Revista de arte 2

Edición 2 Impresionismo

Noviemre de 2013

Arte

Arte impresionista

Impresionista Édouard Manet

De todos los artistas de su tiempo, Manet era quizás el más contradictorio

Claude Monet

Monet desarrolló el concepto de las «series»

Edgar Degas

Visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

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Contenido

Editorial

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Impresionista A mediados del siglo XIX en Europa, más específicamente en Francia un movimiento pictórico nace, en contra de las formulas artísticas fijadas por la Academia Francesa de Bellas Artes, la cual imponía los modelos a seguir de dicha época.

Como objetivo inicial del impresionismo, los artistas tenían como fin conseguir una representación del mundo espontánea y directa, que hace al espectador parte de la obra y a través de su perspectiva ver está a su manera.

Lograron eliminar detalles minuciosos y se basaron más en las formas a través de colores primarios y complementarios. Gracias a esto consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de colores cortos y yuxtapuestos.

A lo largo de este documento estaré presentando las diferentes características de este movimiento, la definición como tal y los exponentes más importantes de estas épocas que representan una época llena de esplendor y naturalidad del mundo.

Jordy Triana

Édouard Manet

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Claude Monet

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Pierre-Auguste Renoir

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mpresionismo

La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro.

l impresionismo es un movimiento pictórico surgido en París, Francia, a mediados del siglo XIX. Pero no fue hasta 1874 que el impresionismo floreció. Un 15 de abril de ese año, un grupo de pintores quiso desafiar la exposición del Salón Oficial de París realizando una muestra paralela en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras.

Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Entre ellos había artistas como Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, y Claude Monet, entre otros.

Curiosamente fue una obra de este último, el célebre pintor francés Monet, titulada “Impresión: sol naciente” pintada en 1872 la que bautizó esta corriente artística como impresionismo.

cipio aplicaron los efectos de la luz a superficies reflectantes, como el agua y la nieve, muy pronto lo ampliaron a todos los elementos compositivos, como la figura humana, el cielo, los paisajes urbanos, entre otros.

El impresionismo rompía con las leyes del academicismo, suprimiendo la perspectiva tradicional, la anatomía clásica y el claroscuro. Los autores de este movimiento rechazaron los colores oscuros para buscar la claridad, la transparencia y la luminosidad.

Fueron los pintores del impresionismo los primeros en poner sus caballetes en plena naturaleza, concretamente en el bosque de Fontainebleau. Para Monet, Renoir o Pissarro, la naturaleza era una fuente de sensaciones puras, de efectos que se convertían en objetos de la pintura. El campo inicial del impresionismo fue precisamente el paisaje. Si en un prin-

Los artistas del impresionismo dedicaban un largo período de tiempo al estudio de la técnica pictórica. La plasmación de la luz era trascendental para ellos, ya que creían que los objetos sólo se veían en la medida que la luz incidía. La coloración de las sombras era otro aspecto importante en el impresionismo, así como la repetición de tema con cambios de matices de iluminación, como única diferencia.

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Características más importantes

Qué es el

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Las características del Impresionismo son muy claras e intentan plasmar más que cualquier cosa la luz y los efectos de esa en los paisajes y momentos agradables de la vida, sin quitar el protagonismo de aquello que refleja. Ese movimiento artístico surgió tras el eclecticismo – que tenía como reto romper estilismos, rompimientos esos que generaran el arte moderno– y como una continuación, y porque no, vertiente del realismo, ya que también adopta como tema la vida cotidiana.

Paisaje El paisaje ofrece un campo donde todos los intereses de los impresionistas se ven concentrados: El aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices coloristas irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación de la nieve, el agua y el hielo Gustave Caillebotte

La temática era uno de los principales motivos de discrepancia que tenían los pintores impresionistas con la sociedad de la época. Procedentes de una clase social popular, o próxima a ella, a los impresionistas les resultaba placentero retratar gustos y costumbres que les eran familiares. Por el contrario, los clientes de arte, pertenecientes a las clases burguesas y aristocráticas, estaban acostumbrados al idealismo y al reflejo de la sofisticación en los cuadros. Como consecuencia, la alta sociedad consideraba que los impresionistas estaban en guerra contra la belleza.

