El IMAGINARIO de
HAYAO MIYAZAKI KIRIA ALVAREZ
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HAYAO MIYAZAKI KIRIA ALVAREZ
Reservados todos los derechos. No se permite la reproducción total o parcial de esta obra, ni su incorporación a un sistema informático, ni su transmisión en cualquier forma o por cualquier medio (electrónico, mecánico, fotocopia, grabación u otros) sin autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. La infracción de dichos derechos puede constituir un delito contra la propiedad intelectual. © Kiria Alvarez Lopez, 2020
A mi gatito Pastorino que me aguantó todas mis mañas en la primera producción de este libro. 2012 - 2018
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Sumario CAPÍTULO UNO: PRÓLOGO CAPÍTULO DOS: BIOGRAFÍA 1. 2. 3. 4. 5.
Japón en la Segunda Guerra. Infancia Temprana. El sueño de ser Mangaka. Retirada de Toei. Nacimiento Studio Ghibli.
CAPÍTULO TRES: CONTEXTO HISTÓRICO 6. 7.
Guerra y Narrativa. Desastre Nuclear Japonés.
CAPÍTULO CUATRO: CONTEXTO CULTURAL 8. 9. 10.
La naturaleza y el desastre. Simbolismo Femenino. Fábula y metáfora.
CAPÍTULO CINCO: OBRAS 11. 12. 13. 14. 15. 16. 17. 18.
Nausicaa en el valle del viento. El Castillo en el cielo. Mi vecino Totoro. Kiki, entregas a domicilio. Porco Rosso. La princesa Mononoke. El viaje de Chihiro. El castillo ambulante.
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PRÓLOGO Através de la realización y producción de este libro digital, busco poder representar la visión que tengo de este gran animador, especialmente de la forma en la que él puede ver el mundo, de como plasma y da vida a los inimaginables mundos posibles que podemos observar en sus largometrajes. Los momentos que vivimos, el lugar en donde nacemos y el mundo en el que nos desarrollamos juegan un rol determinante a la hora de realizarnos como personas, y a través de estas páginas deseo narrarles con detalle que circunstancias, hechos y vivencias despertaron el vasto imaginativo de Hayao Miyazaki, co-fundador de Studio Ghibli, uno de los estudios de animación más grandes del mundo, famosos por el carisma y magia de sus filmes. A su vez, analizaremos a fondo conceptos como la ecología, el anti belicismo y el empoderamiento de las mujeres, todos reflejados en diversos filmes como también los ideales del director, los cuales se encuentran presentes más que nunca en nuestra realidad, en la cual Hayao Miyazaki no escatima en proporcionar una alta dosis den sus filmes, pero añadiéndole la pizca de magia que hace tan llamativos a sus personajes, su entorno y tramas, capaces de envolver a niños y adultos dentro de sus mundos imaginarios.
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Biografia
JAPÓN EN LA SEGUNDA GUERRA Hacía tres años que la segunda guerra mundial había empezado, la paz que se estableció tras la primera guerra mundial era ficticia. La crisis del 1929 provocó muchísima insatisfacción social, mientras que las potencias fascistas cada vez se unían más y conquistaban nuevos territorios. Las democracias occidentales eran débiles frente la agresividad nazi y concedían poco a poco todo lo que Hitler les pedía a pesar de estar violando distintos tratados internacionales, era el momento histórico conocido como política de apaciguamiento. 1941 fue el año en que Japón, potencia fascista, que salió victoriosa de la Guerra Rusojaponesa con la idea de que una sola batalla decisiva, podía vencer un enemigo numéricamente superior, y por ello atacó por sorpresa a Pearl Harbour, una base naval de los Estados Unidos lo cual hizo que la gran potencia económica e industrial entrara en guerra. Con el referente de este importante acontecimiento histórico, varios meses antes, justamente el 5 de enero, nacía Hayao Miyazaki.
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INFANCIA TEMPRANA La infancia de Miyazaki es una gran clave para entender el desarrollo de su obra debido a dos hechos fundamentales: El primero consiste en que, con sólo cinco años, la familia Miyazaki se mudó a Kanuma, una ciudad japonesa ubicada en la región de Kantō, en la cual se encontraba la empresa familiar “Miyazaki Airplane” dirigida por su tío, quien se dedicaba a la fabricación de piezas de aeronaves. El segundo se desarrolló en 1955. En ese año, su madre enfermó de tuberculosis espinal y eso le obligó a permanecer recuperándose en el hospital separada de la familia durante nueve largos años. Con todo ello, Miyazaki se había convertido en un jovencito decepcionado con su patria por haber sufrido una derrota contra Estados Unidos, y esto le lleva a fijarse mucho en Europa. Durante la guerra, cuando Miyazaki tenía solo 3 años, su familia fue evacuada a Utsunomiya y después a Kanuma, en la Prefectura de Tochigi, donde se encontraba la fábrica de Miyazaki Airplane. Miyazaki ha dicho en algunas ocasiones que su familia era adinerada y podía vivir con comodidades Fotografía de un Mitsubishi A60M, uno de los aviones para los que Miyazaki Airplane’s fabricaba diversas piezas.
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durante la guerra debido al trabajo de su padre y de su tío en la industria de la guerra, pero también habla sobre cómo los bombardeos nocturnos en Utsunomiya, cuando tenía 4 años y medio, le dejaron una gran impresión. En su conferencia del 22 de mayo de 1998 en el festival de cine de Nagoya, recordó la retirada de su familia de la ciudad en llamas, sin proveer transporte a la gente en necesidad, y cómo el fuego coloreó el cielo nocturno mientras él miraba hacia la ciudad mientras huía con su familia a una distancia segura. Aspectos como este hace que intuyamos de donde proviene su particular sentido de la justicia y el pacifismo. En el transcurso de la segunda guerra, su padre Katsuji Miyazaki dirigía el negocio familiar que fabricaba timones para aviónes de guerra, Miyazaki desarrolló una gran fascinación tanto por la aviación como por la literatura bélica, algo que más tarde reflejaría en sus películas a través de la inclusión de toda clase de aparatos, además de su marcado pacifismo. Por otro lado, su madre, quien falleció en 1955 a causa de una tuberculosis espinal, era una mujer fuerte por la que sentía una gran admiración,. Ella influiría decisivamente en una de la señas de identidad de su cine: las mujeres
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resolutivas y de gran temperamento, una rareza para la cultura nipona. Además de su creciente fijación con el antiguo continente, Hayao Miyazaki comieza a dibujar sus primeros aviones y diferentes artefactos voladores, inspirándose en la obra de Osamu Tezuka, un influyente dibujante de historietas de la época y más tarde, animador japonés. Después de graduarse de la secundaria Omiya, Miyazaki inició sus estudios en la preparatoria Toyotama, a pesar de sus dotes artísticas.
