El cubismo

El Cubismo. Taller Plástico para el Lenguaje.

El cubismo.

Andrés Jesús Galante Gómez 31736204 E

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El Cubismo. Taller Plástico para el Lenguaje.

El trabajo que a continuación, se desarrolla recoge el tema del cubismo y sus diversas etapas, además realiza una breve síntesis sobre diferentes autores, se marcan unos objetivos, y se realiza una serie de actividades para que el alumnado conozca en profundidad el tema que se abarca. Además tiene la finalidad de estimular al alumnado para que despierte el interés por la cultura artística.

El trabajo se podría desarrollar desde 6º de primaria hasta el final de la etapa de secundaria.

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Índice: Exploración del tema. Exposición sintetizada de conocimientos adquiridos..... 4.

Breve biografía …………………………………………………………………..….. 6.

Fuentes de inspiración ……………………………………………………………. 13.

Diferencia y similitudes …………………………………...………………………. 14.

Objetivos marcados para los alumnos ………………………………………….. 20.

Propuesta de actividades ………………………………………..……………….. 21.

Bibliografía …………………………………………………………………………. 26.

Técnica bidimensional …………………………………………………………….. 27.

Anexo ……………………………………………………………………………….. 28.

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El Cubismo. Taller Plástico para el Lenguaje.

Exploración adquiridos.

del

tema.

Exposición

sintetizada

de

conocimientos

INTRODUCCIÓN El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Picasso en el periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas. Surge así un amplio movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado en París, será de ámbito internacional.

El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de representación no es, evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no bajo aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos intelectuales (de carácter intuitivo).

El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, naturalezas muertas y retratos.

La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó de "cubistas" a los artistas de esta tendencia en el Gil Blas de 25 de Mayo de 1909. La presentación pública del cubismo, como movimiento pictórico, tuvo lugar en 1910 en el Salón de Otoño, donde muchos artistas mostraron trabajos con este planteamiento estético. Al año siguiente varios de esos artistas, que a diferencia de Picasso y Braque no tenían acceso regular a una galería privada, decidieron exponer juntos en el XXVII Salón de los Independientes celebrado en Abril de 1911, donde se les asignó una sala (la 41) dedicada enteramente a ellos. Entre esos artistas, practicantes de un cubismo herético o más torpe que el de los grandes maestros (Picasso, Braque, Gris), estaban Gleizes y Metzinger, miembros de la Section d'Or y autores de "Du Cubisme", el primer manifiesto sobre el movimiento publicado en 1912.

CARACTERÍSTICAS GENERALES. - Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superficie pictórica y lo representado en ella.

- Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza.

- Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas.

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- Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas.

- Representación simultánea de los objetos (los objetos no son representados desde un sólo punto de vista, sino desde varios puntos de vista, e incluso en diversos momentos del tiempo).

- Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con penetraciones de unas partes en otras.

- Ausencia de profundidad espacial.

- Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo.

- Creación de transparencias.

- Austeridad cromática.

- Sombreado arbitrario.

- Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato.

CARACTERÍSTICAS DE UN NUEVO LENGUAJE. En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos: •

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1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.

2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto bien dado por la descomposición del volumen.

4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias.

Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos 5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones.

Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.

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6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo.

Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

ETAPAS DEL CUBISMO Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.

1. Fase analítica: En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

2. Fase hermética: Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión.

Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.

3. Fase sintética: En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque .

Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage.

a) Breve biografía de cada artista y obras principales.

NATALIA GONTCHAROVA (1881-1962) Nace en Negaevo (Tula, Rusia central) el 4 de junio de 1881. Descendiente de Alexander Pushkin, pertenece a una familia culta y se cría en casa de su abuela paterna en el campo, hasta que en 1892 se desplaza a Moscú para proseguir estudios secundarios. En 1898 entra en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, aprendiendo escultura con el Príncipe

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Trubetskoi, discípulo de Rodin. Además de modelado, estudia dibujo, acuarela y pastel, y conoce a Mijail Larionov en 1900, que será su compañero de por vida. Aunque había empezado a exponer como escultora, pronto opta por la pintura.

Sus primeras obras tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas de la vida campesina.

