nemanja cvijanovic ´ vanja mervic ˇ gianni moretti laura santamaria
hipoteze za razstavo Alice Ginaldi
Razprava o prostorskih postavitvah v sodobni umetnosti je dandanes tavtologija. Vedno težje je namreč gledati na umetniška dela kot na avtoreferenčne in absolutne predmete. Umetnost se je v zadnjih petdesetih letih trdno vpela v prostor ter zase zahtevala ne le, da “obstaja”, temveč da obstaja “tukaj in zdaj” ter s tem postavila pod vprašaj svoj lastni status quo. Svojo trditev bom skušala utemeljiti na primeru slikarstva, ki je po izraznem sredstvu najbolj vezano na jasno opredeljen predmet, in sicer sliko. Nedvomno lahko trdimo, da se velika večina del sodobnih slikarjev postavlja na razpotje med slikarstvom in slikarsko instalacijo. Slikarji čutijo potrebo, da vzpostavijo odnos med platnom in prostorom, v katerega je postavljeno, in zato pogosto izberejo način postavitve, ki bi bil alternativa žeblju, in celovite strukture, ki stopajo v dialog s sliko. Tudi bolj tradicionalne postavitve narekujejo nova razmerja med samimi deli, recimo tako, da se stvaritve postavijo v razstavni prostor v nenavaden ritem in presenetljivo zaporedje. Razlog za to ni v pomanjkanju izrazne moči slikarskih del sedanjega zgodovinskega obdobja (kvečjemu prav nasprotno), temveč v dejstvu, da tudi slikarstvo, kot vsa ostala izrazna sredstva, teži k celoviti zasnovi razstave. Sodobna umetniška dela se namreč težko razumejo posamično oziroma neodvisno od konteksta, saj so najpogosteje del kompleksnega izraznega sistema, ki zajema kraj, čas in način predstavitve. Ta revolucija v umetnosti se je pojavila v drugi polovici šestdesetih let, ko so se nekateri umetniki iz tokov, kasneje poimenovanih land art, body art, antiform, process art in revna umetnost, počutili utesnjene v ozki opredelitvi pojma “umetniško delo”, ki je veljala do tega trenutka, vključno z dojemanjem umetniškega dela v okviru poparta. Nova umetniška dela so se morala upreti pojmovanju končne stvaritve kot edinega rezultata ustvarjalnega procesa, da bi lahko razkrila neopredmeteno čistost ideje in projekta, iz katerih so nastala. Bob Morris je v svojem besedilu z naslovom Antiform (1968) zapisal: “Pojmovanje, po katerem je ustvarjanje umetniškega dela proces, ki neizogibno proizvede predmet oziroma ikono, je nevzdržno”. Želja po osvoboditvi (oziroma zavedanje o ujetosti) umetniškega dela iz spon komercialnega sistema je prvi zgodovinski korak do konkretne širokogrudnosti ustvarjanja. “Uživam v svobodi, da lahko uporabljam svoje roke. Vsak dan izkoriščam ponujene priložnosti: Če sneži, delam s snegom, če pada listje, se odločim zanj. Spremembe, razvoj in razkroj so življenjski sok narave. To so sile, ki jih skušam izpostaviti s svojim delom”, pravi Andy Goldsworthy. Okolja, performansi in dogodki, vstopnica za kruto in čisto l’art pour l’art, vodijo do umetniškega dela, ki ga ni mogoče prodati, in je, če se le da, celo (bio) razgradljivo. Od tega stanja do prostorske postavitve pa je le en korak oziroma gre za omiljeno stališče ali normalizacijo umetnosti po letu 1968. Zaradi tega je, kakor sem navedla na začetku, verjetno povsem odveč danes govoriti o prostorskih postavitvah. Veliko bolj primerno bi bilo govoriti o razliki med “implicitno” prostorsko postavitvijo, (ki jo vsak kustos upošteva kot vodilo za vsako razstavo) in “deklarirano” prostorsko postavitvijo, pri kateri gre za zavedno dejanje in poetični sediment na poti umetniškega razvoja vsakega umetnika. Ta razstava se vpisuje prav v ta kontekst, saj so štirje avtorji bili povabljeni, da zavzamejo izrecno stališče do umestitve umetniškega dela v prostor.
