FOOD AS ART* *еда как идея
Студент: Бражникова Юлия Куратор: Ломакина Евгения
Правительство Российской Федерации федеральное государственное автономное образовательное учреждение высшего профессионального образования «Национальный исследовательский университет “Высшая школа экономики”» Школа дизайна НИУ ВШЭ Москва, 2019
На протяжении всех веков, еда всегда играла главную роль в искусстве. И всегда она была призвана, чтобы вызвать у человека ответную реакцию. Некоторые люди соблазняются на ее вкус, другим же достаточно только запаха или внешнего вида. Но в итоге еда постоянно добивается своего – мы хотим ее...съесть! Да, все просто! Когда мы думаем о еде, то наверняка большинство людей интуитивно вспоминают большие, красивые натюрморты голландского золотого века, где еда наполнялась символическим значением и обязательно обозначала либо морализирующий подтекст, либо достаток. С тех пор многое изменилось, и пища вошла во все практики искусства, но до сих пор она содержит в себе посыл. Некоторым художникам достаточно поднять тему еды, используя пищу, как нематериального составляющее
или метафору, другие же используют ее напрямую, в качестве строительный материал для своих работ. Визуальное исследование направлено показать, как тема пищи может иррацианально использоваться в искусстве. Для более простого восприятия понятие еды разделяется на две составляющие – материальную и идейную, каждая из которых по-особому проявляет себя в разных сферах искусства. В исследовании рассматриваются следующие направления: банкеты и поваренные книги, картины, фотография, скульптура, инсталляция. В разделах приведены только наиболее известные авторы, которые в разной мере повлияли на развитие так называемого фуд-арта.
Банкеты и поваренные книги Картины Скульптура Инсталляция
8 42 84 131
6
БАНКЕТЫ И ПОВАРЕНН
7
ЗАСТОЛЬЯ ФУТУРИСТОВ ПОВАРЕННАЯ КНИГА ЭНДИ УОРХОЛА РЕЦЕПТЫ ОТ ХУДОЖНИКОВ И ПИСАТЕЛЕЙ
НЫЕ КНИГИ
8
ЗАСТОЛЬЯ ФУТУРИСТОВ
9
Лозунг футуристической кухни: «Паста мертва. Да здравствует скульптурное мясо!»
10
Маринетти обратил внимание на быт итальянцев, который, по его мнению, нужно было радикально трансформировать — чтобы жизнь народа соответствовала научно-техническим и военным достижениям Италии. Футуристы преклонялись перед современной техникой, в том числе военной, но еда в XX веке была примерно такой же, как и столетия назад. Маринетти решил, что это недопустимо, и нужно встать во главе гастрономической революции, которая полностью изменит то, как едят итальянцы, которых футуристы считали гениальной нацией, ещё не раскрывшей своих способностей.
Фото из ресторана Taverna del Santopalato, 1931
11
В декабре 1930 года Маринетти опубликовал в туринской Gazzetta del Popolo «Манифест футуристической кухни». В нём он призвал итальянцев навсегда отказаться от тяжёлой для желудка и совсем не питательной пасты и обратить внимание на мясные блюда и новые формы подачи еды. Согласно Маринетти, её вообще необязательно есть: запахи и тактильные ощущения тоже имеют значение. Свои идеи Маринетти пытался воплотить в 1931 году в авангардистском ресторане экспериментальной кухни в Турине Taverna del Santopalato.
12
Дизайн ресторана разработал болгарский и итальянский архитектор Николай Дюлгеров. Помещение было покрыто алюминиевыми панелями от пола до потолка с подсвеченными колоннами и небольшими окнами-иллюминаторами. Меню включало такие блюда, как бульон из роз и солнечного света, суп из акций, шампанского и граппы, агнец в львином соусе, лунное мооженое, фрукты из сада Евы...
Интерьер ресторана Taverna del Santopalato», 1931
13
14
Манифест футуристической кухни, 1931 фото из кафе Gazzetta del Popolo
15
16
Меню футуристического ресторана Taverna del Santopalato, 1931
Поваренная книга футуристов, 1932 (La Cucina Futurista)
17
18
В 1932 году Филиппо Маринетти опубликовал «Поваренную книгу футуристов». Кулинарная книга поощряла итальянцев отказаться от традиционных кулинарных практик (в частности, макаронных изделий) в пользу новой и «современной» кулинарной практики. В книгу вошли описания нескольких футуристических банкетов и многочисленные рецепты, представленные несколькими художниками. Она представляет собой поэтический текст, который выражает как художественную повестку дня, так и этическую. Тем не менее, поваренная книга остается в первую очередь художественным произведением, за счет подчеркнутого выбора несъедобных
Хотя крупные газеты провозгласили книгу смелым манифестом для возрождения культуры путем революционизации питания людей, СМИ по началу упустили тот факт, что книга оказалась величайшим «пран-
ком» XX века – это оказалась не попытка модернизировать массовую кухню, но, скорее, стремление поднять высокий уровень коллективного художественного сознания нации.
