Catalogo para la XXI Muestra de Arte del Principado de Asturias 2011

XXII MUESTRA DE ARTES PLÁSTICAS DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS 2011

XXII MUESTRA DE ARTES PLÁSTICAS DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS 2011

Consejera de Bienestar Social e Igualdad Paloma Menéndez Prado Directora General de Politicas Sociales Patricia Arce García

Equipo técnico de programas culturales Mª José Baragaño Castaño

CATÁLOGO

EXPOSICIÓN

Textos

Comisariado

Paloma Menéndez Prado Consejera de Bienestar Social e Igualdad

Benjamin Weil

Emilio Marcos Vallaure Consejero de Cultura y Deporte

Texu

Benjamin Weil Director de Actividades de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial Luís Feás Costilla Crítico de Arte y Comisario de Exposiciones

Marga Llamas Cuesta María Repáraz Pérez

Selección de artistas realizada por: Benjamin Weil Director de Actividades de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial Luís Feás Costilla Crítico de Arte y Comisario de Exposiciones Antonio Alonso de la Torre Profesor Adriana Suárez Noriega Galería Adriana Suárez

Enmarcación

Seguros Catalana-Occidente Promueve Consejería de Bienestar Social e Igualdad Colaboran

Diseño gráfico Jorge Lorenzo. Diseño y Comunicación Visual

Traducción Caroline Lelanchon (Francés) Lambe y Nieto (Inglés)

Fotografías Enrique Ros Wagener Pags. 33, 53, 54, y de 83 a 89 Amalia Ulman Pags. de 34 a 41 Andrés Gómez Pags. de 63 a 71 David Martínez Suárez Pags. de 73 a 81

Imprime Imprenta Narcea

Depósito legal AS-4452/2011

CajAstur

La Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias es una actividad realizada por el Programa Culturaquí

ÍNDICE Textos Paloma Menéndez Prado Consejera de Bienestar Social e Igualdad Emilio Marcos Vallaure Consejero de Cultura y Deporte Benjamin Weil Director de Actividades de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial Luís Feás Costilla Crítico de Arte y Comisario de Exposiciones

Obras Trayectorias

paloma menéndez prado

consejera de

bienestar social e igualdad

La Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias constituye, por la variedad de sus propuestas y la vitalidad de sus participantes, uno de los exponentes más atractivos del panorama artístico joven en nuestra región, una radiografía fiel en la cual se pueden constatar las distintas influencias y derivas que condicionan el tejido creativo asturiano. Además, su periodicidad anual, pues no en vano esta será la Muestra número 22, nos permite contemplar y analizar cómo ha evolucionado el arte en la región con una perspectiva inmejorable.

Un hecho que se ha venido constatando en las últimas ediciones de la Muestra es que, en lugar de servir esta únicamente como proyección hacia el exterior de sus participantes, muchas veces ocurre lo contrario. Es decir, estamos recopilando bajo una única mirada aquello que está fraguando en Asturias y aquello que los asturianos están haciendo fuera. Una circunstancia que, lejos de introducir elementos distorsionadores, enriquece considerablemente el producto final.

La reciente reestructuración efectuada en la Administración del Principado de Asturias ha encomendado a la Consejería de Bienestar Social e Igualdad las competencias en materia de juventud. Ello no es óbice para que se mantenga una constante y estrecha colaboración con la Consejería de Cultura y Deporte, de la cual se beneficie este binomio, joven+artista, que es a fin de cuentas el gran protagonista de esta Muestra en particular y el Programa Culturaquí en su conjunto.

paloma menéndez prado

ministre du gouvernement

de la principauté des asturies

pour le bien-être social et l’égalité

La Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies constitue, pour la variété de ses propositions et la vitalité de ses participants, l’un des événements les plus attractifs du panorama artistique jeune dans notre région, une radiographie fidèle qui permet de déceler les différentes influences et les dérives influençant

paloma menéndez prado

head of department of social

welfare and equality

Seen in terms of the variety of the work on exhibit and the vitality of its participants, the Plastic Arts Exhibition of the Principality of Asturias is definitely one of the most exciting demonstrations of our region’s emerging art scene as well as an X-ray faithfully recording the various influences and directions on view in the creative fabric of Asturias.

Besides, its yearly periodicity, and remember we

aujourd’hui le tissu créatif des Asturies. Par ailleurs, sa fréquence annuelle - et cette édition est déjà la vingt-deuxième ! - nous permet de contempler et d’analyser l’évolution de l’art dans la région sous un jour exceptionnel.

Il a été constaté lors des dernières éditions de la Muestra que, si celle-ci permet de projeter ses participants vers l’extérieur, elle a aussi souvent l’effet inverse : nous rassemblons en effet ici, sous un regard unique, tout ce qui se forge dans les Asturies et tout ce que les Asturiens font à l’extérieur. Une circonstance qui, loin d’introduire des éléments de distorsion, enrichit considérablement le produit final.

La restructuration récente de l’Administration de la Principauté des Asturies a investi le Ministère Régional du Bien-être social et de l’Égalité, des compétences afférant à la Jeunesse. Cela n’empêche en aucun cas le maintien d’une collaboration constante et étroite avec le Ministère de la Culture et des Sport, qui ne peut que profiter au binôme Jeune+Artiste, seul protagoniste de cette Muestra spécifique et du Programme Culturaquí dans son ensemble.

are now celebrating its 22nd event, gives us an unbeatable perspective of art in the region and a chance to follow and study its evolution.

Something confirmed over recent years is that, instead of acting exclusively as a platform for participants to project themselves outside the region, the Plastic Arts Exhibition also functions in the opposite direction. In other words, it showcases under the same spotlight both what is being done here in Asturias as well as what Asturian-born artists are creating outside of our region. Far from acting as a distorting element, this criterion helps to further enrich the final outcome.

The recent reorganisation of the governing bodies of the Principality of Asturias has entrusted all matters concerning youth issues to the Department of Social Welfare and Equality. This by no means impedes an ongoing and close collaboration with the Department of Culture and Sport, a collaboration from which the combination of youth and artist, which is ultimately the focus of this specific show and of the Culaturaquí Programme as a whole, will surely benefit.

emilio marcos vallaure

consejero de

cultura y deporte

A lo largo de sus veintidós convocatorias, la Muestra de Artes Plásticas ha alcanzado el reconocimiento que logran las iniciativas que son capaces de señalar con sus frutos un vigor y una fertilidad poco común. Por ello, no es arriesgado decir que sin la Muestra el arte asturiano contemporáneo en su vertiente creativa más joven y receptiva no sería el que es o, cuando menos, no habría llegado a hacerse visible tanto en la propia Asturias como en la escena española y europea.

Esta vitalidad, el mantener activa la atención hacia la producción artística más reciente sin desfallecer y sin hacer concesiones al oportunismo, ha sido una contribución inestimable de los propios artistas, pero también de los trabajadores de la administración regional que se han encargado a lo largo de estas más de dos décadas de la organización y puesta en marcha de una convocatoria que ya tiene la categoría de clásica en el panorama artístico asturiano. Sin su entrega y labor constante, la Muestra de Artes Plásticas no habría logrado alcanzar ese justo prestigio, ni tampoco sería como lo es el escaparate perfecto de una producción que nos une al movimiento de la modernidad en su expresión más actual.

Demostración de esta tensión por servir de auténtica vía para promover y difundir el arte de los más jóvenes creadores, es la selección llevada a cabo en esta edición por el jurado y el comisario Benjamín Weil, quien ha logrado un equilibrado y contundente “estado de la cuestión” artística a través de la selección de obras que conforman esta Muestra. Su papel en esta convocatoria sirve de puente entre este ámbito de atención oficial a los jóvenes artistas y el trabajo que se desarrolla en LABoral Centro de Arte, un espacio en el que la práctica totalidad de los artistas asturianos encuentran eco con sus propuestas y establecen un diálogo franco con otros creadores emergentes.

De ahí que en este tiempo, como ha ocurrido hasta esta precisa convocatoria, la Consejería de Cultura y Deporte mantenga su constante y activa atención al arte joven, colaborando estrechamente con la Consejería de Bienestar Social e Igualdad, de la que depende a partir de ahora la Muestra de Artes Plásticas, para fortalecer e impulsar esta iniciativa cultural de primer orden, cuya tradición hecha constante vanguardia se inscribe en nuestra línea de trabajo de dotar y proyectar nuestras instituciones más sólidas por su función, aceptación pública y brillantes resultados.

emilio marcos vallaure

emilio marcos vallaure

ministre de la culture et du sport

head of dept of culture & sport

Au fil de ses vingt-deux éditions, la Muestra d’Arts Plastiques a atteint le niveau de reconnaissance qui distingue les initiatives ayant fait la preuve, par leurs fruits, d’une vigueur et d’une fécondité rares. Il n’est donc pas risqué d’affirmer que, sans la Muestra, l’art asturien contemporain, dans sa facette la plus jeune et réceptive, ne serait pas ce qu’il est ou, du moins, n’aurait pas été aussi visible dans les Asturies et sur la scène espagnole et européenne.

Over its twenty-two editions to date, the Plastic Arts Exhibition has garnered a degree of recognition only within the reach of initiatives able to boast a vitality and productiveness beyond the common.

Therefore, it is no exaggeration to say that, without this annual event, young creative contemporary art from Asturias would not be what it is today or, at the very least, it would not have achieved the visibility it now has here in Asturias itself as well as in Spain and Europe.

Cette vitalité, la constance d’une attention active, sans failles, sans concessions à l’opportunisme, dont a bénéficié la production artistique la plus récente, est due à l’inestimable contribution des artistes eux-mêmes, mais à celle aussi des travailleurs de l’administration régionale qui ont assuré, pendant plus de deux décennies, l’organisation et la mise en œuvre de ce rendez-vous qualifié de Classique parmi les classiques du panorama artistique asturien.

Sans leur dévouement et leur travail, la Muestra d’Arts Plastiques ne jouirait pas aujourd’hui de ce juste prestige et ne serait pas, comme elle l’est dans les faits, la vitrine idéale d’une production qui nous rattache au mouvement de la modernité dans son expression la plus actuelle.

Nous voulons pour preuve de cette ambition qui la pousse à devenir une véritable voie de promotion et de diffusion de l’art des créateurs les plus jeunes, la sélection qu’ont effectuée pour cette édition le Jury et le Commissaire Benjamin Weil qui a réussi à produire un « état de la question » artistique équilibré et indiscutable à travers le choix des œuvres qui constituent cette Muestra. Son rôle est de servir de passerelle entre ce domaine d’attention officielle aux jeunes artistes et le travail mis en œuvre à LABoral Centre d’Art où la quasi-totalité des artistes asturiens trouvent une résonance propice à leurs propositions et établissent un dialogue ouvert et franc avec d’autres créateurs émergents.

Ainsi donc, le Ministère en place pour la Culture et le Sport continue de porter, aujourd’hui comme par le passé, une attention constante et active à l’art jeune, en étroite collaboration avec le Ministère pour le Bien-être social et l’Égalité dont dépend dorénavant la Muestra d’Arts Plastiques, de sorte à consolider et à impulser cette initiative culturelle de premier ordre, dont la tradition muée en avant-garde constante, s’inscrit dans notre ligne de travail qui consiste à doter et à projeter nos institutions les plus solides de par leur fonction, l’acceptation publique dont elles sont l’objet et l’éclat de leurs résultats.

