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CELEBRACIÓN DIA MUNDIAL DEL ARTE
editorial
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EL ARTE ESPERA POR TI No te quedes sin conocer a los grandes aprende francés con los mejores
efinimos el arte como el resultado de una actividad en la que el hombre recrea con una finalidad estética un aspecto de la realidad física o de su imaginación; el arte es una forma de expresión, de representar ideas, sentimientos, una manera de contar historias a través de técnicas como la pintura, el dibujo, escultura, entre otras; pero no se limita únicamente a lo visual, el arte es música y sonido, es danza, es fotografía, es poesía, es en fin, cualquier cosas que nos permite plasmar emociones, historias y la vida misma. Y no se limita únicamente a una forma estética, el arte puede ser vizarro, puede ser abtracto y en algunas ocasiones puede resultarnos incluso extraño, pero siempre tiene una finalidad, un propósito y responde a la proyección del artista que la crea, siendo además un reflejo de los cambios culturales del hombre, el arte es un reflejo de la época y su lugar de origen, y es por ello que va evolucionando y adaptando, no es lo mismo arte el que pintara un artista
CATHERINNE CUELLAR DIRECTOR CREATIVO
#hablamoscultura
francés que un pintor Italiano, ni mucho menos lo que pintará un Salvadoreño, porque su visión del mundo es diferente. Esta revista nace con el objetivo de dar a conocer el arte salvadoreño en todas sus áreas, dando a conocer las obras de todos aquellos que con su trabajo nos dan algo interesante para ver y escuchar, para leer y para sentir. Hablamos del trabajo de todos aquellos artistas famosos y otros que viven prácticamente en el anónimato, queremos que sus trabajos vean la luz, que se den a conocer, pero no basta solamente con verlo, queremos conocerlo, análizandolo, entendiendo de donde viene, cual es su propósito y su significado. Esta es una revista critica, que no se limita a lo tradicionalmente conocido, sino pretende a ir más allá, es una revista para personas que quieran explorar cosas nuevas, de ver las cosas de forma diferente. Te invitamos a compartir con nosotros nuestra visión y esperamos que disfrutes de ésta edición.
CATHERINNE CUELLAR
VÍCTOR GUZMÁN DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN
La revista no se hace responsable por la opinión de sus redactores, ni se identifica necesariamente con los mismos.. Todos los derechos reservados.
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REALISMO MÁGICO: UN PINTOR LLAMADO SALARRUÉ
EL ARTE DE ANTES Y AHORA LA MUY MALA CRIANZA CONOCE A SIMÓN VEGA ENTREVISTA CON: JUAN CHARLES
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Arte y estetica - dia mundial del arte
15 de Abril
Celebra el DIA Mundial del
ARTE
Por: Catherinne Cuellar
D Una de las celebraciones para promover el desarrollo, defunción y promoción del arte, te decimos su origen y la razón por la que se eligió esta fecha.
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esde el 2012 y cada 15 de abril,
el mundo celebra el Día Mundial del Arte, una celebración para promover el desarrollo, la difusión y promoción de las artes. Además de resaltar la importancia que tiene la expresión humana, así como la creatividad para la evolución del pensamiento humano y la resolución de los problemas que nos aquejan.
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco, siglas en inglés), con sede principal en París, Francia, celebró este miércoles el Día Mundial del Arte. Esta celebración promueve el desarrollo, la difusión y la promoción del arte, como una oportunidad para apoyar las creaciones y expresiones culturales en la sociedad, indicó en un comunicado.
El origen de la celebración internacional de las artes fue propuesta por la Asociación Internacional del Arte (IAA, por sus siglas en inglés) durante la décimo séptima Asamblea General de la Asociación Internacional de Arte en Guadalajara.
“El Día Mundial del Arte representa una oportunidad para apoyar las creaciones y expresiones culturales en la sociedad a través de la promoción y difusión del mismo.” 5
Arte y estetica - dia mundial del arte
Se estableció el 15 de abril para celebrar a las artes por el natalicio de uno de los mayores artistas de la humanidad: Leonardo da Vinci. Considerado el hombre del renacimiento, fue pintor, escultor, diseñador, arquitecto, poeta, músico, biólogo y más. Da Vinci fue seleccionado
como símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo. Su primera celebración fue el 2012, sin embargo, la proclamación del Día Mundial del Arte tuvo lugar en la 40ª reunión de la Conferencia General de la Unesco en el año 2019.
“La fecha del día de las artes
fue escogido por el natalicio de uno de los mayores artistas de la
”
humanidad: Leonardo da Vinci.
Museo donde se llevó a cabo la celebración del Día Mundial del Arte 2019
Estas celebraciones contribuyen a reforzar “los vínculos entre las creaciones artísticas y la sociedad, a fomentar una mayor conciencia de la diversidad de las expresiones artísticas y a poner de relieve la contribución de los artistas al desarrollo sostenible”, se lee
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en la página de la Unesco. También esta fecha sirve de oportunidad para destacar la educación artística en las escuelas, ya que la cultura “es el camino hacia una educación inclusiva y equitativa”, señala el organismo.