19
блюд, разбросанных по тексту. В такой повседневный предмет, как поваренная книга, Маринетти поместил несколько футуристических идеалов: не только интерес к повседневной жизни как материалу для искусства, но и гибридизацию различных жанров, отметил важность химических чувств (вкуса и запаха), тела как части художественного произведения и нечто настоящего, а также интерес к технологиям, научным открытиям и инновациям – это играло огромну роль в рецептах и банкетах, устраиваемых футуристами.
20
Маринетти ест пасту, 1930
21
22
ПОВАРЕННАЯ К ЭНДИ УОРХОЛА
КНИГА А
23
24
В 50-е года Энди Уорхол работал художником-иллюстратором в журналах «Vogue», «Glamour» и «Harper’s Bazaar», создавал рекламные плакаты для популярной обувной фирмы и стал достаточно известным в мире коммерческого дизайна. В Нью-Йорке он любил проводить время в кофейне-кондитерской Serendipity 3. Хозяин заведения Стивен Брюс создал в кафе постоянную выставку, мечтающих прославиться, молодых дарований. Среди них был и Энди. Его работы активно продавались по цене от 20 до 100 долларов. Там его картины увидела дизайнер интерьеров и светская львица Сьюзи Франкфурт.
Сьюзи Франкфурт вспоминала: « Я никогда не забуду эту встречу. Энди приветствовал меня, как будто мы были знакомы в течение многих лет. Он был очарован тем, что я выросла в Малибу по соседству с ак-
трисой Мирной Лой. А еще ему также нравился тот факт, что я давно собираю антикварные ювелирные изделия. Я чувствовала, что в одно мгновение мы стали лучшими друзьями.»
25
Suzie Frankfurt, полароид Энди Уорхола, 1950-е
26
Так было положено начало длительной дружбе, а закрепили ее совместные походы по антикварным магазинам, которые стали своеобразным ритуалом. В одну из таких прогулок родилась идея совместного проекта поваренной книги–своего рода пародии на многочисленные французские кулинарные книги, заполнившие полки книжных магазинов. Франкфурт взяла на себя составление рецептов, хотя совершенно не умела готовить. Но кулинарных навыков и не требовалось, поскольку готовить по ним было весьма проблематично. Один из рецептов предлагал «жаренную игуану по-андалузски», за главным ингредиентом которой надо было отправиться
Название придумали сразу – «Дикая малина» – в честь фильма Ингмара Бергмана «Земляничная поляна», который шел на тот момент в американском прокате под названием «Дикая земляника».
27
на Галапагосские острова, другой – зафаршировать бойцовских рабок. «Omelet Greta Garba» готовился без яиц и был предназначен для меланхолического обеда при свечах в гордом одиночестве. Энди Уорхол подготовил ко всем рецептам иллюстрации, а сам текст написала мать Уорхола Джулия. Для раскрашивания книги было нанято четверо мальчишек, которые жили этажом выше. В конечном итоге в «Дикой малине» было 19 иллюстрированных рецептов. В результате кропотливого труда было создано всего 34 экземпляра книги.
Иллюстрация к рецепту «Omelet Greta Garba»
28
Иллюстрация к рецепту «Roast Igyana Andulusion» Иллюстрация к рецепту «A+R surprise»
29
Иллюстрация к рецепту «Salade de alf London»
30
На долгие годы необычный арт-проект был забыт. И только в 1997 году, спустя 10 лет после смерти Энди, один из экземпляров «Дикой малины» был обнаружен сыном Сьюзи Франкфурт среди вещей матери. В том же году вышло в свет факсимильное издание этой книги.
Обложка к книге Wild Raspberries, 1959
31
Первая страница книги Wild Raspberries, 1959
32
Энди Уорхол возле Serendipity 3, 1961
33
34
РЕЦЕПТЫ ОТ Х И ПИСАТЕЛЕЙ
ХУДОЖНИКОВ
«Позволь двум яичным желткам откинуться».
35
36
«Поваренная книга художников и писателей» (The Artists’ & Writers’ Cookbook) – это великолепный винтажным том из 350 страниц, иллюстрированный гравюрами 19-го века и оригинальными рисунками Марселя Дюшана, Роберта Осборна и Александра Истрати. Первоначально он был опубликован в 1961 году, и содержал 220 рецептов от 55 художников, 61 романиста, 5 скульпторов и 19 поэтов. Разные авторы принимали задания с различной степенью серьезности, некоторые искренне делись своими рецептами, а другие использовали кулинарную книгу в качестве основы для остроумия и креативных решений – но все получают от процесса Поваренная книга художников и писателей, 1961 (The Аrtists’ & Writers’ cookbook)
37
неизменное и очевидное удовольствие от проекта. Внутри оригинального издания находилось огромное колличество карточек-головоломок. Они были вложены слцчайным образом развороты книги и по содержанию напоминали логические загадки, а порой были просто несуразными высказываниями. Всего в поваренной книге содержалось около 20 подобных открыток. Их содержание могло меняться в разных издания случайным образом.