En 1906 participa en la sección rusa del Salón de Otoño organizada por Serge Diaghilev, aunque no viaja todavía a París. Desde ese año inicia junto a Larionov su periodo primitivista en el que se detecta la influencia de Gauguin, pero sobre todo de las artes populares rusas y la pintura de iconos. Pinta escenas campesinas, flores, temas religiosos, y empieza a hacer decorados e ilustraciones. En 1910 expone en la Sociedad de estética libre de Moscú algunos desnudos y obras religiosas que provocan escándalo y le son confiscados, siendo acusada por primera vez –aunque no única- de ultraje a las costumbres y blasfemia.

Comienza para ella un periodo de gran actividad artística, participando en exposiciones auspiciadas por la Unión de la Juventud y otros grupos fundados por artistas independientes –ella fue uno de sus protagonistas- como la Jota de Diamantes a cuyas exposiciones, la primera celebrada en 1910-11, concurrió.

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Rompiendo con ese grupo, ella y Larionov fundaron después otro, La cola del burro, en cuya exposición de 1912 participó la pintora con un gran número de cuadros. Es la época cubo-futurista, en la que Gontcharova y Larionov se convierten en referentes importantes no sólo de la actividad artística en Rusia, sino también del contacto con las vanguardias occidentales, y la estrecha relación entre poetas y artistas rusos, materializada en colaboraciones varias.

También en ese año toma parte en la segunda exposición del Blaue Reiter en Munich.

En 1913 firma con otros diez artistas el Manifiesto rayonista, y en ese año celebra una exposición antológica en Moscú con más de setecientas obras.

Participa entonces con Larionov en una acción sobre la pintura corporal, y se involucran ambos en la realización de varias películas futuristas, una de V. Kasyanov y al año siguiente, en Drama en el cabaret futurista nº13, en la que intervienen como actores. Diaghilev le encarga figurines y decorados para el ballet de Rimsky-Korsakov El gallo de oro, presentado en París en 1914, ocasión para la que viaja por primera vez a la capital francesa, pasando primero por Roma.

En París conocen a Apollinaire, y éste escribe la presentación de la exposición celebrada en junio por los dos pintores rusos en la galería de Paul Guillaume. En agosto, ante la amenaza bélica que recorre Europa, regresan a Rusia y Larionov es movilizado y herido al poco tiempo.

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A partir de 1915 son cada vez más frecuentes los encargos teatrales y de ballet de Gontcharova. Acompaña a Diaghilev a España en 1916, haciendo figurines y decorados para los ballets España y Triana, que no fueron llevados a la escena, aunque sí lo fue Sadko, de Rimsky-Korsakov, en San Sebastián.

Interesada por los temas y personajes españoles, pinta este tipo de motivos, que reaparecerán en momentos posteriores de su carrera. En 1917 está en Roma con los Ballets Rusos, donde coincide con Picasso y con los futuristas italianos.

La Revolución de Octubre les sorprende estando en París, donde se instalan definitivamente Larionov y Gontcharova. Una parte de su taller moscovita es requisado, aunque posteriormente les serían devueltas obras sobre papel y cuadros, muchas de las cuales las donarían a los museos soviéticos. Durante los años veinte son muchas las exposiciones conjuntas sobre sus proyectos teatrales; presentan también sus nuevas realizaciones pictóricas y sobre todo ella sigue ilustrando diversos textos, como la traducción francesa de El Zar Saltán, de Pushkin, entre otros. Se suceden exposiciones en París, nacional, Bienal de Venecia, Ginebra, etc., y continúa con sus proyectos para la escena, incluido el diseño de marionetas para Fête au village en 1924, y decorados y figurines para Una noche en el monte pelado de Mussorsky con coreografía de Nijinsky, y para un nuevo montaje de El pájaro de fuego de Stravinsky para los Ballets Rusos en Londres en 1926.

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En 1929 muere Diaghilev, y al año siguiente Gontcharova participa en una gran retrospectiva sobre los Ballets Rusos. Su trabajos teatrales no quedan interrumpidos por la desaparición de Diaghilev, multiplicándose los encargos con varias compañías de danza y teatrales hasta 1956.