ipotesi di un’esposizione. di Alice Ginaldi
Parlare oggi di pratica site-specific nell’arte contemporanea è una tautologia. Risulta infatti sempre più difficile pensare all’opera d’arte come a un oggetto autoreferenziale e assoluto; l’arte degli ultimi cinquant’anni si è lentamente adagiata nello spazio, pretendendo non solo di “essere” ma anche di “essere qui e ora”, relativizzando lo status quo dell’opera stessa. Per giustificare questa asserzione prenderò ad esempio la pittura come medium più di ogni altro legato a un oggetto definito quanto iconico: il quadro. È possibile affermare che la posizione di buona parte della pittura contemporanea sia rintracciabile in un bivio a metà strada tra la pittura e l’installazione pittorica. I pittori sentono la necessità di rapportare la tela con lo spazio in cui è ospitata, utilizzando non di rado stratagemmi allestitivi che comprendono sostegni alternativi al chiodo e strutture composite in dialogo con il dipinto stesso. Persino gli allestimenti più tradizionali esigono un inedito rapporto tra opera e opera, ad esempio scandendo i lavori con un’aritmia significante all’interno degli spazi previsti. Questo non perché la pittura in questo periodo storico sia carente di vigore (semmai è proprio il contrario), bensì perché essa, come tutti gli altri media espressivi, anela a una concezione olistica dell’esposizione. L’opera d’arte contemporanea, infatti, può essere difficilmente concepita singolarmente / autonomamente rispetto al contesto, proprio perché molto spesso è parte di un complesso sistema linguistico che considera il luogo, il tempo e la modalità con cui è presentata. Questa rivoluzione artistica è cominciata nella seconda metà degli anni Sessanta, quando alcuni artisti appartenenti alle correnti poi chiamate Land Art, Body Art, Antiform, Process Art e Arte Povera cominciarono a sentirsi costretti nella definizione di “opera d’arte” com’era stata concepita fino a quel momento, compreso dalla stessa Pop Art. La nuova opera d’arte doveva rifiutare l’oggetto come esito esclusivo del processo creativo, rivelando invece l’effimera purezza dell’idea e della progettualità che ne stanno a monte. Scrive Bob Morris nel suo testo Antiform (1968): “la nozione secondo cui l’opera d’arte è un processo che termina immancabilmente in un oggetto-icona non può più avere seguito”. La volontà di liberazione dell’opera d’arte (o quantomeno la consapevolezza della sua costrizione) da un sistema commerciale rappresenta il primo passo storico verso una tangibile generosità operativa; “godo della libertà di utilizzare le mie mani. Colgo le occasioni che si offrono ogni giorno: se sta nevicando, lavoro con la neve, se cadono le foglie vado con loro. Il cambiamento, lo sviluppo e il deperimento sono la linfa vitale della natura, le energie che provo a evidenziare con il mio lavoro”, racconta Andy Goldsworthy. Enviroments, performances e happenings, lasciapassare alla dura e pura art pour l’art, vorrebbero l’opera d’arte invendibile e preferibilmente (bio)degradabile. Da qui al concetto di site-specific il passo è breve, anzi è quasi una declinazione meno radicale dell’arte sessantottina, una sua normalizzazione. Come sottolineato nell’incipit iniziale, parlare di site-specific oggi può apparire quasi superfluo. Quello che preme sottolineare è la differenza tra il site-specific “sottinteso” (credo che ogni curatore lo tenga in considerazione come vademecum per qualsiasi mostra) e il site-specific “esplicito”, quale pratica consapevole e sedimento poetico all’interno di un percorso artistico. Quest’ultimo è il caso di questa mostra in cui quattro artisti mid-career sono stati invitati a rapportarsi esplicitamente con questa modalità di approccio all’opera nello spazio.