This vitality, tirelessly maintaining an active interest in recent art production without making any concessions to opportunism, has been an invaluable contribution made by the artists themselves, but also by the workers in the regional administration who have looked after the organisation of the exhibition all these years and have run an event that is now widely viewed as a core moment in the art scene in Asturias. Without their commitment and constant work, the Plastic Arts Exhibition would not have earned this welldeserved prestige, nor would it have become the perfect showcase for the artistic production that binds us to the most happening expressions of contemporary movements.

A demonstration of this drive to act as a true channel for promoting and diffusing art made by promising young talents, is the selection carried out this year by the jury and the curator Benjamin Weil, who have achieved a balanced “state of the art” with the range of works taking part in this exhibition. Their role acts as a bridge between this official public attention lent to young artists and the work that is being developed at LABoral Centro de Arte, a centre in which practically the whole spectrum of artists from Asturias find an echo with their proposals and establish an open dialogue with other emerging creators.

Over all this time, right up until the present edition, the Department of Culture and Sport has maintained its constant and active support for young art, collaborating in close contact with the Department of Social Welfare and Equality, which will be the official public body in charge of the Plastic Arts Exhibition from now on, to strengthen and drive forward this top class cultural initiative, which has been at the forefront of the arts, and part and parcel of our policy to enrich our most prestigious institutions thanks to their function, public acceptance and brilliant results.

DEL RETRATO AL PAISAJE: REHACIENDO EL MAPA DEL MUNDO

benjamin weil

director de actividades

LABoral centro de arte

La tarea de comisariar una exposición colectiva entraña, por lo general, seleccionar artistas y obras con puntos de contacto para esbozar un tema o debatir el hilo común que deriva de su yuxtaposición. Pero el ensamblaje de una colectiva puede surgir de un criterio diferente: en este caso, la selección por parte de un jurado de un conjunto de artistas que presentan los últimos frutos de un proceso creativo continuado. De cualquier modo, esa selección de obras revela una instantánea del actual estado de la escena artística asturiana, algo que, en sí mismo, ya sería tema para una exposición.

Y aunque, en el mundo cada vez más globalizado que nos ha tocado vivir, el propio concepto de escena artística local podría parecernos un contrasentido, en su defensa podemos aducir que los individuos son producto de la cultura local en la que crecieron. Asturias es una tierra de múltiples particularidades. Con una tradición industrial vigorosa, la región ha conservado una fuerte identidad rural; a menudo, sus habitantes emigraron, regresando a veces —con mayor o menor riqueza— de tierras lejanas.

Podríamos decir que, geográficamente, Asturias

se encuentra aislada del resto de España por unos altos picos al sur y el océano al norte. Sus ciudadanos se sienten enormemente orgullosos de pertenecer a esa apartada región del país, que tanto contrasta con la visión que suele tenerse de España, que, de alguna forma, mantiene una identidad diferenciada y que siempre fue bastión de resistencia.

Algunos de los seis artistas cuyos trabajos han sido seleccionados este año residen en Asturias; otros, han optado por vivir en otras tierras. Todos parecen haber viajado y trabajado en otros lugares, pero todos ellos mantienen, también, un fuerte lazo con su territorio de nacimiento. Pero más allá de esas consideraciones geográficas, el panorama que muestran las obras expuestas refleja también las inquietudes actuales de una nueva generación de artistas. Resulta, por ejemplo, digno de mención el interés que comparten por el continuum histórico expresado a través de un cierto clasicismo formal. De alguna manera, también revelan preocupaciones relacionadas con la identidad y con los cambios que en los últimos años han afectado al entorno. Pre-

ocupaciones que encontramos en cualquier lugar del globo y que guardan relación con las fricciones existentes entre la idea del territorio local y la identidad por un lado, y el resultado de su integración en el tiempo y el espacio de un planeta inmerso en un continuo encogimiento como consecuencia del advenimiento de eso que a menudo llamamos «Sociedad de la Información». Nuestra percepción del espacio y el tiempo ha cambiado, lo que afecta, naturalmente, también a nuestra forma de relacionarnos entre nosotros y con el paisaje —físico o mental— que habitamos.

La del tiempo es también una consideración importante. Vivimos en un mundo que nos exige procesar a toda velocidad una cantidad de información cada vez mayor y, sin embargo, todas estas obras parecen demandar un detenimiento y una desaceleración que nos permita descifrar su complejidad y disfrutar de ella. Lo que apuntaría al laborioso proceso de su creación, pero confirmando asimismo que el marco temporal del arte es decididamente diferente del que posee el «mundo exterior».

Jugando con referencias de la historia del arte, así como con la cultura del consumo de masas o con elementos de nuestra sociedad mediática, cada artista brinda una oportunidad para adentrarse en otra dimensión temporal.

Los íntimos retratos fotográficos de Félix Carpio Moreno son fruto del agudo interés de este artista por crear una relación de confianza con las personas que elige representar. Y aunque el actual estado de la tecnología ha hecho posible la aparición de cámaras muy reducidas con las que tomar imágenes instantáneas, Félix Carpio Moreno se decanta por un equipo analógico de grandes dimensiones que da como resultado un tipo de imagen más construida. Al artista le interesan también las imperfecciones técnicas de ese instrumental ya obsoleto, unos accidentes que se convierten en parte integrante de sus composiciones: sus fotografías en blanco y negro están en las antípodas de la instantánea. En ellas percibimos algún grado de intimidad entre el fotógrafo y las modelos, curiosamente en muchos casos mujeres, pudiéndose afirmar que esa intimidad de que hablamos nace también de una cierta tensión producto de la condición masculina del artista. El sujeto mantiene una

fuerte presencia y su apariencia es, a menudo, muy intensa. El artista ha optado por reforzar la sensación de intimidad imprimiendo a sus retratos una apariencia bastante doméstica sin dejarse influir demasiado por el formato expositivo. Se trata de imágenes que podríamos encontrar en un álbum de fotos, permitiendo al espectador acceder a una relación mucho más íntima con lo representado.

La intimidad es también el camino elegido por Sandra Estrada Pérez. Sus, de algún modo, intemporales loops en vídeo representan unas figuras humanas en unas pantallas pequeñas y enmarcadas. Un trabajo con referencias más evidentes a la pintura que al cine o la imagen en movimiento en general y que nos hace pensar en unos pequeños iconos que exigieran una mirada más cercana. Con todo, los movimientos de esos cuerpos representados son casi mecánicos, un efecto que la continuidad del material videográfico contribuye a reforzar. Vistos en su conjunto, los vídeos forman una extraña coreografía que podría sugerir un cuerpo desencarnado, una forma casi abstracta, como queriendo aludir a un tema capital en este mundo nuestro, crecientemente interconectado y virtual, en el que la mayor parte de las interacciones humanas se ven intermediadas por la tecnología y en el que los encuentros de los cuerpos son cada vez más escasos, con el profundo efecto que eso tiene en el modo en que nos relacionamos.

Tenemos pendiente la invención de un nuevo lenguaje corporal, un lenguaje que permita la mediación. Pensemos, por ejemplo, en cómo los actores del cine mudo, dada su incapacidad de utilizar palabras, debían exagerar sus expresiones faciales y sus movimientos para transmitir sentimientos…

La reflexión sobre el cuerpo de una comunidad ocupa el centro de la práctica artística de Amalia Rodríguez Ulman, una creadora cuyo interés se centra en la definición de la identidad en un tiempo de globalización creciente.

Tras investigar en el rico campo de los medios de comunicación y constatar que las referencias étnicas impregnan la cultura hegemónica, la artista ha ideado unos motivos que evocan la pintura corporal tradicional o los tatuajes; después, recurre a la tradicional técnica del batik para estampar esos motivos en seda.

Sin embargo, más que evocar prendas de ropa, las telas se presentan como banderas, como tratando de subrayar la emergencia de una identidad global que estaría por encima de la nacional. Extraídas de su contexto cultural concreto, las formas pierden también algo de su significado para convertirse, sin más, en algo entrañablemente exótico. Es un hecho que la globalización del consumismo ha reconfigurado drásticamente el sentido de identidad y de pertenencia a una comunidad.

De un extremo a otro del globo, la gente lleva la misma ropa, con las mismas hechuras, colores y hasta marcas; usa los mismos teléfonos y se mantiene permanentemente interconectada por conductos de comunicación parecidos.

Con la especificidad cultural en vías de extinción, habrá que inventar nuevos medios con los que comprender y expresar la identidad.

Ernesto Junco Vega ha desplegado una producción deudora de las raíces de la abstracción.

En efecto, el recurrente formato cuadrado que elige para sus cuadros evoca la célebre serie Homenaje al cuadrado de Josef Albers.

Recurriendo a la técnica mixta, el artista trabaja unos entornos estratificados que funden referencias a la pintura de paisaje sin dejar de apuntar también al serialismo. Unas fuertes referencias formales que asumen un significado totalmente diferente en una serie de trabajos más reciente, en la que no deja de reflexionar humorísticamente sobre las últimas invenciones de nuestra cultura de consumo. Valiéndose del patrón de los códigos QR, que podría pasar por una mera abstracción, toma también prestada la funcionalidad del sistema para incrustar material grabado en vídeo en esas «pinturas», accesibles mediante el fotografiado del código con un smartphone, como haríamos con cualquier código de QR encontrado en una revista o en un anuncio en la calle. Más allá de la estructura clásica de la pintura abstracta subyace una información oculta: aquí, el concepto de realidad aumentada asume un enfoque tan radicalmente diferente como el de la noción de abstracción formal.

La idea de vínculo entre una variedad de elementos formales se halla también presente en la obra de Verónica García Ardura, que realiza unos paisajes abstraídos a base de acuarela y tinta, creando después unos conjuntos de

dibujos de diversos tamaños, colocados sobre la pared y «expandidos» e interconectados a través de un dibujo mural. Cada hoja de papel se convierte en el nodo de una red en constante reconfiguración pues cada instalación se concibe para el espacio en el que se expone.

El territorio demarcado por la pared expositiva recuerda también la red que forman los pueblos y ciudades con sus entornos rurales o suburbanos. Esos mapas mentales reflexionan sobre lo real y lo virtual, desdibujando, de alguna forma, las fronteras entre los dos ámbitos y planteando una nueva dimensión espacial de la experiencia.

Desde un punto de vista formal, David Martínez toma prestados elementos del entorno industrial para crear unas esculturas que él define como «módulos» y que a menudo expone en combinación, como intentando dar forma a algún tipo de paisaje en el espacio expositivo. Un efecto que pone de relieve, con más fuerza incluso, en su último trabajo, en donde la superficie de una simple mesa alberga un intrincado ensamblaje de elementos que incluyen un láser y un dispositivo que hace posible la producción de vapor, revelando, a su vez, un haz que sería, de otro modo, invisible. De una forma muy particular, la pieza evoca la inquietante presencia de esos complejos de industria pesada presentes en tantos lugares de Asturias y que constituyen una parte fundamental de la identidad de la región. Un sentimiento que queda reforzado por la idea de incluir un proceso en la construcción de la pieza.