Natalia Gontcharova muere en París en 17 de octubre de 1962.

MARÍA BLANCHARD (1881-1932) María Gutiérrez-Cueto Blanchard nace en Santander en 1981 en el seno de una familia de la burguesía culta que apoyó siempre su temprana vocación artística, compensando de alguna manera, una deformidad física, producto de una caída de su madre durante el embarazo, que la marcó profundamente durante toda su vida.

En 1903 se traslada a Madrid para dedicarse a la pintura estudiando con Emilio Sala, quien influyó en la exuberancia del color y en el uso de un dibujo preciso, Fernando Álvarez de Sotomayor, de quien aprendió el gusto por las composiciones armoniosas y poéticas y Manuel Benedito, con quien se interesó por las naturalezas muertas.

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En 1908 obtuvo la Tercera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes por la obra Primeros Pasos. Al año siguiente se traslada a París con una beca acudiendo a la Academia Vitti donde recibe clases de Anglada Camarasa y de Kees van Dogen quienes le enseñan una libertad de creación que la aleja de las ataduras académicas que le habían inculcado en España acercándose al Fauvismo.

Posteriormente conoce a Juan Gris y a Jacques Lipchitz que la introducen en el Cubismo. A su vuelta a Madrid en 1914 asiste a la tertulia del Café Pombo y participa en la polémica Exposición de Pintores Íntegros organizada en 1915 por Ramón Gómez de la Serna. Tras una corta temporada como profesora de dibujo en Salamanca vuelve definitivamente a París en 1916.

Hasta este momento su obra era figurativa con una factura académica, de dibujo firme y tonos sobrios donde predominan las escenas costumbristas carentes de novedad. Con su vuelta a París se inicia una etapa cubista, próxima al estilo de Juan Gris, de intensos contrastes cromáticos y construcción monumental en la forma, con unas notas expresionistas muy personales. En los años veinte se produce un “retorno al orden” impregnado de un hondo sentimiento religioso que coincidió con un agravamiento de su dolencia.

La figura humana, principalmente seres enfermos y dolientes situados en ambientes tristes, serán el centro de su obra. Son pinturas de color delicado y ritmos angulares que reflejan la infancia, la soledad, el abatimiento, la tristeza, la enfermedad. A pesar del notable éxito que alcanza su cuadro La Communiante en el Salon des Independents de 1921 y del interés del marchante Leonce Rosenberg en su obra, las penurias económicas y su delicada salud, la sumen en una gran tristeza. Morirá de tuberculosis en París en 1932.

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Sonia Delaunay (1885-1979) Sonia Terk nació en 1885 en Gorodisce, Ucrania. A los cinco años fue adoptada por su tío materno Henri Terk tomando su apellido.

Pasó su infancia en San Petersburgo y tras haber estudiado dibujo en Karlsruhe con Schmidt-Reutter se traslada a París en 1905 inscribiéndose en la Académie de la Palette donde estudió junto a Ozenfant y Dunoyer de Segonzac. Tras un corto matrimonio con Wilhem Uhde se casa con Robert Delaunay en 1910 colaborando con él en el desarrollo del Orfismo y realizando un tipo de pintura pura y abstracta donde el color es a la vez forma y tema.

Durante la década de los veinte Sonia trabajó fundamentalmente en tejidos y tapices estampados a mano y como diseñadora produjo un fuerte impacto en el mundo internacional de la moda. Igual que Natalia Gontcharova, trabajó como diseñadora de decorados y vestuario para los ballets rusos de Diaghilev. Tras una temporada en Madrid, el matrimonio se establece en París donde se integran en los ambientes surrealistas.

En 1930 se volcó en la pintura ingresando como miembro en la asociación Abstraction-Creation. Es la época de los “Ritmos” que desarrollan hasta el infinito la fórmula del disco simultáneo. Tras la muerte de su marido en 1941 continuó trabajando activamente como pintora y diseñadora. En 1964 se expuso en el Musée du Louvre una donación de 49 obras de Robert y 58 de Sonia que había recibido el Musée Nacional d’Art Moderne de París, así Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer que vio en vida sus cuadros expuestos en el Louvre.

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Su trabajo se caracteriza por una reconstrucción de la forma sólo por el color.