Карточки-головоломки из первых изданий книги
38
39
40
КАРТИНЫ
41
ДЖУЗЕППЕ АРЧИМБОЛЬДО РЕНЕ МАГРИТТ ХЛОЯ УАЙЗ УИЛЛ КОТТОН
42
ДЖУЗЕППЕ АРЧ (GIUSEPPE ARC
ЧИМБОЛЬДО CIMBOLDO) В XVI веке натурфилософия завоёвывала образованные умы европейцев. Одна из ее главных идей – учение о живом космосе и единстве человека и природы.
43
44
Арчимбольдо (1526-1593) был придворным живописцем при трех императорах. Он начал служить при Фердинанде I, продолжил при его сыне Максимилиане II, но пика славы достиг при Рудольфе II. Тот стал императором в возрасте 24 лет, был страстным ценителем разнообразных диковинок. В его огромной коллекции были собраны не только роскошные предметы искусства, но и «курьезы», привезенные из разных уголков мира, и экзотические животные. По разным свидетельствам, в сокровищницу императора Рудольфа II входили корни мандрагоры, огромные ракушки, гвозди от Ноева ковчега, заспиртованный гомункулус, редкие минералы и кубок из рога едино-
«По легенде, во время жизни в Праге художник ранним утром приходил на рынок и скупал свежие цветы, фрукты и овощи, чтобы получить как можно больше материала для своих работ…»
45
рога. Фантасмагорические портреты Арчимбольдо очень органично вписывались в это диковинное собрание. Более того, одной из обязанностей придворного живописца было сохранение коллекции и поиск новых редких экземпляров для нее.… На последнем этапе своей карьеры Джузеппе Арчимбольдо создал знаменитый «Портрет Рудольфа II в образе Вертумна», за который император пожаловал художнику титул пфальцграфа — придворного сановника, что для выходца из ремесленной среды было чрезвычайно почетной наградой
Портрет Рудольфа II в образе Вертумна, 1591 (Vertumnus, a portrait depicting Rudolf II)
46
Зима, 1563 (Winter)
Эксперты не могут прийти к единому мнению, были ли картины Арчимбольдо лишь причудами или продуктом больного воображения. Но, учитывая увлечение загадками, головоломкам и странностя-
ми в эпоху Возрождения (например, гротескные головы Леонардо да Винчи), большинство склонны считать, что художник находился в здравом уме и лишь потакал вкусам своего времени.
47
Осень, 1563 (Autumn)
48
Фруктовые люди в стиле Арчимбольдо появляются в качестве персонажей в фильмах «Сказка о Десперо» (2008) и « Алиса в зеркале» (2016), а также в серии видеоигр « Космический Осмо». В фантастическом детективном романе Гарри Тертледове «Дело о ядовитом заклинании» версия Арцимбольдо в альтернативной истории включала в его культовые портреты бесов – обычное повседневное зрелище в этом мире – вместе с фруктами, книгами...
Лето, 1563 (Summer)
49
Весна, 1563 (Spring)
50
Творческое наследие Арчимбольдо плохо идентифицировано, особенно это касается ранних его работ и картин в традиционном стиле. Всего сохранилось около 20 его картин, однако утрачено намного больше, судя по упоминаниям современников и в документах. Наиболее известны его циклы «Четыре элемента» и «Времена года», которые художник неоднократно повторял с небольшими изменениями; а также картины «Библиотекарь», «Юрист», «Повар», «Виночерпий» и несколько картин-обманок, которые можно рассматривать в перевёрнутом виде.
Арчимбольдо говорит на двойном языке, одновременно явном и тутанном; он создаёт «бормотанье» и «тарабарщину», но эти выдумки остаются вполне рациональными. В общем, единственная причуда, которой не позво-
ляет себе Арчимбольдо, – он не создаёт язык совершенно непонятный… Его искусство не безумно.
51
Юрист, 1566 (The Jurist)
52
Корзина с фруктами, 1590 (The Fruit Basket)
«На самом деле эти картины – серьёзная риторическая игра, своего рода вызов интеллекту зрителя», – считает Фламина Дженнари, директор Национальной галереи древнего искусства в Риме.
53
Огородник, 1590 (The Vegetable Gardener)
54
Четыре сезона в одном портрете, 1590 (Four Seasons in One Head)
55
56
РЕНЕ МАГРИТТ (RENÉ MAGRITT
Т TE)
57
«Я не сюрреалист, если принять за основу выжимки квинтэссенции этого направления живописи. Скорее, я реалист, просто в моих картинах живет магия».
58
В отличие от других известных представителей сюрреализма, Магритт не слишком увлекался деформацией изображаемых предметов реальности, вроде стекающих с веток циферблатов Сальвадора Дали или абстрактных фантасмагорий Макса Эрнста. Магритт чаще всего изображает предметы такими, какими их видит человеческий глаз, не искажая, но значительно упрощая их форму. Доминанта его творческой манеры заключается в следующем: художник расщепляет реальность на множество слоев видимого,а затем вновь соединяет их на холсте, как бы обнажая этот мыслительный процесс. Он накладывает пласты реальности друг на друга, словно детали коллажа,
Прежде всего, картины Рене Магритта – это интеллектуальные провокации. В каждом полотне – ребус. Его разгадка напрямую зависит от зрителя. Что поможет? Высокий уровень его интеллектуальности, умение
фантазировать, обобщать и делать нетривиальные выводы. А если разгадка, несмотря на все усилия, не найдена? Значит, в картине не было загадки! Это полотно – всего лишь шутка гения.