En su conjunto, estas obras conforman una muestra colectiva bastante coherente sin dejar por ello de mantener una fuerte presencia individual. Como en tantas colectivas, resulta fascinante comprobar cómo las obras se retroalimentan entre sí y contemplar el diálogo que surge de su coexistencia dentro del mismo espacio, enriqueciendo nuestra comprensión de cada una de ellas. Juntas, las piezas sugieren la riqueza y la potencia de una generación de artistas que sabe cómo «remezclar» todo tipo de referencias para crear piezas llenas de inteligencia y de belleza.

directeur artistique

LABoral centro de arte

Le défi du conservateur d’une exposition de groupe consiste en général à sélectionner des artistes et des œuvres qui ont quelque chose en commun, de sorte à fixer un thème ou à discuter du fil conducteur qui se dégage de leur juxtaposition.

Toutefois, une exposition de groupe peut également être le fruit d’un assemblage sur d’autres critères : en l’occurrence, la sélection par le jury d’artistes ayant recours, dans leur processus créatif en cours, aux derniers progrès et découvertes. De cette sélection d’œuvres se dégage alors une instantanée de l’état actuel de la scène asturienne de l’art, une sorte de thématique en soi.

La notion même de scène artistique locale dans un monde de plus en plus globalisé peut être comprise comme une contradictio in terminis. Et pourtant, l’on peut parfaitement arguer que les individus sont le produit de la culture locale dans laquelle ils ont grandi. La région des Asturies est une terre aux nombreuses particularités. La tradition industrielle y est forte alors que la région a maintenu une profonde identité rurale ; ses habitants ont souvent émigré avant de revenir, fortunés ou pas, de leurs pays

DU PORTRAIT AU PAYSAGE : REMAPPING DU MONDE

benjamin weil

lointains. Géographiquement, les Asturies sont en quelque sorte coupées du reste de l’Espagne par de hautes montagnes au Sud, et par l’océan au Nord. Et les citoyens sont magnifiquement fiers d’appartenir à cette partie retirée du pays, qui défie la vision commune que l’on se fait souvent de l’Espagne et se distingue comme un bastion de résistance.

Quelques-uns des six artistes dont le travail a été sélectionné cette année habitent dans les Asturies. D’autres ont choisi de vivre ailleurs. Mais tous ils semblent avoir voyagé et travaillé un peu partout. Pour la plupart, ils ont gardé des liens étroits avec la terre sur laquelle ils sont nés. Au-delà de ces considérations d’ordre géographique, le panorama que présentent les œuvres exposées est également le reflet des préoccupations actuelles d’une nouvelle génération d’artistes. Il est à noter, par exemple, qu’ils partagent tous un certain intérêt pour le continuum historique, comme en témoigne un certain classicisme formel.

Ils manifestent également des préoccupations ayant trait à l’identité, et aux changements subis par l’environnement ces dernières années. Des préoccupations en somme

que l’on retrouve partout sur le globe : les frictions entre l’idée d’une identité et d’un territoire locaux, et le fait d’occuper le temps et l’espace d’une planète qui se rétrécit sans cesse suite à l’avènement de la Société dite « de l’Information ». Notre perception de l’espace et du temps a en effet changé, et cela touche évidemment aussi la façon dont nous nous conduisons les uns avec les autres, et envers le paysage que nous habitons – qu’il soit physique ou mental -.

Le temps est également un élément important. Alors que nous vivons un monde qui nous impose de traiter plus d’informations et plus vite, ces œuvres semblent requérir toute notre attention et impliquent donc un indispensable ralentissement si nous voulons en déchiffrer et apprécier la complexité.

Cela est probablement dû au processus méticuleux de leurs factures, mais aussi au temps de l’art comme qui est décidément différent de celui du «monde extérieur». En jouant avec des références historiques de l’art, tout comme avec la culture consumériste de masse ou avec les éléments de notre société médiatique, chaque artiste a créé une opportunité de pénétrer une autre dimension du temps.

Les portraits de Félix Carpio Moreno sont intimes. Ils sont le fruit de la volonté qu’a l’artiste d’établir une relation de confiance avec les gens qu’il choisit de photographier.

Alors que l’état actuel de la technologie a mis sur le marché de très petites caméras qui prennent des photos instantanées, Felix

Carpio Moreno préfère les appareils à grande échelle, qui impliquent un type d’image plus construit. L’artiste s’intéresse aussi aux défauts techniques propres au vieux matériel, ces accidents qui sont partie intégrante de ses compositions : ses photographies en noir et blanc sont exactement le contraire de l’instantané. On y perçoit un certain degré d’intimité entre le photographe et son sujet. Et, chose intéressante, la plupart de ses portraits sont des portraits de femmes.

Ce qui peut porter à penser que cette intimité dérive aussi d’un certain degré de tension, puisque l’artiste est homme.

Le sujet est fortement présent et son regard souvent assez intense. L’artiste a choisi de renforcer le sentiment d’intimité en décidant d’imprimer ses photos sur un format assez domestique plutôt que de les mettre en scène pour l’exposition. Ce sont des images que l’on pourrait trouver dans un album photo, et le résultat pour le spectateur est une relation à l’image beaucoup plus intime.

L’intimité est aussi le choix de Sandra Estrada Pérez. Ses vidéos en boucle, quelque peu intemporelles, représentent des figures humaines et sont produites sur de petits écrans, encadrés. La référence renvoie plus à la peinture qu’au film, ou au mouvement d’images en général. L’on pense à ces petites icônes qui nécessitent un examen attentif. Et pourtant, les mouvements des corps représentés sont presque mécaniques. Cet effet est renforcé par le continuum de la séquence vidéo. Mises ensemble,

ces vidéos conforment une chorégraphie étrange, une espèce de corps désincarné, une forme quasi abstraite, qui poserait une question cruciale dans notre monde toujours plus interconnecté et virtuel.

Lorsque la technologie devient le médiateur des interactions humaines, les rencontres sont moins corporelles et la façon de se comporter avec autrui s’en trouve profondément affectée. Un nouveau langage corporel doit être inventé, un langage qui puisse être intermédié. L’on pense, par exemple, aux acteurs des films muets qui devaient emphatiser leurs expressions faciales et leurs mouvements, afin d’exprimer des sentiments sans avoir recours aux mots.

Au cœur des travaux d’Amalia Rodriguez Ulman, une réflexion sur le corps d’une communauté : elle porte son intérêt sur la définition de l’identité à une époque de mondialisation accrue. Ayant étudié le champ fécond des médias, et réalisé que les références ethniques ont imprégné la culture dominante, l’artiste a inventé des modèles qui évoquent la peinture corporelle traditionnelle ou les tatouages.

Elle les a ensuite imprimés sur de la soie, suivant la technique traditionnelle du batik. Toutefois, plutôt que de renvoyer à l’idée de vêtements, les tissus évoquent des drapeaux, comme pour alerter de l’émergence d’une identité globale qui supplanterait celle de la nationalité. Dissociées de leur contexte culturel spécifique, les formes ont également perdu toute signification et deviennent juste délicieusement exotiques. En

effet, la mondialisation du consumérisme a profondément remodelé le sentiment d’identité et l’appartenance à une communauté. D’un bout à l’autre du globe, les gens portent les mêmes vêtements, les mêmes formes, dans les mêmes couleurs, voire les mêmes marques. Ils utilisent les mêmes téléphones et sont en permanence connectés les uns aux autres par le biais de canaux de communication similaires.

La singularité culturelle étant progressivement gommée, de nouveaux moyens d’appréhender et d’exprimer l’identité doivent être inventés.

Ernesto Junco Vega a bâti un corpus d’œuvres qui se nourrit à la racine de l’abstraction. Le format carré récurrent qu’il a choisi pour ses peintures évoque en effet la fameuse série Hommage au Carré de Josef Albers. À partir de techniques mixtes, l’artiste crée des environnements superposés où les références aux peintures de paysages se mélangent, tout en regardant vers le Sérialisme. Ces références formelles fortes prennent un sens complètement différent dans une série plus récente d’œuvres, tout en reflétant avec humour les dernières inventions de notre culture consumériste. Lorsqu’il utilise le modèle des QR codes, qui pourrait passer pour de la simple abstraction, il emprunte aussi la fonctionnalité du système, afin d’ancrer les séquences vidéo dans ces « peintures », accessibles à travers la photographie du code prise avec un smartphone, comme un QR code trouvé dans une revue ou une publicité de

rue. Au-delà de la structure de classification de la peinture abstraite, l’on trouve des informations cachées : la notion de réalité augmentée prend ici une tournure complètement différente, tout comme la notion d’abstraction formelle.

Cette idée de lien entre différents éléments formels sous-tend également le travail de Verónica García Ardura, qui dessine des paysages abstraits à l’aquarelle et à l’encre, puis crée des arrangements de dessins de différentes tailles, qui sont placés sur le mur et « prolongés » et liés les uns aux autres par un dessin mural. Chaque feuille de papier devient un nœud dans un réseau continuellement reformé, et chaque installation est spécifique à un site. Le territoire délimité sur le mur d’exposition ressemble aussi au réseau que forment les villages ou les villes et leurs environnements ruraux et suburbains. Cette cartographie mentale réfléchit au réel et au virtuel, en effaçant en quelque sorte la frontière entre ces deux domaines et en reformulant la dimension spatiale de l’expérience.

David Martinez emprunte formellement au monde industriel certains des éléments de son œuvre sculpturale qu’il qualifie de «modules». Ils sont souvent présentés en association, afin de créer une sorte de paysage dans l’espace d’exposition.

Cet effet est encore plus présent dans son œuvre la plus récente. La surface plane d’une simple table accueille un assemblage complexe d’éléments qui comprennent un laser et une installation permettant la production

de vapeur qui, à son tour, révèle le faisceau autrement invisible. Cette pièce évoque surtout la présence obsédante des complexes industriels lourds rencontrés un peu partout dans les Asturies, et qui constituent une partie essentielle de l’identité de la région. L’idée d’inclure un process dans la conception de l’œuvre renforce ce sentiment.

Ensemble, ces œuvres constituent une exposition de groupe assez cohérente, tout en maintenant une forte présence individuelle.

Comme c’est le cas dans de nombreuses expositions de groupe, il est assez séduisant de voir la façon dont chacune de ces œuvres instruit les autres, et dont le dialogue qui se dégage de leur co-existence dans un même espace enrichit la compréhension que l’on peut avoir de chacune d’entre elles.

Ensemble, elles dévoilent la richesse et la force d’une génération d’artistes qui sait remixer les références de toutes sortes afin de créer des œuvres d’intelligence et de beauté.

artistic director

LABoral centro de arte

The curatorial endeavor of a group show usually implies selecting artists and works that have something in common, to draw a theme or discuss the common thread that emerges from their juxtaposition. However, a group exhibition may also be the assemblage that results from a different criterion: in this case, a juried selection of artists who have presented the latest development in their ongoing creative process.

And yet, from this selection of works emerges a snapshot of the current state of the Asturian art scene, some kind of a theme in itself.

The very notion of a local art scene in the ever-more globalized world we inhabit could be understood as a contradiction in terms. And yet, one could argue that people are the product of the local culture they were brought up in. Asturias is a land of many particularities.