Nemanja Cvijanović razvija svoje umetniško razmišljanje na osnovi drznih premlevanj politike, zgodovine in simbolov. Avtor ne verjame v poštene namene navidezne demokracije in zato obsoja sistem, ki temelji na oblasti kot obliki prisile. Njegova izrazna sredstva, ki zajemajo kiparstvo, postavitve, performans in video stvaritve, so pogosto vpeta v okolje, v katerem se izražajo, ter so zato zelo skladna z izraznimi načini prostorske postavitve. Zanimivo je izpostaviti dejstvo, da se za Cvijanovića prostorska postavitev ne omejuje na protokolarno postavitev v fizični prostor (galerijo ali muzej), temveč se horizontalno in mentalno razteza v prostor v širšem pomenu (mestu, državo). Na ta način avtor okrepi smisel prostorske postavitve in ji daje močnejšo večpomensko konotacijo. Dela Vanja Merviča so katalizator družbeno-gospodarskih dinamik od njihove prve pojavnosti v obdobju novih medijev. Njegove najnovejše raziskave so prežete s heterogenimi in raznolikimi antropološkimi referencami, pri čemer uporablja estetske kodekse, ki izhajajo iz narave. K novim medijem, kiparstvu in videu dodaja še minljivost ledu in lahkotnost barve. Sledi vrsta totemskih kipov, ki jih sestavljajo izmenjujoče se plasti ledu in akrilnih barv. Prostorska postavitev tako postane performans v prostoru, kjer se led popolnoma naravno tali pod vplivom temperature. Totemi preidejo v tekoče stanje in tako spontano ustvarjajo pisane risbe, ki polzijo po tleh in obiskovalcem omogočajo, da v živo sledijo “naključnemu” umetniškemu ustvarjanju. Končni rezultat pa je samo en del stvaritve, v kateri sta postopek in samo ustvarjanje prevladujoči element umetniškega dela v vsej svoji kompleksni vpetosti v prostor in čas. Gianni Moretti dojema raziskovanje kot vztrajno prizadevanje v iskanju umetniškega izraza in predvstem lastne identitete. To prizadevanje nujno postane navada, modus operandi, ki prek ponavljanja utrdi nenehno hrepenenje k cilju. Morettijeva dela raziskujejo kraje in zgodbe, iščejo tisto najmanjšo razpoko, jo najdejo, hrepenijo po njej, ne da bi si jo lastile, in ji tako povrnejo dostojanstvo in mikavnost. Prostorska postavitev je tako le eden od nosilnih stebrov njegovega umetniškega iskanja, ki je vezano na dogodke, ki se sučejo okoli umetnikove telesne sfere. Posebno pozornost si zaslužijo njegova dela, ki jih ustvarja s staro tehniko pavze, ki se danes skoraj ne uporablja več, ker so jo nadomestila nova tehnološka sredstva. Moretti je oživil to tehniko in si jo zamislil kot povrhnjico določenega kraja, ki mu je navdahnil neoprijemljiv in lahkoten videz. Pavza oziroma spolvero, tako kot coitus interruptus, predaja neizražen romantični naboj, namig o usodi, ki bo za vedno ostala neizpolnjena. Kompleksni duhovni svet Laure Santamaria se izraža v preprosti arhaični snovi, ki temelji na štirih elementih: s tem postopkom je avtorica uspela ustvariti živahno izmenjavo med materialnim in duhovnim svetom, med zemeljskim in nebesnim oziroma med univerzalnim in posamičnim. Gledalca zvabi s svojim delovanjem v rahločutnih plasteh zavesti, da vstopi v njeno delo, ki je dostopno prav zato, ker se izraža v čistih materialih, kot so pigmenti, saje, rastline, kovine in kamni. S tem, ko iz njih na poseben način ustvari umetniško delo, vzpostavi metamorfozo, ki spominja na starodavne obrede, ki so od nas oddaljeni v času in prostoru. Tako kakor lahko pigmenti, raztreseni po tleh, ustvarijo valovanje večnosti, tako se v njenih delih s sajami hlapljive črne razpoke spajajo z estetiko silovitih voda in ustvarjajo občutek nevihtnih oblakov. Santamaria doživlja prostorsko postavitev kot intenzivno osebno izmenjavo s prostorom, ki jo zaznamuje neizogibnost: pigmenti in saje, ki bi sicer ostali neživa snov in bi večno čakali, da jim avtorica vdahne svojo življenjsko sapo, se lahko utelesijo le na površini, ki sprejme vase njihovo dušo.
