Ilustrarte by Kati Glez

Resumen y explicaciรณn de las mejores obras de Leonardo Da Vinci y Alessandro Botticelli

OBRAS

de los mejores

PINTORES

CONTEMPORร NEOS

Da Vinci el vicionario dela ciencia

Datos curiosos de

Botticelli y sus obras

Storm Thorgerson y su legado

grรกfico

Autor: Storm Thorgerson Obra: Golden Rule

www.ilustrarte.com

VOL.29 Nร M.2 MAYO DE 2015

Contenido 2 6 10 14 18 21

Da Vinci, el vicionario de la ciencia. Las obras de Da Vinci mรกs representativas. Sandro Botticelli y su trayectoria.

Obras mรกs relevantes de Sandro Botticelli. Storm Thorgerson y su legado grรกfico. Obras mรกs relevantes de Storm Thorgerson.

REVISTA OFICIAL DE SOCIEDAD ILUSTRARTE

4|Mayo 2015

Da Vinci El vicionario de la ciencia En los miles de páginas de sus cuadernos, Leonardo recogió sus investigaciones sobre todos los dominios del saber, como la anatomía, la mecánica o la óptica. Leonardo da Vinci, el gran artista del Renacimiento, modelo del uomo universale, fue también un genio científico. Aparte de su obra pictórica, tan exquisita como escasa, hubo un Leonardo dedicado a la observación rigurosa, el experimento y la formulación exacta de principios generales a partir de la experiencia empírica. En los miles de páginas de sus cuadernos de notas, que sólo han empezado a ser estudiados a fondo en las últimas décadas, encontramos anticipaciones de muchos desarrollos posteriores de la ciencia moderna. Sus contemporáneos sabían que Leonardo dedicaba buena parte de su tiempo al estudio de la filosofía natural, que es como se llamaba a la ciencia entonces (el término inglés scientist no apareció hasta 1840) y asimismo tenemos constancia de que Leonardo planeaba publicar numerosos tratados científicos con los materiales recogidos en sus cuadernos. Pero pese a su enorme dedicación, nunca consiguió llevar a buen término su propósito. Se conservan más de seis mil páginas de los cuadernos de Leonardo. Contienen miles de dibujos y gráficos acompañados de textos deliberadamente crípticos; por ejemplo, algunos fragmentos están escritos de derecha a izquierda, de modo que hay que leerlos con un espejo. Estos cuadernos se hallan esparcidos por toda Europa formando parte de colecciones privadas; muchos de ellos fueron a menudo olvidados y más de la mitad se han perdido irremediablemente, aunque alguno ha reaparecido como por milagro, como es el caso de los dos códices que se descubrieron entre polvorientos legajos en la Biblioteca Nacional de Madrid en 1965. Los tratados que Leonardo tenía la intención de publicar abarcan todo tipo de disciplinas, desde las matemáticas a la anatomía. El florentino les puso títulos provisionales como Libro sobre perspectiva, Tratado sobre la cantidad continua y La geometría como juego, Tratado sobre los nervios, los músculos, los tendones, las membranas y los ligamentos.

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Abajo, Paisaje Toscano (Uffizi, Florencia) considerado como el primer dibujo de Leonardotrazado a sus veintiún años. Se cree que representa el valle del Arno en los alrededores de Vinci. Por suerte, lleva escrito: “Dia de Santa María de las Nieves, 5 de Agosto de 1473”; ello confiere gran importancia a ese dibujo a pluma y bistre con sombras acuareladas.

6|Mayo 2015

El rastro de los cuadernos

En sus estudios sobre el dinamismo y la forma, con su extraordinaria capacidad de observar en profundidad y dibujar con absoluta precisión, Leonardo refleja concordancias entre fenómenos y procesos que en apariencia son totalmente inconexos. Los miles de dibujos que recogen sus cuadernos sorprenden en la actualidad por sus numerosos detalles y por su uso de perspectivas múltiples. De hecho, a menudo estos dibujos son modelos teóricos. Como ha señalado el investigador Daniel Arasse, cuando Leonardo quiere crear imágenes realistas difumina los contornos de las figuras con la técnica del sfumato para reflejar cómo se muestran realmente los objetos a nuestra percepción. En cambio, cuando Leonardo dibuja objetos con perfiles nítidos lo que hace es representar procesos naturales, como por ejemplo, la turbulencia que genera un chorro de agua al caer en un estanque.