Its industrial tradition is strong, while the region has maintained a strong rural identity; its inhabitants have often emigrated, and sometimes returned from faraway lands with more or less wealth. Geographically, Asturias is somehow isolated from the rest of Spain by high

FROM PORTRAIT TO LANDSCAPE: REMAPPING THE WORLD

benjamin weil

mountains in the South, and the ocean on the North. Its citizens are enormous proud to belong to that secluded part of the country, which also defies the common vision one may have of Spain and somehow stands apart, having always been a bastion of resistance.

Some of the six artists whose work has been selected this year live in Asturias, others have elected to live elsewhere.

All seem to have traveled and worked in other places. They all maintain a strong tie to the land they were born on, for the most. Beyond those geographical considerations, the panorama the exhibited works offer also reflects the current preoccupations of a new generation of artists. It is noteworthy, for instance, that they share a certain interest in the historical continuum, as revealed by a certain formal classicism. Somehow, they also denote concerns that relate to identity, and to the changes brought to the environment in the recent years. One can retrieve similar concerns everywhere on the globe. They have to do with the frictions that exist between the idea of a local territory and identity and the result of its being integrated in the time and space of a planet that

continuously shrinks, with the advent of what is often referred to as “the Information Society”.

Our perception of space and time has shifted, and this of course also affects the way we relate to each other, and to the landscape we inhabit – whether physical or mental.

Time is also an important consideration. Whereas we live in a world that requires our processing of more information in an accelerated fashion, all these works seem to require attention, and imply a slowing down, in order to decipher and enjoy their intricacy. This may point to the tedious process of their making, but also to the time frame of art as being decidedly different from the one of the “outside world”.

Playing with art historical references, as well as with mass consumerist culture or elements of our media society, each artist creates an opportunity to and enter another time dimension.

The photographic portraits of Felix Carpio Moreno are intimate, and the result of the artist’s keen interest in establishing a relationship of confidence with the people he chooses to picture.

Whereas the current state of technology has brought very small cameras that take instant pictures, Felix Carpio Moreno prefers large-scale analog equipment, which implies a more constructed type of image. The artist is also interested in the technical flaws of old fashioned equipment, accidents that become an integral part of his compositions: his black and white photographs are the exact contrary of a snapshot.

One denotes a certain degree

of intimacy between the photographer and his subject.

Interestingly enough, most of these portraits are of women, and one could argue that this intimacy is also borne out of a certain degree of tension, given that the artists is male. The subject is strongly present and her look often quite intense. The artist has chosen to reinforce the feeling of intimacy by electing to print his photographs in a fairly domestic format, rather that staging those portraits for the exhibition. They are images one could encounter in a photo album, and the result for the viewer is a much more intimate relationship to the image.

Intimacy is also a choice made

by Sandra Estrada Pérez. Her somewhat timeless video loops depicting human figures are presented on small screens, and framed. The reference is more painterly than it is to film, or moving images in general. One thinks of small icons, which require a close look. And yet, the movements of the depicted bodies are almost mechanical, and this effect is being reinforced by the continuum of the video footage. Together, these videos form a strange choreography that could suggest a disincarnated body, almost an abstract shape, as if to point to a question that is central to our ever more interconnected and virtual world. When most human interactions are mediated by technology, bodily encounters are lesser and this profoundly affects the way of relating to one another. A new body language has to be invented, one that can be mediated. One thinks for instance how actors

in silent movies had to overdo on their facial expressions and movements, so as to convey feelings without being able to use words.

Reflecting upon the body of a community is at the core of Amalia Rodríguez Ulman’s works. She has focused her interest on the definition of identity in a time of increased globalization. Having researched the rich field of the media, and realized that ethnic references have permeated mainstream culture, the artist has invented patterns that evoke traditional body paint or tattoos. She then has printed them onto silk fabric, using the traditional technique of batik. However, rather than evoking clothing, the fabrics are presented as flags, as if to point to the emergence of a global identity that would supersede the one of nationality. Removed from their specific cultural context, the shapes have also lost any meaning and simply become charmingly exotic. Indeed, the globalization of consumerism has profoundly reshaped the sense of identity and the belonging to a community.

From one end of the globe to the other, people wear the same clothes, whether in terms of shape, color or even, brand. They use the same phones, and remain permanently engaged with one another by way of similar communication channels.

As cultural particularity is gradually erased, new means to comprehend and express identity need to be invented.

Ernesto Junco Vega has been unfolding a body of work that borrows from the roots of abstraction. Indeed, the

recurrent square format he has elected for his paintings evokes the famed Homage to the Square series of works

by Josef Albers. Using mixed techniques, the artist crafts layered environments that blend references to landscape paintings, while also pointing to Serialism. These strong formal references take a completely different meaning in a more recent series of works, while reflecting humorously on the latest inventions in our consumerist culture. Using the pattern of QR codes, which could pass as simple abstraction, he also borrows the functionality of the system, so as to embed video footage in those “paintings”, which can be accessed by way of photographing the code with a smartphone, as one would any QR code found in a magazine or on a street ad. Beyond the classing structure of the abstract painting, therefore lies concealed information: the notion of augmented reality here takes a completely different turn, as does the notion of formal abstraction.

This idea of link between various formal elements also informs the work of Verónica García Ardura, who draws abstracted landscapes with watercolor and ink and then creates arrangements of drawings of various sizes, which are placed on the wall and “extended” and linked to each other with a wall drawing.

Each sheet of paper becomes a node in a constantly re-shaped network, as each installation is site specific. The territory delineated on the exhibition wall also resembles the network formed by villages or cities and their rural – or

suburban – environments.

These mental maps reflect upon the real and the virtual, somehow erasing the boundary between those two realms and formulating a new spatial dimension of experience.

David Martinez formally borrows elements from the industrial environment to sculptural work, which he refers to as “modules”.

They are often presented in combination, so as to create some sort of landscape in the exhibition space. This effect is even more present in his most recent work. The plane surface of a basic table hosts an intricate assemblage of elements that include a laser and a setup, which enables the production of steam, which in turn reveals the otherwise invisible beam. This piece especially evokes the haunting presence of heavy industrial complexes encountered in many parts of Asturias, and which constitute an essential part of the region’s identity.

The idea of including a process is the construct of the piece reinforces that feeling.

Together, these works form quite a coherent group exhibition, while maintaining a strong individual presence.

As is the case with many group exhibition, it is quite compelling to see how each of those works inform the other, how the dialogue that emerges from their co-existence in the same space enriches the comprehension one may have of each of them. Together, they suggest the richness and the strength of a generation of artists who knows how to “remix” references of all kinds in order to create works of intelligence and beauty.

DESBORDANDO LÍMITES

luis feás costilla

crítico de arte y

comisario de exposiciones

XXII muestras son mucho enseñar, promover y compartir. En total se aproximan a los ciento cincuenta artistas, los más veteranos de los cuales rondarán ya los sesenta años de edad, toda una vida consagrada al arte, con independencia del éxito. El gran mérito de la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias ha sido su continuidad en el tiempo, la constancia desde su implantación en 1990, sin desfallecer una sola vez, con lo que eso implica de apoyo y consolidación de las jóvenes promesas, cuyos merecimientos, librados ya a sus propias fuerzas, se han tenido que ir constatando a medida que han ido pasando los lustros y las décadas.

La labor de la Muestra, así como de su complemento, las exposiciones individuales de la Sala Borrón de Oviedo, seleccionadas también mediante jurado, es insustituible, y por tanto es de esperar que se mantenga incólume ante los nuevos designios administrativos.

La crisis, o mejor dicho la depresión económica, que impide acudir por temor y prevención a recursos con los que en realidad se cuenta, ha afectado inevitablemente a la edición de este año y por consiguiente la dotación de los

premios es menor, pero eso no ha sido obstáculo para que el número de concursantes sea de nuevo muy elevado, hasta alcanzar los cincuenta y siete, de los que el jurado ha tenido que seleccionar a seis. Una tarea difícil que se ha saldado con un no pretendido resultado paritario, tres chicos y tres chicas, y una diversidad de técnicas que van desde la pintura y la fotografía al vídeo y la instalación, a veces en el mismo autor. Se nota que la característica principal de los artistas menores de treinta y cinco años, nacidos a partir de 1976, es la indiferencia frente a las etiquetas clasificatorias, pues todos ellos se mueven con total desparpajo entre las diferentes disciplinas, pasando de una a otra sin inhibirse lo más mínimo, sin prejuicios ni contradicciones, sólo buscando en cada momento la herramienta que mejor se pueda adaptar a sus fines específicos.

En esta edición, el Premio Asturias Joven de Artes Plásticas ha recaído en Amalia Ulman (Mar de Ajó, Argentina, 1989), que ya había obtenido en 2008 el premio Astragal por su proyecto Una palabra, en el que recogía recuerdos y objetos del barrio de Cimadevilla de Gijón, al que llegó

con un año y donde se crió. Recién licenciada en Bellas Artes por el Central Saint Martin’s de Londres, empezó trabajando con fotografía y vídeo, llegando a colaborar en proyectos como el de Melody Fair, de Ramiro E, expuesto en LABoral Centro de Arte de Gijón.

Sin embargo, el dossier que presentó a la Muestra de Artes Plásticas, y gracias al cual se alzó con el premio, mostraba fundamentalmente su interés por el uso artístico de Internet, una herramienta que su generación no considera virtual sino natural y muy real y que permite crear a unos costes muy bajos, casi nulos. Su trabajo experimental en blogs e instalaciones “post-internet” le ha permitido comisariar proyectos internacionales como el denominado Mawu-Lisa, de la New Gallery de Londres, en el que participaron veinticinco artistas digitales multimedia teniendo como base los estudios de género.

Según ella misma define, su interés se centra en profundizar en la política relativa a las nuevas tecnologías, la apropiación de material multimedia, la comunicación entre humanos en un mundo conectado a la red y la relación del cuerpo con respecto a lo virtual. Sin embargo, una cierta nostalgia por utilizar cosas tangibles que le transmitieron algunos de sus profesores en la Universidad de las Artes de Londres ha hecho que a la Muestra 2011 haya presentado unos trabajos manuales realizados mediante batik, técnica de teñido por reserva de cera, tradicional en Indonesia y Malasia, con los cuales prosigue sus investigaciones en torno a lo exótico y lo tribal, que ya había plasmado en Travel Club, su proyecto de graduación. Como se decía en un reportaje periodístico reciente sobre la artista, siempre hay algo de experimento sociológico en la obra de Amalia Ulman, preocupada por las relaciones de poder y el concepto de «lo otro».

Por su parte, Félix Carpio (Gijón, 1983) se encuentra más apegado a su trabajo como fotógrafo profesional, si bien poco a poco se ha ido adentrando en el campo de lo artístico.

Técnico en Imagen por el Centro Internacional Imagen y Sonido del Principado de Asturias en Noreña, imágenes suyas han sido expuestas en el Círculo de Bellas Artes de Madrid o en el Esalen Institute de California. Así mismo fue seleccionado en el certamen de fotografía Pu-

rificación García de 2009 y más recientemente, en febrero de 2011, ha sido ganador del primer premio de fotografía Canson.

