FASES
DEL PROCESO DE PRODUCCION MUSICAL
隆ABLETON LIVE!
10 Recomendaciones que ofrece acusmatica para una mejor calidad en la producci贸n de m煤sica electr贸nica.
2014
2
I NTRODUCCIÓN Una definición que podrías utilizar para poder saber que es la producción musical, podría ser esta: “Es el conjunto de todos los elementos y procesos que determinan la forma final de una pieza musical en el ámbito de la industria discográfica.” En los últimos años gran cantidad de adelantes tecnológicos han sido experimentados, dentro de la aplicación de la informática al mundo de la música, hacen que todo el proceso de producción musical pueda realizarse en un estudio en casa o bien llamado “estudio de sonido personal”. No con la misma calidad que podría ofrecer un estudio de sonido profesional. La producción musical se divide en cuatro fases:
Algo que debemos aclarar es que estas fases no deben verse como puntos sin retorno. Ya que puede darse el caso que haya que repetir determinadas fases, porque el resultado no nos satisface o se esperaba una mejor calidad.
3
¿Q UÉ
ES L A
M Ú SICA E LECTRÓNICA ?
Antes de profundizarnos más en el tema de la producción musical, tenemos que tener el concepto de lo que vamos hacer. ¿Qué es la música electrónica? Lo definiremos de la siguiente manera: “Es aquel tipo de música que emplea para la producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica.” La Música electrónica es uno de los logros del siglo XX. Algunos compositores experimentaban e hicieron trabajos empleando solo instrumentos electrónicos; otros combinaron en sus obras sonidos producidos con instrumentos convencionales y otros son sonidos con instrumentos electrónicos; finalmente algunos compusieron obras para una orquesta tradicional con la excepción de que ciertos instrumentos acústicos imitaban sonidos electrónicos. En 1952 Karlheinz Stockhausen produjo su primera composición con sonidos sintetizados. La creación del nuevo sonido hecho con instrumentos electrónicos fue considerada, en música, algo semejante a la revolucionaria idea de descomposición del átomo en física. Muchos músicos que aún no han ingresado en el mundo de la informática musical creen que las computadoras sólo sirven para hacer música electrónica. ¡Gran error! Es sorprendente saber que más del 90% de los discos que se producen en la actualidad pasan, en alguna de sus etapas de producción, por una computadora. Después de esta breve introducción a la música electrónica empezaremos con los conceptos básicos y primordiales que se deben saber antes de empezar a producir música electrónica.
4
P RODUCCIÓN
DE
M ÚSICA E LECTRÓNICA
¿Qué es el MIDI? El MIDI nació en los 80 como un idioma para que los nuevos instrumentos electrónicos se hablaran y entendieran. Uno le podía decir al otro qué nota musical tocar. MIDI significa Interfaz Digital para Instrumentos Musicales (del inglés musical instrument digital interface). Este interfaz o idioma sirvió también para comunicar a la computadora con los instrumentos musicales y componer, entre ambos, música electrónica. Los equipos que se comunican en este idioma tienen entradas y salidas especiales a través de las cuales se “hablan”, por así podríamos decirlo. Si deseas componer música MIDI debes comprobar que los equipos que adquieras como la tarjeta de sonido, tengan estos conectores y soporten el lenguaje MIDI. ¿C Ó M O
S E US A E L
MIDI?
1. Entre Instrumentos Seguramente has visto que en algunos conciertos musicales el pianista tiene dos teclados. Siempre toca el de abajo, pero no el de arriba, y suena como si toda una banda musical estuviera interpretando. Bueno, el teclado de arriba es un sintetizador, un instrumento musical electrónico capaz de producir el sonido que le digamos Así que comunicamos el teclado principal con el sintetizador a través de MIDI. El músico toca el teclado de abajo y el sintetizador recibe las órdenes musicales a través del MIDI para que toque las mismas notas, pero sonando de otra forma como un violin, guitarra, flauta, etc.