Mayo 2015|7 Esta Anunción (Uffizi, Florencia) procede de la iglesia de San Bartolomé de Monte Olivete y no fué a Leonardo hasta 1869. El rostro de la Virgen niña, rebosante de dignidad, recuerda a Verrocchio, de igual manera que el perfil purísimo del ángel remite a Botticelli.Pero el interés tan penetrante por la vegetación del prado, casi propio a un naturalista, y la profundidad del espacio seguida por la alternancia de zonas horizontales claras y oscuras, son ya características de Leonardo. El paisaje del fondo, lejano y misterioso por el que asoman unas naves, tiene el toque personal e inconfundible del entonces joven Leonardo.

8|Mayo 2015

Mucho más que un pintor

eonardo sintió fascinación por temas muy diversos. Por ejemplo, más de cuatrocientos años antes de que su obra fuera redescubierta por los estudiosos, Leonardo estableció los principios básicos de la dendrocronología, es decir, el uso de los anillos de crecimiento de los árboles para determinar su edad y las variaciones climáticas que han experimentado a lo largo de su existencia. En su famoso Tratado de la pintura, único texto de Leonardo en circulación antes del siglo XIX, el artista florentino hace una digresión para dejar constancia de este descubrimiento: «Los círculos de los troncos de los árboles cortados muestran el número de sus años y si han sido más húmedos o más secos, según sea su grosor mayor o menor». Leonardo también llegó a entender correctamente la forma en que las plantas despliegan sus formas en respuesta a la gravedad terrestre (geotropismo), así como de qué modo cambian su orientación en función de la luz del sol (fototropismo). Los fósiles llamaron asimismo la atención de Leonardo. En su época, los fósiles marinos que se descubrían en lo alto de las montañas eran comúnmente considerados restos del diluvio universal. Leonardo observó, por ejemplo, que algunos fósiles de

moluscos bivalvos mantienen unidas las dos mitades de su caparazón. Dado que en vida ambas mitades se encuentran unidas por un tejido elástico que se descompone rápidamente tras su muerte, Leonardo concluyó correctamente que tales moluscos no podían haber sido arrastrados a lo alto de las montañas por el diluvio, pues sus mitades se habrían separado, sino que habían quedado sepultados en el mismo lugar donde vivían, que luego emergería como montaña. De hecho, como explicó el eminente biólogo Stephen Jay Gould, Leonardo anticipó conceptos que la paleobiología sólo ha establecido rigurosamente en el siglo XX. Por otra parte, también describió correctamente el proceso de erosión, sedimentación y acumulación que hoy los geólogos conocen como el ciclo de las rocas. Igualmente, sus observaciones anatómicas fueron rompedoras en su tiempo. Contra el parecer de las autoridades médicas de su época, Leonardo dejó constancia, en el llamado Manuscrito G, de que el corazón es un músculo y de que no tiene dos cavidades, sino cuatro. Desde Galeno, el insigne médico del siglo II d.C., se creía que el movimiento activo del corazón era la diástole, es decir, cuando el corazón se

expande, llenándose de aire procedente de los pulmones, según se creía entonces. Leonardo fue el primero en comprender que el movimiento activo del corazón no es su expansion, sino su contracción durante la sístole, que expulsa la sangre hacia los vasos sanguíneos. Dicho movimiento coincide, como observó Leonardo, con el pulso y con la percusión del corazón sobre la pared torácica. Leonardo también describió correctamente el funcionamiento de las válvulas cardíacas, y realizó unos precisos dibujos de la válvula que abre y cierra la arteria aorta, asombrosamente parecidos a las fotografías contemporáneas obtenidas a alta velocidad. Pero pese a todos sus avances, Leonardo no logró analizar la circulación de la sangre como la entendemos desde que el médico británico William Harvey describiera correctamente este proceso en el siglo XVII. El florentino no observó nada que contradijera la teoría imperante establecida por Galeno, que sostenía que tanto venas como arterias llevan sangre del corazón a la periferia y viceversa, en un continuo movimiento de ida y vuelta (al igual que la inspiración y la espiración se llevan a cabo a través de los mismos conductos respiratorios).

