Animax 4 Every 1

Creando el concepto Un Flip Book (folioscopio en español) es esencialmente una forma primitiva de animación, es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio.

En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la forma normal de verlo es teniendo el folioscopio con una mano y pasar las páginas con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de pulgar que refleja este proceso.

Detras del Flip y del Book

Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones.

Al igual que en una película cinematográfica, se basa en la persistencia retiniana1 para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas.

1. Dirijase a la pagina para entender mejor el concepto

Por el inicio: Persistencia Retiniana

La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Joseph Plateau que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo.

Según sus estudios, esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las “enlaza” como una sola imagen visual, móvil y continua.

Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese “enlace” proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en televisión se da 25 fotogramas por segundo).

En este ejemplo se observa como al interponer el ave y la jaula a una velocidad determinada crea la ilusion de haber encerrado al ave dentro de la jaula.

Caballo corriendo que muestra el fundamento de la persistencia retianana.

Desde la perspectiva contemporánea, en el campo de la neurofisiología de la percepción, se afirma que la persistencia de la visión o retiniana o persistencia óptica es un mito.

Este error se deriva de atribuirle una explicación al fenómeno visual solamente a partir de un órgano periférico como es el ojo sin la intervención del cerebro argumento que se ha desvirtuado sistemáticamente por hallazgos como el mencionado por el cognoscitivista Donald Hoffman en su libro Inteligencia Visual (pág. 197, Ed. Paidós, Barcelona, 2000) de sujetos que a pesar de tener la retina completamente sana no pueden captar el movimiento en el mundo real, debido a lesiones en el cerebro, a esta disfunción se la denomina acinetopsia, esto es, ceguera al movimiento.

Uno de los motivos por el cual la persistencia retiniana, aunque es una explicación equivocada, se toma como verdadera es porque es sencilla de entender y aparentemente es una teoría final sobre la cual no es necesario seguir razonando más. En contraste, las explicaciones derivadas de la investigación científica implican el esfuerzo de aproximarse a nociones de neurología con el componente adicional de que en ellas se manifiesta la necesidad de seguir investigando un tema en el que lentamente se van respondiendo diferentes preguntas acerca del pensamiento visual.

Emile Courtet

Más conocido como Émile Cohl (4/1/185720/1/1938), de nacionalidad francesa, fue uno de los pioneros de los dibujos animados.

Reconocido por Fantasmagorie (1908) considerada la primer pelicula de dibujos animados.

Edward James Muggeridge

Conocido como Eadweard Muybridge fue un fotógrafo e investigador Ingles (9/4/1830- 8/5/1904) .

Su experimento “Caballo en movimiento” demostro que auqnue el ojo humano no logra verlo,durante un instante un caballo a galope no apoya ningún casco en el suelo. Sus estudios culminan en las bases del cinematografo.

Georges Méliès

(8/12/1861 – 21/1/1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción.

Charles-Emile Reynaud

(8/12/1844-9/1/1918) fue un inventor y pionero del cine de animación francés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibuja-

Zoótropo

Es una máquina estroboscópica creada en 1834 por William George Horner, compuesta por un tambor circular con unos cortes, a través de los cuales mira el espectador para que los dibujos dispuestos en tiras sobre el tambor, al girar, den la ilusión de movimiento.

Fue un juguete muy popular en la época y uno de los avances hacia la aparición del cine que se crearon en la primera mitad del siglo XIX. Fueron famosos, fue una inspiración para la creación de lo que hoy conocemos como cine ya que es el mismo principio, una sucesión de imágenes que cuentan una historia.

Praxinoscopio

Es un aparato inventado por Émile Reynaud en 1877 y patentado el 21 de diciembre de ese año.

El espectador mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor. Como resultado la persona observa una secuencia nítida, una animación estable donde las imágenes se fusionan y logran el efecto animado.

Taumatropo

Consiste en un disco con dos imágenes diferentes en ambos lados y un trozo de cuerda a cada lado del disco. Ambas imágenes se unen estirando la cuerda entre los dedos, haciendo al disco girar y cambiar de cara rápidamente. El rápido giro produce la ilusión de que ambas imágenes están juntas .

Su invento suele atribuírsele a John Ayrton Paris, que lo habría construido para demostrar el principio de persistencia retiniana, ante el Real Colegio de Físicos de Londres, en 1824. En aquella ocasión, utilizó los dibujos de un papagayo y una jaula vacía para causar la ilusión de que el pájaro estaba dentro de la jaula.

Para fabricar los praxinoscopios que luego vendería como juguetes, Reynaud alquiló dos departamentos en París, uno de los cuales funcionaba como taller.

Richard Wil iams Nacio el 19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario, es un animador, director y productor canadiense. Estudió en la Northern Secondary School en Toronto.Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What’s New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, “The Animator’s Survival Kit”, publicado en 2000.

Promocional de ¿Quien engaño a Roger Rabbit?

Ilustracion del “Ladron de Bagdad“

Richard Williams

Fragmento de “La islita“

En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de 20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en 1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que ejercía la pelícu-

Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 − Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y director de animación italiano radicado en Argentina responsable de los dos primeros largometrajes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo.

Cristiani durante una entrevista Hizo un breve curso en la Academia de Bellas Artes y pronto encontró trabajo dibujando caricaturas para los diarios, que en esa época publicaban muchas historietas y sátiras políticas.

Quirino Cristiani mostrando, en 1955, la figura recortada y articulada de su personaje satírico El Peludo (basado en el presidente Yrigoyen); Cristiani patentó estas figuras en 1916 para la realización de sus filmes.

Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos además de varias maquetas que representaban edificios públicos.

En el año 1927, la empresa cinematográfica estadounidense Metro-Goldwyn-Mayer lo contrató como director de publicidad de la filial argentina.

Paralelamente Cristiani fue formando su propio estudio, Cristiani Studios, princialmente dedicado al negocio del doblaje de producciones extranjeras.

El 16 de septiembre

de 1931, Cristiani

estrenó Peludópolis,

el primer largome

traje de animación

sonoro, de 80 min.

Trataba acerca de

la corrupta ‘ciudad

del Peludo’ (que

era el apodo del

expresidente Hipóli

to Yrigoyen [1852 1933]). Es una

sátira política “El Apostol“ en la que se muestra a los piratas al mando de El Peludo abordar la nave del Estado y desalojar a las fuerzas de El Pelado (el expresidente, también radical, Marcelo Torcuato de Alvear) y enfilar hacia la isla de Quesolandia hasta que aparece el Gobierno Provisional (el dictador Uriburu) en un barco de papel para tomar el poder. La película le produjo a Cristiani grandes pérdidas económicas.

En 1941, Walt Disney viajó a la Argentina ante el estreno de su película Fantasía. Al conocer la obra de Cristiani, el empresario estadounidense le ofreció empleo en sus estudios en Estados Unidos, pero el argentino lo rechazó, ya que su laboratorio se había convertido en uno de los más importantes del país y no quería abandonar su empresa.

Dos incendios, uno en 1957 y el otro en 1961 destruyeron todas sus películas, con la única excepción de El mono relojero, la única que se conserva en la actualidad.

Escena de “El Peludo“

WInsor McCay Nació en 1867 en Canadá. Dejó la escuela a los 21 años y empezó a trabajar en la Compañía Nacional de Impresión de Chicago. A continuación, se ilustra posters de circos y otras promociones.

Después de dos años se trasladó a Cincinnati, creando carteles publicitarios para el Kohl y Middleton Dime Museum. Empezó a crear un nombre por sí mismo como un artista muy talentoso.

William Mccay Las dificultades económicas de mantener a su familia McCay obligados a tomar un nuevo trabajo como dibujante / reportero del Cincinnati Commercial Tribune.

Después de varios intentos fallidos, McCay desarrollado “Pequeña Sammy Sneeze” en 1904. Esto fue seguido de “Sueño de una Rarebit Fiend” para el telegrama de Nueva York ese mismo año. Ambas tiras eran bastante éxito. “Dream” en realidad era tan popular que se hablaba de la producción de un musical de Broadway. El editor del Herald quería separar su trabajo de los dos documentos, por lo que su contrato no le permitiría firmar con su nombre real a la tira “Dream”. McCay utilizó

el alias “Silas” en su

lugar. En 1905

comenzó McCay “Little

Nemo in Slumberland”

una banda muy popular

que se convirtió en un

musical de Broadway.

Esta banda es con

siderada por muchos

como la obra maestra

de McCay.

Little Nemo

Como opera un mosquito Mientras trabajaba para Hearst, McCay empezó a experimentar con la idea de utilizar imágenes animadas como parte de su acto de vodevil. Su primer intento se hizo con los populares personajes de la tira “Poco Nemo”. Fue un gran éxito y cautivó al público donde quiera que iba. Siguió a este experimento con “Cómo un Mosquito Opera”, de nuevo un éxito. Por último, en 1914 McCay desarrollado “Gertie el dinosaurio”. En lugar de mostrar la película como lo había hecho con sus intentos anteriores, McCay realmente interactuado con Gertie, dándole vida y encanto. Gertie fue un éxito inmediato y es el primer carácter original concebido exclusivamente para el dibujo animado y no se basa en una tira cómica pre-existente.

McCay comenzó a trabajar fuertemente en las películas de animación durante este tiempo. Su siguiente película estrenada en 1918 fue “El hundimiento del Lusitania”, una de las primeras películas en utilizar cels. Incluso cuando Hearst abrió su propio estudio de animación, McCay continuó trabajando por su cuenta, producir seis películas más a través de 1921.

Gertie

Pat Sullivan

(2 de febrero de 1887, Sydney, Nueva Gales del Sur - 15 de febrero 1933, Estados Unidos ) [1] fue un australiano dibujante, animador pionero y productor de cine , conocido por la producción de la primera Felix el gato silenciosos dibujos animados.

Sullivan llegó a los Estados Unidos alrededor de 1910, después de pasar varios meses en Londres.

Trabajó como asistente de prensa caricaturista William Marriner, y sacó cuatro tiras de la suya.

Cuando murió en 1914 Marriner Sullivan se unió al nuevo estudio de animación de dibujos animados creado por Raoul Barre. En 1916, William Randolph Hearst, el magnate de la prensa, estableció un estudio para producir dibujos animados basados en ​​ las tiras de su papel y contrató a los mejores animadores de la Barre. Sullivan decidió fundar su propio estudio e hizo una serie llamada ‘Sammy Johnsin’, basada en una tira Marriner en la que había trabajado.

Es una cuestión de un cierto discusión si Felix fue creado por Sullivan y su principal animador Otto Messmer . Historiadores de la animación estadounidense ha aceptado la reclamación de Messmer, sin duda, ya que fue el animador principal de la serie de Felix. Sin embargo, no está demostrado que Messmer inventó el gato y una respuesta satisfactoria no se ha dado a los partidos de las letras y el arte de Sullivan en el trabajo después de que sus rivales habían hecho todo lo posible para excluirlo de. Después de la emisión de la Comisión Australiana de Radiodifusión Rewind episodio de la disputa en 2004, los partidarios de Pat Sullivan han sugerido que su película 1917 llamó a la cola de Thomas Kat (3Mar17 MP866) podría ser un prototipo de Felix, y han demostrado que la escritura a mano en Feline Follies, la película 1919 que desencadenó la serie de Felix, fue Sullivan del lugar de Messmer de ya pesar de las longitudes tomadas para excluir a Sullivan de la creación de Feline Follies no

es una conmovedora escena donde los pequeños gatitos bienvenida a su madre con acento australiano Pat Sullivan, ‘LO MUM! ‘LO, MA!.

Un bosquejo para el ventilador de Pat Sullivan, muestras como ésta se utiliza para hacer coincidir las letras de Sullivan en los trabajos iniciales de Felix Sin embargo, Sullivan estaba dibujando caricaturas para la revista Paramount en 1919 y más tarde, cuando firmó un contrato como animador con Paramount Studios en marzo de 1920, uno de los temas especificados en su curriculum vitae era un gato negro llamado Félix que había aparecido por primera vez en la revista Paramount como un personaje llamado “Maestro Tom” en una serie de dibujos animados llamada Feline Follies, que tiende a apoyar la afirmación de Sullivan definitivamente.

