Revista Do-Re-Mi-FAC

REVISTA

Publicação acadêmica na disciplina INTRODUÇÃO AS PRÁTICAS DA COMUNICAÇÃO – Orientação

DÓ,

Prof. Ricarte.

RÉ

MI, FaC

“Ainda que cada nota tenha seu tom, somente juntas fazem uma música”...

Renan Silva

Leia nesta edição:

COMENTA:

LOCUTOR VITOR escreve:

A influência da música no futebol e na copa do mundo.

...................................................

Os polêmicos artigos de

Gerardo Anésio

E mais...

VOCÊ VAI CONHECER UMA CURIOSA HISTÓRIA DE GENTE FAMOSA DO PALCO E DO GRAMADO, EM:

A MÚSICA BRASILEIRA cantada nos livros.  A IMPORTÂNCIA DOS RITMOS DO NORDESTE NA EDUCAÇÃO.  MPB – Trajetória, consagração e centenários. 

A sua

página musical.

MAIO 2014 – ÚNICA EDIÇÃO

Música e futebol o casamento que deu certo.

A p ro p o s t a d a re v i s t a D ó - R É - M I FAC te m co m o o b j e t i vo a b o rd a r a m ú s i c a co m o s u a s fo r m a s m a i s s i n g u l a re s e p l u ra i s d a q u a l e l a é.

Veremos nas próximas páginas a relação da música e a Copa do Mundo, já que o evento será celebrado no país do futebol, e isto é uma relação intima entre os hinos nacionais das nações. Igualmente, veremos uma pequena biografia da banda formada nos setenta, os Mutantes. E um pouco da história da música nacional.

Boa leitura!

Agradecimentos os alunos do curso de Jornalismo.

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A influência da música no futebol e na copa do mundo.

Locutor Vitor Nenhum outro esporte mobiliza os brasileiros tanto quanto o futebol, já oficializado como paixão nacional. Que atire a primeira pedra, quem não gosta de assistir a um jogo, sentir a emoção de um gol, brincar com o adversário pela derrota. Enfim, não dá pra negar, somos todos fanáticos por futebol.

Toda partida de futebol é constituída por gestualidades e sonoridades. Os passes, chutes, carrinhos e abraços são gestos que no contexto de uma partida, somam-se a apitos, exclamações, gritos, advertências, palmas, vaias, cânticos, enfim, sons que proporcionam ao espetáculo muito ritmo.

Em meio a cânticos entoados pelos torcedores é comum verificarmos os hinos de seus clubes e, até mesmo, músicas incorporadas pelas torcidas que, em alguns casos se eternizam tornando-se freqüentes no repertório da platéia nos estádios.

processo de apropriação pelos torcedores, estão ligados a diversos fatores sócioculturais que ajudam a revelar elementos fundamentais da história dos clubes que se entrelaçam com a história da sociedade, trazendo a tona elementos importantes para a manutenção da cultura de cada nação.

Faltam poucos dias para a Copa do Mundo, e o fato de sermos o país sede, faz do Brasil a nação que mais pensa em futebol nesse momento.

Mas eventos como esses, afloram nosso entusiasmo, estamos há quatro anos com o coração batendo forte a espera do grande dia e isso se reflete muito bem na música, onde várias retratam a paixão pelo futebol.

Os hinos de futebol são símbolos que rendem um precioso estudo sobre como um time representa determinados fatos de sua história, de seu cotidiano ou de sua cultura, ou seja, uma grande manifestação social. O hino de um clube de futebol é o clamor da sua torcida, é a sua voz, é a sua alma.

Uma delas é a “pra frente Brasil”, Composta para embalar a Seleção brasileira na copa de 1970, por Miguel Gustavo, onde houve a primeira transmissão ao vivo de uma copa do mundo, “Pra Frente Brasil” é lembrada até hoje antes dos jogos do time canarinho. Com a música podemos, inclusive, analisar o crescimento populacional no Brasil em pouco mais de 40 anos.

Na letra original, 90 milhões estão em ação, pondo o Brasil pra frente. Porém, se for atualizada para 2014, seremos quase 194 milhões sendo um só coração.

As circunstâncias que estas manifestações surgiram, a oficialidade das mesmas e o

O hino é uma das principais identidades de um time, senão a principal, está presente

nas grandes conquistas e vitórias de uma equipe futebolística, na copa do mundo não será diferente, acompanhará todas as seleções e fará com que o coral de milhares de pessoas cante com uma só voz, o amor pela sua nação.

Tivemos um exemplo na Copa das Confederações em Fortaleza. Entre protestos e tumultos que tomavam conta do país, a torcida na Arena Castelão levantou a voz e cantou de todo o coração o Hino Nacional Brasileiro, contagiando de emoção todos que estavam no estádio e aqueles que acompanhavam pela Televisão. Outro exemplo aconteceu em 2012 na Eurocopa quando os irlandeses soltaram a voz pra consolar o seu time.

A Irlanda estava perdendo feio por 4 a 0 para a Espanha, já certos que o time seria eliminado da Eurocopa, quando 20 mil irlandeses em Gdansk começaram a cantar The fields of Athenry, uma antiga balada sobre a grande fome irlandesa de 1845 a 1852. O potente coro masculino causou arrepios em todos os espectadores da Eurocopa. Com seu canto, os irlandeses deram força a si mesma e a seu time humilhado. É possível ver nitidamente que todos os meios de comunicação, campanhas publicitárias, redes sociais te todos os continentes estão direcionadas para o Brasil, pois todos estão embalados pelo ritmo da paixão pelo futebol e amor a

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sua pátria. Hoje podemos ver a música mais presente em eventos esportivos e futebolísticos, artistas que não estão presentes somente para entreter, mas para cantar sua paixão pela bola. Um dos maiores compositores de hinos de clubes ficou na historia, trata-se de Lamartine de Azeredo Babo, ou como ficou conhecido; Lamartine Babo. Este grande compositor mesmo sendo leigo em técnica musical, criou melodias maravilhosas e os Hinos dos maiores clubes de futebol do Rio de Janeiro. Uma curiosidade é que ele em um só dia compôs os Hinos dos principais times cariocas, Vasco, Flamengo, Fluminense, Bota Fogo, Bangu e seu time do coração o América Fc. Este e outros ícones da musica sempre foram apaixonados pelo futebol, fazendo com que a bola fosse sua fonte de inspiração. É em meio esse cenário que aguardamos que essa Copa do Mundo no Brasil, venha ser um grandioso espetáculo com muita festa e comemorações em toda a nação e é claro, embalados pelos cânticos de motivação e vitória.

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Música e futebol o casamento que deu certo.

Locutor Vitor O casamento de Garrincha e Elza Soares, não foi o único evento a unir futebol e música no Brasil. Desde 1912, quando Bonfiglio de Oliveira fez um choro batizado de Flamengo, a união faz sucesso em todo país.

Depois dele, Pixinguinha, Wilson Batista e Noel Rosa também fizeram músicas inspiradas sobre o esporte. O namoro virou casamento quando Lamartine Babo foi desafiado a compor hinos para os grandes clubes da cidade, em 1929. Em uma só tacada, lançou as músicas que até hoje são cantadas pelas torcidas nas arquibancadas. Não são simples gritos de guerra, são canções lindas, melodiosas, diz o cantor Wilson Simoninha, palmeirense, apaixonado por futebol e autor da música Aquele Gol. Em uma reportagem publicada em 1978, a revista Placar levantou que existiam, à época, 150 títulos ligados ao futebol. De lá para cá, vieram outras centenas. Sucessos de cantores e grupos de todos os estilos, como Chico Buarque, Elis Regina, Jorge Ben, Jackson do Pandeiro, João Bosco, Skank, O Rappa. O futebol combina com todos os ritmos porque é a cara do Brasil, explica Simoninha. O Brasil é um país muito variado, com grandes diferenças culturais, e tanto o futebol quanto a música refletem isso.

A tabelinha fez sucesso até com quem não é cantor profissional. Silvio Santos lançou Coração corintiano. Pelé tocou com Roberto Carlos e Elis Regina. O ex-centroavante do Santos e da seleção brasileira Serginho Chulapa também se arriscou no microfone. Seu companheiro na Copa de 1982, o lateral Júnior, ex-Flamengo, chegou a lançar dois discos. Às vésperas do mundial da Espanha, ele gravou Voa Canarinho, música que virou fenômeno de futebol-arte. Depois, em 1995, gravou um CD só com músicas em homenagem a seu querido Flamengo.

Desde criança, o craque participava de rodas de samba e aprendeu cedo a tocar pandeiro com um tio, em Copacabana. Mas nunca teve a pretensão de se tornar profissional. Até Ronaldinho Gaúcho virou cantor, e lançou clipe com a dupla sertaneja João Lucas e Marcelo.

A banda Skank chegou a ser convidada a representar o Brasil em “Allez! Ola! Olé!” Disco oficial da Copa do Mundo de Futebol de 1998. Com a musica uma partida de futebol conseguiu reunir todas as emoções de um estádio numa melodia que ganhou as paradas de sucesso. É a musica e o Futebol numa união que deu certo. Arrastando multidões, em estádios, arenas, casas de shows e a grandes eventos. Trazendo alegria a apaixonados no mundo todo e principalmente aos Brasileiros.

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Nordestino destacado como: Pai da bossa-nova.

Por Renan Silva O compositor baiano João Gilberto, foi um marco para a musica popular brasileira, pois através do disco chamado: Chega de saudade de 1959, norteou todo procedimento artístico das futuras gerações heroicas como Caetano Veloso, Gilberto Gil e os excêntricos sambista-progressistas Novos Baianos. Por viés todos queriam imitar João Gilberto com seu violão de batidas destoantes.

Uma das composições mais relevantes chega de saudade, incorpora um clima para quem vivenciou uma época de grandes perdas como o estadista Getúlio Vargas morto em 1954 um ano após a cantora Carmen Miranda, por meio do lirismo e musicalidade foi possível captar drama e o fim desse luto que os brasileiros viviam: de apropriação pelos torcedores,.

“Chega de saudade A realidade é que sem ela não há paz Não há beleza É só tristeza e a melancolia Que não sai de mim, não sai de mim, não sai.”

Como diria Nelson Rodrigues, jornalista daquele período designa o sentimento brasileiro de “síndrome de vira-lata”. João Gilberto escapa deste rotulo, porque busca harmonia em uma bossa-nova revolucionaria que contempla a tristeza, solidão e idealização da mulher amada, além de ficar contemporâneo de um tempo marcado por tragédias, tanto na vida musical como politica.

A proeza do álbum foi tamanha que a revista Rolling Stones, conceituada em musicas e bandas considera o disco do compositor baiano como quarto disco mais importante do Brasil e um dos álbuns, cujo deu pontapé inicial para bossa-nova tanto que João Gilberto fora considerado “pai” da bossa-nova.

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Os Mutantes um mito do rock nacional brasileiro.

Por Renan Silva A banda nacional Mutantes surgiu em São Paulo, no ano de 1966, com a formação de Arnaldo Baptista, Rita Lee,Sérgio Dias, Liminha e Dinho Leme. Participou do movimento artístico Tropicalismo.

Naquela época a banda tinha influências do quarteto inglês: Beatles, mas não esqueceu a cultura brasileira, onde seus discos têm uma mistura de progressivo e contestação ao regime militar.

Os músicos iniciaram sua carreira no programa da TV Record no programa do apresentador Ronnie Von até que se fez muito sucesso e foram convidados a participar do LP Ronnie Von-nº 3.

A aproximação dos Mutantes com o movimento tropicalista se deu por vias diretas pelo maestro carioca Rogério Duprat que os apadrinhou. Naquela época Duprat foi um dos responsáveis pela ascensão do Tropicalismo.

Devido à proximidade com o movimento artístico e o maestro carioca os Mutantes lançam em 1968 seu primeiro disco denominado: Mutante o disco fez tanto e faz tanto sucesso que segundo a revista Rolling Stones Brasil é o nono disco mais importante da música popular brasileira. Participou também do disco Panis et Circenses uma obra de vários artistas considerado um disco manifesto do movimento Tropicalista.

A consolidação da banda só veio acontecer em 1970 com o disco A divina comédia ou ando meio desligado com destaque a música: A divina comédia ou ando meio desligado de Arnaldo Baptista e Rita Lee. Em 1971 a banda paulistana assina com a Rede Globo para ser uma das atrações principais do programa Som Livre, logo se desinteressam e gravam o Jardim Elétrico com quatro músicas gravadas em Paris sendo os instrumentos elaborados pelo irmão de Arnaldo Baptista. Neste mesmo ano Arnaldo casa-se com Rita Lee. Por brigas no casamento os dois separam-se no ano seguinte lança com atraso “Os mutantes e seus cometas no País dos Baurets” destaque para música: Balada do louco de Arnaldo Baptista onde fez muito sucesso.

Devido à separação entre Rita Lee e Arnaldo Baptista os Mutantes perde sua vocalista principal que seguiu carreira solo. Já Arnaldo abusa das drogas e sai da banda. Sérgio Dias mantém a banda com Túlio Mourão, Rui e Antônio Pedro Medeiros.

A banda de rock progressivo ainda existi e faz sucesso no Reino Unido com Zélia Duncan entrando no lugar de Rita Lee.Mutantes insere-se tanto como propulsores do rock como um mito e lenda na música nacional brasileira.

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A Importância dos Ritmos do Norte e do Nordeste na Educação Por Gerardo Anésio

É de extrema importância a aplicação da música na educação. Pois, a música possibilita em qualquer faixa etária, que o educando evolua no domínio do seu corpo, desenvolvendo e aperfeiçoando suas probabilidades de movimentação, desvendando novos espaços, superando seus limites e possibilitando equilíbrio para arrostar desafios referentes aos aspectos sociais, afetivos, motores e cognitivos.

E quando se trata do ritmo nordestino e do norte do Brasil, essa nuance expressa possibilidades riquíssimas de se trabalhar a expressão da cultura desse povo que muito contribui para a riqueza cultural do nosso país.

A Revista Dó Ré Mi FaC apresenta algumas sugestões dos ritmos tradicionalmente nordestino mais difundidos pelo Brasil à fora - : frevo, forró, embolada, maracatu e coco.

Forró - O ritmo nordestino que conquistou o Brasil Por Gerardo Anésio

A origem A origem do nome forró apresenta diversas versões: O termo forró provavelmente “vem de fobó, que por sua vez, vem de forrobodó. sm. – 1. coreóg./ músic. Dança e ritmos populares,tipos da região nordestina, de origem campestre, cuja música é tocada principalmente com acordeão. Manifestação cultural do período de festas do São João” (Coimet, 2006, p. 76).

No idioma húngaro, Forró significa “Quente”. Não se tem variação da palavra no idioma húngaro, o termo Forró é igualmente escrito (com acento) como no português. Segundo o folclorista potiguar Luís da Câmara Cascudo, estudioso de manifestações culturais populares, “forró” vem da palavra “forrobodó”, de origem bantu que significa: arrasta-pé, farra, confusão, desordem. A versão mais aceitável, apoiada por Cascudo, é a de que Forró é derivado do termo africano forrobodó.

A origem mais conhecida da palavra “forró” segundo o + Educação.

O Forró é uma festa popular brasileira, de origem nordestina. No forró tradicional o ritmo é tocado por trios, compostos de um sanfoneiro, um zabumbeiro e um tocador de triângulo. Conhecido e praticado em todo o Brasil, o forró é especialmente popular nas cidades brasileiras de Campina Grande, Caruaru, Gravatá, Mossoró, e Juazeiro do Norte, onde é símbolo da Festa de São João, e nas capitais Aracaju, Fortaleza, João Pessoa, Natal, Maceió, Recife, São Luís e Teresina, onde são promovidas grandes festas.

Características Uma das principais características do forró é o ato de arrastar os pés durante a dança. Esta é realizada por casais, que dançam com os corpos bem colados, transmitindo sensualidade. Embora seja tipicamente nordestino, o forró espalhou-se pelo Brasil fazendo grande sucesso. Foram os migrantes nordestinos que espalharam o forró, principalmente nas décadas de 1960 e 1970. Atualmente, existem vários gêneros de forró: forró eletrônico, forró tradicional, forró universitário e o forró pé de serra.

A partir de meados da década de 80 surgiu no Ceará um novo meio de fazer forró, com a introdução de instrumentos eletrônicos, tais como guitarra, bateria e baixo. Também as letras deixaram de ter como o foco a seca e sofrimento dos nordestinos, e passou a abordar conteúdos que atraíam os jovens.

Os primeiros difusores: Um dos pioneiros , o sanfoneiro Luiz Gonzaga foi o pioneiro na difusão da música de sua região (Rio-São Paulo) e pode ter sido o primeiro a registrar o termo em disco no Forró de Mané Vito, parceria com Zé Dantas, em 1949.

A influência de Jackson também é registrada e celebrada em Jacksoul Brasileiro pelo pernambucano Lenine. Também o pernambucano José Domingos de Morais, o Dominguinhos, contribuiu para estabelecer o primado semântico do forró que acabaria engolindo outros estilos.

Artistas consagrados Há diversos artistas que colaboraram, sejam como compositores sejam como intérpretes, com diversos gêneros do forró.

Os compositores brasileiros de músicas de forró que mais se destacam, Ademar Coelho é um dos mais conhecidos.

Modo de dançar O forró é dançado em pares, executado com malícia e sensualidade, com diversas evoluções, diferentes para o forró nordestino e o forró universitário. Os passos principais do forró universitário.

Maracatu - Um dos Ritmos Quentes de Pernambuco Por Gerardo Anésio

O Maracatu é um ritmo tradicional do nordeste do Brasil, especificamente nas cidades de Olinda e Recife é oriundo da África. É também como a maioria das manifestações populares do Brasil, uma mistura das culturas europeia, indígena e africana.

Os Maracatus mais antigos que se apresentam no carnaval de Recife são conhecidos também como Maracatus do Baque Virado ou Nação.

O Maracatu Baque Virado é o mais tradicional e é sinônimo de um dos toques do cortejo do maracatu.

A zoada tradicional do Maracatu do Baque Virado é o primeiro a anunciar a chegada do grupo.

Tem também o Maracatu Rural , que com a crise mundial antes da II Guerra Mundial migrou para Recife. Ele é originário da fusão de algumas festas do interior de Pernambuco. Esse diferencial é o que nos faz crer que essa modalidade de Maracatu não tem nada a ver com a instituição mestra do Rei do Congo. O Maracatu Rural é mais recente e usa como instrumento o gonguê , a cuíca, o surdo, zabumba, saxofone, corneta e trombone, e tem um coro feminino.

Os instrumentos utilizados são: gonguê, as caixas, tambores, os ganzás e outros. O mestre de toadas puxa os cantos, e o coro responde. O resto do grupo canta principalmente as baianas.

O termo Maracatu designava uma reunião de homens e mulheres negros ou mulatos barulhentos e era utilizado como termo pejorativo. Serviu também para denominar uma reunião de escravos que era realizada no carnaval, a qual permitia que eles se reunissem em público e ali vivenciar as suas tradições e religiões. Era também nesse evento

que os escravos coroavam simbolicamente o rei e a rainha do grupo. Nesse acontecimento, além de se vestirem de branco, estilo barroco, roupas essas que tinham sido descartadas pelas portuguesas, eles também utilizavam uma boneca chamada calunga para homenagear as rainhas mortas. As bonecas calungas têm uma vertente religiosa e é obrigada a exibição nas portas das igrejas e as visitas a um terreiro é uma homenagem aos orixás.

O maracatu segundo alguns historiadores vem desde século XVII, e até os dias de hoje ele é executado mais ou menos da mesma foram.

A maioria dos Maracatus traz no seu cortejo meninos lanceiros. Outros trazem a figura do caboclo de pena, uma representação do indígena brasileiro, esses apresentam uma coreografia mais trabalhada e emitem sons imitando pássaros selvagens e estalos do arco e flecha. Essa coreografia é diferencia o Maracatu das danças dramáticas e das danças afros, pois a mesma tem uma semelhança com as danças do candomblé baiano.

O Maracatu inicialmente era formado com teatro, música e dança, mas atualmente a par te teatral foi eliminada.

Assim, como no carnaval de Salvador, na Bahia, que os trios elétricos se encontram na Praça Castro Alves, o Maracatu também, tem uma cerimônia na noite de segunda-feira de carnaval, que é conhecida com “Noite dos tambores silenciosos” onde grupos de Maracatu se encontram no pátio da Igreja do Terço em Recife, e a meia- noite os tambores silenciam e cantos reverenciam a rainha dos negros e escravos.

Som da Terra - Coco Por Gerardo Anésio

Vários cantores já fizeram referencia ao coco: Gal Costa, Gilberto Gil e Alceu Valença. Alguns grupos também redescobriam o coco através de seus trabalhos: Chico Science & Nação Zumbi e Cascabulho.

Os instrumentos mais utilizados no coco são os de percussão: ganzá, bombos, zabumbas, caracaxás, pandeiros e cuícas.

Normalmente esses instrumentos são acompanhados por palmas e sapateados, mas pode-se formar a roda utilizandose somente as mãos. As palmas devem ser batidas com as mãos encovadas, imitando o ruído de quebrar da casca de um coco. Algumas variedades são: coco-de-praia, coco-de-roda, coco-do-sertão, coco-de-furar, coco-de-embolada e outros.

O coco também é uma dança em que geralmente os participantes formam uma roda ou filas e realizam movimentos ritmados, tem a característica do sapateado e o passo destaque é a umbigada entre si e com os pares vizinhos, que ao ser executado marca o ritmo e anuncia a entrada de outros solistas no círculo. Dança típica das regiões praieiras é conhecida em todo o Norte e Nordeste.

Não se tem certeza da origem do coco, alguns pesquisadores afirmam que essa dança chegou aqui com os escravos africanos, outros dizem que ela é o resultado do encontro da raça negra com o nativo local. Alguns concordam que o coco tenha surgido no Nordeste, porém existe uma polêmica sobre qual estado teria surgido, ficando entre Alagoas, Paraíba e Pernambuco. Conforme registros na Prefeitura de Recife: “Segundo alguns pesquisadores, o coco nasceu entre os negros que viviam no Quilombo dos Palmares, em Alagoas, e deriva dos sons tirados a partir da batida do fruto sobre uma pedra, sendo improvisada uma dança, marcada pela batida do coco e cantorias.” (CASA DO CARNAVAL, RECIFE).

A dança do coco é manifestação de desabafo das pessoas sofridas da região Nordeste e apresenta variedades de formas, que pode ser conforme o texto poético, a coreografia, o local e o instrumento de música.

Embora seja dançado em todas as épocas do ano, o coco é um folguedo do período junino. Também é conhecido como “bambelô” ou “zamba”e foi dançado nos salões da sociedade de Alagoas e Paraíba com o nome de samba, pagode ou zambê.

Som da terra - Ritmos do Nordeste Brasileiro Por Gerardo Anésio

O frevo é uma palavra originada da linguagem simples do povo nordestino, especificamente de Pernambuco e vem da palavra “ferver”, que era pronunciada “frever”. Originou-se das bandas de música, dobrados e polcas e provavelmente é a única composição popular do mundo que nasce com a orquestração.

O frevo pode ser denominado de: frevo de abafo (onde é destacado o uso de instrumentos metálicos, como pistões e trombone); frevo de rua (que é um frevo instrumental, onde se utiliza instrumentos de metal, especialmente trompetes, trombones, saxofone, clarinete e percussão); frevo ventania (que executado através da introdução de semicolcheias, o que aumenta o seu compasso) etc.

O frevo- canção tem algumas características da marchinha carioca, começa com uma parte introdutória e a outra cantada, iniciando ou terminando com estribilhos. Destacam-se alguns frevos-canção como: Borboleta não é ave de Nelson Ferreira, Na mulher não se bate nem com uma flor de Capiba, Hino de Pitombeira de Alex Caldas, Hino de Elefante de Clídio Nigro, Vestibular de Gildo Moreno. O frevo-canção destacou-se no final do século passado através das suas músicas bonitas, inclusive a música “A marcha nº 1 do Vassourinhas, que se transformou no hino do carnaval recifense. Alguns interpretes se destacam como é o caso de Alceu Valença, Claudionor Germano e outros Os frevos-de-bloco podem ter sido se originados de serenatas idealizadas por rapazes, que participavam do carnaval durante o dia e a noite se reuniam para dar prosseguimento á festa carnavalesca. A orquestra é formada com pau e corda, ou seja, com violões, banjos, cavaquinhos etc..

Nos últimos tempos essas orquestras foram incrementadas com coral de mulheres e com a introdução do clarinete. Os frevos-de-bloco que mais se destacam são: Valores do Passado de Edgar Moraes, Marcha da Folia de Raul Moraes, Relembrando o Passado de João Santiago, Saudade dos Irmãos Valença, Evocação n° 1 de Nelson Ferreira, entre outros.

A partir da década de 1930 o frevo ganhou algumas denominações como: frevo-de-rua, frevo-canção e Frevos-de-bloco. Isso se deu devido à popularização do ritmo, pelas gravações em discos e a divulgação pelos programas de rádio.

O frevo-de-rua se caracteriza por não ter letra, ele é meramente executado para ser dançado, é o que mais se identifica como frevo puro, suas carac-

terísticas são próprias não são confundidas com nenhuma outra música do Brasil ou do exterior.

O frevo-de-rua é composto de uma introdução geralmente de 16 compassos seguindo-se da chamada “resposta”, de igual número de compassos, que por sua vez antecede a segunda parte, que nem sempre é uma repetição da introdução. A música frevo divide-se em três denominações: o frevo abafo ou de encontro, que predominam os instrumentos metálicos, como pistões e trombones; o frevo –coqueiro, com notas agudas distanciando-se no pentagrama e o frevo-ventania, formado pela introdução de semicolcheias. Para a finalização do frevo os músicos utilizam um acorde longo e perfeito. Alguns frevos- de- rua se destacam no carnaval pernambucano são eles: Frevo-de-rua famosos Vassourinhas de Matias da Rocha, Último dia

de Levino Ferreira, Trinca do 21 de Mexicano, Menino Bom de Eucário Barbosa, Corisco de Lourival Oliveira, Portabandeira de Guedes Peixoto, entre outros.

Segundo informação do IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional), o frevo é uma forma de expressão musical, coreográfica e poética, profundamente radicado no Estado de Pernambuco. Como gênero musical, o Frevo surge no final do século XIX, no carnaval, em um momento de transição e efervescência social como uma forma de protesto das classes populares.

A música e os passos do frevo foram criados simultaneamente, que uma dança frenética.

Produto desse contexto sócio-histórico singular, desde suas origens, o Frevo representa um protesto político e uma crítica social em forma de música, de dança e de poesia, constituindo-se em símbolo de resistência da cultura pernambucana e em expressão significativa da diversidade cultural brasileira.

Afirma alguns estudiosos do frevo música foi criado por compositores de música ligeira, voltado para o carnaval de Pernambuco. Mas, como todos os ritmos com o passar do tempo o frevo foi sendo dançado com passos soltos e acrobáticos, que o caracteriza até hoje.

FREVO E SUAS INFLUÊNCIAS O frevo música que inicialmente era instrumental passou a ter letra e se transformou no frevo-canção, com isso começou a sua expansão, deixou só de pertencer ao povo pernambucano e passou a ser de todo Brasil.

Esse evento deu-se a partir de 1932 após uma adaptação do compositor Lamartine Babo ao “Frevo Mulata”, composto pelos pernambucanos Irmãos Valença na canção “O teu cabelo não nega” foi estabelecido um novo estilo de canção no Rio de janeiro conhecido como marchinha carnavalesca carioca.

No final da década de 1930, Francisco Alves lança a primeira gravação de um frevo que foi denominado de “Frevo Pernambucano”, composição de Luperce Miranda e Oswaldo Santiago. Um ano após o lançamento de Francisco Alves é colocado a disposição do público a música “Vamo se Acabá”, gravado pela orquestra Guanabara, uma composição de Nelson Ferreira, que foi classificada como frevo.

O envolvente frevo pernambucano no ano de 1950 também contagiou os cantores baianos Dodô e Osmar, que com a sua fubica tão conhecida no carnaval baiano, que depois se transformou em trio elétrico, quando Caetano Veloso tocou a música “Atrás do trio elétrico.”

O frevo continuou com a sua trajetória de sucessos. Em 1957, Nelson Ferreira com o frevo “Evocação Nº1”, gravado pelo “Bloco Batutas de São José” derrotou a marchinha e o samba invadindo o carnaval carioca. A gravação desse frevo era de uma gravadora local, a Mocambo. Essa gravadora obteve grande sucesso nos lançamento de vários frevos.

Gal Costa a cantora baiana também inspirada pelo ritmo do frevo pernambucano, incrementou a sua música “Festa do interior”, um dos grandes sucessos da sua carreira, dos compositores Moraes Moreira e Abel Silva, com o frevo, dobrado e tintura funk, com o arranjo de Lincoln Olivetti. Outros cantores de outras partes do Brasil também se deixaram envolver pelo ritmo frenético do frevo pernambucano, como foi o caso de Elba Ramalho, Gilberto Gil, Lenine e outros. Letras de frevos famosos.

A Música Brasileira Cantada nos Livros Por Gerardo Anésio

Por incrível que pareça, a história da música brasileira se confunde com a trajetória de nossa literatura. Como sabemos as primeiras manifestações culturais propriamente ditas, do nosso meio intelectual, surgiram através de poesias, romances e escritos nos folhetins de remotas eras. Pois bem!

Veio a idéia de repassar ao amigo leitor da revista DO, RE, MI, FaC o compêndio da minha modesta biblioteca que já a alguns anos vem se formando preferencialmente com livros do gênero musical.

Minha idéia inicial sobre este artigo era fazer um estudo sobre as pioneiras canções do Brasil. No entanto, poderia incorrer no erro, na injustiça de “puxar a brasa”, em defender minha música favorita, o velho e bom samba.

Em todo o contexto musical, milhares de gêneros, ritmos e tipos espalhados pelo mundo à fora a música brasileira tem lugar de destaque. E tudo começou quando os inspirados poetas brasileiros resolveram musicar seus romances a partir do século XVIII. Esta afirmativa se torna fora de dúvida pela importância de certas passagens de uma obra literária da época intitulada: Compêndio Narrativo do Peregrino da América, do escritor Nuno Marques Pereira, que na obra ele faz um levantamento de informações de interesse para a história da música urbana no Brasil. O gênero que o literato descreve é denominado Calundus, por influência afro-decendente.

A riqueza literária musical brasileira é reconhecida internacionalmente, pois muitas de nossas publicações que atravessaram fronteiras e ocupam lugar de destaque nas livrarias e bibliotecas da Europa, Ásia e África. Inúmeros aficionados no gênero lítero musical declinam preferência a escritores e pesquisadores brasileiros. Cito alguns nomes consagrados de nosso país, como José Ramos Tinhorão, André Diniz, Regis Cardoso, Ruy Castro,

Henrique Cases, Jairo Severiano e Zuza Homem de Melo, dentre outros.

Os títulos bem solicitados como; “A Canção no Tempo” em dois volumes, “Choro do Quintal ao Municipal”, “Chega de Saudade”, “No Princípio Era o Som”, “Almanaque do Samba”, “A Música Popular no Romance Brasileiro”, “Mestres da Música Chiquinha Gonzaga”, e por aí vai. Tão bom quanto ouvir nossa música, é conhecer a histórias da Música Popular Brasileira.

Talvez alguém se atreva em dizer que não gosta de música velha. Ora, se este conceito prevalecesse, eu seria capaz de defender que a música não tem idade. Portanto, esta não envelhece. E cada vez que uma música é tocada, executada, ouvida, ela rejuvenesce em nosso sentimento.

O centenário compositor baiano, Dorival Caymmi, em sua música “O Samba da Minha Terra”, dado momento diz: ‘”Quem não gosta de samba bom sujeito não é. É ruim da cabeça ou doente do pé”. Isto vale para toda música.

Música Brasileira Trajetórias, Consagração e Centenários.

Por Gerardo Anésio

Quando se fala em música de qualidade, é comum a gente ouvir a máxima: “Adoro ouvir MPB. Curto Chico, Gal, Caetano, Betânia e as músicas da Elis”... O que tem de “doidim” que “se acha” no top musical, não está no repertório.

Então, para botar o tropicalista na roda, você sugere a música popular brasileira de raiz, e cita Guerra Peixe, depois populariza o musical com outros nomes; Dorival Caymmi, Lupicínio Rodrigues, Aracy de Almeida. Aí o “entendido” vai sair com essa: “Eu não gosto de música velha”.

Pronto! Então você lembra que a música nunca envelhece. Lamentável que alguns destes ícones da nossa Canção Popular tenham ficado esquecidos.

Mas, para fazer justiça e reconhecer a valorização de suas obras, vamos lembrar que Caymmi, Aracy, Lupicínio e Guerra Peixe, neste ano 2014 celebram centenário. Confira!

Guerra Peixe é autor de obra vasta, abrangendo praticamente todos os gêneros musicais.

Faleceu no Rio de Janeiro em 26 de novembro de 1993.

Certamente você sabe de quem estou falando. O primeiro aniversariante é um erudito, compôs também o gênero popular, mas sua notoriedade se fez na pesquisa, no estudo e principalmente no ensino da nossa musicalidade. César Guerra Peixe um nome que Teve sua Sinfonia n. 1 (1946) executada pela Orquestra da BBC de Londres. Foi o criador da Escola Brasileira de Música Popular.

“Quem não gosta de samba...

Bom sujeito não é... é ruim da cabeça...

Ou doente do pé”...

Estes versos bastante conhecidos, até virou bordão.

E claro! Sabemos que o “Bom baiano” Dorival Caymmi, viveu literalmente de música em toda sua plenitude, prova disso é ter contraído matrimônio com uma cantora e dessa união surgiram mais três cantores e compositores, os filhos Dori Caymmi, Nana Caymmi e o caçula Danilo Caymmi.

O clã Caymmi, segue a linha do mestre e paizão Dorival Caymmi, que Compôs inspirado pelos hábitos, costumes e as tradições do povo baiano.

Referências da MPB não titubeiam em suas colocações, a exemplo de Jobim: “O Dorival é um gênio. Se eu pensar em música brasileira, eu vou sempre pensar em Dorival Caymmi. Ele é uma pessoa incrivelmente sensível, uma criação incrível. Isso sem falar no pintor, porque o Dorival também é um grande pintor.”

- Tom Jobim CENTENÁRIO DE ARACY DE ALMEIDA Participou como jurada do programa de calouros “A Buzina do Chacrinha” e seu último trabalho em televisão foi no “Programa Silvio Santos”.

O Acervo 78 rpm de Aracy de Almeida foi 100% restaurado e digitalizado pelo Collector’s Studios.

Propositadamente, abro com esta referência sobre Aracy de Almeida, mas considero o mais simples momento de sua carreira. Afinal uma cantora que muitos sabem, foi a interprete preferida de Noel Rosa, o compositor da Vila Isabel. E as gravadoras de sua época confirmam esta escolha, pois a grande maioria das músicas de Noel Rosa constam fonograficamente registrada na voz da DAMA DA CENTRAL, como ficou popularizada Aracy de Almeida.

Não foi só de Noel Rosa que a nossa centenária cantora de 2014 subiu nos palcos e entrou nos grandes estúdios de gravação, Aracy de Almeida foi aclamada por longos anos a melhor e mais expressiva voz dos carnavais, nas famosas marchinhas. Teve sua voz emprestada às canções de muitos outros gêneros e compositores brasileiros. Parabéns, Dama do Encantado! Nós celebramos sua festa centenária com APLAUSOS À MPB. Resolveu abrir uma churrascaria, a Jardim da Saudade ou Galpão do Lupi, a primeira de uma série de restaurantes e bares que iria abrir nos anos seguintes.

Agora imagine uma raposa cuidando de aves. Paradoxal, mas pura verdade. O nosso homenageado em 2014 faria cem anos, caso fosse vivo. Sua obra se define especialmente musical e com o charme dos mais amantes e desiludidos.

Lupicínio Rodrigues (Porto Alegre, 16 de setembro de 1914 — Porto Alegre, 27 de agosto de 1974) foi um compositor brasileiro. Lupicínio, nasceu no bairro portoalegrense da Ilhota, na Travessa Batista, nº 97.

Este grande compositor brasileiro foi o criador da chamada canção “DOR DE COTOVELO”. Aquela música que quando o amante está crise aguda, encosta os cotovelos no primeiro balcão que encontra e rasga a guela tragos e tons. Nem contar com as lágrimas que às vezes escapam de bochecha a baixo.

Deixou cerca de uma centena e meia de canções editadas; outras centenas que compôs foram perdidas, esquecidas ou estão à espera de quem as resgate. As músicas mais cantadas e tocadas nas rádios do Brasil e do mundo pelos chamados apaixonados de plantão, são: Cadeira vazia, ela disse-me Assim, Matriz ou Filial, Esses Moços, Pobres Moços, entre muitas outras.

O mes de setembro está próximo e nele certamente as comemorações terão nos bares seu apogeu na dor-decotovelo. Salve Lupe! Salve a canção paixão.!

EMBOLADA - O EMBALO LITORâNEO DO NORDESTE Por Gerardo Anésio A embolada é um gênero musical que ocorre em outras danças, como o coco, como o desafio e que também pode ser cantado independente.

Para Euclides Formiga, o metro é “setissilábico, a redondilha maior”. Já para Câmara Cascudo, a embolada tem como característica o refrão e a estrofe de seis versos. Já para Leonardo Mota, seria um martelo, com estrofe de dez versos com cinco sílabas. Nas feiras nordestinas uma das principais atrações é o encontro de dois emboladores, empunhando o pandeiro ou o ganzá, um instrumento de flandre, cheio de caroços de chumbo.

Esse gênero é caracterizado por uma melodia mais ou menos declamatória, em valores rápidos e seguimentos curtos. O texto é geralmente cômico, satírico ou descritivo e frequentemente cheio de aliterações e onomatopéias, de dicção complicada, agravada pela rapidez do movimento musical.

Um dos principais nomes do gênero foi o pernambucano Manezinho Araújo, que fez grande sucesso nos anos 40 e 50 com suas emboladas, com destaque para “Veja como o coco é bom”, “As metraia dos navá”, “Quando a rima me fartá” e “Cuma é o nome dele”, entre outras composições.

A embolada é originária do Nordeste brasileiro, mais frequente na zona litorânea e mais rara na sertaneja.

Entre os principais emboladores, destaca-se a figura do alagoano TiraTeima.

Com o advento do rádio e especialmente a partir da invasão da música nordestina nos anos 40, destacaram-se diversos artistas cultores do gênero.

Mais recentemente destacaram-se na embolada as duplas Cajú e Castanha e Terezinha e Lindalva, essa última apresentando-se no Rio de Janeiro, principalmente no Largo da Carioca.

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