Mayo 2015|9 La Dama del Armiño (Museo Czartoryski, Cracovia) ha sido identificada con Cecilia Gallerani, favorita oficial de Ludovico el Moro. Si bien a pesar de la amistad que esta dama demostró por Leonardo, por una parte y, por otra, de la alusión que el armiño supone, no está comprobado documentalmente que en efecto sea ella. El parecido entre la expresión de la hermosa joven con el animal que tiene en brazos no puede ser fortuito; con el pudo aludir Leonardo a cierta esquivez y desde luego a un carácter altivo e indomable, unido a genuina pureza.

10|Mayo 2015

Los principios de la naturaleza L

eonardo también se sintió atraído por los procesos que rigen la luz y el sonido. Entendió que tanto la luz como el sonido se propagan a través de ondas, y también comprendió correctamente la disipación de la energía, constatando, por ejemplo en el Manuscrito A, cómo una bola en movimiento pierde paulatinamente su potenza. Reconoció la relatividad del movimiento: «El movimiento del aire contra un objeto quieto equivale al movimiento de un objeto móvil contra el aire quieto», escribió en el Códice Arundel. Y en manuscritos como el Códice atlántico describió lo que hoy conocemos como tercera ley de Newton: «A cada acción corresponde una reacción igual y opuesta», anotando, por ejemplo, que tanta fuerza ejerce el ala del águila contra el aire como el aire contra el ala del águila. Sin embargo, Leonardo no enunció ninguna de estas observaciones como «ley de la naturaleza», concepto que era completamente extraño a su época. Las llamadas leyes de la naturaleza, como las formularon en el siglo XX filósofos como Whitehead y Wittgenstein, no están en la naturaleza sino en nuestra mente. Históricamente derivan de la creencia en un Dios soberano que decreta «leyes» universales. Ni siquiera Copérnico o Galileo hablan jamás de leyes de la naturaleza: Copérnico habla de simetrías y armonías; Galileo de proporciones y principios. Descartes, en cambio, ya menciona explícitamente las «leyes que Dios ha introducido en la naturaleza». Sólo dos siglos después de Leonardo, cuando los nacientes estados europeos centralizan cada vez más sus leyes políticas, se empieza a hablar de «leyes» para definir los diferentes procesos naturales, como hicieron Robert Boyle para explicar las transformaciones de las sustancias químicas e Isaac Newton para describir el movimiento de los planetas.

Vegetariano de mente omnívora, Leonardo se adentró en todo tipo de ámbitos: pintura, escultura, arquitectura, geografía, cartografía, mecánica, geometría, astronomía, anatomía, óptica, botánica… Y aprendió sobre todo de la observación del mundo natural. Pero aunque no habló nunca de «leyes de la naturaleza», en los cuadernos conservados en la biblioteca del castillo de Windsor, Leonardo elogia las «obras maravillosas de la naturaleza» (opere mirabili della natura) y escribe que «nunca se encontrará invento más bello, más sencillo o más económico que los de la naturaleza, pues en sus inventos nada falta y nada es superfluo».

Mayo 2015|11 A la izquierda, La Gioconda (Museo del Louvre, París), se retrato de Monna Lisa, es el único de los realizados por Leonardo. Se fecha en 1503 y siempre y siempre fue considerada como “la cima del arte del retrato de todos los tiempos”. En ella alcanza perfección extraodinaria de “sfumato” y su grafación infinitesimal de las vibraciones lumínicas; tambien el “velo atmosférico”, que distancia inefablemente obra y espectador. No sólo ha sido copiada infinidad de veces, si no además objeto de deformaciones y manipulaciones, en especial en pleno siglo XX, por su papel de símbolo del máximo logro del arte universal.

