Zona Limite

D IRECTORIO Director Creativo: Krmn Contreras Editor en Jefe: Jaime Cuanalo Columnistas: Yo Merito!

Martha Soto Colaboradores: Gerardo Navarro Alexandro Guerrero Andrea Villalvazo Tania Campos Yonathan PerĂŠz DiseĂąo Editorial: Krmn Contreras

C O N T E N I D O 04 + 10 + 18 +

Arte para salvar a México Requiem para Obra Negra Trolebús El Foro. La libertad mágica de un sueño.

20 +

La Estética Hipnótica, la Manía Obsesiva y la Arquitectura Utópica del Siglo XXI

26 + Arte para Salvar TIJUANA 32 + LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN EN EL ARTE 36 + Poesía 38 + Espejo Mutable: reflejar el pasado para transformar el presente

43 + Gastronomía - SOBREMESA

4+ Arte para Salvar a México Por: JJ Cuanalo

EL ARTE EN ART AT WAR!

GUERRA! http://www.colectivouan.com

Sobre el terreno de la cultura se libre una batalla; las armas: El lenguaje del arte y el arte del lenguaje. Lo que está en juego es la supervivencia misma de la especie humana tal como la conocemos y los adversarios son los artistas e intelectuales contra los salvajes y sus acólitos, los charlatanes. ¿Cómo es esto? No se trata de una metáfora ni de una fantasía, se trata de un hecho histórico: Las sociedades humanas han venido experimentando hasta ahora ciclos de desarrollo cuyo punto más alto es la Edad Dorada de cada civilización, pero que hasta ahora han terminado siempre, de manera lamentable, cayendo de regreso en la barbarie. Esto ha causado que los más grandes y esplendorosos imperios hayan terminado siempre convirtiéndose en lo que hoy llamaríamos países de tercer mundo, para luego desaparecer en el salvajismo perdiendo su memoria histórica y, por lo tanto su identidad. ¿Dónde están ahora los orgullosos Faraones, los sabios astrónomos Mayas, los emperadores Romanos? Todos esos antiguos imperios cayeron víctimas de la guerra cultural de la que aquí hablamos.

On the field of culture a battle is waged. The weapons: The language of art and the art of language. What is at stake is the very survival of the human species as we know it, and the adversaries are the artists and intellectuals against the savages and their minions the charlatans. How is this? This is not a metaphor or a fantasy, it is historical fact: Human societies have always gone through cycles of development with a high point at the Golden Age of each civilization but always ending so far, sadly, by falling back to barbarism. This has caused the biggest and brightest empires to turn at the end into what we would now call third world countries, to then dissolve into savagery and loose their historical memory and, thus, their identity. Where are the proud Pharaohs, the wise Mayan astronomers, the Roman emperors now? All of these ancient empires fell victim to the cultural war we are talking about in here.

La gran diferencia hoy es la globalización. En el pasado, cuando un imperio caía, cuando una cultura se degradaba y disolvía, era muy viable que en alguna otra parte del mundo una nueva cultura estuviera en el punto de germinar dando como resultado un nuevo imperio. Sin embargo, en la era burguesa hemos venido observando una nueva tendencia que podríamos llamar migración cultural. La cultura burguesa fruto del arte del Renacimiento, que dio brillo y poder a las ciudades-estado de la península italiana, se desplazó después pasando por diversos imperios, como el Austro-Húngaro, y por monarquías como la francesa e inglesa; se trasladó a USA como resultado de las dos grandes guerras europeas, que llegaron a involucrar a Asia, y hoy parece estarse desplazando en dirección de China. Pero no son en realidad culturas diversas, es el mismo capitalismo materialista burgués cambiando de anfitrión.

The big difference today is globalization. In the past, when an empire fell, when a culture was degraded and dissolved, it was very viable that somewhere in the world a new culture was about to sprout resulting in a new empire. Nevertheless, in the Bourgeois era we have been observing a new tendency that we could call cultural migration. The Bourgeois culture, fruit of the very Renaissance that gave shine and power to the Italic peninsula’s city-states, moved afterwards going through several empires such as the Austro-Hungarian and through absolutist monarchies such as the French and the English, to finally arrive at the USA as a result of the two great European wars that reached as far as Asia, and today it seems to be drifting towards China. But they are not really different cultures; it is the same materialist Bourgeois capitalism changing its host.

In consequence, the savages and charlatans that drive society towards decadence and barbarism have been able to prevail in spite of our developments in the knowledge of the brain, learning and art sciences… and in spite of the many definitive evidences of the failure of the Bourgeois culture’s materialist paradigm: 1st and 2nd World Wars, global warming, misery and sickness running rampart through the entire world as a badge of shame for all of our technological advancement. All of this should push us to seek a new horizon. Then, why haven’t we yet? Part of the answer lies in the appropriation that the current political system has made of the scientific advancements on semiotics.

En consecuencia, los salvajes y charlatanes que empujan a la sociedad en dirección a la decadencia y la barbarie han podido prevalecer, a pesar del vasto desarrollo de nuestros conocimientos en las áreas de la ciencia del cerebro, del aprendizaje, del arte… y a pesar de las pruebas fehacientes del fracaso del paradigma materialista de la cultura burguesa: La 1ª y 2ª guerras mundiales, el calentamiento global y la prevalente miseria, hambre y enfermedad que surca nuestro mundo como cicatriz infamante a pesar de todo nuestro avance tecnológico. Todo esto debía empujarnos a buscar un nuevo horizonte. Entonces, ¿por qué no lo hemos hecho aun? Parte de la respuesta se encuentra en la apropiación que el sistema político actual ha hecho de los avances científicos en materia de semiótica.

http://www.escuelasuperiordeartes.com

Nos cambiaron una exposición bien fundada, por una basada en una opinión arbitraria pero actual, de cosas juntadas ‘a tontas y a locas’, cuyas relaciones se encuentran supuestamente escondidas de todos menos los curadores (¡oh wow!) y justificadas mediante razonamientos chuecos que no demuestran lo que pretenden pero si alguna otra cosa que se encuentra en una dirección vagamente similar…

Hace cosa de un siglo más o menos, comenzamos a notar que nuestro lenguaje y todo el edificio de la realidad construido sobre este lenguaje son ‘Arbitrarios’ y ‘Convencionales’.

Este descubrimiento que marca el nacimiento de la disciplina semiológica del conocimiento, dará paso a lo que se conoce como posmodernismo, movimiento ideológico que, como lo habría predicho la Teoría General del Arte (TGA), tenía que iniciar por el arte, para luego derramarse sobre toda la cultura.

About a century ago, give or take, we started noticing that our language and the whole ‘reality’ built upon it are ‘Arbitrary’ and ‘Conventional’. This discovery that marks the birth of the semiotic discipline of knowledge, gave way to what is known as postmodernism, an ideological trend that, as the General Theory of Art (TGA by its initials in Spanish) would have predicted, had to start with Art to latter spill onto the rest of culture.

El arte de la Roma decadente cimentó las bases del medioevo; el arte del medioevo moribundo engendró el Renacimiento y de allí el pensamiento materialista que cimentó la era burguesa. Así el arte de la decadencia burguesa empieza a anunciar el fracaso de este paradigma y la urgencia del advenimiento de uno nuevo. Tras el escusado puesto por Duchamp en un museo (y no las cajas de Brillo de Warhol, ni el absurdo gesto de los ‘Situacionistas’) se demostró definitivamente la inutilidad de la búsqueda de ‘realismo materialista’ en el arte, se mostró que la verdad y el significado están en otra parte. Debimos darnos cuenta entonces de que el arte no tiene una relación esencial con la búsqueda naturalista, como no tiene una relación esencial con la belleza o su forma enmascarada llamada: ‘Placer Estético’. Sin embargo, los charlatanes cuya función es afianzar la barbarie, la cultura de la Ley del Más Fuerte, tuvieron una idea increíblemente exitosa: Secuestrar todos estos descubrimientos a través del lenguaje.

The art of decadent Rome was the foundation for the Middle Ages; the art of the dying Middle Ages spawn the Renaissance and this last in turn produced the materialistic thinking that was the foundation for the Bourgeois era. So now the art from the Bourgeoisie’s decadence is starting to announce the failure of this paradigm and the urgency for the coming of a new one. After the toilet set by Duchamp at a museum (and not Warhol’s Brillo boxes, nor the absurd ‘Situationist’ gesture) the uselessness of the search for ‘material realism’ in art was definitely shown, the fact that truth and meaning lie elsewhere was proven. We should have realized then that art has no essential relationship with the naturalistic pursuit, as much as it doesn’t have one with beauty or its covert form called: ‘Aesthetic Pleasure’. Nevertheless, the charlatans whose role is to secure barbarism and the law of the jungle had an incredibly successful idea: To kidnap all of these findings through the use of language.

Al más puro estilo de los antiguos Sofistas griegos, dijeron: “Si el lenguaje es arbitrario y convencional; y por lo tanto, una palabra podría querer decir cualquier cosa dependiendo de la convención suscrita por el hablante en cuestión; en conclusión, no se puede definir ninguna palabra porque puede significar cosas enteramente distintas para cada persona”. El truco aquí está en la palabra “puede” ya que, si bien es cierto que podría haber una convención diferente no para cada persona pero sí al menos para cada dos personas (sin acuerdo entre varios no hay convención), en la realidad eso no es lo que caracteriza al lenguaje humano. Tanto así, que sus convenciones se agrupan en lo que llamamos: idiomas Español, Inglés, Japonés, etcétera. Todos ellos son grupos de convenciones compartidas por miles o millones de personas.

On the purest ancient Greece’s Sophist style, they claimed: “If the language is arbitrary and conventional; therefore a word could mean anything depending on the convention subscribed by the speaker in question; in conclusion, no word can be defined because it could mean completely different things to each person.” The trick here is the use of the word ‘Could’ because, if well is true that there ‘could’ be a different convention not for every person but at least for every two (without agreement amongst people there is no convention), in reality this is not what characterizes human language. So much so, that the conventions get grouped in what we call: Spanish, English, Japanese, and etcetera languages. Each of them a group of conventions shared by thousands or millions of people.

Es más, lo importante de la arbitrariedad y convencionalidad del lenguaje, es que no hay lenguaje sin el acuerdo de por lo menos dos personas, para quienes la definición no sólo es posible sino inevitable. Al formar la convención que da significado a un sonido arbitrario convirtiéndolo en palabra, sólo pueden lograrlo porque dan una definición convencional al concepto. Por eso, cuando digo árbol, ciertamente distintas personas pueden imaginarse distintos tipos de árbol, pero sería muy raro es que alguien pensara en una amiba. Todo esto sin contar que claro, como el lenguaje humano no sólo está hecho de palabras, sino más bien de conceptos, podemos decir cosas como: “Cachorro de Perro Dálmata” y cualquiera que conozca ese tipo de animal tiene una imagen muy clara y univoca en su mente.

Moreover, what is important about language being arbitrary and conventional is that there is no language without at least two people agreeing, and for these two the definition is not only possible but also inevitable. As they form the convention that gives meaning to an arbitrary sound turning it into a word, they can only achieve this because they give it a conventional definition. That is why when I say tree, certainly different people may imagine different types of trees, but it would be odd that someone imagined an amoeba. All of this of course even before taking into account the fact that language is made out of concepts more than just words, so that we may say: “Dalmatian Dog’s Puppy” and any person familiar with that type of animal gets a pretty clear and univocal picture in their minds.

http://www.colectivouan.com

Unfortunately, many people today believe that each word signifies different things to each different person, to the extent that dictionaries no longer carry the definition with its etymological base, followed by a list of more or less metaphorical uses; but rather just begin and finish with an absurd list of uses.

This has translated in a generalized application of language as a weapon, like the medieval style where a few literate rulers faced a huge mass of ignorant people. The function held by priest on the Middle Ages was taken in our era, first, by art critics and curators, then followed by a whole host of ‘experts’ in every field, religion included.

Solamente en un clima tan enrarecido es dable que, cuando se le critica por sus textos confusos e inaccesibles al público, una curadora de arte se defienda diciendo que su trabajo fue claro porque pasó: “Del sentido ortodoxo de revisión histórica a la doxia [sic] contemporánea de yuxtaposición, asociación, rizomas y sentidos oblicuos.” Pero, ¿qué es lo que dice?

Lo primero que notamos es que usa las palabras ‘Del’ y ‘a la’, lo que nos indica que nos intercambian algo por otra cosa. La primera cosa, es el “sentido ortodoxo de revisión histórica”, lo que quiere decir que dentro de la revisión (= volver a ver) histórica (= en orden cronológico), había un sentido ortodoxo (del griego orto=correcto o funcional y Doxa=opinión). O sea que teníamos una muestra del arte de Tijuana organizado y seleccionado en base a una opinión bien fundada en hechos a través del tiempo.

Only in such a rarified atmosphere is it possible that, when criticized for producing writing that is confusing and inaccessible to the general public, an art curator defends herself by saying her work was clear because she went: “From the orthodox sense of historical review to the contemporary doxia [sic] of juxtaposition, association, rhizomes and oblique sense.” But, what did she say exactly? First we notice that she used the expressions ‘from’ and ‘to the’, which indicates that we were traded one thing for another. The first thing was the “orthodox sense of historical revision”, which means that within the general historical (in chronological order) revision (to see again), there was an orthodox sense (from the Greek ortho = proper or functional and Doxa = opinion). That is, we had a show of Tijuana’s art organized and chosen on a properly founded opinion based on the chronological order of facts.

¿Y nos lo cambiaron por qué? Por la Doxa = opinión sin fundamento, contemporánea = de hoy; de yuxtaposición = cosas diversas juntadas sin razón; asociación=juntar cosas diversas sin tener necesariamente una razón; rizomas=tipo de raíz que corre subterránea brotando en distintos puntos; y de sentidos oblicuos, lo contrario a sentidos derechos, metafóricamente hablando, sentidos que no nos llevan de una premisa a una conclusión, sino a alguna otra cosa que se encuentra en una dirección vagamente similar.

And they traded this for what? For a contemporary = current, Doxa= unsubstantiated or unfounded opinion, of juxtaposition = throwing things together for no good reason, association = throwing things together, rhizomes = subterranean root that sprout in several places; and of oblique senses, as opposed to straight senses, metaphorically speaking, ways not leading from a premise to a conclusion but rather to something else located in a vaguely similar direction.

Nos cambiaron una exposición bien fundada, por una basada en una opinión arbitraria pero actual, de cosas juntadas ‘a tontas y a locas’, cuyas relaciones se encuentran supuestamente escondidas de todos menos los curadores (¡oh wow!) y justificadas mediante razonamientos chuecos que no demuestran lo que pretenden pero si alguna otra cosa que se encuentra en una dirección vagamente similar… ¡No suena nada bien! Sin embargo, en base a argumentos como este, esas personas se erigen en autoridades de la cultura, bloqueando cualquier avance significativo del arte, porque sólo en la barbarie pueden pretenderse a sí mismos ‘expertos’ en algo. Definitivamente el arte está en guerra; en un lado quienes procuramos el arte y una sociedad basada en el pensamiento crítico sustentado en la observación artística (directa) de la realidad, tal como se nos presenta y no como se supone que es. Buscamos conocimiento y exigimos opiniones bien fundadas, ortodoxas.