59
умножая видимости, подобно тому, как читатель разрезает ножиком для резки бумаги страницы старой, однако никем не прочитанной ранее книги. Идея множества видимостей не нова, но вряд ли кто-нибудь мог бы виртуозней воплотить её в изобразительном искусстве.
60
У Магритта сложилась устойчивая репутация художника, который всю свою жизнь был верен одному и тому же стилю — хотя на самом деле это совсем не так. Он начинал с абстракции в 1920-х, и сюрреализмом занялся после того, как его друг Патрис Леконт показал ему работу де Кирико, в картинах которого абстракция и реальность в некотором смысле соединяется вместе. В его творчестве во время войны также был отчетливо импрессионистический период, который резко осудили сюрреалисты — и им он посвятил совершенно эксцентричную выставку в примитивистском стиле, этот период принято называть vache — «коровьим». Помимо прочего, Магритта можно считать одним Сила привычки, 1960 (The power of habit)
61
самых психоаналитических художников своего времени. но намного важнее для истории искусства то, что Магритт одним первых поместил слово в плоскость картины. Он считал, что и слова, и изображения имеют одинаковую природу, и при этом они одинаково далеки от того, каким мир является на самом деле — а не представлен в голове человека. В своих рассуждениях он был очень близок основателю концептуализма Джозефу Кошуту, который мог выставить одновременно объект, а рядом с ним его словарное описание.
Объяснение, 1952 (The explanation)
62
Девочка поедает птицу, 1927 (Young girl eating a bird)
63
Композиция с облаками и паштетом, 1939 (Composition with clouds and pate)
64
Художник спорил с критиками, был недоволен их вольной трактовкой его полотен. Зачем, скажите на милость, искать в картине то, чего в ней нет? Что делать? Просто смотреть!
65
Память о путешествии, 1952 (Memory of a Voyage)
66
Золотая легенда, 1958 (The golden legend)
67
68
УИЛЛ КОТТОН (WILL COTTON)
69
) «Я больше не рисую чтото воображаемое, потому что на самом деле это прямо передо мной».
70
Уилл Коттон – современный художник, творчество которого на протяжении всей его карьеры вращяется вокруг сильной одержимости сладостями и десертами. Художник соединяет очень традиционный метод представления (реалистичные картины на холсте) с современными представлениями о желании, удовольствии, красоте и популярности. Искусство Коттона восходит к традиции голландских натюрмортов XVII века, многие из которых были нарисованы в стиле Vanitas. Таким натрмортам присуще хваставство изображениями изысканных экзотических фруктов, таких как очищенный лимон, спелые персики, ягодные пироги, устрицы и редкие птицы – все это
Трейлер, 1998 (Trailer)
71
является объектами удовольствия и символами потворства. Вдохновением для гипер-реалистичного изображения сладкого, тортов, сахарной ваты, леденцов, имбирных хлебов, мороженого стала Candy Land – послевоенная классическая детская настольная игра. Игра возбудила воображение Уилла, что привело к серии реалистичных изображений Candy Land-пейзажей, дополненных пряничными домиками, со снежной «глазурью», реками патоки, и плавающим мороженым.
72
White Christmas, 1999 (Churro Cabin)
73
Кабина чурро, 2001 (Churro Cabin)
74
Следуя за традицией реалистичной живописи, Уилл строит в своей студии макеты сладостей и тортов в натуральную величину для всех своих работ. Сооружение сладких композиций превращает их во что-то гораздо большее, чем просто точная визуализация десертного меню: это образы желания, символы недостижимого удовольствия, объекты вымысла и катализаторы личных переживаний. В какой-то момент Коттон перешел от пейзажей к таким жанрам, как ню, и портретная живопись.
Калифорнийские девушки, 1999 (California Girls)
75
76
Таффи Форест, 2007 (Taffy Forest)
Я выработал привычку всегда начинать с создания реквизита, макетов, костюмов и иногда наборов в натуральную величину. Они, как правило, строятся или выпекаются в моей студии или кухне.
77
Завершение Империи, 2008 Конфетные кудри, 2006 (Candy curls)
(The Consummation of Empire)
78
Дьявольские водопады, 1999 (Devil’s Fudge Falls)
79
80
ХЛОЯ УАЙЗ (CHLOE WISE)
81
«Еда непривлекательная и декадентская, но одновременно есть отвратительные качества, которыми обладает пища за свою короткую карьеру», – отмечает Вайз. То же самое можно сказать и о сексе.