Pero el más importante reconocimiento obtenido hasta el momento se produjo en el Taylor Wessing Photographic Portrait Prize de 2010, de la National Portrait Gallery de Londres, en el que una de sus fotografías fue la imagen principal de la exposición y la portada del catálogo. Fue la obra Wafa, un retrato de una joven tomada en Siria, la que al fotógrafo gijonés, a caballo entre Asturias, Galicia y Madrid, le ha servido para dar un impulso a su carrera y para centrarse en el motivo que más le interesa: el retrato individual o de grupo. Al utilizar una cámara analógica de placas, su preparación, lenta y minuciosa, le permite adentrarse en la personalidad del retratado, al que capta en composiciones de mirada frontal y ribetes clásicos, con ciertas licencias heterodoxas como permitir que ciertos efectos de sobreexposición velen parcialmente la imagen, lo que provoca extrañeza en el espectador.

En cuanto a Sandra Estrada (Oviedo, 1981), se atreve con todo, desde la pintura en directo a la videocreación. Técnica superior en Grabado y Técnicas de Estampación por la Escuela de Arte de Oviedo y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, con estudios en las ciudades inglesas de Kingston y Londres y en Nueva York, su temprana inquietud en el mundo del arte le ha hecho tocar todos los palos, aunque su integración en el grupo Libacolectivo le ha hecho decantarse por la performance y la instalación videográfica, gracias a las cuales ha podido estar presente en Laboral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón y en el concurso de performances de la Fundación Serralves de Oporto.

Incluso cuando trabaja en actuaciones pictóricas, como en el proyecto Retratos de un espacio, realizado en un café-bar de Oviedo, su obra siempre tiene algo que ver con el proceso y la acción performativa. En este sentido, quizá su más interesante propuesta sea una serie de vídeos secuenciales en los que distintas figuras humanas, masculinas y femeninas, danzan en un plásticamente atractivo baile de agua, deshaciéndose en torrentes de inquietante fuerza telúrica.

Hasta ahora, Ernesto Junco (Oviedo, 1976) era conocido sobre todo como pintor, en lienzos fundamentalmente monocromos que en un primer momento eran negros, como los que expuso en la galería Cimentada de Oviedo en 2000, y posteriormente verdes, como los que mostró el año pasado en la Casa Municipal de Cultura de Avilés. Su interés está en el contraste entre elementos irracionales y racionales, entre mancha libre y mancha geométrica, entre solución azarosa y estructura bien pensada, entre lo expresivo y lo analítico, entre lo pintado y lo sin pintar.

Técnico en Serigrafía y Artes Aplicadas a la Piedra por la Escuela de Arte de Oviedo y licenciado en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, está claro que al joven artista ovetense le gustan las contraposiciones, no sólo de técnicas pictóricas sino también entre las diferentes técnicas artísticas. Su gran reto está ahora en unir la pintura y el vídeo, para lo cual ha ideado un ingenioso sistema a través de códigos digitales Bidi que permitirá descargar información en el teléfono móvil y captar, a partir de una de sus reconocibles pinturas sobre tela o tabla, un vídeo hecho expresamente para este formato, lleno de connotaciones personales.

Particularmente reacio a las etiquetas es el comprometido David Martínez Suárez (La Hueria, San Martín del Rey Aurelio, 1984), declarado partidario de la facticidad y de la obra que se basta a sí misma. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, donde ha realizado también un master de Investigación y Creación en Arte, y autor de trabajadas películas documentales sobre la lucha obrera, su arma de combate es el montaje, como los potentes ensamblajes en madera y neón presentados en la Sala Borrón en 2008, de explícita reivindicación de los conflictos laborales vividos en la cuenca minera asturiana de la que es originario. Últimamente trabaja en mesas de experimentación con punteros láser, cuyos haces de luz y de color tienen que ver con la industria metalúrgica y se resaltan mediante humos y vapores que recuerdan la quema de neumáticos por parte de los piquetes obreros. La presentación se acompaña de erizos similares a los utilizados para el levantamiento

de barricadas, cuya estructura geométrica aúna estilización artística y un contundente mensaje social.

Finalmente, Verónica García Ardura (Gijón, 1976) siempre ha combinado la pintura con la poesía, la escenografía teatral y la dirección de escena. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, sus pinturas, a la acuarela o al óleo, en formatos pequeños o grandes, procuran aunar su concepción artística –que tiene que ver con una cierta interiorización del paisaje, a la manera oriental– con un adecuado acto generador que la integre, ya sea en el papel de sus escuetas pinceladas de agua o en el lienzo de sus brochazos más densos, con los que construye estampas japonesas de exacta opacidad.

En su más reciente exposición individual, titulada Habitar la pared y celebrada a comienzos de este mismo año en la Sala Borrón de Oviedo, la propuesta ha ido incluso más lejos y ha llegado a proyectarse literalmente sobre la pared, en un ejercicio performativo –teatral– que une la pintura de manchas rápidas con la caligrafía y la escritura programática, ocupando toda la sala. El desarrollo de esta idea le ha llevado con toda naturalidad a un dibujo de núcleo pictórico y extensiones ramificadas que se despliegan por toda la superficie del papel, desbordando sus límites.

critique d’art et

commissaire d’exposition

AU-DELÀ DES LIMITES

luis feás costilla

XXII Muestras. Que d’enseignement, de promotion et de partage ! Près de 150 artistes dont les plus vétérans doivent friser la soixantaine aujourd’hui, toute une vie consacrée à l’art, indépendamment du succès. Le grand mérite de la Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies réside dans sa continuité, sa constance, depuis l’année de sa création, en 1990. Sans jamais faillir. Avec ce que cela implique de soutien et de consolidation des jeunes espoirs dont les talents, une fois livrés à leurs propres forces, ont été vérifiés à mesure que passaient les lustres et les décennies. Le travail mené par la Muestra et son complément - les expositions individuelles de la Salle Borrón d’Oviedo, également sélectionnées par un jury - est irremplaçable.

Il faut donc souhaiter qu’il ne se voie en rien affecté par les nouveaux desseins administratifs.

inhérente au prix est donc inférieur. Cela n’a toutefois pas été un obstacle au nombre des concurrents qui reste extrêmement élevé puisqu’ils étaient cinquante-sept, parmi lesquels le Jury a dû choisir six noms Une tâche difficile qui s’est soldée par un résultat involontairement paritaire : trois garçons et trois filles, et une diversité de techniques allant de la peinture et la photographie à la vidéo et à l’installation, parfois chez un même auteur. Il est à noter que la caractéristique principale des artistes de moins de trente-cinq ans, nés donc après 1976, est leur indifférence face aux étiquettes classificatrices : tous ils se meuvent avec une totale aisance dans les différentes disciplines ; tous ils passent de l’une à l’autre sans la moindre inhibition, sans préjugés ni contradictions, à la recherche, tout simplement de l’outil s’adaptant le mieux, selon le moment, à leurs besoins spécifiques.

La crise, ou plus exactement la dépression économique qui empêche d’avoir recours, par crainte et par prévention, à des ressources qui, en réalité existent, a inévitablement touché l’édition de cette année.

Le montant de la somme

Le Prix Asturias Joven des Arts Plastiques revient cette année à Amalia Ulman (Mar de Ajo, Argentine, 1989), qui avait déjà remporté, en 2008, le prix Astragal pour son projet Una palabra [Un mot]. Elle y évoquait ses souvenirs et quelques objets

du quartier de Cimadevilla, à Gijón, ville où l’artiste arrive à l’âge de un an et où elle grandit. Récemment diplômée des Beaux-Arts par le Central Saint Martins de Londres, elle commence par travailler la photographie et la vidéo, et en vient à collaborer à des projets comme le Melody Fair de Ramiro E, exposé dans au LABoral Centre d’Art de Gijón.

Et pourtant, le dossier qu’elle présente à la Muestra d’Arts Plastiques, et grâce auquel elle a remporté le prix, témoigne principalement de son intérêt pour l’utilisation artistique d’Internet, un outil que sa génération ne considère pas comme virtuel mais bien réel et naturel, et qui permet de créer à des coûts dérisoires, voire nul. Son travail expérimental sur le blog et des installations « post-internet » lui ont valu de « commissarier » des projets internationaux tels que la Mawu-Lisa de la New Gallery de Londres à laquelle prennent part vingt-cinq artistes numériques multimédia sur la base des études de genre.

Comme elle le précise ellemême, son intérêt se porte sur la politique relative aux nouvelles technologies, sur l’appropriation de matériel multimédia, la communication en mode connecté au réseau des êtres humains, et sur la relation au virtuel du corps.

Toutefois, une certaine nostalgie des choses tangibles que lui ont transmise ses professeurs de l’Université des Arts de Londres l’ont incitée à présenter à la Muestra 2011 des travaux manuels réalisés à base de batik, une technique de teinture par réserve de cire, traditionnelle en Indonésie et en Malaisie,

au travers desquels elle poursuit les recherches sur l’exotique et le tribal qu’elle avait d’ores et déjà produites dans Travel Club, son projet de diplôme. Un récent article de presse disait qu’il y a toujours quelque chose, dans l’œuvre d’Amalia Ulman, qui relève de l’expérimentation sociologique, de la préoccupation pour les relations de pouvoir et le concept d’« altérité ».

Pour sa part, Félix Carpio (Gijón, 1983) reste attaché à son métier de photographe professionnel, même si, progressivement, il a pénétré le domaine de l’artistique.

Technicien en Image à Noreña pour le Centre International d’Image et de Son de la Principauté des Asturies, certaines de ses photos ont été exposées au Cercle des BeauxArts de Madrid ou à l’Institut Esalen de Californie. Également sélectionné lors du concours de photographie Purification Garcia en 2009, il se voit décerner, plus récemment, en Février 2011, le premier Prix de Photographie Canson.

Mais s’il est une distinction dont il peut se targuer, c’est le Taylor Wessing Photographic Portrait Prize de la National Portrait Gallery de Londres, en 2010, dont l’affiche de l’exposition et la couverture du catalogue reprend l’une de ses photographies. Wafa, un portrait de jeune femme pris en Syrie, donne une nouvelle impulsion à la carrière de ce photographe de Gijón, qui vit à cheval entre les Asturies, la Galice et Madrid, et l’incite à se concentrer sur la discipline qui l’intéresse le plus, le portrait individuel et de groupe. Parce qu’il utilise un appareil analogique à

plaques, la préparation lente et minutieuse lui permet de pénétrer à loisir la personnalité du modèle qu’il capture dans des compositions frontales aux tournures classiques, cadencées par quelques licences hétérodoxes, comme lorsque des effets de surexposition voilent partiellement l’image et surprend le spectateur.

Quant à Sandra Estrada (Oviedo, 1981), elle ose tout.

De la peinture en direct à la vidéocréation. Technicienne supérieure en Gravure et Techniques d’Estampage de l’Ecole d’Arts d’Oviedo et diplômée des Beaux-Arts de l’Université de Vigo, elle poursuit ses études dans les villes anglaises de Kingston et Londres, et à New York. Si sa préoccupation précoce pour le monde de l’art l’a menée à toucher un peu à tout, son adhésion au groupe Libacolectivo l’a induite à se décanter pour la performance et l’installation vidéographique.

Elle est ainsi présente au Laboral Centre d’Art et de Création Industrielle de Gijón, et elle se présente au concours de performances de la Fondation Serralves de Port.