Murió en París en 1979. b) ¿Cuál fueron las fuentes en que se inspiraron para desarrollar su creatividad artística? (influencias de otros artistas, de obras, de culturas…)

Gontcharova fue discípula de Rodin. Sus primeras obras tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas de la vida campesina. Otro factor importante es la de su marido Larionov, que ve en él un modelo y una fuente de inspiración.

Blanchard estudió con Emilio Sala, quien influyó en la exuberancia del color y en el uso de un dibujo preciso, Fernando Álvarez de Sotomayor, de quien aprendió el gusto por las composiciones armoniosas y poéticas y Manuel Benedito, con quien se interesó por las naturalezas muertas.

En la Academia Vitti donde recibe clases de Anglada Camarasa y de Kees van Dogen quienes le enseñan una libertad de creación que la aleja de las ataduras académicas que le habían inculcado en España acercándose al Fauvismo.

Delaunay se casa con Robert Delaunay en 1910, donde continúa y evoluciona su proceso artístico, colaborando con él en el desarrollo del Orfismo y realizando un tipo de pintura pura y abstracta donde el color es a la vez forma y tema. Tras una temporada en Madrid, el matrimonio se establece en París donde se integran en los ambientes surrealistas.

c) ¿En qué se diferencian y que comparten entre si las obras de cada una de las artistas? Descripción comparada a partir de una selección de imágenes comentadas.

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Gontchar.

Blanchard

Delaunay

Como podemos apreciar en cada uno de sus cuadros, hay similitudes y diferencias en las obras de dichas pintoras.

En la primera obra de Gontcharova podemos ver el carácter popular y con escenas de la vida campesina, esto también lo podemos observar en la 1º obra que aparece de maria blanchard donde prevalece las escenas costumbristas

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de carácter figurativo. En ambos se aprecian colores apagados, delicados y sin fuertes contrastes. Cabe destacar que este estilo de pintura permanecen a las primeras obras de las artistas. <------->

gontcharova

Blanchard

Otra similitud a resaltar, entre varios cuadros de las artistas, son el predominio del color, los contrastes cromáticos, y algunos toques del fauvismo con colores vivos y alejados de la realidad como se puede observar, por ejemplo, en el siguiente cuadro de Blanchard:

Así pues, también podemos comparar las obras de Delaunay con las de las dos anteriores en esos momentos donde sus obras están marcadas por el predominio del color, contrastes, viveza cromática como, por ejemplo, la época cubo-futurista de Gontcharova y el tema central de Delaunay que es la forma y el color.

Características comunes que hemos señalado relacionados, en estos cuadros:

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Gontcharova

Blanchard

Delaunay

Existen diferencias muy marcadas entre ellas, si nos referimos a Delaunay, destaca el carácter abstracto de sus obras, donde lo principal es la forma y el color como tema predominante de sus pinturas para representar diferentes formas, como por ejemplo, en su cuadro de la torre Eiffel:

Mientras que en las últimas etapas artísticas de Gontcharova y Blanchard se centran en temas más humanos, plasmando quizás etapas puntuales de su vida, como por ejemplo: Gontcharova con los temas y personajes españoles durante su estancia en España. Con respecto a Blanchard, sus obras están marcadas por su enfermedad y tristeza, siendo este el tema de muchos de sus cuadros con sentimiento de tristeza, con colores apagados y figuras humanas convalecientes. Esto lo podemos encontrar en estas obras de las citadas autoras:

Gontcharova

Blanchard

Natalia Gontcharova

Sonia Delaunay

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Estas dos pintoras en estos cuadros representan un retrato. Natalia esta representando a dos mujer de pie, juntas y vestida con la ropa que se utilizaba en esa época, en cambio Sonia representa lo opuesto, es decir, una sola mujer, acostada y desnuda. Natalia utiliza colores claros (blanco, amarrillo, marrón claro) con la excepción del color negro, Sonia vemos que utiliza colores más oscuros (negro, azul, marrón oscuro, amarrillo oscuro tirando a naranja).