Pese a empezar como un grupo de artistas, a partir de 1886, cada uno de los pintores buscaron renovar el arte por sus propios medios y comenzaron a gozar de un modesto triunfo.

Técnica Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de pintura. Se dice que los últimos cuadros de Monet no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo.

CAMILLE PISSARRO: "Le Boulevard Montmartre, effet de nuit (El Boulevard Montmartre de noche)", 1897 - óleo sobre lienzo, 53.3 x 64.8 cm - Londres, National Gallery

Color Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.

Ausencia de perspectiva. Los impresionistas quitan el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura plana y dimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina.

PAUL CÉZANNE: “Grandes bañistas”, 1906 - óleo sobre lienzo, 208 - 251 cm. - Philadelphia Museum of Art

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MĂĄximos

Exponentes Dentro del Impresionismo hubo varios representantes de vital importancia y que colaboraron en el desarrollo del movimiento artistico. Sin embargo, me gustarĂ­a enfocar la atenciĂłn en cuatro artistas, lo cuales a mi parecer, son los mas importantes dentro del Impresionismo.

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Rue Montargueil con Banderas

Manet

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Édouard

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anet, nace en el año de 1832 el 23 de Enero. Manet por muchos no es considerado como directamente impresionista, sin embargo, fue una gran influencia para el movimiento y muchas de las características de su pintura se ve en varios impresionistas.

Comenzando con su clara critica al arte tradicional, con obras como Olympia (anteriormente mencionadas), logra crear escándalo en la crítica de la época. Su percepción sobre el arte ha liberado de aquel miedo a perder de varios artistas y se dedican a expresar sus ideales al mundo, ya no importa lo que se piense.

Otro hecho que hace estremecer a la crítica, es la técnica de pintar de Manet. Principalmente por pinceladas gruesas y coloridas, sin mucho detalle, logra articular un escenario, un acontecimiento. Estas pinceladas gruesas serán de gran influencia en el impresionismo, como se explicó en las características del Impresionismo.

En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática –muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea– como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.

Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.

Olympia, de Manet En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la

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TÍTULO: Le Déjeuner sur l'Herbe "Almuerzo sobre la hierba" ARTISTA: Édouard Manet AÑO: 1863 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 208 cm × 264,5 cm UBICACIÓN: Museo de Orsay, París, Francia

Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista.

Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda.

Le Déjeuner sur l'Herbe R

echazada en el Salón Oficial (Napoleón III la consideró indecente), esta tela fue expuesta en el Salon des Refusés. El público y la crítica se indignaron por lo absurdo del tema (una mujer desnuda habla, en medio del bosque, con dos hombres vestidos), y por la textura pictórica, sin claroscuros ni relieve, con grandes manchas de colores planos, una violenta oposición de tonos, la sensación de esbozo y una pincelada ligera.

El lienzo representa ante un fondo frondoso con un riachuelo, un grupo formado por dos jóvenes artistas que conversan sentados sobre la hierba: se trata de Ferdinand Leenhoff, cuñado de Manet, y su hermano pequeño Gustavo, y junto a ellos, mirando al espectador, una mujer desnuda, la modelo Victorine Meurend; una bañista (Suzanne, hermana de

Ferdinand), con vestido blanco, se encuentra al fondo, y en primer término, en la izquierda, una naturaleza muerta con frutos y otros alimentos, así como vestidos y un sombrero. El tema procede de un cuadro veneciano de principios del siglo XVI atribuido a Giorgione, Concierto campestre; la composición repite un grupo de divinidades fluviales del Juicio de Paris de Rafael. El motivo dominante es la transparencia del agua en la sombra húmeda del bosque. Manet, pues, no se preocupa de la anécdota, de la acción, sino que elabora un material compositivo y temático que pertenece a la historia de la pintura. Pero, como "hombre de su época", transforma las divinidades fluviales en parisinos de vacaciones y el concierto en un almuerzo al aire libre; compone una imagen "histórica" según los valores de la conciencia "moderna".