EL SUEÑO DE SER MANGAKA Miyazaki deseaba ser un autor de manga desde una temprana edad. Leía las historias ilustradas en las revistas de niños y reconoció la influencia de los artistas del medio, como Tetsuji Fukushima y Osamu Tezuka. Como resultado de la influencia de Tezuka, Miyazaki destruyó mucho de su arte temprano, creyendo que era una ”mala forma” de copiar el estilo de Tezuka, porque estaba ocultando su desarrollo como artista. Hayao estudio Ciencias políticas y económicas al igual que su padre, en la Universidad Gakushuin, una de las más importantes de Japón, y era miembro del “Club de investigación sobre literatura infantil”, lo “más cercano a un club de cómics de hoy”.
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Hayao estudió Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Gakushuin, Tokio, años durante los que leyó a muchos autores occidentales que marcarían su forma de narrar historias. Durante su tercer año, el interés de Miyazaki por la animación despertó con “El cuento de la Serpiente Blanca”. Se “enamoró” de la heroína de la película y dejó una gran impresión en él. Sin embargo, durante la década de los 60 Miyazaki entró a trabajar como intercalador los cuales son encargados de los dibujos entre movimientos, en Toei Doga, en cual iniciaría su carrera en el ámbito del anime japonés. Allí conoce a la mujer con quien se casaría en 1965, la dibujante Akemi Ota, con quien tuvo a sus hijos Goro y Keisuke. Para llegar a ser un animador con estilo independiente, tuvo que aprender a dibujar la figura humana. Con el tiempo se convirtió en jefe del estudio, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli. Cuando se unió a Toei Animation; ahí trabajó como artista de Tweening en Gulliver ‘s Travels Beyond the Moon, donde moldeó algunas ideas que más tarde se convertirían en el final de la película. Fue ganando más tareas y responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le llevó a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. Durante el proceso colaborativo adoptado para el proyecto, tuvo la
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oportunidad de compartir sus ideas y de trabajar de cerca con su mentor, el director de animación Yasuo Ōtsuka, cuyo enfoque innovador hacia la animación dejó un gran impacto en su trabajo. En “El gato con botas” de 1969, Miyazaki nuevamente tuvo participación clave en la animación, así como en diseños, storyboards e ideas para la historia, incluida la cinemática escena de persecución. También ilustró el manga, como un producto licenciado promocional, para la producción de”El gato con botas”. Toei Animation produjo dos secuelas a partir de esta película, durante la década de 1970, y el personaje terminaría siendo la mascota del estudio, pero Miyazaki no estuvo involucrado en ninguna de las secuelas. Poco tiempo después, propuso escenas en el guión para Flying Phantom Ship, en la cual tanques militares descienden a la ciudad de Tokio causando histeria, y fue contratado para el guión y animación de esas escenas. Miyazaki desempeñó un papel crucial en el desarrollo de la estructura, la creación de los personajes y el diseño para la adaptación Animal Treasure Island, de Hiroshi Ikeda. RETIRADA DE TOEI Las discrepancias que mantienen Takahata y Miyazaki como creadores de contenido con Toei Doga provocan la partida de ambos de la empresa y, mediante otras compañías como la reconocida Nippon Animation, realizan series de televisión y otros proyectos tan populares como Panda y sus Amigos, EL IMAGINARIO DE HAYAO MIYAZAKI | Biografía
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Heidi o Marco, de los Apeninos a los Andes, además de co-dirigió 14 episodios de la primera serie, Lupin II, de Isao Takahata . Estas últimas conocidas series permiten a Miyazaki viajar por el centro de Europa y Argentina, para así crear diseños y organizar su producción. Además, supone un hecho vital, puesto que el paisaje europeo occidental le impresiona tanto que le sirve como una gran fuente de inspiración para su obra fílmica. En 1971 los dos además empezaron a pre-producir una serie de Pippi Långstrump y dibujaron storyboards extensos para la serie. Sin embargo, después de viajar a Suecia para investigar para la realización de la película y conocer a la autora original, Astrid Lindgren, no se les concedió el permiso para completar el proyecto, y fue cancelada. Después de varios años inmerso en un arduo proceso de lluvia de ideas que servirán de base a muchos de sus proyectos posteriores, y ante la imposibilidad de realizar un largometraje personal. De manera independiente, recibe el encargo por parte de la revista Animage de realizar con total libertad creativa un manga que más tarde él mismo adaptará a la gran pantalla en la que será su primera película
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“como autor”: Nausicaä del Valle del Viento, en 1984, producida en asociación entre Tokuma Shoten y Topcraft Studio, este último compuesto principalmente de los que serán meses después los trabajadores de Studio Ghibli, fundado en junio de 1985 por Miyazaki y Takahata.
sino que también dibujaba, escribía guiones, animaba, etc. De esa forma, puede revisar todas sus películas de forma muy personal, bajo un control absoluto de todo proceso creativo.