“Estas celebraciones contribuyen a reforzar “los vínculos entre las
creaciones artísticas y la sociedad,
”
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Arte y estetica - dia mundial del arte
La directora general de la Unesco, Audrey Azoulay, expresó que “nuestra Organización desea rendir homenaje a la solidaridad mostrada por los artistas y las instituciones en un período en que el arte se ve duramente azotado por
los efectos de una crisis mundial, no solo sanitaria sino también económica y social”, haciendo referencia al impacto de la Covid-19 en el ámbito. Distintos organismos internacionales, figuras públicas, y personas en
general compartieron en esta jornada, mensajes en honor a esta fecha en la que se celebra el arte que “nutre la creatividad, la innovación y la diversidad cultural de todos los pueblos del mundo”, de acuerdo con la Unesco.
ResiliART, Artistas y creatividad más allá de la crisis
Publicidad alusiva a ResiliArt realizada por la UNESCO.
Debido a la crisis de salud provocada por el coronavirus SARSCoV-2, que causa la enfermedad covid-19, se está experimentando una “emergencia cultural”. De acuerdo con la Unesco, el virus ha sumido a la economía mundial en una recesión, lo que ha impactado en el sector cultural. Más del 80 por ciento de las propiedades del
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Patrimonio Mundial de la Unesco han cerrado, lo que ha puesto en amenaza los medios de vida de las comunidades locales y profesionales de la cultura. “Las instituciones e instalaciones culturales, incluidos museos, teatros y cines, pierden millones de ingresos cada día, y muchos han tenido que abandonar a su personal. Artistas de todo el
mundo, la mayoría de los cuales ya trabajaban a tiempo parcial, de manera informal o con contratos precarios antes de la pandemia, están luchando para llegar a fin de mes”, expresó la organización. Para tomar cartas en el asunto, la Unesco lanzó el movimiento global ResiliArt con el objetivo de apoyar a los artistas durante y después de la crisis.
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Arte y estetica - el arte de antes y ahora
El arte de antes y ahora Por: Juan Carlos Botero
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a mayor diferencia entre el arte actual, mal llamado conceptual, y el gran arte del pasado, se puede resumir en estos aspectos: calidad y duración, belleza, y contenido. En efecto, si algo sorprende del arte de antes, empezando con los griegos y romanos, y siguiendo con el Medioevo, el Renacimiento, y los grandes maestros que vinieron después, como Rubens, Velázquez, Vermeer, Goya, Ingres y todo el impresionismo, es que sus obras estaban hechas con tanta calidad y maestría, con una técnica tan asombrosa y un oficio tan sabio, que gran parte de esas piezas han sobrevivido los daños del tiempo y los azares
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Galería de arte en el museo MARTE
de los siglos, incluyendo incendios, guerras, terremotos, saqueos y percances de toda naturaleza. Las obras estaban hechas con pericia, y por eso aún sobreviven sus colores, lienzos, maderas y mármoles. Podían durar. El arte de hoy, en cambio, está hecho con materiales perecederos y se deshace en cuestión de años, meses, días o instantes, como el famoso tiburón de Damien Hirst que le costó a un cliente 12 millones de dólares, y el enorme pez en su recipiente de formol se pudrió en pedazos. Una segunda diferencia es que, a pesar de las diferencias de épocas, países, talentos y estilos, todos los artistas del pasado compartían una misma meta:
crear belleza. Hoy la belleza está mal vista, se considera superflua y hasta superficial, y es una lástima porque la belleza, como se ha sabido desde Platón hasta Nietzsche, es algo tan valioso para la existencia humana como la verdad, la justicia o la bondad. Las mejores obras del pasado eran de una belleza sublime, erizante, mientras que las de ahora sobresalen por feas. Y la vida diaria ya tiene demasiada fealdad como para que sus artistas ofrezcan más. La tercera diferencia es el contenido. Y es irónico, porque el arte actual se ufana de su temática y por eso se proclama “conceptual”, en supuesto contraste con el de antes, al punto que ya no im-
“El concepto detrás de tantas
obras actuales sorprende por su ligereza y frivolidad, por su falta de hondura y peso intelectual.