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Olympia

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sta pintura se rompe con la tradición de pintar mujeres desnudas bajo la forma de la diosa “Venus”, o de mujeres de siglos pasados. Aquí, Édouard Manet pinta una mujer real, de su propia época: una prostituta parisina.

Expuesta por primera vez en 1865, en el Salón de Paris, causó un gran escándalo. El público contemporáneo se sintió ofendido, no tanto por su desnudez, sino por el realismo del mismo, así como también por su mirada de confrontación y los símbolos que la identifican con su profesión (la orquídea en su cabello, con sus supuestos poderes afrodisíacos, refe-

rencia a la sexualidad, así como el gato negro, símbolos de prostitución).

El autor francés Emile Zola, padre del Naturalismo en la literatura, ha dicho de ella: “Cuando otros pintores corrigen la naturaleza y pintan a Venus, mienten. Manet se preguntó, por qué debería mentir. ¿Por qué no decir la verdad?”.

La Olympia de Manet es directamente descendiente de la Venus de Urbino de Tiziano, quién a su vez fue inspirada por la Venus Dormida de Giorgone.

Ella mira el espectador sin parecer avergonzada por su desnudez. La actitud es considerada indecente : Olimpia es una cortesana y no una Olimpia. La crítica se refiere tanto al tema como a la técnica. El escándalo de la Olimpia sucede a lo del Desayuno sobre la hierba (1863) Edouard Manet, consternado, se va de viaje a España. Sus envíos a los Salones de 1866 y 1876 son rechazados por el jurado.

TÍTULO: Un bar aux Folies Bergère ARTISTA: Édouard Manet AÑO: 1882 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 96 cm × 130 cm UBICACIÓN: Courtauld Institute of Art, Londres, Reino Unido La Suzon de Manet muestra que su mirada es cautelosa, su complexión, aún joven y sonrosada, no necesita afeites. Es probablemente una chica procedente de uno de los suburbios rurales de París, y quizás fueran su juventud y frescura las que le dieron el trabajo en las Folie Bergère.

Un bar aux Folies Bergère L

TÍTULO: Olympia ARTISTA: Édouard Manet AÑO: 1863 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 130.5 centímetros por 190 UBICACIÓN: Museo de Orsay, París, Francia

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a mujer joven de rubio flequillo, con sus brazos apoyados en el mostrador de mármol, muestra un aire algo indiferente. En la superficie frente a ella hay botellas de champán, de cerveza rubia y de licor de menta. Entre las botellas lucen brillantes mandarinas y pálidas rosas en un jarrón. La joven ha puesto un ramillete de flores en el ancho escote de su vestido, junto a su blanca piel. Únicamente el gran espejo tras la mujer nos dice donde estamos. Refleja a un hombre con sombrero de copa que mira intensamente a los ojos de la joven, así como una habitación llena de gente, movimiento y brillo.

La joven y su bar se hallan en el famoso y parisino cabaret de las "Folies Bergère". Ningún otro lugar, según recordaba en 1964 un entusiasmado Charlie Chaplin, "exudó nunca tal glamour, con sus dorados y terciopelos, sus espejos y sus

grandes arañas". Chaplin actuó allí a principios de siglo, en el programa de variedades: música ligera, ballet, mimo y acrobacia. Y son, sin duda, las piernas y verdes zapatos de un artista del trapecio los que asoman por la parte superior izquierda del cuadro.

El palacio de la diversión se hallaba cerca del Boulevard Montmatre en el corazón de París, la cual era considerada, y no sólo por sus habitantes, la capital del mundo. Hacia mediados del siglo XIX, la capital francesa - cuya población cuadruplicó entre 1800 y 1900 - llegó a ser un símbolo de las artes, de la industria, del progreso de la ciencia y del buen vivir. "A diferencia de otras ciudades, París ya no es sólo una reunión de gente y piedras", declaró un bastante orgulloso contemporáneo, "es la metrópolis de la civilización moderna".