5
2. Con la computadora Con MIDI componemos música electrónica con total facilidad. El teclado se comunica con la computadora a través de una tarjeta de audio que tenga estas entradas. En ésta, instalamos un software, muy parecido a los editores multipistas, que se llama secuenciador. En el secuenciador elegimos el instrumento que queramos y, mientras en el teclado vamos componiendo las notas musicales, en el programa van sonando, pero como el instrumento que elegimos. De esta forma, con un teclado y una computadora componemos música electrónica como si tuviéramos una orquesta a nuestra disposición. Podemos hacer sonar nuestro teclado sintetizador como si fuera una batería, una guitarra o una flauta andina. Incluso sin teclado puedes hacer música. Los programas informáticos de los que hablamos tienen incorporados teclados virtuales para componer tus propias cortinas musicales. Hay muchos audios compuestos de esta forma que se guardan en formato MIDI con la extensión .mid. Ocupan muy poco espacio y se usa mucho para el audio de los videos de Karaoke. L OO P S
Y
S AM P L E S
Otra manera de componer música para nuestras producciones, sin tener idea de lo que es la composición musical, es usar loops o samples. Los samples son una “muestra” de una canción. Puede ser un fragmento de una producción como una melodía, un riff, redobles, un grito. Estos algunas veces pueden durar unos segundos o una sección entera. En general esta muestra dura entre uno y dos compases. De esta manera, uniendo diferentes samples ( debatería, guitarra, piano, bajo, etc.) componemos una cortina musical de 10 segundos aproximadamente que tenga unidad y se pueda repetir en un bucle , en
6
este caso lo llamaremos “loop”, todo el tiempo que necesitemos. Hay software que nos ayudan a construir estas secuencias musicales. Aunque lo podríamos hacer con cualquier editor multipistas, estos programas son especiales para eso y, además, traen grandes bancos de samples para producir. S E C UE N C I AD OR E S Así se llaman los programas informáticos que nos permiten trabajar con música electrónica y MIDI. A simple vista se parecen mucho a un editor multipistas, pero van más allá. Están preparados para entenderse con los sintetizadores y otros instrumentos de este tipo que se comunican por MIDI y se les pueden instalar instrumentos virtuales. Los más conocidos del mercado son CAKEWALK SONAR, ABLETON LIVE, REASON y el clásico CUBASE DE STEINBERG. Una joya de de programas de producción musical con cientos de instrumentos virtuales para soltar toda la imaginación, que mas adelante explicaremos cual es la diferencia entre cada uno. Con estos programas ya mencionados no necesitas un teclado, o una guitarra por mencionar algunos instrumentos convencionales, e incluso un sintetizador externo ya que desde el mismo software hace todo. QTRACTOR es la alternativa libre de secuenciadores. Trabaja MIDI multipistas pero sólo corre en Linux, un motivo más para pasarte al Software Libre.
7
ABLETON LIVE
Ableton Live es un revolucionario software de producción musical con el que podrá componer, grabar, remezclar, improvisar y editar sus ideas musicales de manera totalmente espontánea en un entorno audio/MIDI perfectamente integrado. Galardonado con incontables premios de la industria del audio, Live incorpora metodologías de producción lineal y basada en loops (además de sensacionales efectos e instrumentos virtuales) en una única interfaz que ofrece una libertad creativa sin precedentes. Las nuevas prestaciones de Live incluyen soporte de archivos MP3, “congelación” de clips, increíbles efectos sincronizables al tempo, localizadores de reproducción de arreglo, soporte de Mackie Control y muchas cosas más. Ableton Live es un sistema completo de producción musical y funciona perfectamente con Pro Tools M-Powered. Si aún no ha probado Live, compruebe por sí mismo el motivo de tantos comentarios. Su música ya nunca será igual. Reproduce audio y MIDI en tiempo real sin pulsar el botón Stop ni una sola vez, integra clips de audio con tempos y afinaciones diferentes en nuevas composiciones modifica el tempo y la afinación del audio independientemente y durante la interpretación incluye instrumentos virtuales y fantásticos efectos con automatización ampliable mediante soporte VST y ReWire; compatible con Pro Tools M-Powered.
