Revista de Historia del Arte II

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ARTE ABSTRACTO EL SURREALISMO EL DADAISMO ESTEBAN CASTILLO SALVADOR DALI

CONTENIDO ARTE ABSTRACTO

EL SURREALISMO EL DADAISMO ESTEBAN CASTILLO

SALVADOR DALI

EDITOR

Jorvik mendoza C.I: 19572677

PRODUCTOR

Oswal Reyes C.I: 22194918

Arte abstracto Inicialmente, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas, pero con el paso del tiempo se ha convertido en un filón inagotable para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su vitalidad.

Si bien es cierto que en el pasado ya se produjeron algunas incursiones en el campo de la abstracción principalmente durante la Prehistoria, época en la que era frecuente la estilización y el geometrismo-, no lo es menos que hasta nuestros días esta tendencia no ha florecido con plenitud.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

Tipos de Abstractismos.

1) El expresionismo abstracto: Se apoya en la emoción, en la expresividad del color, y en las manifestaciones psicológicas del artista. Rechaza totalmente la figuración. Su fundador fue Vasilij Kandinskij, seguido por Paul Klee, Armando Barrios, Hugo Baptista, Fracncisco Hung, Enrique Ferrer, etc.

Los Disidentes.

Fue fundado en parís por un grupo de artistas venezolanos: Alejandro Otero, Mateo Manuare, Pascual Navarro, Herminy Perán, Rubén Núñez, J. M. Guillermo Péres, Luis Guevara Moreno, y Carlos Gonzáles Bogen, que se adhirieron a las nuevas propuestas del arte abstracto. Fundaron una revista con el mismo nombre, que apenas duró cinco números.

El programa de los disidentes se redujo al enjuiciamiento de la cultura tradicional existente en Venezuela, y de las instituciones como el Museo de Bellas Artes, los salones oficiales, y las escuelas de artes plásticas. Por lo tanto, fue un movimiento de protesta que criticaba las estructuras culturales de nuestro país, pero sin proponer un planteamiento estético-cultural renovador.

En cambio, fue mayor su aporte cuando regresaron al país, y gestaron el movimiento abstracto a partir de 1951.

Representantes del Abstractismo.

-Paul Klee, (1879-1940).

-Armando Barrios, (1920).

-Hugo Baptista, (1935).

-Francisco Hung, (1937).

-Enrique Ferrer, (1934).

2) El Neoplasticismo: Mondrián prefirió éste término al de abstraccionismo geométrico, por cuanto sostenía que su trabajo no era una abstracción sino una metáfora de la realidad. En el fondo es un arte que excluye toda emoción, y mira al rigor matemático, y a la simplificación radical de la geometría. Entre estos tenemos a: The Van Deosburg, Mercedes Pardo, Pedro Briceño.

-Piet Mondrán, (1872-1944).

3) El Constructivismo: Es una manifestación artística tridimensional, y fue propuesta por los rusos Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Casimir Malévitsch En Venezuela esta manifestación plástica es amplia y artísticamente representada. Destacan, entre otros , Esteban Castillo Oswaldo Subero, Domenico Cassasanta, Edgar Guinand, etc.

-Pedro Briceño, (1931).

El Arte Abstracto.

4) El Informalismo: Es un arte abstracto no geométrico, que reivindica la materialidad de la pintura, y sus múltiples posibilidades técnicas. Como rechaza la forma figurativa y no figurativa, asume el color como su materia y sujeto del cuadro. La forma se la imprime la extensión directa de la expresión del artista.

-Aleksander Roschenko, (1891-1956)

La importancia que se le ha dado lo demuestra el número y la calidad de sus representantes: Hans Hartung, Jean Fautrier, Georges Matchieu, Alberto Burri, Antonio Saura, Arschile Gorky, Franz Kline, Jackson Pallock, Mark Rothko, etc. En Venezuela, contamos, entre otros, con Jorge Gori, Héctor Poleo, Rolando Maruja, Humberto Jaimes Sánchez.