82
Chloe Wise - канадская художница, в настоящее время работающая в Нью-Йорке. Она работает в скульптуре, графике, цифровом коллаже и видеоарте и специализируется на масляной живописи. Через призму самоуничижительного юмора Хлоя с помощью современной культуры и социальных сетей высмеивает современное общество. В ее картинах присутствуют все атрибуты буржуазного процветания, которые были присущи еще «старым мастерам»: устрицы, инжир, дыни, сыр, блюда из серебра... Но в основе всей этой символики лежит тема желания, секса и смерти.
О сладкий, я больше не одержима тобой, 2016 (O Sweet, I’m Actually Not Obsessed With You Anymore)
83
Жизнь груба, но не достаточно 2016 (Life’s Rough, But Not Rough Enough)
84
И все было правдой, 2017 (And everything was true)
«Еда интересует меня по той же причине, по которой художники на протяжении всех эпох фокусировались на ней. Мимолетность, изменчивость, разложение, – это болезненное напоминание о состоянии нашего тела».
85
Толерантность к лактозе, 2017 (Lactose Tolerance)
86
В картине «Свобода глютена» красивая молодая женщина позирует на абстрактном ландшафте пастбищ и полей. На ней девственное платье, открытое на груди, бутылка молока без лактозы Lactaid прижимается к ее груди, и она хватает сноп пшеницы, символизирующий лилии девыс картин Ван Эйка. Другая рука девушки держит расколотую папайю, полную семян, над ее маткой. Что это? Аллегория пока еще не раскрытого девственного зачатия или непристойное приглашение? Каков ваш ответ? В своих работах Хлоя пропускает визуальный язык истории искусства через визуальный поисковый механизм позднего капитализма и получает весьма двойственный результат.
Глютеновая свобода, 2017 (Gluten Freedom)
87
Архангел Гавриил (фрагмент)
Ян ван Эйк, Гентский алтарь, Архангел Гавриил, 1432 (Jan van Eyck, Ghent Altarpiece, The Archangel Gabriel)
88
У меня золотое сердце, и оно очень дорогое, 2016 (I Have A Heart of Gold, and It’s Very Expensive)
89
90
СКУЛЬПТУР
РА
91
КЛАС ОЛДЕНБУРГ ТОМ ФРИДМЕН АННА БАРЛОУ ПИТЕР АНТОН
92
КЛАС ОЛДЕНБУ (CLAES OLDENB
УРГ BURG)
93
«Я люблю работать только с очень простыми идеями...»
94
Клас Ольденбург, американский скульптор, инсталлятор, известный своими оригинальными взглядами на мир, на искусство, природу, людей и общество в целом. Его работы тяжело отнести к классическому поп-арту – чувствуется легкий намек на ранний сюрреализм, что-то большее, чем холодный, обрамленный урбанистическими предметами поп-арт. Ольденбург – один из тех редких полиматов, которые могут выражать себя во многих формах. Он написал и опубликовал стихи и другие тексты и создал свои теперь легендарные театральные события, в которых он появился как исполнитель в начале 60-х. Он отверг абстрактное искусство как обычное и скучное и изо-
Картофель фри и кетчуп, 1963 (French Fries and Ketchup)
95
брел множество новых форм, включая инсталляции и гигантские мягкие скульптуры, которые впервые принесли ему известность как поп-артиста – термин, который слишком узок, чтобы охватить диапазон его деятельности, от архитектуры до фильм. Он пришел к радикальной идее, что скульптура не обязательно должна быть твердой, как бронза или сталь, но может быть мягкой, как ткань или винил. Первыми мягкими скульптурами в начале 1960-х годов были гигантские бисквитные пирожные и гамбургеры.
96
Напольный бургер, 1962 (Floor Burger)
97
Напольный бургер, фото 1962 года
«Я не занимаюсь абстрактным искусством, потому что не нахожу его таким же интересным, как привычные предметы и изображения, которые нас всегда окружают...»
98
Напольное мороженое, 1962 (Floor Cone)
99
Напольный торт, 1962 (Floor Cake)
100
Позже переехав в 1960-ых из Чикаго в Нью-Йорк, Клас начал более активно заниматься художественной деятельностью – стал членом группы художников, которые занимались театральными инсталляциями. Эти работы сильно вдохновили Класа, и он сделал свою первую персональную выставку, посвященную уличной скульптуре в повседневной жизни. Экспозиции автора представлены, как традиционные украшения, они не выглядывают из-за угла, эффект неожиданности отсутствует. Контрастная цветовая гамма придает терпкости работам художника, отчего они сразу же завораживают.
Мост-ложка и вишенка, 1988 (Spoonbridge and Cherry Sculpture)
101
102
Огрызок яблока, 1992 (Apple Core)
103
Общество Возрождения, 2005 (The Renaissance Society)
104
Растаявший рожок, 2001 (Dropped Cone)
105
106
ТОМ ФРИДМЕН (TOM FRIEDMAN
Н N)
107
Том Фридман однажды заметил: «Cогласно законам физики, шмель не должен летать… форма и размер его крыльев по сравнению с его телом делают это невозможным ... это чудо, это смешно, и это нельзя отрицать... Вот почему я художник».