Natalia tiene una imagen nítida se ve claramente todos los detalles, la imagen de Sonia es difuminada, no deja diferencia los detalles. La pincelada de Natalia es más fina en cambio la de Sonia en más suelta, es decir, difuminada.

Lo que caracteriza y diferencia a María Blanchard de las otras dos artistas es que sus obras se centran sobre todo en la infancia, soledad, tristeza, y enfermedades. Al mismo tiempo el reflejo de su propia existencia.

En esta obra lo podemos observar, utiliza pinceladas con tonos apagados, colores delicados y sombras, ritmos angulares..todo para crear ese ambiente triste.

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Sonia Delaunay, se caracterizaba por reconstrucciones de la forma solo por el color. Realizaba un estilo basado en la yuxtaposición o el contraste simultaneo de colores puros rotos en prismas. En esto se le puede diferenciar de las otras dos artistas mencionadas anteriormente.

Natalia Gontcharova pinta escenas campesinas, rusas, flores, temas religiosos, etc.

Se diferencian en:

MARÍA BALNCHARD Delaunay “La convaleciente”

Natalia Goncharova

“autorretrato”

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Sonia

“la torre

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Eiffel” Podemos observar en la primera imagen que los colores son oscuros, no aparece luminosidad en la imagen, ya que se plasma a una persona enferma que está convaleciente. María Blanchard estuvo enferma desde que nació por lo que plasmaba en sus pinturas la enfermedad.

Natalia Goncharova por el contrario, plasmaba en sus pinturas el trabajo en el campo y podemos observar que los colores que se priorizan en esta obra son más alegres y cálidos que los de la imagen anterior.

Sonia Delaunay en sus obras plasmaba la geometría y podemos observar en esta imagen de la Torre Eiffel como se diferencian los ángulos detalladamente a través de la composición de diferentes colores formando triángulos.

En esta imagen última la torre está delimitada por una escalera de tonos azules desde el más claro al más oscuro y priman los colores cálidos como el rojo y el amarillo.

Tienen en común: Una de las técnicas que utilizan las tres artistas es la denominada técnica del collage, donde observamos que a través de formas geométricas, diversidad de colores, diversos materiales, como distintos modelos de papel, pueden llegar a transformar los materiales en estas obras.

Las tres artistas utilizan los contrastes de colores, las formas geométricas, fondos oscuros y la técnica de óleo y collage sobre lienzo.

Natalia Goncharova “Spanish Dancer”

Sonia Delaunay Colxa-collage

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Composición Cubista” María Goncharova

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Gontcharova

Delaunay

Blanchard

Ninguna de estas autoras realiza obras que tienen un paisaje real, es decir, que no describen en sus lienzos un reflejo claro de lo que ven, por lo tanto, hacen una difusión de dicha realidad. En primer lugar, describiremos las obras de Gontcharova y Delaunay, entre estas obras podemos destacar que ambas emplean una estructuración de formas geométricas para crear sus obras.

Gontcharova no sigue ninguna pauta a la hora de componer su obra mientras que Delaunay parece seguir una composición en ellas. Por otra parte, debemos destacar que Gontcharova emplea unos colores oscuros en sus obras mientras que Delaury emplea colores vivos y muy llamativos.

Las dos autoras anteriormente señaladas emplean una disposición de sus obras distintas a Blanchard. Esta autora rompe con las composiciones de figuras geométricas y emplea las siluetas y contornos de las figuras, aunque sigue, como Gontcharova, valiéndose de la difusión para la creación de sus obras.

¿Qué pretendemos que aprendan los alumnos y cómo van a explorar el tema? Posibles estrategias aplicables al tema escogido para impulsa el aprendizaje.

Lo que se pretende es que los niños aprendan a distinguir entre la cosa (el objeto) y su imagen, pretendemos que vaya más allá de la simple apariencia del objeto. No nos interesa tanto la imagen, la apariencia de la cosa, como la cosa misma.

El Cubismo es una pintura eminentemente intelectual, que reflexiona sobre el objeto (desentendiéndose de la impresión que produce), que intelectualiza la naturaleza y geometría y sistematiza las cosas. Eso es lo que 20

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queremos que aprendan los alumnos. Que sepan ver el arte como algo intelectual y no como simple diversión.