Nemanja Cvijanović imposta la sua riflessione artistica su un’audace dissertazione che intreccia politica, storia e simboli. Rifiutando di credere nei buoni propositi di un’apparente democrazia, denuncia un sistema fondato sul potere come strumento costrittivo. I suoi mezzi espressivi eterogenei, che contemplano la scultura, l’installazione, la performance, il video, sono spesso in rapporto con l’ambiente in cui sono accolti, ben identificandosi con la modalità del site-specific. È interessante sottolineare come per Cvijanović il site-specific non si limiti al protocollo di allestimento rapportato con lo spazio fisico (Galleria o Museo), ma attraversi livelli trasversali e concettuali legati al luogo in senso allargato (città, Paese). Così facendo scandisce il senso del site-specific a un più ampio respiro ricco di significati polivalenti. Il lavoro di Vanja Mervič funge da catalizzatore di dinamiche socio-culturali, partendo dal loro evolversi nell’era dei nuovi media. La sua ricerca più recente, intrisa di riferimenti antropologici eterogenei e diversificati, impiega codici estetici derivanti dalla natura. All’utilizzo dei new media, della scultura e del video unisce ad esempio la transitorietà del ghiaccio assieme alla leggerezza del colore. Ne deriva una serie di sculture totemiche costituite da strati di ghiaccio intervallato da veli di coloranti acrilici. Il lavoro del site-specific si traduce come intervento performativo nello spazio in cui il ghiaccio segue il suo naturale processo di scioglimento, causato dalla temperatura. Lo stato acquoso in cui si tramutano i totem crea così spontaneamente liquidi disegni colorati, che scivolano sul pavimento permettendo ai visitatori di assistere dal vivo alla creazione artistica del “caso”. L’esito finale risulta essere solo una parte del lavoro in cui il procedimento, l’atto creativo, risulta momento preponderante dell’opera nella sua complessità spazio-temporale. La ricerca per Gianni Moretti corrisponde a una tenace esercitazione finalizzata a un orientamento non solo artistico ma anche profondamente identitario. L’esercizio deve rappresentare una consuetudine, un modus operandi che, grazie alla reiterazione, possa permettere una costante tensione verso l’obiettivo. I lavori di Moretti scavano nei luoghi e nelle storie, cercano quella piccola falla, la trovano, la concupiscono senza possederla, fino a restituirle dignità e grazia. Il site-specific rappresenta dunque uno dei pilastri nella sua ricerca artistica, così legata agli accadimenti che si succedono attorno alla sfera corporea dell’artista. Particolare attenzione meritano i lavori prodotti con l’antica tecnica dello spolvero, oggi caduta pressoché in disuso perché sostituita da nuovi strumenti tecnologici. Moretti la riporta in auge e, ripensandola come epidermide di un luogo, ne assicura l’aspetto inconsistente e volubile. Come la traccia di un coito interrotto lo spolvero trasmette così una carica inespressa e romantica, prolessi narrativa di un destino che rimarrà per sempre incompiuto. Il complesso cosmo spirituale di Laura Santamaria si esprime mediante la semplice materia arcaica figlia dei quattro elementi: grazie a questa procedura l’artista è in grado di attivare una vorticosa interscambiabilità tra materiale e spirituale, terreno e celeste, universale e particolare. Lavorando nei sottili strati di coscienza seduce lo spettatore a fare ingresso nel proprio lavoro, che risulta accessibile proprio perché veicolato da materiali puri come pigmenti, fumo, piante, metalli e pietre, la cui peculiare trasformazione in opera d’arte suggella una metamorfosi che evoca una ritualità ancestrale, lontana da noi nel tempo e nello spazio. Come pigmenti scagliati a terra possono trasfigurarsi in riverberi di infinito, così nel lavoro del “nerofumo” vaporose screziature corvine fatte di fuoco incontrano un’estetica acquosa ed energetica, come cumuli tempestosi. La pratica del site-specific, vissuta come intenso scambio fisico tra Santamaria e lo spazio, è sancita dalla sua ineluttabilità: pigmenti e nerofumo hanno come unico possibile corpo la superficie che accoglie la loro anima, altrimenti materia inerte in attesa dell’élan vital dell’artista.
Nemanja Cvijanović
Applause!
performance posnetek iz videa (7’) / still da video (7’) 2008-2010 z dovoljenjem / courtesy: avtor / artista in / e Furini Arte Contemporanea
Nemanja Cvijanović
The Sweetest Dream prostorska postavitev / installazione site-specific sitotisk na platnu / serigrafia su tela 300 x 150 cm 2005 z dovoljenjem / courtesy: avtor / artista in / e Furini Arte Contemporanea
Nemanja Cvijanović
W IL POTERE POPOLARE multimedijska instalacija / installazione multimediale video (12’), serija fotografij, potrdilo / video (12’), serie di fotografie, certificato velikost postavitve / dimensione ambientale 2013 z dovoljenjem / courtesy: avtorja / artista in / e Delire Gallery
Vanja MerviÄ?