108
Фридман раздвигает границы того, что такое искусство, что такое реальность и что на самом деле смешно и чудо. Он известен превращением мирских материалов в тщательно обработанные произведения искусства. Его работы легко доступны любому, вход в него – легкомысленный уровень юмора, который погружает человека в более глубокий феноменологический дискурс об искусстве и самой жизни. Он может соблазнить нас на эти более глубокие уровни, или мы можем наслаждаться художественными работами за их простой юмор и красоту. Скульптуры Фридмана – это привлекательные фантазийные изображения банальности. Большой Биг Мак, 2013 (Big Big Mac)
109
Работы напоминают скульптуры Ольденбурга за счет изображения еды, которая входит в нашу ежедневную трапезу. В своих огромных размерах и невинности они становятся гордыми символами пищевого единства и культурной ассимиляции
110
Таблетки хозяйки гостиницы, 2013 (Hostess Treats)
111
Спагетти, 2014 (Spaghetti)
112
Белый хлеб, 2014 (White Bread)
«Реакция зрителя является частью моего мыслительного процесса. Раньше я всегда интересовался феноменологией и феноменом «опыта», и фактически мои ранние работы постоянно исследуют эту тему.
Размышляя же о зрителе, в частности, я думаю об общем тоне, который созает музей, учреждение или пространство галереи. Я учитываю этот важный фактор при создании своих работ».
113
Жевательная резинка, 2014 (Bubble gum)
114
Пицца, 2013 (Pizza)
115
116
АННА БАРЛОУ (ANNA BARLOW
117
W) «Мне нравится идея, что мороженое является продуктом нескольких секунд, но однажды оно становится керамическим и остается таким навсегда. Если только вы не сломаете его...»
118
Анна Барлоу – художница-керамистка, очарованная тем, как мы поглощаем пищу. Особенно ее восхищают ритуалы, связанные с праздничными угощениями; как они собраны, выставлены и затем съедены. Сейчас она занимается созданием сложных керамических скульптур ввиде мороженного. Скульптуры Анны запечатлевают мимолетные моменты в жизни разлагающегося мороженого. Художница сосредоточилась на мороженом, поскольку это такое мгновенное и все же незабываемое удовольствие, которое испытали все, как в детстве, так и во взрослом возрасте, и поэтому оно всегда вызывает в нас теплые воспоминания о тех ощущениях и вкусах.
«Меня восхищает то, как мы едим, особенно ритуалы, связанные с праздничными угощениями; вот они собраны, выставлены и в следущий миг уже съедены...»
119
Используя исключительно глину, фарфор и глазурь, Анна провела около 8 лет, экспериментируя и исследуя правильные методы и материалы, которые позволили бы ее скульптурам выглядеть как можно ближе к настоящим продуктам питания; Для каждой детали скульптуры используется много разных техник, включая литье под давлением, ручная сборка и укладка мокрой глины. Работы Анны были представлены во многих публикациях, таких как The Independent, Ceramic Review, Red Bird, BBC... Скульптуры выглядят настолько реалистичными, что легко представить вкус ее керамики и почувствовать боль в зубах.
Коллекция No.1, 2018 (Collection No.1)
120
Процесс создания, 2018 (Process of creation)
121
122
Коллекция No.3, 2019 (Collection No.3)
123
Коллекция No.3, 2019 (Collection No.3)
124
«Я нахожу занятным то, как некоторым людям не нравятся мои скульптуры, обычно это происходит потому, что они не ценят еду в своей жизни. Дети лучше это понимают и находят в моих работах некий смысл».
125
Коллекция No.2, 2018 (Collection No.2)
126
Коллекция No.3, 2019 (Collection No.3)
127
128
ПИТЕР АНТОН (PETER ANTON)
129
) «Мне нравится создавать искусство, которое может дразнить, соблазнять, очаровывать, обезоруживать и удивлять».
130
Питер Антон – американский художник и скульптор. Главной темой его работ стала еда с акцентом на шоколад и другие сладости, за что Питера часто называют «Candy Warhol». Антон создает гигантские реалистичные скульптуры и больше всего известен своими коробочными конфетами «Bigger than life». Как и Клас Олденбург, Антон играет с размером, делая несколько угрожающие пропорции всяких пончиков, леденцов на палочке и коробок с шоколадом. Обеспокоенный не только концепцией, но и ремеслом, Антон тщательно передает каждую деталь своих скульптур вплоть до каждого кристалла сахара.
«Еда объединяет людей, и нет лучшего способа отпраздновать жизнь... Чувственная природа произведений стимулирует основные человеческие потребности и желания, которые порождают тягу и страсть».
131
Рожок мороженого, 2010 (Ice cream cone)
Выбор удовольствия No 1, 2016 (Pleasure Selection No 1)
132
Время от времени студия Антона может напоминать кондитерскую, так как она заполнена десятками настоящих угощений, которые он использует в качестве моделей. Его начальный процесс состоит в том, чтобы есть, обонять, чувствовать, изучать и анализировать новую пищу снова и снова, чтобы чрезмерно ознакомиться с новым предметом. Затем он начинает долгий и утомительный процесс лепки, резьбы, шлифования, рисования и создания своих работ по смешанным медиа.