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Claude

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ace el 14 de Noviembre de 1840. Por muchos, el mayor exponente del Impresionismo. Esto se debe a que durante toda su vida, el único movimiento por el que se vio influenciado fue por el impresionismo, el cual continúo desarrollando hasta el día de su muerte.

Se destaca por su atracción hacia los paisajes y la representación de la naturaleza. Su obra fue de vital importancia para el movimiento, Impresión Atardecer logra dar el nombre a este nuevo movimiento artístico. También se le atribuye la creación del Salón de los "Rechazados" donde varios artistas impresionistas expusieron sus obras al no ser aceptados por la crítica de la época.

Dentro de su técnica, utiliza los colores brillantes para lograr un contraste de colores en el ambiente y los diferentes elementos que lo componen, como el agua, los árboles, la naturaleza en general. Realiza diferentes estudios acerca del cambio en el ambiente, de colores y movimiento.

Entre los más reconocidos se encuentra el famoso estudio realizado a las Nenúfares durante 6 años.

Pintaba al aire libre paisajes y escenas de la sociedad burguesa, y gozó de cierto éxito en las exposiciones oficiales.

Según su estilo evolucionaba, transgredía los convencionalismos en beneficio de una expresión artística más directa.

En 1874, junto a sus colegas, organizan sus propias exposiciones. Se autodenominaron los independientes, aunque se les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y también porque una de las pinturas de Monet

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llevaba el título Impresión: sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Intentó captar las variaciones del color a través de sus series sobre un mismo tema, a distintas horas o durante estaciones diferentes. Paulatinamente fue acentuando los efectos luminosos hasta llegar en ocasiones a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí.

En 1878 y Monet se establece provisionalmente en París, donde el 17 de marzo de este año nace su segundo hijo, Michel, hecho que quebrantará definitivamente la salud de su mujer. La muerte de Camille el 5 de septiembre de 1879 lo deja sin saber cómo organizar su vida y la de sus hijos.

A mediados de la década de 1880, esta considerado como el dirigente de la escuela impresionista, alcanzando el reconocimiento y una buena posición económica. Valorado como maestro de la observación meticulosa. En 1890 adquirió una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) -un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú-.

El 16 de julio de 1892 se casa con Alice Hoschedé. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Claude Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

TÍTULO: "Terraza en Sainte Adresse" ARTISTA: Claude Monet AÑO: 1867 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 129,9 cm × 98,1 cm UBICACIÓN: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos

La terraza de SainteAdresse D

urante el verano de 1867 Monet estuvo trabajando duramente en Sainte-Adresse, surgiendo maravillosas escenas como la "Playa de Sainte-Adresse" o esta terraza, tomadas ambas del natural a pesar de emplear diferentes iluminaciones para reforzar la teoría impresionista de que la luz y el color dependen de cada momento. El artista nos ofrece una visión en alto de una terraza ocupada por miembros de la burguesía - las mujeres con las sombrillas o los hombres con sus sombreros - para mostrarnos al fondo

el mar plagado de barcos de vapor y de vela. Las líneas verticales de los mástiles rompen con la horizontalidad del mar y del horizonte. Las sombras coloreadas - siguiendo a Delacroix - y los contrastes entre las diferentes tonalidades muestran la frescura que tendrán las obras impresionistas.

Como es ya tradicional en las obras de Monet, la pincelada es aplicada a través de pequeños toques en forma de coma que se convierten en manchas cuando el espectador se acerca.

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"Impresión, sol naciente"

La Catedral de Rouen Impresionismo

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TÍTULO: "Impresión, sol naciente" ARTISTA: Claude Monet AÑO: (1873) TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 47 cm × 64 cm UBICACIÓN: Museo Marmottan-Monet, París, Francia

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s una obra figurativa realizada con un nuevo lenguaje artístico, que dará nombre a un movimiento de gran trascendencia: el Impresionismo. Se nos muestra un puerto con un fondo nebuloso en el que, con dificultad, se adivinan los grandes barcos mercantes al fondo, con sus mástiles y, las chimeneas humeantes de las fábricas del puerto. El sol, representado por una intensa bola naranja, se abre paso, iluminando las tranquilas aguas marinas. Acercándose al espectador navegan tres pequeñas embarcaciones a remo.

En este cuadro el autor se aleja de los criterios convencionales de la representación pictórica, obedeciendo a lo emocional que le proporciona la contemplación de los diferente elementos del paisaje, tanto naturales como los que dejan ver los tiempos modernos barcos mercantes, fábricas, humos….

Las pinceladas no perfilan, no detallan los objetos. Las

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pinceladas son brillantes y dinámicas, unas muy distintas a otras, así, el cielo tiene distintos trazos que las aguas del primer plano dónde las pinceladas se superponen o aparecen sueltas. El resultado es la insinuación de un instante, dando una sorprendente sensación de boceto: la pincelada ha sustituido al dibujo, por lo que los contornos se difuminan y pierden entidad.

Los colores, que pretenden recoger el instante de una atmósfera efímera, el amanecer cambiante, son azules grisáceos y también rosáceos, para captar la neblina y humos. En paralelo contrasta el naranja del sol , su reflejo lumínico en el cielo y en las aguas del puerto. Recuerda la atmósfera matutina que el pintor norteamericano, Whistler, pintara en 1870 de la vista del Támesis. Esta obra fue conocida por Monet en Londres.

TÍTULO: La Catedral de Rouen ARTISTA: Claude Monet AÑO: 1894 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 107 cm × 73,5 cm UBICACIÓN: Musée d'Orsay , París, Francia

Degas

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Edgar

La clase de danza

"Un cuadro debe ser pintado con el mismo sentimiento con que un criminal comete un crimen" Edgar Degas

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ació el 19 de julio de 1834 en París. Hijo de un aristocrático banquero, su madre provenía de una familia de rancia tradición de Nueva Orleans, en Estados Unidos. Fue el primogénito de la familia y desde pequeño su padre lo puso en contacto con el arte.

En 1845 inicia su bachillerato en el Liceo Louis-le-Grand y lo termina en 1853. Abandonó la Facultad de Derecho para pintar. En 1854 se convierte en alumno de Louis Lamothe, discípulo de Ingres, y asiste en 1855 a la Escuela de Bellas Artes en París. Desde 1865, influenciado por el movimiento impresionista, abandona los temas académicos para dedicarse a una temática contemporánea.

Viajará a Italia, lo que será muy importante para su formación, donde conocerá la pintura veneciana y florentina de Masaccio, Piero Della Francesca... Al contrario de los impresionistas, prefiere el taller y no le atrae el estudio de la luz natural. Dedicaba mucho tiempo a pintar aunque sus obras parecieran espontáneas o hasta casuales. "Si es necesario repetir una obra cien veces, hay que hacerla ciento veinte, ese no es problema", solía decir.

Su temática es el teatro, cafés, carreras de caballos y las mujeres, en las que se centra gran parte de su obra intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos. En su afán por capturar el movimiento en una obra de arte, acudía a diario y permanecía horas observando los

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ensayos de las bailarinas, incluso, contrató algunas para que le sirvieran de modelo mientras pintaba. Su estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones asimétricas. Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores de absenta (1876, Museo de Orsay, París), Ensayo de ballet (1876, Museo y Galería de Arte de Glasgow) y en Mujer con crisantemos (1865, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).

En la década de 1880, empieza a perder visión, y trabaja con dos medios nuevos: la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar la acción del momento. Trabajó con moldes de cera o terracota y en vida no fundió ninguna escultura en bronce. No obstante, en sus últimos años deseó hacerlo e, inclusive, llegó a convenios con reconocidos fundidores de su país. Sin embargo, sus obras no se realizaron hasta después de su muerte. Sus pasteles suelen ser composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa.

No gozó de gran reputación entre sus contemporáneos y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París.

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TÍTULO: La clase de danza ARTISTA: Edgar Degas AÑO: Entre 1871 y 1874 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 85 cm x 75 cm

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a danza es un tema recurrente en la obra de Edgar Degas, y a él dedicó más de la mitad de su obra, entre pinturas y esculturas. Si bien pintó varios cuadros representando bailarinas en escena, el artista sentía especial predilección por los ensayos y los descansos. Quizás parte de éste interés se revela en las analogías que existen entre el ballet clásico, un arte que requiere gran precisión y equilibrio, donde la perfección sólo se alcanza con la práctica y la repetición sistemática; y el estilo y la metodología pictórica de Degas, de una elevada precisión.

La clase de danza (La classe de danse) es una de las pinturas donde Degas comienza a describir el movimiento de forma magistral. Se trata de una composición cuidadosamente construida. La escena se desarrolla en una pieza organizada según una perspectiva muy marcada que permite una lectura clara del espacio. En el centro del salón se encuentra Jules Perrot, un famoso profesor de danza que, junto con su compañera María Taglioni, había sido la estrella del ballet parisiense.

El maestro tiene un bastón y parece estar hablando con la bailarina enmarcada por la puerta o refiriéndose con algún comentario a ella. Sin embargo, Perrot no consigue captar

la atención de toda la concurrencia: el grupo de bailarinas del fondo adopta posturas relajadas y no parece prestarle demasiado interés. Podemos observar que estas bailarinas se encuentran acompañadas de sus madres, como era costumbre entonces, puesto que en el París de la época el ballet no era una actividad respetable y muchas bailarinas caían en el ejercicio de la prostitución.

Dentro del grupo del fondo, la muchacha situada de pie con los brazos en jarras repite la pose de la bailarina del primer término, creando de este modo una sutil diagonal que sigue la línea del entablado. Las paredes están pintadas de verde, y las columnas de mármol se repiten en sucesión vertical dirigiendo la vista hasta el fondo de la estancia, donde una bailarina de pie sobre la plataforma ajusta su collar. En la inclinación del suelo y el desequilibrio y la asimetría de la composición, se aprecia la influencia de los grabados japoneses que afectaba entonces a las vanguardias. El contraste entre el espacio vacío de la parte inferior derecha del lienzo es un recurso que aparece a menudo en los trabajos de Degas, así como la composición diagonal, bien determinada en este caso por las líneas del entablado del suelo, que conduce hacia el fondo la mirada.

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Bebedores de absenta

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os bebedores de absenta o El ajenjo, es una obra pictórica realizada en torno a 1876 por el artista impresionista Edgar Degas. La obra fue realizada en óleo sobre lienzo y tan sólo mide unos 92 cm de alto y 70 de ancho; está ambientada en un conocido café de Paris, El café de la Nueva Atenas.

Expuesta en el Salón impresionista de 1876 fue duramente criticada, tachándola de marginal y sucia. En el 92 Degas expuso la pieza en una segunda exposición corriendo la misma suerte, tampoco se libró de las críticas en la exposición londinense del 93 donde fue tildada de degenerada y grosera.

En la obra aparecen dos personajes sentados en el interior del café, con un claro estado de embriaguez. La mujer es una conocida actriz de la época Ellen Andreé y el hombre un famoso artista y grabador Marcellin Desboutin que era amigo de Degas. Ambos están ausentes, ensimismados, sin establecer ningún tipo de diálogo. Delante de la joven aparece una copa con absenta, una bebida muy popular en la época que producía gran embriaguez y adormecimiento, y que da lugar al nombre del cuadro. Mientras a su lado el artista Desboutin mira el café fumando su pipa.