Relatos de primera mano se registraron en la impresión. Cabe destacar que un recuerdo a partir de 1953 por el escritor australiano Hugh McCrae que compartía un apartamento con Pat Sullivan antes se creó Felix. ‘Viene correctamente como una posdata que en Nueva York McCrae compartió un piso con Pat Sullivan, el famoso creador de “Felix, el gato.” Cuando se estaba planeando una película sobre Felix, Sullivan sugirió que McCrae debe hacer los dibujos mientras él (Sullivan) suministra las ideas.

Sullivan, después de años de negarse a convertirse Felix al sonido, finalmente acordaron utilizar el sonido en los dibujos animados de Félix. Desafortunadamente, Sullivan no preparó cuidadosamente para convertir Felix al sonido, y poner sonido en los dibujos animados que el estudio ya había terminado. En 1930, Félix había desaparecido de la pantalla. Sullivan cedió en 1933, y anunció que Felix volvería en el sonido, pero falleció ese año antes de que comenzara la producción.

Otto Messmer Otto Messmer (16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de 1983) fue un animador estadounidense, conocido por su trabajo en los dibujos animados y tiras cómicas de el gato Félix, producidos por el estudio de Pat Sullivan. El grado de participación de Messmer en la creación y popularidad de Félix es motivo de disputa, debido particularmente a que demandó su importancia luego de la muerte de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.

Messmer nació en West Hoboken, Nueva Jersey (ahora Union City). Asistió al colegio Holy Family Parochial. Se sintió atraído por el Vaudeville y la industria del entretenimiento, inculcados por sus padres y maestros a una temprana edad.

Estudió en el Instituto de Arte Thomas en Nueva York entre 1911 y 1913, y participó en un programa de estudio y trabajo de la agencia Acme, donde hizo ilustraciones para catálogos de moda.

Sin embargo, el primer amor de Messmer fue la animación. Inspirado por las películas animadas de Winsor McCay, como How a Mosquito Operates, Messmer comenzó a crear sus propias tiras cómicas para periódicos locales en 1912, el mismo año en que conoció a Anne Mason, que luego se convertiría en su esposa en 1934. Uno de sus cómics, Fun, formó parte de la página de tiras cómicas del periódico New York World. Firmó un contrato con Jack Cohn de Universal Studios en 1915 para producir una película de prueba, con un personaje creado por Messmer llamado Motor Mat. Nunca se llevó a cabo, pero atrajo la atención del animador Pat Sullivan, por otra parte Messmer decidió trabajar con Henry “Hy” Mayer, otro caricaturista de renombre. Los dos trabajaron en la exitosa serie animada The Travels of Teddy, que estaba basada en la vida de Theodore Roosevelt. Messmer trabajaría luego para Sullivan, quien se encargó de los negocios, dejando a Messmer las responsabilidades creativas. Cuando Sullivan cumplía una condena de nueve meses de prisión en 1917, Messmer trabajó un tiempo con Mayer, hasta que Messmer fue llama-

do para participar en la Primera Guerra Mundial.

Cuando Messmer regresó a Estados Unidos en 1919, volvió al estudio de Sullivan, contratado por el director Earl Hurd de Paramount Screen Magazine para hacer un cortometraje que acompañaría a una película. Sullivan le dio el proyecto a Messmer, cuyo resultado fue, Feline Follies, protagonizado por Félix, un gato negro que había creado, que daba buena suerte a la gente en problemas. Félix fue el primer personaje animado creado y emitido para la gran pantalla, al igual que el primero en convertirse en un producto comercial. Sullivan, sin embargo, adquirió los créditos por Félix, aunque Messmer dirigiera y fuera el animador de todos los episodios, solo el nombre de Sullivan aparecía en la toma de los créditos. Messmer también estuvo a cargo de la tira cómica de Félix para los periódicos, haciendo la mayoría de los dibujos hasta 1954.

El gato Félix protagonizó cerca de 150 cortos hasta 1931, cuando los estudios de animación adoptaron el sonido. La popularidad de las tiras cómicas en periódicos comenzó a bajar a final de los años 1930, aunque el personaje volvió en los años 1940 en comic books.

Messmer se unió a Douglas Leigh para crear varios anuncios que iluminaran el Times Square. Además produjo más tiras cómicas de Félix en los años 1940 y 1950 para las compañías Dell Comics, Toby Press, y Harvey Comics. En los años 1960, Felix fue transmitido por televisión, y el asistente de Messmer, Joe Oriolo (creador de Casper) se aseguró que recibiera crédito por la creación del gato Félix. Messmer continuó trabajando en el personaje hasta su retiro en 1973.

Lotte Reinigeri En 1915, la joven asistió a una conferencia de Wegener y quedó entusiasmada antes las posibilidades del cine de animación.

Consiguió convencer a sus padres para que le permitieran entrar en el grupo de teatro de Max Reinhardt, al que pertenecía Wegener (1916-17). Empezó a trabajar con Wegener, realizando siluetas para los rótulos intercalados de las películas: Rübezahls Hochzeit (“La boda del gigante Ruebezahls”, 1916) y Der Rattenfänger von Hameln (“El flautista de Hamelín”, 1918); así como los decorados y accesorios de la película Die schone prinzessin von China (“La bella princesa de China”, 1916).1

El éxito de Prinzen Achmed dio a Reiniger la oportunidad de realizar el mediometraje Doktor Dolittle und seine Tiere (“El doctor Dolittle y sus animales”, 1928) basada en la primera de las novelas de la serie dedicada al personaje por el autor inglés de literatura infantil Hugh Lofting. La música fue compuesta en esta ocasión por Kurt Weill, Paul Hindemith y Paul Dessau.

Un año más tarde, Reiniger codirigió, con Rochus Gliese, su primera película de imagen real, Die Jagd nach dem Glück (“La búsqueda de la felicidad”, 1929), un relato sobre una compañía de teatro de siluetas. En la película interpretaban papeles Jean Renoir y Berthold Bartosch, e incluía una representación de siluetas de 20 minutos, diseñada por Reiniger. Por desgracia, el filme se terminó cuando el sonido acababa de llegar a Alemania, y su estreno tuvo que demorarse hasta 1930 para añadir las voces de los actores. El doblaje fue tan malo que terminó por arruinar la película. Reiniger proyectaba un tercer largometraje, basado en la ópera de Ravel L’Enfant et les Sortilèges, pero no consiguió hacerse con los derechos de la obra.

Gracias al éxito de su trabajo y a la recomendación de Wegener, consiguió ser admitida en el Institut für Kulturforschung (Instituto de Innovaciones Culturales), un estudio berlinés dedicado a las películas de animación experimentales. Allí realizó su primera película de siluetas, Das Ornament des verliebten Herzens (“El ornamento del corazón enamorado”, 1919).

En 1923, se le presentó una oportunidad única.

El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed (“Las aventuras del príncipe Achmed”), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva,2 con una trama que es un pastiche de varias historias relacionadas con Las mil y una noches. La película tuvo éxito tanto de crítica como de público, Reiniger se anticipó en una década tanto a Walt Disney como a Ub Iwerks en utilizar la cámara multi-plano para ciertos efectos. Además de contar con las siluetas de Reiniger como actores del film, la obra se beneficiaba de los oníricos decorados de Walter Ruttmann, que había colaborado con Reiniger en la secuencia antes citada de Die Nibelungen, y de la música de Wolfgang Zeller. Algunos efectos adicionales corrieron a cargo de Carl Koch y Berthold Bartosch.

Con la llegada al poder del partido nazi, Reiniger y Koch tomaron la decisión de emigrar, pero ningún estado les concedió los visados necesarios para establecerse de forma permanente. Como resultado, la pareja pasó los años entre 1933 y 1939 viajando de un país a otro, permaneciendo en cada uno todo el tiempo que el visado les permitía. Durante esta época, produjeron unas doce películas. Entre las más conocidas están Carmen (1933) y Papageno (1935), basadas respectivamente en las óperas Carmen de Bizet y La flauta mágica de Mozart.

Murió en Dettenhausen Baden-Wurtemberg, Alemania, el 19 de junio de 1981, a los 82 años.

Tony Sargi Anthony Frederick Sarg (21 abril 1880 a 17 febrero 1942), conocida profesionalmente como Tony Sarg, era un alemán Americana titiritero e ilustrador. Fue descrito como “Puppet Master de Estados Unidos”, y en su biografía como el padre de la marionet moderna en América del Norte.

causó en otros artistas, y, finalmente, en 1917 los convirtió en una profesión. En 1920, se convirtió en un ciudadano naturalizado de los Estados Unidos .

Retrato de Irvin S. Cobb por Tony Sarg. Ilustración de “La gallina de Batalla de la República” de Cobb en The Saturday Evening Post , octubre de 1918.

En 1921 Sarg animada de la película The First Circus, un dibujo de la invención para el productor Herbert M. Dawley, que fue acreditado como co-animador.

En 1928, diseñó, y su protegido Bil Baird construido atadas helio llenos de globos de hasta 125 pies (40 m) de largo, parecido a los animales, para la institución de Nueva York de Macy tienda por departamentos, que implica una serie de problemas familiares de los títeres, los cuales participado en la tienda desfile del Día de Acción de Gracias . En 1935, emprendió la obra de títeres relacionados con el diseño de la pantalla de la ventana de animación elaborada de Macy entre Acción de Gracias y Navidad.

El pináculo de la visibilidad de Sarg estaba en la Feria Mundial de Chicago de 1933 , donde su audiencia acumulada fue de 3.000.000; Baird estaba muy involucrado en esta producción, al igual que Rufus y Margo Rose . Los tres abandonaron su estudio de ese año para iniciar una nueva mismos una.

Sarg nació en Cobán , Guatemala , a Francis Charles Sarg y su esposa, Mary Elizabeth Parker. El anciano Sarg fue un cónsul que representa Alemania , Parker era Inglés .

La familia regresó al Imperio Alemán en 1887; Sarg entró en una academia militar a los 14 años y recibió una comisión como teniente en el 17, en 1905 (en su mediados de los años 20) que renunció a su cargo y se instaló en el Reino Unido , donde persiguió una relación con Bertha Eleanor McGowan, un estadounidense que había conocido cuando era un turista en Alemania. Se casaron en su ciudad natal de Cincinnati , Ohio , 20 de enero de 1909, y regresó a Inglaterra, donde su hija María nació dos años después. En 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial , envió a Bertha y los hijos a Cincinnati, los siguió poco después, y se instaló la familia en la ciudad de Nueva York en 1915.

Se había criado en torno títeres , heredado la colección de su abuela de ellos, ellos se desarrolló como un pasatiempo que mejora la impresión que

Sarg no innovó tanto como estudios de títeres en competencia, y sus fortunas económicas se redujo como otros han ganado muchos seguidores, sino que a la vez fue a la quiebra , y la montó en su última producción, en 1939.

A mediados de febrero de 1942, Sarg tuvo cirugía para una ruptura de apéndice , y murió tres semanas después de las complicaciones derivadas del mismo.

Max Fleishcher

Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado.

También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas.

Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.

En 1919 estableció los ‘Fleischer Studios’ para producir dibujos animados y cortometrajes.

Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.

Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde.

Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine

Walter Lantz Nació como Walter Benjamin Lanza el 27 de abril de 1899 en Nueva Rochelle en una familia de inmigrantes italianos, sus padres fueron Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi (luego Jarvis), quien era de Calitri, Italia. Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente, este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación.

Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibujos que tenía en el garaje. Comenzó a estudiar en el New York City’s Art Students League. Kafka además le consiguió un nuevo trabajo, como repartidor en el New York American, su dueño era William Randolph Hearst. Cuando terminó de trabajar en el periódico, se dedicó a la escuela de arte.

