PORTFOLIO KAREN AUNE by Karen Aune

Neoptiks / νέοςὀπτική (2009-2010) “Neoptiks”, Neos/νέος: Nuevo, Optics /ὀπτική: Apariencia (siendo la óptica el estudio del comportamiento y propiedades de la luz) En los últimos años he venido desarrollando la re-interpretación visual de problemáticas relacionadas a los encuentros entre lo virtual, lo orgánico y lo mecánico, los acoplamientos entre lo digital, la biología y las prácticas médicas. Técnicamente he venido trabajando desde la apropiación fotográfica y videográfica para la construcción de imágenes creadas a partir de herramientas digitales resultando en pinturas híbridas, e intervenciones espaciales que dejan en evidencia las traducciones del trabajo manual a las tecnologías reproductivas de la imagen, de lo inmaterial a lo material, de crear a replicar y podríamos decir, que de la mente a la “inteligencia artificial”. Las piezas pictóricas asimilan procesos "naturales" de repetición y procreación en donde se descomponen en fracciones o fragmentos manipulados y recreados, donde el cuerpo (y la pintura) son aparentemente reducidos a ser un recurso de la mente (y la tecnología). Las imágenes están enfocadas en estimular los sentidos y las emociones de manera franca. Representación, Simulación, Realismo, Superficie, Organismo, Fisiología, Sistemas de comunicación, Perfección, Construcción modular, Reproducción y Réplica exacta son algunos de los recursos formales y conceptuales que articulan mi trabajo. Los debates sobre Cyber y Tecno cultura, la sociedad de la información, bio política, post humanismo, mundos virtuales y universos digitales se centran en el desarrollo tanto de las tecnologías como de las disciplinas culturales con más énfasis desde los años 60, sin olvidar, que son las primeras vanguardias del Siglo XX las que delinean problemáticas de la cultura, el diseño y el arte. Pensadores como Paul Virilio , Jean Baudrillard , Marshall Mc Luhan , dan cuenta en sus obras de estos debates que no son excluyentes a la teoría cultural. De hecho, el cine y la literatura de ficción, la animación, los cómics, la música pop y experimental, las series de TV, y los nuevos modelos de producción virtual han entrado de lleno a imaginar, construir, de construir, analizar, homenajear, soñar y temer a las realidades “tecno orgánicas” de hoy. Cual es el lugar del cuerpo? Cual es el lugar de las tecnologías? Como interpretar visualmente nuestra experiencia vital en un entorno dominado por una tecnología que nos abre las posibilidades de otros territorios y nos lleva cada vez mas a la virtualidad? 1

El proyecto “Neoptiks: , consiste en la realización de intervenciones pictóricas en espacios específicos que los toma como posibilidad de una experiencia visual de ficción, desde la intención de dejar en evidencia el hecho de que cada nueva tecnología al generar cambios en el aparato “tecno estético” hace que la relación entre la subjetividad de un proceso creativo y su percepción sufran una nueva configuración. La creación de las intervenciones involucra desde procesos digitales en su planeación y realización, procesos directos en pintura y construcción sobre el espacio. Esta obra fue realizada en dos etapas con propuestas distintas: Neoptiks α , 2009, diseñado para el espacio de LA galería en Bogotá y Neoptiks β , 2010 planeado específicamente para Sala Múltiple del Museo de Arte Moderno de Bogotá este espacio de 156 m2 fluye a partir de intervenciones realizadas en patrones fluorescentes aplicados directamente sobre las paredes continuando sobre el piso desde formas cortadas en MDF. Sobre el espacio fluorescente se tiene como eje principal una imagen pictórica de 2,10 x 18,9 metros, dividida en 36 módulos de 105 x 105 cm que se complementa con 20 pinturas montadas en semiesferas termo formadas en acrílico, con dimensiones variables de 15, 25, 35 y 45 cm que se desplazan por el espacio. La obra completa puede ser modulada total o parcialmente en combinaciones específicas y elaborada de acuerdo al espacio y dimensiones disponibles, cada nueva posibilidad de instalación es tomada como una oportunidad para crear una propuesta que se relacione a um lugar específico. 4

*El proyecto Neoptiks, fue ganador de la Convocatoria para la financiación de proyectos de Investigación y Creación del Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en 2009

“Neoptiks”, Neos/νέος: Novo, Optics /ὀπτική: (Aparência sendo a ótica o estudo do comportamento e propriedades da luz) Nos últimos anos venho desenvolvendo a reinterpretação visual de problemáticas relacionadas aos encontros entre o virtual, o orgânico e o mecânico, os acoplamentos entre o digital, a biologia e as práticas médicas. Tecnicamente venho trabalhando desde a apropriação fotográfica y videográfica para a construção de imagens criadas a partir de ferramentas digitais, tendo como resultado pinturas híbridas, e intervenções espaciais que deixam em evidencia as traduções do trabalho manual a tecnologias reprodutivas da imagem, do imaterial ao material, de criar a replicar e poderíamos dizer, que da mente a inteligência artificial. As peças pictóricas assimilam processos "naturais" de repetição y “procriação” aonde seres se descompõe em frações ou fragmentos manipulados e recriados, aonde o corpo (e a pintura) são aparentemente reduzidos a ser, um recurso da mente (e da tecnologia). As imagens estão enfocadas em estimular os sentidos de maneira franca, representação, simulação, realismo, superfície, organismo, fisiologia, sistemas de comunicação, perfeição, construção modular, reprodução e réplica exata são alguns dos recursos formais e conceituais que articulam meu trabalho. Os debates sobre Cyber y Techno cultura, sociedade da informação, bio-política, pós-humanismo, mundos virtuais e universos digitais se centram no desenvolvimento tanto das tecnologias como das disciplinas culturais desde os anos 60, sem mencionar que são as primeiras vanguardas do Século XX as que delineiam problemáticas da cultura, do design e da arte. Pensadores como Paul Virilio , Jean Baudrillard , Marshall Mc Luhan , dão conta em suas obras destes debates que não excluem a teoria cultural. De fato, o cinema, a literatura de ficção, a animação, os quadrinhos, a música pop, experimental e eletrônica, as series de TV, e os novos modelos de produção virtual entram a imaginar, construir, desconstruir, analisar, homenagear, sonhar y temer as realidades “Techno orgânicas” de hoje em dia. Qual é o lugar do corpo? Qual é o lugar das tecnologias? Como interpretar visualmente nossa experiência vital em um entorno dominado por tecnologias que nos abre as possibilidades de outros territórios y nos leva cada vez mais a virtualidade? 6

O projeto “Neoptiks: , consiste na realização de intervenções em espaços específicos que são tomados como uma possibilidade pictórica de uma experiência visual de ficção, com a intenção de deixar em evidencia o fato de que cada nova tecnologia ao gerar mudanças no “aparelho teco estético” faz que a relação entre a subjetividade de um processo criativo e sua percepção sofram uma nova configuração. A criação das intervenções abarca desde processos digitais em seu planejamento e realização, processo diretos em pintura e construção sobre o espaço. 9

Esta obra foi realizada em duas etapas com propostas diferentes: Neoptiks α , 2009 planejada para o espaço de LA galeria em Bogotá (posteriormente adaptada a outro espaços) e Neoptiks β, 2010, planejada especificamente para a Sala Múltiple do Museu de Arte Moderno de Bogotá, nesta última, espaço de 156 m2 flui a partir de intervenções realizadas em padrões fluorescentes em pintura aplicados diretamente sobre paredes e teto, continuando sobre o piso a traves de formas recortadas em MDF. Sobre o espaço fluorescente como eixo principal, está uma imagem pictórica de 2,10 x 18,9 metros, dividida em 36 módulos de 105 x 105 cm que se complementa com 20 pinturas montadas em semiesferas termo formadas em acrílico, com dimensões variáveis de 15, 25, 35 y 45 cm que se deslocam pelo espaço. A obra completa pode ser modulada total ou parcialmente em combinações específicas e elaborada de acordo ao espaço e dimensões disponíveis, cada nova possibilidade de instalação é aproveitada como uma oportunidade para criar uma proposta que se relacione a um lugar específico. *O Projeto Neoptiks, foi premiado pela Convocatória para financiar projetos de pesquisa com ênfase em processos criativos, pelo Departamento de Design da Universidad de los Andes, Bogotá em 2009

1 VIRILIO, Paul. El Procedimiento Silencio, Barcelona, Paidós, 2001. _____________,P. A máquina de Visão, Rio de Janeiro, José Olympio,1998. 2 BAUDRILARD, Jean. A Arte da Desaparição, Rio de Janeiro, UFRJ, 1997. 3 Mc LUHAN, Marshall. Media Research: technology, art, communication, editorial: g+b, 2001. 4 El proyecto Neoptiks fue ganador de la convocatoria para la financiación de proyectos de investigación y creación por el Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en 2009. 5 COUCHOT, Edmond. A tecnología na arte: da fotografía à realidade virtual, Porto Alegre: UFRGS Editora, 2003. Couchot, 2003. p.67. 6 VIRILIO, Paul. El Procedimiento Silencio, Barcelona, Paidós, 2001. _____________,P. A máquina de Visão, Rio de Janeiro, José Olympio,1998. 7 BAUDRILARD, Jean. A Arte da Desaparição, Rio de Janeiro, UFRJ, 1997. 8 Mc LUHAN, Marshall. Media Research: technology, art, communication, editorial: g+b, 2001. 9 COUCHOT, Edmond. A tecnología na arte: da fotografía à realidade virtual, Porto Alegre: UFRGS Editora, 2003. Couchot, 2003. p.67.

La Invención de Neoptiks β “Esto es absurdo, pero creo que puedo justificarlo. ¿Quién no desconfiaría de una persona que dijera: Yo y mis compañeros somos apariencias, somos una nueva clase de fotografías? “(Adolfo Bioy Casares, La invención de Morel) Cada vez nos acercamos más a los sistemas complejos de pensamiento que se distancian de los sistemas normativos predecibles, lo complejo no entiende de centralidad y se despliega creando rutas muchas veces laberínticas. La instalación de Neoptiks β se hace a partir de la estructuración de un génesis que desborda la pintura y cobra toda su dimensión en el anuncio de la creación de vida artificial. Karen Aune recurre a seres abisales, animales casi desconocidos, un ojo que nos interpela, imagen que toma de una radiografía de una operación láser, y que nos proporciona una nueva visión y nos sumerge en un abismo fantasmagórico de conocimiento, que se despliega relacionando la ciencia, la ficción y la impotencia humana, reflejada en las nuevas tecnologías. Esa nueva visión se presenta como un mapa para representar lo insondable y nos invita a recorrerlo, perdernos o sumergirnos en él, como lo anunció el filósofo y sociólogo Jean Baudrillard: la representación del territorio se ha convertido en un mapa. Tal vez, esta nueva visión que plantea Karen Aune, de ese tercer ojo y de los abisales que emerge del piélago, hacia una superficie de un amarillo fluorescente que permite que la luz ilumine, nos cuestiona sobre nuestra visión no sólo física, sino de un presente -futuro no muy lejano-. Neoptiks β, más allá de constituirse en instalación pictórica realizada a partir de módulos, nos insta a pensar en los procesos de creación, en la clonación, en las mutaciones, en lo virtual, y por supuesto en lo real. Invitación que está en consonancia con la dificultad que existe en el mundo contemporáneo para comprender qué es una representación y diferenciar lo que busca representar: realidad o ficción. Nos anuncia un ser post orgánico que se construye como lo anuncia el artista Eduardo Kats: “Los procesos biológicos se han vuelto programables, ahora también son capaces de almacenar y procesar datos de maneras que no difieren demasiado de las computadoras digitales”. 11

Karen Aune nos traza los indicios para acercarnos a un mundo en que lo virtual comienza a primar y a interactuar con nosotros. Entendemos que lo virtual en este momento ha alcanzado espacios impensados y eso que llamamos realidad virtual no es más una simulación que antecede y define lo que llamamos realidad. Las fronteras entre lo original y la copia se han disipado, la creación de sus imágenes anamórficas, que se deforman intencionalmente, y que nos recuerdan a los cuerpos sin órganos de Francis Bacon y que se han creado a partir de otras imágenes bajadas de internet, de fotografías prestadas, radiografías, son una excusa para la clonación. Cuestionan qué es original y qué es una copia en el mundo contemporáneo. igualmente, las preguntas técnicas que surgen a partir de la combinación entre la pintura digital y la pintura tradicional y su mimesis quedan relegadas antes los cuestionamientos de la producción de los seres pos orgánicos instaurados a partir de procesos programables en una computador, así la gran pintura se convierte en una pantalla que podemos observar. La problemática del cuerpo- ficción, cuerpo- máquina, se subraya en esta instalación y se hace evidente que el computador es un dispositivo programable para algún propósito, en este caso podríamos pensar que Aune desea un cuerpo inorgánico, e “ignorar cuáles son las moscas verdaderas y las artificiales y penetrar el esquema divino del universo”, como lo enfatizó Borges. 12

María Elvira Ardila Curadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá 2010

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Sibila, Paula. El Hombre Posorgánico. Fondo de Cultura Económica, S.A. Buenos Aires, 2005 Byo Casares, Adolfo, La invención de Morel, Alianza/Emecé, Madrid, 2002

Foto: William Aparicio

Pieza Principal: Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado sobre placas de poliestireno con soporte en alumínio - 36 módulos de 105 x105 con un total de 2,10 x 18,9 m Espacio: Pintura vinílica fluorescente sobre pared e intervención sobre piso en 12 piezas recortadas en MDF de 4mm Piezas complementarias: Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en 20 semiesferas de acrílico termoformado de 45, 35, 25 e 15 cm 2010

Foto: William Aparicio

Foto: David de Los Reyes

Foto: William Aparicio

Neoptiks χ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 45 x 45 cm 2010

Neoptiks χ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 45 x 45 cm

2010

Neoptiks χ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 45 x 45 cm

2010

Neoptiks χ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 45 x 45 cm

2010

Neoptiks χ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 45 x 45 cm

2010

Neoptiks 蔚 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 35 x 35 cm 2010

Neoptiks 蔚 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 35 x 35 cm cm

2010

Neoptiks 纬 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 25 x 25 cm 2010

Neoptiks 纬 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 25 x 25 cm

2010

Neoptiks 畏 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 15 x 15 cm

2010

Neoptiks 畏 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 15 x 15 cm ..2010

Pieza Principal: Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado sobre placas de poliestireno con soporte en alum铆nio - 36 m贸dulos de 105 x105 con un total de 2,10 x 18,9 m

KAREN AUNE, anatomía de la imagen El flujo desaforado de imágenes es quizás uno de los fenómenos más abrumadores en el escenario de la vida contemporánea, imágenes impresas, circulantes en la red, ampliadas en la publicidad urbana, proyectas en la televisión y el cine, circulando a través del teléfono celular, en fin, en cuanta forma es posible de reproducción, la infinidad de imágenes que se crean y se lanzan cada segundo al mundo de la comunicación pública y privada es inconmensurable. Al mismo tiempo las posibilidades de acceso y manipulación de dicho océano de imágenes es tan fácil que se instaura como una inagotable cantera de observación, fisgoneo, comunicación y creación. Si hablamos más concretamente de la imagen digital, que se convierte en la directriz dominante hacían donde tiende el universo codificado, se puede asegurar que como herramienta manipulable para los diferentes sistemas de comunicación tanto lógicos como simbólicos, se hace muy importante, por no decir fundamental. Al surgir la imagen digital se crea por supuesto un universo al interior de la misma, que hace pensar en una nueva “anatomía de la imagen” desde donde es posible entender otros comportamientos en la estructuración visual del mundo, como el de las aproximaciones psicológicas y de conocimiento para el ser humano. En el campo del arte, por ejemplo, se abren nuevos escenarios de interdisciplinariedad, que ponen al creador en la rica posibilidad de re-definir el sentido de “pintar”, de componer, de percibir, de editar y emitir imagen y concepto, desde perspectivas que se dislocan de la realidad si el artista lo desea y permiten a la mirada asomarse a mundos artificiales e incluso umbrales de la realidad en hibridación con los universos virtuales. Ver el trabajo de Karen Aune aboca a esa nueva dimensión de la imagen, el primer impacto es el de un nuevo cuerpo de la imagen, auscultada, revisitada y diría, incluso, que diseccionada mediante el bisturí de los códigos de mapas de bits y vectoriales. Sus obras en la exposición Neoptiks invita a reflexionar que la imagen, al igual que una masa de cera que se debate entre lo sólido y lo líquido, está dotada de una maleabilidad propia, una suerte de ley de comportamiento en la inmaterialidad, que trasciende la mera fisicidad del papel y de la tinta, o de la celdilla de píxel, y que se sitúa más bien en las leyes de expansión y contracción, de inoculación del caos en el orden de un mundo lógico moderno, de una nueva forma de pensar y poner el color, pertinente a una nueva forma de ver del ojo y de percibir culturalmente. Por otro lado se desbordan varios límites: el límite entre lo pictórico y la imagen digital, ya que se dan cita los elementos convencionales del dibujo, la forma, los campos de color y los niveles de profundidad o de planos que generan las formas orgánicas y el color en aras de una totalidad que parece una realidad estrangulada, es más, algunas imágenes son tomadas de un proceso de cirugía ocular y son manipuladas para crear esa especie de narrativa pasada por algún filtro onírico, un nuevo estado surreal . ¿Qué relación tendrán la dimensión tecnológica de lo virtual y esa pesadilla que vive infinita dentro de toda imagen? Otro límite desbordado es el de orden y caos, ¿en qué umbral se sitúan sus imágenes cuando un dejo de realidad parece comprimido en ese estado de licuefacción similar al encuentro del aceite y el agua? Es precisamente esa posibilidad que escapa al universo euclidiano la que invita al ojo a buscar otras oportunidades, un mundo de mayores compatibilidades donde lo inesperado es bienvenido y la complejidad es fundamental, complejidad como escape a la lógica de la geometría sintética reticular y paralela que sustenta el sistema moderno del cubo Rubik. En el universo artístico que plantea Karen Aune, las posibilidades de la forma y de la experiencia son infinitas, las lógicas de lectura, a pesar de tener orígenes en la experiencia, sugieren considerar abismos orgánicos de la imagen donde la percepción contemporánea parece hallar respuesta, placer estético y sosiego. Finalmente debe considerarse que Karen no solo plantea imágenes, sino que construye situaciones espaciales y vivenciales, en las cuales la imagen forma parte de una experiencia inclusiva. La gran pintura dialoga con el objeto imagen estructurando un universo físico que invita a ser recorrido. La experiencia se complementa con un elemento amarillo que a la manera de un plasma parece estructurar un paisaje habitable, de recorrido real en el cual las imágenes abren la ventana a la experiencia que desea plantear la artista. En ese sentido, el caos es un elemento fundamental como estación de partida y de tránsito a un mundo ordenado dentro de coordenadas contemporáneas, quizás mejor futuristas, de una estética coherente a los estímulos que la tecnología de la imagen, los campos diversos del lenguaje y las nuevas formas de la narrativa parecen palpitar en el contexto del escenario actual. Realmente creo que la obra de Karen Aune es una bella experiencia que además de ver nos permite pensar sobre mundos internos que circulan como un sistema sanguíneo entre imágenes, sensaciones y aconteceres mecánicos y digitales del vivir cotidiano que nos compete. Germán Toloza Curador y Artista 2010

Mas allá del juego crítico del Pop que desdibujaba las estructuras entre alta y baja cultura, hoy el artista es un productor de conocimiento e información inmaterial que se inserta dentro de las industrias de producción de la visualidad contemporánea mediante mecanismos de producción y distribución. La reacomodación de los sistemas de producción hace forzosamente necesario su operación en un intermedio crítico: el intervalo entre diseño de producto y objeto serial, entre prototipo y manufactura estandarizada. La “fabricación” se convierte en una proyección del paradigma del capitalismo tardío por una total especialización y las estéticas del lujo diseñado crean experiencias en la vida cotidiana; es en este campo donde artistas como Karen Aune y Hernando Barragán han visto las posibilidades de producción contemporánea en proyectos que exploran las adaptaciones a este régimen tecnocrático a través de obras que son productoras de experiencia como actos de consumo inmaterial. **** A pesar de que la tecnología se haya convertido en un medio inevitable a través del cual pensamos esta también esta en el plano “de un tiempo por venir […] a la forma que adoptará esa cultura en ese tiempo futuro.”(1) Los trabajos de Barragán y Aune son reflejo de la teoría del caos, de la incertidumbre y de los fenómenos no lineales. La obra de Aune comunica extrañeza, secuencias que por todo su desarraigo crean un corto circuito frente a cualquier esfuerzo para tratar de comprenderlas. Su obra se construye de patrones visuales extraídos como órganos autónomos que a través del software repite, escala y traslada de una obra a otra. Neoptiks no tiene un sentido de comienzo ni final, sus elementos fluyen paradójicamente en el espacio aunque la sugerencia de una narrativa de vagas formas familiares persiste en esta obra. La manipulación del programa - acto intermedio entre la imagen original y el prototipo base de la pintura - tiene consecuencias directas en su apariencia final; la escala infinita en que las imágenes pueden reproducirse a partir del computador parece diluir en apariencia el volumen, el espacio, y la perspectiva sobre la superficie pictórica. Los colores a veces son planos y otras contaminados, saturados y vibrantes. La imagen digital no deja de existir implícitamente dentro de la pintura y por tanto funciona como aparato de recreación “espectacularizada”, como simulador de una realidad por venir. Los dispositivos de en.light.en de Barragán conservan por otro lado la ambigüedad entre obra única y objeto de consumo masivo, entre nociones tradicionales de arte como original y producto de diseño por el otro. En ellos se desarrolla la interacción en su forma mas simple y lúdica: intrigan e inquietan al espectador al plantearle relaciones inusuales e inesperadas a partir de objetos aparentemente sencillos pero tecnológicamente sofisticados. Usando Wiring como plataforma de programación que permite la creación de ambientes tangibles para el medio informático, estos dispositivos plantean para el observador/usuario formas nuevas de relacionarse con realidades inmateriales, planteadas corporalmente hoy pero aún sobre la promesa de realizarse socialmente en un futuro cercano. **** Interviniendo a través de la tecnología el espacio del sujeto, los dispositivos de en.light.en crean una interacción mediada por el acto tecnológico que plantea una interrupción de las relaciones sociales y psicológicas del espectador por parte de la semiótica performática propuesta por el objeto tecnológico. Neoptiks, por otro lado, dispone como signos de la realidad un sistema de anormalidades que son reminiscentes del Bosco; existe en esta obra un cierto voyerismo que es la continuación del trabajo de Aune con estructuras que parten de lo orgánico como cuerpo, como estado básico de lo material a través de la exposición topológica del tejido como elemento original y mutante, como redenciones de Adán y Eva en las que el sujeto se ve desentrañado. Así, los actos visuales de nuestra sociedad actual producen actos de ver y darse a ver, de mirar y ser vistos a través de los cuales el sujeto es producido. Este acto performativo visual se articula a través de la experiencia del sujeto con el campo de la visión, de tal manera que el propio sujeto de visión viene a ser intervenido como tal por la decisiva potencia de este campo. (2) (1) José Luis Brea. El tercer Umbral: estatuto de las prácticas artísticas en la era del capitalismo cultural. (2) Ídem 1

Carlos Betancourt Curador 2009

ArtNexus Revista #75 Dic - Feb 2010

Karen Aune es una artista brasilera que está radicada en Bogotá hace tres años, y recientemente hizo su tercera exposición individual en Bogotá, titulada Neoptiks. Su obra toca el tema del cuerpo en cuanto organismo vivo, y como señala Santiago Rueda, la guía una preocupación esencial, “Las condiciones y tecnologías - que generan y mantienen la vida. Para hacer sus observaciones sobre el hecho vital, biológico y “natural”, la artista se vale de una serie de recursos visuales que parecen extraídos de fuentes diversas como las tecnologías médicas eco, radio y foto grafías -, los films y novelas de ciencia y Cyber ficción y los softwares de creación plástica electrónica.” En sus anteriores exposiciones, Neodynamics, Stem Cells, (Galería Valenzuela Klenner, 2006) y Technicolor (LA galería, 2007), su pintura nos aproximaba a fragmentos del cuerpo, formas orgánicas trabajadas con una técnica hiperrealista que contrastan con fondos de colores muy planos y vibrantes. En estas obras se aludía al cuerpo a través de formas y superficies que evocan la piel, los tejidos blandos y cartilaginosos. En la instalación Neoptiks que tiene como elemento central una pintura de gran formato, predominan los tejidos acuosos. La pintura de 190 x 630 cm., compuesta por cuatro paneles, ocupaba toda una pared de la sala. En esa superficie lisa, brillante, impecable, las formas orgánicas, frágiles y transparentes se distorsionan, se alargan, se extienden junto a otras formas que aluden a la luz, al láser, a la tecnología avanzada. Unas y otras se desplazan vertiginosamente de un lado a otro de la tela generando unos agujeros negros que como ojos o bocas, parecen estar devorando la vida que se agita en torno a ellos. A distancia, esta pintura me recordó el mundo inquietante de Matta, donde se percibe un movimiento que parece salirse de los límites de la pintura, pero en la instalación de Karen Aune, ese vértigo no respeta esos límites, se extiende al espacio de la sala. Sobre las paredes, como si hubieran sido expulsadas de la pintura, encontramos pinturas más pequeñas de forma circular cubiertas con una tapa de acrílico convexa que evoca la estructura ocular. Bordeando la tela, como una expansión de la misma, regadas en las paredes y sobre el piso, hay otras pinturas que como manchas amarillas fluorescentes, de color plano, se esparcen por el espacio dando continuidad a la pintura, involucrando el cuerpo del espectador. En el proceso de este trabajo coexisten muchos referentes artísticos, entre ellos, Bacon y sus cuerpos abiertos, sus gritos que nos conducen a un ¿paisaje multicolor y fascinante¿, según lo expresaba el propio pintor; el mundo del Bosco con esas burbujas inquietantes que se desplazan por el Jardín de las Delicias; el hiperrealismo de Rosenquist, y algunos artistas contemporáneos como Matthew Ritchie y Takashi Murakami. Por otra parte, la pintura está conformada por imágenes de origen tecnológico: fotografías de seres marinos, medusas y otros seres vivos que habitan en la profundidad de los océanos, seres frágiles y transparentes de estructuras primarias y apariencia acuosa, parecidos a las burbujas del Bosco. También se incluyen fotogramas de un video, donde se registra una cirugía ocular realizada con láser, de manera que el ojo se presenta a través del humor vítreo y la córnea. Estas imágenes se procesan, se modifican en el computador, y con ellas, a manera de un collage, se conforma la estructura de la pintura que se imprime sobre la tela. Esta impresión luego es trabajada con pintura al óleo, con una técnica refinadísima en la que la pincelada se oculta dando lugar a un mundo tan liso y luminoso como la pantalla del computador. La obra de Karen Aune es especialmente interesante, sigue la tradición pictórica llevándola a ese grado límite que es el hiperrealismo, esa pintura que, a la vez que seduce, ofende y engaña al ojo. Con esa técnica hiperrealista da lugar a una superficie pictórica que nos seduce porque a la vez que es pintura, de una manera inquietante, evoca la vida, su movimiento, y también trae consigo la imagen virtual. Además, por su interés y la manera como trata el cuerpo, la fragilidad de la vida y el avance de la tecnología, trayendo consigo múltiples referencias artísticas. Hay en su pintura una lógica, un modo de proceder que le confiere peso, que atrae por su fuerte sensualidad. Marta Rodríguez Critica de Arte 2009

Foto: William Aparicio

Pieza Principal: Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado sobre placas de poliestireno con soporte em alumínio - 6 módulos de 190 x104 con un total de 1,90 x 6,30 m Espacio: Pintura vinílica fluorescente sobre pared e intervención sobre piso en 8 peças recortadas en MDF de 4mm Piezas complementarias: Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en 7 semiesferas de acrílico termoformado de 45, 30, 20 e 10 cm

Foto William Aparicio

Foto: Wiliam Aparicio

6 mĂłdulos de 190 x104 com â&#x20AC;&#x201C; total: 1,90 x 6,30 m

Neoptiks 未 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 45 x 45 cm

2009

Neoptiks 未 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 45 x 45 cm 2009

Neoptiks φ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 30 x 30 cm 2009

Neoptiks 尉 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acr铆lico 20 x 20 cm

Neoptiks ψ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 10 x 10 cm

2009

Neoptiks ψ - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP montado en semiesfera de acrílico 10 x 10 cm

Technicolor: Pintura expandida Juan David Laserna / Karen Aune / Laura Pardo / Liana Garcia

“La ciencia es la pornografía última, una actividad analítica cuyo objeto principal es aislar objetos y hechos de sus contextos en el tiempo y el espacio. Lo que la ciencia comparte con la pornografía es esta misma obsesión: La actividad específica de ciertas funciones cuantificadas.” J.G. Ballard, “La exhibición de atrocidades” “Los estados modernos, las compañías multinacionales, el poder militar, los aparatos del estado del bienestar, los sistemas por satélite, los procesos políticos, la fabricación de nuestras imaginaciones, los sistemas de control del trabajo, las construcciones médicas de nuestros cuerpos, la pornografía comercial, la división internacional del trabajo y el evangelismo religioso dependen íntimamente de la electrónica.” Donna Haraway Gráfica popular, ilusión mimética, genealogías excéntricas y soportes electrónicos son algunos de los contenidos que pueden encontrarse en la exposición Technicolor: Pintura expandida. A través de la pintura, Karen Aune, Liana García, Juan David Laserna y Laura Pardo, utilizan la ductilidad y alta resistencia del medio para indagar sobre la naturaleza, las posibilidades y los límites de la imagen mecánica seriada en la era pos media. Representación, Simulación, Realismo, Superficie, Organismo, Fisiología, Ingeniería de las comunicaciones, Subsistemas, Perfección, Optimización, Especialización funcional, Construcción modular, Reproducción, Réplica exacta y Valor comparable son las ideas que unen entre sí a estos artistas. En sus obras, mente, cuerpo y herramienta se encuentran en términos muy íntimos. Cada uno de ellos se somete a presentarse y simularse como un organismo mecanizado, donde el cuerpo (y la pintura) son aparentemente reducidos a ser un recurso de la mente (y la tecnología). Sin embargo en este aparentemente simple esquema se encuentran geometrías de diferencia y contradicción, aunque todos ellos sean intermediarios en las traducciones del trabajo manual a las tecnologías reproductivas, de lo material a lo inmaterial, de crear a replicar y podríamos decir, que de la mente a la inteligencia artificial. Las telas/pantalla de Karen Aune ofrecen una visión de alta tecnología del cuerpo. En sus obras la electrónica es la base técnica del simulacro donde suceden los encuentros entre lo virtual, lo orgánico y lo mecánico. Con desenfado, su obra celebra los acoplamientos inquietantes y placenteros entre la robótica, la biología como práctica clínica y como inscripción, la ingeniería genética, las prácticas médicas y la especialización orgánica de la función sexual. Basadas en las señales y ondas electromagnéticas, las pinturas de Liana García son ligeras y limpias, portátiles y móviles, secciones de espectro que recomponen un cuerpo expuesto a sistemas de vigilancia, medios sanitarios y ambientes saturados de procesos de alta tecnología. El aumento de las comunicaciones, la oposición entre público y privado, el control de la población y la cibernética parecen ser las preocupaciones subterráneas en su trabajo. La recuperación de cierta iconografía popular atrae a Laura Pardo. A través de ella se ocupa de rastrear la historia menor de nuestra modernidad. Aspectos de la producción económica y la regulación de los intercambios simbólicos y la subjetividad son resaltados con actos simples, sutiles e incluso íntimos, como lo son la recreación pictórica de etiquetas, estampillas y otras imágenes de la cultura de masas. La obra de Juan David Laserna comparte el sistema arquitectural y los modos básicos de operación de los artistas ya mencionados, aunque su trabajo parece estar mas interesado en el escrutinio y valoración de los usos y orígenes de la imagen y lo que construye y constituye la obra de arte terminada. Acá se encuentran dos personalidades en tensión: subconsciente vs. significado; ideas vs. visualidad; sensación visual vs. explicación lingüística; mirar vs. entender. Puede afirmarse que el artista se interesa por las tecnologías para mirar y para dar el poder de mirar, y que para Laserna como para Joseph Kosuth “las verdaderas obras de arte son las ideas.” 13

Santiago Rueda Fajardo Curador 2007

En el texto de la exposición Arte no antropomórfico (1967). Véase Wood, Paul. Conceptual Art, Tate Gallery, Londres, 2002.

Phytos π - Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP 130 x 77 cm - 2007

Bio 尾 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

130 x 77 cm - 2007

Biophytos 伪 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

77 x 130 cm - 2007

Anamorf - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP 11 x 11 cm - 2007

Anamorf - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP 11 x 11 cm - 2007

Bio - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

11 x 11 cm - 2007

Phytos - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

9 x 9 cm - 2007BRASIL ARTE ACTUAL

KAREN AUNE : “Neodynamics: Stem Cells” - ADRIANA TABALIPA : “The End Factory Project” Galería Valenzuela y Klenner La exposición Brasil Arte Actual presenta el trabajo de Karen Aune y Adriana Tabalipa, dos artistas con una predilección particular por el color, las formas orgánicas y las referencias al cuerpo. La serie Neodynamics: Stem Cells de Karen Aune trata sobre las condiciones y tecnologías que generan y mantienen la vida en la sociedad actual. En sus telas los cuerpos y los órganos se encuentran conectados y comprimidos en una simultaneidad de tiempo y lugar que simula la supremacía de la inmediatez en la ciber cultura. The end factory project, de Adriana Tabalipa resalta las tareas, hábitos y rutinas de la vida diaria. Sus dibujos escapan los límites del papel para invadir los espacios en los que la artista interviene, invitando al espectador a participar físicamente dentro y en la obra.

Karen Aune - Neodynamics: α - Óleo sobre canvas e spray fluorescente 77 x 120 cm - 2006 Adriana Tabalipa - “Sin Título” - Tinta China sobre planta arquitectónica - Medidas variables - 2006

Neodynamics: Stem Cells La obra de Karen Aune gira alrededor de una preocupación esencial: Las condiciones y tecnologías que generan y mantienen la vida. Para hacer sus observaciones sobre el hecho vital, biológico y “natural”, la artista se vale de una serie de recursos visuales que parecen extraídos de fuentes diversas como las tecnologías médicas –eco, radio y foto grafías-, los films y novelas de ciencia y cyber-ficción y los softwares de creación plástica electrónica. Podría pensarse que la artista presenta a la tecnología en una simbiosis deshumanizada con el cuerpo, a tono con el pesimismo futurista de la ciencia ficción postmoderna –THX 1138, Blade Runner, existenZ, Matrix- y con discursos que “denuncian” a la tecnología como un medio de deshumanización. Sin embargo, y no exentas de cierto dramatismo, sus imágenes celebran la aparición de la nueva carne. Los pedazos de cuerpo, órganos, tendones, músculos, tejidos capilares, las epidermis, venas y arterias que aparecen en sus pinturas, son dinamizados, estirados y distorsionados por efectos cinéticos. Con agudeza, la artista ha percibido que el lapso vital, la existencia física viviente en la era de la ciber-cultura, se encuentra en un proceso de aceleración constante, donde los espacios físicos se encuentran conectados y comprimidos en un tiempo real, que permite la simultaneidad absoluta de cualquier evento en cualquier lugar. En su proceder creativo, donde tiempos y vanguardias históricas se funden junto a preocupaciones acerca de la vida y la tecnología, y donde las imágenes electrónicas se intersectan píxeles con las pinceladas y las aplicaciones de pintura en spray fluorescente sobre la superficie tradicional del lienzo, se hace patente una sensibilidad neo barroca. El énfasis en el movimiento y el juego de las diferencias, la dinámica de fuerzas figurada en fenómenos, la abundancia del ánimo y las emociones que identifican a la sensibilidad barroca, son escenificados con una limpieza formal poco común. El virtuosismo técnico, el tratamiento supra-real que lleva al espectador a creer que ve una imagen digital cuando en realidad está frente a una pintura, ratifican esa sensibilidad que gusta de la exacerbación, la sensualidad y la ilusión. Enfrentar la tela es organizar los órganos, prepararlos para un éxtasis visual. Acorde a esta sensibilidad neo-barroca, lo monstruoso, asociado a la metamorfosis, la deformación, la estilización de la realidad y la exageración, se convierten en conjunto en elementos desestabilizadores utilizados en la búsqueda de un límite. Para la artista, ser preciso es ser extravagante. Estas telas-pantallas – en portugués la palabra tela se utiliza para designar también a la pantalla, sea ésta de cine, televisión ó del computador – casi sin rasgos de pinceladas ó brochazos simulan las cualidades líquidas de la imagen electromagnética. Algunas de ellas, donde se utilizan colores fluorescentes, aspiran a lograr su propia emisión de luz. Además, este tipo de pigmentos, propios de los empaques de artículos de consumo rápido – detergentes, juguetes, chips- siendo tomados de la caja de herramientas de la publicidad, permiten de nuevo la presencia de la imaginería de la cultura de masas. En contrapunto, en el grupo de pinturas en las que el color negro predomina, las formas tibias y pulsantes resaltan el brillo de superficies que reflejan las temperaturas de tecnologías húmedas. En conjunto, el tejido dinámico y las imágenes numéricas son convertidas en una red de información, que sintetiza preocupaciones vitales, ambiciones científicas y resonancias visuales. Afecto y sensorialidad. Los dibujos-instalaciones de adriana tabalipa En la tradición del mejor arte brasileño, el trabajo de Adriana Tabalipa manifiesta una expresa predilección por el color, las formas orgánicas y las constantes referencias a la presencia del cuerpo. Sus dibujos, que tienden a escapar los límites bidimensionales del papel en la pared para invadir los espacios en los que la artista interviene, envuelven al espectador invitándole a participar físicamente dentro y en la obra. Con elementos de la plástica tradicional –tinta china, papel- y de “baja tecnología” -bolsas plásticas, cintas- la artista crea estos espacios sensoriales, que parodian quizá las ambiciones inmersivas del entretenimiento y los medios electrónicos. Y es que su obra, que se apoya en la búsqueda de la experiencia suprasensorial, propuesta por Helio Oiticica en el decenio de 1960, expresa una preocupación por el lugar de la tecnología en la vida cotidiana. Las figuras de sus dibujos, surgen sinuosas en los planos arquitectónicos que le sirven como estructura, y extienden sus líneas –y por ende, sus cuerpos- fuera del papel a través de materiales de fabricación industrial, y en concreto, de los derivados del petróleo. Al utilizar un material tan común y de tan poco “peso” como la bolsa plástica, la artista está haciendo un señalamiento muy preciso a cerca de las condiciones de vida en nuestro tiempo. La bolsa no es solo una metáfora sobre problemas ecológicos acuciantes –las guerras del petróleo, la falta de programas de reciclaje- sino que también es un objeto que se relaciona con todas esas tareas de la vida diaria que pasan desapercibidas y que no son reconocidas ó valoradas socialmente pues pertenecen al ámbito de los hábitos y las rutinas cotidianas. Estas tareas menores, a menudo están insertas en las demandas de servicios y cuidados –de alimentación, de limpieza- y en dinámicas y relacionamientos e intercambios afectivos –el funcionamiento de una familia, de un hogar-. Pertenecen como el lenguaje, a la experiencia de lo común, aquella que existe entre las esferas de lo público y lo privado, y que media entre el individuo y la colectividad. Adriana Tabalipa reivindica de una manera sutil la importancia del trabajo afectivo, celebra las actividades que nos ayudan a la construcción cotidiana del mundo y nos invita a participar sensorialmente, por medio de sus extensiones del cuerpo, de este terreno de mediación, comunicación y participación. Santiago Rueda Fajardo Curador 2006

Neodynamics: α – Impresión digital y pintura óleo fluorescente sobre Canvas Canson XP

77 x 120 cm - 2006

Neo

Neobionics: Space 位 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

77 x 120 cm - 2006

Neodynamics: 尾 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

77 x 120 cm - 2006

Neobionics: Space 胃 - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

77 x 120 cm - 2006

Neodynamics: Stem Cell - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

173 x 77 cm - 2006

Neobionics: Biomimetics Prostheses - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

Neodynamics: Virtual Structures - Impresi贸n digital y pintura 贸leo fluorescente sobre Canvas Canson XP

30 x 77 cm - 2006

Neobionics: Cell Culture - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

30 x 77 cm - 2006

Neophytos 6:14`12`` pm: M铆misis Pod - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

92 x 207cm - 2005

Neophytos 6:14`11`` pm: M铆misis Pod - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

92 x 207cm - 2005

Neophytos 6:14`01`` pm: M铆misis Pod - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas Canson XP

92 x 207cm - 2005

Neophytos 6:14` pm: M铆misis Pod - - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas

20 x 9 cm (cada) - 2004 / 2005

Neophytos 6:14` pm: M铆misis Pod - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre Canvas

20 x 9 cm (cada) - 2004 / 2005

“Anamorfs :SINTIA ” – Impresión digital y dibujo en lápiz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g 21 x 29 cm 2005

“Anamorfs :SINTIA ” – Impresión digital y dibujo en lápiz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g

21 x 29 cm 2005

“Anamorfs :SINTIA ” – Impresión digital y dibujo en lápiz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g

21 x 29 cm 2005

“Anamorfs :SINTIA ” – Impresión digital y dibujo en lápiz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g

21 x 29 cm 2005

“Anamorfs :SINTIA ” – Impresión digital y dibujo en lápiz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g

21 x 29 cm 2005

Neophytos Mutantes - Impresi贸n digital y dibujo en l谩piz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g

21 x 29 cm

2004

Neophytos Mutantes - Impresi贸n digital y dibujo en l谩piz sobre Bockinford Watercoulor paper 190g 21 x 29 cm

2004

Neophytos 5:57pm *Estratégias para Contemplar” Espaço Cultural Sérgio Porto

“Neophytos 5:57pm *Estratégias para Contemplar” Karen Aune puede ser considerada una artista de su tiempo - producto de un mundo globalizado, pos-moderno ó contemporáneo, como prefieran aquellos que consideran estos términos inadecuados para caracterizar nuestro tiempo. Su obra no podría ser diferente: híbrida, Una obra híbrida, con una lectura de viejas y nuevas cuestiones del arte o lo que de ella restó, ya que su muerte ya fuera declarada en el auge de la superada modernidad (Hegel). Pintura óleo, imagen digitalizada y medios publicitarios se unen para componer el Neophytos que nace en un instante determinado en el espacio y en el tiempo (5:57pm) para ganar la inmortalidad y omnipresencia proporcionada por las tecnologías de la imagen. Este instante representa el eterno presente en que vivimos, cuando las nociones de pasado y futuro dejaron de tener sentido. La primera cuestión es aquella colocada por Walter Benjamin en anunciar el fin del aura de la obra de arte en la era de la reproducibilidad técnica. La fotografía como técnica reproductiva de la imagen quita el sentido sagrado de la misma, que anteriormente podría ser considerada auténtica y única. En este sentido, podremos considerar apenas el ser generado en el vientre de la artista, una escultura orgánica creada a partir de una auto-poiesis. Su apropiación como un ready made o performance artística la hace una obra de arte auténtica( con una coautoría intrínseca) y singular. Entretanto este simple hecho duchampiano no satisface el deseo de la artista de instigar el pensamiento del espectador con respecto a su contemporaneidad. La foto registro de este acontecimiento se vuelve también obra y modelo a ser digitalizada y “retratada” tanto por medio de la nueva tecnología informática, como a través del medio tradicional del retrato en óleo. El outdoor puesto en la fachada del muro del centro cultural así como la distribución aleatoria de posters e imágenes virtuales remontan la actitud irónica de Andy Warhol, entretanto, no se trata aquí de un icono evidenciado como tal. En el espacio interno de la exposición se encuentra el retrato modelo que confunde el espectador por su semejanza absoluta, la pintura es hiperreal, como el mundo en que vivimos. El fin de la representación, que presupone un modelo y una verdad que antecede, y también el fin de toda metafísica y el surgimiento de un nuevo estatuto de realidad: El virtual y el hiperreal. Cuando no se puede mas distinguir el real del simulacro, la obra original de su reproducción, asistimos el arte de la desaparición(Baudrillard). Pues no se trata aquí de reproducciones, pero sí de clonaciones. Aparentemente, el Neophytos nació después de la orgía que caracterizó el período de crisis de la representación y de la reproducción (la crisis moderna), no nos resta otra cosa que hacer sino clonarnos al infinito. La clonación significa al mismo tiempo el triunfo técnico y científico de una especie y su muerte en su repetición. Este es la paradoja del arte contemporáneo: cuando posee la posibilidad utópica de su reproducción tecnológica perfecta, decreta también su misma extinción en la imposibilidad de distinción entre el original y su doble. Neophytos es un representante de este proceso metastático; no es posible descubrir su origen, pues ya se encuentra en todas partes. “Estrategias para contemplar”: ¿Nos será posible contemplar algo después de la comprensión del espacio tiempo promovida por las nuevas tecnologías de la imagen (Virilio)? Para aquellos que poseen la nostalgia del original, del espacio templo perdido, les resta la posibilidad de contemplación de aquello que más se aproxima a esto, la réplica, pequeña pintura óleo enmarcado en la pared de la galería. Nina Velasco Doutora en Comunicación ( Arte Ciencia y Tecnología - Universidade Federal do Rio de Janeiro) 2002 “Neophytos 5:57pm *Estratégias para Contemplar” Karen Aune pode ser considerada uma artista de seu tempo - produto do mundo globalizado, pós-moderno ou contemporâneo, como preferem aqueles que consideram estes termos inadequados para caracterizar nosso tempo. Sua obra não poderia ser diferente: híbrida, lida com velhas e novas questões da Arte, ou do que restou dela, já que sua morte já fora decretada no auge da superada modernidade (Hegel). Pintura à óleo, imagem digitalizada e publicidade se unem para compor o Neophytos que nasce em um instante determinado no espaço e no tempo (5:57pm) para ganhar a imortalidade e onipresença proporcionada pelas tecnologias da imagem. Este instante representa o eterno presente em que vivemos, quando as noções de passado e futuro deixaram de fazer sentido. A primeira questão é aquela colocada por Walter Benjamin ao anunciar o fim da aura da obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica. A fotografia como técnica reprodutiva da imagem retira o sentido sagrado da mesma, que anteriormente poderia ser considerada autêntica e única. Neste sentido, podemos considerar apenas o ser, gerado no ventre da artista, uma escultura orgânica criada a partir de uma auto-poiésis. Sua apropriação como ready-made ou performance artística a torna uma obra de arte autêntica (com uma coautoria intrínseca) e singular. No entanto, este simples ato duchampiano não satisfaz o desejo da artista de instigar o pensamento do espectador sobre a sua contemporaneidade. A foto-registro deste acontecimento se torna também obra e modelo ao ser digitalizada e “re-tratada” tanto por meio da nova tecnologia informática, quanto através do meio tradicional do retrato à óleo. O enorme banner colocado no muro do centro cultural remonta a atitude irônica de Andy Warhol, no entanto, não se trata aqui de um ícone evidenciado como tal. No espaço interno da exposição se encontra o retrato-modelo que confunde o espectador por sua semelhança absoluta, a pintura é hiper-real, como o mundo em que vivemos. O fim da representação, que pressupõe um modelo e uma verdade que a antecede, é também o fim de toda a metafísica e o surgimento de um novo estatuto de realidade: o virtual e o hiper-real. Quando não podemos mais distinguir o real do simulacro, a obra original de sua reprodução, assistimos à arte da desaparição (Baudrillard). Pois não se trata aqui de reproduções, mas sim de clonagens. Aparentemente, o Neophytos nasceu após a orgia que caracterizou o período de crise da representação e da reprodução (a crise moderna), não nos resta outra coisa a fazer senão clonarmos o mesmo ao infinito. A clonagem significa ao mesmo tempo o triunfo técnico e científico de uma espécie e sua morte por repetição. Este é o paradoxo da arte contemporânea: quando possui a possibilidade utópica de sua reprodução tecnológica perfeita, decreta também a sua extinção na impossibilidade de distinção entre o original e seu duplo. Neophytos é um representante deste processo metastático; não é possível descobrir sua origem, pois já se encontra em toda parte. “Estratégias para contemplar”: Será possível contemplarmos algo após a compressão do espaço-tempo promovida pelas novas tecnologias da imagem (Virilio)? Para aqueles que possuem a nostalgia do original, do espaço-templo perdido, resta-lhes a possibilidade de contemplação daquilo que mais se aproxima deste, a réplica, pequena pintura à óleo emoldurada na parede da galeria. Nina Velasco Doutora em Comunicación ( Arte Ciencia e Tecnología - Universidade Federal do Rio de Janeiro) 2002

Exposición en el Espaço cultural Sergio Porto así como intervenciones en distintos puntos de la ciudad en año 2002, Rio de Janeiro, Brasil

Foto: Paulo Jares

Neophytos 5:57pm *EstratĂŠgias para contemplar - Original: Outdoor 3 x 5,20 m - Posters 21 x 29 cm - 2002

Foto: Paulo Jares

Neophytos 5:57pm *Estratégias para contemplar (Vista de la isntalación en el interior de la Galería) - Réplica: Pintura óleo sobre canvas 15 x 21 cm

Neophytos 5:57pm *EstratĂŠgias para contemplar - Posters 21 x 29 cm distribuidos en distintos sitios de la Ciudad de Rio de Janeiro

Detalle

Neophytos 5:57pm: Simulacros Japan II - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre canvas a partir de apropiaci贸n virtual

140 x 40 cm - 2004

Detalle

Neophytos 5:57pm: Simulacros Japan I - Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre canvas a partir de apropiaci贸n virtual

40 x 180 cm - 2004

Detalle Neophytos 5:57pm: Simulacros BCN III (Plaza Espa帽a) Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre canvas 80 x 120 cm - 2003

Detalle Neophytos 5:57pm: Simulacros BCN II (Paseo de Gracia) Pintura óleo sobre canvas 80 x 120 cm – 2003

Neophytos 6:14pm - Tr铆ptico: Impresi贸n digital y pintura 贸leo sobre canvas - 27 x 11cm cada - 2004

Neophytos 6:03pm - D铆ptico: Pintura 贸leo sobre canvas 15 x 28 cm - Imagen Virtual 800 x 600 Pixels ( animaci贸n en Flash) - 2002

Neophytos 6:19pm - 11 x 20 cm cada 2001 # 1: Imagen fotográfica en impresión digital sobre papel fotográfico # 2: Pintura óleo sobre canvas # 3: Imagen de pintura óleo escaneada en impresión digital sobre papel fotográfico

Psicossexualidade (1999-2001) Durante los últimos años, me han interesado la hibridación – técnica, instrumental, operativa, sentimental que se desprende de la relación entre hombre y máquina. En la serie Psicossexualidade (1999-2001) mis preocupaciones apuntan a señalar la despersonalización, la mecanización y el establecimiento de patrones “maquínicos” en el comportamiento humano – en este caso sexual – siendo que el “estándar de felicidad” en el campo del sexo seria proporcionado por el “diamante azul” de la cultura de la impaciencia: la virtualización y el inmediatismo de la sociedad contemporánea. El video que dio origen a la serie, fue realizado directamente en el momento del acto sexual. Posteriormente se realizaron 25 stills fotográficos en formato análogo tomados directamente desde la pantalla de un televisor que mostraba el video sin pausa. A estas imágenes se agregaron, en forma de subtítulos, textos del Manual de Siquiatría: Kaplan, que clasifican y definen algunas de las “patologías de disfunción sexual”, de esta forma, encasillando las imágenes de una manera fría, propia de un manual de instrucciones de un aparato doméstico, colocando al “ser-humano” en condición de “ser-aparato” electro-electrónico-mecánico-social, a la vez aludiendo a las fantasías sociales de una “fórmula de la felicidad” orgánico – mediática, y sus parámetros de “productividad, normalidad y bien estar”. El encuentro entre la idea de la deshumanización del ser y las imágenes generadas por el televisor, la tecnología digital y las impresiones en plotter sobre lonas plásticas en formato de outdoor publicitario, resultaron ser el medio adecuado para dejar en evidencia la artificialidad sobre lo “ser humano” . Karen Aune 2005

Psicossexualidade # 1 - Impresi贸n digital en plotter sobre lona pl谩stica

200 x 300 cm 2000

Psicossexualidade # 2 - Impresi贸n digital en plotter sobre lona pl谩stica

200 x 300 cm 2000

Psicossexualidade # 3 - Impresi贸n digital en plotter sobre lona pl谩stica

200 x 300 cm 2000

Psicossexualidade # 6 - 5 - 6 - Impresi贸n digital sobre adhesivo aplicado sobre placa de PVC

59 x 195 cm

2000

Psicossexualidade # 16 - 3 - 16 - Impresi贸n digital sobre adhesivo aplicado sobre placa de PVC

59 x 195 cm

2000

Psicossexualidade # 18 - 9 - 18 - Impresi贸n digital sobre adhesivo aplicado sobre placa de PVC

59 x 195 cm

2000

Psicossexualidade # 8 - Impresi贸n digital en plotter sobre lona pl谩stica

150 x 225 cm 2000

Psicossexualidade # 20 - Impresi贸n digital en plotter sobre lona pl谩stica

150 x 225 cm 2000

Psicossexualidade # 4 - Impresi贸n digital en plotter sobre lona pl谩stica

150 x 225 cm 2000

Psicossexualidade # 7 - Impresi贸n digital sobre adhesivo transparente aplicado sobre placa de Acr铆lico 120 x 156 cm 2000

Psicossexualidade # 24 - Impresi贸n digital sobre adhesivo transparente aplicado sobre placa de Acr铆lico 120 x 156 cm 2000

Psicossexualidade # 25 - Impresi贸n digital sobre adhesivo transparente aplicado sobre placa de Acr铆lico 120 x 156 cm 2000

Hite - Reich - Freud - Kinsey - Master & Johnson

- Impresión digital sobre papel fotográfico en el interior de Frascos de Acrílico 70 cm x 40 ø

2001

Karen Aune, Brasília, 1971 Profesor Asistente de planta del Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá desde 2008. Ha cursado el Programa de Doctorado en “Pintura en la Era Digital” por la Universidad de Barcelona a partir del 2003 y ha obtenido el DEA (Maestría) con Matrícula de honor en 2005. Exposiciones individuales 2011 - “Neoptiks β in vitro”- Davis Museum, Barcelona España 2010 - “Neoptiks β”- Museo de Arte moderno de Bogotá Colombia 2010 - “Neoptiks α”- Casa tres Patios, Medellín Colombia 2010 - “Neoptiks α”- Alianza Francesa de Bucaramanga Colombia 2009 - “Neoptiks α”- LA galeria, Bogotá Colombia 2006 - “Neodynamics: Stem Cells” - “Brasil Arte Actual” – Galería Valenzuela y Klenner, Bogotá Colombia 2006 - “Fragmentos de una Metástase Amorosa: Flúo” Galería h10, Valparaíso Chile 2002 - “Neophytos 5:57pm * Estratégias para contemplar” - Espaço Cultural Sérgio Porto, Rio de Janeiro Brasil 2001 - “Psicossexualidade” - Galería do Centro Cultural Vicente do Rego Monteiro, Recife Brasil 2001 - “Monólogo a Dois” Centro Cultural Paschoal Carlos Magno, Niterói Brasil 2001 - “Psicossexualidade” Galeria do Poste, Niterói Brasil 2000 - “Psychosexuality” - Galería Alternativa Once, Monterrey México 1997 - “Y la vida continúa...” - Casa de la cultura de Nuevo León, Monterrey México Exposiciones Coletivas 2011- “Veinte en Uno” – Taller de Arte, Bogotá Colombia 2009 - “ARTBO” – Feria Internacional de Artes de Bogotá - LA Galería - Corferias, Bogotá Colombia 2008 - “ARTBO” – Feria Internacional de Artes de Bogotá - LA Galería - Corferias, Bogotá Colombia 2008 - “Diário Natural” - MAMB Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Colombia 2008 - “Seres Híbridos elniuton en 241* palabras #1” - Matik Matik, Bogotá Colombia 2008 - “Estranha; Coletiva a arte e o outro” - Durex Arte Contemporânea, Rio de Janeiro Brasil 2008 - “XV Salón de Arte BBVA” - Museo de Arte Moderno de Barranquilla Colombia 2008 - “XV Salón de Arte BBVA” - Museo de Arte Moderno la Tertulia, Cali Colombia 2007 - “XV Salón de Arte BBVA” - Museo de Antioquia Casa de Encuentro, Medellín Colombia 2007 - “XV Salón de Arte BBVA” - Casa de Moneda del Banco de la República, Bogotá Colombia 2007 - “Technicolor: Pintura Expandida” - LA galería, Bogotá Colombia 2006 - “Paranaturais” - Centro Cultural Paschoal Carlos Magno, Niterói Brasil 2006 - “Onde” - Galeria LGC, Rio de Janeiro Brasil 2006 - “Dona Maria I Louca ou Piedosa?” Centro Cultural Candido Mendes - Centro, Rio de Janeiro Brasil 2005 -“III Bienal de Realismo y Figuración Contemporánea” - Galería Clave, Murcia España 2003 - “Canvis, Continuïtat i Canvis:Tempo Multimediatic"- Punt Multimedia Casa del Mig, Barcelona España 2002 - “Panorâmica”- Exposição do acervo do Centro cultural Candido Mendes/Ipanema, Rio de Janeiro Brasil 2002 - “Niterói Arte Hoje”- Centro Cultural Candido Mendes/Centro, Rio de Janeiro Brasil 2002 - “Niterói Arte Hoje”- Museu de Arte contemporânea de Niterói, Niterói Brasil 2002 - “Eterno em torno”- Centro cultural Candido Mendes/ Ipanema,Rio de Janeiro Brasil 2001 - 33 Salão de Arte contemporânea de Piracicaba - Casa das Artes Plástica Miguel Dutra, Piracicaba Brasil o

2001 - “Cómo es que los autos no vuelan aún?” - Centro de las Artes, Monterrey México 2001 - “Gente Látex”- Centro Cultural Conselheiro Paschoal Cittadino, Niterói Brasil 2001 - “Ajúa Proud”- Centro Cultural Candido Mendes/ Centro, Rio de Janeiro Brasil 2000 - 57 Salão de Arte contemporânea de Paraná (Premio de adquisición) - Museu de Arte Contemporánea ,Curitiba Brasil o

2000 - 32 Salão de Arte contemporânea de Piracicaba - Casa das Artes Plásticas Miguel Dutra, Piracicaba Brasil O

2000 - 26 Salão Nacional de Arte de Belo Horizonte (Premio de adquisición) - Museu da Pampulha, Belo Horizonte Brasil o

2000 - Salão Pernambucano de Artes Plásticas Edição 2000 - Torre Malakoff, Pernambuco Brasil 2000 - “Colectiva”- Galería Arcaute Arte Contemporánea, Monterrey México 1999 - “Instalaciones e Intervenciones In Situ” - Casa Blanca de Montemorelos, Montemorelos México 1999 - XIX Reseña de la Plástica Nuevoleonesa - Casa de la Cultura de Nuevo León, Monterrey México 1998 - XVIII Reseña de la plástica Nuevoleonesa - Pinacoteca de Nuevo León, Monterrey México 1998 - “El Retrato como pretexto” - Galería BF15, Monterrey México