Leonardo, el precursor

Abajo, La Santa Cena (Convento de Santa María delle Grazie, Milán) es hoy sólo un recuerdo, una sombra de aquella obra de Leonardo “llena de majestad y belleza” que vio Vasari y que alabó el matemático de la proporción Luca Parcioli. Las figuras, del tamaño natural, fueron pintadas al temple sobre una compleja preparación de dos capas; la segunda quizá por exceso de yeso dejó filtrar la humedad. Su perfecta integración en el espacio real del refectorio es la culminación de la ciencia florentina de la perspectiva; la triple abertura del fondo confiere una profundidad de infinito y ofrece un osado contraluz.

Como señaló el historiador del arte británico Ernst Gombrich, Leonardo tenía un «apetito voraz de detalles». Dominaba y admiraba la geometría, pero para él la complejidad de la naturaleza no podía reducirse a cifras y análisis mecánicos. Su atención especial a las cualidades, al dinamismo y a la visión de conjunto son una parte esencial de su ciencia, que hoy resuena con los actuales enfoques sistémicos y la teoría de la complejidad. Leonardo describió y dibujó a fondo los mecanismos del cuerpo humano, pero dejó claro que el cuerpo es mucho más que una máquina. Lejos de convertir el mundo en algo mecánico, integró principios orgánicos y metabólicos en sus diseños arquitectónicos y urbanísticos. Para él, el mundo no estaba regido por principios abstractos ni por Dios, sino por la incesante creatividad de la naturaleza.

12|Mayo 2015

Sandro Botticelli Y su historia Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1 de marzo de 1445 - Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un pintor del Quattrocento italiano. Menos de cien años después, esta etapa, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerada por Giorgio Vasari como una «edad de oro», un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. La reputación póstuma del artista disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

Juventud Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino. A esta misma parroquia de Solferino o Todos los Santos pertenecieron los Vespucci, aliados de los Médicis, y de quienes recibiría encargos. Era el menor de cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, de oficio curtidor, y su esposa Smeralda. Cuando nació Sandro, su hermano mayor Giovanni tenía 25 años, y se cree que lo adoptó y lo educó. Giovanni tenía el apodo de «Botticello» , sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el que tenía este mote. De él deriva el apodo de «Botticelli». No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio2 (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó

Mayo 2015|13 Esta Adoración de los magos (Uffizi, Florencia), pintada en 1476 se considera un mito importante en la carrera de Botticelli. La influencia de Pollaiolo está aqui plenamente asimilada en un lenguaje que alcanza una intencidad extraodinaria. El preciosisimo de los detalles señala que cierta influencia de Mantegna. La figura del extremo izquierdo es Juliano de Médicis. Que sería asesinado dos años más tarde en la conjura de los Pazzi. La del extremo derecho se identifica como un autoretrato del artista.

14|Mayo 2015 al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibe Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, Filippino Lippi. En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época data toda una serie de Madonas influidas por Lippi. Para el año 1470, Botticelli tendría taller propio. Ya entonces su obra se caracteriza por una concepción de la figura como vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que indicarían formas plenamente modeladas. Recibió ese año un importante encargo: una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza. Esto indica que para entonces, con unos 30 años de edad, ya debía haber eje-

cutado obras destacadas. En 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido.

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En este tercer periodo de la historia de Nastagio degli Onesti (Museo Del Prado), el protagonista ofrece un banquete a Paolo Traversari, cuya hija pretende el matrimonio, en el mismo lugar -quizás un pinar de Ravena- donde se le aparecieron la doncella y el jinete. En plena fiesta se repite la terrible aparición, causando tan profundo espanto en la joven Traversari, que accede de inmediato a contraer matrimonio con Nastagio. Este ciclo de cuatro escenas le fué encargado a Botticelli probablemente por Lorenzo el Magnífico como presente de una boda.

El Nacimiento de Venus (Uffizi, Florencia) es la obra más celebre de Botticelli. “Tomemos... las lineas que expresan la vibración de la cabellera, el vuelo de los paños o la danza de las ondas... -se decía Berenson- y ¿Qué obtenemos? pues puros valores de movimiento, abstractos, desvinculados de toda relación con cualquier representación”.

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Sus últimos años Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo cierto es que seguía produciendo obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad mística (1501), consideradas sus últimas obras. No se conoce amor concreto de Botticelli, ni alusión a excesos sentimentales; tenía «horror al matrimonio». No se casó nunca. Fue denunciado anónimamente en 1502 de sodomía con uno de sus ayudantes, pero los cargos fueron más tarde desestimados. Murió el 17 de mayo de 1510 y fue sepultado en su parroquia, la iglesia de Ognissanti, en Florencia. A su muerte, el único heredero verdadero de su arte fue Filippino Lippi, que comparte con él la inquietud presente en sus últimas obras. Olvidado durante mucho tiempo, fue redescubierto a finales del siglo XIX, suscitando una gran admiración, sobre todo en Inglaterra.

Mayo 2015|19 Abajo, Venus y Marte (National Gallery de Londres), es sin duda una de las obras más logradas de Sandro Botticelli. Debió de inspirarce en Juliano de Médicis y Simonetta Vespucci, a la que parece aludir la cepa de avispas que aparece junto a la cabeza de marte. Ello no excluye un significado neoplatónico según el cual Venus-Humanitas ejerce su benéfico poder sobre Marte, símbolo del odio. Este tipo femenino de Venus es uno de los más interesantes creado por Botticelli. Una mujer de mirada lejana e inaccesible, postura romántica, complicado peinado e inteligencia indudable. Frente a ella, contrasta la voluptuosidad de Marte. Ambos, Venus y Marte, parecen fantásticamente distantes a pesar del esfuerzo que los faunos intentan realizar para aproximarlos. El arabesco de la línea y los valores plásticos de masa se conjugan de forma absolutamente magistral.

20|Mayo 2015

Storm Thorgerson Y su legado gráfico Son pocas las personas que logran tener un talento y un legado tan icónico dentro del mundo del diseño y de la cultura popular. Storm Thorgerson, quien falleció el pasado 19 de abril a la edad de 69 años, ha creado portadas para grupos musicales que han marcado todo un estilo conceptual en la producción del diseño. Su legado es digno de recordar así que aqui en 25Horas le hacemos un pequeño homenaje. Elvin Storm Thorgerson (28 febrero 1944 -18 abril 2013) fue un diseñador gráfico inglés, mejor conocido por su trabajo para artistas de rock como Pink Floyd, Led Zeppelin, Black Sabbath, Scorpions, Genesis, Europa, Catherine Wheel, Bruce Dickinson, Dream Theater, The Cranberries, Yourcodenameis: milo, The Mars Volta, Muse y Biffy Clyro. En 1968, junto con Aubrey Powell fundó el grupo de arte gráfico Hipgnosis, y entre ellos diseñaron muchos sencillos y portadas de discos, Peter Christopherson se unió a ellos para sus comisiones posteriores.

Mayo 2015|21 “Only Revolutions es un título tomado de un libro que cuenta la historia de una ruptura de la relación entre un hombre y una mujer de ambos lados. Al principio yo estaba hablando con Dan sobre las revoluciones – es el verdadero cambio sólo es posible a través de la revolución? – Y la forma en que los participantes a menudo representados por banderas y cómo esas banderas se convirtieron en muy importante y simbólico. Y él dijo: ‘las mordazas se convierten en banderas”, y habló sobre cómo se amordazaron presos de la revolución, y cómo estos trozos de material podría llegar a ser las banderas de la revolución, pero mucho más grande, emblemática antes que actual. Gran idea Dan, sobre todo porque pude ver en mi mente de inmediato, grandes banderas ondeando al viento, ondulando en formas extraordinarias”.

En 1983, tras la disolución de Hipgnosis, Thorgerson y Powell formó Green Back Films, la producción de videos musicales. En 1987, Thorgerson formó su propio estudio de diseño llamado Storm Studios – un grupo informal de los trabajadores independientes. Que podemos decir de Storm, su capacidad conceptual en cada una de las portadas que creó son invitaciones hacia un viaje surrealista lleno de historias y significados. Paisajes que no creíamos posibles y sueños plasmados en gráfica musical, el talento siempre fluyó en su trabajo tanto con Hip-

gnosis como en solitario, además de siempre acompañarse de gente realmente talentosa con la que podía compartir estas visiones. Storm Thorgerson (Potters Bar, Hertfordshire, Inglaterra, 28 de febrero de 1944 – 18 de abril de 2013) fue un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y singles. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd y, en particular, la realizada para su álbum Dark Side of the Moon.

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Primeros años de vida Thorgerson, que era de ascendencia noruega, nació en Potters Bar, Middlesex (ahora parte de Hertfordshire), y asistió a la escuela de Summerhill, la escuela primaria de Brunswick, en Cambridge, y la Escuela Secundaria Cambridgeshire a muchachos con los fundadores de Pink Floyd Syd Barrett , que fue en el año por debajo de él, y Roger Waters, que fue en el año por encima de él. Thorgerson y Waters jugaron rugby juntos en la escuela, mientras que de Thorgerson madre Vanji y la madre de Waters María eran amigos cercanos. Estudió Inglés y Filosofía en la Universidad de Leicester, donde se graduó con una licenciatura con honores, antes el estudio de cine y televisión en el Royal College of Art, donde se graduó con una Maestría en Artes. Él era un amigo adolescente de guitarrista de Pink Floyd David Gilmour y padrino en la boda de Gilmour a Polly Samson en 1994.

Carrera Profesional En 1968, junto con Aubrey Powell fundó el grupo de artes gráficas Hipgnosis, y entre ellos se ha diseñado muchas portadas de álbumes individuales y famosos, con Peter Christopherson unirse a ellos por sus comisiones posteriores. En 1983, tras la disolución de Hipgnosis, Thorgerson y Powell formaron Greenback Films, produciendo videos musicales. A principios de los años noventa Thorgerson inauguró StormStudios junto con Peter Curzon - un grupo suelto de profesionales independientes. La formación incluyó Rupert Truman (fotógrafo), Finlay Cowan (diseñador e ilustrador), Daniel Abbott (diseñador y artista), Lee Baker (retocador creativo y diseñador) y Jerry dulce (diseñador), junto con los asistentes personales de Thorgerson, Laura Truman (grabados ) y Charlotte Barnes, y luego más tarde Silvia Ruga (diseñador). “El prisma de vidrio refractor refirió a los espectáculos de luz de Floyd – uso consumado de la luz en el escenario de los conciertos. Su silueta es triangular y los triángulos son símbolos de la ambición, y son referentes de las pirámides, tanto cósmicos y loco en la misma medida, todas estas ideas sobre temas que tocan en las letras. La unión del espectro que se extiende alrededor de la parte de atrás y en el interior fue impecable al igual que las pistas dando seguimiento en el álbum, mientras que el latido del corazón de apertura estuvo representado por un constante blip en uno de los colores”.

Mayo 2015|23 Tal vez los diseños más famosos de Thorgerson son aquellos para Pink Floyd. Su diseño para el lado oscuro de la Luna ha sido llamado uno de los más grandes portadas de discos de todos los tiempos. Diseñado por Thorgerson y Hipgnosis, la obra de arte para la portada en sí fue dibujado por George Hardie, un diseñador en NTA Studios. Muchos de los diseños de Storm Thorgerson son notables por sus elementos surrealistas. A menudo coloca objetos fuera de sus contextos tradicionales, sobre todo, con amplios espacios alrededor de ellos, para darles una apariencia torpe además de destacar su belleza. Para citar Thorgerson, “Me gusta la fotografía, ya que es un medio de la realidad, a diferencia de dibujo que es irreal. Me gusta meterse con la realidad ... para doblar la realidad. Con los años, Thorgerson y su equipo diseñaron

y lanzaron varios libros sobre su trabajo. The Gathering Storm - Un cuarteto en varias partes fue la tormenta libro final trabajó con su equipo y se completó justo antes de su muerte en abril de 2013. El libro fue lanzado en septiembre de 2013 y incluye portadas de discos de las ilustraciones, fotografías y anécdotas, que abarca cinco décadas desde los primeros trabajos de la tormenta con Hipgnosis través de StormStudios. De acuerdo con los deseos de la tormenta, el estudio continuará trabajando. En 2013, Prog Revista renombró su Premio Grand Design después Thorgerson. Ahora se sabe que el Gran Premio de Diseño Storm Thorgerson y se le dará al diseñador del producto que mejor envasados del año. Thorgerson había ganado el premio 2012 por su trabajo continuo con Pink Floyd.

“Led Zeppelin decidió ir con una idea que tuve al leer “Childhood’s End” de Arthur C. Clarke, en el que se imaginaba a los niños del futuro uniéndose espiritualmente en la mutación en masa y dejando la Tierra como una torre de energía en llamas. Sí, eso debe ser lo suficientemente grande para Zeppelin. Nuestra variante era tener niños rubios y de ojos azules (Cucos de Midwich) trepando por las rocas en algún lugar mágico, la Calzada del Gigante, la escalada hacia un amanecer ardiente”.

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Portadas de Discos Storm Thorgerson Potters Bar, Hertfordshire) es un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y singles. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd y, en particular, la realizada para su álbum "Dark Side of the Moon". Junto con Aubrey Powell (Po) funda, en 1968, Hipgnosis un estudio de diseño gráfico especializado en la fotografía creativa con trabajos, principalmente en el negocio de la música diseñando portadas de álbumes para muchas bandas de rock incluyendo Pink Floyd, Led Zeppelin, Genesis, 10cc, Yes, Peter Gabriel, Black Sabbath, Paul McCartney, Syd Barrett and Styx, entre otros. Comenzó una serie de libros acerca de las carátulas de álbumes con Roger Dean llamado "Album Cover Album", y con Hipgnosis escribió y

Mayo 2015|25 diseñó "Walk Away Rene 1978" y "The Goodbye Look 1982" acerca de su propio material. La mayor parte de sus diseños tienen elementos propios del surrealismo, extrayendo elementos de su contexto habitual, deformando realidades a través de montajes visuales o ubicándolos en inmensos espacios oníricos. Estas escenas impactantes y directas fueron especialmente valoradas en el negocio discográfico lo que permitió que, a través de Hipgnosis o bien individualmente, Thorgerson diseñara las portadas de algunos de los más importantes trabajos discográficos desde los años 60 hasta hoy en día. Son quizás los diseños hechos para Pink Floyd, los que han hecho más popular a Thorgerson. Su diseño para el notable álbum "The Dark Side of the Moon" es nombrado como uno de las tapas de álbum más espectaculares de todos los tiempos. Luego de la separación de "Green..", Storm comenzó a producir en solitario, haciendo videos ("Learning To Fly" para Pink Floyd ganó "mejor director" en Billboard), e intentó comerciales (ganó un Golden Rose en Escocia). Continuó diseñando carátulas para Pink Floyd, Catherine Wheel, Alan Parsons, Anthrax, entre otros, y se lanzó a documentales haciendo "Art Of Tripping" para Ch 4 en 1993, una exploración en dos partes de las conexiones entre las drogas y artistas.

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Sus últimos años

En 2003, Thorgerson sufrió un derrame cerebral, de la que estaba paralizado parcialmente. Fue diagnosticado más tarde con una forma no revelada de cáncer, que se enfrentó durante varios años, pero que finalmente llevó a su muerte el 18 de abril de 2013, a la edad de 69. Después de la muerte de Thorgerson, David Gilmour publicó una declaración a quien describió como “un fuerza constante en mi vida, tanto en el trabajo como en privado, un hombro para llorar, y un gran amigo “. Un puesto en el sitio web oficial de Pink Floyd lo llamó un “genio gráfico”. Pink Floyd baterista Nick Mason, dijo que era un “trabajador incansable hasta el final”