A la edad de dieciséis años, Lantz trabajaba tras la cámara en el departamento de animación bajo la supervisión del director Gregory La Cava. Lantz luego comenzó a trabajar en los John R. Bray Studios en Nueva York para la serie Colonel Heeza Liar. En 1924, Lantz comienza a ganar importancia en el estudio y dirige, anima e incluso protagoniza su primera serie de dibujos animados, Dinky Doodle. En 1927 se muda a Hollywood, California donde trabaja para el director Frank Capra y luego como escritor de bromas para las comedias de Mack Sennett.

En 1928, Lantz es contratado por Charles B. Mintz para dirigir la serie animada Oswald the Lucky Rabbit de Universal. A principios de ese año, Mintz y su cuñado George Winkler habían arrebatado al personaje de su creador original, Walt Disney. El presidente de Universal, Carl Laemmle, no se sintió satisfecho por el producto de Mintz y Winkler, y los despide, Universal se dedicaría

a hacer la serie por su cuenta. Mientras hablaba con Laemmle, Lantz apuesta que si le gana al productor en un juego de póker el personaje sería de él. Lantz gana y Oswald se convirtió en su personaje.

Cuando Oswald perdió popularidad, Lantz decidió que necesitaba un nuevo personaje. Meany, Miny y Moe, Baby-Face Mouse y Snuffy Skunk eran algunos de los personajes creados por Lantz y sus empleados. Sin embargo, uno de sus personajes, Andy Panda, pudo sobresalir del resto y se convirtió en el protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939-1940.

En 1940 Lantz se casó con Grace Stafford. En su luna de miel, la pareja escuchaba un pájaro carpintero que golpeaba repetidamente el techo.

Grace le sugirió a Walter utilizar el pájaro como inspiración para un nuevo personaje. Le hizo caso, pero dudoso sobre el resultado, Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda.

Mel Blanc hizo la voz del personaje durante los tres primeros episodios.

Cuando Blanc aceptó un contrato de tiempo completo con Leon Schlesinger Productions/ Warner Bros. y dejó el estudio de Lantz, el cómico Ben Hardaway, quien ayudó en la creación de Knock Knock, se dedicó a hacer la voz. Aun así, la voz de Blanc fue usada en otros dibujos animados del personaje.

Walt Disney

Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,1 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.

En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.3 También ganó siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.

Tras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indican que el ratón iba a llamarse en un principio “Mortimer”, pero que más tarde fue bautizado como “Mickey Mouse” por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse

Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una serie de películas musicales titulada “Silly Symphonies” (“Sinfonías tontas”). La primera se tituló The Skeleton Dance (“La danza de los esqueletos”), y fue enteramente dibujada y animada por Iwerks, que fue también el responsable de la mayor parte de las películas producidas por Disney en los años 1928 y 1929. Aunque ambas series tuvieron un gran éxito, el estudio Disney no estaba de acuerdo con compartir las ganancias con Pat Powers, y firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures.

Berthold Bartosch Berthold Bartosch (29 diciembre 1893 hasta 13 noviembre 1968) fue un director de cine, nacido en Bohemia región de Austria-Hungría (ahora parte de la República Checa ). [1]

L’idee, cuando se lanzó en 1933, contó con una puntuación por el compositor Arthur Honegger , incluyendo un ondes Martenot , que se cree que es el primer uso de un instrumento musical electrónico de la historia del cine. Al año siguiente, Franz Waxman puntuación ‘s para Liliom (1934) utilizó un theremin .

De 1935 a 1939, Bartosch trabajó en una película contra la guerra, St. Francis o pesadilla y los sueños. Cuando los nazis invadieron París, él depositó la película en la Cinémathèque Française . La película fue destruida durante la ocupación nazi, y existen pocas imágenes fijas.

Trabaja con Lotte Reiniger Se trasladó a Berlín en 1920 y colaboró ​​con Lotte Reiniger en su papel silueta animaciones: El ornamento del Corazón cariñoso La batalla de SkagerrakLas aventuras del príncipe Achmed Doctor Dolittle El trabajo en París En 1930 Bartosch trasladó a París y creó la película de 30 minutos titulado L’idee ( La Idea ) a la que tiene más recordado por. La película es descrita como la primera poesía, trabajo serio y trágico en la animación. Caracteres y telones de fondo de la película fueron compuestas de varias capas de diferentes tipos de papel de semi-transparente a grueso de cartón . Efectos especiales como halos , el humo y la niebla se hicieron con espuma propagación en placas de vidrio y iluminado desde atrás. Bartosch basa la película en una novela sin palabras de grabados en madera por Frans Masereel , La Idea (1920).

En 1948, pasó un año trabajando para la UNESCO en París tutoría George Dunning , un animador londinense conocida por su relación con los Beatles película de animación ‘s, Yellow Submarine (1968).

Bil Nolan Biografia

Nolan fue un innovador animador y director de cine durante los primeros días de la animación de sonido, trabajando sobre todo con Walter Lantz y JR Bray , entintado y dirigiendo varias animaciones exitosas.

Carrera A mediados de la década de 1910, Nolan floreció como director en Nueva York, trabajando para los medios maverick William Hearst en sus servicios internacionales de cine de animación de Krazy Kat. Conseguir un trabajo en Bray Studios de John Randolph, Nolan firmó la serie animada Gamberro feliz hasta 1921.

Desde 1923-1925, Nolan trabajó en el Félix el Gato serie increíblemente popular, uniendo sus fuerzas a finales de 1925 con Charles Mintz para dirigir una nueva serie Krazy Kat hasta 1927. En 1927, Nolan lanzó su propia serie independiente, un dibujo animado llamado Newslaffs que era un noticiero humorístico que fue exhibida en los cines.

Trabajó con Lantz en la serie Oswald el conejo afortunado, así como la feliz vieja alma en 1933.

Después de salir en 1935 para trabajar con otros estudios que Walter Lantz , Nolan encontró en Harman-Ising, donde trabajó para MGM trabajando en The Captain y el kit. Más tarde, se fue a los estudios Fleischer en Miami para trabajar en Popeyes, Edad de Piedra y viajes de Guilliver que fue lanzado en 1939. Último trabajo de Nolan estaba en Francis del Reino Pictures International el Hablar series función Mule, trabajando como asesor técnico. Murió en la cirugía a la edad de 60 años en el Hospital de Veteranos en Sawtelle, California.

Chuck Jones Charles Martin “Chuck” Jones (Spokane (Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano.

Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado.

Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.

Jones es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y coordinación. Sus mejores trabajos presentan tal nivel de refinamiento en sus personajes que un simple movimiento de ceja puede resultar cómico, a diferencia de los movimientos exagerados que caracterizan a los dibujos animados, especialmente los de Warner Bros. Al igual que Walt Disney, Jones quería que la animación ganara el respeto que merecía de la gente que trabajaba en la industria del cine, y siempre aceptó proyectos especiales para demostrarlo, como What’s Opera Doc, The Dot and the Line, y la película política de 1944 Hell-Bent for Re-Election, dedicada a la campaña electoral de Franklin D. Roosevelt que dirigió para UPA. Los primeros trabajos de Jones se caracterizaron

por ser tiernos, especialmente aquellos donde aparecía el ratón Sniffles. Otros directores, especialmente Tex Avery y Robert Clampett, trataban de evitar usar esa técnica en sus trabajos. Debido a la petición del productor Leon Schlesinger, Jones cambió su estilo, y comenzó a hacer otro tipo de dibujos animados como Wackiki Wabbit y Hare Conditioned. Luego que Avery, Clampett y Schlesinger dejaran el estudio, Jones reincorporó gradualmente elementos de su antiguo estilo con personajes como Marc Antony y Pussyfoot y el joven Ralph Phillips. Las versiones de los personajes con lo que trabajó presentaban un aspecto más infantil, con grandes ojos y pestañas.

Jones, al igual que otros trabajadores de Termite Terrace tras la partida de Schlesinger, ha sido criticado por utilizar tramas repetitivas, especialmente en los cortometrajes de Pepé Le Pew y El Correcaminos. Aunque estos dibujos animados habían sido originalmente mostrados en cines, y la repetición fue producto de las peticiones de productores y dueños de cines. Además, en las series como la del Correcaminos se utilizaba la repetición para explorar la misma situación en diferentes aspectos. Jones decía que no importaba lo que ocurriera, sino como ocurriera.

La reinvención de Chuck Jones para algunos personajes es un tema de bastante controversia. Cambió al Pato Lucas de un héroe a un antagonista amargado con mal temperamento; y relegó a la estrella Porky Pig como un acompañante que solo observa la acción. Jones también creó series donde utilizó al Gato Silvestre de Friz Freleng en el contexto de un gato común y corriente. Al igual que otros directores de Warner, su caracterización de Bugs Bunny fue única en sus cortometrajes: el Bugs de Jones nunca atacaba a menos que era atacado, a diferencia de los conejos creados por Avery y Clampett.

Friz Freleng

en otra parte. Freleng y sus animadores se mantuvieron a la par con Disney y su superioridad técnica haciendo los dibujos animados más y más cómicos (aunque, como era común para la época, un número de cortos incluían temas racistas contra las personas de color y propaganda anti japonesa). El estilo de Freleng maduró rápidamente, y se convirtió en un maestro de la coordinación cómica (comic timing). También introdujo o rediseñó a varios personajes de Warner, como Sam Bigotes en 1945, el dúo Silvestre y Piolín en 1947 y Speedy Gonzales en 1955.

Freleng y Chuck Jones lideraron el estudio Warner Bros. en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, Freleng comenzó a limitarse solo a los pocos personajes ya mencionados y a Bugs Bunny. También continuó produciendo versiones modernas de las comedias musicales que animó en sus primeros años, como The Three Little Bops (1957) y Pizzacato Pussycat (1955). Freleng ganó cuatro premios Oscar en Warner Bros. por los cortos Tweetie Pie (1947), Speedy Gonzales (1955), Knighty Knight Bugs (1958) y Birds Anonymous (1957).

Isadore “Friz” Freleng (21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies.

Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.

Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprises estuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje para United Artists, el cual ganó un premio Oscar.

La actitud de no intervención de Schlesinger hacia sus animadores le permitió crear varios cortometrajes cómicos, como You Oughta Be in Pictures de 1940 donde el pato Lucas le habla a Porky de dejar Warner Bros. para encontrar trabajo

Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no igualaron a los clásicos

Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mudaron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión.

Oskar Fishchinger

Oskar Fischinger Wilhelm (22 jun 1900 a 31 en 1967) era un alemán-americano animación abstracta , cineasta y pintor , que destaca por la invención de animaciones musicales abstractas muchas décadas antes de la aparición de la infografía y videos musicales. Él creó los efectos especiales de Fritz Lang ‘s 1929 Mujer En La Luna , una de las primeras películas del cohete de la ciencia ficción. Él también hizo más de 50 cortometrajes de animación, y pintó unos 800 cuadros, muchos de los cuales se encuentran en museos, galerías y colecciones de todo el mundo. Entre su película funciona es pintura Moción N º 1 ( 1947 ), que ahora se cotiza en el Registro Nacional de Cine de los EE.UU. Biblioteca del Congreso .

En Frankfurt, Fischinger conoció al crítico teatral Bernhard Diebold , que en 1921 introdujo Fischinger a la obra y personaje de Walter Ruttmann , pionera en cine abstracto . Inspirado por el trabajo de Ruttmann, Fischinger comenzó experimentando con líquidos de colores y materiales de modelado en tres dimensiones, como la cera y arcilla. Se conceptualiza una “máquina rebanadora Wax”, que sincroniza una cortadora vertical con el obturador de una cámara de cine, lo que permite la proyección de imagen eficiente de secciones transversales progresivas a

través de una longitud de cera moldeada y arcilla. Fischinger escribió a Ruttmann sobre su máquina, que manifestó su interés. Mudarse a Munich , Fischinger licencia de la cera de corte de la máquina de Ruttmann y comenzó a trabajar en el primer modelo de producción. A la entrega, Ruttmann encontró que las luces de película caliente menudo funden la cera en un grado grave. Ruttmann se rindió, aunque durante este tiempo Fischinger disparó muchas pruebas abstractas de su propio uso de la máquina. Algunos de éstos se distribuyen hoy bajo los experimentos cera título asignado.