Junto a Isao Takahata y las ayudas económicas que recibían de la agencia de publicidad Hakuhoudo, propiedad de su hermano, Shirou Miyazaki y de Toshio Suzuki que se había dado cuenta del gran potencial de Miyazaki, y con la contribución de la empresa de animación Topcraft, se hace posible la animación de Nausicaä, que se estrena en marzo de 1984. Justamente un año después, Miyazaki y Takahata deciden independizarse para poder dirigir mejor sus proyectos re contratando a todo el personal de Top craft y cambiándole el nombre de la empresa por el de Studio Ghibli. Mediante el Studio Ghibli, Miyazaki por fin podía realizar tranquilamente y a su gusto toda su original obra, pues el dibujante ha seguido siempre un modo muy peculiar de trabajar: durante las producciones de sus películas, Miyazaki se encontraba en todos las fases de la animación, es decir, no sólo se dedicaba a dirigirlas como todo realizador de cine,
Su nombre deriva del apodo que los italianos usaron para sus aviones de exploración del Sahara en la Segunda Guerra Mundial (Caproni Ca.309 Ghibli), el cual deriva de la palabra italiana usada para el viento arenoso, caliente y seco que sopla en el desierto del Sahara. Aunque el nombre es del italiano, la pronunciación cuando se refiere al Estudio es ‘ji-bri’ o ‘jibu-ri’, para adaptarse a la fonética japonesa. La teoría detrás del nombre era que ellos estaban “soplando” un nuevo viento en la industria de la animación. Dentro de Studio Ghibli, donde poseerá libertad de movimientos, Miyazaki se embarcó en la dirección y el guión de títulos como El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988), Kicky, la aprendiz de bruja (1989), Porco Rosso (1992) La princesa Mononoke (1997), su proyecto más ambicioso, que supuso su consagración como maestro de la animación japonesa pero cuyo esfuerzo estuvo a punto de retirarle del cine. Tras
NACIMIENTO DE STUDIO GHIBLI
En las fotografías observamos a Hayao Miyazaki junto con su colega y amigo Isao Takahata
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este punto de inflexión. Miyazaki volvería con fuerzas renovadas y en plena madurez como creador para elaborar el tramo más brillante de su carrera con películas como El viaje de Chihiro (Óscar a la mejor película de animación 2002), El castillo ambulante (2004) o Ponyo en el acantilado (2008), intercaladas todas ellas de labores de producción o guión en títulos menores de Studio Ghibli. Gracias a Studio Ghibli, tanto Miyasaki como Takahata, fueron libres de explorar sus ideas sin ataduras, teniendo libertad total para realizar su cine de autor. Y así nace el cine de Miyazaki, uno que da un mensaje ecologista, en contra de un avance industrial sin responsabilidad, que puede traer la destrucción de la naturaleza, también lleno de protagonistas infantiles que buscan ese amor puro. Pero no fue hasta 1997 cuando Miyazaki llega a nivel mundial gracias al estreno de “La princesa Mononoke”, película animada escrita y dirigida por Hayao, que contó con excelente recibimiento crítico en los Estados Unidos, hecho que propulsó su lanzamiento definitivo internacional. En el 2001 creó la película animada “El viaje de Chihiro”, filme que le otorgó un Oso de Oro de la Berlinale 2002 y el Oscar a la mejor película animada en el 2002. Con dichos premios el cine de Miyazaki logró posicionarse más aún en el gusto de las personas de occidente, siendo reconocido a nivel mundial como un maestro del cine animado y posicionando a Studio Ghibli, como uno de los más importantes de Japón. Luego en el 2004 realiza “El castillo ambulante de Howl”, el
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En las fotografías observamos a los fundadores principales de Studio Ghibli: Hayao Miyazaki, Toshio Suzuki e Isao Takahata.
cual fue nominado a al Oscar por mejor película animada en el 2006, posteriormente en el 2008 realizó su último largometraje estrenado “Ponyo en el acantilado”. Pero el 1 de septiembre de 2013, Koji Hoshino, presidente del Studio Ghibli, tras presentar la última película de Hayao Miyazaki, El viento se levanta, en la 70 Mostra de Venecia, anunció la retirada de Miyazaki del estudio, porque, el director japonés, a pesar de que a sus 73 años sigue activo, declaró que no realizaría más largometrajes. Debido tal vez a esta impactante noticia que ha causado tanto
revuelo tanto en el estudio Ghibli como entre sus seguidores más fieles, la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood decidió otorgarle el 8 de noviembre de 2014 un Óscar honorífico por toda su trayectoria durante el Governors Awards celebrado en el Ray Dolby Ballroom, Hollywood, California, sabiendo que posiblemente la obra filmográfica de Miyazaki queda ya definitivamente clausurada. Este galardón supone un reconocimiento internacional y premia el trabajo de una vida dedicada en cuerpo y alma a su gran pasión por el dibujo, convirtiendo al artista en una de las figuras más influyentes de la cultura
japonesa y, a nivel mundial, en un referente indiscutible no solo del cine de animación sino del panorama cinematográfico contemporáneo.
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Contexto Historico
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Si bien cada película de Miyazaki es única e intenta transmitir valores diferentes, todas ellas al mismo tiempo comparten ciertos rasgos que las convierten en films puramente “Miyazakianos” los cuales son influenciados por su propia vida, por la cultura japonesa y sobre todo por su padre y el trabajo que este desempeñaba en una empresa aeronáutica, Miyazaki creó magníficas obras reflejando todo aquello en lo que creía y haciendo grandes críticas. El director nace en un contexto histórico que le marcará políticamente el resto de su vida, el final de la
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Segunda Guerra Mundial y la derrota del Imperio Nipón. De aquí nace su aversión a la guerra y al imperialismo, elementos que añade como trasfondo a casi todas sus películas. La aviación nos lleva directamente a uno de los temas que obsesionan a Miyazaki: La Guerra. Cuando en 2002 “El viaje de Chihiro” recibió el Oscar al mejor film de animación, su director no acudió a recoger el premio como forma de protesta: “no asistí al evento por una sencilla razón: me parecía deshonesto visitar un país que actualmente está bombardeando Irak”. Hayao Miyazaki vivió su niñez bajo los bombardeos de
la ciudad de Utsunomiya, a donde había sido evacuada su familia. En alguna ocasión, en sus intervenciones públicas ha recordado cómo huyeron de la ciudad en llamas cuando tenía cuatro años, algo que marcó para siempre su militancia pacifista.
GUERRA Y NARRATIVA La compañía se localizaba en Kanuma, Tochigi, Japón, trasladándose a Utsunomiya durante los sucesos. Miyazaki creció junto a la aeronáutica, convirtiéndose en una de sus grandes aficiones, que podemos ver reflejadas
en sus películas y elaborados modelos. La pasión por la aviación del realizador a menudo entra en conflicto, como por ejemplo relata la película “El viento se levanta” del año 2013, los principales avances de la aeronáutica se aplicaron en los aviones de combate. Las dudas a este respecto que manifiesta Miyazaki en boca de Jir, su protagonista, reciben la justificación moral de su amigo Honjo, también ingeniero aeronáutico: “nosotros no somos comerciantes de armas, sólo nos interesa construir buenas aeronaves”.
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La reflexión sobre lo absurdo de la guerra está presente en buena parte de sus obras, como Nausicaä del Valle del Viento, La princesa Mononoke o El castillo ambulante, en este caso llevando la guerra total de los bombardeos periódicos de ciudades de la Segunda Guerra Mundial a un siglo XIX imaginario. En el filme Nausicaä del Valle del Viento, es un lugar que se ha convertido en maldito mil años después de una guerra mundial catastrófica. La humanidad sobrevive, a duras penas, a orillas de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. En este escenario post-apocalíptico, habita Nausicaä, la princesa del Valle del Viento, única hija del rey. Esta joven piloto y guerrera busca la clave sobre esos contagios y se resiste a ver a los insectos como enemigos. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, al mando de la princesa Kushana, invade el pueblo e intenta revivir a un mortífero “Dios de la guerra”, de los tiempos de la gran hecatombe, para triunfar contra sus enemigos y contra el bosque contaminado.
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Miyazaki plantea ya desde este film, su amor hacia la naturaleza, es decir, esa suerte de ecologismo tan particular, nada forzada ni obvia, que le ha caracterizado desde entonces. ‘Nausicaä’ es, asimismo, un film que reivindica la paz y el intento de comprensión de los enemigos, a pesar de —o precisamente al— rebosar escenas bélicas, batallas de todo tipo y artefactos diseñados para la guerra en la imaginación del autor.
DESASTRE NUCLEAR JAPONÉS El prontuario belicista de Japón durante el siglo XX es una inspiración recurrente para la creación de las películas de Miyazaki, y también un elemento clave para la visión y desarrollo de estas. La rendición de Japón luego del término de la guerra, y el lanzamiento de las bombas nucleares en Hiroshima y Nagasaki marcan un hito en la memoria colectiva de Japón, donde se reflexiona positivamente, conmemorando cada año la fecha e inclinándose por un futuro pacifista. Existe un film inspirado en los hechos ocurridos en el lanzamiento de la bomba y es La tumba de las luciérnagas.
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La película comienza el 21 de septiembre de 1945, justo después de la rendición japonesa. El escuálido Seita es encontrado muerto por un limpiador de tren en la estación de Sannomiya de Kobe. La historia entonces retrocede a la incursión de bombardeo en Kobe, donde el joven se prepara para huir con su hermana Setsuko a un refugio antiaéreo. En un breve momento de ternura, uno de los muchos a lo largo de la película, el chico se asegura de que su hermana menor esté bien asegurada en su espalda y luego se agacha para recoger la muñeca de la niña que casi queda olvidada entre los escombros.Los dos niños sobreviven el bombardeo y el posterior infierno, pero muchos a su alrededor mueren de terribles quemaduras, y la ciudad quedó devastada. Más tarde nos enteramos de que su madre, quien no había podido llegar a un refugio de bombas estaba muy quemada, y finalmente había muerto. La muestra bien envuelta de pies a cabeza con vendas ensangrentadas, con sólo sus ojos cerrados y sus labios carbonizados visibles. Con su madre muerta y su
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padre sirviendo en la marina aislado, dado por muerto, los niños se ven obligados a depender de la caridad de una tía lejana que era muy dura. La tía persuade a Seita a vender los kimonos de su madre con el fin de comprar comida y cuando esta se consume, se convierte cada vez más en una persona amargada y rencorosa hacia los niños.Cuando fue lanzada originalmente La tumba de las luciérnagas, ésta representó un cambio importante de los temas de las películas de caricaturas que suelen centrarse en fantasías escapistas o historias de ciencia ficción. El género era raramente, o nunca fue, utilizado para explorar abiertamente temas sociales. El director Isao Takahata, sin embargo, había sido influenciado por las películas neorrealistas italianas de después de la Segunda Guerra y examina las vidas y las luchas de las personas que trabajan o que viven a los márgenes de la sociedad. En contraste con el enfoque semi documental en blanco y negro de los neorrealistas, la película de Takahata dispone de una apacible calidad matizada y las líneas visuales
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de los rostros de los niños son delicadas, con rostros suaves y expresivos.La tumba de las luciérnagas es un trabajo apasionante y convincente. Los niños experimentan la muerte de un familiar, el hambre, la falta de vivienda y otras catástrofes producidas por la guerra, pero a través de estas pruebas, Seita continúa siendo absolutamente dedicado a su hermana y con la absoluta certeza instintiva de que tienen derecho a vivir una vida feliz y normal .Muchos críticos del cine occidental han elogiado con razón La tumba de las luciérnagas como una exposición importante de los horrores de la guerra con varios de ellos aclamándola como una poderosa película en contra de las guerras. Estas críticas, sin embargo, han sido rechazadas por Takahata y el novelista Akiyuki Nosaka quienes insistieron en que la obra no tiene ningún contenido político. Nosaka, cuya hermana murió de hambre y cuyo padre adoptivo murió en los bombardeos de Kobe, ha dicho que su novela se escribió para calmar el profundo sentimiento de culpa que sentía por su fallecimiento. La película,
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Takahata dijo a un entrevistador, “no es en absoluto un anime anti guerra y no contiene absolutamente ningún mensaje de este tipo”. Las películas de Miyazaki siempre han evocado la cuestión de la relación entre el hombre y la naturaleza, y casi siempre llevan un mensaje sobre la fragilidad del equilibrio que existe entre los dos. Los Los japoneses tienen un inmenso respeto por la estética y un profundo sentido de la belleza y al mismo tiempo de la fugacidad de las cosas en la vida.Hay un término para esto en el idioma japonés, “mono no ware” que representa un sentimiento puramente humano y hace referencia a la compasión o conmoción ante lo efímero. En muchas de sus películas, Miyazaki nos presenta una naturaleza devastada por la humanidad y por consiguiente una humanidad devastada.
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Contexto Cultural
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LA NATURALEZA , Y EL DESASTRE Con esto quiere hacer ver al espectador la dependencia de los humanos hacia la naturaleza y al mismo tiempo aporta un brote de esperanza a través de uno de los personajes principales: Nausicaä rescataba del fukai plantas sanas y la proveía de agua limpia y sin contaminar del subsuelo, demostrando que el bosque no era peligroso y que la humanidad era la responsable de la infección del mismo. De igual manera, San protege al bosque de la tala indiscriminada de Lady Eboshi para evitar la completa desaparición de este y de todos los seres vivos que lo habitan en La princesa Mononoke.Aunque Miyazaki nunca soluciona todos los problemas antes del final del film, sí da las herramientas necesarias para hacerlo en un futuro y de manera progresiva. Es por eso que a pesar de no tener un “final feliz” en toda regla, Miyazaki aclaró que «pueden ser felices si hacen las cosas bien teniendo en cuenta que problemas existen». Gracias a este final abierto, da al espectador la oportunidad de reflexionar y sacar sus propias conclusiones. Debido a las bombas de Hiroshima y Nagasaki, los japoneses temen la destrucción del mundo en el
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que viven. Miyazaki quiso reflejar esto en muchas de sus películas y, como se puede observar en el último film, El viento se levanta, a pesar del terrible terremoto de Kanto ocurrido en 1923, el director hace hincapié en la recuperación de la ciudad, en el trabajo mano a mano y en la unión de los ciudadanos. Este es otro de los rasgos característicos de sus películas. En sus primeras obras vemos el importante papel de las clases trabajadoras y la fuerza del pueblo. La construcción de una sociedad sólida que enfrente los problemas uniendo su fuerza es un rasgo que está muy
presente en la población minera del pueblo de Pazu (El castillo en el cielo) y que podemos ver también en otras películas como La princesa Mononoke y la estructura económica firme y fuerte del Ciudad del Hierro. El deseo de la erradicación de las clases sociales puede verse en proyectos anteriores como El castillo de Cagliostro o Las aventuras de Hols, Príncipe del Sol, que narra la historia de Hols, un niño que, tras la muerte de su padre, va en busca de su aldea natal. Allí y con el apoyo de todo su pueblo, vencerá al mal que les somete desde hace tanto tiempo. Más tarde
abandonaría parcialmente ese estilo considerándolo equivocado y adoptaría una actitud más progresista manteniéndose siempre reacio a la tecnología. «Para mí, no hay sentimiento de admiración o emoción en absoluto... Es desagradable. En los trenes, el número de esas personas haciendo extraños gestos parecidos a la masturbación se está multiplicando.» Miyazaki dedicó estas “afectuosas” palabras al Ipad, la tablet de Apple. «Todo lo que necesito son lápiz y papel» confesaba.
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SIMBOLISMO FEMENINO Obras como Nausicaä del Valle del Viento, La princesa Mononoke o El castillo ambulante giran en torno a un personaje femenino valiente, fuerte, inteligente e independiente, con dotes de liderazgo y autoridad. Contrario a la cultura japonesa que suele ser muy opresiva con las mujeres, el director se opone al carácter sumiso que suele acompañar a las mujeres y quiere destacar estas figuras y relegar al hombre a un segundo plano. Incluso en las películas en las que el protagonista es un hombre, las mujeres desempeñan un gran papel: Fio ayudará a Porco a recuperar esa confianza perdida, a creer en sí mismo y a valorarse. Asimismo, Gina, que nunca se separó de Porco incluso siendo un cerdo, seguirá apoyándolo y le esperará cada día en su jardín esperando poder cumplir la promesa que un día le hizo. Dos personajes que hacen de esta película una obra de arte. Aunque todos estos personajes femeninos son presentados con muchas virtudes, no son perfectos, y
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FÁBULA Y METÁFORA para dotarlos de humanidad las dudas, la inocencia o la bondad salen a relucir para ocasionarles algún que otro problema.Por este mismo motivo, muchas veces caemos en el error de compararlo con Disney o denominarlo Como “Disney de Japón”. Al contrario que todas esas princesas Disney con finales felices y príncipes azules, Miyazaki muestra y refleja todos sus valores e ideales en cada película, escondiendo una moraleja en cada una de ellas más allá del felices para siempre, alejándose de los tópicos clásicos y con un enfoque mucho más psicológico y complejo. Una de las grandes diferencias entre Disney y Studio Ghibli es el concepto del “bien mal”. Para Miyazaki no existe lo negativo o lo positivo, el malo y el bueno, los personajes simplemente evolucionan y los comportamientos negativos se deben muchas veces a la ignorancia o a la situación en la que se encuentra dicho personaje. El malo no es malo porque sí.
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A través de símbolos, Miyazaki hace una representación sensorial de una idea. La más común en sus películas son los hechizos. Obviamente este es un recurso que el director utiliza racionalmente y siempre tiene una explicación. En El castillo ambulante Sophie sufre una maldición, un tipo de magia que la convierte en una vieja aun siendo muy joven. El estilo de vida que lleva Sophie no es propio de una joven de dieciocho años, puesto que se comporta como una auténtica anciana, desprecia su vida y no se valora. Encerrada en la sombrerería, Sophie no vive como tendría que hacerlo, es por eso que la maldición la convierte en aquello que siente su corazón. A lo largo de la película, vemos diferentes transformaciones en el aspecto de la joven siempre acorde con el estado de sus sentimientos en ese momento. Mientras duerme, Sophie se siente ligera y sin preocupaciones y su aspecto vuelve a la normalidad. Como se puede ver al final del film, la
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maldición de Sophie desaparece, pero su pelo canoso no cambia de color recordándole así una lección aprendida.Asimismo, la guerra convirtió a Marco Pagot en un cerdo a causa de sus vivencias en la está, representando que se convierte en un hombre al llegar de una dura guerra. Pero durante el film (y aunque no queda totalmente aclarado al final), tanto el espíritu fuerte y alocado de Fio como la antigua amistad de Gina ayudarán a Porco a cambiar, empezando con su interior. Otro elemento de cambio y madurez es el tren. Chihiro partirá sola hacia Fondo
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de Pantano. Detrás de esta escena se esconde la cumbre del proceso de maduración de la pequeña, quien, después de trabajar duramente en la casa de baños, se encontrará inmersa en un viaje de ida sin una vuelta segura. A través de todos estos films pretende divulgar el uso del raciocinio y la tranquilidad para conseguir la paz. El folclore japonés no podía faltar en sus películas y por ello muchos de los seres, espíritus y criaturas que aparecen pertenecen a antiguas leyendas o cuentos populares
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japoneses. Aunque algunos escenarios están inspirados en tierras europeas, también hay muchos otros que reflejan verdaderos entornos típicos japoneses. Con orgullo, Miyazaki da a conocer una pequeña parte de este folklore milenario. Solo los verdaderos humanistas saben defender su visión del mundo más allá de los condicionamientos que limitan sus principios. Miyazaki es un creador total, que escribe guiones, dibuja animaciones y dirige sus películas. Se trata de un artista que ha volcado su sensibilidad y su punto de vista crítico en su producción fílmica y se ha
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expresado a través de sus historias y personajes. Su prestigio es innegable, pero la profundización en sus temas, simbologías y contextos fílmicos dan la ver un universo personal con sus propias claves interpretativas.Los contextos en los que se enmarcan estas historias suelen ser realmente interesantes. Son recurrentes las tramas que tienen como fondo al campesinado tradicional japonés, un mundo en conflicto y constante contradicción con un naciente capitalismo en desarrollo que transforma los modos de vida y las relaciones; la modernidad occidental
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contra la tradición milenaria. El maestro Miyazaki siente especial admiración por los personajes proletarizados y su idiosincrasia particular, obreros industriales y demás oficios manuales a los que representa en varias de sus películas con un especial cariño. La reflexión sobre la destrucción del medio ambiente y la búsqueda de un equilibrio entre el ser humano y la naturaleza y sus recursos suele estar presente en las películas del estudio. De hecho, es el hilo conductor de algunas de ellas, como La princesa Mononoke, todo un hito y un símbolo
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para el ecologismo. Miyazaki cuenta historias con profundidad, interesantes, en las que los personajes protagonistas femeninos son frecuentes, y siempre están alejados de los roles pasivos que se les tiene reservados a las mujeres en la mayoría de producciones cinematográficas. Así lo explica el propio Miyazaki: “Muchas de mis películas tienen poderosas protagonistas femeninas, chicas valientes y autosuficientes que no lo piensan dos veces para pelear con todo su corazón por lo que creen. Ellas necesitarán un amigo, o un cómplice, pero nunca un salvador. Una mujer es tan capaz como cualquier hombre de ser un héroe”.
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Hayao Miyazaki es el mejor. Así de sencillo. De la misma forma en que el manga tiene a su referente más grande en el glorioso Osamu Tezuka, la animación lo tiene a Hayao Miyazaki. En una época en la que las películas de animación descansan cada vez más en los efectos visuales, con la animación por computadora y ahora con el uso del 3D, ver una película de Miyazaki en el cine es una brisa de aire fresco indispensable en un mundo saturado de grandiosos efectos, pero poco contenido.Y es que Miyazaki no necesita nada de eso. Simplemente se limita a contar una historia maravillosa. Los mundos increíbles que recrea en cada una de sus películas se encuentran más allá de lo que las palabras pueden describir. Cada película es un universo en sí mismo, con sus propias leyes y características y todos los seres que los habitan están íntimamente relacionados con ellos.
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Sus creaciones cobran vida propia, trascienden la pantalla y el celuloide y crean una nueva dimensión de sentido, donde el mensaje es tan profundo como simple, por más contradictorio que suene, la mejor forma de definirlo es estableciendo que Miyazaki no hace películas, crea universos, experiencias y sensaciones. He visto decenas y decenas de films animados, y ninguno ha logrado transmitirme lo que este señor con sus realizaciones. Su magia es única e irrepetible, y hay una sola explicación posible a lo que sus películas generan, algo que se encuentra casi extinto en este medio, sobre todo en producciones de alto nivel: el amor y la dedicación que pone a sus creaciones.
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NAUSICAA DEL VALLE DEL VIENTO Nausicaä del Valle del Viento es una oda a la naturaleza y a todo lo bueno que puede venir de ella. Bien es cierto que en la película, al principio, se nos muestra una naturaleza muy agresiva con el ser humano, pero si observamos un poco más podemos caer en la conclusión de que en la Tierra también debe haber otro tipo de vida más allá de la humana y que dicha vida debe abrirse paso como sea. Asimismo, a medida que avanza la historia vamos comprendiendo mucho más el porqué ese lugar es como es y que nunca debería
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desaparecer de ahí por mucho que le moleste a la gente de Tolmekia.Mil años han pasado desde la catástrofe nuclear conocida como los Siete Días de Fuego durante los cuales la mayor parte de la vida fue destruida. Los supervivientes del desastre viven con miedo debido al crecimiento de una selva en cuyo interior habitan enormes insectos y plantas que emanan esporas venenosas que podría matarles en unos pocos minutos.Lejos de dicho lugar existe un
pacífico reino conocido como el Valle del Viento cuya localización les permite vivir libres de las esporas venenosas de las plantas. Allí vivía Nausicaä, una princesa joven y valiente que ve cómo su reino cae presa de la guerra cuando una nave del reino de Tolmekia se estrella. Y es que los gobernantes de dicho lugar quieren encontrar un arma nacida de los Siete Días de Fuego para destruir la selva. La protagonista, Nausicaä, es quien nos guía en esta historia donde se nos muestra que ni los buenos son tan
buenos ni los malos tan malos. Junto a ella vemos las bondades de un mundo post-apocalíptico y en el que el ser humano ha tenido que adaptarse durante los últimos mil años. Ella bien podría ser la abanderada de la cordura y la razón en esta historia, pues otro de los puntos clave que muestra Nausicaä del Valle del Viento es el miedo irracional del ser humano hacia aquello que desconoce, queriendo destruirlo por completo antes de conocerlo y comprenderlo por completo.
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EL CASTILLO EN EL CIELO En esta ocasión Miyazaki nos cuenta la historia a través de dos protagonistas. Por un lado Sheeta, una dulce niña portadora de un ansiado y misterioso colgante mágico. Por el otro Pazu, un pequeño huérfano, trabajador de un pueblo minero.Bajo la custodia del funcionario gubernamental Moska, Sheeta, en un intento de escapar de la aeronave que la mantiene cautiva, cae cielo abajo hacia el pueblo de Pazu, quien la rescata y se convierte en su amigo incondicional y compañero de viaje en
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busca de la ciudad legendaria de Laputa. Un peligroso viaje perseguidos por el gobierno y los bandidos que aboga por valores como la amistad, el pacifismo o el amor por la naturaleza. El ecologismo y el anti belicismo vuelven a ser temas aunque en este caso se realzan los valores personales sobre los problemas ambientales que sirven para engrandecer el mensaje, es decir, la violencia que se muestra, si bien transmite un mensaje anti-bĂŠlico por su principal funciĂłn es la de realzar el mensaje de amistad, lealtad y sacrificio de dos niĂąos que se quieren a pesar de las dificultades.
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MI VECINO TOTORO rector, inclusiva la última de ellas, esta bella película indaga con gran sensibilidad y compasión en los misterios, no siempre luminosos, a menudo lóbregos, que rodean la más esencial de nuestras etapas vitales, la que algunos definen como la verdadera patria del hombre. Miyazaki observa a la niñez como el paradigma de libertad absoluta, entendida no sólo desde un concepto físico y social, sino sobre todo desde un plano netamente imaginativo o, incluso, espiritual. Los niños como poseedores únicos y exclusivos del mundo tal como es, incluidos todos sus secretos, espíritus y dioses. Pero la niñez no está exenta de oscuridad, que para Miyazaki es el símbolo supremo de la infancia. La oscuridad o incluso la desesperación, consecuencia de lejanía o enfermedad de una madre, o de un cambio de residencia, traumas que las niñas intentan superar con la ayuda de un padre bondadoso y, sobre todo, de una naturaleza exuberante, la verdadera protagonista de la película, capaz de refugiar a Satsuki y Mei, de divertirse, de subyugarlas, de darles ilusión.
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En cierto sentido, Totoro es una metáfora, un símbolo y una parábola al mismo tiempo. Representación de las necesidades y los anhelos más profundos de las dos niñas, fuerza liberadora de su aprendizaje emocional. Nos sentimos niños de nuevo siguiéndole por esta peripecia contemplativa y lúdica, despojada de todo prejuicio y convencionalismo, que existe por el mero objetivo de hacer sonreir. Y como Miyazaki es un hombre de una vasta humanidad, y de una amplísima cultura, que sabe aplicar ambos rasgos a una historia sencilla con unos personajes llenos de vida, sabe arrastrarnos al fondo de esta poco convencional historia de aprendizaje emocional sin atavismos formales y sin forzarnos a ir a donde no queremos.
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KIKI, ENTREGAS A DOMICILIO Kiki, de trece años, debe abandonar su hogar en la búsqueda de una nueva ciudad para trabajar y servir con la comitiva de completar el tradicional entrenamiento que se requiere para llegar a ser, como su madre, una auténtica bruja. Con escoba en mano, radio colgando y su inseparable gato Jiji, Kiki despega con una ferviente ilusión escondida tras el temor de las apariencias y, como cualquiera que debe luchar por ser quien desea, miedo a no estar a la altura de las exigencias personales.Dejando atrás un bello cielo tormentoso y el ocre misterioso y seductor de la luna, Kiki llega a una ciudad nacida a orillas del mar, donde sobrevuela las calles con
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esperanza de servir correctamente, pero también de sentir que la gente efectivamente necesita de su talento como bruja. Acogida en una hogareña panadería tras un afortunado encuentro con Osono, la dueña, Kiki comienza a cumplir encargos y llevar paquetes a domicilio sobre su escoba mágica, sin embargo, tan pronto como las exigencias aumentan, se dará cuenta que las brujas también pueden
enfermar. Invadida y nublada por la idea de perder la magia, Kiki descubre en Tombo, un niño soñador y ambicioso, la humildad de levantar la cabeza y ver el cielo desde la tierra con un deseo exorbitante, pero también aprende en la soledad pasional de Ursula, una chica mayor que habita una cabaña iluminada por cuervos, en mitad del bosque, la virtud que exige el espíritu de las cosas. Pues hay que descubrir el significado de los sentimientos, no por su origen, sino
por la sensibilidad que ejercen sobre nosotros, sobre eso que algunos mágicamente llaman alma. Por eso a veces sufrimos, porque cuando el alma sufre, todas las certezas que existen se tambalean hasta perder el rumbo.
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PORCO ROSSO Miyazaki sitúa su película en el lugar espacial y cronológico que tantas veces antes y después ha representado de forma idealmente indeterminada: la Europa de entreguerras, con sus clásicas máquinas aéreas y su arquitectura, vestimenta y utilería tecnológica. El lugar es el Adriático, a finales de los años 20 o principios de los 30 (se hace referencia a la gran crisis mundial), y su protagonista es un antiguo piloto de la Fuerza Aérea italiana llamado Marco Pagotto que, a consecuencia de una misteriosa maldición, se transformó en un cerdo humano, abandonó su vida anterior y se dedica a ejercer la profesión de cazarrecompensas, a bordo de su rutilante hidroavión escarlata, bajo el nombre de Marco Porcellino/Porco Rosso. Las referencias socio-históricas son muy concretas: la Italia del fascismo. En mitad de la película, y para reparar su hidroavión, Porco acude a Milán para encargar el trabajo a su viejo amigo Piccolo, y allí acaba siendo seguido y perseguido por la policía secreta fascista, sin que llegue a concretarse cuál es el delito cometido: sencillamente, un sistema totalitario
no puede permitir la rutilante libertad a un individualista que encima lo desprecia profundamente y lo ha abandonado sin el menor remordimiento. Podríamos decir que Porco Rosso fue el film más personal de Miyazaki hasta el estreno de El viento se levanta (2013) porque refleja sus sueños y obsesiones, no sólo por lo que a la aviación respecta, sino por la animación ya que utilizó técnicas de animación tradicional. Napier sostiene que en ambas películas Miyazaki deja fluir su “tecnología de nostalgia y negación”, una tecnología ficticia de guerra en la que se siente una mezcla de culpa, nostalgia y negación como ciudadano de una nación que ha perdido un imperio. No olvidemos que el pequeño Miyazaki ya dibujaba aviones cuando su padre dirigía Miyazaki Airplanes. Otra cosa es que el director sea, como muchos otros artistas y pensadores japoneses de su generación, consecuente con la memoria y responsabilidad histórica de su país. Nostalgia sí pero negación no. A propósito de la negación de la responsabilidad histórica, Moist y Bartholow, señalan un aspecto muy
particular de Porco Rosso y es cómo justifica el éxito del fascismo. El film implica que los “héroes” como Marco Pagoto fueron indulgentes y no lucharon contra la amenaza fascista. La complejidad moral típica de los personajes de Miyazaki se hace más latente en este film. De todos es sabido que el director siempre intenta en sus películas no presentar personajes malos por naturaleza sino en consonancia con sus vivencias o creencias: a menudo estos personajes deben escoger opciones que atentan contra su propia individualidad, para convertirse paradójicamente en humanos individuales que participan en su sociedad y Marco Pagoto claramente no ha recorrido este camino heroico.