Vamos a enseñarles a representar distintos aspectos del objeto desde diferentes ángulos de visión. Ahora se trata de dar una visión múltiple del objeto. El resultado (el cuadro) es una acumulación de fragmentos de visión, unos junto a otros o unos por encima de otros. Así, representan el objeto desplegado en todas sus facetas: de frente, de lado, desde arriba etc.

Las estrategias que vamos a seguir son las siguientes: •

Comenzare a enseñarles como se dibuja figuras geométricas.

•

Cuando domine esas figuras, le enseñare que a partir de esas figuras se pueden sacar objetos. Por ejemplo, si colocamos un rectángulo vertical y debajo un círculo, podemos dar forma a una botella.

•

Cuando domine esa técnica comenzara a dibujar diferentes objetos, es decir tendrá que dibujar solo un objeto.

•

Una vez que dominen la técnica de dibujo de objetos, deberán dibujar esos objetos desde diferentes perspectivas.

•

Cuando dominen las perspectivas del dibujo, le iré añadiendo más objetos, es decir, dibujara dos objetos, tres, cuatros…

•

Cuando ya domine la combinación de objeto, comenzará a dibujar sus propios cuadros.

Propuesta de actividades de educación plástica relacionada con el tema estudiado.

1. Representar en un mural una obra de las siguientes pintoras: Natalia Gontcharova, María Blanchard, Sonia Delaunay utilizando diferentes tipos de materiales.

2. Tras ver la siguiente obra de Natalia Gontcharova representa lo q siente en un cuadro utilizando los mismos materiales que ella utilizo.

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3. Imagínate que vives en esa época, en donde predomina el cubismo y eres pintor. Dibuja un cuadro donde represente esa tendencia.

4. Representa en barro un cuadro de Natalia Gontcharova.

5. Observación detallada de los colores de las distintas obras, relacionándolos con el tema del cuadro, ¿para qué tipo de sentimientos o expresiones se utilizan los colores cálidos y vivos? ¿para cuales los fríos y los más apagados?

6. A partir de las conclusiones obtenidas en la actividad anterior, a partir de una música que se reproducirá en clase, pintar sobre el estado de ánimo que nos produce la melodía, utilizando colores fríos y calidos, por ejemplo: si la melodía nos produce un estado de nerviosismo los trazos serán más violentos y rectos con colores vivos.

7. A partir de la siguiente obra de Blanchard, hacer nuestra propia versión de la pintura aplicando la técnica del cubismo:

8. Los alumnos deberán de elegir a un autor/ra del estilo del cubismo.

Posterior mente, deberán reproducir una de sus obras (a elegir al gusto) en una cartulina. En este primer paso solo tendrán que reproducirla en lápiz.

9. En este segundo paso, deberán de completar la obra, pero no pueden utilizar la misma técnica que haya utilizado el autor. Pueden experimentar con técnicas como acuarela, pintando con los dedos, también con papel u otro tipo de materiales que no sean didácticos y los traigan de casa. No deben de terminar de rellenar el dibujo.

10. En el tercer paso, se intercambiarán los trabajos con sus compañeros y seguirán trabajando de la misma forma que antes, así podrán ver diferentes obras de otros artistas y trabajarlas.

11. Al finalizar, irán saliendo por grupos de cinco a la pizarra con los trabajos y se irán comentando las obras y autores a las que perteneces, técnicas utilizadas, dificultades que hayan tenido al realizarlo, aspectos positivos del trabajo, etc.

12. Realización de un mural donde aparezcan imágenes de las tres artistas cubistas: Sonia Delaunay, M. Blanchard y Natalia Goncharova.

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Una vez seleccionadas las imágenes hacemos una breve descripción de lo que vemos y a continuación realizamos una selección donde aparezcan imágenes con tonos fríos o cálidos, formas geométricas, etc.

Por último elegimos una imagen y la convertimos en nuestra versión respetando el arte cubista.

13. Observando los siguientes cuadros vemos que aparecen en tonos fríos pues debemos convertir lo cuadros pero esta vez con colores cálidos.

“Coímbra (día frio)”

“Green Forest”

NATALIA GONCHAROVA

14. Observa los siguientes collages y a partir de ellos crea tu propio collage utilizando otras formas geométricas distintas a las que aparecen.