En 1924, Fischinger fue contratado por el empresario estadounidense Louis Seel para producir caricaturas satíricas que

tendían hacia un público maduro. También hizo películas abstractas y pruebas propias, tratando las técnicas nuevas y diferentes, incluyendo el uso de múltiples proyectores. Entre 1926 y 1927, Fischinger realizó su propia película de múltiples proyector muestra con diversos acompañamientos musicales. Estos shows fueron titulados Fieber (fiebre), Vakuum, Macht (Power) y más tarde, R-1 ein Formspiel. En 2012, un suceso de pantalla múltiple “Raumlichtkunst,” de la serie realizada por primera vez en Alemania en 1926, fue recreada por el Centro de Música Visual y exhibido en el Museo Whitney y la Tate Modern de Londres.

Bob Clampett

Robert Emerson “Bob” Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany.

fue contratado por Associated Artists Productions para catalogar los dibujos animados de Warner que habían adquirido. En 1952 creó la serie de televisión Thunderbolt and Wondercolt, y en 1954 dirigió Willy The Wolf, además creó e hizo la voz de un personaje en el programa Buffalo Billy. En 1959, creó una versión animada del programa titulada Beany and Cecil, que fue emitido por ABC en 1962 y estuvo al aire durante los próximos cinco años.

Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles.

Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies.

En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven’t Got a Hat. Clampett trabajó por un tiempo en Screen Gems como escritor, pero en 1949, se dedicó a la televisión donde creó su programa de marionetas Time for Beany. El programa ganó tres premios Emmy y tuvo entre sus fanáticos a Groucho Marx y Albert Einstein. A fines de los años 1950, Clampett

En los años posteriores, Clampett participó en campus universitarios y festivales de animación donde habló sobre la historia de la animación.

En 1975 fue la figura central de un documental titulado Bugs Bunny: Superstar, el primer documental en examinar seriamente la historia de los dibujos animados de Warner Bros. La colección de Clampett, dibujos, cortometrajes, pertenencias de personajes famosos, entre otros, sirvieron para ilustrar el documental.

Bob Clampett murió de un ataque cardíaco el 4 de mayo de 1984, a cuatro días de su cumpleaños número 71.

Shamus Culhane

James

“Shamus” Culhane (12 noviembre 1908-2 febrero 1996) fue un animador , director de cine y productor de cine .

Culhane trabajó durante varios Americana animación estudios, incluyendo estudios de Fleischer , el Ub Iwerks estudio, Walt Disney Productions , y el Walter Lantz Studio.

Comenzó su carrera de animación en 1925 trabajando para JR Bray Studios, [1] y es conocido por la promoción de los talentos de la animación de su entintador / asistente en el Fleischer Studios a principios de 1930, Lillian Friedman Astor , convirtiéndose en el primer estudio de animación femenina. [2] Mientras que en los estudios Disney, descubrió mientras trabajaba en la secuencia de cangrejo hawaiana de vacaciones un método de animación que participan guisar durante varios días, antes de sacar toda la cosa en bocetos de una sola vez, en línea recta, sin invocar el lado izquierdo del cerebro. Era un animador principal en Blanca Nieves y los siete enanitos , animando sin duda la secuencia más conocida en la película, la animación de los enanos marchando a casa cantando “HeighHo”. La escena tuvo Culhane y sus ayudantes seis en completarse. Durante este tiempo desarrolló su técnica de ‘alta velocidad’ de utilizar sólo el lado derecho del cerebro y la animación con rápidos bocetos de trazos libres.

En 1944, colaboró ​​en El hombre más grande de

Siam con el diseñador Art Heinemann . En la animación, “el rey de Siam pernos entradas pasadas que son claramente fálico en forma y sus compañeros en otro que imita una vagina”. [3] Más adelante en su carrera, trabajó brevemente en Culhane Chuck Jones ‘s unidad de Warner Bros, antes de pasar a ser director de Lantz, donde estuvo a cargo de Pájaro Loco ‘s 1944 classic, El barbero de Sevilla , de la famosa caricatura de uno de los primero utiliza de corte rápido , después de haber tomado la idea de Sergei Eisenstein . En Lantz, introdujo la vanguardia rusa del arte experimental influido en las caricaturas. [3] A finales de la década de 1940, fundó Shamus Culhane Productions (Culhane había ido por su nombre de nacimiento de James hasta este punto, antes de ir por su variante irlandesa Shamus), una de las primeras compañías para crear animados anuncios de televisión .

También produjo la animación para al menos una de las serie de ciencia Bell Te l e p h o n e películas.

Shamus Culhane producciones dobladas en la década de 1960, momento en el que Culhane se convirtió en el jefe de la sucesora de Fleischer Studios, Paramount Cartoon Studios . Abandonó el estudio en 1967, y entró en semi-retiro.

Culhane escribió dos libros muy bien considerados en la animación: el cómo-a / libro de texto de animación desde el guión hasta la pantalla, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Desde Culhane trabajaba para un número importante de Hollywood estudios de animación, su autobiografía da una visión general equilibrada de la historia de la edad de oro de la animación americana .

A su muerte el 2 de febrero de 1996, Culhane sobreviven segunda esposa, la ex Juana Hegarty, y dos hijos de su primer matrimonio con

Ub Iwwerks Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks (Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney.

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Su familia procedía de Frisia Oriental, en la Baja Sajonia (Alemania).

Su padre, Eert Ubbe Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en 1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero (“Ubbe Ert Iwwerks”, que sonaba extraño en Estados Unidos) por el más sencillo de Ub Iwerks, con el que es conocido.

Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada “Iwerks-Disney Commercial Artists”, que no tuvo éxito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother’s Studio, en 1923.

De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie “Silly Symphonies”. Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios.

El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip (“Flip the Frog”), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez

la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, “Willie Whopper”, un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie “ComiColor Cartoons”, al estilo de las “Silly Symphonies” de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar.

Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su mejor trabajo.

En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nuevas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, durante los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964.

Iwerks era conocido por la velocidad con que trabajaba. Se decía que era capaz de realizar más de 700 dibujos en un solo día.

Murió de un infarto de miocardio en Burbank, California.

El documental The Hand Behind the Mouse: The Ub Iwerks Story se estrenó en 1999, seguido de un libro escrito por Leslie Iwerks y John Kenworthy en 2001..

Wil iam Hanna

William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de 2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión estadounidense.

Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.1 Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.2 En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera,que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época,al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones

USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991. En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.

El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.

El primer proyecto de Hanna-Barbera fue The Ruff & Reddy Show,23 una serie que gira en torno a la amistad entre un gato y un perro.9 A pesar de una recepción variada con Loopy De Loop, su primera producción cinematográfica, el estudio pronto comenzó a ganar popularidad en la industria al crear las exitosas series The Huckleberry Hound Show y el Show del Oso Yogi. Una encuesta realizada en 1960 mostró que la mitad de la audiencia de Huckleberry Hound era adulta. Por lo tanto, crearon una nueva serie animada: Los Picapiedra.41 13 A manera de parodia de The Honeymooners, este nuevo programa seguiría las aventuras de una típica familia de la Edad de Piedra. La audiencia de Hanna-Barbera se expandió al mercado infantil a partir de Los Picapiedra, que se convirtió en la primera serie animada de horario central en ser exitosa.9 41 46 Cabe añadir que la expresión de Pedro Picapiedra, «yabba dabba doo», se integró al léxico popular,41 47 y el éxito del programa hizo que el estudio obtuviera aún una mayor popularidad.25 Tiempo después, produjeron la versión espacial de Los Picapiedra, denominada Los Supersónicos. Si bien ambos programas se emitieron en las décadas de 1970 y 1980 al mismo tiempo, Los Picapiedra resultaron más populares en la audiencia

Frederick Bean Avery Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood.

Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.

El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

Avery, con la ayuda de Clampett, de Jones, y del nuevo director asociado Frank Tashlin, puso los cimientos para la fundación de un estilo de animación que destronó al estudio de Walt Disney como el rey de películas cortas animadas, creando una legión de estrellas de caricaturas cuyos nombres todavía brillan en el mundo de hoy. Avery estuvo profundamente implicado: de carácter perfeccionista, Avery tramó constantemente chistes para las caricaturas, proporcionó su voz periódicamente para los personajes (incluyendo su risa de vientre, una marca registrada), y ejerció tal control sobre la realización de los cortos que él mismo quitaría fotogramas del negativo final si consideraba que el tiempo de algún chiste visual no era absolutamente correcto.

Porky’s Duck Hunt introdujo al personaje del pato Lucas, con una nueva forma de locura que no había sido considerada antes en caricaturas animadas. El pato era un chiflado totalmente fuera de control que con frecuencia se despedía a toda velocidad fuera del marco de la película gritando “¡Hoo-hoo! ¡hoo-hoo!” en una voz aguda, electrónicamente acelerada que proporcionó Mel Blanc, el artista de voces veterano de la Warner:).

La película de Avery de 1940 A Wild Hare se considera la primera caricatura en establecer verdaderamente la personalidad del conejo Bugs, después de una serie de cortos de un conejo chiflado al modo del Pato Lucas dirigida por Ben

Hardaway, con Cal Dalton y Chuck Jones. El Bugs de Avery era un conejo genial y moderno que tenía siempre el control de la situación y que enredaba astutamente a sus opositores. A Wild Hare también marca el primer dúo entre él y Elmer Fudd el calvo y manso, con cabeza de huevo y una gran nariz, y que fue modelado a partir del cómico de radio Joe Penner. Es en A Wild Hare que Bugs se encuentra casualmente con Elmer, quien está “hunting wabbits” (cazando “guonejos”), a quien le pregunta tranquilamente, “¿what’s up, doc.?” (¿qué hay de nuevo viejo?). Esta frase había sido muy recurrente en Avery en el secundario en su juventud y las audiencias reaccionaron positivamente frente a la actitud despreocupada de Bugs en una situación potencialmente peligrosa y “¿Qué hay de nuevo viejo?” se convirtió en la muletilla del conejo.

Avery dirigió solamente cuatro caricaturas del conejo Bugs: A Wild Hare, Tortoise Beats Hare, All This and Rabbit Stew, y The Heckling Hare. Durante este período, él también dirigió un número de cortos, incluyendo parodias de documentales (The Isle of Pingo Pongo), parodias de cuentos (The Bear’s Tale), caricaturas con parodias de actores famosos (Hollywood Steps Out), y caricaturas con “clones” del conejo Bugs (The Crack-Pot Quail).

El trabajo de Avery en el estudio de Schlesinger terminó a finales de 1941, cuando él y el productor pelearon sobre el final de The Heckling Hare en el que no le permitieron incluir una frase final de Bugs ya que podía relacionarse con una expresión popular en la época que podía considerarse como un chiste sexual.

John Hubley Hubley nació en Marinette , Wisconsin .

En 1935, obtuvo un trabajo como un fondo y diseñador en Disney , donde trabajó en películas clásicas como Blancanieves y los siete enanitos , Pinocho , Dumbo y Bambi , así como “ La consagración de la primavera “segmento de Fantasia .

El 25 de febrero de 1939, el famoso arquitecto Frank Lloyd Wright visitó el estudio, y trajo consigo una copia de la película de animación rusa El cuento del Zar Durandai (1934), dirigida por Ivan Ivanov-Vano , que mostró a los artistas , entre ellos Hubley. Wright cree que la diferencia de estilo y diseño, que era muy diferente de la típica animación Disney, se inspirará y dará a los animadores nuevas ideas. Hubley le gustó lo que vio y fue influenciado por él. Salió de la empresa durante la huelga de Disney animadores en 1941, y encontró trabajo a dirigir películas para Screen Gems y del Ejército primera unidad de imagen en movimiento hasta que se unió a Estados Productions of America , que fue fundada por Stephen Bosustow , Zack Schwartz, Dave Hilberman y ex animador de Disney Ub Iwerks . UPA pronto se hizo conocido por sus diseños muy estilizados y animación limitada .