5) El Abstraccionismo Lirico: El sosiego, la quietud, el equilibrio la armonía, se convierten en la temática de estas composiciones. En venezuela, representan, entre otros, esta tendencia artística: Alirio Oramas, Ramón Vásquez Brito.

-The Van Deosburg, (1883-1931) -Mercedes Pardo, (1922).

-Vladimir Tatlin, (1885.1953)

-Kazimir Malévisch, (1878-1935) -Frank Estella, (1936).

-Esteban Castillo, (1941).

-Oswaldo Subero, (1943).

-Domenico Cassasanta, (1935) -Edgar Guinand, (1943).

-Hans Hartung, (1904).

-Jean Fautrier, (1897-1964).

-Georges Matchieu, (1922).

-Alberto Burri, (1915).

-Antonio Saura, (1930).

-Arschile Gorky, (1904-1948).

-Franz Kline, (1910-1962).

-Jackson Pallock, (1912-1956).

-Mark Rothko, (1903-1970).

-Jorge Gori, (1910).

-Héctor Poleo, (1918).

-Rolando Maruja, (1923).

-Humberto Jaime Sánchez, (1930).

-Alirio Oramas, (1924).

-Ramón Vásquez Brito, (1927).

-Bram Van Velde, (1892-1981).

-Humberto Boccioni, (1882-1916).

Esteban Castillo Esteban Castillo: Historia de colores y formas, serigrafías y grabados Escrito por Lorena Quintanilla Muñoz Share on facebook Share on twitter Share on email Share on print Share on gmail More Sharing Services 1 Historia de Colores y Formas es la individual que descubrirá el artista plástico Esteban Castillo el próximo lunes 5 de noviembre en la UPELIPB, en ocasión del 53 aniversario de la institución.

Castillo, insigne representante del arte geométrico, nos recibió en su taller para ofrecernos más detalles de la muestra que reunirá alrededor de 15 obras entre grabados y serigrafías.

Hace dos años el artífice viajó a París, encontrándose con más de 1.500 gráficas en su antigua residencia. “Todos esos trabajos estuvieron guardados durante 23 años, algunos fueron realizados en la década de los 70, eran en blanco y, ahora en Barquisimeto le he agregado colores.

Estas obras, en noviembre de 2010, viajaron conmigo desde París hasta Barquisimeto”.

Secretos de la serigrafía El pupilo de José Requena recordó que descubrió los secretos de la serigrafía hace tiempo. “Me encontré muchas personas que me explicaron la manera de imprimir un trabajo con precisión y con los colores bien nítidos”. En Barquisimeto, Castillo trabajó la serigrafía publicitaria por un tiempo. Aquí aprendió de la mano de Pastor García y en Nueva York en el taller de Bogarin Mago.

“En Londres trabajé mis primeras serigrafías, sin embargo, en París me dediqué de lleno a producir obras gráficas que me permitieran divulgar mi trabajo a un precio razonable”. Castillo enviaba genuinas tarjetas de navidad a sus amistades. Se trataba de sus serigrafías. Esto lo realizó desde el año 72 hasta el 85. “Hay personas que coleccionaron las tarjetas. De esa manera proyecté mi obra”.

Luego, el artista divulgó su propuesta a través de un sobre que contenía diez tarjetas, como especie de postales. El sobre tenía un costo de bolívares 100 y cada tarjeta valía 10 bolívares. “Algunos artistas me

En cuanto al proceso de elaboración de la obra, destacó que en primer lugar se hace el dibujo en un papel cuadriculado o milimetrado. Aseguró que actualmente existen diferentes técnicas para trabajar la serigrafía. Castillo prefiere trabajar la obra a modo antiguo.

“Tenía tiempo sin trabajar la serigrafía. Se hace el dibujo y posteriormente se va picando cada color. Todo debe coincidir. Luego, se lleva el papel a un bastidor que tiene una seda especial. Es como trabajar la fotografía, también se valora la luz. La serigrafía es un proceso largo”.

