EL RENACIMIENTO LA ARQUITECTURA MANIERISTA LA ARQUITECTURA BARROCA LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
Historia de la Arquitectura
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CONTENIDO: 4
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EL RENACIMIENTO
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ARQUITECTURA MANIERISTA
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ARQUITECTURA BARROCA
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ARQUITECTURA NEOCLASICA
Arquitectura Elementos sustentantes: muros y columna. •El elemento sustentante por excelencia es el muro. La columna siempre soporta arcos de medio punto. El estilo de capitel más empleado es el corintio y junto al el aparecen el dórico, jónico y compuesto. Elementos sustentados: •Se utilizan las bóvedas de arista o de cañón, aunque es la cúpula la solución más representativa ya sea para cubrir partes del edificio o el edificio entero. También se utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen aparecer decoradas con casetones entre los materiales se utilizan el ladrillo el mármol, y aparejos menudos. Los sillares en algunos casos son almohadillados, los elementos decorativos destacan áureas ( en forma de corona u orla de hojas de laurel), guirnaldas, amorcillos, grutesco ( motivo decorativo compuesto por seres fantásticos con formas humanas vegetales y animales complejamente enlazados), candelieri (inspirado en la forma de los candelabros) y balaustradas. También son importantes los elementos arquitectónicos del arte clásico como frontones, entablamentos, las plantas desaparece la concepción medieval que se basa en una visión longitudinal hacia el altar mayor. Partiendo de una planta basilical se llega a las plantas centrales que son las más características a partir del cinquecentto.
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En la arquitectura religiosa se utiliza la planta longitudinal o central. El interior es ancho buscando la unidad espacial. Se propugna la pared la pared limpia y luminosa, sin vidrieras, con pequeñas ventanas que dejan pasar la luz natural. El exterior es muy cuidado buscando la belleza y el interés por el urbanismo, la arquitectura civil adquiere gran importancia con respecto a la religiosa. El palacio se organiza en torno a un patio y la fachada se articula en tres plantas separadas por cornisas y rematadas con una por una gran cornisa. Se utiliza sobre todo el aparejo de sillar almohadillado y se abren un gran número de ventanas.
Escultura: Durante el renacimiento fueron retomados distintos estilos antiguos en cuanto a escultura, entre los que se encontraba la escultura griega y romana, la representación del cuerpo humano la veracidad y el naturalismo, se muestra el estudio sobre la anatomía humana (antropocentrismo), así como también la recuperación del desnudo, renace el sentido de la proporción “proporcionalidad”, se manifiesta la representación del espacio, la perspectiva geométrica y la representación de la naturaleza con sentido narrativo el relieve pictórico y los temas de la mitología clásica es recreada desde la significación cristiana. Los materiales más utilizados son: mármol, bronce, madera, piedra, terracota. Estilos: estatua, busto, relieve, medallones tondos.
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Pintura: La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara. Consolidación de la técnica del oleo y del lienzo como soporte, manteniendo la técnica del fresco y el muro como soporte, se desarrollo el claroscuro, se introduce del Sfumato y la perspectiva aérea, existiendo un cuestionamiento de la perspectiva lineal en la representación del espacio, la convergencia entre el dibujo y el color así como también las soluciones manieristas (movimiento y dramatismo) que se van distanciando del clasicismo, la variedad temática como el retrato, religioso, mitológico y alegórico. Se manifiesta la perdida de los contornos en la figura, a favor del color , riqueza y unidad cromática, la exaltación del lujo y la riqueza en relación a los ambientes palaciegos, personaje, joyas y telas, las texturas.
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Arquitectura: La arquitectura renacentista española pasó por tres fases. La primera es la del estilo plateresco y se puede considerar como una combinación de elementos del mudéjar y del gótico. El plateresco se caracteriza por edificios cuyas fachadas están ricamente decoradas con adornos almohadillados, medallones, escudos, columnas con capiteles corintios y pilastras decoradas con insectos, hojas, etcétera. Esta mansión puede considerarse como el edificio civil más representativo de la arquitectura renacentista de tendencia plateresca. Su fachada está decorada por unas 300 - 350 conchas de peregrino, símbolo de la Orden de Santiago. Las ventanas también revelan la influencia mudéjar y gótica del estilo plateresco.
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Escultura: La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos o a los españoles que viajan a Italia a formarse, la escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Además de da mucha importancia de la expresividad, También es original por los materiales empleados. Por ejemplo, se utiliza mucho la madera policromada de pino con la técnica del estofado, en la que se aplica una fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado. Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos.
Escultura
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Pintura: Es una obra de gran belleza, donde se produce un alargamiento de las figuras. Se muestran importantes contrastes lumínicos (transparencias, sombras...) En el rostro de la Virgen, Luis Morales pintó grandes ojos abultados, la ausencia de temática profana y predominio de la religiosa, la clientela será fundamentalmente la Iglesia, la técnica preferida es el óleo sobre tabla, o sobre lienzo con escaso desarrollo del fresco, dependencia de las formas italianas que conviven con restos góticos y caracteres populares, en Época de Felipe II, El Escorial se convierte en el centro de la producción pictórica más importante, mención aparte merece el genio individual del Greco.
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La arquitectura francesa es modelo a seguir en el diseño de edificios a nivel mundial. El arte francés es de carácter elegante y refinado, cosa que se proyecta en sus obras arquitectónicas. Los arquitectos franceses del Renacimiento y del período neoclásico son especialistas en construcciones palaciegas, poseen los castillos más bellos del mundo, miles de turistas acuden para admirar estas edificaciones monumentales, que aun se encuentran en perfectas condiciones.
La mayoría de castillos de Francia están en la región del Loira, allí existen numerosas construcciones palaciega s. La mayoría de ellas fueron edificadas durante el Renacimiento, época de gloría para los arquitectos franceses concentrados en París. Para conseguir levantar estas construcciones magníficas aplicaron su fina creatividad estética y técnicas de ingeniería avanzada. Dentro de esta zona se ubica la castillo monárquico más famoso de Francia, el Chambord. Una parte del valle del Loira, con 42 castillos, ha sido nombrada patrimonio de la humanidad por la UNESCO 10
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El arte de la pintura en Francia se desarrolló en el Renacimiento, movimiento cultural europeo que dio a las artes el primer plano que ocupan todavía hoy en día. Inicialmente favorecida por los reyes, la pintura se emancipó poco a poco del poder y encontró su fuerza en la audacia de los pintores. Francia no tuvo grandes creadores, hay algunos que merecen estar en la memoria de las personas, por lo que daremos una pequeña pincelada a dos de los grandes. Es la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y mobidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas. Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
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La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras.
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El Descendimiento de la cruz (Pontormo) El gran lienzo del retablo de la Capilla Capponi, diseñado por Filippo Brunelleschi en la Iglesia de Santa Felicita es considerada por muchos la obra maestra (1528) de entre las que han sobrevivido hasta nuestros días, la decoración de la bóveda de la capilla ahora perdida, sobreviven cuatro tondos con los Evangelistas, trabajados conjuntamente por Pontormo y por su discípulo e hijo adoptivo Agnolo Bronzino. En el altar está situada la obra maestra de Pontormo El descendimiento. Las figuras, con sus formas bruscamente modeladas y brillantes, los colores duros se unen en un espacio austero y aplanado. Los dolientes y apenados que están bajando a Cristo aparecen como angustiados. Este óvalo triste y tumultuoso de figuras le llevó tres años antes de que Pontormo lo terminara. Sus retratos, demuestran semejanzas en proporciones del manierismo. La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura tremendamente escorzada que tiene su continuidad en los jóvenes que portan el pesado cuerpo. En un segundo plano se sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose en un esquema piramidal que se cierra con la mujer de la línea central. Las monumentales figuras se alargan de la misma manera que hará posteriormente Parmigianino y El Greco. Sus rostros llaman nuestra atención, desarrollando al máximo la expresividad de los gestos, creando una escena cargada de teatralidad. El empleo de una luz fría transforma los colores que se convierten en irreales.
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La Virgen del cuello largo es sin duda la más famosa obra de Parmigianino. El artista ha trabajado en el último período de su actividad. La obra fue encargada por Elena Baiardi para su capilla en la iglesia de Santa Maria dei Servi, en 1534, que se entregarán el próximo año. De hecho, el pintor nunca ha entregado, y cuando murió en 1540, quedó sin terminar. Las cifras son casi todos fuera de proporción con lo real, y parecen seguir una lógica diferente de la percepción, ya que el marco debe verse desde ángulos particulares. La imagen tiene una composición muy singular y aparentemente irracional. Por un lado están llenas de figuras de ángeles y estrechas en un espacio cerrado, mientras que en el otro lado del espacio se abre al exterior para ver a un espacio abierto en la distancia donde hay algunos ejes de columnas sin capiteles, y en el fondo, muy pequeña, la figura de San Jerónimo con un pergamino en la mano. Sin entrar en el fondo de la significación iconográfica controvertido, el trabajo, aunque no completa, tiene su encanto innegable. Afecta principalmente a la disminución general de la atmósfera de la escena, que está dominada por la inmovilidad y el silencio. Cada detalle es estudiado en detalle, sobre todo en los tonos dorados del cabello y los pliegues de las prendas. Las caras son todas muy suave y muy dulce, especialmente la del ángel inmediatamente a la izquierda de la Virgen, con aspecto vagamente perdida en el vacío.
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Correggio nos muestra a la joven y bella princesa desnuda, sobre un paño blanco que contrasta con los tonos grises de la niebla, que toma forma humana para abrazar y besar a Io. La figura de la joven resalta por sus atractivas proporciones, destacando gracias al potente foco de luz con el que ha sido bañada por el maestro. La sensación atmosférica que se crea y la gracia de la composición son elementos característicos de la pintura de Antonio Allegri. Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos scorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo. Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco.
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Esta escultura en bronce la realizó el gran artista italiano Benvenuto Cellini entre los años 1545 y 1554, y sin duda alguna, es una de sus obras cumbres, en las que manifiesta como el arte renacentista ha ido evolucionando con el paso de los años y va camino de convertirse en un nuevo estilo: el Manierismo. La obra muestra una brutal tensión y un desgarramiento pasional muy propio de ese estilo, lo cual se manifiesta de una forma muy clara en la exagerada musculatura del personaje. De alguna forma, es un buen ejemplo de cómo la armonía de la escultura clasicista de las décadas anteriores, iniciada por artistas de la talla de Lorenzo Ghiberti, está desapareciendo. El artista para su representación huye de las formas de la belleza clásica basada en el equilibrio, la serenidad y la claridad de las formas. Tanto como la musculatura se exagera el gesto de Perseo, al igual que en el rostro de la cabeza decapitada de la medusa. Y aún siendo rompedor, el arte de Cellini se basa en la tradición escultórica de Florencia, y más concretamente en uno de sus escultores más prestigiosos: Donatello. De hecho, toma como modelo tanto el David como la Judith de Donatello. Y es que esta última está situada en la misma plaza donde se ubica el Perseo, en la piazza della Signoria de Florencia. Y mientras Judith está ante la fachada del Ayuntamiento de la ciudad, el Perseo de Cellini se coloca en la Loggia dei Lanzi, a escasos metros.
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La composición de líneas abiertas facilita gran variedad de gestos, ademanes y posturas imposibles que dotan al conjunto de un trágico dramatismo. Así se expresan los diferentes comportamientos psicológicos de los personajes, representando los “afecti”, los estados anímicos: brutalidad frente a belleza, vicio frente a virtud… La obra encierra un gran contenido alegórico y moral. El artista muestra un gran virtuosismo técnico en el tratamiento de la carne, al basarse en el contraste entre la musculatura robusta del dios y la dulzura de la joven. De esta manera, es notable también la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina inmovi-lizándola, se aprecian lágrimas en el rostro de la joven. En cuanto a la posición de la obra, Plutón está representado en contraposto (con una pierna fija y la otra adelantada para conseguir el efecto de movimiento), lo cual es una reminiscencia del Manierismo. Los dos cuerpos retorciéndose crean una figura serpentinata dando lugar así, a un movimiento helicoidal.
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Hércules y el centauro Neso, es una gran obra del escultor Juan de Bolonia, que se encuentra en Florencia. Giambologna es el nombre italianizado de Jean Boulogne (Douai 1529 - Florencia 1608) fue un escultor de origen flamenco que llegó a Roma hacia el 1550.
Se consideraba profundamente italiano por espíritu y educación, fue capaz de aceptar la lección de Miguel Ángel y encontrar la medida del manierismo.
Este grupo escultórico fue colocado en primer lugar, en 1599, en la esquina dei Carnesecchi en Florencia, luego se trasladó al lado sur de la galería de los Uffizi, y más tarde se colocó en la plaza que está cerca del Ponte Vecchio, en la margen izquierda del Arno, desde 1812, se encuentra su sede permanente en la Loggia dei Lanzi en la Piazza della Signoria. La escultura se caracteriza por una gran fuerza plástica expresada por la fuerte torsión, casi elástica, del cuerpo del centauro Neso, doblado por la fuerza de Hércules.
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La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva.
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Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI en el manierismo. Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro entradas del edificio. Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los elementos religiosos usados para ensalzar la vida en el campo. Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de cuatro pórticos laterales (uno por cada lado). Los pórticos presentan orden jónico más entablamento y frontón. En cuanto a las villas palladianas esparcidas en los campos inmediatos a la ciudad de Vicenza, destaca la villa Capra (1567-1569), también conocida como "La Rotonda", en la que "plantea cuatro pórticos de templos romanos con elevador estereobato y columnas dóricas en medio de jardines que acceden, por los cuatro puntos cardinales, a un cubo en cuyo centro se ha instalado un cuasi panteón romano: Naturaleza y Cultura no han encontrado mejor síntesis bajo tan limpio lenguaje clásico”
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Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI en el manierismo. Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro entradas del edificio. Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los elementos religiosos usados para ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de cuatro pórticos laterales (uno por cada lado). Los pórticos presentan orden jónico más entablame<nto y frontón. Otra obra del arquitecto es el Palacio Bevilacqua, caracterizado por un paramento rústico en el primer piso y por grandes aperturas al arco en el registro superior, que se alternan con ventanas de dimensiones menores contenidas en el espacio del intercolumnio.
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Esta iglesia es iniciada en 1568 y consagrada en 1584. Fue financiada por Alejandro Farnesio, sobrino de Paulo III, siendo encargada al mejor arquitecto italiano a la muerte de Miguel Ángel, Vignola. La planta es de cruz griega, con tres naves que se corresponden con las tres puertas de entrada. El estilo arquitectónico es renacentista y la ornamentación barroca. La Planta es una combinación de 1. Planta longitudinal (gótica) y 2. Planta central (Renacimiento). La fachada se articula mediante pilastras y el ritmo exterior reproduce el ritmo interior, reflejando la distribución de las naves. La parte central se encuentra destacada mediante el uso de medias columnas y un doble frontón doble, en el que un frontón curvo engloba a otro recto (los frontones englobados serán característicos del Barroco posterior), marcando el eje axial. Existe un cierto dinamismo en la fachada, pero esta sigue siendo bastante plana, únicamente con un ligero movimiento en el frontón y el ritmo generado a través de las pilastras. En la fachada podemos ver algunas de las características más destacadas del Barroco. La cúpula actual no es la original, proyectada con gran solemnidad por Paolo Valeriano, porque se derrumbó en el terremoto de 1688. Los materiales que se utilizan son principalmente: ladrillos con mezcla revestidos en travertino (mármol) en muros; ladrillo, piedra y mortero revestido con estuco en bóvedas; piedra y mortero en la cúpula; madera y tejas en la cubierta; baldosas de mármol en los pisos. La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando el eje axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta obra será el prototipo usado durante el primer tercio del siglo XVII, en el uso de las pilastras y nichos.
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Iglesia San Carlo de las 4 Fuentes
Arquitectura Barroca
El muro es el principal soporte se ondula y modela permitiendo plantas flexibles. Los vanos que se abren pueden tener formas complejas, ovales, con sobreventanas, etc., las fachadas se curvan como consecuencia de la introducción de entablamentos curvos.
Los arcos son muy variados: medio punto, elípticos, mixtilíneos, ovales. El arco más utilizado es el de medio punto.
Se llenan de esculturas, las columnas se desprenden del muro y el efecto general es de mayor riqueza y movimiento.
Abundancia de elementos decorativos: los frontones , se parten y adquieren formas curvas o mixtilíneas, abundancia de hornacinas, ventanales con forma ovoide (oculi), empleo de orejeras, espejos, carteleras, ménsulas y esculturas.
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Existe un predominio de la forma sobre la función, por lo que el edificio se concibe de un modo global, destacando sus valores escultóricos.
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Los soportes, exentos o adosados se emplean mucho, pero, en general, con fines decorativos. Se usan los atlantes, cariátides y ménsulas y aparecen dos soportes nuevos típicamente barrocos: la columna salomónica y el estípite.
Arquitectura Barroca
El Baldaquino de San Pedro. G. Bernini ESTIPITE: soporte vertical cuyo tronco tiene forma de pirámide invertida, puede resultar muy complejo al yuxtaponerse, en ocasiones diversos elementos.
COLUMNA SALOMÓNICA: la que tiene fuste torsionado en forma de espiral.
Las columnas pierden sus proporciones clásicas y se hacen monumentales o enanas, según convenga al efecto del conjunto.
El baldaquino es una especie de templete formado por cuatro columnas que sostienen una cúpula o dos y destinado a cobijar el altar cuando tiene posición aislada.
FUERTES CONTRASTES: -Color oscuro del bronce con el blanco de la piedra y mármol de los elementos estructurales que lo rodean. -La forma espiral de las columnas con las estrías rectas de las pilastras de la iglesia
Es un monumental dosel de bronce sostenido por cuatro columnas salomónicas, donde no se utiliza la línea recta, sino que gira y se retuerce con gran sensación de movimiento. En esta obra consagra el uso de este tipo de columnas.
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La columnata de san pedro del vaticano, roma. G. L. Bernini
Arquitectura Barroca
El uso de columnas con balaustradas y estatuas nos recuerda a Palladio en el Teatro Olímpico. Un eje tetrástilo de columnas pareadas rompe la monotonía de los tramos medios
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Sobre las columnas corre un entablamento rematado con la típica balaustrada barroca coronada por enormes estatuas que representan a los grandes papas, apóstoles, profetas, santos y patriarcas que reciben a los cristianos que acuden al Vaticano.
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La plaza de San Pedro se compone en realidad de dos plazas tangentes, una de forma trapezoidal y otra elíptica
Las columnas se encuentran organizadas radialmente en torno al punto de generación de la elipse, creando un espacio desbaratado ópticamente.
Cada columnata está constituida por cuatro filas de gigantescas columnas toscanas (capitel dórico, fuste liso y basa) aunque la multiplicidad de puntos de vista crea una sensación de verdadero bosque de columnas.
Las columnatas constan cada una de 284 columnas dóricas de 13 metros de altura acomodadas en 4 hileras. En la parte superior se encuentran 140 estatuas de diversos santos realizadas en los siglos XVII y XVIII.
Arquitectura Barroca
Iglesia de San Andrés del Quirinal, 1658-70. G. L. Bernini. La planta es de forma oval, con la puerta situada en el eje menor y precedida por una composición de forma encurvada, rompiendo el sentido longitudinal de este tipo de planta.
Frontón curvo partido con escudo
Estructura adintelada engloba arco de medio punto El pórtico es una especie de medio tholos Entablamento curvo
Se compone por medio de unas pilastras gigantes que sostienen un frontón partido.
Escalinata convexa
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Los discípulos de Emaús.
Pintura Barroca
La pintura es atípica por las figuras de tamaño natural y el fondo oscuro y vacío.
Está realizado al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 140 centímetros de alto y 197 cm de ancho. Se conserva en laNational Gallery de Londres, Reino Unido, siendo The Supper at Emmaus su título en inglés.
El estilo con el que se narra esta escena evangélica es realista
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Los discípulos tienen cara de trabajadores y la figura de Cristo es regordeta y ligeramente femenina
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El realismo de las figuras es impresionante, la utilización de la luz y la sombra en los rostros hace ver la belleza de la pieza
Pintura Barroca
Judit y Holofernes Judit y Holofernes es un cuadro de inspiración bíblica, de Caravaggio, pintado en 1599. La pintura muestra a un general muerto (Holofernes) decapitado por Judit, la mujer que lo sedujo en menos de una noche.
Los colores, la composición armónica y el sombreado de la pintura son excelentes, como era de esperar de Caravaggio. Pero magnífica como la pintura es, que no transmite el horror espantoso del evento.
Escena tan cruda y dramática
Judith, por otro lado, rebana el cuello con una mirada de disgusto leve, como si ella se está forjando el domingo asado.
Caravaggio pintó un magnífico Holofernes, musculoso, fuerte, poderoso. Su rostro horrorizado es el foco para llamar la atención de esta imagen.
Pintura al óleo • Barroco144 cm × 195 cm Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma, Italia
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Éxtasis de Santa Teresa, (1645-1652) Línea curva se identifica como típica la “S” de los cuerpos barrocos
Escultura Barroca
Se siguen utilizando los mismos materiales como el mármol y el bronce.
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Las figuras siguen siendo realistas pero el movimiento es mayor y se gozan de hacer en las vestimentas o en las decoraciones de las paredes figuras caprichosas. Escultura sumamente realista , presenta mucho movimiento Los cuerpos tienen demasiado movimiento y los rostros muestran claras expresiones de los sentimientos que buscan expresar.
Grand Théâtre, Burdeos •Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana. •Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas. •Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó. •Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo. •Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
Templo a la Gloria de la Grande Armée, Pierre Alexandre Vignon
Templo de la Virtud Antigua, Stowe, Buckinghamshire, de William Kent.
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Notre-Dame de Laeken(1854-1909).
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Catedral Metropolitana de Sao Paulo.
Catedral-La Plata
Beijing – Suzhou – Hangzhou – Shanghai Las características prominentes de la arquitectura moderna incluyen los planos abiertos de planta interiores con un menor número de paredes y materiales de construcción externo de vidrio y acero. Las líneas de la arquitectura moderna son rectas y en ángulo en vez de curva, a dos aguas y talladas.
Beijing – Suzhou – Hangzhou – Shanghai
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