Même lorsqu’elle travaille à des initiatives picturales comme le projet Retratos de un espacio [Portraits d’un espace], réalisé dans un café-bar d’Oviedo, son œuvre est, d’une certaine manière, de l’ordre du processus et de l’action performative. En ce sens, sa proposition la plus intéressante est probablement la série séquentielle de vidéos dans lesquelles différentes figures humaines, hommes et femmes, représentent une danse d’eau plastiquement

très attrayante, se défaisant dans des torrents à la force tellurique inquiétante.

Jusqu’à présent, Ernesto Junco (Oviedo, 1976) était surtout connu en tant que peintre. Ses toiles, fondamentalement monochromes, noires dans une première étape, celles, par exemple, qu’il expose en 2000 à la galerie Cimentada d’Oviedo, puis vertes comme celles qu’il présente l’an dernier à la Maison Municipale de la Culture d’Avilés. Leur intérêt réside dans le contraste entre les éléments rationnels et irrationnels, entre les taches libres et les taches géométriques, entre la solution aléatoires et la structure réfléchie, entre les aspects expressif et analytique, entre ce qui est peint et ne l’est pas.

Technicien en Sérigraphie et en Arts Appliqués à la Pierre, à l’École d’Arts d’Oviedo et diplômé de la Faculté des Beaux-Arts de Pontevedra, le jeune artiste aime très manifestement les contrastes.

Et pas seulement entre les différentes techniques de peinture, mais aussi entre les différentes techniques artistiques. Son grand défi est maintenant d’assembler peinture et vidéo. Pour ce faire, il a imaginé un ingénieux système de codes numériques Bidi qui permet de télécharger des informations sur le téléphone portable et de capturer, partant de l’une de ses peintures caractéristiques sur toile ou sur planche, une vidéo expressément conçue pour ce format et chargée de connotations personnelles.

Particulièrement hostile aux étiquettes, David Martinez

Suarez (Le Hueria, San Martín del Rey Aurelio, 1984), est un artiste engagé et partisan déclaré de la facticité et de l’œuvre qui se suffit à ellemême. Diplômé des BeauxArts à l’Université du Pays Basque où il obtient aussi un Master en Recherche et Création dans l’Art, auteur de documentaires extrêmement peaufinés sur la lutte ouvrière, son arme de combat est le montage. Ainsi en témoignent les assemblages puissants de bois et de néons de la Salle Borrón en 2008, dont le caractère explicitement revendicatif évoque les conflits du bassin minier asturien dont il est originaire.

Plus récemment, il travaille à des tables d’expérimentation, avec des pointeurs laser dont les faisceaux de lumière et de couleur qui évoquent l’industrie métallurgique sont mis en évidence par des vapeurs et des fumées qui rappellent la mise à feu de pneus par les piquets de grèves ouvrières. La présentation est accompagnée de hérissons tchèques semblables à ceux qui servent à dresser des barricades, dont la structure géométrique conjugue la stylisation artistique et un message social fort.

Veronica Garcia Ardura enfin, (Gijón, 1976), a toujours combiné la peinture et la poésie, la scénographie au théâtre et la mise en scène. Diplômée des Beaux-Arts à l’Université de Salamanque, ses œuvres, aquarelle ou huiles, petites ou grandes, tentent de combiner sa conception artistique - qui relève d’une sorte d’intériorisation du paysage à la manière orientale - et un acte générateur adéquat susceptible de l’intégrer sur le papier, par

de légers traits, sobres et succincts, à l’eau, ou sur toile, à base de coups de pinceaux plus denses, qui produisent des estampes japonaises d’une opacité exacte.

Dans sa précédente exposition individuelle intitulée Habitar la pared [Habiter le mur] tenue au début de l’année dans la Salle Borrón d’Oviedo, la proposition est allée encore plus loin puisqu’elle a été littéralement projetée sur le mur, dans un exercice performatif - théâtral - qui unissait une peinture aux taches rapides à la calligraphie et à l’écriture programmatique, et occupait toute la salle. Le développement de cette idée l’a conduite tout naturellement à un dessin au noyau pictural et aux extensions ramifiées qui se répandent sur toute la surface du papier, au-delà même de ses limites.

art critic and

exhibition curator

Twenty-two annual events stand for a whole lot of exhibiting, promoting and sharing. Taken together we are talking about around one hundred and fifty artists, the more mature ones now around sixty years of age, amounting to a whole life dedicated to art, independently of worldly success. The great value of the Plastic Arts Exhibition of the Principality of Asturias has been its continuity over time and its perseverance since its first event in 1990, never once failing to meet its commitment.

This has meant an unrelenting engagement with and support of promising young talent, whose merits, once left up to their own devices, have had to be continuously revalidated with the passing of the years and the decades. The mission of this exhibition, as well as the satellite solo shows held at Sala Borrón in Oviedo, also selected by a jury, is irreplaceable, and therefore one would hope that it will continue to remain untouched following the new plans of the public administration.

The economic crisis, or perhaps one might better say the depression, which has prevented the resources which are in fact still there from being fully used, either out of fear or precaution,

OVERFLOWING LIMITS

luis feás costilla

has inevitably affected this year’s edition and as a consequence the prize money has been reduced. However, this has not been an obstacle for the presentation of entries. The number received was once again very high, with fifty seven entries registered, from which the jury had the difficult task of choosing six. One unforeseen result was the equality, with three men and three women chosen.

Another feature was the diversity of techniques ranging from painting to photography, video to installation, sometimes even from the same artist. One can also discern, among the artists under the age of thirty five, born after 1976, a shared feature in their complete indifference to classifying labels. All of them move effortlessly between the different disciplines, shifting from one to the other without the least interruption, without any signs of prejudices or contradictions, instead searching at each particular moment for the tool most appropriate to their specific requirements.

This year, the Asturias Young Artist Award has gone to Amalia Ulman (Mar de Ajó, Argentina, 1989), an artist who has previously won the Astragal Award in 2008 for her project Una palabra, in which she collected memories and

objects from the district of Cimadevilla in the city of Gijón, where she was brought up after arriving with her family when she was just one year old. After graduating recently in Fine Arts from Central Saint Martin’s in London, she started working with photography and video, and has collaborated on projects such as Melody Fair,

by Ramiro E, on view at Laboral Centro de Arte in Gijón.

Having said that, the dossier she entered for the Plastic Arts Exhibition, and for which she was chosen for the prize, basically revealed her interest in the artistic use of Internet, a tool her generation no longer considers as virtual but as something natural and very real and which enables them to create at a very low, almost negligible cost. Her experimental work with blogs and “post-internet” installations has given her the experience to curate international projects such as Mawu-Lisa, at New Gallery in London, a show including work by twenty-five multimedia digital artists exploring gender issues.

As she says herself, her interest is focused on exploring the politics of new technologies, the appropriation of multimedia material, communication between humans in a net-connected world and the relationship of the body with respect to the virtual. Nevertheless, a certain nostalgia for the use of tangible things transmitted by some of her teachers at the University of the Arts in London encouraged her to present manual works made using batik, a traditional waxresist dyeing technique from Indonesia and Malaysia, with

which she explores issues concerning the exotic and the tribal, something she had already broached in Travel Club, her degree project. A recent magazine report on the artist maintains that there is a component of sociological experiment in Amalia Ulman’s work, concerned with relationships of power and the concept of “the other”.

plate camera, its slow and meticulous preparation allows him to penetrate the personality of the subject portrayed, which he captures in compositions with a frontal gaze and classical elements, with certain heterodox licences that allow effects of overexposure to partially veil the image, provoking a sense of estrangement in the spectator.

Though Félix Carpio (Gijón, 1983) works mostly as a professional photographer, he is gradually getting more and more involved in the artistic side of the medium. Since graduating with a diploma in Image from the International Image and Sound Centre of the Principality of Asturias in Noreña, his images have been seen in exhibitions at the Círculo de Bellas Artes in Madrid and at the Esalen Institute in California. His work was also selected for the Purificación García photography competition in 2009 and, more recently, in February 2011, he won the Canson prize for photography.

Sandra Estrada (Oviedo, 1981) embraces all kinds of challenges, from live painting to video-creation.

With a diploma in Etching and Printing Techniques from the Art School of Oviedo and a degree in Fine Arts from the University of Vigo, Estrada has also studied in Kingston and in London, England, and in New York. Thanks to her very early engagement with the world of art, she has explored the whole diversity of its expressions, though her belonging to the Libacolectivo group has led her to concentrate on performance and video-installation, thanks to which her work has been seen at Laboral Centro de Arte y Creación Industrial in Gijón and in the performance competition at the Serralves Foundation in Porto.

However, his most important recognition to date has been in the Taylor Wessing Photographic Portrait Prize, 2010, at the National Portrait Gallery in London, where one of his photos was used as the main image for the exhibition and for the cover of the catalogue. Wafa, his portrait of a young woman taken in Syria, has given great impetus to the career of this photographer from Gijon, living between Asturias, Galicia and Madrid. It has also centred his focus on the individual or group portrait, the area that most interests him. Using an analogue

Even when she is working with painterly actions, like the project Retratos de un espacio, made in a café-bar in Oviedo, her work always has something to do with process and performative action. In this regard, perhaps her most interesting proposal is a series of sequential videos in which different human figures, both male and female, dance in a visually pleasing water ballet, breaking up into torrents of unsettling tellurian force.

Until now, Ernesto Junco (Oviedo, 1976) was known mostly as a painter, for his basically monochrome pictures, initially all black, like those on view at the Cimentada gallery in Oviedo in 2000, and then green, as seen last year at the Casa Municipal de Cultura in Avilés.

He is interested in the contrast between irrational and rational elements, between free stains and geometrical marks, between random solution and well thought-out structure, between the expressive and the analytic, between the painted and the unpainted.

With a diploma in Silk-screen Printing and Stone Applied Arts from the Art School of Oviedo and a degree from the Fine Arts School of Pontevedra, this young artist from Oviedo clearly thrives on contrast, not only in painting itself but also in different art techniques.

His great challenge now is to combine painting and video, for which he has conceived an inventive system using BiDi digital codes that enables him to download information onto a mobile phone and create, using one of his signature paintings on canvas or board, a video made specifically for this format, full of personal connotations.

The socially committed artist David Martínez Suárez (La Hueria, San Martín del Rey Aurelio, 1984), is particularly adverse to labels and is a firm advocate of facticity and of the work of art that speaks for itself. A graduate with a degree in Fine Arts from the University of the Basque Country, where he also completed a master in Art Research and Creation, he has created several documentary films on the

workers struggle. His weapon of choice in this battle is the assemblage, like his powerful wood and neon installations for Sala Borrón in 2008, explicitly defending positions of workers’ conflicts in the mining area of Asturias from where he comes.

He has been working recently on experimentation tables with lasers, whose beams of light and colour resonate with the metallurgic industry. Highlighted using smoke and steam, they bring to mind the burning of tyres by a picket of striking workers. The presentation is accompanied by elements similar to those used for building barricades, to create geometric structures combining artistic stylisation and an outspoken social message.

Finally, Verónica García Ardura (Gijón, 1976) has always combined painting with poetry, stage design and direction.

A graduate with a degree in Fine Arts from the University of Salamanca, her paintings, whether in watercolour or oil, in big or small formats, manage to combine her artistic conception –which has to do with a certain internalisation of the landscape, following the oriental style– with an appropriate generative act that ties it in, whether on the paper of her concise strokes of watercolour or on the canvas of her denser brushwork, with those constructed with precise opacity in Japanese prints.