”
porta el oficio, la belleza ni la creación, sino la idea. Y eso se podría aceptar si fueran ideas profundas o emocionantes. Pero el concepto detrás de tantas obras actuales sorprende por su ligereza y frivolidad, por su falta de hondura y peso intelectual. En el gran arte del pasado, por el contrario, prevalecían los grandes temas, ya fueran religiosos, políticos o sociales, y la obra era una creación estética para elevar el espíritu e iluminar la condición humana. ¿Conceptos? Por favor. Conceptos tiene el arte de Goya, Miguel Ángel, Leonardo, y todos los grandes del pasado. Lo de ahora impacta, más bien, por la pobreza de sus ideas. Lo cierto es que a partir
de Marcel Duchamp y su orinal de 1917, cualquier cosa puede ser una obra de arte, y cualquier persona puede ser un artista. Ya no se necesita talento, conocimiento, creatividad ni buen gusto, y eso ha envilecido el arte hasta convertirlo en lo que es hoy: una burla y una estafa, en donde un grupo de avivatos, apoyados por curadores y galeristas que se frotan las manos al contar sus millones, fabrican objetos mal llamados arte, sin belleza o contenido, y hechos para desintegrarse en poco tiempo. Son piezas efímeras en su materia y en su significado. Por eso el público carece de un arte que alimente su mente, su corazón o su espíritu.
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la muy
Realidades urbanas
mala
crianza Por: Víctor Guzmán
Se toma demasiado literal el nombre de esta tierra que conocemos como El Salvador. Estamos esperando a que vengan a salvarnos, por eso hemos creado el lugar propicio para que nazca el anticristo. Sino existe ese gran mal entonces de que se nos va a salvar? Las calles y aceras de piedra reventada y decorada por una vegetación moribunda representan a cabalidad la urbanidad salvadoreña. La grandeza de esta película es brindarnos el mismo sentimiento que causa el salir a las calles de San Salvador. Contar la historia de un pueblo sometido por el crimen llama la atención porque equivale al exorcista que se esmera por conocer el nombre de un
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demonio. Ese demonio responde a otro más grande, el de la guerra civil. Afirmar esta realidad se convierte en un escapismo que impacta fuertemente pero resuelve poco. Un ciudadano que vive esta situación no puede evitar sentir que todo eso es un castigo divino, un calvario eterno que no para. Los días siguen y el sol del mediodía se mofa de la situación brillando más fuerte, como queriendo iluminar la raíz del problema. Si la única opción es hacer caso a la señales divinas, no seria logico escapar de este mar de fuego? Parece que Mala Crianza sugiere que nuestra única opción es aguantar o emigrar hacia los Estados Unidos.
Se embellece un poco la vida en este sector, en realidad es peor.
El panadero no hace mas que trabajar para tomar.
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Realidades urbanas
Se trata de representar el escarmiento de la vida urbana.
Sólo queda entonces esperar que el saneamiento del COVID-19 afecte de alguna manera al tejido social como para poder aprender a ver lo que está frente a nuestras narices. Que el el sol ilumine nuestro pensamiento y tal vez comprender que no debemos tratar de ser salvador sino que salvar a quienes podamos? Don Cleo no tiene ni para el pan, a quién podría salvar? A el mismo? Quizás yéndose para otro lado hubiese sido la solución. El tiene sus vicios, algo que se representa de manera muy clara. Esto tiene un paralelo con la manera de vivir que se tiene. La noche nos hace olvidarnos de la realidad que se nos presenta a las once de la mañana. Esa luminosidad del día está allí casi todo el ano, para que escuchemos las palabras de honestidad de nuestras calles. Es posible que estas calles tan llenas de sangre por tanto asesinato y extorsion nos quieran recordar ese mensaje de que no hay necesidad de salvarse de nada. Ya hemos sido rescatados por un salva-
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dor, no necesitamos nada para estar en paz y contentos, los unos con otros. Pero este infierno sigue ardiendo, y no es únicamente la responsabilidad de los habitantes de este país. De todas maneras, gritar los males de dicha urbanidad a las cuatro vientos no sirve de nada si la familia salvadoreña está hecha pedazos. Al final ese pequeño mensaje se puede rescatar ya que es algo que todos deseamos. El mismo hecho que Don Cleo pudo encontrar un nuevo hogar a pesar de tanta situación miserable a su alrededor es prueba de que él ha sido salvador y que es cuestión de tiempo para que todos los demás se mueran, o se salven.
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Realidades urbanas
destruccion proporcion de la
analisis psicologico de la estilizacion
belleza, no tiene otra opción más que declarar su batalla perdida. Su gran ego nunca lo va a aceptar, las siguientes generaciones se encargarán de juzgarlo. Sin embargo, se dedica incansablemente a profundizar en las cualidades subjetivas de lo abstracto, declarandolas como bellas y humanas. En su libro, “Los cornudos del viejo arte moderno”, Salvador Dalí escribe acerca de este fenómeno y voltea la cabeza con genuina curiosidad y dedicación hacia los llamados artistas que se encargan de dar a luz a monstruos y criaturas deformes que quieren encontrar a la belleza,
“Las películas animadas suelen exorcizarse a ellas mismas al final porque han
completado un viaje. Pero si nos dedicamos Por: Víctor Guzmán
Muchas veces pensamos que el respeto que se le merece a algo es porque en el pasado algo bueno pasó y fue una bonita historia nada mas. Muchas veces pensamos que el mundo moderno nos puede alimentar el alma con las cosas nuevas y diferentes que nos trae cada dia. Este tipo de pensamiento nos deja con hambre. Una de las proporciones más importantes que deberíamos de conocer es la nuestra, es decir, la de nuestro cuerpo. El cuerpo humano existe en la naturaleza, y por lo tanto, obedece a las leyes físicas fundamentales. Al estudiar estas leyes, estudiamos también el origen de la belleza. Si algo es bello, es porque funciona armoniosamente con los demás elementos del mundo natural. Algo bien proporcionado es algo bien elaborado, y nos sustenta la mirada y el pensamiento. No obstante, el mundo es tan basto que también existen las deformidades y los adefesios. El mismo mundo moderno, muchas veces cansado en su búsqueda de la verdadera
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a dibujar arte caricaturizado sin llevar a cabo ese viaje, estamos perdiendo tiempo.
”
pero no para amarla sino para violarla y cortarla en diversos trozos cuando hayan terminado, creando a través de la destrucción, una pintura grotesca. Ni siquiera las obras de arte naturales y sin autor de un campo de batalla pueden justificar la destrucción sin fundamento del arte semi-abstracto y quasi-figurativo del flat design y otras abominaciones que le rinden culto a la animación. Este culto pagano a las imágenes en movimiento es celebrado
en una misa en donde se le adora a una escultura que representa un cuadro, un cuadro entre miles y miles que conforman una animación en movimiento. Se adora a la animación porque se quiere virtualizar a la misma vida. Como la sociedad no satisface, se crea una propia. Sin embargo las películas animadas suelen exorcizarse a ellas mismas al final porque han completado un viaje. Pero si nos dedicamos a dibujar arte caricaturizado sin llevar a cabo ese viaje, estamos perdiendo tiempo. El arte caricaturizado que no tiene fines de ser delegado hacía una serie animada o una película es simplemente un deseo de seguir siendo un niño en una sociedad de adultos. El niño-adulto es una contradicción peligrosa porque el niño está lleno de deseos que no puede calmar, mientras que el adulto es el capaz de realizar todos sus deseos pero debería saber cuales llevar a cabo. Se tiene entonces individuos inclinados al arte que valoran sentimientos infantiles como la repulsion del sexo opuesto, deseos incontrolables de consumo y un cerebro incapaz de ordenar conceptos. Este tipo de individuos son valorados de cierta manera porque son empleados sumisos, incapaces de tomar riendas.
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Personajes: SAlarrue
Por: Carlos Cañas Dinarte
Realismo mágico. Ese fue el término que usó el escritor y periodista salvadoreño Gilberto González y Contreras (1904-1954) en su libro de ensayos Hombres entre lavas y pinos (México D. F., Costa Amic, 1946) para referirse a la pintura de su compatriota Salarrué, nacido en la colonia Zedán (Sonzacate) con el nombre de Luis Salvador Efraím Salazar Arrué (1899-1975). A los diez años de edad, aquel niño usaba una caja de acuarelas y lápices de colores para realizar sus primeros trazos, sin mayor orientación en el dibujo y la pintura que los que le otorgaba su ma-
dre Teresa, dedicada a la costura y al bordado por necesidades propias y las de sus dos hijos. Desde mediados de agosto de 1915, ingresó como alumno a la Academia de Bellas Artes que el moscovita-parisiense Spiro Rossolimo y su esposa Frida de Cantiene Rossolimo abrieron en el centro de San Salvador. Por influencias políticas de su tío materno Rafael Arrué (quien fungió como diputado propietario por el departamento de San Vicente en la Asamblea Nacional Legislativa de 1916 y 1917), el gobierno del presidente Carlos Meléndez Ramírez le
realismo magico
un pintor llamado salarrue 18
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Personajes: SAlarrue
Personajes: SAlarrue
otorgó una beca para que prosiguiera su aprendizaje artístico en los Estados Unidos y también mejorara su manejo del inglés. Resulta probable que esa beca haya estado contemplada dentro de los ocho mil colones anuales (cuatro mil dólares) dispuestos “para alumnos que estudian en el extranjero” (art. 62, cap. XII, decreto legislativo del Presupuesto General de Ingresos y Egresos de la Administración Pública comprendido entre el 1 de julio de 1916 y el 30 de junio de 1917). Salvador E. Salazar abandonó suelo salvadoreño desde el puerto de Acajutla, a las 17:00 horas del domingo 10 de septiembre de 1916, a bordo del vapor salvadoreño Santa Ana. Ingresó al jesuita Rock Hill College, en las cercanías de Baltimore. Después, se
trasladó a una escuela rural en Danville (Virginia), para luego matricularse en la Corcoran School of Art, fundada en 1869 como el primer museo de arte de la capital estadounidense y cuyo nombre fue cambiado en 1999 por el de Corcoran College of Art and Design. Su trabajo pictórico se vio sometido a la poderosa influencia de un grupo de pintores estadounidenses, entre ellos la simbolista y abstracta Georgia O’Keeffe (1887-1986), el abstracto Arthur Garfield Dove (1880-1946), el acuarelista John Marin (18701953), el pionero del modernismo Alfred Maurer (1868-1932, introductor del fauvismo y el cubismo en su país), el paisajista Marsden Hartley (18771943) y el futurista Joseph Stella (1877-1946). En la capital estadouni-
Autorretrato.
Autorretrato.
“...escribía narrativa, crítica, poesía y
música, jamás dejaría de pintar de forma automática, casi sicoanalítica, en un caballete instalado junto a la ventana El cipitío, óleo sobre lienzo
La Barca, se encuentra en el Museo de la Palabra y la Imagen.
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de su cuarto, en especial en su Villa
”
Montserrat de los Planes de Renderos.
dense, la japonesa Hisada’s Gallery (1143 Connecticut Ave. NW) presentó los 17 cuadros costumbristas de la primera exposición individual de Salarrué, en 1918, la cual se constituyó en el evento inaugural de esa sala de exhibiciones artísticas, del japonés K. Hisada, bajo patrocinio de la Legación salvadoreña y de dos damas de la nobleza japonesa. Retornó a El Salva-
dor a las 06:00 horas del 10 de diciembre de 1919, a bordo del vapor inglés Salvador, que fondeó en el puerto de Acajutla. Entre 1920 y 1924, Salarrué se dedicó a ilustrar portadas de libros, revistas y diarios con atrevidos óleos, dibujos exóticos y caricaturas de corte geométrico. A la vez que escribía narrativa, crítica, poesía y música, jamás dejaría de pintar de forma
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Personajes: SAlarrue
Personajes: SAlarrue
“...escribía narrativa, crítica, poesía y
música, jamás dejaría de pintar de forma automática, casi sicoanalítica, en un caballete instalado junto a la ventana de su cuarto, en especial en su Villa
”
Montserrat de los Planes de Renderos.
automática, casi sicoanalítica, en un caballete instalado junto a la ventana de su cuarto, en especial en su Villa Montserrat de los Planes de Renderos. De las técnicas pictóricas y artísticas tradicionales, Salarrué poseía especiales inclinaciones por el tapiz, fresco, óleo sobre papel y tela, acuarela, carbón, lápices, grabados en metal, murales, etc. Entre los títulos de sus pinturas se encuentran Meditación sobre formas del mar, Ensueño de sandía, Meditación sobre una flor en forma de ojo, Proyecto de castillo en el aire, Meditación sobre la nuez, Túnel en el ojo del búho, Concha noctícula a la hora del
alba, Restos de una góndola de feria, Armadura de mujer, El toro azul, Ave María en el crepúsculo, Espíritu Santo de la alfarería, Montaña en pardos, La loca monja blanca, Maíz azul, Vilano rojo, Flor de mar, La conquista, Managuas (duendes mesoamericanos de la lluvia), Semblanzas (trazos caricaturescos o “retratos psicológicos, del alma”, como él mismo los definía), etc. En un ensayo inédito, aún en proceso de redacción, el artista plástico salvadoreño Mauricio Linares-Aguilar, recién doctorado, reflexiona y señala que Salarrué “potenció nuevos rumbos para la pintura salvadoreña”, pues
La monja blanca.
Salarrué en un puerto de Nueva York .
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“no tuvo prejuicio alguno al mezclar libremente la figuración, el simbolismo y la abstracción. Su contribución como pionero de la pintura abstracta es importante por su particular gestualidad. Su pintura más abstracta contrasta con los formalismos de la abstracción pictórica de tradición angular y de figuras geométricas puras”. Para el Dr. Jiménez-Aguilar, en la pintura salarruereana “sobresalen los elementos orgánicos. Estos elementos se des-
plazan, se extienden y vibran como sujetos vivos en sus telas. Por un lado, las líneas sinuosas no son simplemente pinceladas espontáneas de su caligrafía personal, sino también ellas nos revelan la presencia fluida y conectora de las energías que manifiestan esos entes vivos al moverse. Por otro lado, la pintura de Salarrué sugiere una profunda conciencia cósmica. La visión de elementos que se nos muestran ambivalentes y simultáneos en escala,
ya sea como microorganismos o como galaxias, connota una percepción espacial que sugiere una amplitud espiritual y que además va de la mano con los avances teóricos y científicos de su tiempo”. Como resultado de más de medio siglo de trabajo creativo, las pinturas, dibujos y caricaturas de Salarrué fueron expuestos en Estados Unidos, Centroamérica, algunos países europeos y también viajaron por el mundo reproducidos en diversos
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Personajes: SAlarrue
Manglares.
tirajes de sellos postales. En la actualidad, parte de la obra plástica de Salarrué se conserva y custodia en varios centros culturales del país, como la Sala Nacional de Exposiciones (fundada por él en 1959, en el parque Cuscatlán, y que ahora ostenta su nombre), el Museo de Arte (MARTE), el Museo Forma, el Museo de la Palabra y la Imagen (MUPI), la Pinacoteca Roque Dalton de la UES y otros más, pero la mayor parte se encuentra dispersa en colecciones particulares y en los libros y periódicos en los que fue impresa entre los años 1920 y 1975. En el universo creativo de Salarrué, literatura y artes siempre formaron parte de un mismo todo. Aún está pendiente ese enfoque de su aporte cultural desde la mirada académica nacional, pero para realizarla hay que superar la dispersión de su obra plás-
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tica. Ese es un reto al que ya se enfrentó el fallecido artista, escritor y curador Ricardo Lindo, cuando en 2006 presentó una exposición casi retrospectiva de Salarrué, al que definió como el último señor de los mares, por ser los contenidos oceánicos y acuíferos una de las principales temáticas dentro de su narrativa y de su pintura. Así, será posible dilucidar si Salarrué fue uno de los primeros pintores latinoamericanos en transitar de la figuración a la abstracción y al futurismo, con base en su propio trabajo dentro de la teosofía y sus ejes de espiritualidad, misticismo y contemplación. Lo que sí resulta indudable es que este artista salvadoreño fue fiel y coherente con su trabajo visual, plástico, al que entregó gran parte de sus recursos creativos, económicos, sociales y familiares.
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personajes: simon vega
Simon vega
Cuando los mundos se encuentran por Claire Breukel
El artista salvadoreño Simón Vega empezó en el 2011 con un proyecto muy interesante. Un proyecto que no busca desenvolverse como un pedacito de cielo en una galería de arte con aire acondicionado, sino que, busca interactuar con el espectador. Busca recordarle al que lo ve que la pieza de arte es nada más un reflejo de otra pieza más grande y compleja, el dia a dia de nuestro país. Simón Vega dirá que lidiar con esta dicotomía
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en su obra artística no ha sido el trabajo de un día. De hecho, durante los últimos años Vega ha estado estudiando, viajando, recolectando materiales de desecho, construyendo y descartando, sólo para repetir todo esto en lugares nuevos y a menudo en el extranjero – creando más recientemente su propia versión de un satélite espacial titulada Third World Sputnik (Sputnik del Tercer Mundo), construida con objetos encontrados para ser presentada en la
Sus piezas estan compuestas de materia descartada.
edición del presente año de la Bienal de Venecia. Tal es la naturaleza de crear obras caseras efímeras. Sin embargo, Vega probablemente también dirá que es esta dualidad
preguntas acerca de la disparidad en nuestro mundo y propongan, al mismo tiempo, un espacio donde la dualidad pueda coexistir en forma no jerárquica. Aunque las instalacio-
material de descarte tales como una vieja reposera que funciona como asiento del piloto, tapas de botellas como partes del panel de control, o un viejo trozo de alambre como cable de
“Vega fusiona estereotipos del mundo en vías de desarrollo y su arquitectura casera con referencias a tecnologías de avanzada y aspiraciones futuristas ligadas al mundo “desarrollado” de vivir entre experiencias de la ‘tierra natal’ y dentro de la economía del arte contemporáneo del ‘Primer Mundo’ lo que le proporciona el combustible temático para crear obras que hagan surgir
nes escultóricas de Simón Vega son inconfundibles, a menudo reconocibles como ensamblajes de materiales encontrados que casi siempre comprenden una estructura de madera o cartón con trozos de
”
cámara, su práctica creativa nace de una aproximación ecléctica a los medios. A lo largo de la última década, la obra de Vega ha abarcado proyectos de investigación e instalaciones murales en vinilo, así
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personajes: simon vega
personajes: simon vega
“La obra de Simón Vega es, en cierto modo,
un reflejo de la dualidad de lo que significa ser simultáneamente un ciudadano de El Salvador y un artista del mundo del arte internacional. como instalaciones para sitios específicos de variadas formas y tamaños, y más recientemente intervenciones escultóricas y dibujos. En 2002, Vega comenzó un proyecto de investigación de un año de duración, estudiando y fotografiando las decoraciones en autobuses urbanos de las ciudades de San Salvador y La Libertad. El resultado del proyec-
”
to, “Transurbana 20022005”, fueron fotografías, dibujos, pinturas, carteles luminosos, asientos de autobús e instalaciones de pared y de ventana creadas en colaboración con especialistas en calcomanías y mobiliario que trabajaron en los mencionados autobuses. A continuación, Vega comenzó Panopticams, una serie de falsas cáma-
ras de vigilancia fabricadas con cartón, botellas y alambre. Instaladas en un principio exclusivamente como cámaras, Vega pronto desarrolló la serie, creando las instalaciones Panopticam compuestas por torres de iluminación que hacen referencia al diseño de Panopticon – una cárcel diseñada por Jeremy Bentham en el siglo XVIII que presenta Hay uso de telas que representan manteles de mesas de un comedor.
Las plantas ayudan a colocar a la pieza en un ambiente natural salvadoreño.
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una ilusoria torre central rodeada por un círculo de celdas expuestas que dan a los prisioneros la impresión de estar bajo vigilancia permanente. A pesar de ser enteramente inoperantes, las Panopticams de Vega son impostoras que asumen la autoridad del que vigila y de esta manera hacen que la implacable mirada de las falsas cámaras sea al mismo tiempo absurda y profundamente perturbadora. Vega fusiona estereotipos del mundo en vías de desarrollo y su arquitectura casera – villas de emergencia y estructuras prefabricadas – con referencias a tecnologías de avanzada y aspiraciones futuristas ligadas al mundo ‘desarrollado’. Es esta temática de unir dos mundos aparentemente dispa-
res la que se repite consistentemente en la obra de Simón Vega. Third World Rover Explorers, 2010 (Exploradores Rover del Tercer Mundo), una instalación creada específicamente para la exposición “Coca-colonized”, presentada en el BrotKunsthalle de Viena, combinaba los diseños robóticos de genuinos Rovers marcianos pertenecientes a la NASA con los diseños ad hoc de los carros de vendedores construidos para atravesar las calles de El Salvador vendiendo mercancías. Estos vehículos aparentemente dispares son ambos esencialmente exploradores de sus respectivos territorios. Como tales, los Third World Rover Explorers de Vega combinan el diseño de la navegación práctica con el del descu-
brimiento espacial para convertirse en su propia y singular maquinaria. El contraste entre los diseños requeridos para la exploración espacial y los requerimientos de diseño fundamentales para la vida diaria no podían ser más diferentes; sin embargo, en la obra de Simón Vega
Un excelente ángulo de un microcosmos urbano-espacial.
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personajes: simon vega
personajes: simon vega
S
imón Vega nació en San Salvador, El Salvador en 1972. Su niñez y su adolescencia coincidieron con los trece años de Guerra Civil en
El Salvador, que finalizaron en 1992. En 1994 Vega se trasladó a México para cursar estudios en la Universidad de Veracruz, graduándose en Bellas Artes. uego de graduarse, Vega regresó a El Salvador, exhibiendo su obra en forma local y expandiendo su alcance a Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. La obra de Vega fue presentada en Zona Maco, Ciudad de México en 2007, en el Bronx River Art Center, Nueva York en 2009, en Hilger BROTKunsthalle, Viena, en 2011, en la Bienal de El Museo Del Ba-
La pieza acolocada en exteriores se diferencia poco de una champa.
rrio, Nueva York, en 2012 y más recientemente en la 55ª Bienal de Venecia 2013. Actualmente Simón Vega vive y trabaja en La Libertad, El Salvador.
parecen estar extrañamente cómodos unos con otros. Tropical Mercury, 2011, exhibida en el Museo MARTE de San Salvador, es una recreación a escala de la cápsula del Proyecto Mercury para vuelos balísticos, la primera cápsula del programa espacial estadounidense creada para poner a un ser humano en órbita alrededor de la Tierra. Irónicamente, el Programa Espacial Ruso tenía el mismo objetivo, y puso a Yuri Gagarin en órbita antes de que Estados Unidos tuviera éxito, haciendo que la cápsula del Proyecto Balístico Mercury fuese obsoleta. Parodiando el absurdo de esta ‘carrera espacial’, Tropical Mercury es una interpretación
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‘tercermundista’ estática de la cápsula para vuelos balísticos construida, en este caso, con madera, hierro corrugado, cañerías descartadas, botellas, una silla playera, un televisor, un equipo de música de alta fidelidad y otros desechos coloridos con los que se arma un interior afelpado de materiales de descarte. Estos materiales, asociados comúnmente con la construcción, transforman la cápsula en un hogar ad-hoc que ya no se centra en orbitar la Tierra sino simplemente en vivir en ella. A pesar de ser una máquina que recuerda los artilugios de Heath Robinson, sugiere sin embargo la nostálgica posibilidad de que algún día podría
volar, y de que su función es tan valiosa como la de la cápsula espacial para vuelos balísticos. Podría argumentarse que Simón Vega simplemente unifica a aquellos enfocados en esfuerzos “progresistas” e impulsados por el capitalismo y a aquellos enfocados en la subsistencia, confrontando de esta forma la disparidad entre ricos y pobres, pero esto es demasiado simplista. En lugar de ello, Simón Vega ha establecido una ‘estética del fundamentalismo’, que deliberadamente no parece carente de voz y voto sino que está impregnada con el poder de vigilancia y descubrimiento asociado con los emprendimientos
típicos del ‘Primer Mundo’. El resultado es una obra artística que atraviesa zonas de tiempo, aparece reconocible pero se encuentra, de hecho, alejada de la realidad y tiene como propósito hacer colapsar las fronteras entre lo que constituye el mundo ‘desarrollado’ y el mundo ‘en desarrollo’ al sugerir un espacio para el progreso práctico en un gesto de solidaridad utópica. Esto no implica sugerir que Vega nos ofrezca un punto medio idealizado, o descartar la grave crítica social y política que contiene su obra, pero sí sugiere que Vega está creando un espacio para vivir que, a riesgo de sonar sentimental, podría ser simplemente lo mejor de sus dos mundos. Es por lo tanto acertado decir que el Sputnik
del Tercer Mundo se ha estrellado, dejando tras de sí una estela de escombros. El Korabl-Sputnik 5 fue utilizado en el último vuelo de prueba anterior al primer vuelo tripulado que protagonizó Yuri Gagarin, lanzando al espacio un maniquí y un perro. La versión del Sputnik de Vega emana luz y el sonido de un mercado, sugiriendo que la realidad de la vida cotidiana forma parte de sus viajesgociemos para conforma.
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personajes: Juan charles
personajes: Juan charles
una
entrevista con
JuanCHARLES visual artist Por: Víctor Guzmán y Catherinne Cuellar
La pasión por la ilustración es uno de los objetivos que toda mente creativa debería de alcanzar. Definitivamente es muy gratificante el poder compartir esta alegría de crear con un ilustrador como Juan Charles, que ha decidido compartir sus ilustraciones con todo el mundo a traves de su cuenta de Instagram. Es fascinante saber que este pequeño intercambio de palabras puede enriquecer a las mentes en busca de esa chispa creativa. Juan Charles nos comparte un poco de esa energía en la siguiente entrevista. EV: Cómo fueron sus inicios con el arte digital? Sabemos que la curva de aprendizaje es un tanto alta, tuvo algunas dificultades al principio de su aprendizaje? JC: Pues la verdad todo el proceso de artista fue una experimentación que me apasionaba, ya dibujaba desde niño, pero cuando fui a la u y comencé a conocer programas de diseño comencé a practicar y compartir mi trabajo en la redes, que fue como una mini catapulta para darme a conocer un poco y conseguir algunos clientes.
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EV: Cuáles son sus ilustradores favoritos? Nos gustaría saber de ese autor que haya sido su mayor inspiración. JC: Pues les mencionaré algunos, Akira Toriyama (Creador de Dragon Ball), Serge Birault, Los animadores de Disney en general, y videojuegos, la verdad que de todo un poco. EV: Hemos encontrado una gran cantidad de personajes en su Instagram, muchos que provienen de películas, series y videojuegos. Cuales serian las 5 mejores franquicias que abarcan dichos medios. JC:Pues soy Fan del Anime en especial Dragon Ball, Soy fan de Disney ( Toy Story fue una de las mejores sagas de Disney Pixar ) y de los videojuegos Play y Nintendo, soy fan de Mario y Zelda, tam-
bién me gusta el mundo comic, como marvel y dc. EV: Cuando se decide en realizar una ilustración, que procesos ocurren para llegué a tomar una decisión sobre qué tipo de personaje y en qué tipo de situación? Qué debe ocurrir para que usted sepa qué crear y de qué manera? JC: La verdad que soy sincero, no tengo un método de inspiración, simplemente a veces haciendo cualquier cosa se me vienen ideas, y trato de anotarlas, y posteriormente a pensar en cómo resolverlas, siempre es un proceso de aprendizaje ya que en todos experimento a tal modo que me acerque al 90 o 100% a la idea que tenía, siempre es un poco complicado, pero me gustan los retos. EV: Desde qué edad empezó a ilustrar? Y qué téc-
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personajes: Juan charles
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nicas, procesos, o proyectos, tiene para el futuro? JC: Pues unos familiares dicen que desde los 3 años otros que desde los 4 jajaja, así que por ahí aproximadamente, y proyectos para el futuro aún no se, por el momento tengo demasiado trabajo, por eso no he desarrollado nada, pero esperamos seguir con unos colegas el reto de #drawingin24horas más en esta cuarentena, mucho se la pasan bien. EV: Cree que el arte digital (obviando ilustra-
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ciones vectoriales y fotografías) debería de usarse con más frecuencia en el rubro de la publicidad? JC: Yo creo que la ilustración causa un poco más empatía, si se incluyera un poco más en cada ámbito del diseño fuera genial, jajaja. EV: Qué consejo le diera a esos jóvenes ilustradores que aún no desarrollan sus habilidades técnicas? Técnicas manuales antes de digitales? Ambas? Consejos de vida?
Practicar, si les apasiona en realidad hacerlo por pasión y no forzado, otra cosa importante es experimentar técnicas o trazos nuevos, dibujar solo cuando nacen las ganas, no forzar la inspiración, otra sería compartir lo que hacen, eso es muy importante ya que así se dan a conocer, y no se olviden que dibujar a mano siempre será el pilar y la base de todo, muchas gracias por incluirme en este proyecto, Saludos!!!
@juancharles._
JC: Primero que nada
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