Discussions on beauty / Diskurzi o lepoti prostorska postavitev (detajl) / installazione site-specific (particolare) led, akril, prah / ghiaccio, colore acrilico, polvere 2013
Vanja MerviÄ?
Discussions on beauty / Diskurzi o lepoti prostorska postavitev (detajl) / installazione site-specific (particolare) led, akril, prah / ghiaccio, colore acrilico, polvere 2013
Vanja MerviÄ?
State of liberty / Stanje svobode skica za video / bozzetto per il video 2014
Gianni Moretti
Gli amanti
prostorska postavitev / installazione site-specific nanos pigmenta na steno / pigmento depositato a parete velikost postavitve / dimensioni ambientali 2012 z dovoljenjem avtorja / courtesy dell’artista
Gianni Moretti
La morte del prete prostorska postavitev / installazione site-specific digitalni tisk na pleksi steklu / stampa digitale su plexiglass razliÄ?ne velikosti / dimensioni variabili 2012 z dovoljenjem avtorja / courtesy dell’artista
Gianni Moretti
La seconda stanza instalacija / installazione zvonÄ?ki, les, kabelske vezice, mali vibrirajoÄ?i motorji, senzorji za gibanje, najlonska vrvica / campanellini, legno, fascette autobloccanti, piccoli motori vibranti, sensori di movimento, filo di nylon 387 x 350 x 295 cm 2012 z dovoljenjem avtorja / courtesy dell’artista
Laura Santamaria
Cosmic joy swept over prostorska postavitev / installazione site-specific pigmenti, minerali, reflektorji / pigmenti, minerali, spotlight velikost postavitve (pribli탑no 600 x 270 cm) / dimensioni ambientali (600 x 270 cm circa) 2012 z dovoljenjem / c/o: Mars Mission, kolektivna razstava / mostra collettiva, Geh8 Kunstraum, Dresden (DE)
Laura Santamaria
Hypnero
prostorska postavitev / installazione site-specific saje, pigmenti, minerali / nerofumo, pigmenti, minerali velikost postavitve (pribliĹžno 900 x 430 cm) / dimensioni ambientali (900 x 430 cm circa) 2012 z dovoljenjem / c/o: Trilogie des Loches, osebna razstava mostra personale, Kunstverein NeukĂślln - Kunstraum t27, Berlin (DE)
Laura Santamaria
Hypnero
prostorska postavitev (detajl) / installazione site-specific (dettaglio) saje, pigmenti, minerali / nerofumo, pigmenti, minerali velikost postavitve (pribliŞno 400 x 400 x 650 cm) dimensioni ambientali (400 x 400 x 650 cm circa) 2012 z dovoljenjem / c/o: Geode, osebna razstava mostra personale, Sala Dogana - Palazzo Ducale, Genova (I) foto Š Gian Luca Groppi
Nemanja Cvijanović se je rodil leta 1972 na Reki, na Hrvaškem v narodno mešani družini, kjer še danes živi in dela. Je član Hrvaškega društva freelance umetnikov in društev hrvaških umetnikov z Reke in iz Zagreba, Društva Drugo More z Reke in italijanske komunistične stranke Rifondazione Comunista. Na sodobnem trgu umetnosti nastopa prek agencije Furini Arte Contemporanea, galerija Delire in galerije SIZ - Samoupravna interesna zajednica. Leta 1998 je diplomiral iz slikarstva na Akademiji za likovno umetnost v Benetkah, leta 2010 pa opravil magisterij iz načrtovanja in produkcije na področju likovne umetnosti na Univerzi za arhitekturo I.U.A.V. v Benetkah. V svojih delih se Nemanja Cvijanović poslužuje skoraj vseh medijev in tehnik likovne ter odrske umetnosti. Njegova Dela segajo na področja konceptualne / postkonceptualne / postavitvene umetnosti prek kolektivnih performansov, interaktivnih instalacij in postavitev, video produkcije in multimedijskih projektov, slikarstva, fotografije in zvočnih del. Pri ustvarjanju se osredotoča na izpraševanje in razkrivanje mehanizmov produkcije, manipulacije in uporabo pomenov v postmoderni kulturi, ki temelji na kritičnem pristopu do ideoloških in estetskih vrednot modernistične kulture in družbe. Njegova kritičnost se kaže v umetniških delih, ki slonijo na strukturnem in semantičnem redu obstoječih del, zgodovinskih dogodkov ali pojavov, in sicer prek mimezisa oziroma posnemanja ter uporabe likovnih meta-jezikov. Cvijanović lucidno povezuje preteklost in sedanjost, paralelne realnosti različnih družbenih sistemov in umetniških strategij.