In her most recent solo exhibition, titled Habitar la pared held at the beginning of 2011 at Sala Borrón in Oviedo, the proposal went even further and was literally projected on the wall, in a performative–

theatrical exercise that combines the painting of quick stains of colour with calligraphy and programmatic writing, taking over the whole gallery. The development of this idea has led her naturally to a kind of drawing with a painterly core and branching extensions that unfold over the whole surface of the paper, overflowing its limits.

Amalia Ulman Félix Carpio Sandra Estrada Verónica García Ardura David Martínez Suárez Ernesto Junco

obras

MAR DE AJÓ (REPÚBLICA ARGENTINA) // 1989 AMALIA.ULMAN@GMAIL.COM WWW.AMALIAULMAN.EU

amalia ulman

1.- Blank Batik // 2011 Seda natural, tinte deep purple, tinte indigo, nylon y bambú 200 x 90 cm

5.- Weeping Mountain // 2010 Impresión digital sobre papel manipulada manualmente.

1 x 2 m. aprox.

2.- Daily Research // 2011 Fotografías encontradas en www.fotocumbia.com (Autor desconocido)

6.- Rock--Sun // 2011 Pan de centeno y septum.

Fotografía Dimensiones variables.

3.-Ibe:.in (en proceso) Apropiación de estilo kalapalo (masculino y femenino) para propósitos estilísticos europeos.

Performance diaria documentada en fotografías.

4.- App // 2011 Capturas de pantalla, obra web.

Dimensiones y duración variables dependiendo de usuario/ pantalla

7.- Hypoallergenic Thorium Swirl Septum ornament: PRIMITIVE SERIES // 2011 Collage digital Dimensiones variables

8.- Recipientes básicos // 2011 Vasija de cerámica con motivos “orientales” hecha a mano en el 2001.

Vasija producida en serie procendente de China.

9.- Recipientes Básicos // 2011 Intento de impresión de un modelo en 3D de una vasija 10.- Poncho // 2011 Poncho de alpaca color navy hecho a mano (decoración tribanda)

GIJÓN // 1983 THEFELIXCARPIO@GMAIL.COM WWW.THEFELIXCARPIO.COM

félix carpio

1.- Carlo // 2010 Serie: Siria 37 x 29 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

4.- Wafa // 2010 Serie: Siria 37 x 29 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

7.- Mamá // 2010 Serie: Gijón 37 x 29 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

2.- CFR // 2010 Serie: California 29 x 37 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

5.- Marjan // 2010 Serie: Siria 37 x 29 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

8.- Lisa // 2010 Serie: California 29 x 37 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

3.- Rania // 2010 Serie: Siria 29 x 37 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

6.- Sankara // 2010 Serie: California 37 x 29 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

9.- Leire // 2010 Serie: Bilbao 37 x 29 cm Fotografía Inyección de tinta sobre papel

OVIEDO // 1981 SANDRAESTRADAPEREZ@HOTMAIL.COM WWW.SANDRAESTRADAARTIST.BLOGSPOT.COM The hand of the inert // 2011 6 pantallas con enmarcaci贸n barroca Instalacion-videocreacion 64 x 52 x 14 cm cada una

sandra estrada

GIJÓN // 1976 AVERQUETRAELVIENTO@GMAIL.COM WWW.AVERQUETRAELVIENTO.COM

verónica garcía ardura

De los Límites a la Continuidad 2011

2. Grabado, Tinta china y Dibujo sobre Papel Basic 36 x 48 cm.

4. Grabado, Tinta china y Dibujo sobre Papel Basic, 36 x 24 cm.

1. Collage y dibujo sobre Papel Basic. 70 x 50 cm.

3. Grabado y Dibujo sobre Papel Super Alfa. 38,5 x 56 cm.

5. Grabado y Dibujo sobre Papel Basic. 36,5 x 51 cm.

LA HUERIA (SMRA) // 1984 DAVIDMARTINEZSUAREZ@YAHOO.ES WWW.DAVIDMARTINEZSUAREZ.NET 1 y 2.- Laser mesa // 2011 158 x 203 x 82 cm Caballetes de metal, panel de madera, construcciones en laton, acero y espejo, instalación eléctrica, punteros laser y placa de cocina con agua.

david martínez suárez

3.- (stills) Laser_Luz coherente 2010 aspecto: 16:9 duración: 9 min formato: video HD

4.- Acción directa // 2011 59 x 85 cm y 42 x 59 cm Impresión fotográfica sobre papel 5.- Erizo Alba // 2010 90 x 120 cm Collage fotográfico

OVIEDO // 1976 ERNESTO-JUNCO@BARGUELL.COM 1.- S/T // 2008 Serie: Lindes 50 x 50 cm Acrílico sobre lienzo 2-3.- S/T // 2008 Serie: Tramas 30 x 30 cm Acrílico y óleo sobre lienzo

ernesto junco

4-5.- S/T // 2010 50 x 50 cm Acrílico y óleo sobre lienzo 6-7.- S/T // 2011 100 x 100 cm Acrílico y óleo sobre lienzo

8.- S/T // 2011 Serie: PinturaQR 100 x 100 cm Acrílico sobre lienzo 9.- Cut#2 // 2011 Serie: Cuts Video Medidas variables Duracion:2:30min

Amalia Ulman Félix Carpio Sandra Estrada Verónica García Ardura David Martínez Suárez Ernesto Junco

trayectorias

amalia ulman

mar de ajó (república argentina) // 1989

amalia.ulman@gmail.com

www.amaliaulman.eu

Licenciada en Bellas Artes, Central Saint Martin’s, Londres.

Exposiciones individuales

Exposiciones colectivas

Proyectos curacionales

2012 Survival Series Arcadia Missa

2011 Deaddrops, New York(EEUU) // SelfLove, Copenhagen Place, London // (upcoming) BYOB Barcelona // Internet Pavilion,Venice Biennale, Italy // BYOB, Matadero (curado por Barriobajero) Madrid // HairDom(Colaboración con Félix Lee),Barbican Auditorium, London // BYOP, Woodmill, London // Everything, ICA, London // Submission for DIS Magazine, Online // Barmecidal Proyects, Online(Canada)

2011 MAWU-LISA, New Gallery, London(http//mawu-lisa.biz)

2011 Byob Frieze 2010 Diving the Surf Primitive Gallery, Londres 2009 Una Palabra Espaciu Astragal, Conseyu de la Mocedá de Xixón 2008 Pas de Deux Galería Mediadvanced, Gijón 2007 Sin Título Galería Luzernario, Gijón 2006 Sin Título Galería Luzernario, Gijón

Premios 2008 Premio Astragal

félix carpio

gijón // 1983

thefelixcarpio@gmail.com

www.thefelixcarpio.com

Técnico Superior en Imagen, Centro Internacional de Imagen y Sonido del Principado de Asturias en Noreña.

Ha participado en diversos talleres: 2011 Taller Diálogos con la creatividad impartido por Javier Vallhonrat.

2009 Taller SoulMotion, Esalen Institute, Big Sur-California y Taller Crator´s Map, Esalen Institute, impartido por Dave Zaboski, animador de Disney y artista plástico.

Exposiciones individuales

Premios

2011 Galería MEDIADVANCED, Gijón

2011 II Premio Nacional Canson de Fotografía

Exposiciones colectivas 2011 I Premio, Premio Nacional de Fotografía, CANSON, Sonimag 2010 // 2011 Taylor Wessing Photographic Portrait Prize. Imagen principal de la exposición y portada del catálogo. Itinerancia: National Portrail Gallery, Londres y The Sunderland Museum and Winter Gardens.

2009 Esalen Institute, Big Sur-California // Premio de Fotografía Purificación García.

Itinerancia: Circulo de Bellas Artes de Madrid, Palacio Revillagigedo de Gijón y Outono Fotográfico de Ourense.

sandra estrada

oviedo // 1981

sandraestradaperez@hotmail.com

www.sandraestradaartist.blogspot.com

Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Grabado y Técnicas de Estampación, Escuela de Arte de Oviedo.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo.

Ha realizado varios cursos de formación complementaria entre los que podemos destacar:

2004 “Técnicas litográficas sobre piedra y técnicas calcográficas”. Estampa Mágica de Gijón.

2011 Curso de programador y diseñador de paginas web.

2003 “Técnicas de transferencia”. Antiguo Instituto de Gijón dirigido por Santiago Serrano // ”Evolución gráfica en las técnicas de grabado calcográfico, serigrafía, litografía, xilografía y derivaciones técnicas”, Centro Internacional de Estampa Contemporánea, Fundación Ciec-Coruña // Sistema Hayter. VII Jornadas de Grabado y Edición de Arte de la Escuela de Arte de Oviedo, dirigido por Héctor Saunier.

2008 ”Composición del espacio pictórico a través de la luz y su relación con el Color”. Porrúa, Asturias // “Manipulación de maquinaria y herramientas básicas en el taller de madera”.

Facultad de Bellas Artes de Pontevedra.

2005 Iniciación a dirección artística en cine y televisión.

Universidad de Vigo. // Curso: “Superior de pintura” Fundación Santa María de Albarracín en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, dirigido por Dr. José Sánchez- Carralero,

2002 “Tipografía”. VI Jornadas de Grabado y Edición de Arte de la Escuela de Arte de Oviedo, dirigido por Emilio Sdum.

En la actualidad realiza Proyectos Artísticos para particulares y galerías de arte.

Exposiciones colectivas 2010 Libacolectivo “Ganadores del concurso de performances”, Fundación Serralves, Oporto (Portugal) // Desea, piensa, parpadea, instalación multimedia, Libacolectivo, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón // Perforesearches, Libacolectivo, Ganadora del concurso de Performances, Fundación Serralves, Oporto (Portugal) 2009 Gabinete de crisis, Roteiro en estado crítico, Libacolectivo, Santiago de Compostela // Please Wait, instalación multimedia, Sala X, Universidad de BB.AA, Pontevedra.

2008 ART MADRID, Espacio Alfa Romeo, Pabellón de Cristal, Madrid // Faculty of Art, Design and Architecture, Kingston University of London.

2007 Suicidio artificial I, videocreación, Casa de la Cultura del Cocello de Arnes, A Coruña // Textual, X Jornadas de Grabado y Edición de Arte, Escuela de Arte de Oviedo // Centro de Arte Casa Duró, Mieres // Fundación Museo de Artes del Grabado y la Estampa Digital, Riveira, A Coruña // Textual, Centro Municipal de Arte y Exposiciones CEMAE, Avilés.

2006 Sala de Exposiciones de la Facultad de BBAA de Pontevedra 2005 Da Facultade a Rua, exposición día de San Ero, Facultad de BBAA de Pontevedra // Benedictus Ego Sum, Facultad de BBAA de Pontevedra 2004 Casa de la Cultura de Pola de Laviana, Tapia de Casariego y Biblioteca Pública “Pérez de Ayala” de Oviedo.

2003 Escuela de Arte de Oviedo 2002 Escuela de Arte de Oviedo

Premios y becas 2007-2008 Beca Erasmus en la University of Art, Desing and Architecture of Kingston, Inglaterra (UK) 2005-2008 Beca Formación complementaria en los sistemas informáticos de creación por la Universidad de Vigo. En el taller de Grabado de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra.