Agregó que para 1978 ya había mejorado su trabajo impreso.

“Comencé a trabajar obras en relieve sobre papel. La gente pensaba que yo tenía una prensa en París, pero no era así. Esos trabajos los hacía con un rodillo de cocina y una cucharita de café y lo que hacía era moldear la obra. Antes fue blanca, ahora le agregué color, retrabajé la forma que antes era blanca y ahora tiene color”.

Ha sido, prosiguió, un nuevo desafío modificar estos grabados, agregar formas y colores a lo que hace 36 años creé en blanco. “Los grabados titulados Hommage au Tangram han continuado con sus mismas formas y colores. Es la primera vez que muestro estas obras realizadas en París y modificadas en Barquisimeto. Cuando las miro y las distingo retrabajadas me causan gran sorpresa. Poder recrear mi obra y disfrutar con dos nacimientos de su creación: París-Barquisimeto. Es el resultado de la experiencia, eso es lo maravilloso cuando uno llega a dominar los colores y las formas, puede mezclar dos tiempos y planteamientos diferentes”.

Aunque dijo que se trata de una travesura. La obra da cuenta del laborioso proceso que se tomó el artista para retrabajar cada figura.

“Es curioso porque esos trabajos estuvieron guardados por 23 años en París. Casi me desmayo cuando descubrí que son al menos 1.500 piezas, pero no me las pude traer todas”.

Proyecto Por otra parte, Castillo nos reveló que sueña con realizar una gran individual el próximo año contentiva de todas sus facetas en la Sala Juan Carmona de EL IMPULSO, así como en Caracas y Maracaibo.

SURREALISMO

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.

Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

Precedentes del Surrealismo Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés

Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.

Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.

Los artífices del surrealismo Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Ernst (1891-1979)Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge.

Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.

Ciudades, Europa después de la lluvia.

Tanguy (1900-1985) Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.

Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.

Masson (1896-1987) Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa.

Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985) Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Joan Miró (1893-1983) "Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado

minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.

Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.

Salvador Dalí (1904-1989) Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca.

Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.

También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Salvador Dali (1904-1989) Nació el 11 de mayo de 1904 a las 8,45 de la mañana en el pueblo de Figueres, Girona, como Salvador, Domingo, Felipe, Jacinto Dalí, hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario, y Felipa Doménech. Nació nueve meses y diez días exactos después de enterrado un primer Salvador Dalí, su hermano, de quien escribió que se parecían "como dos gotas de agua".

Su hermano primogénito murió por una meningitis cuando sólo contaba siete años. El nombre que le pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano muerto, de quien el pintor parece el gemelo. Fue un niño caprichoso, mimado y consentido en quien sus padres volcaron afecto y atenciones de una forma un tanto compulsiva debido a la temprana muerte de su hermano.

Durante una larga convalecencia pasada en El Molí de la Torre, una finca cerca de Figueres propiedad de la notable familia Pichot, Dalí descubrió la pintura. Allí realizó, con un absoluto desconocimiento técnico, sus primeros cuadros (óleos y acuarelas) de los que no queda rastro alguno, pero que impresionaron a quienes tuvieron ocasión de verlos. Fueron los Pichot quienes aconsejaron a Dalí que siguiera cursos de aprendizaje. El niño enfermo es el título de su primer autorretrato, realizado a la edad de diez años. Poco después comenzó su primer curso de dibujo con Juan Núñez de quien aprendió el uso del claroscuro y le introdujo también en las técnicas del grabado. Las obras de Dalí son conocidas por un importante trato de los detalles, a los que da mucha luz y color.

Fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) en 1921, de la cual fue expulsado, acusado de subversión anarquista; fue arrestado y pasó un corto período en la cárcel, en Girona (1923). Su primera exposición individual en Barcelona se celebró en noviembre de 1925. Tras ser readmitido, fue definitivamente expulsado en 1926 por su excentricidad. Se cuenta que cuando en un examen le pidieron que hablase sobre Rafael, Dalí respondió al tribunal: "Me es imposible hablar de ese sujeto delante de los tres profesores, porque yo sé mucho más sobre Rafael que todos ustedes reunidos.

Al año siguiente conoció a Picasso en París, y diez años más tarde, en Londres, Stefan Zweig le presentó a Sigmund Freud. Amigo de Luis Buñuel y Federico García Lorca a los que conoció en Madrid en 1923. José Bello dijo hablando de cuando Dalí llegó a la Residencia de Estudiantes, a los 18 años, “era una persona enferma de timidez”. Con Buñuel realizó la escenificación de “Un perro andaluz” y colaboró, en una segunda etapa, en L’age d’or. En cambio, con García Lorca tuvo una amistad muy íntima, como lo prueba la apretada correspondencia mantenida entre 1925 y 1936. Hasta ese momento, Dalí no había

Durante su servicio militar (1927) Dalí realiza Cenicitas, su primera obra "daliniana" en la que afloran sus recuerdosfantasmas. Durante sus años en París, adquirió las características del surrealismo en 1930. Sus obras en este periodo se inspiran en las teorías de Freud. Dalí conoció en 1929 a Gala, hija de un abogado ruso y compañera del poeta surrealista Paul Eluard. La vio por primera vez en la terraza del hotel Miramar, en Cadaqués, junto a su marido. Quedaron en encontrarse a la mañana siguiente, en la playa. Dalí decidió prepararse para el encuentro de una manera totalmente simbólica. Se arremangó la ropa para hacer resaltar el bronceado. Se puso al cuello un collar de perlas y en la oreja un geranio rojo.

Se hirió al afeitarse la axila y se embadurnó el cuerpo con su propia sangre, a la que agregó una mixtura de cola de pescado, estiércol de cabra y aceite.

Pocos meses después, profundamente enamorados, se van a vivir juntos. Desde aquel momento. Gala será para Dalí amante, amiga, musa y modelo (aparece por primera vez de perfil, en "El gran masturbador", de 1929). En 1932 Dalí presenta su obra La persistencia de la memoria, en la primera gran retrospectiva surrealista que se celebra en Nueva York: es el principio de su espectacular éxito. A partir de 1936, junto a Gala, abandona su residencia en Cataluña. Desde 1940 hasta 1948, Dalí vivió en Estados Unidos. Allí realizó sus últimas obras, la mayoría de ellas de aspecto religioso, como La Crucifixión o La última cena (1955, National Gallery, Washington).

Dalí fue el representante más popular del surrealismo y es reconocido mundialmente por su obra repleta de imágenes oníricas. El artista dejó huella en el mundo de la ilustración y del grabado, realizó una notable cantidad de esculturas y de joyas, dejó también su obra en el mundo escénico a través de la creación de ballets, escenografías y vestuario para óperas; sin olvidar sus aportaciones, de importancia decisiva, en el mundo del diseño, de la publicidad y del cine. Para la película "Recuerda" de Alfred Hitchcock, el artista diseñó los decorados.

El 1 de abril de 1970 anuncia la creación de un museo en Figueres, que abrió sus puertas cuatro años más tarde. En diciembre de 1979 una primera gran exposición antológica se inauguraba en el centro Georges Pompídou de París. A los pocos. días se hacían públicas las desavenencias con Gala y empezaba el conflicto de los derechos de autor y de las falsificaciones.

Escribió algún libro autobiográfico como La vida secreta de Salvador Dalí.