8
R ECOMIENDACIONES Presentamos 10 recomendaciones que ofrece acusmatica para una mejor calidad en la producción de música electrónica 10 Consejos Básicos Para PRODUCCIÓN MÚSICA ELECTRÓNICA www.acusmatica.net 1. El clásico menos es más. El uso de menos elementos en la composición dejará más espacio en tu mezcla, simplemente asegúrate de que cada parte individual suena tan elaborada como requiera tu producción. Evita solapar partes que compiten por un mismo rango de frecuencias o corrige el espectro de estas con un ecualizador. 2. El clásico problema en el que siempre se puede empezar una nueva producción, pero nunca se terminan nada. Al final de cada sesión, simplemente haz un bounce de tu trabajo para poder escucharlo en cualquier momento y trabajar mentalmente la idea comenzada. La inspiración, y las buenas ideas musicales aparecen en cualquier momento, intenta imaginar y definir el enfoque que deseas darle a tu producción, y tan pronto como lo tengas claro podrás sentarte delante de la máquina y seguir elaborando tu música. 3. Revisa siempre tus mezclas en un entorno de escucha diferente al que ha sido mezclada. Todos los espacios interactúan con la energía acústica, modificando el “sonido real” que sale desde los altavoces, en muchas ocasiones tratamos de compensar este hecho con el uso de los ecualizadores en distintas pistas de nuestras mezclas, de un modo inconsciente, valora tus mezcla en todos los sistemas que puedas y podrás tener un mejor sentido de la precisión del sistema de escucha con el que trabajas. 4. Salva tu trabajo. Todos los productores en algún momento hemos vivido la decepción en que la producción en la que estuvimos trabajando el día anterior, durante horas y horas, nos sonaba genial y despedíamos la jornada con muy buena impresión. Pero al día siguiente, al escucharla de nuevo, nos encontramos con que no solo ha perdido todo su encanto, sino que parece que algo falla, suena rara [...]. Evita jornadas de escucha largas, la fatiga auditiva, te llevará a realizar ajustes descompensados, recuerda que el sonido es una ilusión y sencillamente lo que escuchas muchas veces, no es tan cierto como parece. 5. Si te quedas atascado en tus producciones, organiza el proceso de producción en dos partes diferenciadas: composición y mezcla. Comienza creando algunas partes, intenta mejorarlas con las herramientas básicas de composición y arreglos, no te preocupes, de momento si no todo suena perfecto y en su sitio, sencillamente prueba ideas y guarda aquellas que mejor funcionan, depura tu composición. En otra etapa, dedica toda tu concentración a sacar el máximo partido a tu programación musical mediante el uso de herramientas de audio.
9 6. El trabajo con audio digital es muy generoso y sencillo pero no deberías olvidar algunos fundamentos básicos. Evita la sobre modulación de la señal sin control, esto es tan sencillo como vigilar que en la entrada y salida de cada canal, master o plugin, el nivel de la señal no encienda el indicador rojo de clip. Si deseas un sonido distorsionado puedes utilizar cualquiera de los efectos de saturación o distorsión donde podrás seleccionar el tipo preciso de efecto y cantidad que desees. 7. Referencias en la mezcla. En las sesiones de mezcla puedes utilizar una pista de referencia que te ayude a valorar de una forma más objetiva los niveles y equilibrios tímbricos de tu mezcla. Haciendo comparaciones A/B obtendrás un resultado sonoro más equilibrado y uniforme en tus producciones. Es recomendable bajar ligeramente el volumen de la pista de referencia, ya que esta a sido masterizada y la diferencia de volumen frente a la mezcla te hará percibir una diferencia errónea debido al incremento de sonoridad por volumen. 8. Conseguir mezclas homogéneas. Mezcla a un nivel ligeramente más bajo del nivel de audición normal. Si eres capaz de escuchar todos los elementos a este nivel, tu mezcla funcionará a un volumen más alto. Mezclar a niveles altos de volumen de forma continua reducirán tu precisión en la escucha en unos pocos minutos. 9. Saturación de cinta. Incluso si no dispones de un magnetofón, te animo a que pruebes a volcar tus mezclas en una cinta de cassette, prueba a saturar ligeramente la grabación y vuelca de nuevo el resultado a tu sistema de audio digital, conseguirás una saturación, ligera distorsión y una compresión de cinta tipo vintage. 10. Trabaja la estructura formal. Una vez tengas los elementos básicos de tu composición, deberás ordenarlos, esto es, presentarlos y desarrollarlos a lo largo del tema, si produces música electrónica para baile puedes analizar que partes típicas y en que orden se presentan, el análisis formal es un fantástico método para desarrollar técnicas de composición en cualquier estilo musical. La mayor parte de los programas actuales permiten colorear las regiones o clips de audio para organizar de forma visual las distintas partes que constituyen una composición musical, acostúmbrate a utilizarlas, planificar y valorar alternativas.
10
B I BL I OGR A F Ă?A www.ite.educacion.es/formacion/materiales/60/cd/04_elaudio/11_compo sicin.html www.acusmatica.net/edu/pdf/blog/10-consejos-basicos-produccionmusica-electronica.pdf www.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_electr%C3%B3nica www.aprende-gratis.com/produccion-musical/curso.php?lec=etapasproduccion