We were traded a properly substantiated show for one based on an arbitrary but current opinion made out of things thrown together ‘on a whim’, whose relationships are supposedly hidden from everybody except the curators (oh wow!) and justified by crooked reasonings that do not prove what they intend but rather something in a vaguely similar direction… Doesn’t sound good! Nevertheless, based in such arguments, these people have erected themselves authorities of culture, blocking any meaningful advancement in the arts, because only within barbarism can they pretend themselves ‘experts’ in something at all.

Definitely art is at war; on the one side are those of us who will procure art and a society based on critical thinking founded on the artistic (immediate) observation of reality as it presents itself to us and not as it is supposed to be. We seek knowledge and we demand properly substantiated opinions, orthodox opinions.

http://www.escuelasuperiordeartes.com

Desafortunadamente, hoy en día muchos creen que cada palabra significa distintas cosas para cada quien, al grado que los diccionarios ya no listan la definición con su base etimológica, seguida de un listado de usos más o menos metafóricos; sino de plano inician y terminan con una absurda lista de usos. Esto se ha traducido en una aplicación generalizada del lenguaje como arma, al estilo del medievo en que los pocos letrados enfrentaban una inmensa masa de pueblo inculto. La función que los sacerdotes tenían en el Medievo la tomaron en nuestra era, primero, críticos y curadores de arte, seguidos después por todo tipo de ‘expertos’ en diferentes campos, incluidos los religiosos.

En el campo contrario militan promotores de la ignorancia, esgrimen la Doxa, opinión arbitraria e infundada, como arma. Alegan fundarse en ocultas conexiones que ellos y sólo ellos pueden ver, en la mejor tradición oscurantista medieval.

Esta guerra no es nueva, hace más de dos milenios Platón en la Republica ya deja testimonio al explicar la diferencia entre Doxa y Episteme. Para él la Doxa es opinión, conocimiento superficial, engañoso e incluso falso, la episteme es ciencia, búsqueda del conocimiento. Nos cuenta con que desdén se refería Sócrates a los ‘Sofistas’, hábiles manipuladores del lenguaje. Tristemente Sócrates y Platón perdieron la batalla, Grecia acabó siendo considerada un país de tercer mundo dentro de la Europa capitalista.

Que ironía, la cuna misma de la civilización Occidental.

On the opposite field militate the promoters of ignorance; they wield the Doxa, arbitrary and unfounded opinion, as a weapon. They claim to base themselves on hidden connections that they and only they can see, on the best obscurantist medieval tradition. This war is not new, more than two thousand years ago Plato in the Republic already leaves testimony as he explains the difference between Doxa and Episteme. To him Doxa is mere opinion, superficial knowledge, deceitful and even false, while episteme is science, the quest for knowledge. He tells us about the contempt with which Socrates referred himself to the ‘Sophists’, skilful manipulators of language. Sadly though, Plato and Socrates lost the battle, Greece ended up becoming considered a third world country amidst capitalist Europe. Oh the irony, the very cradle of Western civilization.

Sócrates y Platón perdieron contra la ignorancia y el miedo, contra las fuerzas que causaron muchos fuegos desde el incendio de la biblioteca de Alejandría por chusmas temerosas, seguidoras de lideres que después habrían de esclavizarlos y sumirlos en la miseria. Hoy volvemos a lo mismo; antes que estudiar o que luchar, la gente prefiere conceder a la ‘Doxia de Rizomas’ la razón, dejar que los charlatanes que se apoderen de recursos públicos y aun peor, apoyarlos, defenderlos y ensalzarlos, hacerlos poco a poco sus tiranos. Y cuando Occidente se hunda y se disuelva a sí mismo, ¿de dónde resurgirá la civilización? En un mundo global es de preocuparse.

Socrates and Plato lost against ignorance and fear, against the very forces that caused so many fires since the burning of the library at Alexandria by fearful mobs, followers of leaders that would later enslave and sink them into misery.

Today we face the same situation; before studying or fighting, people prefer to concede reason to the ‘Rhizome Doxia’, to let the charlatans take over public funds and, worst, support them, defend them and praise them, make them gradually become their tyrants. And when the West sinks and dissolves itself, where will civilization rise again? In a globalized world, this is something to be worried about.

Como en otros momentos de la historia, la batalla y el cambio se manifiestan primero en el mundo del arte, pero seremos capaces los artistas de hoy de sobreponernos a la inercia y el egoísmo, de luchar contra las enormes fuerzas de la ignorancia y el miedo que plagan las instituciones culturales…

As in previous historical times, the battle and change manifest themselves first in the realm of art; but will we, the artists of today, be able to overcome the inertia and selfishness, to fight against the ignorance and fear that plague the cultural institutions…

¿Quedará todavía alguien en esos puestos tan politizados con el interés, ya no digamos la capacidad, para darle entrada a la razón? ¿O seguirán defendiendo los políticos a los charlatanes y los charlatanes a políticos abusivos? El arte está en guerra por el futuro de la humanidad, es tiempo de tomar bando, y tú ¿de que lado vas a estar?

Might there still be anyone in those heavily politicized posts interested, let alone capable, to let reason in? Or will politicians keep defending charlatans and the charlatans defending abusive politicians? Art is at war for the future of humanity, it is time to take sides. And you, on which side are you going to be?

10+ REQUIEM PARA OBRA NEGRA

Por / By: Gerardo Navarro

“La protagonista es Tijuana, no los artistas” -Olga Margarita Dávila, curadora de Obra Negra

http://www.colectivouan.com

A cuatro meses de inaugurada y como por arte de magia, desaparece la monumental “Obra Negra” sin una palabra, sin ceremonia de clausura y sin catálogo. Armando García Orzo, Sub-director de Exhibiciones, nos comunicó que el catálogo de “Obra Negra” se publicará hasta octubre, siete meses después de la inauguración de la exposición.

Four months after being inaugurated and as if by magic, the monumental ‘Obra Negra’ disappeared without a word, without a closing ceremony and without a catalog. Armando Garcia Orzo, executive in charge of exhibitions, told us that the catalog for ‘Obra Negra’ will be published as late as October, seven moths after the opening of the show.

En una entrevista publicada en la edición de julio de la revista Tijuaneo*, Olga Margarita Dávila, co-curadora de la exposición “Obra Negra”, cuyo dato curricular abarca haber sido docente por 20 años y realizado curaduría en más de 50 exhibiciones en México, Estados Unidos, Argentina, España, hace las declaraciones, comentarios y reflexiones finales sobre su postura curatorial. http://issuu.com/ilescasp/docs/tijuaneo_49/47

In an interview published on July’s issue of Tijuaneo magazine*, Olga Margarita Davila, co-curator of the ‘Obra Negra’ exhibition, whose CV includes being a teacher for 20 years and curating more than 50 shows in Mexico, USA, Argentina, Spain, makes the final statements, comments and thoughts about her curatorial position. http://issuu.com/ilescasp/docs/tijuaneo_49/47

In general terms, in spite of all allegations by Olga Margarita Davila to defend herself, the curator leaves us with a foul taste because of her overwhelming contradictions and pseudo intellectual entanglements. The Dean of the School for Higher Studies on the Visual Arts, Jaime Cuanalo, after reading the magazine, commented: “Seriously, I don’t know whether to laugh or cry anymore!”

Tal vez, el lector pueda pensar que exagero, pero cito una línea de la curadora en la que demuestra su incontinencia verborreica: “Del sentido ortodoxo de revisión histórica a la Doxa contemporánea de yuxtaposición, asociación, rizomas y sentidos oblicuos”. Jaime Cuanalo, atónito cuestiona:“De verdad hay alguien en CECUT o CONACULTA con tan bajo nivel intelectual que pueda leer sin morirse de la risa [...] Pueden de verdad tomar en serio y aun más contratar a alguien capaz de decir semejantes galimatías y peor, tratando de justificar su trabajo de curaduría’.”

Maybe the reader might thing that I exaggerate, but I quote a line by the curator where she demonstrates her “verbal diarrhea”: “From the orthodox sense of historical revision to the contemporary Doxa of juxtapositions, association, rhizomes and oblique meanings”. Astounded, Jaime Cuanalo questions himself: “Is there really anybody at CECUT or CONACULTA with such a low intellectual level as to read this without bursting into laughter […] Can they actually take seriously let alone hire someone capable of saying such gibberish and, even worst, when that someone is trying to justify their curatorial work.”

Vayamos por partes. Primeramente, para no errar y caer en subjetivismos, esta crítica se fundamentará en las declaraciones de prensa de los curadores de “Obra Negra” y del Director General del Cecut en turno. Así podremos medir y comprender los efectos concretos de sus contradicciones, sin caer en las diferencias políticas, gustos personales y prejuicios estéticos de “... personas que no se han enfrentado a la exposición de manera abierta”, según declara Olga Dávila, y recomienda“...verla sin prejuicios, [la exposición] en una actitud de seguir la propuesta que es muy sencilla, la protagonista es Tijuana, no los artistas”.

Lets take it step by step. To begin with, and not fall on subjective views, we base this criticism on the press releases issued by the curators of ‘Obra Negra’ and by the current General Director of CECUT. Thus we can measure and understand the concrete effects of their contradictions, without falling into political differences, personal taste and the aesthetic prejudice of “…people who have not faced the show with an open mind”, as stated by Olga Davila, who recommends “…see it without prejudice [the show], with disposition to follow the “very simple proposition, Tijuana is the subject, not the artists.”

http://www.escuelasuperiordeartes.com

En términos generales, a pesar de todas las afirmaciones que Olga Margarita Dávila hace a su favor, la curadora deja un mal sabor de boca por sus abrumadoras contradicciones y enredos pseudo-intelectuales. El Director Académico de la Escuela Superior de Arte Visuales de Tijuana, Jaime Cuanalo, al leer la entrevista, declaró: “¡De veras ya no se si reír o llorar!”.

En la entrevista, en su primera respuesta, Dávila afirma que originalmente “Armando García Orzo [sub-director de exposiciones del cecut] quería mostrar lo que pasa con todos los otros creadores que no han sido nombrados en las exposiciones y textos que se han hecho sobre las artes plásticas en esta ciudad...” En un boletín oficial del Cecut, fechado el 16 de marzo de 2011, la anécdota es diferente, cito: “Olga Margarita Dávila cuenta que el proyecto partió de la idea de realizar una retrospectiva de artistas de los años más recientes. Fue al percatarse de que este propósito no tendría estructura si no se hablaba de quienes hicieron su aparición en la escena del arte años atrás...”. Cuatro meses después, Dávila declara a Tijuaneo: “La protagonista es Tijuana, no los artistas”. De entrada hay una discrepancia fenomenal que hace cuestionar, ¿cómo es que se pasó de un proyecto enfocado en los artistas “que no han sido nombrados”, a una exposición protagonizada por “Tijuana”? ¿Y cómo fue que el Sub-director de Exposiciones y el Director General del Cecut, hayan permitido la tergiversión del enfoque curatorial? ¿Los fines justifican los medios o los medios distorsionan los fines?

In the interview, on her first answer, Davila states that originally “Armando Garcia Orzo [sub Director in charge of exhibitions at CECUT] wanted to show what is going on with all the other creators who remain yet unnamed in all the shows and papers made about the fine arts in this city…” In an official communiqué by CECUT, dated march 16th 2011, the anecdote is told differently, and I quote: “Olga Margarita Davila recounts how the project started with the idea of making a retrospective show about artist from recent years. It was only after realizing that this goal would not have any structure unless it wasn’t by also talking about the artists that made their appearance on the art scene years earlier…” There is a monumental discrepancy to begin with, that makes one question ourselves, how is it that it went from a show about the artists that “remain yet unnamed”, to a show whose subject is “Tijuana”? And how did CECUT’s Director General and Sub Director in Charge of Exhibitions, allow such curatorial distortion? Do ends justify means or are the means distorting the ends?

Dávila declara que Carlos Ashida, curador principal y su “mancuerna”, tuvieron que adentrarse en la historia de Tijuana, y “Al hacerlo se fue mostrando la juventud de la comunidad artística [...] Al pensarlo y comparar el momento con el resto de las ciudades del país, que pujan con Tijuana [...] era como de risa, no de burla, sino de nervios y sorpresa.”. ¿Sorpresa? -Dávila fue invitada por Ashida a ser la co-curadora por su “pertenencia a Tijuana”, por su experiencia y conocimiento del medio. ¿Qué esperaba encontrar? ¿O será que Dávila estaba encandilada por el “boom fronterizo”, mito que ella misma promueve profesionalmente en el centro y sur de México, y ante el descubrimiento arqueológico se quedó sin fundamentos? -La “sorpresa” demuestra desilusión. Un hallazgo arqueológico no se juzga, se muestra, se explica.

Davila claims that Carlos Ashida, main curator and his “sidekick”, had to go deep into the history of Tijuana and, “By doing so, the youth of the artistic community began to show itself […] Thinking about it and comparing the moment with the rest of the cities in the country, that bid against Tijuana […] it was to laugh about, not mocking, but from nervousness and surprise.” Surprise? –Davila was invited by Ashida to be cocurator because of her “belonging to Tijuana”, because of her experience and knowledge of the scene. What did she expect to find? Or is it that Davila was dazed by the “Border Boom”, myth that she herself promotes professionally in central and southern Mexico, and that facing the archaeological finding she ran out of grounds? –“Surprise” shows disillusion. An archaeological finding is not to be judged, but rather shown, explained.

En el boletín informativo del 18 de marzo de 2011, el Cecut declara: “El maestro Muñoz refirió que el proyecto de la exposición surgió hace casi dos años...”. En la entrevista de Tijuaneo, Dávila dice: “...después de tres meses de estar montando la exhibición”. Me pregunto, ¿qué sucedió en los otros 21 meses? ¿cuánto tiempo se invirtió realmente en la planeación, si no hubo maqueta? -Lo que si puedo decir por experiencia personal, es que Carlos Ashida venía periódicamente a Tijuana y el resto del tiempo, Olga Dávila dirigió el proyecto.

In their press release from March 18th 2011, CECUT states: “Professor Munoz recounts that the project for this show started almost two years ago…” Whilst at Tijuaneo’s interview Davila states: “…after three months of putting the show together”. I ask myself, what did happen in the other 21 moths? How much time was actually invested in planning for a show without even a proper curatorial script? –What I can say from personal experience is that Carlos Ashida came periodically to Tijuana and, the rest of the time, Olga Davila ran the project.

http://www.colectivouan.com

Las contradicciones se multiplican cuando Dávila dice que, “...por la juventud de la ciudad nos permitía asirla de ‘cabo a rabo’ [...] Quizá ninguna otra ciudad de México se pueda poner en una sola muestra, con toda la historia de sus artes visuales.”. Posteriormente en la misma entrevista, Dávila contradice su visión totalizadora al declarar que, “Es imposible pensar en una exposición en la que estén todos, sobre todo ¿quiénes son todos? [...] Aunque es basta no es totalizadora, imposible tal sentido. Es comprensible que así se pueda leer por la comunidad, pero de verdad que no lo es.”, es decir, la curadora asume que la comunidad tijuanense está alucinando a pesar de las declaraciones realizadas por el mismo Director General del Cecut, Virgilio Muñoz: “Obra negra’ es una retrospectiva de la plástica bajacaliforniana, estamos muy interesados en decir quién es quién en la cultura, de que los curadores hagan un análisis de artistas bajacalifornianos de fines del siglo XIX hasta nuestros tiempos”. http://www.frontera.info/EdicionEnLinea/Notas/Noticias/21022011/498627.aspx

En el boletín del 16 de marzo de 2011, Carlos Ashida declara: “Se trata más bien de narrar, a través de la información que hemos reunido, todo un proceso de construcción realizada por una cuadrilla de personas que han tratado de levantar una edificación habitable...”. ¿Quién decide quién es esa “cuadrilla de personas”? ¿Bajo qué parámetros y valores incluyen o excluyen? -La visión de inclusividad que comparten Carlos Ashida y Virgilio Muñoz, es opacada por una lista recopilada por Jaime J. Cuanalo, de artistas con trayectoria o con estudios avanzados que no fueron invitados a participar en “Obra Negra”, -entre ellos él mismo-, Antonio Escalante, Nina Moreno, Carlos Castro, Blanca Sheleske, Hugo Lugo, Cesar Perlop, David Alemán, Guillermo Castaño, Julka Djuretic, Martha Soto, Juan Gastelum, Ángel de Alba, Alfredo Martínez…

La exclusión no se limita a los artistas. De acuerdo a la lectura de Cuanalo, “Obra Negra” ignora, “Toda la historia regional del arte performance, la mayor parte de la escultura (solo se pusieron ensambles que cupieran en el ‘estilo posmoderno’), todo el arte que pudiera ser calificado de ‘expresionista’, esto es, todo el arte que trate de expresar contenidos de forma específicamente artística y no mediante discursitos conceptuales.”.

En el boletín oficial, fechado 16 de marzo de 2011, Dávila declara: “...la propuesta inicial se transformó en la búsqueda por presentar un trabajo más completo, con una propuesta incluyente...”. No obstante, hay evidencia de que el uso de artistas muertos como aval de intereses promocionales formó parte de la curaduría, cito la declaración de Olga Dávila a Tijuaneo: “Benjamín Serrano en lo años setenta produjo obra sin parangón a nivel internacional, nacional y local. Como actualmente puede ser el caso de Jaime Ruiz Otis”; de quien Carlos Ashida, declara en el boletín del 16 de marzo de 2011: “La única pieza construida para el montaje de Obra negra, menciona Ashida, pertenece a Jaime Ruiz Otis, realizada primero en Nueva York y luego en Oaxaca, la cual para la exposición tuvo que rehacerse para ser

ajustada a las condiciones del espacio e insertarse en el núcleo temático en el que se cree aporta una visión interesante”. Pero, si Dávila declaró que “Obra Negra” es una exposición protagonizada por Tijuana, ¿por qué se usa para promover a ciertos artistas por encima de otros? -Sin menosprecio al trabajo de Otis, ¿qué fragmento “interesante” de la historia de Tijuana nos narra su obra, si su trabajo no es figurativo, ni trabaja con texto?

The contradictions multiply when Davila states that, “…because of being so young, the city allowed us to grasp it from ‘head to tail’ […] Perhaps no other city in Mexico can be put into a single show, with all the history of its visual arts.” Afterwards in the same interview, Davila contradicts her own totalizing view by stating that, “It is impossible to think of a show where everybody is represented, mostly, who is everybody? […] Even though it is extensive it is not totalizing, impossible that sense. It is understandable that it might be read thus by the community, but truly it is not.” That is, the curator assumes that Tijuana’s community is hallucinating in spite of the statements issued by the very Director General of CECUT, Virgilio Munoz: ‘Obra Negra’ is a retrospective of Baja California’s visual arts, we are very interested in saying who is who in culture, in that the curators make an analysis of Baja California’s artists from late XIX century to our times”. h t t p : / / w w w. f r o n t e r a . i n f o / E d i c i o n E n L i n e a / N o t a s / N o t i cias/21022011/498627.aspx On his March 16th 2011 press release, Carlos Ashida declares: “It is actually more about narrating, through the information we have gathered, a whole process of construction implemented by a team of people who have tried to rise an inhabitable building…” Who decides who is part of that ‘team of people’? Under what parameter and values do they include and exclude?

–The vision of inclusion shared by Carlos Ashida and Virgilio Munoz is overshadowed by a list, gathered by Jaime J. Cuanalo, of artists with long trajectories or with advanced studies who were not invited to participate in ‘Obra Negra’, -amongst them himself-, Antonio Escalante, Nina Moreno, Carlos Castro, Blanca Sheleske, Hugo Lugo, Cesar Perlop, David Aleman, Guillermo Castano, Julka Djuretic, Matha Soto, Juan Gastelum, Angel de Alba, Alfredo Martinez…

Exclusion is not limited to artists. According to Cuanalo’s reading, ‘Obra Negra’ ignores, “The whole regional history of performance art, most of sculpture (only assemblies that fit the ‘postmodern style’ where included), all art that could possibly be qualified as ‘expressionist’, that is, all art that attempted to express contents by specifically artistic means as opposed to conceptual little discourses.”

In her March 16th, 2011 press release, Davila states: “… the original goal was transformed in the attempt to present a more complete work, with an inclusive proposition…” Nevertheless, there is evidence that the use of dead artists names as a legitimizing device for promotional interests was part of the curatorial work, and I quote a statement by Olga Davila to Tijuaneo: “Benjamin Serrano in the seventies produced unprecedented work at the international, national and local levels. Just as now can be said about Jaime Ruiz Otis”; of whom Carlos Ashida is said to state on the March 16th press release: “The only piece that was built specifically for the production of ‘Obra Negra’, says Ashida, belongs to Jaime Ruiz Otis, first built in New York and then in Oaxaca, and then had to be rebuilt expressly for this show in order to meet the conditions of space and it had to be inserted into the core subject to which it is believed it brought an interesting vision”. But if Davila stated that ‘Obra Negra’ is a show about Tijuana, why use it to promote certain artists over others? –Meaning no offense to Otis’ work, what ‘interesting’ fragment of Tijuana’s history does his piece narrates, when his work is neither figurative, nor does he work with text?

En otro boletín oficial publicado en la página-web del Departamento de Arte Visuales de la Universidad de California, San Diego*, se declara que la exposición “...emprende el desafío ambicioso de presentar una crónica que perfila la historia de la construcción de la cultura visual de Tijuana.”. Finalmente, los curadores optaron por excluir la crónica de su discurso y quedarse con la ciudad en abstracto, algo tan absurdo, ya que el fundamento principal de una ciudad es su densidad de población.

Me pregunto, ¿qué es una ciudad sin sus artistas? ¿Qué queda conceptualmente de Tijuana, si su infraestructura urbana según la metáfora de la curadora es una “obra negra”, y sí los artistas no son sus protagonistas? -Lo que se deduce a partir de estas declaraciones, es que Dávila y Ashida la jugaron de juez y parte, errando en no limitarse a presentar con dignidad y coherencia documental lo que encontraron, -fuese lo que fuese-, y optaron por adaptar el proyecto a una visión etnocéntrica del arte tijuanense, que según Dávila, “ha apoyado a entender la ciudad”.

Pero, ¿cómo se mide en teoría posmoderna, el valor estético y didáctico de una exposición inacabada? ¿Por su cantidad o por su calidad? ¿Por su extensión o su profundidad? ¿Por la opinión de quién o los intereses de qué corriente?

In a different press release, published at the website for the Department of Visual Arts of UCSD*, it is stated that the show “…takes on the ambitious challenge to present a chronicle profiling the history of the construction of visual culture in Tijuana.” Finally, the curators chose to exclude the chronicles from their discourse and just keep the city as an abstract construct, something so absurd given that the main foundation of a city is its population density. I wonder, what is a city without its artists? What remains conceptually of Tijuana, if its urban infrastructure, following the curator’s metaphor, is still under construction, and if the artists are not playing a leading role? –What can be deducted from these statements is that Davila and Ashida took it to themselves to be plaintiff and judge at the same time, failing to constraint themselves to just present their findings with dignity and documental coherence –whatever the findings were, and they chose to adapt the project to an ethnocentric vision of Tijuana’s art to, according to Davila, “helped to understand the city”. But, how do you measure in postmodern theory the aesthetic and educational value of an unfinished art show? By its quantity or its quality? By its extension or depth? By whose opinion or what trend’s interests?

* http://va-grad.ucsd.edu/~drupal/node/1967

* http://va-grad.ucsd.edu/~drupal/node/1967

Cuatro meses después de la inauguración, Dávila declara en la entrevista de Tijuaneo: “Esta no es la historia del arte de los estilos, o movimientos, en los que se van a encontrar a los artistas más importantes y sus obras cumbres, sino, es la historia que refleja cuatro momentos de crecimiento de la ciudad”.

Me pregunto, ¿cómo es que la obra de arte refleja “momentos de crecimiento de la ciudad”? Usar el arte como instrumento sociológico, es tan absurdo como negar el valor de una obra, solo porque esta no pertenece a la corriente de moda.

Four months after the opening, Davila declares in an interview with Tijuaneo: “This is not the history of style’s art, or movements, where you will find the most relevant artists and their master pieces, rather, it is the history that reflects four moments of growth of the city.” And I ask myself, how can the artwork reflect ‘moments of growth of the city’? Using art as a sociological instrument is as absurd as denying the value of a given artwork just because it doesn’t belong to the trend currently in fashion.

En otro boletín, el titular oficial dice: “Exposición histórica mostrará a Tijuana a través de sus imágenes”. Al parecer los curadores ignoran que la forma y el contenido de la obra de arte es un reflejo de la evolución del artista, de su propio tiempo, y no es un medio para montar una “Exposición histórica” de la ciudad. El error fundamental de la curaduría es querer narrar sin crónica, ni rigor documental, y sin reflexionar en la paradoja visual que nos dice: “Una imagen dice mil palabras”; si, pero sin orden, ni especificidad significativa. Fuera de contexto una imagen puede significar cualquier otra cosa que la intensión original de su creador. La imagen no es narrativa, ni crónica, ni historia, es un instante congelado.

In a different press release, the official headline reads: “Historical show that will show Tijuana through its images.”

Seemingly the curator ignored that both form and content of the artwork is a reflection of the evolution of an artist, of their own time, and not a means to put together a “Historical Show” of the city. The main mistake in the curatorial work was to try to narrate neither with chronicle, nor in rigorous documentary fashion, or even reasoning about the visual paradox whereas: “An image is worth a thousand words”; yes it does, but with no order nor significant specificity. Out of context an image can mean anything other than its author’s original intention. The image is not narrative, nor chronicle, nor history, it is a frozen instant.

En ciertas declaraciones, los curadores nos proponen “la historia de Tijuana a través de sus artistas y su cultura visual”; y en otras “presentar una crónica que perfila la historia de la construcción de la cultura visual de Tijuana”. Sus declaraciones parecieran una banda Möebius o un cubo de Necker, pero en la que las imposibilidades físicas o sus contradicciones, las tuercen y ajustan con palabras.

In some statements, the curators offer to give us: “the history of Tijuana through its artists and its visual culture”, whereas in others it is about “presenting a chronicle that profiles the history of the construction of visual culture in Tijuana”.

Their statements seem to belong to a Möebius band or a Necker cube, but in which they use words to twist and adjust their physical impossibilities and their contradictions.

http://www.colectivouan.com

http://www.escuelasuperiordeartes.com

16+ REQUIEM PARA OBRA NEGRA

Finalmente, con una gran cantidad de obra recabada y un escaso sentido histórico, “Obra Negra” quedó en la indeterminación, pero no porque la ciudad y los artistas fuesen indecisos, ambiguos, ni por falta de calidad artística, espacio de exhibición o tiempo para la planeación; sino porque Dávila y Ashida apostaron por “una lectura totalmente nueva” que no cuajó y quedó como el refrán: “Ni cuadrado ni redondo, sino todo lo contrario”.

Finally, with the large amount of artwork gathered and a poor historical sense, “Obra Negra” remained in limbo, but not because the city and its artists were indecisive, ambiguous, nor for lack of artistic quality, exhibition space or planning time; rather because Davila and Ashida betted on a “totally new reading” that failed to come together right and remained as the saying goes: “Not squared nor rounded but the exact opposite”.

Los curadores no logran aclarar, ¿cómo es que una exposición en la que sólo se dedica una pequeña sección de los 1500 m2 al “territorio como origen”, explique a una ciudad tan compleja como Tijuana, además de que la exposición estuvo llena de obras sin ficha técnica, ni referencias documentales, con errores y sin un catálogo impreso que narre “los vasos comunicantes” entre la obra y el desarrollo de la ciudad que los curadores proponen? -Quizás porque los curadores tienen “vista de rayos X”, cito el boletín de la Universidad de California, San Diego: “Es un hecho que en Tijuana, [...] se pueden reconocer claramente los vasos comunicantes entre la vida pública y la creación artística”, ¿un hecho? -Los “hechos” en esta exposición no existen, apenas interpretaciones.

The curators do not succeed in explaining, how is it that a show that only gives a tiny part of the 1500m2 to “territory as origin”, explains such a complex city as Tijuana, besides the fact that the show doesn’t carry technical or documentary references, with mistakes and without a printed catalog that narrates “the communicating vessels” between the artwork and the city’s development that the curators pretend to show? –Perhaps because the curators have “X-Ray vision”, and I quote UCSD’s bulletin: “It is a fact that in Tijuana […] the communicating vessels between public life and artistic creation can be clearly recognized”, a fact? –“Facts” in this show do not exist, barely interpretations.

En la entrevista, Dávila insistió en justificar el incumplimiento de la promesa pública del Director General del Cecut por “decir quién es quién en la cultura”, y se justifica declarando que “... para Obra Negra, están todos los que son al tiempo y posibilidad de la muestra”, pero, ¿cuáles limitaciones de tiempo y espacio? –Buena parte de los muros estaban vacíos, varios de los artistas incluidos se repetían innecesariamente y, según se dijo, se tuvieron dos años de planeación...

In the interview, Davila insisted on justifying their failure to fulfill the publicly made promise by CECUT’s Director General to: “say who is who in culture” and she justifies herself by saying that “…for Obra Negra all are present within the time and possibilities of the show”, but, what limitations of time and space? –A very large part of the walls was empty, several of the featured artists were repeated needlessly and, so they said, the show had two years of planning.

Llegando al final de la entrevista en Tijuaneo, Dávila se justifica con un poco de “poesía”, y sin ofender a los poetas se hace la víctima:“El tropel de la sinergia fronteriza se impone, y hay cosas que así, porque así es, siempre quedarán imperfectas, como nuestra ciudad...”. Esta es la forma más rebuscada y pedante que he leído para decir que falló la estrategia y la logística curatorial; y qué mejor que culpar al caos fronterizo como si Madrid, México o Buenos Aires, ciudades en las que Dávila y Ashida han trabajado, no fueran urbes devoradoras de tiempo, dinero, aparte de agotadoras. La diferencia es que en esas capitales, si sales con una excusa de esta índole, profesionalmente quedas “proscrito”.

At the end of the interview in Tijuaneo, Davila justifies herself with a little bit of “poetry”, and with no offense intended to poets she plays the victim: “The mad rush of the border’s synergy prevails, and there are things that just like that, because that is just the way they are, will remain imperfect, as our city…” That is the most farfetched and pretentious way I have ever read to say that curatorial strategy and logistics failed; and what better than to blame it on the border’s chaos as if Madrid, Mexico City or Buenos Aires, cities where Davila and Ashida have worked, were not time and money devouring urban masses, besides exhausting. The difference is that in those capital cities, if you come up with such an excuse you end up professionally banished.

http://www.colectivouan.com

Invito al lector a leer la entrevista de la curadora, para que atestigüe cómo Dávila entre más se explica, más profundo se hunde en un hoyo negro de contradicciones; además de haber perdido de vista que en un periodo nacional de recesión y guerra, su “lectura totalmente nueva”, le costó millones a la federación, avivando resentimientos por el desperdicio de recursos. Porque aparte, de que ese es el mismo comportamiento por el que Tijuana sigue en “obra negra”, evidencía el derroche y el despotismo pseudo-intelectual que sofoca al mundo del arte institucional mexicano.

I invite the reader to read the interview with the curator, to be witness to how Davila the more she explains herself, the deeper she buries herself in a black pit of contradictions; besides loosing sight that in a time of national recession and war her “totally new reading” cost millions to the federation, flaming the resentment towards the waste of resources. In addition to the fact that it is precisely that very behavior that is the reason why Tijuana remains “en Obra Negra” (under construction), evidence of the pseudo-intellectual squandering and despotism that suffocates the Mexican institutional art world.

En retrospectiva, el análisis de las declaraciones de prensa de los curadores y del Director General del Cecut, revela un proceso de improvisación, contradicción y cambios de dirección que deja ver que los responsables no conformaron unidad en sus declaraciones; que cada uno comprendió a su manera el proyecto; que tal vez tuvieron discusiones y no se pusieron de acuerdo. A la fecha, las declaraciones de Olga Margarita Dávila a Tijuaneo, confirman que careciendo de estudios profundos de arte, arqueología y sociología, fue su visión estética de Tijuana la que se impuso: el kitsch y las galimatías conceptuales.

In retrospective, the analysis from the press releases of the curators and the Director General of CECUT reveal an improvisation process, contradiction and direction change that allows us to see that those responsible did not implement unity in their statements; that each one of them understood in their own separate way the project; that there may have been discussions and they could not reach an agreement. To date, Olga Margarita Davila’s statements in Tijuaneo, confirm that lacking any profound studies on art, archaeology and sociology, it was her aesthetic vision of Tijuana that prevailed: Kitsch and conceptual nonsense.

El pasado es lo que es. Y si verdaderamente deseamos conocernos y forjar una identidad, debemos buscar, enfrentar y aceptar el pretérito del que somos su futuro, sin maquillarlo y sin intentar manipularlo a manera de ingeniería social.

The past is what it is. And if we truly want to know ourselves and forge an identity, we must seek, face and accept the past to which we are the future, no make-up and no attempts at manipulating it as in social engineering.

Finalmente, en tono conciliador y práctico, Jaime Cuanalo pide “...a nombre de todos los artistas que piensen y sientan como yo en Tijuana, que CECUT se arme pronto otra exposición histórica del arte de Tijuana, pero que por favor, lo pido encarecidamente, no nos la armen con curadores. Encarguen a un teórico del arte, o de menos a un historiador del arte. Armen algo en serio que nos haga sentir dignos y orgullosos, que nos de sentido de pertenencia y que le aclare a la gente de casa y de fuera ‘quien es quien’ en la historia del arte de Tijuana, no a modo de elogio, sino de precisión histórica.”

Finally, in a conciliatory and practical voice, Jaime Cuanalo asks “…on behalf of all of Tijuana’s artists that think and feel like me, that CECUT comes up soon with another historical show for Tijuana’s art, but please, I ask of this earnestly, do not put it together through curators. Get an art theoretician, or at least an art historian. Put something together that will seriously make us feel proud and dignified, that gives us a sense of belonging and that sorts it out for people both at home and abroad ‘who is who’ in the history of art in Tijuana, no as a way of praising individuals, but rather for historical precision.”

http://www.escuelasuperiordeartes.com

“La ciudad no es una entidad abstracta, que se lleva y se vuelve a crear una y otra vez por la gente que vive allí” -Markus Bader, arquitecto/curador.

“The city is not an abstract entity, that it is taken away and created all over again and again by the people living there” -Markus Bader, architect/curator.

18+

Trolebús El Foro. La libertad mágica de un sueño.

Por / By: Alexandro Guerrero

Trolley The Forum. The magical freedom of a dream.

Vladimir Bojórquez, Judith Inda, Lila Avilés, Rafael Rosales, Rossana, Juan Zouain y José Gerardo de la Torre,”La Ilustre compañía”, curan, programan y tienden sus cables en un lugar inesperado: La Plaza Luis Cabrera, lo que se ha consolidado como el corredor cultural Orizaba en la Colonia Roma.

Cobra así dimensión la necesidad del teatro de proximidad, de intervención, de contacto directo, de relación íntima, de interacción.

Vladimir Bojórquez, Judith Inda, Lila Avilés, Rafael Rosales, Rossana, Juan Zouain y José Gerardo de la Torre,”The Illustrious Company”, curate, program and set their wires in an unexpected pace: Luis Cabrera Plaza, inside what has consolidated as the Orizaba cultural corridor at Colonia Roma neighborhood. The need for proximity theatre, intervention, direct contact, intimate relationship, interaction theatre, is thus revealed in its true dimension.

“Hecho escénico con espectadores activos dentro y fuera del escenario, haciendo del suceso un acto de convivencia para la comunidad”. No ajenos, sino distantes de las propuestas institucionales que “fructifican” dentro de moldes rígidos, producción sistémica en el marco de reglas inamovibles. Siendo, pues, opuestos y no en relación dialéctica éstos factores de usura política y perpetuación del feudo de la “alta cultura”. Sistema es lo opuesto a movimiento, saben los artistas a lo que me refiero.

“The scenic fact with spectators both in and outside of the stage,, making of the event an act of togetherness for the community.” Not oblivious, but rather distanced from the institutional initiatives that “fructify” within rigid moldings, systemic production framed by unmovable rules. Being, thus, opposed and not in a dialectic relationship to these factors of political “loan sharks” and the perpetuation of “high culture’s” fief. System is opposed to movement; artists know what I mean.

http://www.colectivouan.com

Se establecen normas, los creadores son hechos por el sistema y no al revés. Requerimientos impuestos por una burocracia que no está conformada por artistas y que opera de forma conjunta a quienes, con la batuta de una autoridad caciquil “de sofística impecable”, dictan los lineamientos sobre los que se decide qué, cómo, cuándo y, sobre todo, quién será apoyado para hacer arte. Por eso no son pocos los artistas creando al margen de dichas instituciones, porque, como algunos de ellos afirman, “sólo el arte oficial ha muerto”.

Rules are established; creators are made by the system and not the other way around. A bureaucracy not constituted by artists imposes requirements and operates alongside those that with a tyrants rule of “impeccable sophism”, dictate the parameters on which it will be decided what, how, when, and mostly who will receive support to make art. That is why there are no few artists creating outside the margins of said institutions, because, as some of them claim, “only official art is dead”.

Es en este contexto que surgen proyectos como “Trolebús El Foro”, grupo transdisciplinario de artistas que se ha propuesto explorar “aspectos específicos del escenario, no como un grupo que sólo ofrece representaciones, sino como colectivo en la búsqueda de una voz propia y de la comunidad”. “La ilustre compañía” pretende “descubrir formas en las que el artista pueda encontrar su expresión, sin que el dinero sea el factor determinante”.

It is in this context that projects such as “Trolley the Forum” surface, interdisciplinary group of artists who have set themselves the goal to explore “specific aspects of the stage, not as a group that just offers shows, but as a collective in search of a voice that is their own as well as the community’s.” “The Illustrious Company” intends to “find ways in which the artist may find their own expression, without money being a determining factor.”

Querían algo no convencional y lo obtuvieron con los permisos correspondientes, otorgados esta vez por autoridades que, felizmente, resultaron también poco convencionales, tal es el caso de la Delegación Cuauhtémoc de la Ciudad de México.

“Se ha perdido una idea del teatro. Y mientras el teatro se limite a mostrarnos escenas íntimas de las vidas de unos pocos fantoches, transformando al público en voyeur, no será raro que las mayorías se aparten del teatro y que el público común busque en el cine, en el music-hall o en el circo, satisfacciones violentas, de claras intenciones.” Así sentenció Artaud el advenimiento de lo que hoy se consuma en las salas. No hay riesgo, sino falso esteticismo epidérmico y alfombra roja. El Teatro de la comunidad se ha transformado en el teatro ultra-equipado del Centro Comercial al que sólo se accede en automóvil.

They wanted something unconventional and they’ve got it along with the corresponding permits, granted this time by authorities that, happily, turned out to be also unconventional, such is the case with Mexico City’s Cuauhtemoc demarcation.

“An idea has been lost in theatre. And whilst the theatre limits itself to showing us intimate scenes from a handful of showoffs, turning the audience into a voyeur, it will not be strange that the crowds stay away from the theatre and that the common audience finds in the movie theatre, at the music hall or at the circus, violent satisfactions, of clear intentions.” That is how Artaud sentenced the coming of what today is consummated at the theatre halls. There is no risk, but false skin deep and red carpet aestheticism. The community’s Theater has been transformed into the ultra-equipped of the Shopping Mall to where you can only get by car.

The audience will believe in theatre’s dreams, if they accept them truly as dreams and not as servile copy of reality, if they allow it to free within itself the magical freedom of dreams, which can only be recognized impregnated with cruelty and terror. In homage, I guess, to the last pedagogical gamble of Master Ludwik Margules (Contemporary Theatre Forum), The Trolley “the Forum” and its crew become undeniable heirs to the rebelliousness and the consciousness that all Theatre is experiment.

Long live then, this Illustrious Company, burning amongst questions.

http://www.escuelasuperiordeartes.com

El público creerá en los sueños del teatro, si los acepta realmente como sueños y no como copia servil de la realidad, si le permiten liberar en él mismo la libertad mágica del sueño, que sólo puede reconocer impregnada de crueldad y terror. En homenaje, supongo, a la última apuesta pedagógica del Maestro Ludwik Margules (“Foro del Teatro contemporáneo”), El trolebús “El Foro” y sus tripulantes devienen herederos innegables de la rebeldía y la conciencia de que todo Teatro es experimento. Viva pues, ésta Ilustre Compañía, ardiendo entre preguntas.

Estética Hipnótica, la Manía Obsesiva y 20+ Lala Arquitectura Utópica del Siglo XXI Por / By: Martha Soto

En esta cuarta entrega de nuestra columna “Análisis Museográfico”, quiero ofrecerles un análisis de la exposición “La Estética Hipnótica, la Manía Obsesiva y la Arquitectura Utópica del Siglo XXI” del Maestro Pedro Friedeberg, presentada el pasado 8 de julio en la Sala 1 de la galería del Cubo, del Centro Cultural Tijuana (CECUT).

Esta exposición se presentó con más de cien piezas entre ellas acuarelas, serigrafías, giclée (impresos digitales), arte objeto, maquetas, esculturas, videos y sus impresionantes diseños de muebles como la silla-Mano, silla-Mariposa, silla-Ciempiés, mesas, etcétera.

http://www.colectivouan.com

In this our fourth installment of our column ‘Museographical Analysis’, I want to offer you an analysis of the show “The Hypnotic Aesthetic, Obsessive Mania and Utopist Architecture of the XXIst Century” with work by Pedro Friedeberg, inaugurated this past July the 8th at Hall 1 of El Cubo, at Tijuana’s Cultural Center (CECUT). This show presents more than a hundred pieces among watercolors, silk-screens, giclée (digital prints), object art, models, sculptures and videos and his impressive furniture designs like the hand-chair, the Butterfly-Chair, the Centipede-Chair, his tables, and etcetera.

The Hypnotic Aesthetic, Obsessive Mania and Utopia Architecture of the XXIst Century

In this column we keep trying to cover the public’s need for orientation and information about shows presented by the cultural institutions of this city. It is important to notice that this particular show is one of a kind because it brings us a sample of all of the many disciplines pursued by Pedro Friedeberg, an artist born in Italy on 1936 (from German roots) but living in Mexico since 1940 to date. With more than 50 years of experience, Friedeberg has gone around the world showing his talent and getting admiration as an artist both by Mexican and foreign audiences, his work is seen decorating modern spaces and in fashion and architecture magazines.

Curaduría y Guión museográfico

Curatorial work and Museographic Script

Dentro de la exposición analizaremos el trabajo curatorial realizado por Reyna Henaine; en este sentido, encontramos que esta exposición es una retrospectiva de un artista con 50 años de trayectoria, mezcla de Op Art y diseño de mobiliario.

Encontramos una obra con patrones geométricos; algunos en blanco y negro, otros con colores brillantes que crean un efecto de movimiento y perspectiva. Este estilo se extiende a las artes gráficas y el diseño de mobiliario. Al ser una obra tan abigarrada y llena de detalles, el guión museográfico no resulta claro, ya que la obra se colocó aparentemente al azar, dando la sensación de un espacio decorado para eventos sociales. Al ser una obra tan minuciosa, la saturación nos complica apreciarla con el respeto que se merece.

Within the show we will analyze the curatorial work performed by Reyna Henaine; in this regards, we find that this show is a retrospective of an artist with 50 years of experience, mix of Op Art and furniture design. We find a body of work based on geometric patterns; some in black and white and some in brilliant colors that create a movement and perspective effect.

This style is shared by the graphics work and the furniture design. Given that this is such a complex and full of details work, the museographic design turns out not clear enough, because the work seems placed randomly, giving the sensation of a decorated space for social occasions. Given that is such a meticulous work, crowding it makes it difficult to appreciate it with due respect.

Redacción.

Writing.

Una de las funciones más importantes de una curaduría dentro de una exposición, es la redacción de textos para la misma, que ayuden a informar al público sobre cómo está armada la exposición, quien es el artista y cual es su propuesta. En este caso, encontramos textos donde nos dan algunas referencias sobre la exposición que cumplían con el objetivo de informarnos sobre quien es el artista, sobre algunas de sus piezas más conocidas, pero no encontramos textos que nos explicaran la propuesta o contenidos representados en la obra mostrada, ni tampoco encontramos textos que nos informaran sobre los criterios curatoriales de selección y acomodo (secuencia).

One of the most important functions performed by the curator’s work within a show is to write texts for the show that help the audience about how was the show put together, who is the artist and what is the shows statement. In this case we find writing that give us some references about the show that meet the objective of informing us about who is the artist and some of his most well known pieces, but we did not find any text that explained to us the curatorial statement or the contents represented in the body of work shown, neither did we find any writing that informed us about the selection and placement (sequencing) curatorial criteria.

http://www.escuelasuperiordeartes.com

En esta columna seguimos cubriendo la necesidad de orientar e informar al publico de las exposiciones que nos presentan las instituciones de cultura de esta ciudad. Es importante señalar que esta exposición es única en su género, ya que nos trae una muestra de muchas disciplinas diversas representadas en la pintura, diseño y escultura del Maestro Pedro Friedeberg, artista nacido en Italia en 1936 (de raíces Alemanas) pero que desde 1940 radica en México. Con más de 50 años de experiencia Friedeberg le ha dado la vuelta al mundo demostrado ser un artista talentoso y admirado por el publico mexicano y extranjero, su obra las vemos decorando espacios modernos, revistas de moda y arquitectura.

El título de la exposición: “La Estética Hipnótica, la Manía Obsesiva y la Arquitectura Utópica del Siglo XXI”, es demasiado largo y hace difícil tener una conexión con el contenido de la exposición. Podríamos decir que la única relación entre la exposición y el título, es que ambos son enredosos y difíciles de aprehender. Este título refiere a una exposición exageradamente cargada de elementos visuales.

The name of the show: “Hypnotic Aesthetic, Obsessive Mania and Utopia Architecture of the XXIst Century” is too long and makes it difficult to have a connection to the content of the show. We could say that the only relationship between show and title is that they are both entangled and confusing. This title is referred to a show that is overly loaded with visual elements.

Panel Introductorio.

Dentro de la exposición encontramos varios paneles donde nos pretendían explicar los contenidos de la exposición; sin embargo, fueron presentados con una letra gruesa (bold) en color blanco sobre un fondo de color pardo y colocados en forma diagonal, combinación harto difícil de leer, esto sumado a que en cada panel había algunas oraciones que estaban cortadas y otras demasiado largas, y también sumando que estos textos rebasaban los estándares de redacción adecuados para una fácil lectura.

De este modo, el resultado final fue que los textos imitaron el estilo visual de la obra; siendo tan minuciosos y complicados, los textos generaron una competencia con la imagen se volvieron ruido visual sin una función curatorial o museográfica adecuada.

Introductory panel.

Within the show we find several panels where it is intended to explain to us the contents of the show; nevertheless, they were presented in a thick (bold) letter in white color over a dull background and placed in a diagonal fashion, a combination hard to read, this added to the fact that in each panel there were some phrases cut and some too long, and also adding that the texts exceeded the writing standards that are adequate for an easy reading. So the final result was that the texts imitated the visual style of the work and, being so detailed and complicated, the text competed with the work and became visual noise without any proper curatorial or museographic use.

Fichas Técnicas.

Nos deberían ayudar a identificar la piezas en una exposición y para darnos los datos básicos sobre estas. En el caso de esta exposición encontramos que mientras que algunas de las piezas contaban con las fichas adecuadas, otras piezas carecían completamente de ellas.

Diseño gráfico

Tipografía: la tipografía son las imágenes o forma de las letras que se usan para construir textos. La tipografía debe ser clara como imagen, para que pueda ser leída y comprendida por quien la ve. Se clasifican en dos tipos de letras una de ellas sirve para leer libros o textos extensos, mientras que la otra es mejor para leer textos cortos y que se leen con poco tiempo disponible.

En el caso de esta exposición se eligió una tipografía de la llamada ‘Sin Serifa’ que fue una elección adecuada, con un grosor también adecuado, pero como veremos más adelante, no se cumplió con otros aspectos importantes.

Tamaño de la letra: Las letras deben tener un tamaño adecuado; hay estándares de tipografías que nos dicen el tamaño de las letras que deben usarse en una exposición en relación con el espacio y la distancia desde donde se espera que esté el espectador. En cuanto al uso del tamaño de letra podemos decir que los textos de esta exposición apenas alcanzaban los estándares mínimos, pero se salvaron por el uso de la tipografía y el grosor correctos.

Color: El color en la tipografía nos ayuda a hacerla visible y fácil de leer; la letra debe tener un color que haga que se distinga del fondo sobre el que se coloque. Para esto nos podemos auxiliar de tablas donde nos dan pares de colores de fondo y letra, y nos indican cuales de estos pares de colores de fondo y letra son más fáciles de leer.

piezas, que no deben mezclarse en una masa confusa, sino que deben distinguirse claramente unas de otras y mostrar también de forma clara las relaciones entre ellas.

Technical Labels.

Should help us identify the pieces on the show and give us the basic data about them. In this show we found that while some pieces were properly labeled, some other did not have any labeling at all.

Graphic Design.

Typography: The typography consist on the images or shapes of the characters used to build texts. Typography should be clear as an image, so that it can be read and comprehended by the audience. Typography is classified into two kinds of characters, one of them being more useful for reading books or long papers while the other is best for short writings that those that will be read within a short span of time.

In this show, a typography called ‘Sans Serif’ was chosen and it was the right choice, with also a proper thickness, but as we shall see below, other important aspects were not met.

Character Size: Characters should be of an appropriate size; there are typographic standards that tell us what size characters should be used in a museum show in relationship to the space and the expected reading distance. As for the choice of character size we can say that the writings on this show barely met the minimum standards, but they were saved by the proper choice of type and thickness.

Color: Color in typography should help us make it visible and easy to read, characters should have a color that makes them stand out from the background they are placed upon. For this purpose we can use the help of technical charts that give us different sets of type-background color combinations and tell us which sets are easier to read.

En el caso de los textos de esta exposición, no se utilizó ninguno de los pares recomendados ni uno que, a nuestro juicio, funcione, ya que el color blanco es por su propia naturaleza ‘desaturado’, por lo que al colocarlo sobre un color pardo, también ‘desaturado’, careció de contraste. Nosotros hubiéramos sugerido para este caso particular un par de letra blanca sobre fondo azul.

As for the writing on this show, none of the recommended sets was used, nor one that in our view works at all, since white is by nature desaturated and it was placed on a dull and hence desaturated background, this set lacking contrast. We would have suggested a ‘white type / blue background’ set for this particular show.

DISEÑO MUSEOGRÁFICO

The goal of museographic design is to help make the message contained in the pieces accessible, to facilitate their individual appreciation as well as that of the sequence in which the pieces are shown, so that the spectator can get useful conclusions our of their visit to the show. Museographic design is based upon a document called the ‘Museographic Script’, without which it is very difficult to perform this task. That is why, when we observe a show, based on its characteristics, we can tell whether there was a proper museographic script or not. This is shown by the articulation of the pieces, so that they should not become fussed in a confusing mass, but rather be readily distinguishable from one another and also clearly show the meaningful relationship amongst them.

La función del diseño museográfico es ayudar a hacer accesible el mensaje contenido en las piezas, facilitar su apreciación individual y también la de la secuencia en que se encuentran exhibidas las piezas, para que el espectador pueda sacar conclusiones útiles de su visita a la exposición. El diseño museográfico se sustenta en un documento llamado: “Guión Museográfico”, sin el cual es muy difícil que se cumpla esta función. Por eso, al observar una exposición, de acuerdo a sus características, podemos darnos cuenta si hubo o no un adecuado guión museográfico. Esto se ve en la articulación de las distintas

MUSEOGRAPHIC DESING.

En el caso de esta exposición nos encontramos con tres principales tipos de piezas, las bidimensionales o ‘cuadros’, cuya naturaleza se presume artística, mientras por otra parte encontramos piezas de arte aplicado como las sillas, mesas y tableros de ajedrez que se inclinan más hacia el diseño; finalmente, encontramos una serie de piezas de arte video. La obra bidimensional era una cantidad muy grande de piezas terriblemente parecidas las unas a las otras, en un formato relativamente pequeño y con una gran abundancia de detalles casi gráficos sobre fondo blanco, todo de muy difícil lectura en el caso de cada pieza y mucho peor al tratar de apreciar tantas piezas tan juntas y todas sobre un muro pardo sobre el que había poco contraste de las piezas, dificultando aun más la lectura. Todo esto apunta a un criterio más bien decorativo que museográfico, en el cual las piezas se convierten en ‘ruido de fondo’. En cuanto a las piezas tridimensionales, en su mayoría, se encontraban aparentemente distribuidas al azar en medio de las salas, otra vez sin un orden cronológico, estilístico o formal, de modo que una vez más parecían formar parte de una masa total de decoración para las salas en lugar de una exposición de arte.

As for this show we found three main kinds of work; bi-dimensional or ‘pictures’, whose nature is presumed artistic, while in the other hand we found applied arts pieces, such as chairs, tables or chess boards that lean more towards design.

Finally, we found a series of pieces of video art. Bi-dimensional work was a very large quantity of pieces terribly similar to each other, in a relatively small format and with an abundance of almost graphic details over white background, all of difficult ‘reading’ as far as each piece and much worst when trying to appreciate all the pieces together and all of them over a dull background with low contrast to the pieces, making the ‘reading’ even more difficult. All of this points towards more of a decorative criteria than a museographic one, whereas the pieces become ‘background noise’. As for tri-dimensional pieces, they were mostly thrown about in a seemingly random order in the middle of the halls, again without a chronological, stylistic or formal sequence, so that again they seemed to be part of a total decorative mass for the halls rather than an actual art show.

Habría sido quizás mucho más productivo agrupar el arte utilitario en su propia sección y reducir la cantidad de la obra bidimensional, colocándola en forma que se individualizara más visualmente, sobre muros que facilitaran su visualización en lugar de asimilarlas decorativamente. Probablemente hubiera estado mejor aprovechado el espacio incluyendo más ejemplos de las publicaciones internacionales en que se menciona esa obra y otros detalles que ayudaran al público a comprender la dimensión de la fama internacional del maestro Friedeberg, ya que muchos habitantes de Tijuana, por lo que hemos podido irnos dando cuenta, no están al tanto del calibre de las personalidades que coleccionan las obras de este artista y la talla de las revistas como Vogue, Architectural Digest, Harper’s Bazar o Casas & Gente, en que se le ha dado cobertura.

It would have been perhaps much more productive to group the applied arts in their own section and to reduce the quantity of bi-dimensional pieces, placing them in such a way that they appeared visually more independent, over walls that facilitate their visualization instead of assimilating them decoratively. The space would perhaps have been better taken advantage of by showing more examples of the international publications featuring this body of work and other details that would help the audience to understand the dimension of Friedebergs international fame, because many of Tijuana’s inhabitants, as far as we have learnt, are not aware of the caliber of personalities collecting this artist’s works or the stature of the magazines such as Vogue, Architectural Digest, Harper’s Bazar or Casas & Gente that have featured his work.

Ahora que, si lo que se quería enfatizar realmente era el carácter decorativo de la obra del maestro Friedeberg, quizás con su ayuda podría haberse ambientado la sala de exposiciones como un gigantesco ‘loft’ neoyorquino y entonces sí aceptaríamos estos criterios decorativos. Nuestra recomendación para el lector, si tienen la oportunidad de visitar esta exposición procuren ir bien documentados sobre la trayectoria del artista y mentalmente preparados para ver con calma las piezas una por una ya que el espacio te empuja a verlas por encima y salir de allí sin haberlas apreciado apropiadamente.

Now of course, if what was desired was to emphasize master Friedeberg work’s decorative nature, perhaps with his help they could have fashioned the exhibition hall as a gigantic New York loft and then, yes, we would have accepted those decorative criteria. Our recommendation to the reader, if you get the chance to see this show try to go well informed on the artist’s lifework and mentally prepared to calmly see each piece even thou the space will push you to see them at a glance and get out of there without fully and properly appreciating them.

Arte para Salvar Tijuana Por / By: Yonathan Perez

+ 26

Celebrando 10 años de la ESAV

http://www.escuelasuperiordeartes.com

Durante el recién terminado ciclo escolar 2011-A, se llevó a cabo la primer repentina general o concurso repentino, con motivo de la próxima celebración de los primeros diez años de fundación de la Escuela Superior de Artes Visuales. Para ello, se convocó al alumnado perteneciente a las licenciaturas de la ESAV para que integraran equipos para presentar propuestas a manera de proyecto interdisciplinario, en el que cada equipo contara integrantes tanto de la licenciatura de Artes Visuales como la de Arquitectura de Interiores, conjuntando sus diversos conocimientos y habilidades para llevar a cabo un proyecto de construcción efímera conmemorativa del décimo aniversario de la escuela.

During the recently finished 2011-A semester, the first general ‘sudden’ contest was held to mark the Cumming of the first ten years of the foundation of the School of Higher Studies on the Visual Arts. For that purpose, the alumni from ESAV’s bachelors programs were called to present interdisciplinary projects integrated into teams that included members from both the Visual Arts and the Interior Architecture Bachelors programs, so that they conjugated their diverse abilities, knowledge and skills in the production of an ephemeral construction project to commemorate the school’s tenth anniversary.

27+ Art To Save Tijuana

El reto consistió en crear un proyecto para una estructura efímera que abarcara la mayor cantidad de espacio interior posible con la menor cantidad de material, utilizando y respetando los árboles del espacio asignado, además de que fuera una estructura que pudiera montarse y desmontarse fácilmente y albergar algún tipo de exposición para mostrar al público de Tijuana los beneficios que el desarrollo y profesionalización de la práctica profesional de las Artes Visuales y de la Arquitectura de Interiores traen a esta población.

The challenge consisted in creating a project for an ephemeral structure that covered the most ground with least possible amount of materials, using and respecting the trees present on the site, besides being an easily assembled and disassembled structure and being apt to show Tijuana’s audience the benefits that the professionalization and development of the profession of the Visual Arts and of Interior Architecture bring to this community.

El resultado fue una grata sorpresa, pues destacó un equipo de 2o semestre, quienes llevaron a cabo, de manera sobresaliente, la realización de un proyecto arquitectónico denominado : “ Museo Efímero, Escuela Superior de Artes Visuales 10o. Aniversario”.

The result came as a surprise, since it was a team from 2nd semester who in an outstanding manner produced and put together an architectural project called: Ephemeral Museum, School of Higher Studies on the Visual Arts, 10th anniversary”.

The contest dynamics consist, first, on a visit to the proposed site at the X on Paseo de los Heroes, just between Plaza Rio and Plaza Financiera. After said visit, the contestants executed the photographic and topographic renderings of the site; thus, the teams had the opportunity to feel and walk the site; and of course, visualize their project quickly and efficiently, which in turn gave them the opportunity to project their ideas on the site itself.

La dinámica del concurso repentino consistió en la visita al espacio propuesto, que es el ubicado en el camellón en Paseo de los Héroes, entre Plaza Río y Plaza Financiera, tras la cual ejecutaron el levantamiento fotográfico y el croquis topográfico del lugar; así, los participantes tuvieron la oportunidad de sentir y caminar el espacio; y por supuesto, visualizar el proyecto de manera rápida y eficaz, lo que les dio la oportunidad de proyectar ideas en el sitio mismo.

http://www.colectivouan.com

Como siguiente paso, se trasladaron para la ejecución del proyecto a las instalaciones de la Escuela Superior de Artes Visuales, en Playas de Tijuana, para trabajar a lo largo de todo un día, pues el concurso tipo repentina consiste precisamente en resolver en un sólo día y bajo la vigilancia del jurado, el proyecto que se les ha encomendado, de forma que se cumpla con las especificaciones y requerimientos que se les indican al principio del concurso.

As a next step, they moved to the School of Higher Studies on the Visual Arts, at Playas de Tijuana to execute their project, where they worked all day, since the “Sudden” style contest consists precisely in solving in one day and under the observation of the judges, the project that was required of them, in such a manner that complies with specifications and requirements given to them at the beginning of the contest.

Los jóvenes de primer año se destacaron por actuar de manera profesional y responsable, pues actuaron debida y funcionalmente como equipo de diseño; todos aportando ideas, realizando bocetos, justificando materiales y proponiendo soluciones prácticas, sencillas y funcionales.

The freshmen stood out by acting in a professional and responsible way, and because they acted as a proper and functional design team; all of them providing ideas, making sketches, justifying materials and proposing practical, simple and functional solutions.

Es importante resaltar, el nivel de compromiso y sentido de urgencia mostrado por los alumnos participantes, ya que al ser estudiantes de primer ingreso, sin conocimientos aun de algunas de las materias útiles para este tipo de trabajo en aspectos de organización de proyectos, materiales y técnicas, realizaron un excelente desarrollo arquitectónico, con propuestas de vanguardia y sustentables. Cabe resaltar que la sustentabilidad es indispensable hoy en día dentro de las propuestas de diseño.

It is important to highlight the level of commitment and sense of urgency shown by the participating students, given that because of being freshmen without yet having the knowledge of several useful subjects such as project management, materials and techniques, they did achieve an excellent architectural design, with cutting edge and sustainable ideas. It must be said that sustainability in all design projects is indispensable nowadays.

Uno de los rasgos de diseño relevantes en el proyecto ganador fue la funcionalidad mostrada por éste y la versatilidad que presenta para albergar distintos tipos de materiales de exposición con un máximo impacto hacia las personas que transitan a pie o en auto por la zona y con un máximo respeto a las plantas y árboles existentes en el espacio al mismo tiempo que se aprovecha al máximo el espacio tal como está en lugar de tratar de modificarlo.

One of the most relevant design traits for the winning project was the functionality shown by it and the versatility for housing the different kinds of objects and materials to be shown, along with a maximum impact towards the audiences transiting both on foot and by car on the area and with full respect for the plants and trees present at the site while at the same time taking complete advantage of the site just as it is instead of trying to modify it.

El proyecto seleccionado pretende implementarse en la práctica en el mes de Octubre del presente año como parte de las celebraciones por el décimo aniversario de la primera licenciatura en artes de Baja California. El proyecto será desarrollado como un esfuerzo conjunto por todos los alumnos y maestros de la Escuela Superior de Artes Visuales, tomando las actividades de desarrollo del proyecto como objeto de las prácticas correspondientes a las distintas materias involucradas en un proyecto de esta naturaleza.

The chosen project is to be put to practice on the month of October this year as part of the 10th anniversary celebrations for the first ever Bachelor in Arts program in Baja California.

The project will be developed as a joint effort by all the alumni and faculty from the School of Higher Studies on the Visual arts, where all activities needed for the implementation of the project will be taken as objects for the practices required by the different subject-courses related to projects of this nature.

Por esta razón, la capacidad para desarrollar el proyecto en octubre constituye el reto, tanto para los miembros del equipo creador de esta idea, como para toda la institución en general, cuyos alumnos, directores y docentes participarán en la solución de problemas técnicos de construcción y diseño, así como en la consecución de los fondos, permisos y apoyos necesarios para la realización de un proyecto de esta envergadura.

For this reason, the ability to implement this project in October constitutes a challenge, both for the members of the original creative team, as well as for the school as a whole, whose alumni, administration and faculty will all participate in the solution of technical construction and design problems, as well as in procuring funds, permits and all the support necessary for the execution of such an ambitious project.

Para la Escuela Superior de Artes Visuales la ejecución de proyectos como este es de suma importancia; pues en ellos los estudiantes de sus licenciaturas tienen la oportunidad de aplicar los conocimientos que van adquiriendo y, como resultado, adquirir también experiencia en la práctica de su profesión. De esta manera, la Escuela Superior de Artes Visuales se mantiene a la vanguardia en las licenciaturas en Artes Visuales y en Arquitectura de Interiore, mediante la aplicación de métodos de enseñanza que combinan de manera integrada teoría y práctica, lo que constituye un gran avance y una revolución en la manera de formar artistas y arquitectos de interiores. Principalmente, estas innovaciones de la Escuela Superior de Artes Visuales, tienden a solventar la problemática que enfrenta el recién egresado de cualquier licenciatura en el ámbito laboral por no contar con la experiencia requerida al terminar sus estudios. De este modo, estamos logrando capacitar a nuestros egresados para incorporarse inmediatamente a la vida profesional en su materia.

For the School of Higher Studies on the Visual Arts, the execution of this kind of projects is of the upmost importance, because in them the students from its various bachelor programs have the opportunity to put into practice the knowledge that they are acquiring and, as a result, also gain practical professional experience. In this manner, the School of Higher Studies on the Visual Arts keeps itself at the forefront in the fields of the Visual Arts and of Interior Architecture, through the application of teaching strategies that combine theory and practice in an integrated fashion, and this constitutes a big advancement and a revolution in the way to form professional artists and interior architects. Mainly, these innovations from the School of Higher Studies on the Visual Arts tend to solve the problems faced by the graduate fresh out of any bachelor program as they try to insert themselves in their working environment because of lack of real life professional experience at the end of their studies.

Thus, the school succeeds in preparing their students to incorporate into professional life immediately after concluding their bachelor program.

Más allá de los beneficios que este tipo de proyectos traen a los estudiantes, cabe remarcar la urgente necesidad que tiene la ciudad de Tijuana de proyectos que contribuyan cultural y socialmente al desarrollo del sentido de orgullo y pertenencia comunitaria, así como a la producción de las ideas base que sirvan al desarrollo social, económico y tecnológico de nuestra sociedad. Este es un proyecto realizado con la finalidad de implementar ideas y espacios de arte para salvar a nuestra ciudad de la desintegración social; proyectos de este tipo, aportan opciones en las que las personas visitantes y locales, tengamos la oportunidad de integrar los espacios con visión cultural a nuestra vida cotidiana y contribuye a que todos nos llevemos una grata impresión de nuestra localidad.

Beyond the benefits this kind of project bring to the students, it should be stressed that the city of Tijuana has an urgent need for projects contributing socially and culturally to the development of the sense of community belonging and pride, as well as for the production of ideas that serve as foundations for the social, economic and cultural development of our society.

This is a big project conceived with the aim of implementing art ideas and spaces to save our society from social disintegration; this kind of projects contribute options for visitors and locals alike to have the chance to make culturally visionary spaces part of our daily lives and helps us all take with us a good impression of our town.

32+ LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN EN EL ARTE Art and Freedom of Expression

Por / By: Andrea Villalvazo

La libertad de expresión se decreta como derecho humano en el artículo 19 de la Declaración Universal de los Derechos Humanos desde 1948. Es un derecho que garantiza la libre difusión de las ideas al opinar y expresarse de cualquier forma. Una de las maneras de libertad de expresión, es el arte.

Freedom of Expression was decreed as a Human Right on article 19th of the Universal Declaration of Human Rights since 1948. It is a right that warrants the free circulation of ideas as opinions or expressions of any kind. One of the instances of freedom of expression is art.

“El arte es la creación de formas nuevas, es el proceso del ser humano de producir representaciones –dice el artista e investigador Jaime J. Cuanalo –así pues, el arte es una forma de expresión que no tiene límites ni barreras”.

“Art is the creation of new forms, it is the human process to produce representations –says artist and researcher Jaime J. Cuanalo –therefore, art is a means of expression and has no limits and barriers.”

Despite the fact that art should not be the object of censorship, oddly enough there are still instances of censorship with the work of well-known artists. For example, about a year and a half ago, artist Jaime Cuanalo presented a show called “Salon des Refuses” in a venue granted as compensation after two of his photographs chosen in a juried show, were removed for the opening ceremony. The show was put together with pieces that were presented to several different contests, but were all rejected by juries from diverse cultural institutions.

Gracias a circunstancias como esta, puede pensarse que la libertad de expresión está decretada mas no garantizada, siguen existiendo censuras y rechazos en las instituciones.

Because of such circumstances, it can be said that Freedom of Expression is decreed yet not guaranteed; there are still censorship and rejection at the cultural institutions.

El maestro Cuanalo, considera que sí hay libertad dentro del arte, de lo contrario no habría arte en lo absoluto, pero esto no quiere decir que lo que las instituciones culturales admiten dentro de sus espacios de exposición y sus programas de apoyos sea necesariamente arte o que el verdadero arte no sea rechazado e indirectamente censurado por esas mismas instituciones. Además, el maestro Cuanalo afirma que las únicas limitantes aceptables en el arte son las que se desprenden de los mecanismos semiológicos de la percepción, que son los limites que se originan de la fisiología o funcionamiento de nuestros sentidos, fuera de esto no puede ni debe haber ningún límite al arte. Estos límites no los fija nadie, sino que se desprenden naturalmente de los mecanismos de los sentidos y de la percepción.

Master Cuanalo considers that there is freedom within art, or else there would be no art at all, but this does not mean that the things cultural institutions allow into their exhibition halls and endowment-for-the-arts programs is actually art, nor that true art is not rejected and indirectly censored by these same institutions. Moreover, master Cuanalo claims that the only acceptable limits to art are those resulting from the semiotic mechanisms of perception, those limits arise from the physiology or functions of our senses, aside from these there cannot be nor should be any limitations to art. These limits are not set by anybody, but rather come naturally from the nature and the mechanisms of our senses and perception.

Con respecto a su exposición, recibió no sólo buenos comentarios en la prensa sino que, mucho más importante, recibió excelente respuesta del público asistente. El artista mismo junto con otras personas estuvieron sondeando la opinión de los visitantes y, según Cuanalo: “nadie podía creer que las fotos hubieran sido rechazadas por un jurado”. Acerca del tema, Cuanalo opina que le parece trascendente porque considera que hoy estamos de regreso exactamente a donde estaban los primeros modernistas, enfrascados en una lucha a muerte contra el “Arte Institucional” por la supervivencia del verdadero arte. En este sentido, la actuación arbitraria de los jurados y curadores de arte se traduce efectivamente en una censura disfrazada.

As for his show, it received not only good press but, more importantly, good reception by the people who visited the show. The artist himself along with some other people were sampling the audience’s opinions and, according to Cuanalo: “Nobody could believe that all the photos were rejected by a jury” About this topic, Cuanalo thinks that it is a transcendent issue since he considers that we are today back to the exact same situation as that of the first modernist artists, engaged in a fight against “Institutional Art” for the survival of true art. In this sense, the arbitrary actions of art curators and juries effectively translate into censorship in disguise.

The show called “Salon des Refuses” was originally held in Paris in the late XIX century with the works of the modernist artists rejected by the official Salon’s juries. “The funny thing is that we remember most of the rejected artists, whilst we have mostly forgotten those who did get accepted and received awards. Today, true art also faces rejection from juries, but at the end it will be this rejected art that contributes something to history, while today’s winners sink into oblivion.” Says Cuanalo.

La exposición llamada “Salon des Refuses” se presentó originalmente en París a finales del siglo XIX con las obras de todos los artistas modernos que fueron rechazados por el jurado del ‘Salón’ oficial. “Lo curioso es que recordamos a la mayoría de los rechazados, pero mayormente hemos olvidado a los que sí fueron aceptados y premiados. Hoy el verdadero arte también se enfrenta al rechazo de los jurados, pero al final será este arte rechazado el que aportará algo a la historia, mientras los ganadores de hoy se hundirán en el olvido”, dice Cuanalo.

http://www.escuelasuperiordeartes.com

A pesar de que el arte no debería ser objeto de censura, curiosamente siguen existiendo incidentes con piezas de artistas conocidos. Por ejemplo, el artista Jaime Cuanalo hace aproximadamente un año y medio presentó su exposición llamada “Salon des Refuses” en un espacio que se le otorgó como compensación porque dos de sus fotos seleccionadas en una bienal fueron excluidas en la ceremonia de inauguración. Esta exposición fotográfica estuvo integrada exclusivamente con piezas presentadas a diversos concursos, pero que fueron rechazadas por diversas instancias culturales.

El artista, que ha sido expuesto a la actitud del rechazo debido a ciertas temáticas de diversidad sexual tratadas en su obra, exclama: “Es más fácil exponer fotos sobre la violencia cruda y extrema, que sobre estilos de vida alternativos como el Fetish o el BDSM. Vamos, mientras la ciudad está inundada de fotos de mujeres desnudas anunciando clínicas de cirugía plástica o en revistas de chismes, las instituciones se oponen a exponer una pieza auténticamente artística si contiene cualquier elemento de desnudo.”

This artist, who has been subject to the rejecting attitude due to certain sexual diversity included in his work, he claims: “It is easier to show photos about crude and extreme violence that about alternative lifestyles such as Fetish of BDSM. What’s more, while the city is flooded with pictures of naked women advertising plastic surgery clinics or in the tabloids, cultural institutions refuse to show any authentically artistic piece if it contains any element of nudity whatsoever.”

El artista puede exponer casi todo su trabajo en cualquiera de los espacios culturales de la ciudad, pero el que se refiere a tendencias sexuales alternativas encuentra casi imposible mostrarlo, aun en lugares destinados exclusivamente a público adulto.

The artist can show almost all of his work at any of the local cultural venues except the one containing references to alternative sexual practices, that work is almost impossible to show, even in venues devoted to an adult only audience.

Otros artistas más jóvenes se han encontrado en situaciones similares como Oslyn Whizar, que tiene una serie de pinturas que hablan de sexo y religión, temas que considera que actualmente pueden ser censurados por las instituciones.

Other younger artists have found themselves in similar situations, like Oslyn Whizar who has a series of paintings pertaining sex and religion, she considers that this subjects can be currently censored by the institutions.

Whizar comenta que al momento de exhibir piezas, naturalmente, pierde el control de la reacción del espectador.

Exclama “Temas que tratan de religión y sexo, siempre van a ser censurados, la clave para uno como creador es, ¿quién las censura? Y las limitantes están siempre del otro lado: quien las ve es quien se limita.” El público puede ser una limitante para la expresión, pues podría decirse que el público no está educado culturalmente todavía para poder expandir su percepción y dejar el tabú a un lado.

Whizar comments that at the time of showing the pieces to the audience, she naturally looses control over the reactions of the spectator. She exclaims: “Subjects related to religion and sex are always going to be censored, the key question for us as creators is, who is censoring them? Plus, limits are always on the other part: it is them that observe, who limit themselves.” The audience can be a limit to expression, because it could be said that the audiences are not culturally educated yet so that they can expand their perception and leave behind the taboo.

Cuenta la artista que en la primera edición de Entijuanarte, hizo una serie de 4 retratos de su vagina, en tonos neutrales, como blanco sobre blanco, jugando con texturas del mismo color.

Aclara que nadie entró a su carpa, contó 3 o 4 personas que lo hicieron, y afirma que nunca vieron una vagina en los dibujos.

The artist recalls about the first edition of the Entijuanarte art festival, she made a series of 4 portraits of her vagina in neutral tones, like white on white, playing with textures of the same color. She lets us know that nobody actually entered her booth, she counted about 3 or 4 people who did, and she claims that those never noticed a vagina in the drawings.

En el caso de los curadores, es importante saber su opinión acerca de los criterios técnicos en que se basan para aceptar o rechazar una pieza. Al platicar con el joven curador Mauricio Cadena, nos encontramos que, al igual que los artistas, considera los mismos temas como religión, política, sexo, como los de mayor contradicción. Opina que el arte puede perder el sentido de lo que se quiere decir, afirma: “La libertad se convierte en libertinaje y muchas veces esa falta de límites lleva a la ignorancia [sic] o falta de interés”. Esto es, al exponer un tema tan libre se puede perder el sentido de lo que se quiere expresar llevando al público a juzgarlo o simplemente ignorarlo.

As for curators, it is important to know their opinion about their technical criteria for accepting or rejecting a piece.

Talking to young curator Mauricio Cadena we found that, just like artists, he considers the same subjects of religion, politics, sex, as those with more contradiction. He is of the opinion that art can loose the sense of what is meant, he states: “Freedom can turn to debauchery and on many occasions this lack of limits leads to ignorance [sic] or loss of interest”. That is, when showing such a free subject one can loose the sense of the intended meaning leading the audience to judge it or simply ignore it.

Debido a lo anterior, podría considerarse que los públicos con un nivel bajo en cultura son causantes de censuras y rechazos por parte de las instituciones y medios. Tanto artistas como personas involucradas en las instituciones están consientes de la libertad que debe haber en el arte, por el simple hecho de ser creación y expresión. Que no la haya del todo, limita a los artistas en su trabajo y ocasiona que éstos tengan cuidado de en dónde y a quiénes van dirigidos sus proyectos. No cabe duda que la libertad de expresión es un elemento fundamental en la creación de formas nuevas, pero podemos observar que a medio siglo después de la declaración del artículo 19, siguen existiendo limitantes, como el público, la censura y el rechazo de las instituciones. Quizás lo más importante de recordar es que la garantía de libertad de expresión no está allí para proteger la libertad de opinar cosas con las que todo el mundo está de acuerdo, sino precisamente para proteger la libertad de expresar cosas que otras personas rechazan, porque lo que unos consideran libertinaje es precisamente lo que otros consideran libertad, es necesario defender la garantía de libertad de expresión en todos los ámbitos y, especialmente, en el arte.

In the curator’s experience, he has run into situations where the audience is surprised by something other than the piece itself. One case in point is when he worked with visual artist Daniel Ruanova in the production of his sculpture named “Security Site”, which was publicly shown. Some people said to be offended by the title of the series (...

The Fuck Off Project…) arguing that: “…in the text accompanying the piece it was explained in plain fashion that the pieces part of that series somehow defended themselves through their materials”. He thinks that barriers are often found in details such as not being able to explain to everybody what is it that each project means to express. To finalize he comments: “I also believe that when certain subjects become fashionable and too much information arises about them, the audience believes that they have the power to approve or reject them.”

Due to the above, it might be considered that audiences with a lower cultural level are the cause of the institutions and media censorship and rejection. Both the artists and people involved in the institutions are conscious of the freedom that there should be in art, because of the simple fact that it is creation and expression. That this is not entirely the case, limits the artists in their work and causes that they become careful of where and to who their projects are addressed to. There is no doubt that freedom of expression is a fundamental element in the creation of new forms, but we can observe that half a century after article 19’s proclamation there are still limiting factors, such as the audience, censorship and institutional rejection. Perhaps the most important thing is to remember that it is the right of freedom of expression is there not to protect the freedom to vent opinions everybody agrees with, but rather to protect the freedom to express opinions that other people reject, because what some consider debauchery is precisely what others consider freedom, it is necessary to defend the right to free expression in all areas of life and, specially, in art.

• La autora es estudiante de Artes Visuales de la ESAV, alumna del curso de Periodismo Cultural.

• * The author is a Visual Arts student at the ESAV, currently in the Cultural Journalism subject course.

http://www.escuelasuperiordeartes.com

En la experiencia del curador, se ha encontrado con situaciones en donde el público se sorprende por algún título más que con la pieza misma. Un caso en particular es cuando trabajó con el artista visual Daniel Ruanova en la producción de su escultura titulada, “Sitio de seguridad”, la cual se exhibió de manera pública. Algunas personas comentaban que les ofendía el título de la serie (…The fuck off Project…) discutiendo que: “en el texto que acompañaba la pieza se explicaba de manera muy simple que las piezas que formaban parte de esa serie de cierta forma se defendían a través de sus materiales”. Opina que las barreras muchas veces se encuentran en detalles como el no poder explicarles a todos qué es lo que se quiere decir con cada proyecto. Por último comenta: “También creo que cuando ciertos temas se ponen de moda y surge demasiada información al respecto, el público cree que tiene el poder para aprobar o tacharlo”.

36+ Poesía

DITRITUS NOSTRUM Por / by Elizabeth Cazessús

¿Estás aquí , hombre, después de izar las velas, amar las nubes, abandonar el huerto, y asomarte al sueño más caro del imperio?

Are you here, man, after raising the sails, loving the clouds, abandoning the orchard, and gazing into the most expensive dream of the empire?

¿Estás aquí, hombre de mundo, después de inventar la brújula la electricidad, las medidas del tiempo, de pasar “de lo crudo a lo cocido”, de lo cocido a lo crudo y andar sin tu centro sin volver la vista atrás?

Are you here, man of the world, after inventing the compass, electricity, the measurements of time, after going from ‘raw to cooked’ and from ‘cooked to raw’, and wander without your center, without ever looking back?

¿Estás aquí, migrante de ti mismo, después de abrir candados, dejar la inconciencia en ninguna parte -roto el cerco de la sumisión y la ignoranciacadenas de esclavitud, después de inventar la rueda y descubrir el átomo?

Are you here, migrant of thyself, after opening locks, leaving unconsciousness nowhere –broken the fence of submission and ignorancechains of slavery, after inventing the wheel and discovering the atom?

¿Estás aquí, hombre, pobre y desvalido viendo tu pueblo engañado, robado, ultrajado sin la benevolencia de Dios ni del gobierno? ¿Estás aquí, hombre, con todas tus contradicciones, las estadísticas, la corrupción, la deuda eterna, la lucha por el poder y la avaricia? ¿Estás aquí, hombre, muerto de hambre, por la guerra y la miseria, reconociendo la Historia y los “daños colaterales”, con la impotencia que carcome el sinsentido, mientras el direturgo dice con la boca ancha que vives en una “democracia”? ¿Estas aquí, hombre, en este renglón de la patria?

http://www.colectivouan.com

Are you here, man, poor and helpless , watching your people deceived robbed, rapped without the benevolence of God nor of the government?

Are you here, man, with all your contradictions, the statistics, corruption, the eternal debt, and the struggle for power and greed?

Are you here, man, starved to death, by war and misery, recognizing History and “collateral damages”, with the impotence that eats at the nonsense while the direturg tells you with wide open mouth that you live in a “democracy”?

Are you here, man, in this row of the fatherland?

http://www.escuelasuperiordeartes.com

Mutable: reflejar el pasado para 38+ Espejo transformar el presente

Por / By: Tania Campos

Transformable Mirror: Reflecting the past to transform the present

Cambiar el mundo cuesta menos de los que creemos y más de lo que creamos. No lo dicen ellos, lo digo yo, pero son los integrantes de la compañía teatral Espejo Mutable, quienes demuestran la veracidad del dicho con sus acciones.

Espejo Mutable nació hace cuatro años, cuando un grupo de artistas actores coincidió en la necesidad de “extraer la memoria ancestral”, recuperando rasgos culturales de las diversas etnias del país; contextualizan la tradición oral de los abuelos con el fin de generar un lenguaje apropiado para trasmitir dichas enseñanzas a las familias mexicanas, en particular a los niños, acercándoles al mismo tiempo al teatro de una manera lúdica y bella.

To change the world is easier than we thing and more than we create. It is not they who say it, it is I, but it is the members of Espejo Mutable (Transformable Mirror), who prove the truthfulness of my saying with their actions.

Espejo Mutable was born four years ago, when a group of actors-artists agreed on the need to “extract the ancestral memory”, by appropriating cultural traits from our country’s diverse ethnicities; they put the spoken traditions of the grandparents into context so that the can generate a language that is appropriate for transmitting said teachings to Mexican families, specially to the children, bringing them closer in the process to the theatre in a playful and beautiful fashion.

Pero Espejo Mutable es mucho más que la puesta escena de saberes antiguos: con los hilos de la memoria, tejen una nueva manera de creación que incluye labor social (talleres con niños indígenas en sus lugares de origen) y la investigación en campo; toda una misión de rescate que deriva en propuestas concretas, aquí y ahora, para los pueblos indios de México.

“Hacedores de la escena”, como se nombran a sí mismos, los miembros de esta compañía generan nuevos públicos para el teatro nacional, mientras buscan contribuir al reconocimiento de la diversidad cultural, condición ineludible para el entendimiento humano global.

But Espejo Mutable is much more than a staging of ancient knowledge: with the treads of memory they weave a new form of creation that includes social work (workshop for native children at their places of origin) and research in the field; a full rescue mission that results in concrete “here and now” actions for the native people of Mexico. “Scene Makers” as they call themselves, the members of the team generate new audiences for the national theatre, while at the same time trying to gain recognition for our cultural diversity, indispensable condition for global human understanding.

Escribir sobre Espejo Mutable es, necesariamente, hacerlo sobre el compromiso; como muestra de ello, el taller impartido por esta compañía teatral, “Cuerpo, ritmo y creación”, que tiene por objetivo el reconocimiento del entorno y la memoria de los niños, para que puedan crear canales creativos y emotivos que, a su vez, les permitan construir vínculos directos y respuestas efectivas con su imaginario creador. Con actividades como la anteriormente descrita, Espejo Mutable contribuye de manera decidida al fomento de la creatividad en los niños, siempre teniendo en cuenta la identidad propia y la de su comunidad de pertenencia, es decir, ayudándoles a reconocer los lazos identitarios que, lejos de dividir, fortalecen su inclusión en la sociedad multicultural a la que pertenecemos todos.

Writing about Espejo Mutable is, necessarily, writing about commitment; a sample of that is the workshop implemented by this theatre company, “Body, rhythm and creation”, that aims for the recognition of the environment and the memory of children, so that the may implement creative and emotive channels that, in turn, allows them to build direct connections and effective responses to through their creative imagination. With such activities as the one described above, Espejo Mutable contributes decisively to promoting creativity in children, always keeping in mind their own identity as well as their belonging to a community, that is, helping them to recognize their identity’s communicating vessels that, far form dividing, strengthen their inclusion into the multicultural society to which we all belong.

Si bien el escenario principal de los empeños de Espejo Mutable ha sido México, hay que señalar también su, incipiente pero exitosa, incursión en otros países. Por lo pronto, en Colombia tuvieron una destacada participación en la Gran Carpa de la Paz, junto con artistas de otros catorce países que se realizó en la Ciudad de Barrancabermeja el pasado mes de mayo. Ahí, en el marco del Primer Festival Internacional de Teatro, Espejo Mutable presentó “Bidxáa, un cuento antiguo para niños contemporáneos”, obra que muestra la importancia de la tradición oral de la cultura zapoteca, sobre la defensa de la identidad comunal.

A decir de Claudia Santiago, directora de la compañía, en Colombia, traducida a su contexto, esta obra les permitió plantear “la necesidad de tomar la realidad como viene, de ser dueño de tu destino y sobreponerte al estado de guerra; es un sí que permea el arte, la cultura y la sociedad civil”.

Even if the main stage for Espejo Mutables work has been Mexico, their incipient but successful incursion in other countries must be taken into consideration. So far, in Colombia they had an outstanding participation last May at the Gran Carpa de la Paz (Big Tent for Peace) held at Ciudad Barrancabermeja, together with artists from fourteen countries. There, within the framework of the First International Theatre Festival, Espejo Mutable presented “Bidxáa, an ancient story for contemporary children”, a play that shows the importance of the Zapotec’s culture spoken tradition, about the defense of the community’s identity. On the words of Claudia Santiago, the company’s director, in Colombia, translated to their context, this play helped consider “the need to take reality as it comes, become owner of your own destiny and overcome the state of war; it is a yes that permeates art, culture and civil society.”

http://www.colectivouan.com

“Estamos de acuerdo con los individuos que se organizan y generan conciencia con su discurso; estamos de acuerdo con la gente y los artistas que buscan siempre ser consecuentes con su realidad; estamos de acuerdo con el teatro que proponga la cura social; estamos de acuerdo en hacerle el amor a la guerra para que nazca la paz”. No tengo dudas, coincido con Espejo Mutable: reflejar el pasado artísticamente, nos permite transformar el presente social.

Espejo Mutable son: Claudia Santiago -actriz y directora artística-, Adrián López -músico y asesor musical-, Ignacio Velasco -actor y asesor de técnicas corporales- y Gabriela Tapia Berrón -coordinadora en producción. Esta compañía tiene un nuevo proyecto, “Naguna… de niño migrante y desierto sembradíos”, en el que participan como invitados los actores Paola Herrera y Horacio Arango, así como el músico Mauri Mendoza Lucero. Para mayor información, puede consultarse su blog: www.espejomutable.blogspot.com

At Espejo Mutable they pose the same questions that many of us in Mexico make ourselves: “When will we be able to say things without fear and talk about the transformation of the new individual, about artists with other creative needs or about the imminent state of the people, paralyzed by the country’s violent reality, without institutions feeling lacerated by our talking?” The answer is still pending, but what is already a fact is that art with commitment is, without a doubt, one of the best ways, perhaps the only way that has managed a glimpse of the path.

“We agree with those individuals who get organized and generate consciousness through their discourse; we agree with people and artists that always seek to be congruous with their reality; we agree with theatre that proposes a social cure; we agree with making love to war so that peace is born.” I have no doubts, I agree with Espejo Mutable: to artistically reflect the past, allows us to transform society’s present.

Espejo Mutable are: Claudia Santiago –actress and artistic director-, Adrian Lopez –musician and musical advisor-, Ignacio Velazco –actor and body techniques advisor- and Gabriela Tapia Barron –production coordinator. This company has a new project, “Naguna… about immigrant child and desert plantations”, where actors Paola Herrera and Horacio Arango, as well as musician Mauri Mendoza Lucero, participate as guests.

For more information you may visit their blog: www.espejomutable.blogspot.com

http://www.escuelasuperiordeartes.com

En Espejo Mutable se hacen las mismas preguntas que nos hacemos muchos otros ahora en México: “¿cuándo podremos decir las cosas sin miedo y hablar de la transformación del nuevo individuo, de artistas con otras necesidades creativas o del inminente estado del pueblo, paralizado por la violenta realidad del país, sin que las instituciones se sientan laceradas?” La respuesta sigue pendiente, pero lo que es ya un hecho es que el arte con compromiso es, sin duda, uno de los mejores caminos, quizá el único que ha logrado vislumbrar rumbo.

43+Gastronomía - SOBREMESA

Por / by: Yo Merito!

EXCLUSIVIDAD EN ENSENADA

Uno de los destinos más exclusivos de Baja California es sin duda Casa Nathaly, un confortable resort con privacidad garantizada, el lugar ideal para celebridades y enamorados para escapar del mundo por un tiempo. Desde la entrada se nota el énfasis en la discreción y la privacidad, después de pasar la reja automatizada atendida por el personal de seguridad, llegamos a una entrada escondida entre abundante vegetación y que resulta acogedora, a pesar de ser amplia y monumental, porque a la distancia las plantas la enmarcan haciéndola parecer más pequeña y acogedora.

One of the most exclusive destinations in Baja California is no doubt Casa Nathaly, a comfortable resort with privacy guaranteed, the ideal place for celebrities and lovers to escape the world for a while. From the entrance one can notice the emphasis on discretion and privacy, after going through the gated entrance discretely managed by security personnel, one gets to an entrance hidden amongst lush vegetation that appears cozy despite the fact that it is wide and monumental, because the abundant vegetation makes it look smaller and cozier at the distance.

Ya adentro pasamos por una relajante penumbra con vistas al luminoso jardín y el océano , para desembocar en un comedor que es íntimo por la reducida cantidad de mesas, apenas unas cuatro o cinco, que acomodan unas a grupos medianos y otras a parejas. Sin embargo, lo intimo no quiere decir apretado y todo en el comedor es espaciosos, casi monumental y lleno de la luz alegre del paisaje marino.

Once inside we go through a relaxing twilight with views of the sunny garden and the ocean, to come out onto the dinning room that is intimate because of the reduced amount of tables, barely some four or five, some to accommodate middle sized groups and others for couples. However, intimate does not mean tight and everything about the dinning room is spacious, almost monumental and full of the joyful light of the seascape.

El menú es relativamente simple, con un nivel de precios acorde a la exclusividad del lugar y garantía de la mejor calidad y frescura de los ingredientes. Desafortunadamente, la intimidad tiene su costo y, en este caso, fue el hecho de que la cocina estuviera vacía de los ostiones frescos que, con el clima caluroso de la época se nos antojan siempre a pesar de las consejas populares de no comerlos en meses sin ‘R’. Otro tanto sucedió con uno o dos más de los platillos ofertados en la pizarra que hace las veces de menú.

The menu is relatively simple, with a price level according to the exclusivity of the venue and the guarantee of the best quality and freshness of the ingredients. Unfortunately, the intimacy has its costs and, in this case, it was the fact that the kitchen was all out of fresh oysters that, with the warm weather of the season makes us crave them in spite of the popular advice not to eat them in the months without an ‘R’ in their names. The same can be said of some other items offered on the chalkboard that served as a menu.

En esta ocasión nos fuimos por los peces, que venían todos preparados en forma de cortes transversales o ‘steaks’ a la plancha, acompañados, según nos indicó el mesero, de una selección de salsas. En esta ocasión probamos el pez espada, el salmón y el atún, con las salsas elegidas por la cocina en el caso del salmón y el pez espada, y sellado con ajonjolí en el caso del atún, por elección propia. La comida se acompañó de uno de los secretos mejor guardados de la producción vinícola local, que es el blanco Colombard de Santo Tomas, uno de los vinos de su línea económica o, como dicen ellos, ‘de batalla’ que sin embargo se encuentra a la par con algunos de los mejores blancos de la región. La recomendación, bien fresco y en abundancia, sigan pidiéndolo hasta que se acabe esta añada o aun mejor, hasta que deje de estar tan bueno si es que eso sucede en las próximas cosechas.

In this occasion we went for the fish, all of which came as grilled transversal cuts or ‘steaks’, dressed, or so the waiter said, in a choice of different sauces. This time we tried the swordfish, the salmon and the tuna fish, with the chefs choice of dressings for the salmon and swordfish, and seared with sesame seed by our own choice for the tuna fish. The meal was accompanied by one of the local wine production’s best kept secret, that is the white Colombard from Santo Tomas, one of their lower price wines or, as they say, their ‘battle horse’, a wine that is nevertheless at par with some of the best whites on the region.

Our advice is, properly chilled and abundant, and keep asking for it until the current harvest-year is sold out or, better yet, until the quality declines if it ever happens on any of the next harvestyears

El atún resulto una excelente elección ya que estaba fresco, y nuestros viajes a Japón nos malacostumbraron a la calidad Premium en el atún, y fue cocido a la perfección, con un ligero sellado a la plancha para captar el sabor y aroma del ajonjolí ligeramente tostado y acompañado de un puré de plátano macho cuyo dulzor contrapunteo de manera muy agradable al atún. En este caso no hubo salseado, sino un montaje de cebolla caramelizada con un ligero toque de picante que combina muy bien con este plato, aunque personalmente creo que los chefs jóvenes tienden a abusar de este tipo de acompañamientos dulces, aunque este no fue el caso. Probablemente, sin embargo, la cebolla caramelizada podría beneficiarse de un paso más ligero por la sartén, manteniéndola más crujiente y recogiendo un poco menos del sabor y sazón que recoge en el proceso.

The tuna fish turned out to be an excellent choice because it was truly fresh, being so that our trips to Japan have spoiled us with only premium quality tuna, and it was cooked to perfection, lightly sealed on the grill to capture the flavor and aroma of lightly roasted sesame and with a side of banana puree that had a sweetness which made a nice contrast with the tuna.

In this case there was no sauce, but a pile of caramelized onion with a little spicy touch that went very well with this dish, although I personally have said in the past that young chefs tend to abuse these kinds of sweet garnishing, not the case for this dish.

Probably, however, the caramelized onion could have benefited from a shorter trip to the frying pan, keeping it crisper and with a lighter touch of the flavor it collects on the process.

En el caso del salmón y el pez espada, la cocción fue impecable, lo cual es un acierto un tanto raro en nuestras tierras, de modo que el pez espada llegó bien cocido, mientras el salmón se mantuvo jugoso. Desafortunadamente la elección de las salsas parece haberse ‘cruzado’, pues al pez espada que es de natural más seco, le habría venido quizás muy bien una salsa copiosa como la de zarzamoras con la que se acompañó el salmón, mientras que el salmón con su sabor sutil habría estado mejor montado con los vegetales y los jugos naturales de la cocción, que fue la preparación elegida para el pez espada.

As for the salmon and the swordfish, the cooking was impeccable, which is somewhat rare in this latitude, so that the swordfish was fully cooked and the salmon remained juicy. Sadly the choice of dressings seems to have gone ‘crosswire’ because the swordfish is naturally dryer and could have benefited from a full sauce such as the fresh raspberry sauce used on the salmon, while the salmon on the other hand has a more subtle flavor and could have gone better with the vegetables and natural cooking juices, as the swordfish was presented.

Un detalle peculiar que pudimos notar fue la homogeneidad de los acompañamientos, ya que como se puede apreciar en las imágenes, todos los peces fueron presentados con el puré de plátano macho, y con el germinado y los chiles de colores acomodados de una u otra manera. Esto puede ser una ligera falta de imaginación por parte del chef, o una consecuencia de mantener la exclusividad, ya que, para hacer honor a la verdad, todos los alimentos se prepararon al momento con ingredientes frescos y bien conservados, aun con el calor salvaje que teníamos en ese día, de modo que una cocina equipada para una clientela reducida y que demanda la más alta calidad, no podría quizás mantener un stock muy surtido de ingredientes de la calidad y frescura requeridas, sin incurrir en un terrible desperdicio; quizás la consciencia ecológica por fin llegó al ámbito del lujo y este sea un pequeño precio a pagar.

A peculiar note we noticed was the homogeneity of the garnishing, given that as you may see on the images, all the fish were presented with banana puree, sprouts and assorted color peppers placed one way or another. This can be due to a slight lack of imagination from the chef, or a consequence of maintaining the exclusivity of the restaurant, because, truth be told, all the food was prepared on the spot with fresh and properly stored ingredients, even under the savage heat we had that day, so that a kitchen equipped for a very small number of customers who demand the highest quality, perhaps could not keep a very varied stock of ingredients with the quality and freshness required, without incurring in a terrible waste; perhaps environmental consciousness has finally reached the world of luxury and this be a small price to pay.

De cualquier manera, hay que recordar al lector que estamos juzgando a este restaurante con los más altos estándares, debido a su exclusividad y su nivel de precios, por lo que somos más exigentes que de costumbre. La realidad de las cosas es que el staff fue muy atento, el servicio excelente, la calidad de los platillos fue de lo mejor y el ambiente de lujo y exclusividad relajados y cómodos casi justifican por sí solos el precio. En un lugar tan hermoso, un paseo por el jardín y la alberca al termino de la comida son obligatorios, para poder disfrutar la experiencia completa.

Nevertheless, we must remind the reader that we are judging this restaurant to the highest standards, because of its exclusivity and its price level, so we are more strict than usual.

The reality is that the staff was very comely, the service was excellent, the quality of the dishes the best and the ambience of relaxed and comfortable luxury and exclusivity almost justify the prices by themselves. In such a beautiful place, a walk through the garden and around the pool at the end of the meal is mandatory in order to enjoy the full experience.

Nosotros rematamos nuestro tour-de-luxe de Ensenada con un evento que es pura exclusividad. Nos referimos al tradicional concierto del crepúsculo en los viñedos de Monte Xanic, emblema de la combinación de elegancia, sofisticación y ambiente campirano, relajado y alegre, de las fiestas de la vendimia de Baja California. En esta ocasión, el concierto corrió a cargo de una nueva generación por segundo o tercer año consecutivo, y ya los cambios se fueron dejando sentir con todo su peso. La gente bonita, ataviada en modas diversas, pero con abundancia de vestidos ligeros, veraniegos y alegres, los caballeros con sombrero. La reja se abrió a las 6 en punto y la ya larga fila de autos se encaminó a los estacionamientos, desde donde una flotilla de ‘calafias’ nos acercaron al concierto, contribuyendo a un cierto ambiente festivo y lúdico.

We ended our tour-de-luxe of Ensenada with an event that is pure exclusivity. We are talking about the traditional Sunset Concert at the Monte Xanic vineyards, an icon of the combination of elegance, sophistication and bucolic ambience of the harvest celebrations in Baja California. On this occasion the concert was in the hands of a new generation for the second or third year in a row and the changes are getting clearer to see.

Beautiful people dressed in diverse fashion but with an abundance of light, cheerful summer dresses and gentleman with hats. The gates opened at 6 o’clock and the already long line of cars went into the parking lots, where a flotilla of short buses brought us to the concert site, contributing to a somewhat festive and playful atmosphere.

La recepción fue con Chenin-Colombard bien frío, muy adecuado para el clima calido de la ocasión y uno de los vinos más consistentes de esa casa, también, a pesar de no ser parte de su línea Premium. Tuvimos momentos demasiado breves para socializar y para disfrutar la exposición de artes visuales, antes del inicio del concierto. Resulta curioso que, siendo Baja California la capital mundial del arte contemporáneo, hallan traído una exposición producida por la Casa Lam del Distrito Federal, de aceptable factura, pero de nula trascendencia artística. A las mesas un par de botellas, Cavernet Sauvignon por los tintos y un poco más del Chenin-Colombard por los blancos, y una charola de quesos con un par de muestras de la producción local, quesos tipo Real del Castillo semi-curado y anejo, contrastados con un par de importados, Brie y un tipo Suizo.

The reception was a glass of chilled Chenin-Colombard, vey adequate for the warm weather and one of the most consistent wines of this house, also despite not being part of their premium line. We had a too short time to mingle and enjoy the art show before the start of the concert. It is peculiar that, being Baja California the world capital of contemporary art, they brought a show produced by Casa Lam from Mexico City, with acceptable technical quality but no artistic transcendence whatsoever. At the table we found a pair of bottles, Cavernet Sauvignong for the reds and a little more of Chenin-Colombard for the whites, as well as a cheese tray with a couple of samples of the local production, semi cured and aged Real del Castillo, paired against a couple of imports, Brie and Swiss.

La nota alta de la noche se la llevan la excelente Orquesta Sinfónica Monte Xanic, integrada en su mayoría por joven talento local, así como el bellísimo paisaje de los viñedos y de los cerros semiáridos típicos de la región. Desafortunadamente también hubo nota baja y esta fue la cantante Eli Guerra, de la que mucho ruido se hizo antes del concierto y, para desconcierto de los muchos asistentes que jamás la habíamos escuchado, no pudimos evitar compararla con las voces operísticas a las que estamos acostumbrados en este tipo de eventos. El pobre repertorio programado de cuatro canciones, la casi nula interacción de la cantante con el público de este evento tan íntimo y tan exclusivo, todo esto combinado con la drástica reducción, por lo menos a la mitad, de la oferta de vino y viandas de años anteriores y un exageradamente amontonado acomodo de las mesas, fueron todos retrocesos respecto de la calidad a la que se nos tenía acostumbrados.

The high note of the night goes to the excellent Monte Xanic Symphonic Orchestra, integrated mostly of young local talent, as well as the beautiful landscape of vineyards and semiarid hills typical of the region. Unfortunately there was also a low note and that was the singer Eli Guerra, for whom lots of hype was made before the concert and, for the bafflement of many of those of us in attendance whom had never heard her before we couldn’t help but compare her to the opera voices we are used to in this kind of events. The poor repertoire of four programmed songs, the almost non-existent interaction with the audience of such an intimate and exclusive event, all of this paired with a drastic reduction on the food and wine offering as compared to previous years and an overly crowded arrangement of the tables, were all setbacks to the high quality we had been used to.

De cualquier manera, la sinfónica, la amena conversación con gente culta e interesante, la excelente calidad del vino de Monte Xanic y la belleza natural del paisaje, se combinaron para hacer que este evento siga haciendo de Ensenada la sede de algunos de los eventos más elegantes y exclusivos de todo el noroeste de México. La ruta del vino, los quesos y todos los productos orgánicos y gourmet del campo de Ensenada hacen que bien valga la pena el corto viaje por carreteras cada vez mejores y entre paisajes y ofertas de comida y bebida a manos llenas.

Anyway, the symphonic orchestra, the delightful conversation with cultured and interesting people, the excellent quality of Monte Xanic’s wine and the natural beauty of the landscape, all combined so that this event keeps making Ensenada the location of some of northwestern Mexico’s most elegant and exclusive events. The ‘Wine Route’, the cheeses and all the organic and gourmet produce of Ensenada’s countryside make it worth the short trip on increasingly better highways and amongst landscapes and food and beverage choices left and right.

Editorial Zona Límite ¡¡¡TE BUSCA!!!

¿Te gusta escribir? ¿Estás interesado en la escena artística y cultural de tu ciudad? Editorial Zona Límite está interesada en corresponsales de otras ciudades (fuera de Tijuana) que quieran publicar REGULAR o EVENTUALmente artículos sobre : Artes Visuales Arquitectura y Diseño Artes Escénicas Literatura Música Cine Política Cultural Gastronomía (y vinos) Nuestro comité editorial estará recibiendo propuestas en info@colectivouan.com Los interesados deberán mandar un artículo muestra, un CV y datos de contacto.

www.colectivouan.com www.escuelasuperiordeartes.com