Говорящие конфеты, 2019 (Conversation candies)
133
134
Храм еды, 2015 (The Foodhist Temple)
Выбор удовольствия No 2, 2016 (Pleasure Selection No 2)
135
136
Клубничный торт, 2019 (Strawberry Cake)
«В моих скульптурах я изменяю и преувеличиваю пищу, чтобы придать ей новый смысл. У меня есть врожденное почтение к тому, что мы едим. Пища объединяет людей, и нет лучшего способа праздновать
жизнь. Мои скульптуры ставят зрителей в уязвимое состояние, так что я могу общаться со зрительским внутренним «я» прямым способом, активируя их голод на вещи, которые доставляют людя удовольствие».
137
Макаруны, 2019 (Macarons)
138
Банановый сплит, 2018 (Banana Split)
139
140
ИНСТАЛЛЯЦ
141
ФЛУКСУС ДЖУДИ ЧИКАГО
ЦИЯ
142
ФЛУКСУС (FLUXUS)
143
Флуксус бросал вызов канонам, в которых «застряло» искусство 50-60х гг. Он был призван стереть границы между искусством и жизнью, научить людей создавать нечто интересное из «ничего».
144
Дэвид Дорис писал, что в истории искусств XX века Флуксус выделяется как особенно странный феномен. Он казался похожим на художественное движение и был ошибочно причислен к таковым в 1962 году. Тем не менее, в отличие от других художественных движений, Флуксус не выдвигал никаких официальных манифестов, раскрывающих замыслы его участников, которые в действительности редко сходились во мнениях о том, что такое Флуксус и какова его программа. И, в отличие от других движений, Флуксус не был привязан к определенной географической точке. И его вполне можно рассматривать как первое глобальное авангардное течение.
По внешним проявлениям Флуксус нередко напоминает дадаизм. Многие представители группы сами говорили о непосредственном влиянии дадаистов, в частности Марселя Дюшана, на их творчество.
145
Джон Чик, Еда Флюкс, 1969 (John Chick, Flux Food)
146
Флюксус-инсталяции, связанные с идеей еды, всегда создавались с целью провести ассоциации между продовольственными и непродовольственными предметами. В 1969 году Питер Ноулз приготовил пюре из фасоли, которое впоследствии Мачюнас ошибочно назвал «Shit Porridge» для новогоднего банкета. В том же году он сделал серию несъедобных яиц, наполненных белком из краски и крема для бритья. Между 1961 и 1970 Дитер Рот создал несколько «литературных колбасок». Чтобы приготовить каждую, Рот следовал традиционному рецепту, но заменял мясо на печатные издания, измельченные с жиром и желатином.
Дитер Рот, Литературная колбаса, 1969 (Dieter Roth, Literature Sausage)
147
Клас Олденбург, Завтрак, 1966 (Claes Oldenburg, Breakfast)
148
В 1963 году на фестивале в Ницце Бен Ваутье продемонтрировал серию пустых консервных банок с названием «Flux Mystery Food». Все банки были перемаркированы, поэтому узнать их съеденное содержимое было невозможно. Бен покупал немаркированные банки одинакового размера в продуктовом магазине и ел все, что было внутри – будь то орехи личи или лосось, консервированный колбасы или квашеная капуста.
Бен Вотье, Мистическая еда Флуксус, 1963 (Ben Vautier, Flux Mystery Food)
149
Бен Вотье, Мистическая еда Флуксус, 1963 Фото с фестиваля в Ницце
150
Джон Чик, Еда Флюкс, 1969 (John Chick, Flux Food)
151
152
ДЖУДИ ЧИКАГ (JUDY CHICAGO
ГО O)
153
Американская художница-феминистка, которая рассматривает роль женщин в истории и культуре. К 1970-м годам Чикаго основал первую феминистскую художественную программу. Ее самая известная работа – The Dinner Party.
154
«The Dinner Party» – важный символ феминистского искусства 1970-х годов и веха в искусстве двадцатого века, представлена как центральный элемент, вокруг которого организован Центр феминистского искусства Элизабет А. Саклер. Работа состоит из массивного торжественного банкета, устроенного на треугольном столе с 39 местами. Каждое место посвящено памяти важной женщины в историческом контексте. Инсталляция состоит из расшитых скатертьев, золотых чаш и посуды. Также на столе находятся росписные фарфоровые тарелки, на которых поднимается центральный мотив, основаный на формах вульвы.
Джуди Чикаго, Обеденная вечеринка, 1974–79 (Judy Chicago, The Dinner Party)
155
Роспись на каждой тарелке соответствует тому стилю, который подходит для почитаемой женщины. Имена еще 999 женщин написаны золотом на белом кафельном полу под треугольным столом. Эта постоянная инсталляция дополняется временными выставками в Herstory Gallery, которая посвящена всем 1038 женщинам, почитаемым за столом.