è nato nel 1972 a Fiume, in Croazia, in una famiglia mista di varie etnie jugoslave. Oggi vive e lavora a Fiume. Membro dell’Associazione croata degli artisti free-lance e delle Associazioni croate degli artisti di Fiume e di Zagabria, dell’Associazione Drugo More di Fiume e del partito Rifondazione Comunista. È presente sul mercato dell’arte sotto l’egida della Furini Arte Contemporanea, della galleria Delire e della galleria SIZ - Samoupravna interesna zajednica. Diplomatosi nel 1998 in pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha ottenuto un master in progettazione e produzione delle arti visive presso l’Università di architettura I.U.A.V. di Venezia. Per suoi lavori Nemanja Cvijanović ricorre a quasi tutti i media e tutte le tecniche artistiche e performative. Le sue opere si declinano nell’arte concettuale / post-concettuale / installativa e si sviluppano per mezzo della pratica della performance collettiva, delle performance di installazioni ed elementi interattivi, della produzione video e di progetti multimediali, nella pittura, nella fotografia e in opere audio. Il principale fulcro d’interesse è quello di interrogare e svelare i meccanismi della produzione, della manipolazione e del significato del consumo nella cultura postmoderna, basandosi su un approccio critico nei confronti di valori ideologici ed estetici della cultura e della società modernista. Il suo criticismo si manifesta nelle opere d’arte fondate sull’ordine strutturale e semantico di opere esistenti, di eventi o fenomeni storici per mezzo della mimesi, ovvero della simulazione, nonché attraverso l’utilizzo di un metalinguaggio visuale. Cvijanović crea connessioni lucide fra il passato e il presente, fra realtà parallele di sistemi sociali e strategie artistiche differenti. foto © Aleš Suk
Vanja Mervič (Koper, 1973) je študiral slikarstvo na beneški Akademiji lepih umetnosti in na milanski Akademiji za likovno umetnost Brera, kjer je diplomiral leta 2001. Študij videa in novih medijev je nadaljeval na Akademij za likovno umetnost in oblikovanje v Ljubljani pri prof. Sreču Draganu, kjer je leta 2008 končal magistrski študij. Študijsko se je izpopolnjeval v Belgiji (Hoogeshool, Gent), na Novi Zelandiji (UCOL, Wanganui) in v Avstriji (FH Digital media, University of applied sience, Hagenberg). Leta 2007 je prejel štipendijo mednarodne izmenjave Leonardo, leta 2009 pa je bil dobitnik delovne štipendije Ministrstva za kulturo RS. Izbrane razstave v letu 2013: Salone internazionale Arte & restauro & paesaggio, Galerija sodobne umetnosti, Monfalcone, (Italija); Puerts abertas, Fóndacio Eugénio de Almeida, Evora, (Portugalska); Zu allem Überfluss / Into the bargain, Weissenohe, Nemčija; Literatura in gibljive slike – Met kock, 11. mednarodni komparativistični kolokvij, Vilenica 2013, Koper 2013 (Slovenija) http://black.fri. uni-lj.si/metkock/; Atlas, Solkan 2013, Galerija Dimenzija napredka, Solkan, (Slovenija); SIMULTAN FESTIVAL - ‘Popular Unknown’ - Timisoara - Sinagoga din Cetate, Casa Artelor, (Romunija).
(Capodistria, 1973) ha studiato pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e presso l’Accademia Brera di Milano, laureandosi nel 2001. Ha continuato ad approfondire lo studio del video e dei nuovi media presso l’Accademia di Belle Arti e Design di Lubiana con il prof. Srečo Dragan e ha ottenuto il master nel 2008. Ha frequentato corsi di perfezionamento in Belgio (Hoogeshool, Gand), Nuova Zelanda (UCOL, Wanganui) e Austria (FH Digital media, University of Applied Science, Hagenberg). Nel 2007 ha ottenuto una borsa di studio nell’ambito del programma Leonardo e nel 2009 una borsa di studio del Ministero della cultura della Repubblica Slovena. Selezione di mostre del 2013: Salone Internazionale Arte & restauro & paesaggio, Galleria d’arte contemporanea, Monfalcone, (Italia); Puerts abertas, Fóndacio Eugénio de Almeida, Evora, (Portogallo); Zu allem Überfluss / Into the bargain, Weissenohe, Germania; Literatura in gibljive slike – Met kock, 11° colloquio internazionale di comparativisti, Vilenica 2013, Capodistria 2013 (Slovenia) http://black.fri.uni-lj.si/metkock/; Atlas, Solkan 2013, Galleria Dimenzija napredka, Solkan, (Slovenia); SIMULTAN FESTIVAL - ‘Popular Unknown’ Timisoara - Sinagoga din Cetate, Casa Artelor, (Romania).