En 1949 él fue el creador del Sr. Magoo personaje de dibujos animados, en base a un tío, y dirigió el primer dibujo animado Magoo con Jim Backus expresar Magoo.

Se vio obligado a salir de UPA en 1952 cuando se negó a dar nombres antes de que el Comité de Actividades Antiamericanas . Fundó Storyboard Studios el próximo año y trabajó en comerciales (en la que no se le atribuye), tales como la creación de la Marky Maipú carácter, [1] pero se vio obligado a rechazar los proyectos más interesantes (como una adaptación del valle del arco iris ), porque

su nombre sigue en la lista negra. Se trasladó su estudio a Nueva York en 1955, donde se pasó a la producción de cortometrajes independientes.

Hubley fue originalmente el director de Watership Down , hasta su muerte que causó productor Martin Rosen para tomar el relevo. Algunas de sus obras, incluyendo la secuencia de apertura, permanecen en la versión final.

Se casó con la fe Elliott (16 septiembre 1924 hasta 7 diciembre 2001) el mismo año que la medida del estudio, y colaboró ​​en casi todas las películas que hizo hasta su muerte en 1977 a los 62 años durante una cirugía de corazón , su producción final fue un Doonesbury Especial (con el creador Garry Trudeau ), que se emitió en la NBC en noviembre de ese año. Fe y sus cuatro hijos continuaron su legado en el nuevo nombre Hubley Studios. Hubley le sobreviven sus hijas Georgia Hubley , quien toca la batería y canta para la banda de rock, Yo La Tengo y Emily Hubley , un cineasta y animador, que ha realizado numerosos cortometrajes, incluyendo insertos animados y segmentos de documentales como Azul vinilo y la versión cinematográfica de Hedwig and the Angry Inch , y una característica llamada The Toe Tactic (www.thetoetactic.com) que combina la acción en vivo y animación. Sus otros dos hijos con Faith Hubley fueron Mark y Ray Hubley, cuyas voces fueron utilizados para el premio de la Academia al Mejor cortometraje de animación ganador del Moonbird . Los niños con Claudia Ross es hijo Mark Ross Hubley un animador consumado segunda generación, nieto Miles Hubley director de cine y editor. Hijas Anne Hubley Ricchiuti y Susan Blakely Hubley.

Joseph Barbera

Joseph Roland “Joe” Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo. Hanna y Barbera ganaron siete premios Óscar y ocho premios Emmy. Sus personajes se han convertido en íconos de la cultura popular y han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes. Las series de televisión creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas.

En 1957, Barbera se unió nuevamente con William Hanna con el objetivo de producir dibujos animados para televisión y cine.23 Ambos tenían diferentes habilidades que utilizaban en el estudio; Barbera se dedicaba a escribir y realizar bosquejos, mientras que Hanna se encargaba del ritmo de la animación, elaboración de guiones y elección de empleados. Las decisiones eran tomadas por ambos, pero el cargo de presidente de la compañía iba alternando.33 34 12 La compañía fue bautizada H-B Enterprises, pero el nombre fue posteriormente cambiado a Hanna-Barbera Productions.12

El primer trabajo del estudio fue The Ruff & Reddy Show,23 una serie que mostraba la amistad entre un gato y un perro.35 A pesar de no obtener una buena respuesta por sus cortometrajes de Loopy De Loop, Hanna-Barbera logró crear dos exitosas series de televisión: The Huckleberry Hound Show y The Yogi Bear Show. Tras enterarse por una encuesta que la mitad de la audiencia de Huckleberry Hound eran adultos, la compañía decidió hacer una nueva serie, Los Picapiedra.30 36 El programa era una parodia de The Honeymooners y mostraba a una familia que vivía en la Edad de Piedra, con animales parlantes como electrodomésticos y algunas celebridades como invitados especiales. Gracias a una audiencia conformada por niños y adultos, Los Picapiedra se convirtió en la primera serie animada que logró éxito en horario central.30 35 37 La frase «yabba dabba doo» de Pedro Picapiedra se convirtió en parte del lenguaje popular,1 y el programa hizo que el estudio lograra imponerse como el más importante de la televisión en el ámbito animado.28 La compañía repitió la fórmula en Los Supersónicos, una serie ambientada en el futuro. Aunque ambas series fueron emitidas durante los años 70 y 80, Los Picapiedra permaneció como la más popular.35 A finales de los años 60, Hanna-Barbera Productions era el estudio de animación para televisión más exitoso. La compañía produjo más de 3000 episodios de media hora en todos sus años.30 Entre las aproximadamente 100 series creadas por el estudio se encuentran: La hormiga atómica, Canuto y Canito, Jonny Quest, Josie and the Pussycats, Maguila Gorila, Tiro Loco McGraw, Scooby-Doo y Don Gato

Ray Harryhausen Frederick Raymond “Ray” Harryhausen (29 junio 1920 hasta 7 mayo 2013) fue un estadounidense de efectos visuales creador, escritor y productor que creó una forma de stop-motion de animación modelo conocido como “Dynamation”.

Fue en La Bestia De 20.000 brazas que Harryhausen utilizó por primera vez una técnica que divide el fondo y el primer plano de la pre-shot escenas de acción en vivo en dos imágenes separadas en el que iba a animar un modelo o modelos tan aparentemente la integración de la acción en vivo con las modelos . El fondo sería utilizado como una pantalla trasera en miniatura con sus modelos animados en frente de ella, re-fotografiada con una cámara de animación con capacidad de combinar esos dos elementos, el elemento de primer plano enmarañado a dejar un espacio negro. A continuación, la película se rebobina, y todo excepto el elemento de primer plano enmarañado de modo que el elemento de primer plano sería ahora fotografiar en el área previamente a oscuras. Esto crea el efecto de que el modelo animada se “sándwich” entre los dos elementos de acción en vivo, a la derecha en la última escena de acción en vivo.

Sus obras más memorables incluyen la animación en Mighty Joe Young (1949), con su mentor Willis H. O’Brien , que ganó el Oscar a los efectos especiales; El séptimo viaje de Simbad (1958), su primera película en color, y Jason y los argonautas (1963), con una lucha a espada famosa contra siete guerreros esqueleto. Su última película fue Clash of the Titans (1981), después de lo cual se retiró.

Harryhausen vivió en Londres, Inglaterra, desde 1960 hasta su muerte en 2013.

La primera película con Ray Harryhausen en la carga completa de efectos técnicos era la Bestia de 20.000 brazas (1953) que se inició el desarrollo bajo el título Monster trabaja desde el mar.

Los realizadores se enteraron de que un amigo de mucho tiempo de Harryhausen, escritor Ray Bradbury , había vendido un cuento llamado “El monstruo de 20.000 brazas” (más adelante retitulado “ La sirena de niebla “) para el Saturday Evening Post , sobre un dinosaurio dibujado a un faro solitario por su sirena. Debido a la historia de la película de Harryhausen incluyó una escena similar, el estudio de cine compró los derechos de la historia de Bradbury para evitar posibles problemas legales potenciales. Además, el título fue cambiado a La Bestia de 20.000 brazas (1953).

Bajo ese título, se convirtió en primer largometraje esfuerzo película en solitario de Harryhausen, y una importante taquilla internacional golpeó a Warner Brothers .

En 2002, los jóvenes animadores Seamus Walsh y Mark Caballero Harryhausen ayudaron a completar la historia de la tortuga y la liebre. Esta fue la sexta y última entrega de los cuentos de hadas Harryhausen. La película se inició en 1952 y se terminó en 2002, 50 años después. Caballero y Walsh reformado las marionetas originales y, bajo la guía de Harryhausen, completaron la película.

La película ganó el premio Annie 2003 al mejor cortometraje y ganó la atención mundial. Walsh y Caballero se han movido desde entonces a formar su propia compañía de stop motion, Novedades de pantalla que tiene su sede en L.A California.

Jules Engels

Jules Engel (11 marzo 1909 hasta 6 septiembre 2003) fue un director de cine estadounidense, pintor, escultor, artista gráfico, escenógrafo, animador, director de cine y profesor. Él es el director fundador del Programa de Animación Experimental en el Instituto de Artes de California , donde enseñó hasta su muerte, que actúa como mentor de varias generaciones de animadores.

Un año más tarde, se le preguntó por los estudios Disney para trabajar en la ya clásica película Fantasia . En ese momento, Disney Studios estaba haciendo algo innovador que integra arte “bajo” (animación) y el arte “alto” (música clásica), y el estudio necesitaba a alguien que conocía el momento de la danza. Debido a su talento de dibujo y su creciente conocimiento de la danza, Engel fue asignado a storyboard los sprites rusos y setas chinas secuencias de baile del Cascanueces de Tchaikovsky.

Para la secuencia de sprites de Rusia, Engel destacó el contraste entre las figuras luminosas y el suelo oscuro. El último baile, setas chinas, ha traído un gran debate en la comunidad de la animación circundante Engel, Art Babbit y Elmer Pummer sobre quién puede reclamar la responsabilidad de la secuencia. Engel podría reclamar la responsabilidad de la coreografía (sincronización) para la secuencia final, pero hasta la fecha, los estudiosos de animación y ex alumnos por igual seguir debatiendo el tema.

El director de Bambi, David Hand, preguntó Engel para hacer el trabajo de color para su película.

Trabajó en el momento de la secuencia en la que

Bambi primero se encuentra con su compañero de juegos, Faline, que requiere una gran cantidad de análisis del movimiento. Después de completar la secuencia, se convirtió en el compromiso de la totalidad del proyecto, después de escuchar la banda sonora de la película, que él pensó tenía mucho de la abstracción y el movimiento. Él comenzó a hacer bocetos de color porque sentía que las combinaciones de colores que utilizaban durante la producción era demasiado naturalista. Tiempo de Engel en Disney llegaría a su fin con el desarrollo de la huelga de animadores de Disney “ . Si bien el sindicato ganó el caso en el estudio, Engel no volvió, en gran parte porque mientras disfrutaba del lugar, se sentía incómodo de estar rodeado de compañeros que se sentía no compartía su pasión por la estética de la animación.

Engel cayó enfermo en su cama a las 9:00 horas del 6 de septiembre de 2003. Más tarde fue trasladado de urgencia al hospital, pero murió en la ambulancia camino. Más tarde se reveló que la causa de la muerte fue el linfoma

Norman McLaren

Sus dos primeras películas ganaron premios en el Festival de Cine Amateur de Escocia , donde los compañeros Scot y futuras NFB fundador John Grierson era un juez.

Grierson, quien era en ese momento jefe del Reino Unido General Post unidad de la película Oficina , vio a otra de sus películas en un festival de cine amateur y se interesó. [1] Contrató a McLaren para el GPO después de sus estudios, después de una temporada como camarógrafo en Defensa de Madrid , Ivor Montagu documental ‘s en la Guerra Civil española . McLaren trabajó en el GPO desde 1936 hasta 1939, por lo que cuatro películas, entre ellas: Book Bargain (1937), Mony de Pickle and Love on the Wing (1938) y Noticias de la Armada (1938).

Norman McLaren, CC , CQ (11 abril 1914 hasta 27 enero 1987) era un escocés nacido en Canadá animador y director de cine conocido por su trabajo para el National Film Board of Canada (NFB). Fue un pionero en una serie de las áreas de la animación y el cine, como dibujado en el cine de animación , música visual , cine abstracto , pixelación y sonido gráfica .