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Natalia Goncharova “Spanish Dancer” (collage)

Sonia Delaunay Colxa-collage

“Composición Cubista” María Blanchard

15. En la imagen que se presenta a continuación observamos que aparece un lateral de la torre Eiffel, pues debemos completar dicho lateral aportando nuestra versión.

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SONIA DELAUNAY “La torre Eiffel” 16. Para ver el estilo de Gontcharova, realizaremos trazos al azar, sin sentido como queramos, sin seguir un orden lógico. Una vez terminado los trazos cogemos colores oscuros para colorearlo. Así enseñaremos a los niños cuales son los colores fríos.

17. Para ver el estilo de Delaunay, tomaremos las figuras geométricas, abarcando de esta manera el área de matemáticas, para componer nuestra obra empleando un orden y una lógica en nuestros cuadros. Además enseñaremos a nuestros alumnos los colores vivos y cómo podemos jugar con ellos.

18. Para ver el estilo de Blanchard, tomaremos cualquier modelo que a los alumnos les llame la atención, animándoles de esta manera, pero marcándoles la pauta de que no puede ser una copia del original sino que debe ceñirse al de la autora. Para ello también le enseñaremos a cómo podemos difuminar nuestras obras.

19. Por último, crearemos una obra con nuestros alumnos donde podamos hacer una mezcla de las tres obras, siguiendo las técnicas de las autoras.

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El Cubismo. Taller PlĂĄstico para el Lenguaje.

BiografĂ­a empleada. http://www.arteespana.com/cubismo.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/cubis mo.html http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+ historicas/cubismo.php http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/estilos/52.htm http://enciclopedia.us.es/index.php/Cubismo http://ar.geocities.com/vanguardiasliterarias/cubismo.htm http://www.uned.es/biblioteca/conoce/EXPOSICIONES/mujarte/siglo20.htm http://www.fisterra.com/human/3arte/pintura/pintores/blanchard/blanchard.asp http://www.homines.com/arte_xx/maria_blandchad/index.htm http://www.fundacion.telefonica.com/arte_tecno/colecciones/colecc_cubismo/blanc hard/00.html http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Blanchard http://enciclopedia.us.es/index.php/Mar%C3%ADa_Blanchard http://images.google.es/images?q=Sonia+Delaunay&hl=es&um=1&ie=UTF8&sa=X&oi=images&ct=title http://www.artelibre.net/ARTELIBRE2/CUBISTAS/DELAUNAY/delaunay.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Sonia_Delaunay http://personal.telefonica.terra.es/web/robertdelaunay/sonia_delaunay.htm http://www.fundacion.telefonica.com/arte_tecno/colecciones/colecc_cubismo/gontc harova/00.html http://images.google.es/images?hl=es&q=Natalia%20Gontcharova&oe=UTF8&um=1&ie=UTF-8&sa=N&tab=wi http://images.google.es/images?hl=es&q=Maria%20Blanchard&oe=UTF8&um=1&ie=UTF-8&sa=N&tab=wi

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El Cubismo. Taller Plástico para el Lenguaje.

Trabajo grupal de expresión plástica. Elaboración de un ejercicio empleando una técnica bidimensional o tridimensional.

Para llevar a cabo la técnica bidimensional, diremos a nuestros alumnos que se pongan en pareja, elevando la participación colectiva y la convivencia. En parejas los alumnos irán creando bocetos del modelo (compañero).

Una vez que ambos han creado sus bocetos, deberán de desarrollar su creatividad, es decir, deberán de tomar una de las técnicas de las autoras y plasmarlo en un plan de trabajo, que nos sirva como base para nuestra composición.

A continuación, y como base, lo anterior, desarrollaremos nuestras propias técnicas junto con la de las autoras para componer nuestra obra en un plano bidimensional. Ello quiere decir, que debe de presentar un relieve y una constitución con carácter voluminoso y no llano. Por ello, debemos emplear cualquier elemento fuera del marco del papel, como por ejemplo, barro, cera, plastilina…

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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El Cubismo. Taller Plรกstico para el Lenguaje.

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