Publicaciones 2009 Obra seleccionada en el Catálogo Novos Creadores 2008 Obra seleccionada en el Catálogo Salón de Arte Moderno y Contemporáneo ARTMADRID 2008.

2007 Catálogo Textual. Centro de Arte Casa Duró de Mieres.

verónica garcía ardura

gijón // 1976

averquetraelviento@gmail.com

www.averquetraelviento.com

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialidad de Pintura.

Ha realizado cursos de litografía en la Academie Royale des Beaux Arts de Liége (Bélgica), “Escenografía, iluminación y vestuario. La transformación del espacio”, en la Universidad Complutense de Madrid y “Entre la mirada y la palabra. Creación escénica”, en Laboral Ciudad de la Cultura.

Exposiciones individuales 2011 Interacciones ICA. Ilustre Colegio de Abogados de Oviedo // Habitar la pared. Sala Borrón de Oviedo.

2010 Galería Amaga, Avilés 2008 Galería Dasto. Oviedo 2005 Galería Dasto, Oviedo 2000 Casas de Cultura de Pola de Siero y Avilés

Exposiciones colectivas: 2011 Galería de Arte Amaga, Avilés // Estío 11. Galería de Arte Gema Llamazares, Gijón // CUSTOM, Cánones de la moda alterados por el arte, Modoo, Oviedo

2007 XIVª Concurso de Mujeres Pintoras del Oriente de Asturias.

Casas de Cultura de Ribadesella, Infiesto, Llanes y Arriondas // Galería Dasto, Oviedo // Certamen de Dibujo “Daniel Martínez Pedrayes”, Rotary Club de Avilés y Galería Amaga.

2010 XIX Certamen de Pintura “Nicañor Piñole”, San Martín del Rey Aurelio. Galerías Amaga de Avilés y Gema Llamazares de Gijón.

2006 // 2007 Territorios afines. Exposición de artistas asturianos en Buenos Aires.

Museo Eduardo Sivori, Buenos Aires (República Argentina)

2009 Galería de Arte Amaga, Avilés // Enfocarte, intervención en el espacio público, Parque de Ferrera, Avilés // 12 meses, 12 artistas, Galería Texu, Oviedo // Calendario Misiva 2009, Casas de Cultura de Caravia Alta y Pola de Siero

2006 II Certamen Nacional de Pintura Contemporánea “Casimiro Baragaña” // IX Certamen Nacional de Pintura de Villaviciosa // Proyecto Polarte de intervención en el espacio público. Fundación de Cultura de Pola de Siero // II exposición Artistas Plásticos de Siero. Casa de Cultura de Siero // Galería Dasto, Oviedo.

2008 Galería Dasto, Oviedo // Libros de artista.

Litografía Viña de Gijón. // Presencias, teatro y mujer, en conmemoración del “Día Mundial del Teatro”, Biblioteca de Asturias Ramón Pérez de Ayala, Oviedo e itinerante.

2005 I Certamen Nacional de Pintura Contemporánea “Casimiro Baragaña” // VIII Certamen de Pintura de Villaviciosa // Artistas Plásticos de Siero. Casa de

Cultura de Pola de Siero // Un viaje al país del Principito.

Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón

2000 Conectando Cultura. Casa de Cultura de Pola de Siero // Asturias Arte-Joven 1999, Oviedo.

2004 Centro de Arte Contemporáneo Acerarte.

Oviedo // A dos líneas. Casa de Cultura de Pola de Siero // Triformis. Café Cícero. Oviedo // Asturias Arte-Joven 2003.

Gijón, Oviedo y Avilés.

Premios y Becas

2003 Homenaje al Círculo.

Centro Cultural Recoleta.

Buenos Aires (República Argentina)(página web:http// www.geocities.com/ homenajealcirculo/ 2002 Paysage&Dépaysage.

Academie Royale des Beaux Arts. Liège. Bélgica. // Museo vivo. Sala Cultural “Monte de Piedad” de Cajastur, Gijón // Asturias Arte-Joven 2001.

Oviedo, Gijón y Avilés 2001 Arte Alternativo. Centro Cultural “Antiguo Instituto”, Gijón // 5 pintores asturianos .Sala Velázquez, Ateneo. Sevilla /A/ Hora. Alianza Francesa. Mendoza (República Argentina) // Museo vivo. Sala Cultural “Monte de Piedad” de Cajastur, Gijón

2007 Ganadora del XIV Mujeres Pintoras del Oriente de Asturias 2005 Ayuda a la Creación y Producción Artística concedida por el Patronato de Cultura de Siero para el proyecto expositivo en Buenos Aires, República Argentina // Subvención a la Formación y Producción Artística concedida por la Consejería de Cultura y Turismo del Principado de Asturias.

2004 Ayuda a la Creación y Producción Artística concedida por el Patronato de Cultura de Siero // Ayuda a Actividades Cinematográficas concedida por el Principado de Asturias, para la realización del cortometraje “La vida contada en un corto” 2003 Ayuda a la Creación y Producción Artística concedida por el Patronato de Cultura de Siero para la realización de la exposición A dos líneas.

2002 Beca de Ayuda a la Formación Artística concedida por el Patronato de Cultura de Siero para la realización del curso “Arte y paisaje” dirigido por Javier Maderuelo en el Circulo de Bellas Artes de Madrid.

2001 Beca de Ayuda a la Formación Artística concedida por el Patronato de Cultura de Siero para la realización de un curso de Litografía en Liège(Bélgica).

Obras en: Fundación Príncipe de Asturias Fundación Municipal de Cultura de Siero Hotel Santo Domingo de Oviedo Colecciones particulares de Oviedo, Gijón, Salinas, Siero, Cantabria, Madrid, París, Inglaterra, Bélgica…

Otras actividades Compagina tareas de ilustración y diseño tanto gráfico como escenografías con comisariado de exposiciones y dirección artística de proyectos

david martínez suárez

la hueria (SMRA) // 1984

davidmartinezsuarez@yahoo.es

www.davidmartinezsuarez.net

Licenciado en BB.AA. por la Universidad del País Vasco y está realizando un máster de Investigación y Creación en Arte en la misma universidad.

Exposiciones individuales

Exposiciones colectivas

2009 Galería Pilar Parra & Romero, Madrid

2011 Ez Diren Gauzak.

Exposición colectiva organizada por MLDJ, Sala Oxford, Zumaia, Gipuzkoa // Arte < 30. Galería Trama y Sala Parés, Barcelona // Haz, Espacio MLDJ, Bilbao // 2011 RESPIRA HONDO Fundación María Forcada, Tudela, Navarra.

2008 Tout Va Bien (Todo Va Bien), Sala Borrón, Oviedo // Casa de Cultura de Avilés

2009 Inmersiones, Sala Amárica, Vitoria-Gazteiz 2008 Residientes. Fundación Bilbao Arte Fundazioa, Bilbao // Dos meses en uno. c. art Pranti & Boc Galerie, Bregenz, Austria // Entornos próximos.

Museo Artium, Vitoria-Gasteiz // Copoycine. Espacio Abisal, Bilbao

2007 XX Exposición audiovisual. Sala de Exposiciones del BBVA, Bilbao // Sala Araba, Vitoria-Gasteiz // Jóvenes Artistas Asturianos.

FADE, Oviedo // Ertibil.

Muestra Itinerante de Artes Visuales, Bizkaia 2006 Salón de Artes Emergentes, Getxo, Bizkaia // XIX Exposición audiovisual.

Sala de Exposiciones del BBVA, Bilbao // Sala de Exposiciones de Barakaldo, Bilbao // Sala Araba, Vitoria-Gasteiz // Ertibil. Muestra Itinerante de Artes Visuales, Bizkaia 2005 Leihoak. Festival MEM, Bilbao // Somos buena gente.

Casa de la Cultura, “Escuelas Dorado”, Sama de Langreo, Asturias

Pases audiovisuales

Talleres y proyectos

2009 Open MEM, L’mono, Bilbao

2010 PRIMER PROFORMA 2010 Badiola, Euba, Prego, MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León

2007 Proyección del documental “Nalón”. Day of Architecture, Organizado por el Flemish Architecture Institute (VAi). A través del FLACC workplace for visual artists.

Genk, Bélgica

Becas y premios 2010 Beca de difusión del Gobierno Vasco. MLDJ Proyecto colectivo de los artistas: Manu Uranga, Lorea Alfaro, David Martínez Suárez y Jon Otamendi 2008 Beca de residencia y espacio de cesión temporal.

Fundación Bilbao Arte Fundazioa, Bilbao // Beca de residencia. KUB Kunsthaus Bregenz, Austria

2007 VISUAL APPOINTMENTS. Conversaciones con artistas.

Isabell Heimerdinger, Jeppe Hein, Democracia, Pello Irazu y Juan Pérez Agirregoikoa. Comisario: Iñigo Cabo. Fundación Bilbao Arte Fundazioa, Bilbao // FICCIONES PLEGABLES Taller de Jorgen Leth y Dan Holmberg. Organizado por Olatz González, Iñaki Imaz, Asier Mendizábal. Arteleku, Donostia-San Sebastián // INTERMEDIAE // MINBAK 4 días // 5 noches ARCO’07 COREA, colaboración con el Art Center Nabi de Seúl. Matadero de Madrid // CLOSING TIME Proyecto de investigación de la UPV // EHU. Dirección: Iñigo Cabo. Proyecto artístico para la BIENNALE DE PARIS 15 EME. EDITION. 2006.

2006 BANDAS Y GENTE APARTE Taller de Jon Mikel Euba. MUSAC, León // Enthusiasm_archivo_taller: Nuevas perspectivas sobre las prácticas amateurs en la época del capitalismo cognitivo.

Coordinado por Carles Guerra y Leire Vergara. Arteleku, Donostia-San Sebastián

ernesto junco

oviedo // 1976

ernesto-junco@barguell.com

Técnico de Serigrafía y Artes Aplicadas a la Piedra por la Escuela de Arte de Oviedo y Licenciado en BB.AA por la Universidad de Pontevedra

Ha realizado el taller de performances “O xogo, o discurso e o corpo” dirigido por Adriano e Fernando Guimaràes en el Museo MARCO de Vigo en el año 2005

Exposiciones individuales

Exposiciones colectivas

2010 Galería Adriana Suárez.

Gijón // Casa Municipal de Cultura de Avilés

2011 CUSTOM, Cánones de la moda alterados por el arte.

Centro Modoo, Oviedo

2008 Casa de Cultura de Cangas de Onís

2010 Galería Adriana Suarez, Gijón

2005 Casa de Cultura de Cangas de Onís

2009 Galería Texu, Oviedo

2000 Galería Cimentada de Oviedo 1998 Hospital de Jarrio, Carrio.

1995 Piezas Escultóricas Permanentes. Centro de Salud de Cangas de Onís

2005 Exposición Menoscuarto.

Facultad de BBAA de Pontevedra, Pontevedra // Museo de Arte Contemporáneo de Vigo // MARCO, Espaço Artes Múltiplas, S. LazaroPorto

Colaboraciones 1999 Colaboración en la restauración de la Catedral de Oviedo // Colaboración en diversos proyectos pictóricos del artista asturiano José Luis Pantaleón