FOOD AS ART * еда как материал by Julia Caesar

FOOD AS ART* *еда как материал

Студент: Бражникова Юлия Куратор: Ломакина Евгения

Правительство Российской Федерации федеральное государственное автономное образовательное учреждение высшего профессионального образования «Национальный исследовательский университет “Высшая школа экономики”» Школа дизайна НИУ ВШЭ Москва, 2019

На протяжении всех веков еда всегда играла главную роль в искусстве. И всегда она была призвана, чтобы вызвать у человека ответную реакцию. Некоторые люди соблазняются на ее вкус, другим же достаточно только запаха или внешнего вида. Но в итоге еда постоянно добивается своего – мы хотим ее...съесть! Да, все просто! Когда мы думаем о еде, то наверняка большинство людей интуитивно вспоминают большие, красивые натюрморты голландского золотого века, где еда наполнялась символическим значением и обязательно обозначала либо морализирующий подтекст, либо достаток. С тех пор многое изменилось, и пища вошла во все практики искусства, но до сих пор она содержит в себе посыл. Некоторым художникам достаточно поднять тему еды, используя пищу, как нематериальное составляющее

или метафору, другие же используют ее напрямую, в качестве строительного материала для своих работ. Визуальное исследование направлено показать, как тема пищи может иррационально использоваться в искусстве. Для более простого восприятия понятие еды разделяется на две составляющие – материальную и идейную, каждая из которых по-особому проявляет себя в разных сферах искусства. В исследовании рассматриваются следующие направления: банкеты и поваренные книги, картины, фотография, скульптура, инсталляция. В разделах приведены только наиболее известные авторы, которые в разной мере повлияли на развитие так называемого фуд-арта.

Банкеты и поваренные книги Картины Фотография Скульптура Инсталляция

8 30 56 98 140

БАНКЕТЫ И ПОВАРЕНН

ПИРШЕСТВА ТЮДОРОВ ПОВАРЕННАЯ КНИГА САЛЬВАДОРА ДАЛИ

ННЫЕ КНИГИ

ПИРШЕСТВА ТЮДОРОВ

Развлекаться на празнике значило не просто смотреть представление, но также и воспринимать его тактильно и гастрономически. Участие присутсвующих было полным, так как каждое из их пяти чувст было задействовано.

Все развлечения и представления, как и вся еда на пиршествах Тюдоров были подчинены одним и тем же принципам театральной условности. Например, актеры, как и закуски, появлялись из кухни, все сладкие блюда, как и человеческие представления, даются в конце пира. Так что по итогу и спектакль, и всякую выпечку можно назвать одним словом – десерт. Но надо учитывать, что в те времена только пир и был единственным катализатор театральных постановок при дворе.

Денис Э. Коул описывает пиршества как некую форму театра, в котором «еда не просто сопровождает спектакль; еда по своей сути и является самим представлением...»

Иоахим Бейкелар, Богатая кухня, фрагмент, 1566 (Joachim Beuckelaer, The Well-stocked Kitchen)

Алонсо Санчеса Коэльо, Король Филипп II устраивает банкет, 1579 (King Philip II of Spain banqueting with his family and courtiers)

Гольф-книга, манускрипт 1540-х годов (Golf Book)

Герард Давид, Брак в Кане Галилейской, около 1500 (The Marriage at Cana)

ПОВАРЕННАЯ К САЛЬВАДОРА Д

КНИГА ДАЛИ

«В шесть лет я мечтал стать поваром. В семь — Наполеоном. С возрастом, приобретя мудрость, я понял, что самая высокая мечта — это стать Дали».

В 1973 году, дожив до шестидесяти, Дали выпустил книгу рецептов под названием Les Diners de Gala, что переводится как «Обеды Галы» или «Гала-ужин». Она наполненная сюрреалистическими иллюстрациями и рецептами, вдохновленными роскошными вечеринками, организованными Дали и его женой Галой. Книга была издана тиражом в 400 экземпляров и состояла из  322 страниц – 136 рецептов, созданных самыми настоящими французскими поварами, чьи имена стыдливо не упоминаются, фотографий готовых блюд, а также 12 живописных работ самого Дали и его множества графических зарисовок и коллажей.

Кроме того, по всей книге щедро разбросаны наполовину философские,наполовину бессмысленные заявления Сальвадора Дали, вроде:«Мне нравится есть только то, что имеет четкую и понятную форму. И если

я ненавижу такой мерзкий и унижающий достоинство овощ, как шпинат,то это только из-за того, что он такой же бесформенный и неопределенный, как Свобода».

Надо сказать, что, в отличие от иллюстраций, ничего сюрреалистического в самих рецептах нет, то есть – никаких свежих мозгов обезьяны под соусом из виноградных слизней или коктейлей из чернил осьминога с водкой... Самым экзотическим в книге можно считать лишь оглавление и рецепт из павлина по-королевски. Книга состоит из 12 разделов, названных самым необычным образом. Вот несколько примеров: «Жеманные царственные капризы», «Осенний канибализм», «Монархическая плоть», «Полуночные страсти», «Дизоксирибонуклеиновый атавизм», «Пестрые плюмажи», «Я ем Галу»...

Иллюстрация Дали для главы «I eat Gala», 1973

Иллюстрация Дали в главе «Erotic dishes», 1973

В предисловии, написанном самим Дали, значится: «Мы хотели бы сразу прояснить, что все рецепты в Les Diners de Gala с их описанием и иллюстрациями, целиком и полностью посвящены лишь удовольствию от Вкуса. Поэтому не ищите здесь диетических блюд. Мы сознательно избегали схем и таблиц, в которых химия заменяла бы гастрономию. Если вы один из  тех подсчетчиков калорий, который превращает радость еды в некую форму наказания, закройте эту книгу немедленно; для вас она слишком живая, агрессивная и дерзкая»

Переизданная книга Les Diners de Gala, 2013

Дали в свое жизни руководствовался довольно экстравагантной философией: «Челюсть – наш лучший инструмент для понимания философских знаний»

Иллюстрация Дали в главе «Monarchist flesh», 1973

Сальвадо Дали на «Гала-ужине», 1941

КАРТИНЫ

ДЖЕЙСОН МЕРСЬЕ ВИК МУНИС

ДЖЕЙСОН МЕР (JASON MECIER

РСЬЕ R)

«Мне нравится, как люди смотрят на мои работы».

Художник создает безумно детализированные портреты знаменитостей, используя мусор, конфеты и другие предметы, делая их настолько же красивыми, насколько они возмутительны. Работы Джейсона были представлены в таких СМИ, как New York Times, Entertainment Weekly, Today Show, Glee, Rachael Ray, Nickelodeon, Rolling Stone, People, Harper’s, Seventeen, Telegraph, Soap Opera Weekly, а также в музыкальных клипах P!nk и Pitbull. Его работы висят в музее Ripley’s Believe it or Not!, во всевозможных домах знаменитостей и особняках Playboy.

«Я люблю делать портреты сильных личностей очень красочными, возможно, забавными. Так я могу подчеркнуть их индивидуальность. Вот например, Abby Lee из реалити-шоу «Dance Moms...»

Портрет Эбби Ли Миллер, 2017 (Abby Lee Miller)

Портрет Синтии Бейли, 2010 (Cynthia Bailey)

«Kyle Richards»

Портрет Кайли Ричардс, 2013 (Kyle Richards)

Портрет Дженис Джоплин, 2013 (Janis Joplin)

«Я начал 20 лет назад делать макаронные портреты из моих любимых сериалов, таких как «Ангелы Чарли», «Лодка любви» и «Герцоги опасности». Тогда я чувствовал себя ограниченным земляными цветами бобов

и лапши, поэтому я начал работать с пряжей и конфетами, едой, ногтями, таблетками, а потом это все превратилось во что угодно!»

Портрет Эми Уайнхаус, 2013 (Amy Winehouse)

Портрет Майкла Майерса из хэллоуинских конфет, 2013 (Michael Myers portrait of halloween sweets)

ВИК МУНИС (VIK MUNIZ)

С помощью противоречивого соединения высокого и низкого, Мунис использует фотографию не в традиционном смысле, как воспоизведение реальности, а как доказательство своей созданной «иллюзии».

Бразильский художник Вик Мунис известен прежде всего своим переосмыслением знакомых образов, взятых из поп-культуры и истории искусства. Другой его отличительной чертой становится использование широкого спектора материалов. В том числе сахар, грязь, нити, шоколад, проволоку, мусор и бриллианты, с помощь которых и воссоздает знакомые изображения. Например, такие как Мона Лиза, нарисованной в арахисовом масле и желе, или Пикассо, созданный полностью из необработанного пигмента краски.

Двойная Мона Лиза, 1999 (Double Mona Lisa)

Затем Вик фотографирует свой получившийся результат, прежде чем уничтожить его, оставив только фотографию в качестве окончательного произведения искусства. Вик Мунис представлен во многих публичных коллекциях, в том числе в Museum of Modern Art, Tate Gallery, и the Fondation Cartier pour l’Art Contemporain. Вик Мунис был номинирован на премию Оскар за участие в фильме «Пустошь» в 2010 году.

Медуза Караваджо, 1999 (Caravaggio’s Medusa)

Капля молока, 1997 (Milk Drop)

Работы Муниса в шоколадном сиропе являются наиболее известными и узнаваемыми из всего его творчества. Техническая виртуозность художника позволяет быстро выполнять рисунки, сохраняя при этом вязкость жидкого шоколада на своих фотографиях. В своих работах Вик использует только сироп бренда Bosco. Серия картин «Chocolate Pictures», которую он начал в 1997 году, включает в себя обширную группу предметов: капли молока с фотографий Гарольда Эджертона, портреты футболистов, кадры из фильмов и известные произведения искусства от старых мастеров до Энди Уорхола.

Мунис назвал себя «иллюзионистом» и с характерным юмором и изобретательностью исследует природу репрезентации в мире, насыщенном изображениями.

Караваджо, Положение во гроб, 1602 (Caravaggio, The Descent from the Cross)

Снятие с креста по Караваджо, 1997 (The Descent from the Cross after Caravaggio)

Я думаю, что искусство – это развитие взаимоотношений между разумом и материей, между разумом и феноменом, между тем, что внутри нас, и тем, что происходит вокруг вне нас.

Папарацци, 2013 (Paparazzi)

Одна из наиболее запоминающихся работ Муниса – серия картин, сделанная по фотографиям Джексона Поллока во время его работы над полотном «Осенний ритм». Перевод фотографии в шоколад представляет собой великолепное сочетание предмета и материала. Вязкий шоколадный сироп – идеальный материал, имитирующий блестящие капли краски Поллока. Эти новые картины стали не только пополнением музейного фонда Муниса, но и приятным дополнением к богатой коллекции работ самого Поллока в MoMA.

Ганс Намут, Джексон Поллок, 1950 (Hans Namuth, Jackson Pollock)

По фото Ганса Намута, 1997 (Аfter Hans Namuth)

По фото Ганса Намута, фрагмент

Двойной Элвис, 1999 (DOUBLE ELVIS)

ФОТОГРАФИ

ИЯ

ЭДВАРД УЭСТОН КАРЛ УОРНЕР ДЖЕЙМС ОСТРЕР

ЭДВАРД УЭСТО (EDWARD WES

ОН STON)

«Фотоаппарат видит гораздо больше, чем человеческий глаз – почему бы не воспользоваться этим?»

В 20-е годы прошлого столетия технологии изготовления оптики достигли уже достаточного уровня для того, чтобы фотографы могли делать безупречные с технической точки зрения снимки, исследуя пределы творческих возможностей фотографии. Именно в этот период начинают появляться талантливые мастера, своимиработами и взглядами на фотографию определившие направления развития этого жанра искусства в будущем. Среди них был и Эдвард Уэстон, представитель так называемой «прямой» фотографии.

Новый подход Эдварда Уэстона к фотографии выражается в его же собственных словах: «Снять камень надо так, чтобы он выглядел как камень, но в тоже время был больше, чем просто камень». Он фотографиро-

вал людей и природные пейзажи, песчаные дюны и растения, везде стремясь передать форму и внутреннюю силу вещей, нисколько не искажая и не приукрашивая их.

В своем творчестве Уэстон стремился к реалистичному отражению действительности с помощью фотоаппарата, отказавшись от всех шаблонных приемов и простому подражанию живописи. Первые годы его творчества связаны с пикториальной фотографией, то есть подражанию в фотографии живописи. Однако в начале 20-х годов Эдвард Уэстон увлекся абстракционизмом и реализмом, постепенно перейдя к так называемой «прямой» фотографии.

Первые годы творчества Эдварта Уэстона связаны с пикториальной фотографией, то есть подражанию в фотографии живописи. Однако в начале 20-х годов Эдвард Уэстон увлекся абстракционизмом и реализмом, постепенно перейдя к так называемой «прямой» фотографии. В 1932 году Уэстон вместе с Анселом Адамсом, Имоджином Каннингэмом, Вилардом Ван Дайком и другими талантливыми фотографами организовал группу Ф-64. Само название группы говорит за себя, ведь оно происходит от минимального отверстия диафрагмы фотообъектива (1/64), при котором фотограф получает максимально четкое изображение и достигает исключительной глубины резкости.

Половина артишока, 1930 (Artichoke halved)

Это неформальное объединение калифорнийских фотографов заявило протест пикториальной фотографии и использованию мягкорисующей оптики, модных в ту пору, предпочтя им абсолютно резкие, четко детализированные фотографии.

Один из самых известных снимков Эдварда Уэстона – «Перец». В этом обычном овоще Уэстон сумел увидеть красивые аналогии с формами человеческого тела. Поэтому он запечатлел на снимке перец очень резко и с очень близкого расстояния, чтобы зритель смог созерцать форму овоща и увидеть каждый его изгиб, подчеркнутый контрастным освещением. В результате, перец на снимке производит впечатление абстрактной скульптуры, формы которой напоминают изгибы женского тела.

Перец No.30, 1930 (Pepper, No.30)

Как писал главный редактор журнала классической фотографии Lens Work Брукс Дженсен: «Самое удивительное в известной фотоработе Эдварда Уэстона «Pepper, N30» даже не то, что он сделал великолепный снимок обыкновенного перца, а то, что он увидел в нем фотографический потенциал. Не менее удивительно и то, что Уэстон предпринял 29 «неудавшихся» попыток ради единственного кадра, наконец-то удовлетворившего его».

Перец No.30, фрагмент

Капустный лист, 1931 (Cabbage Leaf)

Гигантский артишок, 1931 (The Giant Artichoke)

На протяжении всей своей творческой жизни Эдвард Уэстон оставался верен своему стилю — повышенной четкости и резкости изображения, реалистичному отображению действительности, сдержанному подходу к выбору предмета для съемки. В 1946 году у Уэстона появились первые симптомы тяжелейшего заболевания - болезни Паркинсона. Через два года он фактически перестал снимать, однако его идеи и фотоработы продолжали оказывать огромное влияние на развитие фотографии в Америке и за рубежом.

В дополнение к цитате китайского мудреца Се Хэ Эдварт Уэстон писал следующее: «Чем абстрактнее истина, которую ты хочешь изложить, тем привлекательнее для чувств ты должен ее сделать»

Чеснок, 1929 (Onion)

Яйцо и кость, 1930 (Egg And Bone)

Перец No.14, 1929 (Pepper No.14)

КАРЛ УОРНЕР (CARL WARNER

«Я очень люблю еду, и я очень люблю есть, как и большинство людей. Но еда – это большой источник вдохновения для меня, потому что это органический материал, который имеет сходство почти со всеми аспектами мира природы».

Карл начал свою карьеру, поступив в Художественный колледж Мейдстона с целью стать иллюстратором, поскольку у него был хороший талант к рисованию, но он быстро обнаружил, что его идеи и творческий взгляд лучше подходят для фотографии, поскольку он считает это быстрее и эффективнее. более захватывающая среда для работы. После годичного базового курса в колледже он перешел в Лондонский колледж печати в 1982 году, чтобы пройти трехгодичный курс обучения фотографии, кино и телевидению. Став успешным рекламным фотографом с середины до конца 80-х и до середины девяностых, он обнаружил, что его работы становятся

«В 1998 году я подобрал на рынке гриб портабеллы, поднял его на свет и предположил, что в инопланетном мире это было какое-то дерево с балдахином. Я взял его в свою студию и, добавив гор-

стку бобов и риса, я создал свой первый Foodscape. Десять лет спустя эта работа и дюжина других были обнаружены СМИ в моем портфолио, и эти изображения распространились по всему миру».

все менее востребованными и нереализуемыми творчески. Он искал что-то новое и необычное, связанное с его талантом, которое не только возродило бы его интерес к фотографии, но и добавило бы немного жизни в его работы. Однажды, прогуливаясь по продовольственному рынку, он нашел несколько замечательных грибов портабелло, которые, как он думал, были похожи на дерево из инопланетного мира. Поэтому он взял их обратно в свою студию с несколькими другими ингредиентами, чтобы попытаться создать из них миниатюрную сцену на столе.

Шоколадная Одиссея, 2001 (А Сhocodessey)

«Пищевые пейзажи, которые я создал с той самой первой грибной сцены, понравились международной аудитории, поскольку они нарушают границы языка и культуры. Я выставлялся в разных странах, от Китая до Южной Америки, и видел, как зрители, как молодые, так и пожилые, одинаково реагировали на просмотр моих сцен в первый раз. Это всегда смущение, за которым следует признание, а затем улыбка, и это доставляет мне наибольшее удовольствие».

«Мои работы сравнивают с портретами Джузеппе Арчимбольдо, рисовшему людей, сделаных из еды еще в XVI веке. Мне нравится думать, что мои Foodscape - это всего лишь развитие его идеи».

Грибная саванна, 1998 (Mushroom savanna)

Капустное море, 2011 (Cabbage Sea)

Река салями, 2005 (Salami River)

«Большую часть моей работы фотографа я провел в рекламном мире, где творческие решения и решение проблем всегда были сложной и захватывающей частью работы. Благодаря накопленному многолетнему опыту эти факторы по-прежнему играют большую роль в этом процессе, но часто приводят к созданию чего-то удивительного. Я собрал замечательную команду талантливых, креативных профессионалов, от самых лучших фуд-стилистов и модельеров до ретушеров. Вместе мы работаем над тем, чтобы превратить мои наброски в реальность».

Тосканский пейзаж, 2013 (Tuscan landscape portrait)

По сложности исполнения выкладывание пейзажей из еды ничем не отличается от написания картин маслом. Создание одного съедобного пейзажа занимает несколько дней. Сначала по эскизам подбираются продукты. Затем два-три дня уходит на построение пейзажа и фотографирование, при этом, чтобы «капризная» еда под светом сафитов не заветривалась и не портилась, каждая сцена фотографируется слоями. Еще несколько дней уходит на ретушь и совмещение всех слоев и элементов фотографии. В результате чего получается великолепная иллюзия.

«Volcano Valley», 2015 (Volcano Valley)

ДЖЕЙМС ОСТР (JAMES OSTRER

РЕР R)

Всякий раз, когда я навещаю мою маму, она говорит мне: «Ты все еще на чечевице или хочешь бутерброд с беконом?»

Джеймс Острер – профессиональный фотограф из Англии (живёт и работает в Лондоне). Он учился в Королевском колледже искусств, прежде чем стать сценографом в Английском национальном балете. После того, как на него упал какой-то пейзаж, вызвавший травму спины, Джеймс перешел к фотографии. Острер большой любитель эпатажа, фриковства и раздолбайства,но толк в своей деятельности он знает. Его работы не только поражают своим профессионализмом, но и пугают окружающих, особенно серия социальных фотографий на тему вреда фаст-фуда, еды быстрого приготовления и сладостей.

«Я считаю сахар одной из самых опасных наркоманий нашего времени, которая начинается с того, что новорожденные дети соблазняются любимыми героями мультфильмов на упаковке».

EF 145.4, Series: Wotsit All About, 2014

EF 137, Series: Wotsit All About, 2014

В 2014 году Джеймс создал серию работ под названием «Wotsit All About». С фото-картин смотрят, нет, даже пялятся, совершенно безумные существа, созданные с помощью разнообразного сладкого фаст-фуда. Фотографии Острера призваны обратить внимание на проблему поклонения сахару в современном мире и повсеместному использованию вредных и синтетических продуктов в производстве продуктов питания. Пончики и мороженое, пирожные и конфеты, шоколадные батончики и печенье — без всего этого многие не могут прожить и дня! Сладкое сегодня, на фоне борьбы, а местами даже истерической борьбы за здоровый образ жизни — это и самый страш-

Основная идея работы: всё то, что мы едим — это и есть мы сами. Потребляя большое количества сахара мы можем превратиться в подобных монстров, местами смешных, а местами страшных и уродливых.

Весь фаст-фуд, который оказывается внутри нас, становится нашей маской, которая все больше с нами неразделима.

ный грех, и самое большое удовольствие! Все объекты для съемок тщательно создавались с помощью всевозможных продуктов фаст-фуда, по большей части — сладкого, которые в разных вариантах наносились на моделей. Часто моделью выступал и сам Острер. Он покупал сладкие материалы в супермаркете. Чтобы оправдать содержимое своей корзины, он иногда говорил, что готовит детский день рождения. Работать в студии Джеймсу приходилось быстро, выполняя каждый портрет всего за 25 минут, пока украшения не успевали отвалиться.

«Как художник, я хочу, чтобы люди что-то чувствовали, и что бы ни случилось, это замечательно. «Wotsit All About» – первое шоу, которое у меня когда-либо было, когда ни один человек из всех, кто подошел ко мне на открытии, не спросил меня, о чем эта работа. Все они сразу же начали понимать, какую идею эти работы несли в себе. Это величайший комплимент и опыт, который я когдалибо имел, поскольку это означает, что работы делают то, для чего они предназначены…»

EF 113, Series: Wotsit All About, 2014

EF 122.25, Series: Wotsit All About, 2014

EF 133.2, Series: Wotsit All About, 2014

В 2016 году в Гонконге на светской художественной ярмарке Джеймс представил свою новую серию портретов «Emo tional Download» с изображением знаменитостей. Центральной работой становится портрет Дональда Трампа, производящий ужасающий эффект. Он выполнен из рыбы, которая становится плотью, с мордой свиньи и овечьими глазами, а в качестве рта у него полу-съеденным джем и кремовый круассан. В правой руке у политика кирпич, что станавится уже практически угрозой.

ED 213M, Series: Emotional Download, 2016

ED 1.07MÂ», Series: Emotional Download, 2016

EF 127.25, Series: Wotsit All About, 2014

СКУЛЬПТУР

РА

ЯНА СТЕРБАК ДОРОТЕЯ СЕЛЬЦ СОНГ ДОНГ БОМПАС И ПАРР

ЯНА СТЕРБАК (JANA STERBAK

K) «Было забавно наблюдать полное изменение ценностей, которые были основой моего детства».

100

Карьера Яны Стербак в настоящее время насчитывает более 40 лет. Художница определила современное искусство с помощью своих скульптур, видео, инсталляций и перформансов. Ее работы постепенно стали выполняться из все более и более необычных материалов. Одна из самых известных скульптур Яны – платье Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic, в концепт которго заложена идея безжалостного рассмотрения состояния человека.

Платья Стербак – это «тела без органов». Они являются «областями имманентности желания», они живы, но через них циркулируют только интенсивности; только судороги страха, смерти, боли, и разочарования...

101

Ванитас. Мясное платье для альбиноса-анорексика, 1987-2006 (Vanitas:Flesh Dress for an Albino Anorectic)

102

Работы Яны Стербак населяют пограничную зону между инсталляцией, перформансом, видео и фильмом. Их отличает большое разнообразие материалов и необычный способ их использования. Стербак не только постоянно расширяет границы скульптуры: она также затрудняет классификацию ее работ и ее художественных методов. В ее работах встречаются такие оскорбительные материалы, как сырое мясо, кровь, свинец, тесто или живые животные, равно как и эфемерные, едва ощутимые материалы, такие как электричество и электростатические заряды, раскаленные провода, тепло, звуки или тающий лед. С этими необычными материалами Стербак бросает

Термин «vanitas» относится к голландским картинам 17-го века, предназначенным для размышлений о мимолетной природе жизни и неизбежности смерти. У разных людей разные интерпретации. Многие вещи име-

ют более одного возможного типа входа, и каждый вносит свой вклад в это. Не с точки зрения моды или потребления в любом случае. Это больше о старении тела и его скоропортящихся продуктах.

103

вызов концепции перманента и константы, которая традиционно ассоциируется со скульптурой, и превращает произведения искусства в процессы, а материалы - в актеров. В своих эстетических исследованиях Яна ускользает от идеи стиля, проецируя себя на неоднородность множества материалов и переходя от разнообразия творческих процессов и формул, всегда в соответствии с превосходством идеи над формой и стремясь обнаружить и стимулировать тайные соответствия, которые существуют между материалами и их духовными коннотациями.

104

Стул Аполлинер, 1996 (Chair Apollinaire)

105

106

ДОРОТЕЯ СЕЛЬ (DOROTHEE SEL

ЬЦ LZ)

107

108

Доротея Сельц – французский скульптор и художник. Как продолжение движения Eat Art, художник создал «съедобные временные скульптуры», которые состояли из причудливых объектов, городских пейзажей и монументальных скульптур, сочетающих визуальные, вкусовые и праздничные элементы. Она задумывает свои работы в соответствии с архитектурный контекстом, событием, и количеством гостей. Смотря на ее съедобных скульптуры, у зрителя воображение должно работать так, чтобы переплетались одновременно визуальная концепция, вкусовые ощущения и юмор. Работа оживает именно благодаря активному участию общественности, которая

Некогерентная линия, 2013 (Incoherent Line)

109

может «попробовать то, что видит». Идея в том, что это эфемерное искусство живет в воспоминаниях. Параллельно Доротея Сельц рисует, используя популярные изображения в качестве отправной точки. Идея состоит в том, чтобы принести новую жизнь в картины, считающиеся «обычным делом». Используя очень графические и динамичные изображения, она привлекает внимание к юмору, необычности или абсурду поэтических образов, о которых люди всегда забывают.

110

Съедобный?, Групповая выставка, 2018 (Comestible?)

«В своих первых работах я черапала вдохновение из различных популярных источников, выпускаемых в больших количествах, таких как календари, открытки, журналы типа Lui или Playboy».

111

Съедобный?, Групповая выставка, 2018 (Comestible?)

112

Дебютный обед, 2017 (Diner debout)

113

ХОП! и ПОП!, 2016 (HOP! et POP!)

114

Доротея Сельц утверждает, что все еще находится под влиянием поп-арта. Между 1962 и 1972 годами она часто ездила в Лондон и была очарована Beatles, Rolling Stones, британской рок-музыкой, выступлениями в Roundhouse, Arts Lab, дизайном музыкальных пластинок, модой в Biba, стилем Твигги, поп-художниками, которых она видела в галереях – Питер Блейк (Kasmin gallery), Ричард Гамильтон. Доротея была очарована британской молодежью. Художница жила и полностью принимала поп-культуру, хотела быть поп, независимо от того, была она или нет. Вдохновение для работ Доротея Сельц находила на улицах: в плакатах, рекламе, индустриализации повседневной жизни и моды. Спираль и турбийон, 2017 (Spirale & Tourbillon)

115

116

Мир становится Поп, 2016 (The World Goes Pop)

117

118

СОНГ ДОНГ (SONG DONG)

119

«Я всегда любил искусство. Но когда я был маленьким, только скульптура и живопись считались таковыми. Когда открылся Китай, я увидел, что искусство может использовать любой материал, и есть много способов делать прекрасное».

120

Пекинский художник Сонг Донг занимается концептуальным искусством с 1990-х годов. Он вышел из сильного китайского сообщества авангардистов и превратился в значительную фигуру современного искусства в развитии китайского искусства. Его перформансы, скульптуры, видео и инсталляции часто бывают эфемерными, сделанными из простых и повседневных материалов. Сонг Донг развил свою склонность к работе со скромными, легкодоступными материалами, как часть того, что искусствовед Гао Минглу назвал феноменом «квартирного искусства» конца 20-го века. Сонг исследует понятия непостоянства и мимолетности человеческих усилий.

В своих работах Сонг почти всегда используются эфемерные материалы (вода, еда, собственное дыхание и т.д.), которые оставляют незначительные следы в повседневной обстановке, если вообще имеют место быть.

В работах Сонга изложена тема непостоянства перемен, подчеркивая, что хотя один человек и может внести незначительные изменения в окружающий его мир, он оказывает лишь мимолетное воздействие.

121

Работы Сонга постоянно выставляются на персональных выставках в Лондоне, Лос-Анджелесе, Ньюкасле, Ванкувере и Сиднее, особенно в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Свои работы Сонг часто делает всместе со своей женой или другом – китайским художником Инь Сючжэнем. В настоящее время он живет и работает в Пекине.

122

Сонг Донг и его друг Инь сделали Пекин главным предметом своих работ. Поскольку исторический город постепенно разрушался, чтобы освободить место для современных зданий, они решили подчеркнуть драматическую трансформацию Китая через серию съедобных инсталляций под названием «Еда города», которые были организованы в период с 2003 по 2006 годы в Барселоне, Пекине, Гонконге, Лондоне и Шанхае.

Съедобный город – Вена 02, 2007 (Edible City – Vienna 02)

123

124

Джерси-Сити, 2017 (Jersey City)

«Когда Китай открылся, мы увидели, что наш мир сильно изменился. Каждый день приносил новые перемены. Старые здания были снесены, чтобы освободить место для новых... и я всегда думал об этом. Я люблю старый Пекин».

125

Инсталляция Сон Донга «Едим город», Лондон, Февраль 2006 Song Dong’s installation «Eating the City»

126

Вид установки 3, 2015 (Installation view 3)

127

128

БОМПАС И ПАР (BOMPAS & PA

РР RR)

129

Начав вдвоем с преготовления домашнего желе, парни постепенно превратились в большую студию. Но с появлением крупных проектов у них появилась проблема: они не знали, как теперь объяснять знакомым, чем именно они занимаются.

130

Студия «Bompas & Parr» работает с коммерческими брендами, художественными учреждениями, частными клиентами и правительствами, чтобы предоставить эмоционально привлекательные впечатления широкому кругу аудитории. Сэм Бомпас и Гарри Парр впервые стали известными благодаря своему опыту в производстве желе, но бизнес быстро превратился в полноценную творческую студию, предлагающую дизайн продуктов питания и напитков, консультации по брендам и захватывающие эксперименты практически во всех отраслях.

Bompas & Parr работает с такими брендами, как Coca-Cola, Johnnie Walker, Mercedes, Vodafone и LVMH, а также с культурными учреждениями, такими как Barbican, Музей современного искусства Сан-Франциско

и Музей современного искусства Garage, Москва. Студия находится в южном Лондоне, но в прошлом году ей удалось показать проекты почти на всех континентах.

131

Компания превратилась из Сэма Бомпаса и Гарри Парра в команду из 20 опытных и амбициозных людей, стремящихся создать широкий спектр проектов. В настоящее время междисциплинарная студия состоит из команды креативщиков, дизайнеров, поваров, специализированных техников, продюсеров и кинематографистов, а также заключает внешние контракты с инженерами-строителями, учеными, художниками и психологами - фактически, с любой другой дисциплиной, которая способствует определенному реагированию к творческому брифу – экспериментировать, разрабатывать, производить и устанавливать проекты, произведения искусства и выставки.

132

Желейный Сан-Франциско, 2016 (Jelly San Francisco)

Желейный Собор Святого Павла, 2017 (Jelly St Paul’s Cathedral)

133

134

«Мы работаем со всем, от еды до секса и наркотиков. Недавно мы провели несколько семинаров с Kew Gardens по опьяняющим растениям. Независимо от того, появляются ли наши работы в галерее, театре, ресторане или на вершине горы, всегда существует тонкая грань между восторгом и отвращением. Мы хотим предоставить экстремальный опыт, который люди обычно не получают, потому что это сделает его незабываемым. Если это повседневная вещь, никто не будет помнить это. Наша цель состоит в том, чтобы дать людям лучший день в их жизни».

При выборе названия студии Сэм и Гарри отвергли варианты Jelly mongers и Food artists, в итоге они остановились на Experience designers. «Это подходит ко всему, что мы делаем», – комментирует Сэм.

135

Желейный Собор Святого Павла No.2, 2018 (Jelly St Paul’s Cathedral)

136

Желейный Букингемский дворец, 2016 (Jelly Buckingham Palace)

137

138

ИНСТАЛЛЯЦ

139

ДАНИЭЛЬ СПОЭРРИ АНЯ ГАЛЛАЧЧО

ЦИЯ

140

ДАНИЭЛЬ СПО (DANIEL SPOER

ОЭРРИ RRI)

«В духе конкретной поэзии я хотел показать, что искусство есть везде».

141

142

Даниэл Споэрри – один из участнков движеня так назывемого нового реализма, главной чертой которого является использование внешние объектов, отдавая дань реальности своему времени. Художники этого направления ценили экспрессивные и коммуникативные возможности, заключенные в товарах, рекламе и отходах. Их работы тяготеют к эстетике «помойки». Чаще всего они представляют собой трехмерные формы, созданные как ассамбляж или спрессованные предметы (обычно в футляре), либо – двухмерные, выполненные с применением деколлажа. Отличительной чертой направления является использование повседневных предметов, продолжающее ли-

Пьер Рестани (критик, теоретик и участник движения) писал в 1961 году: « В современном контексте реди-мейды Марселя Дюшана теперь приобретают новый смысл. Сегодня они воплощают всю полноту жиз-

ни современного города, с его улицами, фабриками, а также массовым и серийным производством».

143

нию реди-мейдов Марселля Дюшана. Таким способом новые реалисты пытались выступить за возвращение реальности в противоположность лирики абстрактной живописи. Но если сравнивать новый реализм с поп-артом и неодадаизмом, то первой чертой, которая их объединяет, будет типичный интерес к обществу потребления. Погруженность же в повседневную жизнь, роднит направление с флуксусом. Так что позиция нового реализма в одно и то же время характеризуется критическим отношением к цивилизации потребления и стремлением к эстетическому осмыслению и музеефикации «товара».

144

Даниэль Споерри стал известен в изобразительном искусстве благодаря своим quadri trappola (картинкам-ловушкам), в которых он собирал предметы, оставшиеся на столе после застолья, превращая все в картину, готовую для показа на стене галереи или музея. Сам художник определяет этот способ живописи как: «… объекты, найденные в случайных позициях, упорядоченные или беспорядочные – на столах или ящиках – и оставленные в исходном положении. Изменится только способ их отображения: потому что результат будет назван картиной, а все объекты теперь будут отображаться не в горизонтальной, а вертикальной плоскости».

Ресторан городской галереи, 1959 (Restaurant de la City Galerie)

145

Для создания таких инсталляций художник обычно собирал любые предметы повседневного пользования и комбинировал их на самых обычных поверхностях – столешницы, стулья, столы, горы посуды, ящики – вертикально выстраивая всю инсталляцию. Визуальный поток в таких случаях порождается тонкими отношениями между общими объектами и различными аспектами одного и того же объекта. Сперри заставил общественность переосмыслить значение и культурный контекст выставленных предметов.

146

Детская ловушка, 2010 (Kinderstuben Fallenbid)

147

148

«Венгерская трапеза» возникла в атмосфере перформансов «Рестораны», во время которых Споэрри ненадолго превращал залы парижской галереи «J» в место, где едят. Зафиксировав все, что осталось на столе, а после расположив основу вертикально, Споэрри просто накрывает ее стеклянным футляром. Этот прием новые реалисты использовали постоянно. Это был самый быстрый способ превратить в музейные предметы объекты и отбросы, рассматривая их как археологические или антропологические реликты современной городской цивилизации.

Венгерская трапеза, 1963 (Hungarian meal)

149

150

Завтрак Кички, 1960 (Le petit dejeuner de Kichka)

151

152

АНЯ ГАЛЛАЧЧО (ANYA GALLAC

О CIO)

153

«...Я вообще очень сочувственная и восприимчивая ко многим вещам. Но как говорится, если курица нуждается в сломанной шее, я это сделаю. Я и сама работаю таким же образом...»

154

Аня Галлаччо – британская художница, которая создает инсталляции, в которых использует в качестве основы органические материалы. Практика Ани характеризуется двойными понятиями контроля и перехода и, в частности, как каждый из них может быть реализован и представлен. Ее подход часто включает приведение в движение процесса и затем его отпускание. В основном это происходит именно за счет использования материалов, которые врожденно разлагаются, тают, гниют и всячески трансформируются.

«Я люблю наблюдать, как процесс доминирует над результатом. Когда я только начинала, некоторые люди жаловались, что все шло не так. Я же считаю, что это зависит от вашей точки зрения».

155

Два года, 2008 (Two years old)

156

Падение с Грейсмена, 2000 (Falling from Gracemain)

157

Потому что ничего не изменилось, 2001 (Because nothing has changed)

158

«У меня есть представление о материале и о том, как он может среагировать, но у меня нет представления о том, каким он должен в итоге получиться. Я не могу предугадать успешность работы»

159

Дотягиваясь до Алма-Аты, 2003 (While reaching for Alma-Ata)

160

Инсульт в шоколадной комнате, 1994 (Stroke in the chocolate room)

161

162

Источники БАНКЕТЫ И ПОВАРЕННЫЕ КНИГИ

КАРТИНЫ

Пиршества Тюдоров:

Джейсон Мерсье:

1. http://www.aif.ru/food/world/menyu_korolevy-devstvennicy_ risovyy_puding_i_bulochka_s_marmeladom 2. http://storyfiles.blogspot.com/2017/09/viii.html

1. https://thejasonmecier.com/gallery/food-art/ 2. https://studioartunit3.wordpress.com/2013/11/12/artist-jason-mecier/ 3. http://www.musiconwalls.com/blog/2014/2/24/interview-with-jason-mecier 4. https://www.mused-mosaik.de/en/2013/05/02/jason-mecier/

Поваренная книга Сальвадора Дали 1. https://www.thisiscolossal.com/2016/10/les-diners-de-gala-dali/ 2. https://hyperallergic.com/348052/the-persistence-of-hunger-dalis-dissatisfying-cookbook/ 3. https://www.vice.com/en_au/article/3d5gpn/salvador-dali-rare-erotic-cookbook-reprinted

Вик Мунис: 1. http://vikmuniz.net 2. https://www.artsy.net/artist/vik-muniz 3. http://tatintsian.com/ru/artists/vik-muniz/works/ 4. http://zcagallery.com/artist/vik-muniz/ 5. https://www.interviewmagazine.com/art/vik-muniz

163

ФОТОГРАФИЯ

СКУЛЬПТУРА

Эдвард Уэстон:

Яна Стербак:

1. https://www.wikiart.org/ru/edvard-ueston 2. http://www.photoisland.net/pi_hist_text.php?lng=1&hist_id=35 3. http://www.fotokomok.ru/edvard-ueston-i-pryamaya-fotografiya/

1. https://www.artsy.net/artist/jana-sterbak 2. http://www.rosamartinez.com/jana_eng.htm 3. https://en.wikipedia.org/wiki/Jana_Sterbak

Карл Уорнер:

Доротея Сельц:

1. http://www.carlwarner.com/artist/ 2. https://www.boredpanda.com/foodscapes-food-art-landscapescarl-warner/?utm_source=google&utm_medium=organic&utm_campaign=organic 3. http://www.viralhub247.com/article/read/interview-carl-warner-ingenious-and-delightful-foodscapes 4. https://www.readmeblogsite.net/2013/11/21/interview-with-carlwarner-author-and-photographer-of-carl-warners-food-landscapes-abrams/ 5. https://foodcurated.com/carl-warners-foodscapes-a-lesson-onplaying-with-your-food/

1. https://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/dinner_party 2. http://www.dorothee-selz.com/en/

Джеймс Острер:

1. https://www.vogue.com/article/bompas-and-parr-creative-foodlondon 2. http://bompasandparr.com/about/view/studio/ 3. https://www.theguardian.com/lifeandstyle/2010/jun/23/jelly-bompas-parr-desserts 4. https://londontheinside.com/the-british-museum-of-food/

1. https://www.jamesostrer.com 2. https://www.theguardian.com/global/2016/aug/07/james-ostrersugar-sculptures-donald-trump-the-ego-system 3. https://fadmagazine.com/2016/04/15/222839/ 4. https://www.aestheticamagazine.com/interview-artist-james-ostrer/

Сонг Донг: 1. https://ocula.com/artists/song-dong/artworks/ 2. https://www.pacegallery.com/artists/446/song-dong 3. http://www.artasiapacific.com/Magazine/Almanac2018/SongDong/ 4. https://en.wikipedia.org/wiki/Song_Dong

Бомпас и Парр:

164

ИНСТАЛЛЯЦИЯ Даниэль Споэрри: 1. https://arthousegallery.eu/daniel-spoerri-eat-art/ 2. http://artuzel.com/content/новый-реализм-nouveau-realisme 3. https://www.tate.org.uk/art/artists/daniel-spoerri-1979

Аня Галлаччо: 1. https://www.thomasdanegallery.com/artists/36-anya-gallaccio/ works/ 2. https://elephant.art/5-questions-anya-gallaccio/ 3. https://ocula.com/magazine/conversations/anya-gallaccio/ 4. https://www.telegraph.co.uk/culture/art/3617902/A-dying-art.html