Sus premios incluyen un Oscar al Mejor Documental en 1952 por los vecinos , el Oso de Plata al mejor corto documental en el 1956 Berlin International Film Festival Rythmetic y 1969 Premio BAFTA a la Mejor Película de Animación de Pas de deux McLaren nació en Stirling , Escocia y estudió escenografía en la Escuela de Arte de Glasgow . Sus primeros experimentos con el cine y la animación incluida realidad arañazos y la pintura de la acción de la película en sí, ya que no tienen acceso a una cámara. Su película más temprana existentes, siete hasta las cinco (1933), “un día en la vida de una escuela de arte” fue influenciado por Eisenstein y muestra una actitud muy formalista.

La siguiente película de McLaren, la cámara hace Whoopee (1935), fue una más elaborada asumir los temas explorados en siete hasta las cinco, inspirados por su adquisición de una cámara de cine-Kodak , lo que le permitió ejecutar un número de disparos “truco”. McLaren utiliza pixelación efectos, superposiciones y animación no sólo para ver la puesta en escena de una bola de la escuela de arte, pero también para aprovechar las sensaciones estéticas supuestamente producidos por este evento.

McLaren luego se trasladó a la ciudad de Nueva

York en 1939, justo cuando la Segunda Guerra Mundial estaba a punto de comenzar en Europa.

Con una beca de la Fundación Solomon Guggenheim , trabajó en Nueva York hasta 1941, por lo que cuatro obras de animación dibujada-on-film: Boogie-Doodle (1940), junto con los puntos, Loops and Stars and Stripes.

Peter Foldes Budapest, nacido Peter Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas húngaros (otro era el compositor de la película Mátyás Seiber) que terminaron el trabajo con su compatriota John Halas en las películas de animación de este último después de que se trasladó a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa Joan británico (n. 1924), comenzando por el Génesis alegórica Animated (1952), un examen más detallado (1953) y Una visión a corto (1956).

Una visión corta se convirtió en una de las películas de animación británicos más influyentes que se han hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan . Aunque se recomienda a los niños a salir de la habitación mientras jugaba, todavía causó indignación y alarma con la representación gráfica de los horrores de la guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen despavoridos como un extraño misil vuela por encima. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios miran hacia arriba. El misil explota, destruyendo seres humanos, los animales salvajes y de la propia Tierra. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la Guerra Fría y la paranoia nuclear. [ Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en uno de los pioneros de la animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF . Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su película Hunger , que recibió el

Premio del Jurado en la categoría de “corto” al Festival de Cine de Cannes y una nominación al Premio de la Academia.

Heinz Edelmann

Desde 1972-1976, Heinz Edelmann enseña diseño gráfico industrial en Fachhochschule Düsseldorf (Düsseldorf Universidad de Ciencias Aplicadas). Después de que él era profesor de Arte y Diseño en la Fachhochschule Köln (Cologne University of Applied Sciences) y en 1989 se convirtió en profesor de Ilustración en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart . al

Heinz Edelmann (20 junio 1934 hasta 21 julio 2009) fue un alemán ilustrador y diseñador . Nació en Ústí nad Labem , Checoslovaquia , en la familia checo-alemana de Wilhelm y Josefa (née Kladivová) Edelmann. Él era bien conocido como un ilustrador en Europa , pero es probablemente más famoso por su dirección de arte y personajes diseños para el 1968 película de animación Yellow Submarine .

Edelmann estudió grabado en la Academia de Arte de Düsseldorf (Düsseldorf Arts Academy) 1953-1958. Comenzó su carrera como ilustrador freelance y diseñador de carteles de cine y publicidad en Alemania. Entre 1961-1969 fue un ilustrador regular y diseñador de la portada de la revista de renombre internacional Twen juventud. Durante 1967-1968, trabajó en el Submarino Amarillo . Entre 1968-1970 fue socio en una pequeña empresa de animación en Londres , pero su deseo a la hora de trabajar en más películas no se realizó. En 1970 Edelmann se trasladó a Amsterdam y diseñado cubiertas de libros y carteles para obras de teatro y películas. Su último uso del estilo de Yellow Submarine era para ilustrar un libro, Andromedar SR1 (1970), acerca de un viaje a Marte . También diseñó la portada de la edición alemana de Tolkien ‘s El Señor de los Anillos , e ilustró las Kenneth Grahame libro infantil El viento en los sauces .

Él

de

diseñó el Sevilla

1992 Feria Mundimascota, Curro .

Murió a causa de enfermedades del corazón y la insuficiencia renal en Stuttgart, de 75 años

Jiri Trinka

que Jiří iniciase una carrera artística, para que le permitiera inscribirse en la prestigiosa Escuela de Artes Aplicadas de Praga (lo que es hoy la Academia de Arquitectura, Arte y Diseño de Praga), donde realizó su aprendizaje entre 1929 y 1935.

No obstante, el joven debía costearse sus estudios, por lo cual trabajó al mismo tiempo en el taller de grabado de otro de sus profesores, Jaroslav Benda.

Con la formación recibida en la escuela de artes, y la experiencia que le proporcionaba su trabajo en el taller de grabado, Trnka inició muy pronto una brillante carrera como ilustrador. Fue contratado por la casa editorial Melantrich, de Praga, y la primera obra que ilustró fue El tigre del señor Boška, de Vítezslaw Šmejc, que se publicó en 1937.

Jiří Trnka (Pilsen, 24 de febrero de 1912 - Praga, 30 de diciembre de 1969) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la animación con marionetas, que inició en 1946: a lo largo de su carrera, dirigió más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense.

Residentes en Pilsen, en Bohemia occidental, los Trnka pertenecían a la clase media. Aunque el padre era fontanero, y la madre modista, ambos permanecían muy cercanos a sus orígenes campesinos, y valoraban mucho el trabajo de la madera. Siendo niño, el joven Jiří disfrutaba esculpiendo marionetas de madera y ponía en escena pequeños espectáculos para sus amigos.

Más tarde asistió a clases en una escuela de formación profesional de su localidad natal, donde contó con la simpatía y el apoyo de su profesor Josef Skupa, que con el tiempo llegaría a ser una personalidad de primer orden en el mundo de los marionetistas checos. Skupa fue su mentor, le confió ciertas responsabilidades, y consiguió convencer a su familia, que en un principio era reticente a

Desde entonces, Trnka ilustró numerosos libros infantiles. A lo largo de su vida, intervino como ilustrador en unas 130 obras, la mayoría de literatura

infantil. Fueron especialmente celebradas sus ilustraciones para los cuentos de los hermanos Grimm, así como para colecciones de cuentos tradicionales checos, de autores como Jirí Horák y Jan Pálenícek.

También relacionadas con el folclore de su país están sus ilustraciones para Bajaja, de Vladimír Holan, publicado en 1955, y que sería el punto de partida para un posterior largometraje animado.

Además de las citados, Trnka ilustró, entre otros muchos libros, los cuentos de Andersen y de Perrault, las fábulas de La Fontaine, Las mil y una noches, varias obras de Shakespeare, y Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.1 Muchas de sus obras son auténticos clásicos de la literatura infantil: son muy numerosos los niños que han crecido leyendo las aventuras del oso Micha, escritas por Josef Menzel e ilustradas por Trnka. Por el conjunto de su carrera como ilustrador, le fue concedido en 1968 el Premio Hans Christian Andersen por la International Board on Books for Young People (IBBY).

Manuel Garcia Ferre

Manuel García Ferré (Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un artista gráfico, historietista y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

A los 17 años, en 1947, emigró a la Argentina, donde trabajó en agencias de publicidad, mientras estudiaba en la facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. En sus pocos momentos libres, recorría con su carpeta de dibujos bajo el brazo las redacciones de las revistas, así, en 1952 el personaje Pi-Pío fue aceptado en la Revista Billiken, de Constancio Vigil. Pí-Pío -un pollito vestido como un cowboyvivía en un pueblo llamado “Villa Leoncia”, lugar donde aparecerían por primera vez otros personajes que se volverían famosos, Oaky e Hijitus.

Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión. Durante varias décadas (1970-2000) las revistas Billiken y Anteojito fueron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina.

En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se transmitió diariamente por Canal 13 hasta 1974. Fue la primera serie tele-

visiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia.1 García Ferré también creó una enciclopedia para niños y jóvenes (El libro gordo de Petete), publicada en España y Argentina, y lanzó otras publicaciones a través de su agencia Producciones García Ferré (PGF), como la edición argentina de Muy Interesante o Ser padres hoy. El muñeco de peluche, Petete, apareció en la televisión con una joven presentadora, la modelo y actriz Gachi Ferrari. El programa mostraba a Petete, un pequeño pingüino, en un corto de 1 o 2 minutos presentando información que ilustraba la enciclopedia El libro gordo de Petete. El programa se transmitió entre 1970 y 1980 en Argentina Uruguay, Perú, Bolivia, Brasil, Chile, Venezuela, Colombia, Ecuador, México, Puerto Rico y España, donde compitió con el famoso Topo Gigio. A principio del 2000, Telefé comenzó a transmitir nuevos cortos del Libro gordo de Petete, pero esta vez acompañado por la modelo Guillermina Valdés.

Con sus dibujos animados, Ferré marcó la infancia de varias generaciones en Argentina y otros países de habla hispana. Realizó exitosas películas de dibujos animados para niños como Trapito, Mil intentos y un invento, Ico, el caballito valiente, Corazón, las alegrías de Pantriste o Manuelita.

En 2009, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró ciudadano ilustre mediante la ley nº 3.150. Se realizó una ceremonia con la presencia del dibujante y otras autoridades comunales.2 También en 2009 participa con un original del su personaje Hijitus, realizado para el diario Río Negro de Argentina; en la muestra “Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico” que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores del humor gráfico en Argentina a través de su historia. Por más de 40 años, el estudio del décimo piso del edificio Apolo, a pocas cuadras del Obelisco de Buenos Aires, fue testigo de las entrañables creaciones del historietista que, en 2012, a sus 82 años, estrenó su última película, Soledad y Larguirucho, una historia protagonizada por la cantante Soledad Pastorutti, que combinó dibujos y personajes reales.

Osamu Tezuka

la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. Las obras de Tezuka son numerosas, pero las dos más famosas y elaboradas son sin duda Buda y Fénix.

Buda es una obra publicada en ocho volúmenes que recrea de manera documentada aunque muy personal, la vida de Sidartha Gautama Buda, el primer hombre en acceder a la iluminación y fundador del budismo. En esta obra cumbre Tezuka consigue exponer al lector a algunas de las bases más serias y profundas del Budismo hilvanando con maestría las anécdotas rodeando la vida de Buda desde su nacimiento hasta su muerte.

Osamu Tezuka (Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el “padre del manga” o incluso el dios del manga (manga no kamisama), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.

Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras.

Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Se estima que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cuyas obras superaban con mucho

Fénix es, por otra parte, la obra más íntima de Tezuka. Aunque no pudo finalizar antes de su muerte, el prestigio de esta obra de Tezuka ha aumentado exponencialmente con los años. En Fénix se recrea la eterna búsqueda del ser humano por la inmortalidad a través de una serie de historias que

suceden en tiempos diferentes con civilizaciones que nacen y perecen. El quinto volumen, Ho-ō (Karma), es considerado el corazón de esta obra, en donde se plasma de manera magistral la progresiva transformación de un criminal y su abandono del mal. Recientemente, la NHK japonesa ha editado esta obra en DVD tras 40 años de trabajo con los últimos avances digitales de imagen y sonido, sustentada además en una banda sonora ejecutada por la orquesta filarmónica de la cadena pública japonesa. Esta auténtica joya de la animación tiene traducción al inglés pero todavía no está disponible en castellano.

Ralph Bakshi

Ralph Bakshi (n. Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sido Cool World (1992), que mezcla imagen real con dibujos animados.

Ralph Bakshi nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, entonces parte del Mandato Británico de Palestina. En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de la Segunda Guerra Mundial.1 2 Creció en Brooklyn y fue a la “High School of Industrial Art”. Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación de Terry Toons en New Rochelle, coloreando personajes como Super Ratón y otros. Desde los 25 años trabajó como director creativo de los estudios CBS, donde creó los Mighty Heroes.