156
157
158
Тарелка Богини Мироздания (Primordial Goddess plate)
«Даже в 1960-х годах преобладало мнение, что у женщин нет и не должно быть истории. Поэтому когда я начинала, я не знала как много времени это займет. Я находилась в путешествии открытий».
159
Тарелка Сьюзен Б. Энтони (Susan B. Anthony plate)
160
161
162
Источники БАНКЕТЫ И ПОВАРЕННЫЕ КНИГИ
КАРТИНЫ
Застолья футуристов:
Джузеппе Арчимбольдо:
1. https://www.magnanirocca.it/la-cucina-futurista/ 2. https://www.betulla.eu/la-taverna-futurista-del-santopalato-torino-via-vanchiglia-2/ 3. https://www.liveinternet.ru/community/2281209/post106035028/ 4. https://www.brainpickings.org/2014/01/21/futurist-cookbook-marinetti/ 5. http://magazines.russ.ru/inostran/2008/10/mar22.html 6. http://www.lookatme.ru/mag/live/things/214091-futurist-cooking
1. https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-renaissance-artist-fruit-faced-portraits-inspired-surrealists 2. https://en.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Arcimboldo 3. https://artchive.ru/news/3007~Krupnejshuju_vystavku_smeshnykh_kartin_Archimbol%27do_sobrali_v_Rime
Поваренная книга Энди Уорхола:
1. https://losko.ru/rene-magritte/ 2. https://www.wikiart.org/ru/rene-magritt 3. http://www.tadviser.ru/index.php/Персона:Магритт_Рене_ (Rene_Magritte) 4. https://artchive.ru/renemagritte/works
1. http://www.art-eda.info/neobychnye-kulinarnye-knigi-dikaya-malina-endi-uorxola.html 2. http://koglib.ru/index.php/yumoristicheskaya-proza/454-povarennaya-kniga-endi-uorkhola 3. http://styleinsider.com.ua/2017/10/7-illustrated-books-by-andywarhol/ 4. https://subscribe.ru/group/pole-chudes/7532059/
Рецепты от художников и писателей: 1. https://www.brainpickings.org/2013/04/17/the-artists-writers-cookbook-1961/ 2. https://dangerousminds.net/comments/three_dadaist_recipes_ from_man_ray 3. https://entropymag.org/the-artists-and-writers-cookbook-by-natalie-eve-garrett-a-review/
Рене Магритт:
Уилл Коттон: 1. http://www.willcotton.com 2. https://www.widewalls.ch/artist/will-cotton/ 3. https://www.designboom.com/art/interview-with-artist-will-cotton-06-17-2014/ 4. https://www.gq.com/story/post-1 5. http://thedaysofyore.com/2010/will_cotton/ 6. https://www.theguardian.com/artanddesign/2014/jun/24/willcotton-artist-katy-perry
Хлоя Уайз: 1. https://www.chloewise.com/oil-paintings 2. https://www.creativeboom.com/inspiration/chloe-wise/ 3. https://www.surfacemag.com/articles/artists-using-food-in-art/
163
СКУЛЬПТУРА
ИНСТАЛЛЯЦИЯ
Клас Олденбург:
Флуксус:
1. https://www.interviewmagazine.com/art/claes-oldenburg 2. https://artchive.ru/artists/12147~Klas_Oldenburg/works 3. http://actual-art.ru/klas-oldenburg-i-ego-nezamyslovatye-instalyacii/
1. http://artuzel.com/content/fluksus-fluxus 2. https://beachpackagingdesign.com/boxvox/flux-mystery-food 3. https://anja-teske.de/en/still-life-en/fluxus-photography/ 4. https://ru.wikipedia.org/wiki/Флуксус#cite_note-:0-1
Томас Фридман:
Джуди Чикаго:
1. https://gagosian.com/artists/tom-friedman/ 2. https://www.luhringaugustine.com/artists/tom-friedman/artworks 3. https://brooklynrail.org/2002/01/art/tom-friedman-at-the-newmuseum-of-contemporary-art 4. https://www.blouinartinfo.com/news/story/759395/tom-friedman-master-of-lo-fi-art-talks-about-his-new-work-and-technologys-god-like-future
Анна Барлоу: 1. https://iloboyou.com/ice-cream-ceramic-sculptures-by-anna-barlow/ 2. https://www.whistleblowergallery.co.uk/anna-barlow 3. https://www.independent.co.uk/arts-entertainment/art/features/ ceramics-good-enough-to-eat-anna-barlows-ice-cream-sculptures-have-art-lovers-salivating-9098959.html 4. https://kulturologia.ru/blogs/060912/17083/
Питер Антон: 1. https://www.peteranton.com 2. https://www.artsy.net/artist/peter-anton 3. https://www.raritygallery.com/peter-anton 4. https://www.popsugar.com/food/Peter-Anton-Realistic-Food-Sculpture-Interview-45917448
1. https://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/dinner_party 2. https://www.brooklynmuseum.org/eascfa/dinner_party/place_ settings 3. https://www.theguardian.com/artanddesign/2017/oct/20/judy-chicago-the-dinner-party-history-in-the-making
164