Gianni Moretti (Perugia, 1978) živi in dela v Milanu in Berlinu. Kot umetnik je sodeloval z gledališči in se udeležil umetniških gostovanj v Italiji in v tujini (New York, Seul, Berlin). Prejeta priznanja obsegajo: Uvrstitev v finale, Nagrada terna 05, Rim; Nagrada SetUp 2013, Bologna; Umetnostna nagrada Rugabella 2011, Milan; Nagrada San Fedele 2007, Milan; XXIII. nagrada Oscar Signorini 2006, Milan; Nagrada Accademia Olimpica Nazionale 2006, Rim; Nagrada Iceberg 2005, Bologna; Državna nagrada za umetnost 2003, Rim. Izbor osebnih razstav: Leta 2013, Entre chien et loup, Muzej sodobne umetnosti, Lissone (Italija). Leta 2011: Inventario perenne, Centro Arti Visive Pescheria, Pesaro. Leta 2010 Paper Heroes, Gaya Art Space, Bali (Indonezija). Leta 2009 Poena Cullei, Basilica Palladiana, Vicenza. Nekaj skupinskih razstav: Leta 2013: IN BETWEEN, Alte Oberpostdirektion, Hamburg (Nemčija). Leta 2012 Undici allunaggi possibili, Palazzo Zenobio, Benetke. Leta 2011 Round the Clock, dogodek ob boku 54. mednarodnega bienala umetnosti - La Biennale di Venezia, Spazio Thetis, Benetke. Leta 2010 Open, Mongin Art Space, Seul (Južba Koreja). Leta 2009 Italian Artists New York, I.S.C.P., New York (ZDA).
(Perugia, 1978), vive e lavora tra Milano e Berlino. Ha collaborato con il teatro e partecipato a residenze artistiche in Italia e all’estero (New York, Seul, Berlino). Tra i riconoscimenti ottenuti: finalista Premio Terna 05, Roma; Premio SetUp 2013, Bologna; Premio d’Arte Rugabella 2011, Milano; Premio San Fedele 2007, Milano; XXIII Premio Oscar Signorini 2006, Milano; Premio Accademia Olimpica Nazionale 2006, Roma; Premio Iceberg 2005, Bologna; Premio Nazionale delle Arti 2003, Roma. Tra le personali: nel 2013, Entre chien et loup, Museo d’Arte Contemporanea, Lissone (MB). Nel 2011: Inventario perenne, Centro Arti Visive Pescheria, Pesaro. Nel 2010 Paper Heroes, Gaya Art Space, Bali (Indonesia). Nel 2009 Poena Cullei, Basilica Palladiana, Vicenza. Tra le collettive: nel 2013: IN BETWEEN, Alte Oberpostdirektion, Amburgo (Germania). Nel 2012 Undici allunaggi possibili, Palazzo Zenobio, Venezia. Nel 2011 Round the Clock, evento collaterale della 54° mostra internazionale d’arte - La Biennale di Venezia, Spazio Thetis, Venezia. Nel 2010 Open, Mongin Art Space, Seul (Corea del Sud). Nel 2009 Italian Artists New York, I.S.C.P., New York (USA).