En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz el gato, etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977.

En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultra-realistas.

En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la

evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo.

Cool World de 1991, mezcla la animación con imágenes reales y en la cual trabaja con Brad Pitt y Kim Basinger.

A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi abrió el camino a la animación para adultos así como utilizando la técnica de la rotoscopia dio calidad en movimientos y dibujo.

Richard Wil iams Nacio el 19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario, es un animador, director y productor canadiense. Estudió en la Northern Secondary School en Toronto.Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What’s New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, “The Animator’s Survival Kit”, publicado en 2000.

Promocional de ¿Quien engaño a Roger Rabbit?

Ilustracion del “Ladron de Bagdad“

Richard Williams

Fragmento de “La islita“

En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de 20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en 1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que ejercía la pelícu-

varios Arieles, incluidos mejor película y mejor director.

CARLOS CARRERA Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México, 18 de agosto de 1962) es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel.

En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país.

Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas.

Su siguiente trabajo sería Sin remitente, proyecto al que fue invitado por Jean Pierre Leleu, quien se encontraba al frente de Televicine en el periodo en el que la empresa se enfocó a realizar tanto cintas comerciales como cintas de mucha calidad artística.

A pesar de trabajar para la compañía productora de cine filial de Televisa, se nota la mano de Carrera con partes donde los personajes buscan afecto y son solitarios. Este filme resultó exitoso en 1995 y obtiene

En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una historia de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director y que fue su primer filme seleccionado como representante mexicano para los premios Óscar, aunque no logró ser nominado.

En 2002 es invitado por Alfredo Ripstein, con su compañía Alameda Films, para filmar El crimen del padre Amaro, adaptación de la novela de José María Eça de Queiroz con guion a cargo del dramaturgo Vicente Leñero, estelarizada por Gael García Bernal y Ana Claudia Talancón. Fue elegida por la academia mexicana de cine como la representante para competir por el Óscar, siendo nominada en la terna de las cinco películas que compitieron por la estatuilla a mejor película extranjera, premio que finalmente recayó en la cinta alemana En algún lugar de África. Se mantuvo como la cinta mexicana más taquillera y con mayor número de espectadores hasta 2013, año en el que fue desbancada por Nosotros los Nobles.

Después de este filme, el director participó con un par de segmentos en largometrajes colectivos: Cero y van cuatro (el episodio Barbacoa de chivo) y Sexo, amor y otras perversiones (episodio María en el elevador) y realizó otro cortometraje de animación titulado De raíz, por el que obtuvo el Ariel en el año 2004.

Fue presidente de la AMACC durante el periodo 2010-2012.

Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, un videojuego de ciencia ficción basado en la misma tecnología que Dragon's Lair.

DON BLUTH Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997).

Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.

Bluth trabajó también en el videojuegos de arcade con el Dragon's Lair en 1983, un animaciones innovadoras para utilizaba vídeo pregrabado en

ámbito de los lanzamiento de videojuego con su época, que un disco óptico

Un intento de capitalizar la nostalgia Guarida del Dragón soltando el videojuego del dragón Guarida 3D: Volver a la guarida (2002) obtuvo resultados mixtos, con los críticos tanto elogio y el panorama de los controles y la historia. Sin embargo, las imágenes fueron ampliamente disfrutado, utilizando innovadoras cel-shading técnicas que se prestaron al juego una sensación de la mano de animación. A partir de 2012, Don Bluth y Gary Goldman están buscando financiación para una versión cinematográfica de la Guarida del Dragón.

Bluth y Goldman continuaron trabajando en los videojuegos y la fueron contratados para crear las cinemáticas del juego de Namco 's I-Ninja , lanzado en 2003.

En 2004, Bluth hizo la animación para el video musical " María ", de los Scissor Sisters . La banda contactó Bluth tras recordar gratos recuerdos de la secuencia de Xanadu.

En 2009, Bluth la invitó a elaborar guiones para, y para dirigir, la Saudi Arabian regalo del festival de película de 30 minutos de la abubilla. El final tuvo poco que decir en la animación y el contenido de la película, y le pidió que no se le acredita como el director o el productor. Sin embargo, fue reconocido como el director, posiblemente para mejorar las ventas de la película uniendo su nombre.

El 3 de febrero de 2011, se anunció que Bluth y su compañía de desarrollo de juegos de Square One Studios estaban trabajando con Warner Bros. Digital Distribution para desarrollar una reinterpretación moderna de Tapper , titulado World Tour Tapper . El 22 de marzo de 2011, Anastasia fue lanzado a la Bluray Disc . El comunicado de alta de gráficos y un aumento en las ventas de otros títulos Bluth-dirigidos, ha despertado el interés de un retorno a la que aún no confirmado 12 largometraje como director.

TERRY GILLIAM

Terence Vance "Terry" Gilliam ( / ɡ ɪ l i ə m / , nacido el 22 de noviembre 1940) es un británico nacido en Estados Unidos el guionista , director de cine , animador , el actor y miembro de la Monty Python compañía de comedia. Gilliam ha dirigido varias películas, entre ellas Los héroes del tiempo (1981), Brasil (1985), Las aventuras del barón Munchausen (1988), El rey pescador (1991), 12 Monos (1995), Miedo y asco en Las Vegas (1998) y El imaginario del Doctor Parnassus (2009). El único "Python" no nació en Gran Bretaña, se convirtió en ciudadano británico naturalizado en 1968. En 2006, formalmente renunció a su ciudadanía estadounidense.

Gilliam nació en Minneapolis a Beatrice (née Vance) y James Hall Gilliam. Su padre era un vendedor ambulante de Folgers antes de convertirse en un carpintero. Poco después, se trasladaron a la cercana Medicine Lake, Minnesota .

La familia se mudó a Los Angeles barrio de Panorama City en 1952. Gilliam asistió Birmingham High School , donde fue presidente de la clase y el baile de graduación rey. Fue votado como "más probabilidades de éxito", y ha logrado las mejores calificaciones.

Durante la escuela secundaria, comenzó a leer ávidamente Mad revista, a continuación, editado por Harvey Kurtzman , que más tarde influiría en la obra de Gilliam Gilliam comenzó su carrera como animador e historietista . Una de sus primeras tiras fotográficas para Help! ofreció futuro Python fundido miembro de John Cleese . Cuando Ayuda! Doblado, Gilliam fue a Europa, en tono de broma anunciar en el último tema que estaba "siendo transferido a la filial europea" de la revista, que por supuesto no existía.

Mudarse a Inglaterra, secuencias animadas para la serie infantil no ajusta su conjunto , que también contó con Eric Idle , Terry Jones y Michael Palin

Películas de Gilliam tienen un aspecto distintivo no sólo en la puesta en escena , pero más aún en la fotografía, a menudo reconocible desde un clip corto, con el fin de crear una atmósfera surrealista de malestar psicológico y un mundo fuera de equilibrio, Gilliam hace el uso frecuente de la cámara ángulos inusuales, sobre todo disparos de ángulo bajo , tiros de ángulo alto y ángulos holandeses . Roger Ebert ha dicho que "el mundo es siempre alucinatorio en su riqueza de detalles ".

El imaginario del Doctor Parnassus , dirigida y coescrita por Gilliam, fue lanzado en 2009. En enero de 2007, Gilliam anunció que había estado trabajando en un nuevo proyecto con su socio escritor Charles McKeown. Un día después, los sueños fansite informó que el nuevo proyecto se titula The Imaginarium of Doctor Parnassus. En octubre de 2007, Sueños confirmaron que este sería el próximo proyecto de Gilliam y fue programado para protagonizar Christopher Plummer y Tom Waits . La producción comenzó en diciembre de 2007 en Londres.

GUILLERMO DEL TORO

Guillermo del Toro Gómez (n. Guadalajara, Jalisco; 9 de octubre de 1964) es un director, guionista y novelista mexicano, galardonado con el Premio Goya y varias veces con el Premio Ariel.

Del Toro empezó a filmar en México desde adolescente, cuando estaba en el Instituto de Ciencias, en la ciudad de Guadalajara. Pasó diez años en diseño de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años.

Fue cofundador del Festival de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998 su padre fue secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago de un rescate, Del Toro decidió mudarse al extranjero y actualmente vive en Los Ángeles (Estados Unidos).

Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen dictatorial del General Franco.

Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un régimen fascista o dictatorial).

Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Su estilo está marcado por su gusto por la biología y por la escuela

de arte simbolista, su fascinación por el mundo fantástico desde el punto de vista de los cuentos de hadas y su gusto por los temas oscuros. Sus trabajos incluyen frecuentemente monstruos o seres fantásticos. Del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica... los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». También tiene una lista de otras cosas que le fascinan y que se han convertido en piezas habituales de sus películas: «tengo una especie de fetichismo por los insectos, la relojería, la maquinaria y los engranajes, monstruos, lugares oscuros, cosas sin nacer...»

Guillermo del Toro es también amigo de dos directores mexicanos aclamados por la crítica: Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres influyen a veces en las decisiones de los demás en cuestiones de dirección, han sido entrevistados juntos por Charlie Rose, y Cuarón fue uno de los productores de El laberinto del fauno. Los tres fueron nominados a los Premios Óscar de 2006, celebrados en febrero de 2007: Del Toro fue nominado por El laberinto del fauno (que obtuvo seis nominaciones, incluyendo mejor película de habla no inglesa), Cuarón por escribir y editar Hijos de los hombres e Iñárritu por producir y dirigir Babel.

MATIAS KOPINTINSKI

ese mismo estudio para una producción anterior llamada La Leyenda De La Llorona.

También trabajo de forma independiente con un equipo de talentosos amigos, habiendo realizado el diseños de personajes y un anticipo en animación 2d para serie animada “Los cuentos negros de Ofelia (Aeroplano Films); Y en otros proyectos para otros estudios como Hook up nuevamente y Nébula aquí en puebla

Trabajo en animación desde el año 2000 hasta la fecha, habiendo comenzado como Asistente en la película Mercano el marciano (Malcriados producciones), pasando por otras producciones como: Teo cazador intergaláctico (Shazàm Producciones); Patoruzito (Patagonic Group); En la productora Nannimacion (Animaciones para publicidades); Hook Up Animation (Animaciones para publicidades, como Cartoon Network, scout, ESPN, MTV; y películas como: Una película de huevos; Tous a l´ouest una aventura de Lucky luke).

A partir del año 2006 trabajé como Animador en la película Fierro (Camaranda producciones); y en otras producciones como Bieito Dubidoso, Global Wonders, y publicidades para Cartoon Network y otros medios en Hook Up Animation. También trabajé animando cosas de forma independiente.

Todo eso en Buenos Aires Argentina.

En el año 2009 Viajo a México y empiezo a trabajar como Animador Sénior en Animex 2d producciones, en los largometrajes Nikté 2009/2010, y La revolución de Juan Escopeta También trabaje en la preproducción de la película Selección Canina (Largometraje en 3d) de la misma empresa...

En la actualidad trabajo como Animador Sénior para la película El Santos contra la amenaza Zombi de Anima estudios. Habiendo trabajado también para

ANIMA ESTUDIOS

Ánima Estudios es una compañía de animación mexicana creada en el 2002 por los empresarios Fernando de Fuentes, José Carlos García de Letona, Fernando Pérez Gavilán, Guillermo Cañedo White y Federico Unda. Se dedica a la realización de producciones animadas que se distribuyen principalmente en México y Latinoamérica.

Entre las producciones más sobresalientes se encuentran "Magos y Gigantes", la cual fue distribuida en gran parte de Latinoamérica, además de la serie "El Chavo la serie animada", producción de Televisa y Roberto Gómez Bolaños basada en la serie mexicana del mismo nombre producida en los años 70's. Entre sus otros largometrajes se encuentran: "El agente 00P2" [1], "Kung Fu Magoo", "Triple A, la película".