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Degas no solo hace alusión al estado de los personajes, alejada de los clásicos motivos impresionistas de alegría y bienestar, alude a la marginación y aislamiento de ciertos ambientes parisinos.

Los personajes aparecen arrinconados en la esquina izquierda del cuadro cobrando especial importancia la composición y perspectiva del mismo. A través de la disposición de las mesas el artista impresionista establece una perspectiva oblicua, como ya había hecho en otras obras anteriores como Clase de danza. Son también las mismas mesas de mármol las que disponen un punto de fuga desplazado. Degas influenciado fuertemente por la fotografía y sobre todo por las artes escénicas gusta de extraños enfoques que arrinconan a los personajes, los cortan por la mitad… no obstante, la composición de sus cuadros no es en absoluto descuidada sino que tiene una trama muy trabajada. El espacio del café se hace protagonista en la obra de Degas, el espectador está obligado a recorrer el espacio hasta llegar a las figuras de los dos persones, incluso estos aparecen secuenciados, uno al lado del otro nuestra mirada se detiene primero en la mujer y después en el caballero.

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TÍTULO: Bebedores de absenta ARTISTA: EDGAR DEGAS AÑO: 1876 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 92-68 cm Jordy Triana UBICACIÓN: Musée d’Orsay, Paris, Francia

Renoir

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intor francés. Hijo de artesanos, vivió sus primeros años en barrios proletarios donde trabajó como decorador de porcelanas y pintor de abanicos. Después pudo acceder al taller del pintor Gilbert y, luego, al de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley, con quien más tarde compartió su casa en París. Sus primeros intereses como pintor se inclinaron por la escuela de Barbizon y, consecuentemente, por la pintura al aire libre. Durante los días agitados de la Comuna, pintó con Monet a orillas del Sena. En 1873 terminó Jinetes en el bosque de Bolonia, excluida del Salón oficial y expuesta en el de los Rechazados.

Durand-Ruel se interesó por su obra y en 1874 participó en la primera exposición impresionista, en los estudios del fotógrafo Nadar, donde expuso, entre otras obras, El palco (1874, Courtauld Institute Galleries, Londres). Se trata de un gran lienzo donde representa a Niní López y a su hermano con una técnica de pinceladas sueltas fundidas entre sí, de contornos imprecisos y poco definidos. La composición, piramidal, se caracteriza por los ritmos ascendentes y sinuosos del vestido negro de ella y los de la chaqueta de él, así como señala la importancia de las cabezas: la de ella expresa sere-

nidad y atención, mientras que la de él oculta su mirada tras los prismáticos.

En 1876 se celebró la segunda exposición del grupo impresionista en la que Renoir participó con una de sus obras más conocidas, El moulin de la Galette (1876, Museo de Orsay, París), que recoge los momentos de un baile al aire libre en una terraza parisiense. Si lo comparamos con la obra de Manet Concierto en las Tullerías (1860, National Gallery, Londres), de tema y composición parecidos, presenta al igual que ésta, un encuadre interrumpido por los bordes del formato, recurso que produce la impresión de que la escena sigue y se expande más allá de los propios límites del lienzo. En comparación con la obra de Manet, que la pintó en un alarde de pinceladas imprecisas e indefinidas, la de Renoir libera todavía más la pintura, con una sucesión de manchas centelleantes que parece deslizarse sobre la tela al ritmo de la música o de los movimientos de los árboles que dejan pasar parcialmente la luz que ilumina la escena.

En 1878, Renoir se alejó del grupo impresionista y buscó el éxito en los salones oficiales; el abandono de los principios impresionistas se acentuó cuando, a partir de 1881, numerosos viajes -Normandía, Argel, Florencia, Venecia, Roma, Nápoles, Sicilia- despiertan su admiración por cierta idea clásica de lo bello -la pintura pompeyana, Ingres, Rafael-, que le llevó a cuestionarse el valor de la espontaneidad de su técnica anterior, alejándose progresivamente de los efectos atmosféricos en busca de una pintura más definida. De esta época, cabe destacar obras que reflejan momentos de la vida parisiense contemporánea, como el cuadro Madame Charpentier y sus hijos (1878, Metropolitan Museum, Wolf Foundation, Nueva York), que fue expuesto en el Salón de 1879, donde recibió la aprobación del público y la crítica.