El 23 de enero de 1989, muere en el hospital de Figueres a los 84 años de edad a consecuencia de un paro cardiaco, después de haber sufrido una larga agonía. Su cadáver es embalsa-

Obras seleccionadas: Retrato de mi padre (1925) El cesto de pan y Joven de Figueres (1926) Composición con tres figuras (1927) La persistencia de la memoria (1931) Retrato de Mae West (1935) Shirley Temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo (1939) El mercado de esclavos, con busto de Voltaire desapareciendo El rostro de la guerra (1940) La miel es más dulce que la sangre (1941) La poesía de América (1943) Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de desperta(1944) Mi esposa desnuda (1945) La tentación de San Antonio (1946) Los elefantes (1948) Leda atómica (1949) La Madonna de Port Lligat (1950) Cristo de San Juan de la Cruz (1951) Galatea de las esferas (1952) La Última Cena (1955) Naturaleza muerta en rápido movimiento (1956) La rosa (1958) El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959) El retrato de mi hermano muerto (1963) Dalí en New York (1965) La pesca del atún (1967) La Toile Daligram (1972) Dalí pintando a Gala por detrás (1973) Gala contemplando el Mediterráneo (1976)

EL DADAISMO

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.

Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes.

Inmediatamente identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con anterioridad. Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no significara nada y fuese escojido al azar, algunos dicen que buscando en un diccionario con un cuchillo, otros dicen que era lo único que se entendía de los rusos, da da (si si)”. (Aporte de Valentina, gracias).

Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por: - Protesta continua contra las convenciones de su época.

- Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

- Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.

- Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema

- Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc.

- Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.

- Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.

- Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.

- Quieren volver a la infancia.

- Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

En cuanto a la gráfica se caracterizó por: - Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.

- Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.

- Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).

- Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

El mensaje dadá se difundió ampliamente, los artistas más reconocidos fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró seguidores entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento. En Francia tuvo escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.

En poesía abrió el campo al surrealismo, creando un lenguaje sin límites. Los consejos de Tzara describen como se realiza un poema dadá: recortar las palabras de un artículo de un periódico, meterlas en una bolsa para mezclarlas y copiar las palabras según vaya sacando de la bolsa. En el caso de la pintura, se desecharon formas y técnicas tradicionales, rechazando las corrientes del momento. Prevalecían las imágenes incomprensibles, donde se destacaron los collages de desechos y recortes de diarios. En la escultura se prevalecieron los ready-mades del francés Marchel Duchamp.

En Europa decayó en 1920 para finalizar en 1922. A mitad de la década del 50 resurgió en Nueva York. El movimiento dada generó el camino para que nazcan otras corrientes, como el Surrealismo y el Pop Art.

El grupo de Nueva York También la declaración de guerra llevó a la ciudad americana a grupos de artistas refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia. Allí se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zurich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta, recalcitrante y nihilista fue idéntico. En marzo de 1915 nace la revista "291", nombre tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los americanos Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dada neoyorquino.

El grupo de Berlin Tras la guerra, Alemania entra en una crítica situación. Tras la revolución bolchevique, el partido Espartaquista alemán -la izquierda socialista- ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el Movimiento dadaista.

Procedente del grupo de Zurich, Richard Huelsenbeck, trae a Berlin el espíritu dadaista, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas (futurismo, cubismo). Junto con el poeta Raoul Hausman promueve declaraciones y manifiestos a partir del "Dada Club". Junto a los anteriores destacarán el pintor Georg Grosz, agudo crítico del militarismo y del capitalismo alemán de aquellos años, y los hermanos Herfelde, uno famoso divulgador de la técnica artística del fotomontaje, otro indispensable editor de las obras dadaistas de aquellos años.

El movimiento dada berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaistas y la resituación de este grupo en los marcos artísticos.

El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.

El grupo de Zurich Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp. A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría el nombre de "Dada" Tristan Tzara pronto se convirtió en el promotor y principal exponente del movimiento Dada. Entre él y Hugo Ball dieron sustancia a la teoría dadaísta.

El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba "da-da" ("sí, sí", en ruso y otras lenguas) En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas.

En 1917 Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara.

Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaismo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo.

El Zurich dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado.