diseño de la imagen PIA

di.20 d i s e 単 o de la imagen

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di.20

3helvetica

sumario

como una tipografía cambió al mundo

12

poderes en los numeros p. 11

5

sofia ayuso ‘’un solo trazo’’ p. 4-5

7branding di.20 j u n i o . j u l i o 2015 magazine

p. 6-7

. 01

13 miguel de lorenzi diseñador gráfico p. 11 - 12

15

8 tipofrafías que todo diseñador debe de tener p. 14 - 15

hermes ROCKWELL

9

ars maquette

diseño editorial 10 reglas de oro p. 8- 10

17

mc donalds

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los emojis en su publicidad p. 16 - 17

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COMO UNA TIPOGRAFÍA CAMBIÓ AL MUNDO

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[Helvetica] es un interesante documental sobre la propia existencia de esta fuente tipográfica y por qué a día de hoy es un elemento tan adorado en todo el mundo, principalmente por diseñadores gráficos. Nunca algo tan sencillo y complejo a la vez pudo ser objeto de alabanza y desprestigio al mismo tiempo. En algo más de hora y media de duración, el documental desgrana los secretos de la tipografía y cómo ha conseguido convertirse en un tótem de la comunicación a nivel mundial. Su concepción, la ideología que hay detrás de Helvética y la historia de la misma son algunos de los pilares del documental.

Fue en los años 60 cuando esta tipografía, creada en Suiza por Max Miedinger, comenzó a convertirse en extremadamente popular. Quizás su estilo y el buen trato que ha tenido por parte de los diseñadores con el paso del tiempo han sido factores clave para situarla en la escala en la que se encuentra a día de hoy, aunque también influyó la gran reputación que tenía el diseño suizo a nivel global por aquella época. Resulta impactante ver cómo la terminación de una letra “a” puede variar el significado y forma de una palabra. Es en el detalle donde está la diferencia.

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En la década de los sesenta aumentó notablemente su popularidad y uso, que fue la más utilizada para imágenes de marcas corporativas en los años 60’s y 70’s sobre todo en el país suizo. Pasó a convertirse en la fuente utilizada en la mayoría de la cartelería urbana y señalización que se ha extendido al resto de grandes capitales mundiales.

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TERRORÍFICOS PERSONAJES CON UN SOLO TRAZO POR Sofia Ayuso . 05

creado por la ilustradora portuguesa

Sofia Ayuso

“Horroruna colecci Related Character” ón en la que Ayuso ilustra a 20 personajeS de películas de terror,tan solo a través de un trazo en negro.

La ilustradora portuguesa Sofía Ayuso, que, en sus últimos proyectos apuesta por el minimalismo, ha querido, desechar todo aquello que no sea imprescindible y utiliza para plasmar su obra, trazos gruesos, curvos y amables.

Así, ha creado “Horror Related Character”, una colección en la que Ayuso ilustra a 20 personajes de películas de terror, tan solo a través de un trazo en negro sobre fondo gris. Y totalmente reconocibles por sus peinados y demás atrezo. Aunque eso sí, al ser tan simples, los personajes no infunden el miedo que transmitían aquellos en los que están inspirados.

En su Behance, la artista ha colgado las 20 ilustraciones que conforman la colección y, además, puedes adquirir merchandising de la misma.

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pese a la sencillez, estos personajes son

6 ERRORES COMUNES QUE COMETEN LOS DISEÑADORES EN SU

Branding

1. Subestimar el poder de la marca Cuando un diseñador es principiante no tiene una reputación sólida, por lo que es importante reconocer la importancia de la marca, no hacerlo es un gran error, ya que potencialmente se pueden cerrar oportunidades de crecimiento.

2. No definir lo que hace la marca Antes de concebir un logotipo, es necesario definir primero cuáles son tus tus puntos fuertes como diseñador. ¿Qué te hace diferente a los demás? ¿Cuál es su mensaje o filosofía? ¿Tienes formación adicional como cursos? Es importante incluir esto en la estrategia de marca.

3. No lo compliques Una vez definido lo anterior, lo mejor es no complicar las cosas. El branding busca destacar entre

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los demás, pero ello no implica que debas tener un logotipo con todos los colores del arco iris.

Manténlo limpio y memorable.

4. Crear un logotipo inconsistente No olvide que el logotipo es una pieza del rompecabezas en general. Debe encajar con el resto del branding como diseñador. Recuerda que la marca no sólo abarca el logotipo y colores, sino también la voz que utiliza en su redacción, las imágenes elegidas para publicar en las redes sociales e incluso el tipo de letra en el blog. Supervisar los detalles con cuidado para asegurarse de que todos éstos siguen el mismo diseño básico, hacen de una marca algo fuerte.

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Ya tienes tu marca en internet —sitio web o blog, redes sociales, etcétera—, pero no basta sólo eso, sino que eso implica un esfuerzo persistente. Actualiza el blog con regularidad, responde a los tuitsts y mantén su portfolio fresco con su mejor trabajo.

6. No omitir la retroalimentación Estás comenzando, por lo que te darás cuenta que necesitas ajustar tu marca, por lo que es bueno contar con segundas opiniones de compañeros o clientes para retroalimentar o bien asistir a talleres de marca para tener nuevas ideas. Si el mensaje no llega, es hora de revisar que es lo que pasa o está mal.

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no lo compliques

5. No actualizar la presencia on line

DISEÑO EDITORIAL 1. Lee lo que diseñas Parecerá muy obvio, pero es fácil detectar cuando se diseña un texto sin conocer la parte sensible de la información. En publicaciones cortas como folletos o revistas, leer los textos nos permitirá saber dónde cortar columnas, hacer tablas o apostilas, entender el lugar donde deben ser colocadas y dar dinamismo y orden de lectura. Lo mismo aplica en libros que no sean de texto corrido (como las novelas, por ejemplo) y que en lo posible se empata o complementa el contenido con la parte gráfica.

Además, leer un texto nos permitirá adentrarnos en el tema de lo que diseñamos y podremos tomar decisiones creativas que incluso puedan llegar a alterar los textos en pro de una comunicación más efectiva.

2. Haz la letra chiquita Si vas a aplicar un diseño en un tamaño carta, seguramente despliegas la hoja de tal forma que se acople al tamaño del monitor. Entonces, cuando comienzas a usar tipografía dejas el tamaño que viene por omisión —que es de 12 puntos— porque lo alcanzas a leer perfectamente. Sin embargo, al momento en que imprimes tu diseño te das cuenta que la tipografía es grande. Este tema es muy recurrente en temas de producción.

El tamaño de 12 puntos se usa en libros de texto infantiles y de texto corrido; para libros con textos cortos puede usarse en una escala de 10 a 12 puntos y para folletería y revistas los tamaños son mucho más pequeños, a veces desde los 7 hasta los 10 puntos, siendo 9 el más común.

3. Comienza tu archivo final como original mecánico di.20 j u n i o . j u l i o 2015 magazine

Un caso típico: el proyecto está un día atrasado porque le han hecho correcciones de último momento y la imprenta no deja de llamar presionándote para que lo entregues a producción. Una vez aprobado comienzas a convertirlo en original mecánico, le pones los rebases, revisas los tamaños y resolución de las imágenes, terminas los folios y lo envías a producción en menos de media hora.

Cuando sale impreso te das cuenta que hay elemen-

Eso es un problema grande que tiene muchas explicaciones no tanto relacionadas con tus conocimientos sobre como armar un original mecánico. El problema es que cuando lo hiciste, el tiempo lo tenías encima así como la presión constante de tu jefe y la imprenta. Pocas veces tenemos oportunidad de dar una última revisión lo suficientemente concsiente, porque además hemos visto demasiado el proyecto y por lo mismo, los errores no saltan fácilmente a nuestra vista.

El mejor consejo para esto es que desde el principio trates tu archivo final como si ya estuvieras armando un original mecánico. Dedícate a hacer los rebases correspondientes y a revisar las imágenes desde que comienzas a aplicar el diseño, de esta forma reduces considerablemente el margen de error producido por la presión el día de la entrega.

4. Mantén un solo estilo Este es un descuido recurrente, especialmente cuando manejas textos independientes o que se encuentran separados por imágenes de forma reiterativa. Para lograr mantener un estilo único es necesario realizar un planteamiento claro del diseño antes de ejecutarlo.

Seleccionar la tipografía cuidadosamente y el formato de los textos: tamaño, interlínea, alineación, si llevará cortes de palabra, kerning y tracking. También es importante que plantees el espacio entre párrafos y combinarlo con sangrías (excepto en el primer párrafo del texto, que nunca lleva). Si usas un espacio grande, entonces suprime las sangrías y si no dejas espacios entre párrafos, entonces sí colócala, preferentemente de un cuadratín, es decir, del mismo tamaño de la tipografñia que estás usando. El secreto es la constancia en todos estos aspectos a lo largo de tu publicación.

5. Cuida tu ortografía Siempre he dicho que un diseñador serio sabe ortografía.

Si la tuya es mala siempre estarás expuesto a correcciones vergonzosas. Y peor aún, si no hay alguien que revise tus trabajos antes de producirlos, a la vergüenza se sumarán problemas muy graves con tus clientes así como críticas brutales de los usuarios finales. Un diseñador no puede darse el lujo de tener mala ortografía, de no conocer las reglas más elementales del español así como los estilos de redacción. ¿Cómo puedes mejorar tu ortografía? Lo mejor es leyendo, es la forma más rápida e intuitiva. Un curso de ortografía te servirá para resolver situaciones muy complicadas. Además siempre es importante tengas tu

tos a los que se te pasó aplicar los rebases.

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en el DISEﾃ前 EDITORIAL

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REGLAS DE ORO

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6. Usa el programa correcto Importar imágenes en Illustrator 88 era una misión imposible, lo mismo escribir texto en Phosothop 3.0 o hacer una imagen vectorizada en QuarkXPress o PageMaker. Con el paso del tiempo los programas se han robado ideas entre sí y comparten ya muchas herramientas comunes de tal forma que cada día se vuelve más fácil independizarse de los demás programas. Aun así, cada uno conserva en su base de trabajo elementos que los definen y especializan para ejecutar ciertas tareas.

Utilizar el programa correcto es importante para trabajar más rápido, con mayor facilidad y reducir errores y complicaciones de producción. En diseño editorial no hay muchas opciones: InDesign o QuarkXPress para publicaciones que impliquen manejo de texto y muchas imágenes,

cido en más de la mitad de las fuentes que existen.

Con ello, crear una mancha tipográfica efectiva se ha vuelto más difícil, ya que especialmente en las composiciones justificadas a ambos lados, se tienden a abrir espacios que perforan la mancha tipográfica.

11. No uses copy/paste En un principio resulta muy cómodo, pero si se debe regresar al programa original para hacer algún retoque o corrección no es posible, solo a través de repetir la misma acción de vuelta, lo que va en detrimento de la calidad de la imagen. Además esto hace que el proceso de preprensa se complique, ya que no se puede comprobar la resolución correcta de las imágenes a través de los sistemas que alertan

7. Boceta Llevamos más de 20 años diseñando en computadoras, lo cual implica que las nuevas generaciones se van alejando poco a poco de los sistemas tradicionales de diseño. Actualmente, en todas las universidades del mundo se hace la aclaración que las computadoras son la herramienta para la ejecución de ideas que nacen de nuestra mente, sin embargo, en la realidad es muy complicado desligarse de esta concepción. Cada vez son menos los estudiantes que bocetan antes de sentarse frente al ordenador, lo cual denigra la labor del diseño como una industria.

Bocetar tiene la ventaja de la ocasión: detener el auto en cualquier lado para plasmar una idea en una libreta o bien, experimentar rápidamente ideas o conceptos, además que nos ayuda a diseñar sin la prediseposición de una herramienta preconcebida en cualquier programa.

cuando hay un error (como Preflight).

Finalmente, usar este método nos delata la falta de cuidado en detalles como manejo del color, puntos por pulgadas (dpi) y el formato de color. Como lo explicamos en el punto 3, hacer de nuestro original un original mecánico es importante desde un principio.

10. Jerarquiza El diseño editorial podemos llevarlo a dos niveles distintos: el primero es para llamar la atención del lector e interesarlo en el tema y el segundo, para dar confort y dinamismo a la lectura. No siempre van juntos. En el artículo de una revista, por ejemplo existen casi siempre 3 niveles de lectura: el primero es la portada del artículo, que por lo general se compone por el título y una imagen. En segundo lugar está el balazo de introducción al texto, así

manchas

como los demás regados por todo el artículo y

La Biblia de Gutenberg, el primer libro impreso, tenía como característica una marcha tipográfica uniforme y muy estética. Con el paso del tiempo, los tipos de letra se han adelgazado y limpiado. Los pesados y complicados remates se convirtieron en patines, que cada vez se

La finalidad de ésto es que primero cachemos al

8. Cuida las tipográficas di.20 j u n i o . j u l i o 2015 magazine

hicieron más discretos hasta que hoy han desapare-

finalmente, el texto general. lector cuando hojea la revista en este artículo específico. Si la imagen y el título le son atractivos automáticamente pasará al segundo nivel que es leer los balazos del artículo

Para libros con textos cortos puede usarse en una escala de 10 a 12 puntos y para folletería y revistas los tamaños son mucho más pequeños, a veces desde los 7 hasta los 10 puntos, siendo 9 el más común.

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7 PODERES

3. Diez: Comunica seguridad, sentido práctico, o certeza

EN LOS NUMEROS

El número 10 puede ser eficaz en los diseños que necesitan comunicarse cualidades – tal vez las imágenes que acompaña contenido educativo o de marca para productos que ofrecen una solución a un problema.

4. Once: da un aire de misterio o de un elemento secreto

KFC utiliza una receta secreta de 11 hierbas y especias para sazonar el pollo. ¿Por qué 11 en lugar de 10 o 12? El número 11 denota secreto y tiene gran potencial místico, por que va más allá de lo ordinario.

5. Uno, eleva las expectativas de la marca

El número uno eleva la expectativa, pero no hay que exagerar, la hace única. Un ejemplo claro son los jeans de Levis: 501.

Los números se pueden considerar la forma más universal del lenguaje humano, pero más allá de eso estos signos también tienen una carga simbólica que despierta o genera emociones en el ser humano, pero ¿cómo aprovecharlos en el diseño?

6. Números familiar: Los números fácilmente divisibles sirven par comunicar confiabilidad.

Familiarizar números que son más fáciles de procesar y fácilmente divisible – por lo general los números pares (como 24; 8 × 3 = 24, 6 × 4 = 24) – son más atractivos para los consumidores.

Un buen diseño necesita reflejar cualidades como la confianza y la familiaridad, por lo que se puede integrar un número par, fácilmente divisible como 18, 24 o 36.

7. Números simpáticos: Números abajo del 20 atraen audien1. Números pares e impares. Los impares enfatizan las cualidades masculinas e incluso hacen hincapié en las cualidades femeninas

Los sumarios fueron los primeros en asociar los números impares (como 1, 3 y 5) a las cualidades estereotípicamente masculinos, mientras que los pares ( 2, 4 y 6) con lo femenino.

cia Estudios han demostrado que a las personas les gustan más los números que van del 1 a 20 y si es menor de 10 mucho más, por lo que el uso de números en el rango inferior del rango de 1 a 20 es una apuesta segura.

2. Siete, ¿el número favorito del mundo? Tiene un significado cultural y religioso, además de ser el favorito de muchas personas.

En cuanto a religión hay muchos ejemplos: Dios creó el mundo en 7 días, 7 mares, simboliza la perfección divina; y en la cultura pop también: 7 enanos (Blancanieves) y James Bond, 007.

Siete es matemáticamente único. Es el único dígito de los 10 primeros números que no se pueden multiplicar o dividir dentro del grupo (que puede doblar 1 a 5 y obtener un número de diez o menos, se puede medio 6, 8 y 10.

Por ello este número en un diseño puede dar a su proyecto un brillo extra de significado y sustancia.

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NUMEROS ABAJO DEL 20 ATRAEN AUDIENCIA

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Estudios han demostrado que esta connotación persiste en la sociedad moderna. En cuanto a diseño, las cualidades de género percibidas de los números pares e impares pueden emplearse para mejorar los temas visuales de su diseño. Por ejemplo, las líneas rectas y los bordes afilados.

Miguel De Lorenzi Diseñador gráfico desde cuando la disciplina no se llamaba así.

Es decir que primero fue dibujante publicitario. Durante varios años se dedicó a la pintura. Desde 1960 trabajó en talleres de arte de diversas agencias de publicidad, entre ellas Nova Propaganda cuya dirección de arte la ejercía Pedro Pont Vergés.

Integró desde 1963 hasta 1979 el equipo de diseño de los SRT (Canal 10 y Radio Universidad) y diseñó el logo que aún hoy distingue a ese Canal. Dirigió junto a Guillermo López el cortometraje “Pinito y la Estrella” que fue aceptado en la muestra de Cine para

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Televisión de Cannes en el año 1964. Integró el Grupo Piloto de Cine de la Escuela de Artes de la UNC que dio origen a la creación de la Escuela de Cine de esa casa de estudios.

Desde 1979 y hasta 2005 se desempeñó como director de arte y diseñador del diario “La Voz del Interior”. En ese carácter integró equipos para el rediseño del diario en los años 1980, 1995 y 2001. En 2004 diseñó el diario “Día a Día” de la ciudad de Córdoba. En la actualidad sigue colaborando con diseños en “La Voz del Interior” y otras publicaciones.

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(1940- 2010)

Nació en Villa María, Córdoba, en 1940. Diseñador gráfico desde cuando la disciplina no se llamaba así, primero fue dibujante publicitario. Los invitamos a conocer algunos de los trabajos de este gran representante del diseño gráfico latinoaméricano.

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Miguel De Lorenzi

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fue un diseñador, dibujante, artista, infografista e ilustrador argentino de gran influencia contemporánea.

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ocho tipografĂ­as que todo diseĂąador debe tener bebas

BODONI

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hermes

ars maquette

modern no 20

didot

bembo di.20 j u n i o . j u l i o 2015 magazine

ROCKWELL

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Mc Donald’s También se apunta a los emojis

Francia.- Los emojis están a la orden del día y, cada vez más, se utilizan en publicidad y en los medios de comunicación. Las grandes marcas, cada vez, están apostando más por comunicarse con sus clientes a través de esta sencilla y efectiva forma de comunicación que está encandilando al público más juvenil.

La gran cadena de hamburgueserías McDonald’s, es, ahora, la última firma en unirse a esta moda y tras lanzar sorprendentes acciones anteriormente (como crear un puzzle gigante en Madrid) o aceptar las latas vacías como forma de pago; ahora, ha querido empapelar las calles de algunas ciudades de Francia con una versión de emoticonos de algunos de sus productos más característicos y demandados.

Para ello, ha contado con la ayuda de la agencia TBWA París, la cual ha ayudado a la multinacional estadounidense a resaltar sus productos estrella a través de una versión emoji de la técnica del puntillismo, para así, trasladar al consumidor un concepto de agitación y movimiento, en el que parece que los productos están vivos.

En estas gráficas que se han elaborado, se pueden ver productos clásicos como el Sundae (que se ha representado con notas musicales); el Happy Meal (hecho con corazones) y las patatas fritas (elaboradas a base de caritas sonrientes o

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“smileys”).

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productos clasicos con emojis

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