La película "Don Gato y su pandilla" se estrenó en México el 16 de septiembre del 2011 y rompió el récord de recaudación de una película mexicana en el primer día y en el primer fin de semana de estreno [2]. En octubre del 2011 se estrenó en cines "La leyenda de la llorona" la cuál tuvo muy buena recepción en taquilla y a finales del 2012 se estrenará en cines la película "El Santos contra la Tetona Mendoza" bajo el sello de *Átomo Films enfocado a animación para adolescentes y adultos.

RENE CASTILLO Para Castillo cada parte del proceso de animación es sumamente interesante y por ello vale la pena el trabajo. “Me gusta mucho el material, es muy noble, el contacto directo con las manos; me fascina tener un actor a disposición de mis dedos, la idea de darle vida a un personaje de una manera absolutamente artesanal. Me gusta actuar a través del personaje.

Un animador es un actor y me tardé muchos años en entender esta concepción de la animación. Uno debe actuar a través de los personajes. Tomar la misma disciplina que toma un actor cuando dice -voy a interpretar a un personaje de esta manera-.”

René Castillo nació en la Ciudad de México en 1969.

Estudió comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores (ITESO) de Guadalajara. En 1992, tomó un curso de animación impartido por la chilena Vivienne Barry y decidió dedicarse a esta práctica.

La falta de escuelas de animación en México hicieron a René Castillo autodidacta. En 1998 presentó su primera animación, un cortometraje llamado “Sin Sostén”, que cuenta la fantasía de un hombre triste que decide suicidarse y es rescatado por unas tetas espectaculares. El detalle y la ambientación del set son increíbles y remiten a las películas viejas, en blanco y negro. “Sin Sostén” fue proyectada dentro de la Selección Oficial de Cannes y fue nominada a una Palma de Oro. Ganó más de 50 premios internacionales, incluyendo un Ariel a Mejor Corto de Animación en 1998.

En 2001, Castillo presentó su segundo cortometraje, una animación que tardó 3 años en completar.

“Hasta los huesos” es una historia melancólica que habla sobre la tentación y sobre la importancia de ver el lado positivo de las cosas aún cuando todo parece ir mal. A lo Burton, Castillo nos lleva a un lugar muy por debajo de la tierra donde los muertos se reúnen para ahogar las penas y nos presenta una animación que surge de las entrañas del folclor mexicano; de la vida y la muerte, de las penas, del tequila y de aquel son istmeño que todos conocemos y cuyo coro empieza: “Todos me dicen el negro, Llorona, negro pero cariñoso….”

Actualmente René Castillo imparte distintos talleres de animación y ha estado involucrado en la animación de diversos proyectos. Lo más reciente fue el trabajo que hizo, en conjunto con otros animadores para el documental Zeitgeist: Moving Forward, presentado a principios de 2011.

JONATHAN OSTOS

Jonathan Ostos Yaber (México - 1985) - también conocido como "El Zombie" Él es el director, animador y co-escritor de la multi-premiado cortometraje "La nostalgia del Sr. Alambre" (SIMONA Gesmundo, Huesca, Recortable Fest).

Egresado de la Escuela de Cine de Vancouver y UWE en la animación de personajes, animación 3D y efectos visuales.

En sus películas y videos que mezcla una gran variedad de técnicas de acción en vivo, stop motion, CGI, 2D, y el recorte. Sus películas han viajado a más de 130 festivales de cine y animación diferentes, incluyendo Cannes, Annecy, Huesca, Festival Internacional de Cine de Edimburgo, SICAF, Anima Mundi, SXSW, LA Shorts Fest, Recortable Fest, Festival Internacional de Cine de Morelia, el Comic.

Fundador y director del estudio de animación ComeSesos en la Ciudad de México.

En la primavera de 2011 dirigió la campaña de las Naciones Unidas "Derechos Humanos" para América Latina, con más de 1 millón de visitas en 1 semana. Él ahora está dirigiendo su primera película "El morphable Man", guión que desarrolló durante la práctica de Binger Escritor en Amsterdam, dirección y animación de "¿Quién mató a la imaginación"

(Creative Focus, Annecy 2012) una nueva película de animación interactiva y dando talleres en todo el mundial en el tema de la animación independiente.

12 PRINCIPIOS DE LA ANIMACION

1-. Squash and Strech (encoger y estirar) Básicamente le dota al personaje (u objeto) de un aspecto más orgánico.

Cuanto más estilo cartoon sea la animación que haces, más uso deberás hacer de esta ley, ¡pero cuidado!; exagerarlo demasiado o simplemente usarlo sin justificación puede hacer que tu animación luzca por ser mala.

2-. Anticipation (anticipación) Aquí también incluiríamos la Contraanticipación.

La Anticipación se basa en reservar unos frames para que el personaje haga la acción contraria a lo que se dispone a hacer; como para tomar impulso.

Nuevamente, cuanto más cartoon sea, más exagerada o duradera ha de ser la anticipación.

Por su parte, la contraanticipación es la "inercia" que lleva un personaje tras realizar una acción hasta que se detiene por completo.

3-. Staging (puesta en escena) El lugar donde colocamos a nuestro personaje o la cámara, así como la silueta de las poses, enriquecerá el aspecto visual de nuestra escena. Si hubiera algún método por el cual basarse sobre si hemos aplicado bien esta ley o no, sería dejar la escena sin luces para poder ver sólo la silueta del personaje. Si aún se entiende lo que está haciendo, es que la puesta en escena es correcta, pero si no podemos entender su movimiento por que los brazos o piernas quedan ocultos por el volumen del cuerpo, deberemos replantearnos las poses.

4-. Straight ahead action and pose to pose (acción directa y pose a pose) Son dos maneras de animar, por lo que usar una en detrimento de la otra no tiene por qué considerarse un error (siempre y cuando la animación esté bien hecha, claro).

En Pose a pose marcamos las poses claves de la animación a lo largo del tiempo. Esto nos permite

preveer de antemano si a nuestro personaje le dará tiempo de hacer todas las acciones que requiera el guión para ese plano. Asímismo, dado que tenemos agrupados todos los controladores en un mismo frame, será fácil corregir temas de timming.

Una vez tenemos claro el diseño básico de la animación podremos empezar a refinar y aplicar el resto de leyes.

5-. Follow through and overlapping action (acción continuada y acción desfasada) Diferentes cosas se mueven a diferente tiempo.

Con esta premisa deberemos tener en cuenta que existen elementos que aunque conservan la misma animación que otros, ésta ocurre con cierto desfase.

Un ejempo muy típico sería la cola de un perro; cada hueso se mueve ligeramente después que el anterior, permitiendo conseguir ese efecto de látigo en mayor o menor medida.

A esta ley no hay que confundirla con la de Secondary action (acción secundaria). Como hemos dicho, la animación del elemento desfasado es la misma (suele serlo) que la del elemento que le precede; no estamos hablando de una animación independiente que viene dada por una fuerza externa o mayor.

6-. Ease in and out on slow in and out (aceleración y desaceleración gradual) A excepción de la aguja secundera de un reloj y otros pocos ejemplos, las acciones están regidas por una aceleración y una frenada que podrán ser más o menos evidentes de acuerdo a las características del personaje, del estilo de animación, etc Aun así, si dispusiéramos de una cámara de alta velocidad para grabar dicha aguja, comprobaríamos que ésta también inicia su marcha acelerando para luego terminar frenando, así que deberás aplicar esta ley si no quieres que tu personaje parezca que se mueve como un robot.

7-. Arcs (arcos) Aunque los animadores 3D tenemos la gran suerte de que el ordenador automatiza el proceso de crear claves inbetween, éste no sabe conservar arcos de

trayectoria, por lo que esa será nuestra labor como animadores.

Consiste en posicionar un elemento de una pose a otra consiguiendo la sensación de que existe una inercia centrífuga. Así conseguimos una trayectoria atractiva desde el punto de vista visual.

8-. Secondary action (acción secundaria) Si tuvieras que animar a un jinete montado a caballo, el vaivén del primero estaría provocado por el galopar del segundo, por lo que eso sería una animación secundaria.

Observarías que el movimiento de uno o de otro no tendría por qué ser el mismo, tal como ocurre con overlapping.

Si aplicamos esto al ejemplo animado de abajo, el jinete sería la pelota, que tiene su propia animación de subir y bajar y rotar, pero que sin embargo viene gobernada por la fuerza del personaje que la hace botar.

9-. Timing (noción del tiempo) Como animador, ésta es una de esas leyes que debes llevar equipadas de fábrica.

Se trata de la noción del tiempo; de saber cuánto tiempo han de tardar las cosas para que ocurran. En el ejemplo de abajo a la izquiera, el animador chapuzas ha creado un ciclo de caminar otorgando más tiempo del necesario a un pie y excesivamente poco al otro. Así sólo anda un cojo.

No obstante, el timing no consiste solamente en que las partes del cuerpo se muevan a velocidades similares, sino que engloba el resto de las otras leyes ya que si las aplicas, pero con mal timing, también serás un animador chapuzas.

10-. Exaggeration (exageración) Nuevamente, estamos ante una ley que se aconseja usar más cuanto más cartoon sea nuestra animación.

Obviamente no debemos aplicar esta ley en una animación realista (¿te imaginas un personaje de Halo asustándose de la misma manera que el personaje de abajo a la derecha?)

Exagerar poses, gestos o movimientos dotará a nuestro personaje de vida.

11-. Weight and depth (peso y profundidad) En el ordenador la ley de la gravedad no existe (hablo en términos de animación de personajes; no simulación de dinámicas), por lo que nuevamente nos toca a nosotros, sufridos animadores, engañar a la audiencia haciéndoles creer que existe.

La cadera del personaje baja cuando ninguna pierna está evitando que vaya al suelo. Por contra, una vez iniciado el contacto con el suelo y cuando esa fuerza es transmitida a la cadera (debería dejarse ver una mínima rotación), ésta empezará a subir.

Cuando animes una caída, ten en cuenta que debemos aplicar la Ley de aceleración y desaceleración gradual a medias: aunque existe una aceleración por la que nuestro personaje empieza a caer, al llegar al suelo no existe frenada alguna, por lo que rebotará.

12-. Acting (actuación, personalidad) Como animadores 3D somos mitad técnicos, ya que el uso del software con el que trabajamos requiere un tipo de conocimientos especializados, pero también somos mitad actores.

El animador que sabe aplicar un buen acting se diferencia del resto por que no se limita a mover controladores, sino que dota al personaje de personalidad; lo hace actuar.

Y aquí no basta con ponerle cara de asustado cuando tiene miedo o hacerlo reír cuando algo le hace gracia (es de lógica); se trata de inventar gestos, muecas, expresiones o cualesquiera recursos más o menos sutiles, más o menos evidentes, que contribuyan a reforzar la personalidad que queremos que la audiencia capte. ¿Y qué es lo que debemos inventar exactamente?

Pues lo sabremos en mejor o menor medida en función de lo actores que somos y cómo nos metamos en el pellejo de nuestro personaje.

Perfil del personaje: Rey Un alma libre que va en gabardina.

Psicológico Capacidad deductiva avanzada Analítico Ansioso Inquieto Le gusta investigar Conoce lo que busca en la vida Cree que una sonrisa puede arreglar todo Socioeconómico Es un detective retirado Su madre lo abandono y creció con su padre que recién falleció Su mayor logro fue robado por su enemigo Vive en un barrio de clase media a las afueras de New Orleans Aun busca el amor de su vida.

Tiene el suficiente dinero para vivir plácidamente sin hacer nada Su mayor pasión es tirar piedras en ríos y lagos Emocional Se siente muy desolado con la pérdida de su padre, jamás pudo superar el hecho de ser abandonado por su madre, por lo tanto, trata de resolver los conflictos de los demás evitando así confrontar los suyos. Frecuentemente está al borde del colapso mental debido a su capacidad deductiva que hace que parezca que no está sumergido del todo en la realidad, esto a su vez causa que no sea demasiado bueno para distinguir la realidad de su imaginación.