Laura Santamaria Laura Santamaria (Monza, 1976) se v svojem ustvarjanju že vrsto let posveča prefinjenemu raziskovanju snovi, ki je prešlo v prostorske instalacije. Srčiko tega procesa predstavlja eksperimentiranje, ki se je razvilo iz preučevanja narave, in sicer postopkov oblikovanja in nastajanja, ki včasih naključno privedejo do nastanka trdnih oblik ali nepričakovanih pojavov. Te njene izkušnje se kažejo v dvodimenzionalnih stvaritvah (delih na papirju in risbah), ki so večinoma abstraktne, pa tudi v njeni fotografijah, kjer združuje vse priložnosti, ki jih ponuja spojitev različnih tehnik. Slikarstvo je študirala na Akademiji za likovno umetnost Brera v Milanu, kiparstvo pa na Loughborough University School of Art and Design, Loughborough, v Združenem kraljestvu. Leta 2013 je pri založbi Artphilein Editions SA izšla njena knjiga Hypnero - artist’s book in je bila predstavljena v knjigarni Choisi v Luganu. Leta 2012 je bila rezidenčna umetnica pri Kunstverein Neukölln Kunstraum t27 v Berlinu, leta 2008 pa je bila napotena na podiplomski študij sodobne umetnosti pri Fundaciji Spinola Banna per l’Arte. Med številnimi delavnicami, ki se jih je udeležila, velja omeniti “Media in Flux” z Geoffreyem Hendricksom (2004) in Višji tečaj likovnih umetnosti pri Fundaciji Antonio Ratti, pod vodstvom gostujočega profesorja Giulia Paolinija (2002). Laura Santamaria je od leta 2001 razstavljala svoja dela v vrsti zasebnih in institucionalnih galerij v Italiji, Nemčiji, Veliki Britaniji, Avstriji, Sloveniji, Španiji in na Poljskem. Njena dela so uvrščena v zbirko likovne umetnosti Fundacije Artphilein.
La pratica di Laura Santamaria (Monza, 1976) si concentra da anni in una raffinata ricerca sulla materia, poi trasferita in installazioni nello spazio. Al centro di questo processo è la sperimentazione nata da un lavoro di studio della natura, in particolare dei processi di formazione che conducono talvolta accidentalmente a forme solide, o a fenomeni imprevisti, esperienze leggibili nei lavori bidimensionali (opere su carta e disegni) generalmente astratti, ma anche nell’uso della fotografia dove sono raccolte le possibilità create dalla fusione delle tecniche. Ha studiato Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, e scultura presso Loughborough University School of Art and Design, Loughborough, England (UK). Hypnero – artist’s book – è stato pubblicato nel 2013 da Artphilein Editions SA, presentato presso Choisi a Lugano. Nel 2012, è stata artista in residenza presso Kunstverein Neukölln - Kunstraum t27 a Berlino e nel 2008 è stata invitata al corso di formazione post-universitaria sull’arte contemporanea della Fondazione Spinola Banna per l’Arte. Tra i vari workshop a cui ha partecipato “Media in Flux” con Geoffrey Hendricks (2004), e il Corso Avanzato di Arti Visive, Fondazione Antonio Ratti, Visiting Professor Giulio Paolini (2002). Il lavoro di Santamaria è stato esposto in gallerie private e istituzioni in Italia, Germania, Gran Bretagna, Austria, Slovenia, Spagna, Polonia dal 2001. Le sue opere fanno parte della collezione di arti visive della Fondazione Artphilein. foto © Elide Brunati
Katalog izdal / Edizione:
Kulturni dom Nova Gorica - Mestna galerija Nova Gorica Zanj odgovarja / Responsabile:
Pavla Jarc
Uredila / Redattore:
Alice Ginaldi
Besedilo / Testo:
Alice Ginaldi
Prevodi / Traduzioni:
Peter Szabo
Pregled besedil / Revisione dei testi:
Mateja Poljšak Furlan
Lektura italijanskih tekstov / Rilettura dei testi italiani:
Lisa Destro
Oblikovanje / Grafica:
M A Y B E studio Tisk / Stampa:
Tiskarna Present d.o.o. Naklada / Numero delle copie:
300
Posebna zahvala / Un ringraziamento particolare a:
Paola Alborghetti, Ettore Alloggia, Marco Antonelli, Lorenza Boisi, Tomislav Brajnović, Giulia Brivio, Elide Brunati, Gianna Caviglia, Manuele Ceschia, Gail Cochrane, Margareta Cvijanović, Nemanja Cvijanović, Caterina De Pietri, Lisa Destro, Giovanni Di Natale, Nomas Foundation, Eckehard Fuchs, Ibro Hasanović, Sophie Hope, Tadej Hrovat, Vanja Mervič, Gianni Moretti, Andrea Morucchio, Andrea Ruschetti, Laura Santamaria, Patrizia Solidoro, Ive Tabar, Massimiliano Terraneo, Elvira Vannini
Razstavo sta omogoÄ?ili / La mostra è stata possibile grazie a: