à la somme des durées des figures liées — la deuxième note n'est donc pas attaquée et sert simplement à prolonger la durée de la première.

La liaison d'expression — qu'il est préférable d'appeler legato ou encore coulé pour éviter de la confondre avec la liaison de prolongation — est indiquée par une ligne courbe englobant les notes d'une mélodie devant être interprétées de façon liée.

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Le tempo est l'allure (la rapidité relative, la vitesse ou encore le mouvement) d'exécution d'un morceau de musique. Le compositeur indique le tempo avec des termes italiens adéquats.

Mot italien Largo Andante Moderato Allegro Presto

Cela signifie Très lentement Lentement Moyen Vite Très vite

Ces termes sont écrits au début de la partition, juste sur la portée.

Pour être plus précis, nous pourrions nous aider d’un métronome (appareil qui bat les pulsations à la vitesse de notre choix).

Si nous choisissons 120 dans l’échelle numérique du métronome et nous apprécions chaque battement comme une noire, ça fera une vitesse de 120 B.P.M. (battements par minute) ou une noire toutes les 30 secondes.

Une nuance est un signe noté sur une partition qui indique l'intensité relative d'une note, d'une phrase, ou encore d'un passage entier d'une œuvre musicale.

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Symbole

cresc. dim.

…abréviation de…

Cela signifie…

pianissimo

très faible

piano

faible

mezzopiano

moyennement faible

mezzoforte

moyennement fort

forte

fort

fortissimo

très fort

crescendo diminuendo

en augmentant le son en diminuant le son

crescendo

en augmentant le son

diminuendo

en diminuant le son

Normalement tous ces signes-là se trouvent sous la portée.

Les signes de reprise permettent la répétition de fragments plus ou moins longs — supérieurs à une mesure, et jusqu'à plusieurs phrases entières. On distingue le da capo, le renvoi et la barre de reprise.

Da capo La locution italienne da capo — c'est-à-dire depuis le début, qu'on abrège en D.C. — indique tout naturellement que le morceau doit être repris depuis le commencement.

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Exemple :

Le da capo est souvent accompagné du terme italien Fine — c'est-à-dire, la fin du morceau — qui indique la véritable terminaison du morceau, lorsqu'on joue celui-ci pour la deuxième fois. Il convient de noter que c'est souvent un point d'orgue — appelé plus précisément dans ce cas, point d'arrêt — qui indique l'ultime note d'un morceau.

Exemple :

Renvoi (Dal Segno) Lorsque le signe du renvoi est utilisé, celui-ci doit apparaître deux fois dans le courant du morceau : tout ce qui est compris entre les deux signes de renvoi doit être répété.

Exemple :

À l'instar du da capo, le renvoi est souvent accompagné du terme italien Fine ou bien, d'un point d'arrêt.

Exemple :

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Barres de reprise Deux barres de reprise — chaque barre de reprise est en fait une double barre de mesure précédée ou suivie de deux points — encadrent un fragment qui doit être exécuté deux fois — les deux points de chaque barre sont situés à l'intérieur du fragment concerné.

Exemple :

Si la première des deux barres de reprise correspond au début du morceau, on ne la note pas.

Exemple :

Lorsqu'un morceau contient à la fois des barres de reprise et un da capo — ou un renvoi —, il faut d'abord exécuter les barres de reprise, ensuite seulement le da capo — ou le renvoi. Par ailleurs, il est d'usage d'ignorer les barres de reprise après l'exécution d'un da capo ou d'un renvoi.

Exemple :

Aménagements dans les répétitions de phrases En cas de reprise, da capo ou renvoi, lorsque la fin des deux phrases identiques diffère, on utilise les expressions Prima volta et Seconda volta — c'est-à-dire, première fois et deuxième fois —, généralement abrégées en 1a et 2a, afin de soigneusement mettre en évidence les deux fragments distincts.

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Exemple :

Indication de la coda La coda — en italien, la queue, la fin — est l'ultime fragment d'un morceau. Le signe indiquant le début de la coda est la combinaison d'un cercle et du signe +, souvent suivie du mot coda. Lorsque le compositeur prend ainsi la peine de matérialiser le dernier fragment d'un morceau, c'est généralement afin d'éviter au lecteur de se perdre dans de trop nombreuses reprises, de trop nombreux renvois, etc.

Exemple :

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LES INSTRUMENTS ET LA VOIX Les instruments que tu trouveras dans la salle de musique seront les suivants :

GLOCKENSPIELS

PERCUSSION

IDIOPHONES À PLAQUES

MÉTALLOPHONES

BATTERIE

XYLOPHONES

PETITE PERCUSSION

ACOUSTIQUE PIANO CLAVIER

ÉLECTRIQUE SYNTHÉTISEUR

INSTRUMENTS À VENT

FLÛTE À BEC

CLASSIQUE INSTRUMENTS À CORDES

GUITARE ACOUSTIQUE

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Les plus nombreux sont les instruments à percussion. Ils peuvent produire des sons de hauteur déterminée ou non déterminée.

Les idiophones à lames sont des claviers avec des sons de hauteur déterminée ; Dans nos salles de classe de musique tu pourras en observer trois types : Des Glockenspiels, des xylophones et des métallophones. Par ailleurs, tu verras qu’il y en a de différentes tailles : les instruments soprano sont les plus petits et pourtant les plus aigus. Les instruments alto sont de taille moyenne.

• Soprano • Alto • Bas

xylophones

• Soprano • Alto

métallophones

Glockenspiels

Enfin, les instruments bas sont les plus grands mais nous ne les trouverons que comme des xylophones ou bien comme des métallophones.

• Soprano • Alto • Bas

Pour les instruments à plaques, on frappe avec des baguettes de différents matériaux.

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La batterie n’est pas un seul instrument. Il s’agît d’un ensemble d’instruments de fûts, cymbales, et autres percussions utilisé dans la plupart des genres musicaux actuels pour marquer le rythme. Même si les fûts ne produisent pas de sons concrets il faut accorder les peaux pour obtenir des différences de hauteur approximatives.

Il existe des batteries acoustiques et aussi des batteries électroniques.

Les éléments suivants font la plupart du temps partie d'une batterie, en nombre variable.

Les cymbales sont : Le charleston, Charley ou hi-hat (5) ; la cymbale crash (6, à droite) ; la cymbale ride (6, à gauche) ; d'autres cymbales se sont «standardisées» (elles ne sont pas représentées sur l'image) : la cymbale splash et la cymbale china.

Il existe d'autres instruments non représentés : crash-ride, gong, cencerro, tambourin, etc.

Les fûts sont : La caisse claire qui est située au milieu, entre les jambes du batteur (3).

Les toms qui sont le plus généralement au nombre de deux ou trois : Le tom alto ou petit tom (4, à droite) et le tom médium ou moyen tom (4, à gauche), au-dessus de la grosse caisse ; le tom basse, le plus grave (2), généralement sur des pieds.

Les instruments à percussion sont nombreux et variés.

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Block chinois

La cencerro ou campana

Les claves

Tambourin

Guiro

Le triangle

Les maracas

Les castagnettes

Les grelots

Le bongo ou bongó

Les cymbalettes

Le tambourin

Les claviers que tu trouveras dans la salle de musique peuvent être acoustiques (qui ne se branchent pas) ou bien électriques (piano électrique ou synthétiseur).

Piano acoustique

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Piano électrique

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Les synthétiseurs produisent leurs sons par des moyens électroniques.

Ils sont garnis par des librairies de sons propres ou importées ainsi que des rythmes.

L’orchestre est le groupe le plus important en musique, tant par la quantité et la variété de ses instruments que par l’abondance des œuvres musicales de grande qualité qui ont été composées pour lui.

Disposition des instruments de musique dans un orchestre

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Instruments en bois

Instruments à cordes

Frotées • • • •

Violons 1 et 2 Altos (m.)

Violoncelles Contrebasses (f.)

Pincées • Harpe ['arp] (f.)

Flûte Hautbois ['obwa] Clarinette (f.)

Basson

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Instruments en métal

Cor (m.)

Instruments à percussion

Fûts •Timbales (f.)

•Grosse Caisse (f.)

•Caisse claire

Trompette

Idiophones à plaques •Glockenspiel (m.)

•Xylophone •Vibraphone

Trombone

Petite percussion

Tuba (m.)

Les voix humaines se divisent en deux groupes: voix de femme ou d’enfant, appelées voix blanches, et voix d’homme appelées voix graves.

Les voix sont classifiées par rapport à leur timbre et aussi par rapport à leur tessiture comme suit :

Voix de femme

Soprano (m.)

Voix masculines

Ténor

Mezzosoprano (m.)

Baryton

Contralto (m.)

Basse (f.)

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. Les plus aigues sont les voix de soprano et de ténor. Les voix intermédiaires sont celles de mezzo-soprano et de baryton, et les plus graves sont les voix de contralto et de basse.

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LES COMPOSANTES DE LA MUSIQUE Les « composantes » de la musique sont au nombre de trois : mélodie, rythme et harmonie.

Dans un système musical, le mot mélodie désigne la dimension qui prend en compte les hauteurs émises par une source, individuelle ou collective, instrumentale ou vocale, au sein d'une réalisation musicale quelconque. La mélodie est la partie musicale dont nous nous souvenons plus facilement et que nous pourrions fredonner ou siffler dans un moment donné. Normalement la mélodie est interprétée par les instruments et les voix les plus aigus (dans la musique pop elle sera faite par le chanteur ou la chanteuse).

Le terme rythme désigne les différentes manières de regrouper les sons par rapport à leurs durassions et à leurs accentuations. Normalement il est possible de distinguer des coups qui s’appellent battements ou pulsations, lesquels déterminent des durées égales, c’est-à-dire les temps.

Quelques temps sont plus accentués que d’autres. C’est pour cela que l’oreille s’aperçoit que les temps se regroupent en mesures à deux, à trois et à quatre temps. Comme norme générale, c’est le premier temps qui reçoit l’accent le plus fort.

Même si le rythme est présent dans tous les instruments, il faut remarquer que les plus appropriés pour faire de l’accompagnement rythmique sont les instruments à percussion, surtout la batterie dans la musique pop.

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L'harmonie relève de l'utilisation délibérée de fréquences simultanées, dans la perspective d'apporter relief et profondeur au chant ou au jeu instrumental : elle représente donc l'aspect vertical de la musique, tandis que la mélodie en représente l'aspect horizontal.

Lorsqu'on dit qu'un instrument est « harmonique », cela signifie que cet instrument est capable de jouer au moins deux sons simultanés.

Par exemple, sont qualifiés « d'instruments harmoniques », la plupart des instruments à clavier — piano, orgue, clavecin, accordéon, harmonium… —, ainsi qu'un grand nombre d' instruments à cordes — harpe, guitare, luth… — ; tandis que des instruments tels que la flûte, le violon, la clarinette, etc., sont considérés comme des « instruments mélodiques ».

En harmonie tonale, un accord est une entité particulière, définie comme une combinaison simultanée d'au moins trois notes, disposées au départ sous la forme d'une superposition de tierces.

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L’ORGANISATION DE LA MUSIQUE Accolées à un titre d'œuvre, les différentes formes musicales — symphonie, concerto, prélude, fantaisie, etc. — désignent alors, soit la structure qui s'est bâtie au cours des âges, soit un genre musical particulier, une composition qui a évolué dans les siècles — opéra, danses, etc.

Pour nous la forme musicale sera synonyme de schéma dans le temps. Chacune des sections seront nommées avec les lettres de l’alphabet en ordre pour mieux comprendre sa structure. En même temps, nous utiliserons le signe prime (‘) pour indiquer si la reprise d’une section se produit d’une façon exacte ou non.

En musique classique, la forme binaire est une structure musicale particulière de l'œuvre musicale composée de deux sections — A et B — habituellement exécutées deux fois chacune (fréquemment AA'BB'). Sur une partition, la forme binaire est le plus souvent notée au moyen de barres de reprise. Normalement la section B contraste par rapport à la partie A.

A

B

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Dans un sens général l’on parle de « formes ternaires » quand on observe une structure musicale composée de trois parties ou sections soit égales ou différentes entre elles. La plus fréquente est une structure dotée d’une section centrale différente de celles qui l’entourent : ABA. Si la partie répétée porte quelque variation se désigne comme A’.

A

B

A

• Première idée

• Idée contrastante

• Première idée

Le rondeau est une forme musicale bâtie à travers de l’alternance de refrains et de couplets. Les couplets sont toujours égaux et ils peuvent différer entre eux ou non.

Le rondeau commence et finit par le refrain. Le nombre de sections n’est pas fixe, donc les plus courantes sont les structures de cinq, sept ou neuf parties : l’un des plus communs est le rondeau à cinq parties.

A

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Refrain

B

Couplet 1

A

Refrain

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C

Couplet 2

A

Refrain

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Bien qu’il n’existe pas une structure fixe pour ce type de musique, d’habitude la chanson pop suit un schéma comme ça :

Introduction Couplet Refrain Couplet Refrain

Pont Couplet Pont Instrumental Refrain Coda

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1ERE PARTIE. DO-FA 1

2

3

4

5

6

7

8

9

10

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2nde PARTIE. SOL-SI 11

12

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16

17

18

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21

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3ème PARTIE. DO’-MI’ 23

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4ème PARTIE: FA’-LA’ 32

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REVISION DES PARTIES 1ère et 2nde. DO-SI 42

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REVISION DES PARTIES 2nde et 3ème: SOL-MI’ 51

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REVISION DES PARTIES 1ère, 2nde et 3ème: DO-MI’ 61

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REVISION DES PARTIES 1ère, 2nde, 3ème et 4ème: DO-LA’ 69

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La batterie est un instrument à percussion qui est apparu à la fin du XIXème siècle, au sud des Etats Unis. Elle est formée par des instruments de fût (caisse claire, grosse caisse et les tom-tom) et par des cymbales de différentes tailles. Chaque instrument s’écrit dans un endroit différent sur la portée. A la place de la clef de sol ou de fa, tu verras un autre signe : la clef de batterie (ou de percussion).

COMMENT ETUDIER Pour apprendre à jouer de la batterie, la pratique est très importante, et il faut le faire pas à pas. Si tu suis ces pas sans n’en sauter aucun, et sans essayer de passer au suivant avant d’être sûr de celui qui t’occupe, c’est sûr que tu obtiendras des résultats dans un délai assez court.

Nous te proposons plusieurs exercices pour commencer.

1. Assied-toi bien : une bonne position corporelle (naturelle, équilibrée, et sans tensions) t’aidera à battre l’instrument d’une manière plus facile et à améliorer sensiblement la sonorité. La caisse claire doit être située entre les jambes, le pied droit sur la pédale de la grosse-caisse, et le gauche sur la pédale du charleston ou charley.

2. Pratique ce rythme de la cymbale ride avec la main droite ; premièrement tu feras des noires et puis après, quand tu réussis, tu essayeras de le faire en croches.

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. Il est très important de s’habituer à compter les pulsations : UN-DEUXTROIS-QUATRE quand on fait des noires et UN-ET-DEUX-ET-TROIS-ETQUATRE-ET quand on fait des croches. Cela t’aidera à bien comprendre le rythme et ce sera la base pour se lancer dans des rythmes plus complexes.

3. Pratique le même rythme avec le charley, toujours avec la main droite.

Rappelle-toi de compter !

4. Tu as réussi ? Alors tu es prêt à faire l’exercice suivant. La caisse-claire est battue sur les pulsations 2 et 4. Essaye de le faire avec la main gauche.

Ne pas oublier de compter à haute voix

5. Si tu t’es déjà assuré de cet exercice, essaye de le faire des deux mains.

Avec un peu de pratique tu réussiras bien sûr.

6. Abandonne les baguettes et fais attention au pied droit. La forme la plus confortable d’utiliser la pédale c’est d’être en contact avec le pied d’une manière totale. Il faut seulement la déplacer vers le bas et vers le haut.

N’oublies pas de compter ! UN-DEUX-TROIS-QUATRE 7. Maintenant tu peux ajouter la grosse-caisse et la cymbale :

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. 8. Si tu as réussi, essaye d’ajouter la grosse-caisse et la caisse-claire.

9. Tu es prêt ? Alors, maintenant tout en même temps. Ne te décourage pas si tu n’y arrives pas la première fois. Détends-toi, fais autre chose, et réessaye plus tard. La constance est très importante, donc recommence toutes les étapes jusqu’à que tu réussisses à faire ce rythme automatiquement.

Cela semble peu de chose, mais avec ce rythme basique tu pourras accompagner de nombreuses chansons. Ensuite, tu auras une sélection de rythmes différents. Essaye de le faire pas à pas parce que, même si cela paraît plus lent, tu verras comme tu progresses à chaque fois plus vite.

Les partitions et les schémas qui accompagnent chaque rythme, t’aideront à mieux les comprendre et à les étudier, mais essaye de les apprendre par cœur.

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. FILLS Les tom-tom peuvent être utilisés pendant les temps forts autant que la grossecaisse et la caisse-claire, mais habituellement ils s’utilisent pour les « fills ». Un « fill » est un phénomène de rythme rempli ou bien de transition d’une section à l’autre dans une chanson. On utilise aussi les « fills » pour tous les autres instruments. Les « fills » peuvent durer pendant un temps ou plus en rythmes de noires, de croches ou de double-croches.

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. Voilà une sélection de « fills » pour pratiquer.

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Un clavier est un instrument qui imite presque parfaitement tous les autres instruments, il peut aussi produire des sons naturels, des voix, des effets sonores et des sons complètement nouveaux jamais entendus avant. Les claviers peuvent changer le timbre des sons.

Les touches de contrôle reproduisent un son spécifique seulement en appuyant sur le bouton. Celui ci provient d’une banque de sons enregistrés électroniquement dans la mémoire de l’ordinateur. Chaque bouton possède ses propres instruments et combinaisons de timbres. Certains claviers peuvent créer, enregistrer et reproduire des sons nouveaux. La technique des doigts sera celle du piano en employant une technique corporelle conforme aux besoins de cet instrument.

Le clavier est l’instrument polyphonique par excellence. De plus, il possède une grande extension qui nous permet de jouer n’importe quel instrument qu’il soit grave ou aigu.

Au clavier comme au piano il faut une petite planification, appelée doigté, pour pouvoir attribuer à chaque doigt une ou plusieurs touches. On les représente avec un numéro de 1 à 5 (du pouce à l’auriculaire) situé au dessous ou au dessus de la note et sa mémorisation et sa lecture doivent être simultanées à celle là.

Pour jouer du clavier il faut avoir une position adéquate : La tête doit être légèrement inclinée vers le piano.

Le dos doit être droit, mais sans le forcer, la position doit être naturelle.

Les coudes doivent être un peu plus avancés que le tronc.

Les mains ne doivent pas être appuyées sur le piano, seuls les doigts ont un contact avec le clavier.

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MUSIQUE. PREMIER CYCLE DE E.S.O. La hauteur de la banquette doit permettre à l’avant-bras d’être à la même hauteur que les touches du piano.

Les pieds doivent être posés au sol.

Position correcte des mains : Les doigts doivent former un petit arc lorsqu’ils sont en contact avec les touches. Cette position permet une bonne mobilité et donne aux articulations la force nécessaire pour appuyer sur les touches. Cette position permet d’occuper correctement le pouce. Cette position ne provoque pas de tensions dans l’avant-bras.

Le piano est un des instruments les plus difficiles qui existent et réussir à le maîtriser moyennement requiert des années d’études, de pratique et de patience.

Cependant commencer à jouer une partition sur le clavier peut être possible avec un peu de patience et en suivant ces étapes : Assieds-toi correctement et de manière équilibrée.

Place tes mains correctement.

Relaxe-toi : il ne faut pas appuyer fort sur les touches ; les claviers sont très doux et avec un simple mouvement du doigt et le poids de l’avant-bras la force est suffisante pour que l’on réussisse à jouer.

Apprends les notes de la chanson mesure après mesure.

Apprends par cœur les notes de la chanson avec le rythme.

Pose les notes sur le clavier : si tu y fais attention tu verras que les touches noires sont ordonnées par groupe de deux ou trois. Donc, les touches de la note DO c’est la première touche blanche qui est juste avant un groupe de deux touches noires.

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I.E.S. UNIVERSIDAD LABORAL DE ALBACETE