El tema de la mujer, por el que el artista mostró claramente, durante toda su vida, un gran interés, adopta, por lo general, un tratamiento de gran consistencia y de resonancias clásicas. En este sentido destacan la serie de las bañistas -Bañista sentada secándose la pierna (1895, Museo de l'Orangerie, París), Bañista sentada (1914, Art Institute, Chicago), o Bañistas (1918-1919, Museo de Orsay, París)- que constituyen el máximo exponente de la belleza femenina, ejecutadas con una técnica cálida y envolvente. En estas obras, las pinceladas no se mueven en múltiples direcciones, como se observava en El moulin de la Galette, sino que se alargan por la aplicación insistente de óleo húmedo diluido en aceite de linaza y trementina.

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Baile en el Moulin de la Galette

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“Los paraguas”

TÍTULO: Baile en el Moulin de la Galette ARTISTA: Pierre-Auguste Renoir, AÑO: 1876 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 131 cm × 175 cm UBICACIÓN: Museo de Orsay, París, Francia

C

uando hacía buen tiempo, los bailes del Galette, se realizaba en el exterior del gran barracón verde que contenía el salón de invierno. Entre los molinos Radet y BluteFin, existía un espacio ajardinado sembrado de acacias con bancos y mesas que al anochecer era alumbrado por farolas, hileras y racimos de lámparas de gas. Los bailes eran por la tarde pero duraban hasta medianoche. Un escenario elevado del suelo colindante con el salón interior servía de lugar para la orquesta.

Georges Rivière, amigo y biógrafo de Auguste Renoir, comenta que "el cuadro fue pintado del natural, en el lugar de los echos, al aire libre..." y para certificarlo, explica cómo entre él y otros amigos tenían que ayudar a transportar el lienzo todos los días, desde el estudio que Renoir había alquilado en la Rue Cortot, (donde hoy se encuentra el Museo de Montmartre), hasta el Galette, temiendo en más de una ocasión que el viento lo lanzara colina abajo. Los amigos del pintor son los personajes del primer plano a la derecha y sentados en en las mesas, Franc-Lamy de espaldas, Norbert Goeneutte con pipa y el propio Georges Rivière escribiendo.

Ellas son las hermanas Estelle y Jeanne, jóvenes del barrio

Jordy Triana

de Montmartre que Renoir usó de modelos. En el centro de la escena bailan Pedro Vidal, pintor cubano, junto a su amiga Margot; al fondo están los también pintores Cordey, Lestringuez, Gervex y Lhote.

A pesar del testimonio de Riviere, no está claro que la obra comentada fuera la que se pintó en el Galette. Existe otra versión más reducida (113 x 78 cms) y menos acabada, que probablemente fue la pintada del natural, sirviendo de gran boceto para la ejecución de la definitiva, que Renoir pintaría en el estudio retratando uno a uno a los modelos representados.

También se ha escrito sobre la obra, que a fin de elevar su punto de vista, Renoir tuvo que pintar el cuadro desde los primeros escalones de la escalera que subía al mirador del Blute-Fin, a espaldas del pintos, una posición algo increíble, si observamos el lugar tal como lo muestra un grabado de la época, (posiblemente obra de Forain) o los dibujos y la pintura realizados por Van Gogh una década más tarde, desde el lugar mismo donde se desarrolla la escena.

TÍTULO: Los Paraguas ARTISTA: Pierre-Auguste Renoir, AÑO: 1883 TÉCNICA: Óleo sobre lienzo TAMAÑO: 180´3 x 114´9 cm.

UBICACIÓN: National Gallery de Londres

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Impresionista Jordy Triana

Editorial Patria