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LA PRINCESA MONONOKE A través del protagonista principal Ashitaka, el príncipe templado y pacífico de una antigua tribu casi extinguida que se ve forzado a partir a la parte occidental del país y adentrarse en las profundidades de su bosque, conocemos la existencia de las fuerzas de la Naturaleza, representada por los diferentes dioses del bosque que la protegen, y la ambición de los seres humanos por destruir dicho bosque y a sus habitantes para explotar sus recursos minerales, en este caso, el hierro. El odio se apodera de todas las partes
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implicadas y la guerra entre unos y otros se antoja inminente. Ashitaka hará lo posible por evitarla mientras persigue su propio objetivo, que no desvelaremos y que está íntimamente ligado a este conflicto. Por lo tanto, tenemos las guerras entre los seres humanos, por un lado, y la guerra del hombre contra la Naturaleza, por el otro. Y en medio, todo un mundo encantado de dioses y legendarias criaturas. Miyazaki deja aflorar a través de una preciosa animación y una banda sonora fantástica un claro mensaje ecologista que discretamente nos traslada la necesidad de detener el frenético ritmo actual de
degradación del Medio Ambiente y de explotación de nuestros recursos naturales si de verdad queremos tener un futuro a medio y largo plazo. Un equilibrio y armonía entre la civilización humana y la Naturaleza es posible y todos debemos reflexionar sobre ello. De hecho, en algún momento el ser humano convive en paz con su medio natural y todavía hoy mucha gente lo hace o está comprometida por conseguirlo. A modo informativo, sepamos que para la recreación de los bellísimos paisajes naturales de la película se tomaron como modelo
bosques actuales japoneses calificados hoy día como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. En cualquier caso, “La Princesa Mononoke” no es la clásica película con marcados buenos y malos. No todo es blanco o negro sino que son muchos los matices que modelan a los principales protagonistas. Además, el film también aborda cuestiones de indudable interés didáctico para el debate en clase como el valor de la lealtad y la amistad o la inutilidad y lo pernicioso de la guerra, el odio, la violencia y la sed de venganza. Pero también se toca de forma bastante directa temas tan de actualidad como la igualdad entre hombres y mujeres o la situación de colectivos desfavorecidos de la sociedad.
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EL VIAJE DE CHIHIRO La película narra la historia de una joven que queda atrapada en un mundo mágico y ancestral. Uno en el que tendrá que sobrevivir trabajando en un balneario de dioses. El viaje de Chihiro hunde, narrativa y conceptualmente, sus raíces en el folclore japonés ante la perspectiva de un nuevo siglo. Su protagonista, y con ella todos los espectadores, son testigos de un mundo en el que la tradición y la espiritualidad viven separadas de nuestra realidad. En esta, la tradición japonesa viene a descansar sus posaderas y a relajarse en una gigantesca casa de baños, escapando de la agitada vida a la que la hemos condenado. El viaje de Chihiro es, por esto mismo, un enorme fresco sobre el imaginario tradicional japonés en el que coexisten kamis y yōkai de todo tipo. Los primeros hacen referencia a entidades provenientes del sintoísmo, un equivalente a lo que conocemos como deidades que también pueden significar el poder de elementos propios de la naturaleza. Los segundos son criaturas entre demonios y espíritus de naturaleza cambiante y mágica.
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El viaje de Chihiro es el máximo exponente, en la carrera de Miyazaki, de la explosión cultural japonesa, del valor de las raíces, del respeto por las tradiciones, y al mismo tiempo es una visión desde el siglo XXI. En este sentido es importante la crítica sutil que se hace mediante los padres de la protagonista. El respeto a un pasado común entronca con los valores de progreso y modernidad que encarnan los padres de la joven: convertidos en cerdos por un mundo en el que el consumismo desmedido y la arrogancia se pagan caros. Chihiro es una nueva esperanza, una generación que tiene que resolver el embrollo a través de aceptar el pasado ancestral y los valores que han formado parte esencial de la cultura japonesa.
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EL CASTILLO AMBULANTE Una joven llamada Sophie trabaja en la tienda de sombreros de su fallecido padre. Un buen día conoce a un extraño llamado Howl, un mago que reside en un castillo mágico ambulante y que cuenta como enemiga con la Bruja de las Landas, quien convertirá a Sophie en una anciana de noventa años imposibilitada para revelar su identidad.La única manera de romper el hechizo será contar con la ayuda de
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Howl. Sirviéndose del personaje de l hechizero Howl, Miyazaki aprovecha para realizar una de las declaraciones políticas más evidentes de su carrera. El mago se niega a participar en la guerra que ha desatado la nación del relato con la excusa de buscar la paz, algo que paralelamente estaba haciendo Estados Unidos con Irak. Es sólo uno de los múltiples matices que se pueden hallar en ‘El castillo
ambulante’, una preciosidad disfrutable al nivel de su superficie steampunk y aventurera, pero también una interesante reflexión sobre la identidad femenina y los traumas de la madurez revestida de majestuosas escenas de acción aérea y asombrosos mecanismos.
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Entre las obras observadas, sólo podemos observar una pequeña parte de los veintidós filmes producidos por Studio Ghibli. Pocos directores de cine pueden exhibir una filmografía tan rica y sorprendente como la del director de culto, Hayao Miyazaki. Con un detalle y virtuosismo incomparable, refleja mundos totalmente personales con profundas raíces en la imaginería tradicional nipona, de la que extrae multitud de referencias que intercala con sus propias ensoñaciones, sobrevoladas siempre por diversos personajes entre la magia, la inocencia y el inexorable paso del tiempo.
Para un espectador occidental, sus imágenes resultan poéticas, terribles y desconcertantes a la vez. Sus monstruos y fantasmas, entrañables y perversos, sacuden nuestras emociones de un extremo a otro, constantemente inmersas en un mundo estéticamente magnético, en el que caben desde el reflejo más puro de las ondas de un pequeño arroyo en los ojos de un niño hasta terribles e inútiles) guerras obstinadas en acabar con el género humano. Y siempre, el vuelo: extraños artefactos, aviones, brujas, ciudades enteras…es el alma infantil de Miyazaki, teñida con los recuerdos de su infancia.
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Hayao Miyazaki nació en Tokio el 5 de enero de 1941 es un reconocido animador Japonés, creador del mundialmente famoso y aclamado Studio Ghibli. Con gran fascinación tanto por la aviación como por la literatura bélica, la ecología, y las mujeres resolutivas de gran temperamento, recrea sus ideales y experiencias en sus carismáticos filmes, rebosantes de una magia y extravaganza particular. A lo largo de esta recopilación de sus trabajos, y anécdotas de vida, analizaremos su obra a fondo, desentrañando contextos históricos, culturales, y personales, para poder comprender a fondo la obra de este fascinante director y animador.